Ostatni dzień analizy obrazu w Pompejach. Ostatni dzień Pompejów

„Śmierć Pompejów” można nazwać jednym z mało znanych arcydzieł Iwana Konstantinowicza Aiwazowskiego. Wydarzenie historyczne, tragedia starożytnego miasta, zainspirowały malarza do nowego przemyślenia tematu.

Artysta

Iwan Aiwazowski, czyli Hovhannes Ayvazyan, był i pozostaje jednym z najsłynniejszych malarzy morskich w Rosji. Jego pejzaże morskie są kochane i cenione na całym świecie. Prace wystawiane są na popularnych aukcjach Sotheby's i Christie's za miliony funtów szterlingów.

Urodzony w 1817 roku Iwan Konstantynowicz żył osiemdziesiąt trzy lata i zmarł spokojną śmiercią we śnie.

Hovhannes urodził się w kupieckiej rodzinie Ormian z Galicji. później wspominał, że ojciec jako pierwszy odsunął się od swoich korzeni, a nawet próbował wymawiać jego nazwisko po polsku. Iwan był dumny ze swojego wykształconego rodzica, który znał kilka języków.

Od urodzenia Aiwazowski mieszkał w Teodozji. Jego talent artystyczny wcześnie zauważył architekt Jakow Kocha. To on zaczął uczyć Iwana malarstwa.

Burmistrz Sewastopola, widząc dar przyszłego mistrza, również wziął udział w jego rozwoju jako artysty. Dzięki jego staraniom młody talent został wysłany na bezpłatne studia do Petersburga. Podobnie jak wielu innych znanych rosyjskich artystów, Aiwazowski pochodził z Akademii Sztuk Pięknych. Wywarła duży wpływ na preferencje klasycznej malarki morskiej.

Styl

Akademia Sztuk Pięknych w Petersburgu ukształtowała styl Aiwazowskiego dzięki studiom u Johanna Grossa, Philipa Tannera i Alexandra Sauerweida.

Po namalowaniu „Spokoju” Iwan Konstantinowicz w 1837 roku otrzymał złoty medal i prawo do podróży do Europy.

Następnie Aivazovsky wraca na Krym, swoją ojczyznę. Tam przez dwa lata malował pejzaże morskie, a także pomagał armii w bitwach z wrogiem. Jeden z jego obrazów z tego okresu kupił cesarz Mikołaj I.

Po powrocie do Petersburga otrzymał tytuł szlachecki. Ponadto zaprzyjaźnia się z tak wybitnymi przyjaciółmi jak Karl Bryullov i kompozytor Michaił Glinka.

Wędrówki

W 1840 r. Rozpoczęła się pielgrzymka Aiwazowskiego do Włoch. W drodze do stolicy Iwan i jego przyjaciel Wasilij Sternberg zatrzymują się w Wenecji. Tam spotykają innego przedstawiciela rosyjskiej elity, Gogola. który zasłynął już w Imperium Rosyjskim, odwiedził wiele włoskich miast, odwiedził Florencję i Rzym. Pozostał w Sorrento przez długi czas.

Aiwazowski przez wiele miesięcy przebywał ze swoim bratem, który został mnichem, na wyspie św. Łazarza. Tam także komunikował się z angielskim poetą George'em Byronem.

Dzieło „Chaos” kupił od niego papież Grzegorz XVI. Krytycy faworyzowali Aiwazowskiego, a paryska Akademia Sztuk Pięknych przyznała mu nawet medal za zasługi.

W 1842 roku malarz morski opuścił Włochy. Po przekroczeniu Szwajcarii i Renu udaje się do Holandii, a później do Wielkiej Brytanii. W drodze powrotnej odwiedza Paryż, Hiszpanię i Portugalię. Cztery lata później wraca do Rosji.

Mieszkający w Petersburgu Aiwazowski został profesorem honorowym Akademii tego miasta, a także Paryża, Rzymu, Stuttgartu, Florencji i Amsterdamu. Kontynuował malowanie obrazów morskich. Ma na swoim koncie ponad 6000 krajobrazów.

Od 1845 r. mieszkał w Teodozji, gdzie założył szkołę, pomagał w tworzeniu galerii i był inicjatorem budowy kolei. Po jego śmierci pozostał niedokończony obraz „Wybuch tureckiego statku”.

Znane obrazy

Obrazy Aiwazowskiego były bardzo kochane przez przedstawicieli wszystkich klas Imperium Rosyjskiego, a później Związku Radzieckiego. Prawie każda współczesna rodzina ma w domu co najmniej jedną reprodukcję Iwana Konstantinowicza.

Jego nazwisko od dawna jest oznaką najwyższej jakości wśród malarzy morskich. Za najbardziej popularne uważa się następujące prace artysty:

„Dziewiąta fala”
„Pożegnanie Puszkina z morzem”, które napisał wspólnie z Repinem.
"Tęcza".
„Księżycowa noc nad Bosforem”.
Do arcydzieł napisanych przez Aiwazowskiego należy „Śmierć Pompejów”.
„Widok na Konstantynopol i Bosfor”.
"Morze Czarne".

Obrazy te pojawiły się nawet na znaczkach pocztowych. Były kopiowane, haftowane krzyżykowo i satynowo.

Dezorientacja

Co ciekawe, wiele osób myli „Śmierć Pompejów”. Nie wszyscy wiedzą, kto go namalował, z malarstwem Bryullowa nie ma to nic wspólnego. Jego dzieło nosi tytuł „Ostatni dzień Pompejów”.

Został napisany przez Karola Pawłowicza w 1833 roku. Przedstawia starożytnych ludzi uciekających przed wybuchem wulkanu. W Bryullovie mieszkańcy Pompejów zostają zamknięci w samym mieście. „Śmierć Pompejów” – opis obrazu jest zupełnie inny, niesie ze sobą zupełnie inną ideę.

Krajobraz Aiwazowskiego został namalowany w 1889 roku, znacznie później niż jego poprzednik. Jest prawdopodobne, że malarz morski, będąc przyjacielem Bryullowa, mógł inspirować się tym samym wybranym tematem tragedii starożytności.

Historia malarstwa

Najbardziej nietypowe dzieło Aiwazowskiego uważane jest za „Śmierć Pompejów”. Obraz powstał w 1889 roku. Jako podstawę wziął fabułę z historii. To, co stało się z miastem, nadal uważane jest za jedną z największych klęsk żywiołowych na świecie. Pompeje, niegdyś piękna starożytna osada, znajdowały się niedaleko Neapolu, w pobliżu czynnego wulkanu. W 79 r. rozpoczęła się erupcja, która pochłonęła życie setek osób. Opis obrazu Aiwazowskiego pomaga przekazać wszystkie te wydarzenia.

Jeśli Bryulłow pokazał na swoim płótnie, jak mogłoby wyglądać samo miasto i znajdujący się w nim ludzie, wówczas Aiwazowski skupił się na morzu.

„Śmierć Pompejów”. Zdjęcie: kto to napisał i co chciał powiedzieć

Będąc malarzem morskim, Iwan Konstantinowicz skupił się na przekazaniu fabuły poza miasto. Historia już nam mówi, jak kończy się śmierć Pompejów. Obraz jest namalowany w bardzo ciemnych, szkarłatnych odcieniach, symbolizujących życie ludzkie pogrzebane żywcem pod warstwą lawy.

Centralną postacią płótna jest morze, po którym pływają statki. W oddali widać miasto oświetlone lawą. Niebo jest ciemne od dymu.

Pomimo grozy tego wydarzenia Aiwazowski daje nadzieję na lepszą przyszłość, pokazując statki wypełnione ocalałymi.

Iwan Konstantinowicz chciał przekazać rozpacz tych, którzy widzieli śmierć Pompejów. Malowidło nie koncentruje się na twarzach umierających. Niemniej jednak wydaje się, że gorące morze mówi o tragedii i grozy sytuacji. Na płótnie dominują kolory karmazynowy, czarny i żółty.

Na planie centralnym znajdują się dwa duże statki walczące z falami morskimi. W oddali widać jeszcze kilku, spieszących do opuszczenia miejsca śmierci, w którym zamarli na zawsze mieszkańcy miasta, uchwyceni na płótnie „Śmierć Pompejów”.

Jeśli przyjrzysz się uważnie, na górze, w pierścieniach dymu, widać wybuchający wulkan, z którego rzeki lawy spływają na starożytne świątynie i domy. Aiwazowski zintensyfikował to, dodając na całym obrazie wiele czarnych kropek popiołu osadzających się na wodzie.

Zobacz zdjęcie

„Śmierć Pompejów” to obraz namalowany farbami olejnymi na zwykłym płótnie o wymiarach 128 na 218 cm, przechowywany w Rostowie.

Stanowi integralną część kolekcji i przyjmuje zwiedzających codziennie w godzinach 10.00 - 18.00. Muzeum jest zamknięte tylko we wtorki. Adres: ulica Puszkinska, budynek 115.

Koszt zwykłego biletu bez świadczeń będzie kosztować odwiedzającego 100 rubli. Dzieci, które nie chodzą jeszcze do szkoły, będą musiały zapłacić 10 rubli. Uczniowie mogą zapłacić bilet wstępu w wysokości 25 rubli. Studenci płacą 50 rubli, a emeryci 60 rubli.

W zbiorach muzeum znajdują się także inne obrazy Aiwazowskiego, m.in. „Morze” i „Księżycowa noc”. Niemniej jednak perłą kolekcji jest „Śmierć Pompejów”. Opis obrazu daje jasny obraz tego, jak potężna może być natura.

Współcześni mają możliwość zobaczenia oczami malarza ostatnich chwil życia mieszkańców Pompejów. Trzeba przyznać, że w ręku artysty można dostrzec manierę Rafaela i Velazqueza. Pokaz i szczegółowość tak ostro uchwycone, nasycenie szkarłatnych i czerwonawych barw, technika światłocienia – mistrz przejął wszystko, co najlepsze od artystów tamtej epoki. Bardzo znaczący wpływ na technikę i sposób rysowania miał sam Bryulłow, Flawicki, Sierow, Moller i inni. Cechował go pewien akademizm i majestat, który brutalnie pokazał w obrazach „Jeźdźca” i „Oblężenie Psków”.

Aby zrealizować swój pomysł (a pomysł, trzeba przyznać, został wcielony w bardzo imponujący sposób - na płótnie o wymiarach 465 x 561 centymetrów), Bryulłow musiał udać się do podnóża Wezuwiusza i zobaczyć ruiny miasta Pompeje. Tam na miejscu wykonał szkice przyszłego płótna, wyobrażając sobie, jak odrodzony Wezuwiusz wypluwa setki tysięcy ton popiołu i lawy na zdezorientowanych mieszkańców Pompejów. Napisanie dzieła zajęło Bryulłowowi 3 lata, a w 1833 roku skończył je pisać.

Natychmiast po ukończeniu obrazu przewieziono go do recenzji w Rzymie - krytycy i widzowie byli jednomyślni w swoich pochlebnych recenzjach. Obraz został następnie wywieziony na wystawę w Paryżu i umieszczony w Luwrze. Tam zobaczył ją światowej sławy pisarz Walter Scott. Stwierdził, że obraz jest „niezwykły, epicki”. Rok po zakończeniu paryskiej wystawy płótno wreszcie trafia do Rosji, do Petersburga. A tu, w swojej ojczyźnie, wielkie postacie i pisarze niestrudzenie o tym mówią. Turgieniew pozostawił pochlebną recenzję, a Baratyński i Puszkin natychmiast rozproszyli aforyzmy, których cenzura natychmiast zabroniła.

Styl dzieła w tamtym czasie uznawany był za coś niezwykłego, nowatorskiego, bo wyprzedzającego swoją epokę. Teraz technika ta jest uznawana za neoklasycyzm.
Dlatego Bryullov zamienił popularne historie o tematyce historycznej w rodzaj rzeczywistości - przedstawione postacie nie są statyczne, wszystko jest w ruchu. Ich twarze są pełne grozy i strachu. Wydaje się, że sam artysta w tym momencie pochwycił tłum – realność namalowanych postaci jest wielka. Nie obojętny na hrabinę Julię Pawłownę Samoilovą, druhnę cara, Bryullov nie mógł odmówić sobie przyjemności uchwycenia jej kilka razy na zdjęciu.

Tutaj pojawia się po lewej stronie płótna na wzgórzu, w obrazie kobiety z dzbanem na głowie, następnie wizerunku kobiety, która upadła na śmierć - ona i jej dziecko (on żyje) zostali wyrzuceni z połamanych stopni schodów, wreszcie jest matką przytulającą córkę. Artysta przedstawił się jako ten sam malarz w lewym rogu obrazu. Artysta bardzo szczegółowo i radośnie przedstawił płonący blask i spadające marmurowe posągi bogów, nad którymi rozproszyły się błyskawice.

Ludzie oszalali ze strachu uciekają przed zagładą, ale nie mogą uciec. „Ostatni dzień Pompei” ukazuje nam uchwycony obraz życia wiecznego.
Obecnie obraz znajduje się w Muzeum Rosyjskim, gdzie Mikołaj I podarował mu go w 1895 roku.

Rosyjski artysta Karl Bryullov był niewątpliwie szanowany za swoje umiejętności na długo przed stworzeniem tego arcydzieła. Niemniej jednak to „Ostatni dzień Pompejów” przyniósł Bryulłowowi bez przesady światową sławę. Dlaczego obraz katastrofy wywarł takie wrażenie na opinii publicznej i jakie tajemnice skrywa przed widzami do dziś?

Dlaczego Pompeje?

Pod koniec sierpnia 79 roku n.e., w wyniku erupcji Wezuwiusza, miasta Pompeje, Herkulanum, Stabiae i wiele małych wiosek stały się grobami kilku tysięcy lokalnych mieszkańców. Prawdziwe wykopaliska archeologiczne na terenach, które popadły w zapomnienie, rozpoczęły się dopiero w 1748 r., czyli 51 lat przed narodzinami samego Karla Bryulłowa. Wiadomo, że archeolodzy pracowali nie tylko przez jeden dzień, ale przez kilka dziesięcioleci. Dzięki tej okoliczności artysta mógł osobiście odwiedzić wykopaliska i przespacerować się uwolnionymi już od zastygłej lawy starożytnymi rzymskimi ulicami. Co więcej, w tym momencie Pompeje okazały się najbardziej przejrzyste.

Z Bryullowem spacerowała tam także hrabina Julia Samoilova, do której Karol Pawłowicz żywił ciepłe uczucia. Później odegra ogromną rolę w tworzeniu arcydzieła swojego kochanka i nie tylko. Bryullov i Samoilova mieli okazję zobaczyć budynki starożytnego miasta, odrestaurowane przedmioty gospodarstwa domowego i szczątki zmarłych. Wszystko to odcisnęło głębokie i żywe piętno na delikatnej naturze artysty. Miało to miejsce w roku 1827.

Zniknięcie postaci

Pod wrażeniem Bryullov niemal natychmiast zabrał się do pracy, zresztą bardzo poważnie i dokładnie. Niejednokrotnie odwiedzał okolice Wezuwiusza, wykonując szkice przyszłego płótna. Ponadto artysta zapoznał się z zachowanymi do dziś rękopisami, m.in. z listami naocznego świadka katastrofy, starożytnego rzymskiego polityka i pisarza Pliniusza Młodszego, którego wujek Pliniusz Starszy zginął podczas erupcji. Oczywiście taka praca wymagała dużo czasu. Dlatego przygotowania do napisania arcydzieła zajęły Bryullovowi ponad 5 lat. Samo płótno o powierzchni ponad 30 metrów kwadratowych powstało w niecały rok. Z wyczerpania artysta czasami nie mógł chodzić, dosłownie wynoszono go z warsztatu. Ale nawet przy tak starannym przygotowaniu i ciężkiej pracy nad arcydziełem Bryullov w pewnym stopniu zmieniał pierwotny plan. Nie użył na przykład szkicu złodzieja zabierającego biżuterię upadłej kobiecie.

Te same twarze

Jedną z głównych tajemnic, jakie można znaleźć na płótnie, jest obecność na obrazie kilku identycznych kobiecych twarzy. Jest to dziewczynka z dzbanem na głowie, kobieta leżąca na ziemi z dzieckiem, a także matka przytulająca córki oraz osoba z mężem i dziećmi. Dlaczego Bryullov narysował je tak podobnie? Faktem jest, że wzorem dla wszystkich tych postaci była ta sama dama - ta sama hrabina Samoilova. Pomimo tego, że artysta narysował na zdjęciu inne osoby ze zwykłych mieszkańców Włoch, najwyraźniej Samoiłow Bryullow, ogarnięty pewnymi uczuciami, po prostu lubił malować.

Ponadto w tłumie przedstawionym na płótnie można znaleźć samego malarza. Przedstawiał siebie jako artystę z pudełkiem wypełnionym przyborami do rysowania na głowie. Metodę tę, jako rodzaj autografu, stosowało wielu włoskich mistrzów. A Bryullov spędził wiele lat we Włoszech i tam studiował sztukę malarską.

chrześcijański i pogański

Wśród bohaterów arcydzieła jest także wyznawca wiary chrześcijańskiej, którego łatwo rozpoznać po krzyżu na piersi. Matka i dwie córki przytulają się do niego, jakby szukając ochrony przed starcem. Jednak Bryullov namalował także pogańskiego księdza, który szybko ucieka, nie zwracając uwagi na przestraszonych mieszczan. Niewątpliwie chrześcijaństwo było wówczas prześladowane i nie wiadomo na pewno, czy któryś z wyznawców tej wiary mógł przebywać w tym czasie w Pompejach. Ale Bryullov, starając się zachować dokumentalną autentyczność wydarzeń, wprowadził do swojej twórczości ukryty sens. Za pośrednictwem wspomnianych kapłanów pokazał nie tylko sam kataklizm, ale zanik starego i narodziny nowego.

Działka

Płótno przedstawia jedną z najpotężniejszych erupcji wulkanów w historii ludzkości. W 79 roku Wezuwiusz, który wcześniej milczał tak długo, że od dawna uznawano go za wymarły, nagle „obudził się” i zmusił wszystkie żyjące w okolicy do uśpienia na zawsze.

Wiadomo, że Bryulłow czytał wspomnienia Pliniusza Młodszego, który był świadkiem wydarzeń w Misenum, który przeżył katastrofę: „Przerażony tłum szedł za nami i... zwartą masą napierał na nas, popychając do przodu, gdy my wyszedł... Zamarliśmy w środku najbardziej niebezpiecznych i przerażających scen. Rydwany, które odważyliśmy się wyciągnąć, chwiały się tak mocno w przód i w tył, chociaż stały na ziemi, że nie mogliśmy ich utrzymać nawet podkładając pod koła duże kamienie. Wydawało się, że morze cofa się i zostaje odciągnięte od brzegów przez konwulsyjne ruchy Ziemi; zdecydowanie ląd znacznie się powiększył, a na piasku znalazło się kilka zwierząt morskich... Wreszcie straszliwa ciemność zaczęła się stopniowo rozwiewać, niczym chmura dymu; znów pojawiło się światło dzienne i nawet wyszło słońce, chociaż jego światło było ponure, jak to bywa przed zbliżającym się zaćmieniem. Każdy przedmiot, który pojawiał się przed naszymi oczami (które były skrajnie osłabione), wydawał się zmieniony, pokryty grubą warstwą popiołu, jak śnieg.

Pompeje dzisiaj

Niszczycielski cios w miasta nastąpił 18–20 godzin po rozpoczęciu erupcji – ludzie mieli wystarczająco dużo czasu na ucieczkę. Nie wszyscy jednak zachowali ostrożność. I chociaż nie udało się ustalić dokładnej liczby zgonów, liczba ta jest liczona w tysiącach. Są wśród nich przede wszystkim niewolnicy, których właściciele pozostawili na straży swego majątku, a także osoby starsze i chore, które nie miały czasu na wyjazd. Byli też tacy, którzy mieli nadzieję przeczekać katastrofę w domu. W rzeczywistości nadal tam są.

Jako dziecko Bryullov ogłuchł na jedno ucho po uderzeniu przez ojca.

Na płótnie panuje panika, żywioły nie oszczędzają ani bogatego, ani biednego. I co ciekawe, Bryullov posługiwał się jednym modelem, pisząc ludzi z różnych klas. Mowa o Julii Samoilovej, której twarz pojawia się na płótnie czterokrotnie: po lewej stronie płótna kobiety z dzbanem na głowie; w centrum kobieta upadająca na śmierć; w lewym rogu obrazu matka przyciągająca do siebie córki; kobieta ochraniająca swoje dzieci i oszczędzająca wraz z mężem. Artysta szukał twarzy pozostałych postaci na ulicach Rzymu.

Zaskakujące na tym zdjęciu jest także rozwiązanie kwestii światła. „Oczywiście zwykły artysta nie omieszkałby wykorzystać erupcji Wezuwiusza do oświetlenia swojego obrazu; ale pan Bryullov zaniedbał to lekarstwo. Geniusz zainspirował go śmiałym pomysłem, równie szczęśliwym, co niepowtarzalnym: oświetlić całą przednią część obrazu szybkim, drobnym i białawym blaskiem błyskawicy, przecinając grubą chmurę popiołu pokrywającą miasto, podczas gdy światło od erupcji, z trudem przebijając się przez głęboką ciemność, rzuca czerwonawy półcień, znikający w tle” – napisano wówczas w gazetach.

Kontekst

Zanim Bryulłow zdecydował się napisać śmierć Pompejów, uznano go za utalentowanego, ale wciąż obiecującego. Aby zyskać status mistrza, potrzebna była poważna praca.

Motyw Pompejów był wówczas popularny we Włoszech. Po pierwsze, wykopaliska były bardzo aktywne, a po drugie, doszło do jeszcze kilku erupcji Wezuwiusza. Nie mogło to nie znaleźć odzwierciedlenia w kulturze: opera Pacciniego „L” Ultimo giorno di Pompeia” z sukcesem wystawiana była na scenach wielu włoskich teatrów. Nie ulega wątpliwości, że artysta widział ją może nie raz.

Pomysł napisania o śmierci miasta wyszedł z samych Pompejów, które Bryulłow odwiedził w 1827 roku z inicjatywy swojego brata, architekta Aleksandra. Zbieranie materiału trwało 6 lat. Artysta dbał o szczegóły. Zatem rzeczy, które wypadły z pudełka, biżuteria i inne różne przedmioty na zdjęciu, zostały skopiowane z tych, które archeolodzy znaleźli podczas wykopalisk.

Akwarele Bryullova były najpopularniejszą pamiątką z Włoch

Powiedzmy kilka słów o Julii Samoilovej, której twarz, jak wspomniano powyżej, pojawia się na płótnie czterokrotnie. Do obrazu Bryullov szukał typów włoskich. I chociaż Samoilova była Rosjanką, jej wygląd odpowiadał wyobrażeniom Bryullova na temat tego, jak powinny wyglądać Włoszki.

„Portret Yu. P. Samoilovej z Giovaniną Pacini i Małym Arabem”. Bryullowa, 1832-1834

Poznali się we Włoszech w 1827 roku. Bryullov przyjął tam doświadczenie starszych mistrzów i szukał inspiracji, a Samoilova żyła swoim życiem. W Rosji udało jej się już uzyskać rozwód, nie miała dzieci, a ze względu na zbyt burzliwe życie bohemy Mikołaj I poprosił ją, aby wyprowadziła się z dworu.

Kiedy prace nad obrazem dobiegły końca i włoska publiczność zobaczyła płótno, w Bryullowie rozpoczął się boom. To był sukces! Każdy, spotykając się z artystą, traktował przywitanie się z artystą jako zaszczyt; Kiedy pojawiał się w kinach, wszyscy wstawali, a u drzwi domu, w którym mieszkał, lub restauracji, w której jadł obiad, zawsze gromadziło się wiele osób, aby go powitać. Od samego renesansu żaden artysta nie był we Włoszech obiektem takiego kultu jak Karl Bryullov.

Triumf czekał na malarza także w jego ojczyźnie. Ogólna euforia wokół filmu staje się jasna po przeczytaniu słów Baratyńskiego:

Przyniósł łupy pokoju
Zabierz go ze sobą pod baldachim swojego ojca.
I był „Ostatni dzień Pompejów”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla.

Karl Bryullov połowę swojego świadomego życia twórczego spędził w Europie. Po ukończeniu Cesarskiej Akademii Sztuk w Petersburgu po raz pierwszy wyjechał za granicę, aby doskonalić swoje umiejętności. Gdzie indziej, jeśli nie we Włoszech, można to zrobić?! Początkowo Bryullov malował głównie włoskich arystokratów, a także akwarele ze scenami z życia. Te ostatnie stały się bardzo popularną pamiątką z Włoch. Były to obrazy niewielkich rozmiarów, z kompozycjami drobnofigurkowymi, bez portretów psychologicznych. Takie akwarele gloryfikowały głównie Włochy ze względu na ich piękną przyrodę i przedstawiały Włochów jako naród, który genetycznie zachował starożytne piękno swoich przodków.

Przerwana randka (Woda już przepłynęła przez krawędź). 1827

Bryullov pisał w tym samym czasie, co Delacroix i Ingres. Był to czas, kiedy w malarstwie na pierwszy plan wysunął się temat losów ogromnych mas ludzkich. Nic więc dziwnego, że na swoje programowe płótno Bryullov wybrał historię śmierci Pompejów.

Bryullov nadwątlił swoje zdrowie podczas malowania katedry św. Izaaka

Obraz wywarł na Mikołaju I tak silne wrażenie, że zażądał od Bryulłowa powrotu do ojczyzny i zajęcia miejsca profesora Cesarskiej Akademii Sztuk. Po powrocie do Rosji Bryulłow spotkał się i zaprzyjaźnił z Puszkinem, Glinką i Kryłowem.

Freski Bryulłowa w katedrze św. Izaaka

Artysta ostatnie lata życia spędził we Włoszech, próbując ratować zdrowie, nadszarpnięte podczas malowania katedry św. Izaaka. Godziny długiej, ciężkiej pracy w wilgotnej, niedokończonej katedrze źle wpływały na serce i zaostrzały reumatyzm.

Publikacje w dziale Muzea

Starożytna tragedia rzymska, która stała się triumfem Karla Bryulłowa

23 grudnia 1799 roku urodził się Karol Bryulłow. Karl, syn urodzonego we Francji rzeźbiarza Paula Brulleau, był jednym z siedmiorga dzieci w rodzinie. Jego bracia Paweł, Iwan i Fedor również zostali malarzami, a brat Aleksander – architektem. Jednak najbardziej znany był Karol, który w 1833 roku namalował „Ostatni dzień Pompejów”, główne dzieło jego życia. „Kultura.RF” przypomniała sobie, jak powstawał ten obraz.

Karol Bryulłow. Autoportret. 1836

Historia stworzenia

Obraz powstał we Włoszech, gdzie w 1822 roku artysta udał się na czteroletni wyjazd emerytalny z Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych. Ale mieszkał tam przez 13 lat.

Fabuła opowiada o starożytnej tragedii rzymskiej - śmierci starożytnego miasta Pompeje, położonego u podnóża Wezuwiusza: 24 sierpnia 79 r. n.e. mi. Erupcja wulkanu pochłonęła życie dwóch tysięcy mieszkańców.

W 1748 roku inżynier wojskowy Rocque de Alcubierre rozpoczął wykopaliska archeologiczne w miejscu tragedii. Odkrycie Pompejów stało się sensacją i znalazło odzwierciedlenie w twórczości różnych ludzi. Tak więc w 1825 r. ukazała się opera Giovanniego Paciniego, a w 1834 r. powieść historyczna Anglika Edwarda Bulwer-Lyttona poświęcona śmierci Pompejów.

Bryullov po raz pierwszy odwiedził miejsce wykopalisk w 1827 roku. Wybierając się do ruin, 28-letni artysta nie miał pojęcia, że ta wyprawa okaże się dla niego fatalna: „Nie można przejść przez te ruiny, nie czując w sobie zupełnie nowego uczucia, które sprawi, że zapomnisz o wszystkim oprócz strasznego wydarzenia z tym miastem”.– napisał artysta.

Uczucia, których doświadczył Karl Bryullov podczas wykopalisk, nie opuściły go. Tak narodził się pomysł płótna o tematyce historycznej. Pracując nad fabułą, malarz zapoznawał się ze źródłami archeologicznymi i literackimi. „Wziąłem tę scenerię z natury, bez wycofywania się i bez dodawania, stojąc tyłem do bram miasta, aby zobaczyć część Wezuwiusza jako główny powód”. Wzorami postaci byli Włosi – potomkowie starożytnych mieszkańców Pompejów.

Na przecięciu klasycyzmu i romantyzmu

W tej pracy Bryullov objawia się nie jako tradycyjny klasycysta, ale jako artysta ruchu romantycznego. Zatem jego fabuła historyczna poświęcona jest nie jednemu bohaterowi, ale tragedii całego narodu. A jako fabułę wybrał nie wyidealizowany obraz lub pomysł, ale prawdziwy fakt historyczny.

To prawda, że Bryullov buduje kompozycję obrazu w tradycji klasycyzmu - jako cykl poszczególnych epizodów zamkniętych w trójkącie.

Po lewej stronie obrazu, w tle, przedstawiono kilka osób na stopniach dużego budynku grobowca Skaurusa. Kobieta patrzy bezpośrednio na widza z przerażeniem w oczach. A za nią artysta z pudełkiem farb na głowie: to autoportret Bryullowa przeżywającego tragedię wraz ze swoimi bohaterami.

Bliżej widza widać małżeństwo z dziećmi, które próbuje uciec przed lawą, a na pierwszym planie kobieta przytulająca córki... Obok niej chrześcijański ksiądz, który już zawierzył swój los Bogu i dlatego jest spokój. W głębi obrazu widzimy pogańskiego księdza rzymskiego, który próbuje uciec, zabierając kosztowności rytualne. Tutaj Bryullov nawiązuje do upadku starożytnego pogańskiego świata Rzymian i początku ery chrześcijańskiej.

Po prawej stronie obrazu, w tle, jeździec na koniu, który stanął dęba. A bliżej widza ogarnięty przerażeniem pan młody, który próbuje trzymać w ramionach narzeczoną (ma na sobie wianek z róż), która straciła przytomność. Na pierwszym planie dwóch synów niesie na rękach starego ojca. A obok nich młody mężczyzna, błaga matkę, aby wstała i uciekła dalej od tego wszechogarniającego żywiołu. Swoją drogą ten młody człowiek to nikt inny jak Pliniusz Młodszy, który faktycznie uciekł i zostawił wspomnienia z tragedii. Oto fragment jego listu do Tacyta: „Patrzę wstecz. Ogarnęła nas gęsta czarna mgła, rozprzestrzeniająca się niczym strumień nad ziemią. Wszędzie wokół zapadła noc, w przeciwieństwie do nocy bezksiężycowej czy pochmurnej: ciemno robi się tylko w zamkniętym pokoju przy zgaszonym świetle. Słychać było krzyki kobiet, piski dzieci i krzyki mężczyzn, jedni wołali do rodziców, inni do dzieci lub żon i próbowali ich rozpoznać po głosach. Niektórzy opłakiwali własną śmierć, inni śmierć bliskich, niektórzy w obawie przed śmiercią modlili się o śmierć; wielu podniosło ręce do bogów; większość wyjaśniała, że bogów nigdzie nie ma i dla świata była to ostatnia wieczna noc”..

Na zdjęciu nie ma głównego bohatera, ale są centralni: złotowłose dziecko przy leżącym na ziemi ciele zmarłej matki w żółtej tunice - symbol upadku starego świata i narodzin nowego, to jest przeciwieństwo życia i śmierci – w najlepszych tradycjach romantyzmu.

Na tym zdjęciu Bryullov pokazał się także jako innowator, wykorzystując dwa źródła światła - gorące czerwone światło w tle, oddające wrażenie zbliżającej się lawy i zimne zielonkawo-niebieskie na pierwszym planie, dodając dodatkowego dramatyzmu fabule.

Jasna i bogata kolorystyka tego obrazu narusza także klasyczne tradycje i pozwala mówić o artyście jako o romantyku.

Triumfalna procesja z obrazem

Karl Bryullov pracował na płótnie przez sześć lat – od 1827 do 1833 roku.

Obraz został po raz pierwszy zaprezentowany publiczności w 1833 roku na wystawie w Mediolanie – i od razu wywołał sensację. Artystę uhonorowano rzymskim triumfem, a w prasie pojawiły się pochwalne recenzje obrazu. Bryullowa witano brawami na ulicy, a podczas jego podróży po granicach włoskich księstw nie potrzebowali paszportu: wierzono, że każdy Włoch znał go już z widzenia.

W 1834 roku na Salonie Paryskim zaprezentowano Ostatni dzień Pompejów. Krytyka francuska była, w przeciwieństwie do włoskiej, bardziej powściągliwa. Ale profesjonaliści docenili tę pracę, wręczając Bryullovowi złoty medal Francuskiej Akademii Sztuk.

Płótno zrobiło furorę w Europie i było z niecierpliwością oczekiwane w Rosji. W tym samym roku został wysłany do Petersburga. Po obejrzeniu obrazu Mikołaj I wyraził chęć osobistego spotkania z autorem, jednak artysta udał się z hrabią Władimirem Davydowem w podróż do Grecji i wrócił do ojczyzny dopiero w grudniu 1835 roku.

11 czerwca 1836 roku honorowi goście, członkowie Akademii, artyści i po prostu miłośnicy sztuki zebrali się w Sali Okrągłej Rosyjskiej Akademii Sztuk, gdzie wystawiony został obraz „Ostatni dzień Pompejów”. Autor obrazu, „wielki Karol”, został wniesiony do sali na rękach przy entuzjastycznych krzykach gości. „Tłumy gości, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, żeby popatrzeć na Pompeje”., pisze współczesny i świadek sukcesu, jakiego nie znał żaden rosyjski artysta.

Klient i właściciel obrazu, Anatolij Demidow, podarował go cesarzowi, a Mikołaj I umieścił go w Ermitażu, gdzie pozostawał przez 60 lat. A w 1897 roku został przeniesiony do Muzeum Rosyjskiego.

Obraz dosłownie podekscytował całe rosyjskie społeczeństwo i najlepsze umysły tamtych czasów.

Trofea pokojowe sztuki
Przyniosłeś to pod baldachim swojego ojca.
I był „Ostatni dzień Pompei”
Za rosyjski pędzel pierwszego dnia! -

o obrazie pisał poeta Jewgienij Boratyński.

Aleksander Puszkin poświęcił jej także wiersze:

Wezuwiusz otworzył usta - dym uniósł się w chmurze, płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.

Michaił Lermontow wspomina także „Ostatni dzień Pompejów” w powieści „Księżniczka Ligowska”: „Jeśli kochasz sztukę, to mam dla ciebie bardzo dobrą wiadomość: obraz Bryullowa „Ostatni dzień Pompejów” jedzie do Petersburga. Wiedziały o niej całe Włochy, Francuzi ją skarcili., - Lermontow wyraźnie wiedział o recenzjach paryskiej prasy.

Rosyjski historyk i podróżnik Aleksander Turgieniew powiedział, że ten obraz był chwałą Rosji i Włoch.

A Mikołaj Gogol poświęcił obrazowi długi artykuł, pisząc: „Jego pędzel zawiera tę poezję, którą tylko czujesz i którą zawsze możesz rozpoznać: nasze uczucia zawsze znają i widzą nawet charakterystyczne cechy, ale słowa nigdy ich nie wyrażą. Jego kolor jest tak jasny, że prawie nigdy wcześniej nie był, jego kolory płoną i rzucają się w oczy. Byliby nie do zniesienia, gdyby artysta pojawił się na poziomie niższym niż Bryullow, ale wraz z nim odziani są w tę harmonię i oddychają tą wewnętrzną muzyką, którą wypełnione są żywe przedmioty natury”..