Menu
domMiłość i relacje

Znane osoby na portretach Repina i na fotografiach (11 zdjęć). Ilia Repin

Ilya Efimovich Repin – rosyjska artystka urodził się 24 lipca 1844 r. w mieście Czuguew. Zaczynał w warsztacie malarza ikon Bunakowa. Talent Repina objawił się dość wcześnie i wkrótce zajął się już malowaniem kościołów. Za otrzymane za te prace pieniądze wyjechał do Petersburga, aby zawodowo studiować malarstwo. Tutaj wchodzi do szkoły artystycznej imienia R.K. Żukowskiego i.

Repin został zapamiętany przez tamtejszych nauczycieli ze względu na jego ciągłą samokrytykę. Artysty wydawało się, że wszystko skończyło się dla niego źle i pracował nad swoimi obrazami więcej niż innymi, co doprowadziło do niespotykanych dotąd rezultatów. Wkrótce żaden z jego kolegów nie mógł się z nim równać w sztuce posługiwania się pędzlem.

Ilya Repin był bardzo wrażliwy na to, co działo się w społeczeństwie - często znajdowało to odzwierciedlenie w jego obrazach. Artysta komunikował się z młodymi ludźmi, którzy byli niezwykle demokratyczni i zafascynowani ideami Czernyszewskiego. Repin był przyjacielem innego wielkiego artysty Kramskoya. Razem pracowali i angażowali się w działalność społeczną. Razem dołączyli do wystaw objazdowych, kiedy opuścili Akademię Sztuk Pięknych z powodu różnicy zdań.

Przewoźnicy barek na Wołdze, Kozacy piszący list do tureckiego sułtana, Sadko – wszystkie te dzieła napisał wielki artysta. Często zarzucano mu niestałość. Dziś maluje obraz o tematyce biblijnej, jutro studium psychologiczne lub portret. Wszystko w jego twórczości jest niespójne, posłuszne jedynie nagłemu impulsowi Ilyi Efimowicza. Sam twórca powiedział, że uwielbia różnorodność.

W latach 80. rozpoczyna się najbardziej owocny okres w jego życiu. W tym okresie namalował obraz „Procesja w prowincji kurskiej”, który Tretiakow natychmiast kupił do swojej galerii za duże pieniądze. Repina przyciągnął temat rewolucyjnej Rosji. Jednym z najważniejszych płócien poruszających tę tematykę jest „Nie czekali”. Przedstawia rewolucjonistę, który wreszcie wrócił do domu z wygnania. Na tym obrazie widać bardzo złożoną i szeroką gamę uczuć. Każda postać doświadcza czegoś innego. Na wystawach objazdowych zbliżenie się do tego obrazu było prawie niemożliwe, ponieważ wokół tłoczyli się ludzie. Wielu chwaliło artystę za to, że nie zatrzymał się na „Przewoźnikach barek”, ale poszedł dalej.

Repin osiągnął najwyższy szczyt w swojej twórczości, tworząc obraz „Iwan Groźny i jego syn Iwan”. Na tym zdjęciu car Iwan Groźny nagle zdaje sobie sprawę, jak strasznego czynu się dopuścił, zabijając syna. „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana” wcale nie jest fikcyjną fabułą obrazu. Tę historię usłyszał od ukraińskiego historyka, który opowiedział mu, jak odważnie i odważnie Kozacy odpowiedzieli tureckiemu sułtanowi, który żądał od nich posłuszeństwa.

W 1894 r. Ilya Repin objął stanowisko profesora w Akademii Sztuk Pięknych. To był bardzo trudny okres w jego życiu. Prawa ręka przestała działać i musiał nauczyć się pisać lewą. W 1907 roku Repin opuścił Akademię i wraz z żoną Natalią Nordman zamieszkał na daczy w Penaty w Finlandii. Wielki malarz zmarł w 1930 roku.

Przewoźnicy barek jadący do brodu

Przewoźnicy barek na Wołdze

Iwan Groźny i jego syn Iwan

Procesja w obwodzie kurskim

Michaił Iwanowicz Glinka

W promieniach słońca

Żebracza rybaczka

Mikołaj z Miry ratuje trzech niewinnych skazańców przed karą śmierci

Jesienny bukiet. Portret Very Ilyinichnaya Repina

Odmowa zeznań przed egzekucją

Portret kompozytora Modesta Pietrowicza Musorgskiego

Portret Nadii Repiny, córki artysty

Jednym z najbardziej znanych rosyjskich artystów jest Ilya Repin. Obrazy malarza zyskały uznanie nie tylko w naszym kraju, ale także za granicą. Autor stworzył wiele wspaniałych obrazów o najróżniejszej treści. Jednocześnie zawsze starał się ukazać aktualne problemy współczesnej rzeczywistości. Nawet w fabułach o tematyce historycznej zawsze starał się przybliżyć widzowi przedstawiane sceny.

Krótki opis twórczości

Ilya Repin, której obrazy zasłużenie weszły do ​​\u200b\u200bzłotego funduszu sztuki rosyjskiej, zawsze pozostała realistką. Jednocześnie był otwarty na wszystko, co nowe: interesował się szeroką gamą stylów artystycznych: od malarstwa artystów holenderskich XVII wieku po osiągnięcia współczesnych impresjonistów.

Jednak on sam niezmiennie wyznawał zasadę prostoty, realizmu i niezawodności. Artysta zawsze stronił od fanaberii, preferując prostotę i klarowność tematów. Nie eksperymentował z kolorami, wręcz przeciwnie, malował przedmioty takimi, jakie pojawiały się w jego wyobraźni. Zasady te przedstawił w swojej pracy „Far Close”.

„Przewoźnicy barek na Wołdze”

Ilja Repin niezmiennie wykazywała szczególne zainteresowanie obrazami życia ludowego. Obrazy artysty o tej tematyce zawsze spotykały się z ciepłym przyjęciem demokratycznie nastawionej inteligencji i artystów. W latach 1870-1873 namalował jeden ze swoich najsłynniejszych i monumentalnych obrazów „Woźnicy barek na Wołdze”.

Fabuła obrazu powstała pod wrażeniem podróży artysty wzdłuż Wołgi. Na tym płótnie autor przekazał siłę i wielkość prostego narodu rosyjskiego. Wizerunki robotników okazały się bardzo solidne i poetyckie, w dużej mierze dlatego, że autor nadał indywidualne cechy każdej z ukazanych postaci. Dzieło to zyskało także uznanie międzynarodowe, gdyż przedstawiało scenę z życia ludowego, choć temat ten był niepopularny wśród malarzy Akademii.

Płótna historyczne

Ilya Repin pokazała kluczowe momenty z przeszłości naszego kraju. Obrazy artysty o tej tematyce przepełnione były szczególną dramaturgią. Jednym z najbardziej znanych dzieł jest obraz „Iwan Groźny i jego syn Iwan”, powstały w 1885 roku. Świadczy to o tym, że artysta wybrał na wizerunek księcia pisarza V. Garshina, w którego wyglądzie, jego zdaniem, krył się wyraz jakiejś zagłady. Płótno zostało negatywnie przyjęte przez cesarza Aleksandra III, nałożono nawet na niego zakaz, który jednak został zniesiony dzięki staraniom innych osobistości kultury.

W 1880 r. Ilja Efimowicz Repin podróżował po Małej Rosji. Malarstwo artysty z późnego okresu jest szczególnie epickie i kolorowe. W 1891 roku pod wrażeniem wspomnianej podróży stworzył obraz „Kozacy piszą list do sułtana tureckiego”.

Napisanie dzieła poprzedziło długi okres studiowania warunków życia, strojów i historii mieszkańców Małej Rosji.

portrety

Malarz stworzył wiele wizerunków swoich wybitnych współczesnych. Prawie wszyscy mieli z nim przyjazne stosunki. Ilya Efimovich Repin przyjaźniła się z pisarzem L. Tołstojem przez prawie dwadzieścia lat. Obrazy-portrety artysty wyrażają współczucie dla osób, które mu pozowały. Stworzył wiele wizerunków tego autora, jednak najsłynniejszy portret nosi tytuł „Oracz Lew Tołstoj na polach uprawnych”, który namalował w 1887 roku. W obrazie tym podkreślił bliskość pisarza z życiem ludowym, całą jego naturę i niezwykłą siłę fizyczną.

Ilya Repin przyjaźniła się z wieloma wybitnymi artystami. Obrazy, których opis ukazuje szeroki wachlarz jego zainteresowań, wyróżniają się demokracją i prostotą, co niezmiennie urzeka widzów i krytyków. To jest obraz słynnego kompozytora M. Musorgskiego. Dzieło pisane było już w czasie choroby, jednak z niezwykłą umiejętnością ukazał żywy umysł, skupiając się na oczach i wyrazie twarzy. Kolejnym nie mniej znanym portretem autora jest wizerunek słynnego filantropa P. Tretiakowa.

Prace ceremonialne

Ilya Repin, którego obrazy z imionami są prezentowane w tej recenzji, wykonał szereg zamówień cesarza. W latach 1884–1886 namalował płótno „Przyjęcie starszych volostów przez cesarza Aleksandra III na dziedzińcu Pałacu Pietrowskiego w Moskwie”. Zamówienie to przyciągnęło artystę nową możliwością pokazania przedstawicieli ludu. W latach 1901-1903 namalował obraz przedstawiający posiedzenie Rady Państwa. Porządek ten miał znaczenie polityczne, jednak przyciągnął artystę możliwością wykonania drobnych szkiców i szkiców zgromadzonych twarzy. Szybkie tempo pracy sprawiło, że w krótkim czasie stworzył kilka ciekawych szkiców. Tak więc twórczość artysty była różnorodna i różnorodna. Malował obrazy o różnorodnej tematyce, a płótna niezmiennie mu wychodziły. Autor wniósł wielki wkład w rozwój realizmu w malarstwie rosyjskim. Ponadto wychował całą galaktykę niezwykłych artystów, wśród których byli V. Serov, I. Grabar i inni.

Dni bezpłatnego zwiedzania muzeum

W każdą środę można bezpłatnie zwiedzać wystawę stałą „Sztuka XX wieku” w Nowej Galerii Trietiakowskiej, a także wystawy czasowe „Dar Olega Yakhonta” i „Konstantin Istomin. Kolor w oknie”, odbywającej się w Korpusie Inżynieryjnym.

Prawo do bezpłatnego dostępu do ekspozycji w Gmachu Głównym przy Ławruszinskiej Alei, Budynku Inżynieryjnym, Nowej Galerii Trietiakowskiej, domu-muzeum V.M. Wasnetsow, mieszkanie-muzeum A.M. Wasnetsow jest przyjmowany w kolejnych dniach dla niektórych kategorii obywateli w ogólnym porządku:

Pierwsza i druga niedziela każdego miesiąca:

    dla studentów szkół wyższych Federacji Rosyjskiej, niezależnie od formy kształcenia (w tym obcokrajowcy – studenci rosyjskich uczelni, doktoranci, adiunkci, rezydenci, asystenci) po okazaniu legitymacji studenckiej (nie dotyczy osób okazujących legitymacje studenckie) );

    dla uczniów szkół średnich i średnich specjalistycznych instytucji edukacyjnych (od 18 lat) (obywatele Rosji i krajów WNP). W pierwszą i drugą niedzielę każdego miesiąca studenci posiadający karty ISIC mają prawo bezpłatnie zwiedzać wystawę „Sztuka XX wieku” w Nowej Galerii Trietiakowskiej.

w każdą sobotę - dla członków rodzin wielodzietnych (obywatele Rosji i krajów WNP).

Informujemy, że warunki bezpłatnego wstępu na wystawy czasowe mogą się różnić. Szczegóły znajdziesz na stronach wystawy.

Uwaga! W kasie Galerii wydawane są bilety wstępu o nominale „bezpłatne” (za okazaniem odpowiednich dokumentów – dla ww. zwiedzających). Jednocześnie wszystkie usługi Galerii, w tym usługi wycieczek, są opłacane zgodnie z ustaloną procedurą.

Zwiedzanie muzeum w święta

W Dniu Jedności Narodowej – 4 listopada – Galeria Trietiakowska czynna jest w godzinach 10:00 – 18:00 (wstęp do 17:00). Wejście płatne.

  • Galeria Trietiakowska przy Ławruszinskim, Budynek Inżynieryjny i Nowa Galeria Trietiakowska – od 10:00 do 18:00 (kasa i wejście do 17:00)
  • Muzeum-apartament A.M. Wasnetsowa i Dom-Muzeum V.M. Wasnetsow – zamknięte
Wejście płatne.

Czekając na ciebie!

Informujemy, że warunki preferencyjnego wstępu na wystawy czasowe mogą się różnić. Szczegóły znajdziesz na stronach wystawy.

Prawo do preferencyjnej wizyty Korzystanie z Galerii, za wyjątkiem przypadków przewidzianych odrębnym zarządzeniem Dyrekcji Galerii, odbywa się po okazaniu dokumentów potwierdzających prawo do preferencyjnych zwiedzania:

  • emeryci (obywatele Rosji i krajów WNP),
  • pełnoprawni kawalerowie Zakonu Chwały,
  • uczniowie szkół średnich i średnich specjalnych (od 18 roku życia),
  • studenci wyższych uczelni Rosji, a także studenci zagraniczni studiujący na rosyjskich uniwersytetach (z wyjątkiem studentów odbywających praktyki),
  • członkowie rodzin wielodzietnych (obywatele Rosji i krajów WNP).
Odwiedzający powyższe kategorie obywateli kupują bilet ulgowy w ogólnym porządku.

Prawo do bezpłatnego wstępu Ekspozycje główne i czasowe Galerii, z wyjątkiem przypadków przewidzianych odrębnym zarządzeniem Dyrekcji Galerii, udostępniane są następującym kategoriom obywateli po okazaniu dokumentów potwierdzających prawo do bezpłatnego wstępu:

  • osoby poniżej 18 roku życia;
  • studenci wydziałów specjalizujących się w sztukach pięknych rosyjskich szkół średnich i wyższych, niezależnie od formy kształcenia (a także studenci zagraniczni studiujący na rosyjskich uniwersytetach). Klauzula nie dotyczy osób okazujących legitymację studencką „stażystów” (w przypadku braku w karcie studenta informacji o kierunku, przedstawia się zaświadczenie z instytucji edukacyjnej z obowiązkowym wskazaniem wydziału);
  • weterani i inwalidzi Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, kombatanci, byli nieletni więźniowie obozów koncentracyjnych, gett i innych miejsc przetrzymywania utworzonych przez nazistów i ich sojuszników podczas II wojny światowej, obywatele nielegalnie represjonowani i resocjalizowani (obywatele Rosji i krajów WNP );
  • żołnierze wojskowi Federacji Rosyjskiej;
  • Bohaterowie Związku Radzieckiego, Bohaterowie Federacji Rosyjskiej, Pełni Kawalerzy „Zakonu Chwały” (obywatele Rosji i krajów WNP);
  • osoby niepełnosprawne z grupy I i II, uczestnicy likwidacji skutków katastrofy w elektrowni jądrowej w Czarnobylu (obywatele Rosji i krajów WNP);
  • jedna towarzysząca osoba niepełnosprawna z grupy I (obywatele Rosji i krajów WNP);
  • jedno towarzyszące niepełnosprawne dziecko (obywatele Rosji i krajów WNP);
  • artyści, architekci, projektanci - członkowie odpowiednich związków twórczych Rosji i ich podmiotów, historycy sztuki - członkowie Stowarzyszenia Krytyków Sztuki Rosji i jego podmiotów, członkowie i pracownicy Rosyjskiej Akademii Sztuki;
  • członkowie Międzynarodowej Rady Muzeów (ICOM);
  • pracownicy muzeów systemu Ministerstwa Kultury Federacji Rosyjskiej i odpowiednich Departamentów Kultury, pracownicy Ministerstwa Kultury Federacji Rosyjskiej i ministerstw kultury podmiotów Federacji Rosyjskiej;
  • wolontariusze programu Sputnik - wejście na wystawy „Sztuka XX wieku” (Krymski Val, 10) i „Arcydzieła sztuki rosyjskiej XI - początku XX wieku” (Lavrushinsky pereulok, 10), a także do Domu -Muzeum V.M. Wasnetsow i mieszkanie-muzeum A.M. Wasnetsow (obywatele Rosji);
  • przewodnicy-tłumacze posiadający kartę akredytacji Stowarzyszenia Tłumaczy Przewodników i Organizatorów Turystyki Rosji, w tym także towarzyszący grupie turystów zagranicznych;
  • jeden nauczyciel placówki oświatowej i jeden nauczyciel towarzyszący grupie uczniów szkół średnich i średnich specjalistycznych placówek oświatowych (jeśli istnieje voucher na wycieczkę, abonament); jeden nauczyciel instytucji edukacyjnej, która posiada państwową akredytację prowadzenia działalności edukacyjnej przy prowadzeniu uzgodnionej sesji szkoleniowej i posiada specjalną odznakę (obywatele Rosji i krajów WNP);
  • towarzysząca grupie studentów lub grupie żołnierzy (w przypadku posiadania bonu wycieczkowego, abonamentu i podczas szkolenia) (obywatele Rosji).

Odwiedzający powyższe kategorie obywateli otrzymują bilet wstępu o nominale „Bezpłatny”.

Informujemy, że warunki preferencyjnego wstępu na wystawy czasowe mogą się różnić. Szczegóły znajdziesz na stronach wystawy.


Iwan Siergiejewicz Aksakow (1823 - 1886) - rosyjski publicysta, poeta, osoba publiczna, jeden z przywódców ruchu słowianofilskiego.
Portret został namalowany przez Repina na zlecenie P.M. Tretiakowa we wsi Warwarino, rejon Juriewski, obwód włodzimierski, gdzie I.S. Aksakow przebywał na wygnaniu po wygłoszeniu słynnego przemówienia z okazji Kongresu Berlińskiego w Komitecie Słowińskim 22 czerwca, 1878. Faktem jest, że na Kongresie Berlińskim Rosja poczyniła szereg ustępstw wobec Zachodu, po wynikach wojny rosyjsko-tureckiej zrewidowano Traktat z San Stefano i wycięto terytorium Bułgarii na korzyść Turków. Takie stanowisko władz rosyjskich wywołało oburzenie społeczne w Rosji. Aksakow wypowiadał się na posiedzeniu komisji słowiańskiej z gniewną krytyką decyzji Kongresu Berlińskiego i stanowiska zajętego na nim przez delegację rządu rosyjskiego. „Wstyd” – oświadczył – „Rosja, zwycięzca, sama dobrowolnie zdegradowała się do poziomu pokonanych”, a sam kongres, stwierdził w swoim przemówieniu, „jest niczym innym jak otwartym spiskiem przeciwko narodowi rosyjskiemu, przeciwko wolności narodu rosyjskiego Bułgarzy, niepodległość Serbów.” Aksakowa zesłano na wieś, a decyzją cara Komitet Słowiański został rozwiązany.


Wasilij Iwanowicz Surikow (1848 - marzec 1916) - rosyjski malarz, mistrz wielkoformatowych płócien historycznych, akademik i członek zwyczajny Cesarskiej Akademii Sztuk. Córka Surikowa, Olga, wyszła za mąż za artystę Piotra Konczałowskiego. Jego wnuczka Natalia Konczałowska była pisarką. Jej dzieci to prawnuki Wasilija Surikowa: Nikita Michałkow i Andriej Konczałowski.


Nikołaj Władimirowicz Remizow (1887 - 1975) (pseudonim Re-Mi, prawdziwe nazwisko Remizow-Wasiliew) - rosyjski malarz i grafik, scenograf teatralny, jeden z czołowych pracowników magazynu Satyricon, artysta teatralny i filmowy. W 1917 roku zilustrował bajkę Czukowskiego „Krokodyl”, w której po raz pierwszy przedstawił autora jako postać w dziele
Repin wcześnie zauważył zdolności początkującego karykaturzysty: „Nigdy nie widziałem takiej różnorodności, elastyczności i specyfiki typów w rosyjskiej dziedzinie karykatury.<…>…te karykatury bardzo często uderzają kunsztem; a czasem nawet robią głębokie wrażenie swoimi pomysłami: Re-mi<…>i inni autorzy to bardzo utalentowani młodzi ludzie”.
Artystę zapalił pomysł namalowania portretu młodego Remiego w nowy dla niego sposób: „Odtąd” – pisał do Czukowskiego – „... zamierzam zastosować inną metodę: pomalować tylko jedną sesję - jak wyjdzie, to tyle; w przeciwnym razie każdy jest w innym nastroju: świeżość zarówno malarstwa, jak i pierwszego wrażenia na osobie zostaje przeciągnięta i utracona. Tak więc, jeśli masz szczęście pisać z Korolenko - jedna sesja, z Re-mi - także. I choć portret ten nie powstał w ciągu jednej sesji, to jednak „traktowano go z największą swobodą i umiejętnością”.


Aleksander Fiodorowicz Kiereński (1881 - 1970) - rosyjski polityk i mąż stanu; minister, następnie minister-przewodniczący Rządu Tymczasowego (1917). Po rewolucji październikowej opuścił Rosję.
Kiereński pozował dla Repina i jego ucznia I.I. Brodskiego w Pałacu Zimowym w dawnej bibliotece Mikołaja II, która służyła za jego biuro, Repin wykonał szkic, z którego następnie namalował dwa portrety Kiereńskiego. W 1926 roku za pośrednictwem delegacji artystów radzieckich, która odwiedziła go w Penatach, podarował Muzeum Rewolucji w Moskwie jeden portret.


Akseli Valdemar Gallen-Kallela (1865 - 1931) był fińskim artystą szwedzkiego pochodzenia, najbardziej znanym z ilustracji do Kalevali. Wybitny przedstawiciel „złotego wieku” sztuki fińskiej lat 1880-1910. .
W 1920 Repin został wybrany członkiem honorowym Towarzystwa Artystów Fińskich. W tym samym czasie Repin chciał namalować portret Gallena-Kalleli, z jakiegoś powodu widząc jego podobieństwo do Kozaka. Portret ten powstał w czasie jednej sesji, obecnie znajduje się w Muzeum Ateneum

Ciąg dalszy nastąpi...

Opublikowano: 14 czerwca 2007 r

Artysta Ilja Efimowicz Repin , kreatywny sposób

szczyt Rosyjskie malarstwo rodzajowe druga połowa XIX wieku jest dziełem I. E. Repina (1844-1930). Jednocześnie wielki artysta był nie tylko malarzem gatunkowym, ale z równym blaskiem pracował w dziedzinie portretu i malarstwa historycznego. Współcześni byli zdumieni jego niesamowitymi umiejętnościami obrazkowymi.

Repin urodził się w 1844 r. w Czuguewie w rodzinie osadnika wojskowego. Już w dzieciństwie musiał doświadczyć potrzeby, wcześnie poznać pracę. Już w wieku siedemnastu lat pracował w warsztatach zajmujących się malowaniem ikon. Namiętne pragnienie zostania artystą zaprowadziło Repina do Petersburga, a jego wielki talent otworzył przed nim drzwi Akademii Sztuk. To był styczeń 1864 roku, Repin miał dwadzieścia lat.

W Akademii I. E. Repin uczył się „alfabetu” sztuki, ale zawsze uważał Kramskoya za swojego głównego nauczyciela. To właśnie w rozmowach z Kramskojem, w sporach i odczytach w „czwartkach” Artela ukształtował się światopogląd Repina. I wiele lat później napisał: „Jestem człowiekiem lat 60.… ideały Gogola, Bielińskiego, Turgieniewa, Tołstoja jeszcze dla mnie nie umarły… życie wokół mnie za bardzo mnie podnieca, nie daje odpoczywam, prosi się o namalowanie na płótnie; rzeczywistość jest zbyt oburzająca, żeby z czystym sumieniem haftować wzory – zostawmy to dobrze wychowanym młodym damom.

Przez długie lata życia Repin pozostał wierny demokratycznym ideałom swojej młodości, wierny sztuce krytycznego realizmu.

Pierwszym dziełem, które przyniosło Repinowi sławę w kręgach artystycznych, był obraz namalowany przed ukończeniem Akademii na konkurs o duży złoty medal. Nazywało się Zmartwychwstanie córki Jaira (1871). Ta tradycyjna historia ewangelii została zaoferowana Repinowi przez profesorów. Religijna, a nawet mistyczna strona fabuły – wskrzeszenie martwej dziewczyny przez Chrystusa – oczywiście nie mogła urzec tak trzeźwego realisty jak Repin.

Zdjęcie nie wyszło... A na krótko przed konkursem, jak sam artysta powiedział, przypomniało mu się dzieciństwo, zmarła ukochana siostra... Wyobraźnia zaczęła pracować. Obraz został namalowany szybko, z zapałem. Zadziwia psychologią, rzeczywistością, a nawet iluzoryczną naturą. Szczególnie udana jest lewa połowa płótna - w żółtawych odbiciach świec wyłania się łóżko zmarłej, widoczna jest jej śmiertelnie blada twarz, a obok niej postać Chrystusa, oświetlona promieniami światła dziennego, które pękają w półmrok pokoju. Na obraz Chrystusa, w jego szlachetnej powściągliwości, niewątpliwie wpłynęły echa wrażeń, jakie Repin wywarł na obrazie A. A. Iwanowa „Pojawienie się Chrystusa ludziom”.

Za „Zmartwychwstanie córki Jaira” Repin otrzymał duży złoty medal, a wraz z nim prawo do wyjazdów zagranicznych z Akademii na okres sześciu lat.

Zmartwychwstanie córki Jaira. I. Repin. 1871

Jednak Repin postanowił przełożyć podróż. Wszystkie jego myśli były skupione na nowym dziele, które wymyślił na długo przed programem akademickim, Mówimy o „Przewoźnikach barek na Wołdze” (1870–1873).

Po raz pierwszy Repin zobaczył woźniców barek na Newie w piękny letni dzień 1868 roku. Następnie zszokowany tym spektaklem postanowił namalować obraz przedstawiający wyczerpanych woźniców barek w strzępach i sprytny tłum bezczynnych letnich mieszkańców w pobliżu.

Pomysł wpisuje się w ducha oskarżycielskiego malarstwa lat 60. Ale wkrótce Repin go zmienił. Porzucił bezpośredni sprzeciw i całą swoją uwagę skupił wyłącznie na przewoźnikach barek. W celu zebrania materiału artysta dwukrotnie udał się nad Wołgę. W jego albumach pojawiły się setki rysunków.

Były to portrety przewoźników barek, ich zdjęcia pod różnymi kątami, widoki na Wołgę i po prostu szkice lokalnych mieszkańców. W tym czasie namalował wiele szkiców farbami olejnymi, wykonał kilka szkiców i przez długi czas rysował każdy obraz przyszłego obrazu. Po kilku przeróbkach wiosną 1873 roku prace zakończono.

Sukces obrazu przekroczył wszelkie oczekiwania. Od niej, jak powiedział sam artysta, jego sława rozeszła się na całą wielką Ruś. Rzeczywiście „Przewoźnicy barek na Wołdze” to najlepszy obraz realistycznego malarstwa gatunkowego lat 70., ucieleśnienie ówczesnych demokratycznych idei humanistycznych. W tym obrazie Repina, skuteczniej niż ktokolwiek inny, zostało wyrażone wszystko, do czego aspirowali jego współcześni: i potężne „chóralne” brzmienie tematu. i głęboki psychologizm każdego obrazu oraz umiejętności kompozycyjne i kolorystyczne.

„Cztery lata temu” – napisał Kramskoj – „Perow wyprzedził wszystkich, jeszcze tylko cztery lata, a po „Przewoźnikach barek” Repina był niemożliwy… Dla wszystkich stało się oczywiste, że nie można już zatrzymać się przynajmniej na mała stacja, na czele z Perowem”.

Z wielką siłą przekonywania Repin pokazał jedenastu przewoźników barek.

Powoli, jedna po drugiej, zdają się przesuwać przed widzem... różni ludzie, różne losy. Na czele – tak przyjmowano w partiach burlakowych – najsilniejsi. Pierwszą osobą, która od razu przyciąga uwagę, jest barkarz o szałowej twarzy i wyraźnym, łagodnym spojrzeniu. Prototypem dla niego był Kanin, pop-ogolony, człowiek o trudnym losie, który zachował duchową łagodność i wytrzymałość nawet w pasku burlatskim. Jego sąsiad po lewej stronie to potężny i życzliwy bohater, po prawej (pozował marynarz Ilka) zgorzkniały mężczyzna o ciężkim spojrzeniu spod brwi, obok nich, wciąż pełna sił, wychudzona twarz wyczerpanego mężczyzny, ledwo stojący na nogach - W środku całej grupy stoi jeszcze bardzo młody burlak, pierwszy raz spacerujący po linie holowniczej. Nie jest przyzwyczajony do paska, próbuje go naprawić, ale to mu niewiele pomaga… A jego gest, którym (po raz dziesiąty!) Naprawia pasek, jest odbierany niemal symbolicznie, zdaniem Stasow. jako „protest i sprzeciw potężnej młodzieży przeciwko nieodwzajemnionemu posłuszeństwu ludzi dojrzałych, złamanych przyzwyczajeniem i czasem…” ludzi. Pracując nad tym obrazem, Repin wykorzystał szkice, do których pozował chłopiec o imieniu Larka.

Cały obraz przesiąknięty jest żarliwym protestem przeciwko takiemu zniewoleniu człowieka. Jednak obok nut naprawdę tragicznych, uparcie wybrzmiewają w nim inne. Przewoźnicy barek Repina to nie tylko uciskani, ale także ludzie o silnej woli i odporni. Podobnie jak jego współcześni Savitsky i Myasoedov, Repin widzi w masie pracy trwałe i niezależne postacie. Aby uczynić tę ideę jeszcze jaśniejszą, Repin zastosował swego rodzaju technikę kompozycyjną.

Wybrał raczej niską linię horyzontu, dlatego postacie ludzi unosiły się jak na piedestale. Wyróżniają się ostro jako ciemna plama na tle błękitnego nieba i żółtawo-niebieskawych odległości. Wydaje się, że sylwetki spacerujących łączą się w jedną całość. Wszystko to nadaje obrazowi cechy monumentalności, odpowiadające jego strukturze ideologicznej. Współcześni byli zaskoczeni kolorem obrazu, wydawał im się zaskakująco słoneczny.

Pojawienie się na wystawie „Przewoźników barek” wywołało gorące kontrowersje. Cały obóz postępowy wzniósł je jako sztandar krytycznej sztuki demokratycznej. Stasow odpowiedział genialnym artykułem, głęboko zszokowany Dostojewski powitał Repina.

W prasie reakcyjnej pojawiły się negatywne recenzje, a rektor Akademii Sztuk Pięknych, rektor F. A. Bruni, nazwał obraz „największą profanacją sztuki”. To zderzenie poglądów odzwierciedlało napiętą walkę ideologiczną między przedstawicielami obu kultur, typową dla drugiej połowy XIX wieku.

Po zakończeniu „Przewoźników barek” w maju 1873 r. Repin skorzystał z prawa do wyjazdów za granicę. Przez Wiedeń przedostał się do Włoch, a stamtąd jesienią do Paryża. Wycieczka miała ogromne znaczenie dla Repina. Widział wiele słynnych dzieł wielkich mistrzów przeszłości i poznawał nowoczesną sztukę europejską. Zapoznał się oczywiście z najbardziej nowatorskim nurtem w życiu artystycznym Francji – impresjonizmem i charakterystycznym dla niego kultem malarstwa plenerowego.

Nawet w Rosji Repin odgadł potrzebę pracy na świeżym powietrzu i próbował to zrobić w procesie tworzenia Barge Haulers. Ale w każdym razie w głównej wersji obrazu nie udało mu się to zbytnio.

We Francji Repin malował teraz pejzaże i ludzi na świeżym powietrzu, nauczył się dokładnie znajdować relacje kolorystyczne obiektów oświetlonych słońcem, żyjących w jednym środowisku światła i powietrza.

Repin powrócił do Rosji na początku 1876 roku i tego samego lata stworzył jedno ze swoich najbardziej poetyckich dzieł, urokliwy obraz Na ławce darniowej, zbiorowy portret rodziny artysty. Malowanie w plenerze, bezpłatnie.

pełen szczególnego wdzięku, świadczący o kunszcie zawodowym młodego artysty, a w nastroju pełnym cichej radości i spokoju, obraz prawdopodobnie odzwierciedlał stan ducha jego autora, który dopiero niedawno, po kilku latach, znalazł się w ojczyźnie separacyjny.

Jesienią tego samego roku Repin udał się do Czuguewa. Od genialnego Paryża, stolicy St. Petersburga - po odległą prowincję... Wybór okazał się wyjątkowo udany. Wydawało się, że Repin pogrążył się w samym sercu ludzkiego życia. „Wesela, spotkania volostów, jarmarki, bazary - wszystko to jest teraz tętniące życiem, interesujące i pełne życia” – Repin napisał do Stasowa. Bogactwo obrazów, fabuł, nowych tematów dosłownie przytłoczyło artystę. Ciężko pracował i był bardzo produktywny. W istocie tutaj, w Czuguewie, ostatecznie ukształtował się ten kierunek w jego sztuce, który został już nakreślony w Burlaki i dał powód do uznania Repina za prawdziwie narodowego i niezwykle popularnego artystę.

Od końca lat 70. rozpoczął się rozkwit twórczości Repina. W 1877 r namalował dwa znakomite portrety swoich rodaków-chłopów („Człowiek o złym oku” i „Chłop nieśmiały”). Obydwa przedstawiają bardzo konkretne osoby, ale jednocześnie mają w sobie znaczenie typowych obrazów zbiorowych. W tym samym czasie Repin stworzył genialne w malarstwie dzieło „Protodeakon”, portret diakona Iwana Ułanowa, potężnego człowieka, żarłoka i lubieżnego. „Co za interesujący typ!” Repin relacjonował Kramskojowi. „Ten ekstrakt naszych diakonów, tych lwów duchownych, którzy ani na jotę nie polegają na niczym duchowym, są z krwi i kości, z wyłupiastymi oczami, ziewającymi i ryk, bezsensowny ryk, ale uroczysty i mocny, w większości przypadków jak sam rytuał… ”W Chuguev Repin wykonał kilka szkiców przyszłych obrazów, a wśród nich „Procesja religijna w obwodzie kurskim”.

Obraz ukończono w 1883 roku i pokazywano na XI wystawie objazdowej.

Jego sukces był oczywiście wyjątkowy wśród demokratycznie nastawionych widzów. Wraz z pojawieniem się tego obrazu stało się oczywiste, że Repin osiągnął wyżyny, których nigdy wcześniej nie widziano u niego i w całej sztuce rosyjskiej. Ani „Woźnicy barek na Wołdze”, ani inne jego dzieła z tego okresu nie mogą się równać z „Procesją”, która tak szerzej i zgodnie z prawdą, a co najważniejsze, przekonująco artystycznie ukazała prawdziwe oblicze poreformacyjnej Rosji, jej nierówności społeczne, niesprawiedliwość społeczną, ucisk i poniżanie moralne zwykłych ludzi.

Wybrana przez artystę fabuła dała mu możliwość ukazania ludzi o różnym statusie majątkowym. Przecież w uroczystej ceremonii przekazania ikony „cudownej” wzięło udział wiele osób: duchowieństwo, szlachta, kupcy, lokalna policja, bogaci chłopi, wiejska nędza, żebracy itp.

Na zdjęciu tłum przesuwa się z głębin na pierwszy plan, ale w tym pojedynczym strumieniu można wyróżnić trzy równoległe prądy. Nie mieszają się ze sobą. Dbają o to żandarmi, oficerowie i starsi, którzy niczym graniczne kamienie milowe oddzielają środkową część pochodu, po której idzie „czysta” publiczność, od obu strumieni po prawej i lewej stronie wzdłuż krawędzie drogi. Przychodzą tu żebracy, wędrowcy, pielgrzymi i inni biedni ludzie. Tak więc w jednej procesji bardzo wyraźnie ukazana jest nierówność społeczna ludzi.

W środkowej części procesji przedstawiono statecznych chłopów „domowych”, duchownych we wspaniałych szatach i chór. Ale prawdziwym centrum tej procesji jest ważna dama, zaszczycona niesieniem „cudownej” ikony. Twarz tej pani, matowa, nadęta, nie wyraża nic poza głupią dumą. Jednocześnie w pełni koresponduje z nastrojem wielu uczestników procesji.

Repin nie pozwolił na najmniejszą przesadę w interpretacji uczestników procesji, wizerunek każdego z nich jest całkowicie zgodny z prawdą, a zachowanie jest uzasadnione psychologicznie. „Przede wszystkim prawda życia zawsze zawiera głęboką ideę” – napisał Repin do Tretiakowa. Pomysł ten jest dyskretny, pozbawiony bezpośrednich uprzedzeń, artysta ujawnia, gdy niezauważalnie przenosi wzrok widza z grupy centralnej na lewo, na pobocze, gdzie jeden z nieśmiałych i pokornych tłumów, garbus, rzucił się naprzód w stronę "cudowny". A widz widzi, jak wódz zdecydowanie zablokował mu drogę. Twarz garbusa jest niesamowita: nerwowa, inteligentna, uparta i w jakiś sposób oświecona, jakby rozświetlona głębokim, wewnętrznym światłem. Garbus odgrywa wyjątkową rolę w kompozycji obrazu. Repin wysunął go na pierwszy plan, jakby przeciwstawiając się większości uczestników procesji.

Tak, a jego wewnętrzne cechy są przeciwieństwem reszty. Szczery, podekscytowany, szczerze czysty i wrażliwy, garbus budzi naturalne współczucie i bez wątpienia jest zwiastunem pozytywnego początku.

Obraz tej osoby jest głęboki i sprzeczny, pod wieloma względami zbiorowy. Jego naiwna wiara i pełnia natury były bardzo charakterystyczne dla większości ciemnej patriarchalnej wioski. Jednocześnie urażony i urażony w swoich uczuciach, jest postrzegany niemal symbolicznie, jakby odzwierciedlał upokorzenie, któremu stale poddawana była osoba z ludu.

Jest rzeczą oczywistą, że wrażenie absolutnej prawdy, jakie powstaje podczas oglądania obrazu, zależy nie tylko od cech każdego obrazu, nie tylko od konstrukcji kompozycyjnej, ale także od decyzji kolorystycznej. Malarstwo Repina przekonuje, jak zgodnie z prawdą udało mu się oddać różnorodność kolorów odświętnie ubranego tłumu, blask złotej dekoracji ikony, odbicie świec w latarni w jasnym świetle dnia, skromne brązowo-szare ubrania zwyczajni ludzie. Jednocześnie artyście udało się znaleźć odpowiednie proporcje kolorów i połączyć wszystkie te bogate kolory w jeden zespół. W pełni opanowując prawa malarstwa plenerowego, Repin był w stanie oddać światło słonecznego dnia, lekko przyćmione przez kurz unoszący się na setki stóp, bladoniebieskie niebo i bezdrzewne zbocze wypalone przez słońce w oddali.

Od końca lat 70. Repin pracował także nad obrazami poświęconymi ruchowi rewolucyjnemu („Pod eskortą”, „Nie czekali”, „Aresztowanie propagandysty”, „Odmowa spowiedzi” itp.).
„Odmowa spowiedzi” (1879-1885) to jedno z najlepszych dzieł tego cyklu.

Bezpośrednim powodem powstania obrazu był wiersz „Ostatnia spowiedź” N. M. Minskiego (Vilenkina), opublikowany w nielegalnym populistycznym czasopiśmie „Narodna Wola” w październiku 1879 r. W tym udramatyzowanym wierszu skazany na śmierć rewolucjonista odmawia wyznaje i rzuca w twarz księdzu gniewne i dumne słowa: Z szafotu stworzę ambonę i po cichu potężne kazanie. Ostatni raz wypowiem się przed tłumem! Nie uczyłem Cię jak żyć, ale pokażę Ci jak umrzeć! Repin, jak wspomina Stasow, był zszokowany tym, co przeczytał. Temat rewolucjonistów od dawna go pociągał i zachwycał. Ale teraz znalazła konkret. Trzeba było jedynie znaleźć odpowiednią formę artystyczną, aby nadać każdemu obrazowi ostre bogactwo psychologiczne. W albumach Repina, zastępując się nawzajem, pojawiły się szkice dwucyfrowej kompozycji przyszłego obrazu.

Fabuła obrazu jest wyraźnie ujawniona w jego tytule. Jednak jego treść jest głębsza i bardziej tragiczna. Chodzi nie tylko o to, że więzień odmawia przyznania się do winy, ale o to, aby w tych ostatnich godzinach życia zachował duchową siłę i żarliwe przekonanie o słuszności obranej drogi. Jego twarz, wymizerowana i cierpiąca, ale wciąż silna wola, dumnie odrzucona głowa, niezależna postawa - wszystko mówi o odwadze i wytrwałości.

Skazany na śmierć, ale niezłamany duchowo rewolucjonista stoi moralnie wyżej od księdza, którego władze więzienne wysłały do ​​celi, ponad jego filisterską samozadowolenie i pokorę.

Bohaterstwo na tym obrazie jest nierozerwalnie związane z tragedią. Wszystko przesiąknięte jest poczuciem zbliżającej się katastrofy. Połączenie ponurych brązowo-czarnych i szaro-zielonych, ziemistych tonów wydaje się złowieszcze.

Mniej więcej w tych samych latach w warsztacie Repina powstał kolejny obraz, również poświęcony rewolucjonistom - populistom - „Nie czekali”. Fabuła jest mniej tragiczna, akcja nie rozgrywa się w więzieniu. Przedstawiono radosne wydarzenie - powrót wygnania do rodziny. Jednocześnie Repin ujawnił w tej radości tak wiele poprzedzających ją cierpień psychicznych, że obraz stał się głęboko dramatyczny.

Repin pokazał ten moment, który trwa sekundy: pierwszą minutę spotkania, kiedy na salę nagle wchodzi osoba, której się nie spodziewano i której spotkania prawie nie oczekiwano… Niespodzianka. Pierwsze przebłyski wciąż niedowierzającej radości. Ale w następnej chwili uściski, pocałunki, łzy, pytania… To były te krótkie sekundy poprzedzające ogólną radość, jaką okazywał Repin. Trzeba być genialnym psychologiem, żeby móc wyrazić tak złożony przejściowy stan umysłu ludzi : niepewne, nieśmiałe kroki powracającego, wciąż nie wie, jak zostanie przyjęty, czy wybaczone zostaną cierpienia, które spowodował), powolny ruch matki, która wstała na spotkanie syna (zawsze się bała) że nie dożyje tej chwili, a teraz chyba boi się uwierzyć w szczęście). Żona zwróciła się gwałtownie do wygnańca (na jej twarzy odbiło się cierpienie i radość); radosnymi oczami uczeń wyciągnął rękę do ojca; dziewczyna, która nie poznała przybysza, wzdrygnęła się ze strachu. I tylko służąca, obca, patrzy na nieznajomego obojętnie.

W filmie „Nie czekali” życie rewolucjonisty ukazane jest jako dramat rodzinny, jako tragedia setek inteligentnych rodzin związanych z ruchem wyzwoleńczym. Ten obraz jest bez wątpienia jednym z najlepszych dzieł malarstwa gatunkowego lat 80.

Jak niegdyś w „Przewoźnikach barek”, tutaj Repin z największą siłą artystycznej ekspresji ucieleśniał poszukiwania charakterystyczne dla całego malarstwa codziennego tego okresu. Jest to większe zainteresowanie wewnętrznym światem człowieka, ujawnieniem tajnych ruchów jego duszy w porównaniu z poprzednim razem.

Obraz przyciąga wysokim kunsztem wykonania. Niczym utalentowany reżyser Repin tworzy przemyślaną, wyważoną kompozycję, a jednocześnie sprawia wrażenie bezpośredniości: sprawia wrażenie, jakby scena została wzięta wprost z życia. Jednocześnie każdy szczegół nabiera głębokiego znaczenia: zarówno skromne wyposażenie pokoju, jak i wiszące na ścianie portrety Szewczenki i Niekrasowa, ulubionych poetów raznochinckiej inteligencji.
„Nie czekali” to arcydzieło pleneru malarskiego. Obraz jest dosłownie przesiąknięty światłem i powietrzem, chłodem deszczowego letniego dnia.

Ważną cechą malarstwa gatunkowego Repina jest jego swoisty historyzm. Dotyczy to przede wszystkim wszelkich dzieł poświęconych ruchowi rewolucyjnemu, który sam w sobie jest już własnością historii. Ale inne dzieła Repina, na przykład „Procesja w prowincji kurskiej”, zbliżają się do obrazu historycznego - ukazują rolę i miejsce zwykłych ludzi w życiu publicznym kraju.

Repin zajmował się także właściwym malarstwem historycznym. Pod koniec lat 70., zapewne przez analogię do wydarzeń współczesnych, szczególnie pociągała go tragedia silnej osobowości, ludzi o upartym charakterze, niezłomnej woli. Taka jest księżniczka Zofia na obrazie „Księżniczka Zofia Aleksiejewna rok po uwięzieniu w klasztorze Nowodziewiczy podczas egzekucji łuczników i tortur wszystkich jej sług w 1698 r.” . Według Kramskoya „Sofya sprawia wrażenie tygrysicy zamkniętej w żelaznej klatce, co całkowicie odpowiada historii”.

Kolejne duże płótno historyczne Repin stworzył w połowie lat 80., kiedy wciąż miał świeżo w pamięci egzekucje z ponurego roku 1881.

„Nowoczesne kratery, które właśnie zostały wessane przez napędzane życiem, tlące się kratery, które jeszcze nie ostygły… Strach było podejść, nie ulec… Naturalne było szukanie wyjścia z bolesnej tragedii w historii” – wspomina Repin. Powstał więc pomysł, aby pokazać zbrodnię popełnioną przez cara Iwana IV, który zabił własnego syna.

„Pracowałem jak oczarowany. Przez kilka minut czułem strach” – powiedział Repin. Obraz został namalowany szybko. Pracując nad wizerunkiem Iwana Groźnego, Repin korzystał ze szkiców portretowych kompozytora P. I. Blaramberga i artysty G. G. Myasoedova; pisarz V. M. Garshin i artysta V. K. Menk pozowali księciu.

Do 1885 r. na XIII wystawę objazdową obraz został ukończony i wystawiony pod tytułem „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”.

Repin pokazał Groznemu nie w chwili morderstwa, nie w wściekłości dzikiego gniewu, ale przerażony tym, co zrobił… Czując, że traci syna, przycisnął go do siebie, próbując zacisnąć ranę, uratować... Twarz Groznego splamiona krwią jest straszna, w wielkich oczach - szaleństwo.

Dziki żal, męki pokuty nadają obrazowi Strasznego jakąś straszliwą moc.

Żaden inny artysta nie przedstawił tak strasznej ludzkiej tragedii.

Cierpienie, groza Straszliwego Ojca, który traci to, co najcenniejsze – syna, jest tak wielkie, że on, morderca i despota, jawi się nam niemal jako ofiara, ofiara własnej dzikiej samowoly. W potępieniu despotyzmu, okrucieństwa, nieludzkości morderstw, humanistycznej orientacji obrazu.

Przez analogię do teraźniejszości obraz brzmiał szczególnie trafnie. Wkrótce dało się to odczuć w kręgach oficjalnych. Pobedonostsev zażądał zakazu malowania obrazu. Wkrótce rzeczywiście została usunięta z wystawy.

Już w 1878 roku, na długo przed Iwanem Groźnym, Repin wpadł na pomysł obrazu „Kozacy”, który opowiada o tym, jak wesoło Kozacy ułożyli śmiałe zbiorowe przesłanie do sułtana w odpowiedzi na jego propozycję poddania się i pójścia na jego służbę. Latem 1880 roku Repin podróżował po Ukrainie, zebrał najcenniejszy materiał do etiud, a jesienią, porwany przez Kozaków, napisał do Stasowa: „Do tej pory nie mogłem ci odpowiedzieć, Włodzimierzu Wasiljewiczu, a Kozacy są winić za wszystko... Oto dwa tygodnie od połowy bez odpoczynku. Mieszkam z nimi, nie mogę się rozstać, to pogodny naród... Cholerni ludzie!.. Nikt na całym świecie nie zaznał wolności, równości i braterstwo tak głęboko! Przez całe życie Zaporoże pozostawało wolne, nie poddawało się niczemu…”.

Później jedna lub druga praca odciągnęła Repina od Kozaków, ale ciągle do nich wracał, przerabiał, przepisywał i kończył do 1891 roku.

Obraz mieni się śmiechem - zaraźliwym, o różnych odcieniach, od lekkiego uśmiechu po grzmiący śmiech. Ta ogólna zabawa doskonale oddaje ducha niezależności i wolności, z którego słynęli Kozacy.

Na tym obrazie nie ma jednego głównego bohatera, zastąpili go ludzie. Artysta skutecznie oddał w utworze chóralny początek, starając się pokazać, że postaci jest znacznie więcej, niż jest to ukazane. W głębi płótna widać liczne namioty, dymią ogniska, dużo ludzi się porusza. A po prawej i lewej stronie obrazu Repin „odcina” niektóre postacie, zmuszając w ten sposób widza do mentalnego przesuwania kadrów i wyobrażania sobie ogromnego tłumu Kozaków - tych, którzy nie zmieścili się na płótnie, stłoczonych poza jego ramami.

„Kozacy piszą list do tureckiego sułtana” – wielki sukces Repina, jego pragnienie tworzenia epickich płócien przedstawiających życie mas, znalazło odzwierciedlenie tutaj, wiara artysty w siłę ludu, w jego umiłowanie wolności wyrażenie. Kozacy to najbardziej optymistyczny z obrazów Repina.

Jest oczywiste, że wszystkie prace tematyczne Repina opierają się na jego genialnym darze psychologa. Był oczywiście także wybitnym portrecistą.

Galeria portretów Repina jest bardzo różnorodna. Oto portrety postaci rosyjskiej kultury i nauki (L. N. Tołstoj, poseł Musorgski, V. V. Stasow i wielu innych), poetyckie wizerunki dzieci (głównie dzieci artysty), genialne wizerunki świeckich pań (baronowa Ikskul, hrabina Golovina) i tak dalej A jednak przy całej tej różnorodności przeważają obrazy zaawansowanej inteligencji rosyjskiej, wizerunki ludzi wybitnych, utalentowanych.

Porównując portrety Repina z dziełami jego współczesnych, uderza głębia i ostrość cech Repina oraz umiejętności malarskie. Z reguły w jego najlepszych pracach można wyczuć umiejętność przekazania na płótnie samej istoty przedstawionych obrazów, w wyjątkowo oryginalnym, jakby przypadkowym ruchu i geście, ujawniającym charakter osoby.

Takie są portrety pisarza A.F. Pisemskiego (1880), niespokojnego, żółciowego, chorego i inteligentnego starca; chirurg N. I. Pirogov (1881), niecierpliwy człowiek o przenikliwym spojrzeniu bystrych oczu; tragiczna aktorka P. A. Strepetova (1882) z bolesnym wyrazem twarzy, płonącymi oczami, jakby spalona jakimś wewnętrznym ogniem; V. V. Stasov (1883), z podniesioną głową i wielu innych.

Szczytem portretu Repina jest portret posła Musorgskiego (1881). Powstał w ostatnich dniach życia kompozytora. Artysta jest prawdziwy.

Nie kryje ani bolesnego obrzęku twarzy kompozytora, ani niedbałego ubioru chorego. W jego oczach koncentruje się wszystko, co najlepsze - zamyślony smutek i ukryta udręka. Pokazują byłego Musorgskiego, inteligentnego, wrażliwego, utalentowanego, człowieka o czystym sumieniu i czystej duszy.

Portret jest znakomicie namalowany, szeroki i swobodny, zachwyca kolorystyką, subtelnie i precyzyjnie wywołany, w połączeniu barw o tonacji różowo-karmazynowej i zielonkawo-szarej. Wydaje się, że jest wypełniony powietrzem - Repin wykorzystał całą swoją wiedzę na temat malarstwa plenerowego.

Szczególne miejsce wśród dzieł Repina zajmują portrety Lwa Tołstoja.

Artysta malował go przez prawie 20 lat, wykonał wiele portretów ołówkiem. Najlepszy z portretów powstał w Jasnej Polanie w ciągu trzech dni lata 1887 roku. Pisarz przedstawiony jest w pozycji siedzącej spokojnie, z książką w dłoni. Jest w nim tyle mądrości i prawdziwej wielkości, że portret nabiera niemal epickiej wyrazistości.

Osobliwym następstwem ścieżki Repina jako portrecisty jest jego wielofigurowa kompozycja zbiorowa „Uroczyste posiedzenie Rady Państwa 7 maja 1901 r.” (1901–1903).Ogromne płótno powstało w bardzo krótkim czasie.

Repinowi pomagało dwóch jego uczniów - B. M. Kustodiew i I. S. Kulikow. Jednak najważniejsze zostało przez niego zrobione: zarówno bezlitośnie zgodne z prawdą cechy przedstawionego, jak i najbardziej złożona kompozycyjna i kolorystyczna konstrukcja całego obrazu.

W ramach tej pracy Repin przeprowadził wiele badań. Są napisane po wirtuozowsku, precyzyjnie i ekspresyjnie. Oto obłudny hipokryta Pobiedonoscew o śmiertelnie bladej twarzy i tępy tępy Durnovo i wielu innych. Obraz ten został zamówiony, ale i tutaj Repin pozostał wierny sobie, jako artysta-demokrata, bezlitośnie zgodnie z prawdą pokazując prawdziwe oblicze najwyższej rosyjskiej biurokracji.

„Posiedzenie Rady Państwa” okazało się w istocie „łabędzim śpiewem” Repina. Ostatnie lata życia wielkiego artysty upłynęły poza ojczyzną. Po rewolucji, kiedy miasteczko Kuokkala pod Piotrogrodem, w którym Repin mieszkał na stałe, wyjechało do Finlandii, artysta znalazł się za granicą. Był stary, chory, osamotniony psychicznie, nie miał siły wrócić do ojczyzny. Repin zmarł w 1930 roku w wieku 86 lat.

Pomimo upadku twórczości Repina w ostatnich latach, nie można przecenić znaczenia jego dziedzictwa. Był prawdziwie narodowym artystą-obywatelem, genialnym psychologiem, utalentowanym malarzem-realistą.