Antyczna rzeźba. Rzeźbiarze starożytnej Grecji

Prawie żadne z dzieł greckich rzeźbiarzy nie dotarło do nas. Znamy jedynie ich opisy i ich rzymskie kopie. Jednak kopia, nawet umiejętnie wykonana, zniekształca oryginał. Najczęściej dostępnych jest kilka kopii zaginionego oryginału. Następnie trzeba starannie złożyć rzeźbę w części, które lepiej zachowają się w tym czy innym egzemplarzu. W rezultacie dziś podziwiamy pewien uogólniony obraz starożytnej rzeźby greckiej.

Periodyzacja sztuki starożytnej Grecji dzieli się na okres archaiczny (VIII - VI wiek p.n.e.), klasyczny (V - IV wiek p.n.e.) i hellenistyczny (IV - II wiek p.n.e.).

Naród grecki jest synem krainy niemal całkowicie skalistej. I z tej ziemi greccy artyści wydobyli najpiękniejszy materiał do rzeźby - marmur. Rzeźba rozwinęła się na wyspach Morza Egejskiego – tu odkryto najbogatsze złoża marmuru, zwłaszcza na wyspie Paros. Ponadto greccy rzemieślnicy tworzyli rzeźby z wapienia, drewna, kości słoniowej i wypalanej gliny.

Zarówno w architekturze, jak i rzeźbie wyłoniły się dwa nurty twórczości: dorycki i joński. Na terenach doryckich słynęły szkoły rzeźbiarskie w Argos i Koryncie, na ziemiach jońskich – szkoły wyspiarskie na Naxos i Paros Kazimierz Kumanecki. Historia kultury starożytnej Grecji i Rzymu. Z. 83.

Jak już wspomniano, w rzeźbie greckiej odzwierciedlone są dwa światy: mitologiczny i realny.

Okres archaiczny to okres powstawania sztuki, w szczególności rzeźby. Był to czas ucieleśnienia idei mitologicznych istniejących wśród mas. W tym czasie po raz pierwszy powstały wizerunki bogów, bohaterów i wydarzeń mitologicznych, co jest jedną z cech sztuki tego okresu. Rzeźba świątynna charakteryzuje się motywami mitologicznymi. Istotą kompozycji był pokaz boskiej mocy, dynamiczne sceny odzwierciedlały mitologiczne opowieści o zwycięstwie nad siłami zła. Posągi zostały wyrzeźbione odważną, ale wciąż niedoświadczoną ręką. W monumentalnych marmurowych rzeźbach uderzają cechy konwencji obrazu, przywołujące na myśl sztukę starożytnego Egiptu. Były to kompozycje planarne; liniowy wygląd konturów postaci, ruch fałd odzieży i inne detale stworzyły szczególny urok archaicznej sztuki M. M. Kobylina Rola tradycji w sztuce greckiej. Z. 23. Postacie bohaterów są przysadziste, solidne i wykonane w nieco naiwny sposób.

Sztuka archaiczna szczególnie preferowała dwa typy: kouros – nagą młodzież i kore – ubraną dziewczynę Andre Bonnard. Cywilizacja grecka. 1992. s. 46, 55..

Tworząc kouros, rzeźbiarze ucieleśniali pewien obraz idealny, nieobciążony ani wątpliwościami, ani indywidualnymi cechami jednostki. Czasami w literaturze można znaleźć inną nazwę kouros - Apollo. W ten sposób Grecy starali się nadać wyidealizowanemu obrazowi pewne boskie cechy. Posągi młodych sportowców bez brody powstały pod wrażeniem wyglądu żywych ludzi; w takim czy innym przypadku kilku różnych młodych mężczyzn mogłoby służyć jako modele.

Statystyki postawy kouros miały wskazywać siłę chodu i hart ducha. Lewa noga została przedstawiona koniecznie wysunięta do przodu, twarz rozświetliła odległy, tajemniczy uśmiech (tzw. „Uśmiech archaiczny”). Cała uwaga autorów prac skupiona była na starannym wyrzeźbieniu głowy, mięśni brzucha, rzepek kolanowych oraz na głównych liniach reliefowych.

Korsy pochodziły z rejonów Jońskich i wyróżniały się podkreśloną surowością i elegancją linii. Wykonane są z marmuru paryskiego, którego faktura jest w stanie oddać pewną przezroczystość kobiecej skóry, a także najlepsze odcienie i zmiany kolorów, i która nadaje się do najlepszej obróbki, która umożliwiła oddanie wszystkich krzywizn skóry figurę, loki włosów, fałdy odzieży. Ionianie nie przywiązywali dużej wagi do proporcji ludzkiego ciała, ale dbali o gładkość konturów i łagodną interpretację draperii. Kory służyły do ​​podtrzymywania dachu świątyni, ale czasami były montowane osobno i przedstawiane z jabłkiem lub granatem jako prezentem dla bóstwa.

Za panowania Pizystratydów rzeźbiarze jońscy rozszerzyli swoją działalność na Ateny. Jednak rzeźba na poddaszu jest nieco surowa: loki umiejętnie „zwinięte” dłutem znikają, w postawie postaci pojawia się niezwykła powaga, kapryśne draperie zastępują proste linie powiewnych szat. Kora ateńska jest pełna wdzięku i wdzięku, głowy ozdobione są lokami, same posągi są bogato ubarwione wieloma kolorami; jednocześnie w ich postaciach widać powagę i dostojeństwo Kazimierza Kumaneckiego. Historia kultury starożytnej Grecji i Rzymu. Z. 84.

W epoce archaicznej rzeźbiarz nie wyobrażał sobie ciała w ruchu. W VI wieku. pne mi. wciąż był daleki od dokładnego uchwycenia gry mięśni ludzkiego ciała. Ani jednego obrotu w prawo ani w lewo, ani najmniejszego pochylenia głowy, anatomia jest najbardziej elementarna. Artysta nie dążył do tego, aby posąg przypominał żywą osobę, Andre Bonnarda. Cywilizacja grecka. 1992. s. 55, 58..

Pod koniec ery archaicznej mistrzowie osiągnęli niesamowitą umiejętność tworzenia detali, bardzo wyrazistych fragmentów posągów, zwłaszcza dłoni i głów. Dokładność i wyrafinowanie w przedstawieniu części postaci u rzeźbiarzy archaicznych jest znacznie wyższa niż u mistrzów epoki klasycznej, jednak posągi są postrzegane jako rozczłonkowane, pozbawione harmonii i integralności.

Okres klasyczny to czas dobrobytu. A. Bonnard zdefiniował klasycyzm jako połączenie wybranych przez artystę cech, form i póz, oparte na prawdziwym realizmie. Ta era jest bardziej humanitarna; nie jest już całkowicie przepojona boskością; reprezentuje człowieka wyniesionego do poziomu boga. W tej epoce następuje zerwanie z archaiczną symetrią: linie przestają być poziome, nie są względem siebie symetryczne.

W V wieku pne mi. rzeźba przeszła istotne zmiany. Jej główne tematy pozostały niezmienione: wizerunek bóstw i bohaterów – patronów polis, „pięknych i walecznych” obywateli oraz zwycięskich sportowców, a także nagrobki zmarłych. Ale teraz bóg jest prostym, nagim młodzieńcem, boginią jest dziewczyna, pięknie ubrana i o przyjemnej twarzy.

Na tych obrazach nie było już zamrożonego odrętwienia; przełamany zostaje schematyzm archaicznych rzeźb. W rzeźbach okresu klasycyzmu podjęto próbę przełamania bezruchu i oddania żywego ruchu. Nowa harmonia okresu klasycznego zbudowana jest na kontraście: dzięki napięciu prawej nogi i lewego ramienia oraz świadomemu odciążeniu lewej nogi i prawego ramienia sylwetka jest harmonijna, przepełniona spokojem, wielkością, swobodą Kumanetsky K. Historia kultury starożytnej Grecji i Rzymu: Tłum. z podłogi - M.: Szkoła wyższa, 1990. s. 119. Realizm opiera się na dokładnej znajomości budowy szkieletu i pracy mięśni. Następuje humanizacja obrazu bóstwa, złagodzenie cech idealnych i uwypuklenie w nich cech czysto ludzkich. Odwaga objawia się teraz spokojną twarzą. Ta niewzruszoność jest oznaką panowania nad osobistymi namiętnościami, oznaką siły duchowej, doskonałości ducha, którą niegdyś posiadali bogowie.

Zostało to z powodzeniem przekazane przez rzeźbiarza Myrona z Eleutherus (Grecja Środkowa) w swoim „Discobolus” (połowa V wieku p.n.e., nieco wcześniej niż 450). Warto zaznaczyć, że jest to posąg człowieka, a nie boga. Postać sportowca ukazana jest w trudnej pozycji w momencie rzucenia dyskiem. Ciało jest wygięte w ruchu, który je chwycił, palce lewej stopy spoczywają na ziemi, aby zapewnić silnie napiętej osobie w niestabilnej pozycji mocne oparcie, prawa ręka - trzymająca dysk - jest odrzucona do tyłu, ale w w następnej chwili zostanie wyrzucony do przodu, aby rzucić swój ładunek, lewa ręka i prawa noga wydają się nieaktywne, ale tak naprawdę są zaangażowane w akcję. Tym samym „Disco Thrower” jest ucieleśnieniem ruchu Andre Bonnarda. Cywilizacja grecka. 1992. s. 63.

Największą rolę w tworzeniu rzeźby klasycznej przypadł los Polikleita, mistrza peloponeskiego połowy i drugiej połowy V wieku. pne mi. Dążył do stworzenia typowego wizerunku sportowca-obywatela. Poliklet wiedział o znaczeniu liczb w strukturze istot żywych i powiedział: „Sukces dzieła sztuki zależy od wielu relacji liczbowych, a liczy się każdy szczegół” Andre Bonnard. Cywilizacja grecka. 1992. s. 68. Rozumiał zatem swoje zadanie jako stworzenie kanonu – pewnych zależności matematycznych, na podstawie których powinno być zbudowane ciało ludzkie. Według tego kanonu długość stopy powinna wynosić 1/6 długości tułowia, wysokość głowy powinna wynosić 1/8 Kumanetsky K. Historia kultury starożytnej Grecji i Rzymu: Per. z podłogi - M.: Szkoła wyższa, 1990. s. 119. Starał się stworzyć iluzję ciągłości ruchu. Jego posąg „Dorifor” (Włócznik) zdaje się chodzić, przenosi cały ciężar ciała na prawą nogę, która jest wysunięta do przodu, natomiast lewa jest lekko odepchnięta do tyłu i dotyka ziemi jednym palcem. Bardziej zgięte kolano, bardziej przykurczone biodro po lewej stronie odpowiada bardziej uniesionemu barkowi i odwrotnie.

Inny rzeźbiarz Fidiasz, według A. Bonnarda, pozwolił ludzkości rozkwitnąć w boskich formach. Bogowie Fidiasza są obecni w naturze, są naturalni. Dobrym przykładem jest fryz w świątyni przedstawiający zastępy bogów. Ale Hefajstos, bóg ognia i rzemiosła, oraz Atena, bogini rzemiosła, są przedstawieni jako stojący obok siebie. Tutaj rozmawiają ze sobą prosto i przyjaźnie, jak robotnicy pod koniec dnia pracy. W tych bogach nie ma nic nadprzyrodzonego, ale jest ludzkość wyniesiona do najwyższego poziomu doskonałości. Jest to cecha charakteryzująca epokę wczesnego klasycyzmu.

Nie mogła królować sztywna orientacja na ideał, harmonię i równowagę. W IV wieku. pne mi. majestat, dostojeństwo i powaga szły w parze z potrzebami czysto estetycznymi, które stały się decydujące w twórczości rzeźbiarza.

Widzimy to w rzeźbach Praksytelesa. Spod siekacza wyłaniały się nowe, smukłe i pełne wdzięku, miękkie i łagodne twarze oraz postacie bogów i bogiń. Gładkie i elastyczne linie jego posągów wyznaczają nadejście nowej ery. Pełen wdzięku i szczerości styl Paraksytelesa jest intymny: po raz pierwszy w historii rzeźby greckiej przedstawia Afrodytę w jej pięknej i wysublimowanej nagości.

Wielki rzeźbiarz Lizyp (IV wp.n.e.) pozostawił swoim potomkom nie tylko piękne popiersie Aleksandra Wielkiego (zachowane jedynie w rzymskiej kopii), ale także opracował nowy kanon plastikowy, który zastąpił kanon Polikleitosa. Opisując swoją działalność Lysippos powiedział: „Polikleitos przedstawiał ludzi takimi, jakimi są w rzeczywistości, a ja przedstawiałem ludzi takimi, jakimi się wydają”. Jego posągi różnią się proporcjami: mają bardzo długie, smukłe nogi, szczupłą, pełną wdzięku sylwetkę i bardzo małą głowę. To nowy plastikowy ideał piękna Kumanetsky K. Historia kultury starożytnej Grecji i Rzymu: Trans. z podłogi - M.: Szkoła wyższa, 1990. s. 141.

W tym okresie nowe stały się nie tylko proporcje postaci, ale przede wszystkim niespotykana dotąd swoboda w przedstawianiu objętości ludzkiego ciała. Dopiero teraz dzieła rzeźby stały się trójwymiarowe, doskonałe plastycznie.

Greccy mistrzowie czasów klasycznych nauczyli się przekazywać w solidnym materiale wiele odcieni ludzkich warunków, ich posągi są pełne życia i ruchu.

Za czas kryzysu rzeźby uważa się hellenizm. Cechą charakterystyczną tego okresu było przemieszanie się tradycji archaicznych z osiągnięciami sztuki helleńskiej. Powodem tego jest poznawanie obcych kultur poprzez ekspansję szlaków handlowych i więzi kulturowych. Prace tego okresu miały charakter na wpół rękodzielniczy. Obserwuje się w nich zapomnienie pierwotnego, tradycyjnego typu obrazów, pojawiają się wypaczenia szkoły archaicznej. Jednocześnie pojawia się wiele replik tej samej działki o różnej jakości wykonania.

Hellenizm wysunął na pierwszy plan nowe ośrodki twórczości rzeźbiarskiej, takie jak Pergamon, Rodos i Antiochia.

Szczególnie znaczący rozkwit przeżywała w tym okresie sztuka rzeźbiarska. Teraz posągi wykonano naturalistycznie, podkreślając indywidualność przedstawianej osoby. Rzeźbiarze tworzyli posągi i płaskorzeźby przedstawiające ludzi w różnym wieku – od niemowląt po zgrzybiałe staruszki i kobiety, starannie podkreślając cechy etniczne i etnograficzne.

Greccy rzeźbiarze stworzyli i gloryfikowali ideał obywatela, który realistycznie odzwierciedlał polityczną i społeczną dominację średnich warstw obywatelskich. Rzeźbiarze hellenistyczni stworzyli posągi i grupy rzeźb przedstawiające fizyczne i psychiczne cierpienie, walkę, zwycięstwo i śmierć. Na tle, na którym rozgrywał się główny wątek pracy, znajdował się także obraz pejzażu i szczegółów życia codziennego.

W rzeźbie z tego okresu można prześledzić kilka szkół.

W Atenach i Aleksandrii opracowano fabuły i techniki, których początki sięgają Praksytelesa, zaprojektowane z myślą o gustach zamożnych ludzi, którzy chcieli cieszyć się życiem i postrzegali dzieła sztuki jako przedmiot podziwu.

Szkoła Rodos wróciła do Lizypa. Rzeźbiarze przedstawiali potężnych sportowców, wojowników, sceny walki. Ale teraz to nie jest spokojny i waleczny sportowiec - obywatel czasów klasycznych, ale władca o władczym, aroganckim spojrzeniu, zdradzającym wielką siłę woli. Do tej szkoły należy słynny Kolos z Rodos o długości 31 metrów i posąg dobroczynnej siedzącej bogini Tyche.

Szkoła pergamońska, której początki sięgają Skopas, jest pełna dramatyzmu. Szkołę tę cechuje duża intensywność uczuć. Widać to w rzeźbach umierającego Gala, Gala, który zabił swoją żonę i dźga się nożem, aby uniknąć schwytania itp., w których widzimy patos: mękę umierających wojowników, cierpienie pokonanych barbarzyńców.

Pod koniec okresu hellenistycznego patetyka rzeźby hellenistycznej zaczęła przeradzać się w nadmierną pasję do strasznych fabuł i manier.

W drugiej połowie okresu hellenistycznego w rzeźbie nasiliła się chęć powrotu do wyidealizowanych form klasyki. Pomnikiem tej szkoły jest posąg Afrodyty z Milo, który łączy w sobie idealne formy klasyki i nowe osiągnięcia w formułowaniu sylwetki.

W okresie hellenistycznym rzeźby zdobiły domy prywatne, budynki użyteczności publicznej, place, akropole, skrzyżowania, tereny parkowe. Obfitość posągów była typowa nawet dla tak małych miasteczek jak Termy. Ale ta obfitość doprowadziła do masowej produkcji artystycznej. Przedmiotem takiej produkcji były figurki z terakoty – drobne dzieła sztuki rzeźbiarskiej, które odlewano w specjalnie przygotowanych formach. Są to z reguły eleganckie figurki o charakterze domowym, posiadające niezależną wartość artystyczną Bławatska V. D., Picus N. N. Historia starożytnej Grecji. wyd. V. I. Avdiev i N. N. Pikus. Moskwa - 1962 s. 485. Przedstawiały zwykłych obywateli i sceny z życia codziennego, były tanie i dostępne i bardzo lubili zwykłych mieszkańców greckich miast. Jednym z takich miast było miasto Tanagra, dlatego figurki te często nazywane są terakotami Tanagra. Ale masowa produkcja z kolei doprowadziła do wyginięcia kreatywności.

Mistrzowie hellenistyczni nie chcieli stworzyć obrazów pięknego i walecznego, nieco wyidealizowanego obywatela. Zmienił się także stosunek do bogów. Teraz bóstwo nie jest spokojną, piękną, potężną i życzliwą istotą, ale kapryśną i potężną siłą.

Miasta starożytnego świata pojawiały się zwykle w pobliżu wysokiej skały, a na niej budowano cytadelę, aby było gdzie się ukryć, gdyby wróg przedarł się do miasta. Taką cytadelę nazywano akropolem. W ten sam sposób na skale, która wznosiła się prawie 150 metrów nad Atenami i przez długi czas służyła jako naturalna budowla obronna, stopniowo utworzyło się górne miasto w formie twierdzy (akropolu) z różnymi strukturami obronnymi, publicznymi i religijnymi.
Budowę Akropolu Ateńskiego zaczęto budować w II tysiącleciu p.n.e. W czasie wojen grecko-perskich (480-479 p.n.e.) uległ całkowitemu zniszczeniu, później pod przewodnictwem rzeźbiarza i architekta Fidiasza przystąpiono do jego renowacji i przebudowy.
Akropol to jedno z tych miejsc, „o których wszyscy upierają się, że są wspaniałe i niepowtarzalne. Ale nie pytaj dlaczego. Nikt nie jest w stanie Ci odpowiedzieć…” Można go zmierzyć, nawet wszystkie jego kamienie można policzyć. Przebrnięcie przez to od końca do końca nie jest wielkim problemem – zajmuje to tylko kilka minut. Ściany Akropolu są strome i strome. Na tym skalistym wzgórzu wciąż stoją cztery wielkie dzieła. Od podnóża wzgórza do jedynego wejścia biegnie szeroka zygzakowata droga. To Propyleje – monumentalna brama z kolumnami w stylu doryckim i szerokimi schodami. Zostały zbudowane przez architekta Mnesiclesa w latach 437-432 p.n.e. Jednak przed wejściem do tych majestatycznych marmurowych bram wszyscy mimowolnie skręcili w prawo. Tam, na wysokim cokole bastionu strzegącego niegdyś wejścia na akropol, stoi świątynia bogini zwycięstwa Nike Apteros, ozdobiona kolumnami jońskimi. Jest to dzieło architekta Kalikratesa (druga połowa V wieku p.n.e.). Świątynia – jasna, przestronna, niezwykle piękna – wyróżniała się swoją bielą na błękitnym tle nieba. Ta krucha budowla, przypominająca elegancką marmurową zabawkę, zdaje się uśmiechać sama do siebie i sprawiać, że przechodnie uśmiechają się czule.
Niespokojni, żarliwi i aktywni bogowie Grecji przypominali samych Greków. To prawda, że ​​​​były wyższe, mogły latać w powietrzu, przybierać dowolną formę i zamieniać się w zwierzęta i rośliny. Ale pod każdym innym względem zachowywali się jak zwykli ludzie: pobierali się, oszukiwali, kłócili, zawierali pokój, karali dzieci…

Świątynia Demeter, budowniczowie nieznani, VI w. PNE. Olimpia

Świątynia Nike Apteros, architekt Kallikrates, 449-421 p.n.e Ateny

Propyleje, architekt Mnesical, 437-432 p.n.e. Ateny

Boginię zwycięstwa, Nike, przedstawiano jako piękną kobietę z dużymi skrzydłami: zwycięstwo jest zmienne i leci od jednego przeciwnika do drugiego. Ateńczycy przedstawiali ją jako bezskrzydłą, aby nie opuściła miasta, które niedawno odniosło wielkie zwycięstwo nad Persami. Pozbawiona skrzydeł bogini nie mogła już latać i musiała pozostać w Atenach na zawsze.
Świątynia Nika stoi na półce skalnej. Jest lekko zwrócona w stronę Propyleje i pełni rolę latarni morskiej dla procesji wokół skały.
Tuż za Propylejemi dumnie stała Atena Wojownicza, której włócznia witała podróżnika z daleka i służyła jako latarnia morska dla żeglarzy. Napis na kamiennym cokole brzmiał: „Ateńczycy poświęcili się zwycięstwu nad Persami”. Oznaczało to, że posąg został odlany z broni brązowej zabranej Persom w wyniku ich zwycięstw.
Na Akropolu ulokowano także zespół świątynny Erechtejon, który (zgodnie z planem jego twórców) miał łączyć ze sobą kilka sanktuariów rozmieszczonych na różnych poziomach – skała jest tu bardzo nierówna. Północny portyk Erechtejonu prowadził do sanktuarium Ateny, gdzie przechowywano drewniany posąg bogini, rzekomo spadający z nieba. Drzwi ze sanktuarium otwierały się na niewielki dziedziniec, na którym rosło jedyne święte drzewo oliwne na całym Akropolu, które wyrosło, gdy Atena dotknęła w tym miejscu skały mieczem. Przez wschodni portyk można było dostać się do sanktuarium Posejdona, gdzie ten, uderzając trójzębem w skałę, pozostawił trzy bruzdy z bulgoczącą wodą. Tutaj znajdowało się także sanktuarium Erechteusza, czczone na równi z Posejdonem.
Centralną część świątyni stanowi prostokątne pomieszczenie (24,1x13,1 m). W świątyni znajdował się także grób i sanktuarium pierwszego legendarnego króla Attyki, Cecropsa. Po południowej stronie Erechtejonu znajduje się słynny portyk z kariatydami: na krawędzi ściany sześć dziewcząt wyrzeźbionych w marmurze podtrzymuje sufit. Niektórzy uczeni sugerują, że portyk służył jako trybuna dla szanowanych obywateli lub że gromadzili się tu księża na uroczystości religijne. Jednak dokładne przeznaczenie portyku jest nadal niejasne, ponieważ „portyk” oznacza przedsionek i w tym przypadku portyk nie miał drzwi i stąd nie można dostać się do wnętrza świątyni. Figury portyku kariatyd są tak naprawdę podporami, które zastępują filar lub kolumnę, doskonale oddają też lekkość i elastyczność dziewczęcych postaci. Turcy, którzy w swoim czasie zdobyli Ateny i nie pozwolili na wizerunki osób ze względu na swoje muzułmańskie przekonania, nie zaczęli jednak niszczyć tych posągów. Ograniczyli się jedynie do odcięcia dziewczynom twarzy.

Erechtejon, budowniczowie nieznani, 421-407 p.n.e. Ateny

Partenon, architekci Ictinus, Kalikrates, 447-432 p.n.e. Ateny

W 1803 roku Lord Elgin, ambasador Anglii w Konstantynopolu i kolekcjoner, korzystając z pozwolenia tureckiego sułtana, złamał jedną z kariatyd w świątyni i zabrał ją do Anglii, gdzie ofiarował ją British Museum. Zbyt szeroko interpretując firman tureckiego sułtana, zabrał ze sobą także wiele rzeźb Fidiasza i sprzedał je za 35 000 funtów. Firman powiedział, że „nikt nie powinien mu przeszkadzać w wywiezieniu z Akropolu kamieni z napisami lub postaciami”. Elgin wypełnił takimi „kamieniami” 201 pudełek. Jak sam stwierdził, zabierał jedynie te rzeźby, które już upadły lub którym groziło upadek, rzekomo po to, by uchronić je przed ostatecznym zniszczeniem. Ale Byron nazwał go także złodziejem. Później (podczas renowacji portyku kariatyd w latach 1845–1847) Muzeum Brytyjskie wysłało do Aten gipsowy odlew posągu zabranego przez lorda Elgina. Odlew został następnie zastąpiony trwalszą kopią ze sztucznego kamienia, wykonaną w Anglii.
Pod koniec ubiegłego wieku rząd grecki zażądał od Anglii zwrotu swoich skarbów, ale otrzymał odpowiedź, że londyński klimat jest dla nich korzystniejszy.
Na początku naszego tysiąclecia, kiedy Grecja została przeniesiona do Bizancjum podczas podziału Cesarstwa Rzymskiego, Erechtejon zamieniono w świątynię chrześcijańską. Później krzyżowcy, którzy zdobyli Ateny, uczynili ze świątyni pałac książęcy, a podczas tureckiego podboju Aten w 1458 r. w Erechtejonie zainstalowano harem komendanta twierdzy. Podczas wojny wyzwoleńczej toczącej się w latach 1821-1827 Grecy i Turcy na zmianę oblegali Akropol, bombardując jego budowle, w tym Erechtejon.
W 1830 roku (po ogłoszeniu niepodległości Grecji) na miejscu Erechtejonu można było znaleźć jedynie fundamenty oraz leżące na ziemi dekoracje architektoniczne. Fundusze na restaurację tego zespołu świątynnego (a także na restaurację wielu innych obiektów Akropolu) przekazał Heinrich Schliemann. Jego najbliższy współpracownik V. Derpfeld dokładnie zmierzył i porównał starożytne fragmenty, już pod koniec lat 70. ubiegłego wieku planował renowację Erechtejonu. Jednak rekonstrukcja ta spotkała się z ostrą krytyką i świątynię rozebrano. Budynek został odbudowany pod kierunkiem słynnego greckiego naukowca P. Kavadiasa w 1906 roku i ostatecznie odrestaurowany w 1922 roku.

„Wenus z Milo” Agessander (?), 120 p.n.e. Luwr, Paryż

„Laokoon” Agessander, Polydorus, Athenodorus, ok. 40 p.n.e. Grecja, Olimpia

„Herkules z Farnese”, ok. 200 p.n.e e., Nat. muzeum, Neapol

„Ranny Amazon” Poliklet, 440 p.n.e. Krajowy muzeum rzym

Partenon – świątynia bogini Ateny – jest największą budowlą na Akropolu i najpiękniejszym dziełem architektury greckiej. Stoi nie na środku placu, ale nieco z boku, dzięki czemu można od razu przyjrzeć się fasadom frontowym i bocznym i zrozumieć piękno świątyni jako całości. Starożytni Grecy wierzyli, że świątynia z głównym posągiem kultowym pośrodku reprezentuje dom bóstwa. Partenon jest świątynią Ateny Dziewicy (Partenos), dlatego w jego centrum znajdował się chryzoelefantynowy (wykonany z kości słoniowej i złotych płytek na drewnianej podstawie) posąg bogini.
Partenon został wzniesiony w latach 447-432 p.n.e. architekci Ictinus i Kalikrates z marmuru pentelicznego. Usytuowana była na czteropoziomowym tarasie, wymiary jej podstawy wynosiły 69,5 x 30,9 metra. Partenon jest otoczony z czterech stron smukłymi kolumnadami, a pomiędzy ich białymi marmurowymi pniami widoczne są przepaści błękitnego nieba. Całość przesiąknięta światłem sprawia wrażenie przewiewnej i lekkiej. Na białych kolumnach nie ma jasnych wzorów, jakie można znaleźć w egipskich świątyniach. Jedynie podłużne rowki (flety) pokrywają je od góry do dołu, sprawiając, że zausznik wydaje się wyższy, a nawet smuklejszy. Kolumny swoją smukłość i lekkość zawdzięczają temu, że lekko zwężają się ku górze. W środkowej części pnia, zupełnie niezauważalne dla oka, pogrubiają się i przez to wydają się elastyczne, bardziej wytrzymujące ciężar kamiennych bloków. Iktin i Callicrates po przemyśleniu każdego najmniejszego szczegółu stworzyli budynek, który zachwyca niesamowitą proporcjonalnością, niezwykłą prostotą i czystością wszelkich linii. Umieszczony na górnej platformie Akropolu, na wysokości około 150 metrów nad poziomem morza, Partenon był widoczny nie tylko z każdego miejsca w mieście, ale także z licznych statków płynących do Aten. Świątynia miała obwód dorycki otoczony kolumnadą złożoną z 46 kolumn.

„Afrodyta i Pan” 100 p.n.e., Delfy, Grecja

„Diana Łowczyni” Leocard, ok. 340 p.n.e., Luwr, Paryż, Francja

„Odpoczywający Hermes” Lizyp, IV wiek. pne BC, Muzeum Narodowe, Neapol

„Herkules walczący z lwem” Lysippos, ok. 330 p.n.e Ermitaż w Petersburgu

„Atlas Farnese” ok. 200 p.n.e., Nat. muzeum, Neapol

W rzeźbiarskim projekcie Partenonu uczestniczyli najsłynniejsi mistrzowie. Kierownikiem artystycznym budowy i dekoracji Partenonu był Fidiasz, jeden z najwybitniejszych rzeźbiarzy wszechczasów. Odpowiada za całokształt kompozycji i opracowanie całej dekoracji rzeźbiarskiej, której część wykonał samodzielnie. Organizacyjną stroną budowy zajmował się Perykles, największy mąż stanu Aten.
Cały projekt rzeźbiarski Partenonu miał na celu uwielbienie bogini Ateny i jej miasta - Aten. Tematem frontonu wschodniego są narodziny ukochanej córki Zeusa. Na zachodnim frontonie mistrz przedstawił scenę sporu między Ateną a Posejdonem o dominację nad Attyką. Według mitu Atena wygrała spór i podarowała mieszkańcom tego kraju drzewo oliwne.
Bogowie Grecji zebrali się na frontonach Partenonu: grzmot Zeus, potężny władca mórz Posejdon, mądra wojowniczka Atena, skrzydlata Nike. Dekorację rzeźbiarską Partenonu dopełniał fryz przedstawiający uroczystą procesję podczas święta Wielkiej Panathenaia. Fryz ten uważany jest za jeden ze szczytów sztuki klasycznej. Mimo całej jedności kompozycyjnej zadziwiał swoją różnorodnością. Z ponad 500 postaci młodych mężczyzn, starszych, dziewcząt, pieszych i konnych, żadna się nie powtarzała; ruchy ludzi i zwierząt zostały oddane z niesamowitą dynamiką.
Postacie rzeźbiarskiej greckiej płaskorzeźby nie są płaskie, mają objętość i kształt ludzkiego ciała. Różnią się od posągów jedynie tym, że nie są obrobione ze wszystkich stron, ale zdają się zlewać z tłem utworzonym przez płaską powierzchnię kamienia. Jasne kolory ożywiły marmur Partenonu. Czerwone tło podkreślało biel postaci, wąskie pionowe ryzality oddzielające jedną płytę fryzu od drugiej wyróżniały się wyraźnie na niebiesko, a złocenia mocno błyszczały. Za kolumnami, na marmurowej wstędze otaczającej wszystkie cztery fasady budynku, przedstawiono uroczysty pochód. Bogów tu prawie nie ma, a ludzie na zawsze wyryci w kamieniu przeszli wzdłuż dwóch długich boków budowli i zjednoczyli się na wschodniej fasadzie, gdzie odbyła się uroczysta ceremonia wręczenia kapłanowi szaty utkanej przez ateńskie dziewczęta na bogini. Każda figura charakteryzuje się wyjątkowym pięknem, a wszystkie razem dokładnie odzwierciedlają prawdziwe życie i zwyczaje starożytnego miasta.

Rzeczywiście, raz na pięć lat, w jeden z gorących dni w środku lata, w Atenach odbywały się ogólnokrajowe uroczystości ku czci narodzin bogini Ateny. Nazywano ją Wielką Panathenają. Wzięli w nim udział nie tylko obywatele państwa ateńskiego, ale także wielu gości. Uroczystość składała się z uroczystej procesji (pompy), wniesienia hekatomby (100 sztuk bydła) oraz wspólnego posiłku, zawodów sportowych, jeździeckich i muzycznych. Zwycięzca otrzymał specjalną, tzw. amforę panatenajską napełnioną oliwą oraz wieniec wykonany z liści świętego drzewa oliwnego rosnącego na Akropolu.

Najbardziej uroczystym momentem święta była ogólnokrajowa procesja na Akropol. Poruszali się jeźdźcy na koniach, spacerowali mężowie stanu, wojownicy w zbrojach i młodzi sportowcy. Kapłani i szlachta chodzili w długich białych szatach, heroldowie głośno wychwalali boginię, muzycy wypełniali radosne dźwięki jeszcze chłodne poranne powietrze. Zygzakowatą drogą panatenajską, zdeptaną przez tysiące ludzi, zwierzęta ofiarne wspięły się na wysokie wzgórze Akropolu. Chłopcy i dziewczęta nieśli ze sobą model świętego statku panatenajskiego z peplos (welonem) przymocowanym do masztu. Lekki wietrzyk powiewał jasną tkaniną żółto-fioletowej szaty, którą szlachetne dziewczęta z miasta niosły jako prezent dla bogini Ateny. Przez cały rok go tkali i haftowali. Inne dziewczęta podnosiły wysoko nad głowami święte naczynia do składania ofiar. Stopniowo procesja zbliżała się do Partenonu. Wejście do świątyni wykonano nie z Propyleje, a z drugiej, tak jakby każdy najpierw mógł obejść, przyjrzeć się i docenić piękno wszystkich części pięknej budowli. W odróżnieniu od kościołów chrześcijańskich, starożytne greckie nie były przeznaczone do oddawania czci w ich wnętrzu; w czasie czynności religijnych ludzie przebywali poza świątynią. W głębi świątyni, otoczonej z trzech stron dwupoziomowymi kolumnadami, dumnie stał słynny posąg Dziewicy Ateny, wykonany przez słynnego Fidiasza. Jej ubranie, hełm i tarcza były wykonane z czystego, błyszczącego złota, a jej twarz i dłonie lśniły bielą kości słoniowej.

O Partenonie napisano wiele tomów książek, wśród nich znajdują się monografie każdej z jego rzeźb oraz każdego stopnia stopniowego upadku od czasu, gdy na mocy dekretu Teodozjusza I stał się on świątynią chrześcijańską. W XV w. Turcy zbudowali w nim meczet, a w XVII w. magazyn prochu. W ostateczną ruinę zamieniła go wojna turecko-wenecka z 1687 roku, kiedy trafił w nią pocisk artyleryjski i w jednej chwili dokonał tego, czego pochłaniający czas nie był w stanie dokonać przez 2000 lat.

Jakie są cechy starożytnej rzeźby greckiej?

W konfrontacji ze sztuką grecką wiele wybitnych umysłów wyrażało autentyczny podziw. Jeden z najsłynniejszych badaczy sztuki starożytnej Grecji, Johann Winckelmann (1717-1768) tak mówi o rzeźbie greckiej: „Koneserzy i naśladowcy dzieł greckich odnajdują w swoich mistrzowskich dziełach nie tylko najpiękniejszą naturę, ale także coś więcej niż naturę, mianowicie jego pewne idealne piękno, które... powstaje z obrazów naszkicowanych umysłem. Każdy, kto pisze o sztuce greckiej, zauważa w niej niesamowite połączenie naiwnej spontaniczności i głębi, rzeczywistości i fikcji. W nim, zwłaszcza w rzeźbie, ucieleśnia się ideał człowieka. Jaka jest natura ideału? Dlaczego tak oczarował ludzi, że sędziwy Goethe płakał w Luwrze przed rzeźbą Afrodyty?

Grecy zawsze wierzyli, że tylko w pięknym ciele może żyć piękna dusza. Dlatego harmonia ciała i doskonałość zewnętrzna są niezbędnym warunkiem i podstawą idealnego człowieka. Grecki ideał jest zdefiniowany przez termin kalokagatiya(Grecki kalos- cudowny + agat Uprzejmy). Ponieważ kalokagathia obejmuje doskonałość zarówno konstytucji fizycznej, jak i charakteru duchowego i moralnego, to jednocześnie wraz z pięknem i siłą ideał niesie ze sobą sprawiedliwość, czystość, odwagę i racjonalność. To właśnie sprawia, że ​​greccy bogowie wyrzeźbieni przez starożytnych rzeźbiarzy są wyjątkowo piękni.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_001.shtmlNajlepsze zabytki starożytnej rzeźby greckiej powstały w V wieku. PNE. Ale wcześniejsze prace dotarły do ​​nas. Posągi z VII-VI wieku BC są symetryczne: jedna połowa ciała jest lustrzanym odbiciem drugiej. Postawy w kajdanach, wyciągnięte ramiona dociśnięte do muskularnego ciała. Nie najmniejsze przechylenie czy obrót głowy, ale usta rozchylone w uśmiechu. Uśmiech zdaje się rozświetlać rzeźbę od wewnątrz wyrazem radości życia.

Później, w okresie klasycyzmu, posągi nabrały większej różnorodności form.

Podejmowano próby algebraicznego konceptualizacji harmonii. Pierwsze naukowe badanie tego, czym jest harmonia, podjął Pitagoras. Założona przez niego szkoła zajmowała się zagadnieniami natury filozoficznej i matematycznej, stosując obliczenia matematyczne do wszystkich aspektów rzeczywistości. Ani harmonia muzyczna, ani harmonia ludzkiego ciała czy struktury architektonicznej nie były wyjątkami. Szkoła pitagorejska uważała liczbę za podstawę i początek świata.

Co teoria liczb ma wspólnego ze sztuką grecką? Okazuje się, że jest to najbardziej bezpośrednie, ponieważ harmonia sfer Wszechświata i harmonia całego świata wyrażają się tymi samymi stosunkami liczb, z których głównymi są stosunki 2/1, 3/2 i 4/3 (w muzyce są to odpowiednio oktawa, piąta i czwarta). Ponadto harmonia implikuje możliwość obliczenia dowolnej korelacji części każdego obiektu, w tym rzeźby, według następującej proporcji: a / b \u003d b / c, gdzie a to dowolna mniejsza część obiektu, b to dowolna duża część , c jest całością. Na tej podstawie wielki grecki rzeźbiarz Polikleitos (V w. p.n.e.) stworzył rzeźbę przedstawiającą młodzieńca niosącego włócznię (V w. p.n.e.), zwaną przez imię dzieła rzeźbiarza, w którym omawiając teorię sztuki, rozważa prawa obrazu osoby doskonałej. Uważa się, że rozumowanie artysty można zastosować w jego rzeźbie.

Posągi Polikleita tętnią intensywnym życiem. Polikleitos lubił przedstawiać sportowców w stanie spoczynku. Weź tego samego „Włócznika”. Ten potężnie zbudowany mężczyzna jest pełen poczucia własnej wartości. Stoi nieruchomo przed widzem. Ale to nie jest statyczny spokój starożytnych egipskich posągów. Jak człowiek umiejętnie i łatwo kontrolujący swoje ciało, włócznik lekko ugiął jedną nogę i przeniósł ciężar ciała na drugą. Wydaje się, że minie chwila, a on zrobi krok do przodu, odwróci głowę, dumny ze swojej urody i siły. Przed nami mężczyzna silny, przystojny, wolny od strachu, dumny, powściągliwy - ucieleśnienie greckich ideałów.

W przeciwieństwie do współczesnego mu Polikleitosa Myron lubił przedstawiać swoje posągi w ruchu. Oto na przykład posąg „Dyskobol” (V w. p.n.e.; Muzeum Termalne, Rzym). Jego autor, wielki rzeźbiarz Miron, przedstawił pięknego młodzieńca w chwili, gdy machał ciężkim dyskiem. Jego uchwycone w ruchu ciało jest zgięte i napięte jak sprężyna, która zaraz się rozwinie. Pod elastyczną skórą naciągniętego ramienia nabrzmiewały wytrenowane mięśnie. Palce, tworząc niezawodne podparcie, wciskały się głęboko w piasek. Posągi Myrona i Polikleita odlano z brązu, ale do nas dotarły jedynie marmurowe kopie ze starożytnych greckich oryginałów wykonanych przez Rzymian.

Grecy uważali Fidiasza za największego rzeźbiarza swoich czasów, który ozdobił Partenon rzeźbami z marmuru. Jego rzeźby szczególnie odzwierciedlają to, że bogowie w Grecji są niczym innym jak wizerunkami idealnej osoby. Najlepiej zachowana marmurowa wstęga płaskorzeźby fryzu ma długość 160 m. Przedstawia procesję zmierzającą do świątyni bogini Ateny – Partenonu.

Rzeźba Partenonu została poważnie zniszczona. A „Atena Partenos” zmarła w czasach starożytnych. Stała wewnątrz świątyni i była niewypowiedzianie piękna. Głowę bogini o niskim, gładkim czole i zaokrąglonym podbródku, szyi i ramionach wykonano z kości słoniowej, a jej włosy, ubranie, tarczę i hełm wybito z arkuszy złota. Bogini w postaci pięknej kobiety jest uosobieniem Aten.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_007.shtmlWiele historii wiąże się z tą rzeźbą. Powstałe arcydzieło było tak wielkie i sławne, że jego autorowi od razu zazdrościło wielu ludzi. Próbowano na wszelkie możliwe sposoby grozić rzeźbiarzowi i szukano różnych powodów, dla których mogliby go o coś oskarżyć. Mówi się, że Fidiasza oskarżano o ukrywanie części złota przekazanego jako materiał na dekorację bogini. Aby udowodnić swoją niewinność, Fidiasz wyjął z rzeźby wszystkie złote przedmioty i zważył je. Waga dokładnie odpowiadała masie złota nadanego rzeźbie. Następnie Fidiasz został oskarżony o ateizm. Powodem tego była tarcza Ateny. Przedstawiała fabułę bitwy pomiędzy Grekami a Amazonkami. Wśród Greków Fidiasz przedstawiał siebie i swojego ukochanego Peryklesa. Przyczyną konfliktu stał się wizerunek Fidiasza na tarczy. Pomimo wszystkich osiągnięć Fidiasza, greckie społeczeństwo było w stanie zwrócić się przeciwko niemu. Życie wielkiego rzeźbiarza zakończyło się okrutną egzekucją.

Osiągnięcia Fidiasza w Partenonie nie wyczerpują jego twórczości. Rzeźbiarz stworzył wiele innych dzieł, z których najlepszymi były kolosalna figura Ateny Promachos z brązu, wzniesiona na Akropolu około 460 roku p.n.e. oraz równie ogromna figura Zeusa z kości słoniowej i złota dla świątyni w Olimpii. Niestety oryginalne dzieła już nie istnieją i nie możemy na własne oczy zobaczyć wspaniałych dzieł sztuki starożytnej Grecji. Pozostały jedynie ich opisy i kopie. Było to w dużej mierze spowodowane fanatycznym niszczeniem posągów przez wierzących chrześcijan.

Tak można opisać posąg Zeusa dla świątyni w Olimpii: Ogromny czternastometrowy bóg siedział na złotym tronie i wydawało się, że gdyby wstał, wyprostował szerokie ramiona, zrobiłoby mu się ciasno w ogromnej sali a sufit byłby niski. Głowę Zeusa ozdobiono wieńcem z gałązek oliwnych - znak spokoju potężnego boga. Twarz, ramiona, ramiona, pierś wykonano z kości słoniowej, a płaszcz przerzucono przez lewe ramię. Korona i broda Zeusa były z błyszczącego złota.

Fidiasz obdarzył Zeusa ludzką szlachetnością. Jego przystojna twarz, otoczona kędzierzawą brodą i kręconymi włosami, była nie tylko surowa, ale i życzliwa, jego postawa była uroczysta, dostojna i spokojna. Połączenie piękna fizycznego i dobroci duszy podkreślało jego boską idealność. Posąg zrobił takie wrażenie, że według starożytnego autora ludzie przygnębieni żalem szukali pocieszenia w kontemplacji stworzenia Fidiasza. Plotka głosiła, że ​​posąg Zeusa jest jednym z „siedmiu cudów świata”.

Prace wszystkich trzech rzeźbiarzy były podobne w tym sensie, że wszystkie przedstawiały harmonię pięknego ciała i zawartej w nim życzliwej duszy. To był wówczas główny trend.

Oczywiście normy i wytyczne w sztuce greckiej zmieniały się na przestrzeni dziejów. Sztuka archaiczna była prostsza, brakowało w niej głębokiego, pełnego znaczeń niedopowiedzenia, jakim zachwycała się ludzkość w okresie klasyki greckiej. W epoce hellenistycznej, kiedy człowiek utracił poczucie stabilności świata, sztuka utraciła swoje dawne ideały. Zaczęło odzwierciedlać poczucie niepewności co do przyszłości, które panowało w ówczesnych trendach społecznych.

Jedno łączyło wszystkie okresy rozwoju greckiego społeczeństwa i sztuki: była to, jak pisze M. Alpatov, szczególna pasja do sztuk plastycznych, do sztuk przestrzennych. Takie upodobanie jest zrozumiałe: ogromne rezerwy różnorodnej kolorystyki, szlachetny i idealny materiał - marmur - zapewniły szerokie możliwości jego realizacji. Choć większość rzeźb greckich wykonano z brązu, gdyż marmur był kruchy, to właśnie faktura marmuru wraz ze swoją barwą i dekoracyjnością pozwoliła z największą wyrazistością odtworzyć piękno ludzkiego ciała. Dlatego najczęściej „ciało ludzkie, jego budowa i sprężystość, jego harmonia i elastyczność przyciągały uwagę Greków, którzy chętnie przedstawiali ludzkie ciało zarówno nagie, jak i w lekkim, przezroczystym ubraniu”.

W konfrontacji ze sztuką grecką wiele wybitnych umysłów wyrażało autentyczny podziw. Jeden z najsłynniejszych badaczy sztuki, Johann Winckelmann (1717-1768) tak mówi o rzeźbie greckiej: „Koneserzy i naśladowcy dzieł greckich odnajdują w swoich mistrzowskich dziełach nie tylko najpiękniejszą naturę, ale także coś więcej niż naturę, mianowicie pewne idealne piękno który powstaje z obrazów naszkicowanych przez umysł.”

Każdy, kto pisze o sztuce greckiej, zauważa w niej niesamowite połączenie naiwnej spontaniczności i głębi, rzeczywistości i fikcji. Szczególnie w rzeźbie uosabia ideał człowieka. Jaka jest cecha ideału? Dlaczego tak oczarował ludzi, że sędziwy Goethe płakał w Luwrze przed rzeźbą Afrodyty?

Grecy zawsze wierzyli, że tylko w pięknym ciele może żyć piękna dusza. Dlatego harmonia ciała, doskonałość zewnętrzna jest niezbędnym warunkiem i podstawą idealnego człowieka. Grecki ideał definiuje się terminem kalokagathia (gr. kalos – piękny + agathos dobry). Ponieważ kalokagathia obejmuje doskonałość zarówno konstytucji fizycznej, jak i charakteru duchowego i moralnego, to jednocześnie wraz z pięknem i siłą ideał niesie ze sobą sprawiedliwość, czystość, odwagę i racjonalność. To właśnie sprawia, że ​​rzeźby wykonane przez starożytnych rzeźbiarzy są wyjątkowo piękne.

Najlepsze zabytki starożytnej rzeźby greckiej powstały w V wieku. PNE. Ale wcześniejsze prace dotarły także do nas. Posągi z VII - VI wieku PNE. symetryczny: jedna połowa ciała jest lustrzanym odbiciem drugiej. Spętana postawa, wyciągnięte ramiona dociśnięte do muskularnego ciała. Nie najmniejsze przechylenie czy obrót głowy, ale usta otwarte w uśmiechu. Uśmiech zdaje się rozświetlać rzeźbę od wewnątrz wyrazem radości życia.

Później, w okresie klasycyzmu, posągi nabrały większej różnorodności form. Podejmowano próby algebraicznego konceptualizacji harmonii. Pierwsze naukowe badanie tego, czym jest harmonia, podjął Pitagoras. Założona przez niego szkoła zajmowała się zagadnieniami natury filozoficznej i matematycznej, stosując obliczenia matematyczne do wszystkich aspektów rzeczywistości. Ani harmonia muzyczna, ani harmonia ludzkiego ciała czy struktury architektonicznej nie były wyjątkami.

Szkoła pitagorejska uważała liczbę za podstawę i początek świata. Co teoria liczb ma wspólnego ze sztuką grecką? Okazuje się, że jest to najbardziej bezpośrednie, ponieważ harmonia sfer Wszechświata i harmonia całego świata wyrażają się tymi samymi stosunkami liczb, z których głównymi są stosunki 2/1, 3/2 i 4/3 (w muzyce są to odpowiednio oktawa, piąta i czwarta). Ponadto harmonia zakłada możliwość obliczenia dowolnej korelacji części każdego przedmiotu, w tym rzeźby, według następującej proporcji: a / b = b / c, gdzie a to dowolna mniejsza część przedmiotu, b to dowolna część większa, c to całość.

Na tej podstawie wielki grecki rzeźbiarz Poliklet (V w. p.n.e.) stworzył rzeźbę młodego dzierżącego włócznię (V w. p.n.e.), zwaną od tytułu „Doriphoros” („Włóczniarz”) lub „Kanon”. dzieła rzeźbiarza, w którym omawiając teorię sztuki, zastanawia się nad prawami przedstawiania osoby doskonałej. Uważa się, że rozumowanie artysty można zastosować w jego rzeźbie. Posągi Polikleita tętnią intensywnym życiem. Polikleitos lubił przedstawiać sportowców w stanie spoczynku. Weź tego samego „Włócznika”. Ten potężnie zbudowany mężczyzna jest pełen poczucia własnej wartości. Stoi nieruchomo przed widzem. Ale to nie jest statyczny spokój starożytnych egipskich posągów. Jak człowiek umiejętnie i łatwo kontrolujący swoje ciało, włócznik lekko ugiął jedną nogę i przeniósł ciężar ciała na drugą. Wydaje się, że minie chwila, a on zrobi krok do przodu, odwróci głowę, dumny ze swojej urody i siły. Przed nami mężczyzna silny, przystojny, wolny od strachu, dumny, powściągliwy - ucieleśnienie greckich ideałów.

W przeciwieństwie do współczesnego mu Polikleita Myron uwielbiał przedstawiać swoje posągi w ruchu. Oto na przykład posąg „Dyskobol” (V w. p.n.e.; Muzeum Termalne, Rzym). Jej autor, wielki rzeźbiarz Miron, przedstawił pięknego młodzieńca w chwili, gdy machał ciężkim dyskiem. Jego ciało, złapane w ruch, jest wygięte i napięte jak sprężyna gotowa się rozwinąć. Pod elastyczną skórą naciągniętego ramienia nabrzmiewały wytrenowane mięśnie. Palce, tworząc niezawodne podparcie, wcisnęły się głęboko w piasek. Posągi Myrona i Polikleita odlano z brązu, ale do nas dotarły jedynie marmurowe kopie starożytnych greckich oryginałów wykonane przez Rzymian.

Grecy uważali Fidiasza za największego rzeźbiarza swoich czasów, który ozdobił Partenon rzeźbami z marmuru. Jego rzeźby odzwierciedlały postrzeganie bogów przez starożytnych Greków jako obrazu idealnej osoby. Najlepiej zachowaną marmurową wstęgą płaskorzeźby jest fryz o długości 160 m. Przedstawia procesję zmierzającą do świątyni bogini Ateny – Partenonu. Rzeźba Partenonu została poważnie zniszczona. A posąg „Ateny Partenos” zginął w starożytności. Stała wewnątrz świątyni i była niesamowicie piękna. Głowę bogini z niskim, gładkim czołem i zaokrąglonym podbródkiem, szyją i ramionami wykonano z kości słoniowej, a jej włosy, ubranie, tarczę i hełm wybito z arkuszy złota.

Na zdjęciu: Atena Partenos, rzeźbiarz Fidiasz. Kopiuj. Odrestaurowany zgodnie z opisami. Narodowe Muzeum Archeologiczne w Atenach.

Bogini w postaci pięknej kobiety jest uosobieniem Aten. Z tą rzeźbą wiąże się wiele historii. Powstałe arcydzieło było tak wielkie i sławne, że jego autorowi od razu zazdrościło wielu ludzi. Próbowano na wszelkie możliwe sposoby zirytować rzeźbiarza i szukano różnych powodów, dla których można by go o coś oskarżyć. Mówią, że Fidiasza oskarżano o rzekome ukrywanie części złota przekazanego jako materiał do dekoracji bogini. Aby udowodnić swoją niewinność, Fidiasz wyjął z rzeźby wszystkie złote przedmioty i zważył je. Waga dokładnie odpowiadała masie złota nadanego rzeźbie.

Następnie Fidiasz został oskarżony o ateizm. Powodem tego była tarcza Ateny. Przedstawiała fabułę bitwy pomiędzy Grekami a Amazonkami. Wśród Greków Fidiasz przedstawiał siebie i swojego ukochanego Peryklesa. Przyczyną konfliktu stał się wizerunek Fidiasza na tarczy. Pomimo wszystkich osiągnięć Fidiasza, greckie społeczeństwo było w stanie zwrócić się przeciwko niemu. Życie wielkiego rzeźbiarza zakończyło się brutalną egzekucją.

Osiągnięcia Fidiasza w Partenonie nie były jedynymi w jego twórczości. Rzeźbiarz stworzył wiele innych dzieł, z których najlepszym była kolosalna figura Ateny Promachos z brązu, wzniesiona na Akropolu około 460 roku p.n.e. oraz równie ogromną figurę Zeusa z kości słoniowej i złota dla świątyni w Olimpii.

Tak można opisać posąg Zeusa dla świątyni w Olimpii: Ogromny 14-metrowy bóg siedział na złotym tronie i wydawało się, że gdyby wstał, wyprostował szerokie ramiona, poczułby się ciasno w ogromnej sali a sufit byłby niski. Głowę Zeusa ozdobiono wieńcem z gałązek oliwnych - znak spokoju potężnego boga. Twarz, ramiona, ramiona, pierś wykonano z kości słoniowej, a płaszcz przerzucono przez lewe ramię. Korona i broda Zeusa były z błyszczącego złota. Fidiasz obdarzył Zeusa ludzką szlachetnością. Jego przystojna twarz, otoczona kędzierzawą brodą i kręconymi włosami, była nie tylko surowa, ale i życzliwa, jego postawa była uroczysta, dostojna i spokojna. Połączenie piękna fizycznego i dobroci duszy podkreślało jego boską idealność. Posąg zrobił takie wrażenie, że według starożytnego autora ludzie przygnębieni żalem szukali pocieszenia w kontemplacji stworzenia Fidiasza. Plotka głosiła, że ​​posąg Zeusa jest jednym z „siedmiu cudów świata”.

Niestety oryginalne dzieła już nie istnieją i nie możemy na własne oczy zobaczyć wspaniałych dzieł sztuki starożytnej Grecji. Pozostały jedynie ich opisy i kopie. Było to w dużej mierze spowodowane fanatycznym niszczeniem posągów przez wierzących chrześcijan.

Prace wszystkich trzech rzeźbiarzy były podobne w tym sensie, że wszystkie przedstawiały harmonię pięknego ciała i zawartej w nim życzliwej duszy. To był wówczas główny trend. Oczywiście normy i wytyczne w sztuce greckiej zmieniały się na przestrzeni dziejów. Sztuka archaiczna była prostsza, brakowało w niej głębokiego, pełnego znaczeń niedopowiedzenia, jakim zachwycała się ludzkość w okresie klasyki greckiej.

W epoce hellenistycznej, kiedy człowiek utracił poczucie stabilności świata, sztuka utraciła swoje dawne ideały. Zaczęło odzwierciedlać poczucie niepewności co do przyszłości, które panowało w ówczesnych trendach społecznych. Jedno łączyło wszystkie okresy rozwoju greckiego społeczeństwa i sztuki: była to szczególna pasja do sztuk plastycznych, do sztuk przestrzennych.

Takie upodobanie jest zrozumiałe: ogromne rezerwy różnokolorowego, szlachetnego i idealnego materiału - marmuru - zapewniły szerokie możliwości jego realizacji. Choć większość rzeźb greckich wykonano z brązu, gdyż marmur był kruchy, to właśnie faktura marmuru wraz ze swoją barwą i dekoracyjnością pozwoliła z największą wyrazistością odtworzyć piękno ludzkiego ciała.

Starożytna Grecja była jednym z największych państw na świecie. W czasie jego istnienia i na jego terenie położono podwaliny sztuki europejskiej. Zachowane zabytki kultury tego okresu świadczą o najwyższych osiągnięciach Greków w dziedzinie architektury, myśli filozoficznej, poezji i oczywiście rzeźby. Zachowało się niewiele oryginałów: czas nie oszczędza nawet najbardziej unikalnych dzieł. O kunszcie, z jakiego słynęli starożytni rzeźbiarze, wiemy w dużej mierze dzięki źródłom pisanym i późniejszym kopiom rzymskim. Jednak ta informacja wystarczy, aby zrozumieć znaczenie wkładu mieszkańców Peloponezu w kulturę światową.

Okresy

Rzeźbiarze starożytnej Grecji nie zawsze byli wielkimi twórcami. Epokę rozkwitu ich umiejętności poprzedził okres archaiczny (VII-VI wiek p.n.e.). Rzeźby, które do nas dotarły z tego czasu, wyróżniają się symetrią i statycznością. Nie mają tej witalności i ukrytego ruchu wewnętrznego, który sprawia, że ​​posągi wyglądają jak zamarznięci ludzie. Całe piękno tych wczesnych dzieł wyraża się poprzez twarz. Nie jest już tak statyczny jak ciało: uśmiech emanuje poczuciem radości i spokoju, nadając całej rzeźbie szczególny wydźwięk.

Po zakończeniu okresu archaicznego następuje najbardziej owocny czas, w którym starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji stworzyli swoje najsłynniejsze dzieła. Dzieli się na kilka okresów:

• wczesny klasyk - początek V wieku. pne mi.;
• wysoki klasyk - V wiek pne mi.;
• późnoklasyczny - IV wiek. pne mi.;
• Hellenizm - koniec IV wieku. pne mi. - I wiek. N. mi.

Czas przejścia

Wczesna klasyka to okres, w którym rzeźbiarze starożytnej Grecji zaczęli odchodzić od statycznej pozycji ciała i szukać nowych sposobów wyrażania swoich pomysłów. Proporcje są wypełnione naturalnym pięknem, pozy stają się bardziej dynamiczne, a twarze wyraziste.

Rzeźbiarz starożytnej Grecji Myron tworzył właśnie w tym okresie. W źródłach pisanych określany jest jako mistrz oddania anatomicznie prawidłowej budowy ciała, potrafiący z dużą dokładnością uchwycić rzeczywistość. Współcześni Myronowi zwracali także uwagę na jego wady: ich zdaniem rzeźbiarz nie wiedział, jak nadać twarzom swoich dzieł piękno i żywotność.

Posągi mistrza uosabiają bohaterów, bogów i zwierzęta. Jednak rzeźbiarz starożytnej Grecji Myron najbardziej preferował przedstawianie sportowców podczas ich osiągnięć na zawodach. Słynny „Dyskobol” jest jego dziełem. Rzeźba w oryginale nie zachowała się do dziś, istnieje jednak kilka jej kopii. „Miotacz dyskotekowy” przedstawia sportowca przygotowującego się do wystrzelenia pocisku. Ciało sportowca jest znakomicie wykonane: napięte mięśnie świadczą o ciężkości dysku, skręcone ciało przypomina gotową do rozłożenia sprężynę. Wydaje się, że wystarczy sekunda, a zawodnik rzuci pocisk.

Za znakomicie wykonane przez Myrona uważa się także posągi „Atena” i „Marsjasz”, które również dotarły do ​​nas dopiero w postaci późniejszych kopii.

Szczyt

Przez cały okres wysokiej klasyki pracowali wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji. W tej chwili mistrzowie tworzenia płaskorzeźb i posągów rozumieją zarówno metody przekazywania ruchu, jak i podstawy harmonii i proporcji. Wysoka klasyka to okres kształtowania się tych podstaw rzeźby greckiej, która później stała się standardem dla wielu pokoleń mistrzów, w tym twórców renesansu.

W tym czasie pracowali rzeźbiarz starożytnej Grecji Polykleitos i genialny Fidiasz. Obaj zachwycali się ludźmi przez całe życie i nie zostali zapomniani przez wieki.

Spokój i harmonia

Poliklet działał w drugiej połowie V wieku. pne mi. Zasłynął jako mistrz tworzenia rzeźb przedstawiających sportowców w spoczynku. W przeciwieństwie do „Disco Throwera” Mirona, jego sportowcy nie są spięci, ale zrelaksowani, ale jednocześnie widz nie ma wątpliwości co do ich siły i możliwości.

Polikleitos jako pierwszy zastosował specjalną pozycję ciała: jego bohaterowie często spoczywali na cokole, mając tylko jedną nogę. Ta poza stwarzała poczucie naturalnego relaksu, charakterystyczne dla odpoczywającej osoby.

Kanon

Za najsłynniejszą rzeźbę Polikletosa uważa się „Doriphoros”, czyli „Włócznik”. Utwór nazywany jest także kanonem mistrzowskim, gdyż ucieleśnia niektóre zasady pitagoreizmu i jest przykładem szczególnego sposobu stawiania figury, kontrapostu. Kompozycja opiera się na zasadzie krzyżowo-nierównego ruchu ciała: lewa strona (ręka trzymająca włócznię i noga cofnięta) jest rozluźniona, ale jednocześnie w ruchu, w przeciwieństwie do napiętej i statycznej prawej (noga podpierająca i ramię wyprostowane wzdłuż ciała).

Polikleitos później zastosował podobną technikę w wielu swoich dziełach. Jej podstawowe założenia zostały określone w traktacie o estetyce, który do nas nie dotarł, napisanym przez rzeźbiarza i zatytułowanym „Kanon”. Polikleitos poświęcił w nim dość duże miejsce zasadzie, którą z powodzeniem stosował także w swoich dziełach, gdy zasada ta nie była sprzeczna z naturalnymi parametrami ciała.

Uznany geniusz

Wszyscy starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji w okresie wysokiego klasycyzmu pozostawili po sobie godne podziwu dzieła. Jednak najwybitniejszym z nich był Fidiasz, słusznie uważany za twórcę sztuki europejskiej. Niestety większość dzieł mistrza przetrwała do dziś jedynie w postaci kopii lub opisów na kartach traktatów autorów starożytnych.

Fidiasz pracował przy dekorowaniu ateńskiego Partenonu. Dziś wyobrażenie o kunszcie rzeźbiarza daje zachowany marmurowy płaskorzeźba o długości 1,6 m. Przedstawia licznych pielgrzymów zmierzających do reszty dekoracji Partenonu, które zaginęły. Ten sam los spotkał ustawiony tu posąg Ateny, wykonany przez Fidiasza. Bogini wykonana z kości słoniowej i złota symbolizowała samo miasto, jego potęgę i wielkość.

cud świata

Inni wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji nie byli może gorsi od Fidiasza, ale żaden z nich nie mógł się pochwalić stworzeniem cudu świata. Olimpiada została wykonana przez rzemieślnika dla miasta, w którym odbywały się słynne igrzyska. Wysokość Gromowładnego zasiadającego na złotym tronie była niesamowita (14 metrów). Pomimo takiej mocy bóg nie wyglądał groźnie: Fidiasz stworzył spokojnego, majestatycznego i uroczystego Zeusa, nieco surowego, ale jednocześnie życzliwego. Posąg przed śmiercią przez dziewięć wieków przyciągał wielu pielgrzymów, którzy szukali pocieszenia.

Późny klasyk

Z końcem V wieku. pne mi. Rzeźbiarze starożytnej Grecji nie wyschli. Nazwy Skopas, Praxiteles i Lysippus są znane każdemu, kto interesuje się sztuką starożytną. Powstały one w kolejnym okresie, zwanym późną klasyką. Dzieła tych mistrzów rozwijają i uzupełniają dorobek poprzedniej epoki. Każdy na swój sposób przekształca rzeźbę, wzbogacając ją o nowe tematy, sposoby pracy z materiałem i możliwości przekazania emocji.

Wrzące namiętności

Skopas można nazwać innowatorem z kilku powodów. Wielcy rzeźbiarze starożytnej Grecji, którzy go poprzedzili, woleli używać brązu jako materiału. Skopas swoje dzieła tworzył głównie z marmuru. Zamiast tradycyjnego spokoju i harmonii, jakie wypełniały jego dzieła starożytnej Grecji, mistrz wybrał ekspresję. Jego dzieła są pełne pasji i doświadczeń, bardziej przypominają prawdziwych ludzi niż niewzruszonych bogów.

Fryz mauzoleum w Halikarnasie uważany jest za najsłynniejsze dzieło Skopasa. Przedstawia Amazonomachię – walkę bohaterów mitów greckich z wojowniczymi Amazonkami. Główne cechy stylu charakterystycznego dla mistrza są wyraźnie widoczne w zachowanych fragmentach tego dzieła.

gładkość

Za najlepszego greckiego mistrza w przekazywaniu wdzięku ciała i wewnętrznej duchowości uważany jest inny rzeźbiarz tego okresu, Praksyteles. Jedno z jego wybitnych dzieł – Afrodyta z Knidos – zostało uznane przez współczesnych mistrzowi za najlepsze dzieło, jakie kiedykolwiek powstało. bogini stała się pierwszym monumentalnym przedstawieniem nagiego kobiecego ciała. Oryginał do nas nie dotarł.

Cechy stylu charakterystycznego dla Praksytelesa są w pełni widoczne w posągu Hermesa. Dzięki specjalnej inscenizacji nagiego ciała, gładkim liniom i delikatnym półtonom marmuru mistrzowi udało się stworzyć nieco senny nastrój, który dosłownie otacza rzeźbę.

Dbałość o szczegóły

Pod koniec późnej epoki klasycznej pracował inny słynny grecki rzeźbiarz, Lysippos. Jego twórczość wyróżniała się szczególnym naturalizmem, starannym opracowaniem szczegółów i pewnym wydłużeniem proporcji. Lizyp starał się stworzyć posągi pełne wdzięku i elegancji. Swoje umiejętności doskonalił studiując kanon Polikleita. Współcześni zauważali, że dzieła Lysipposa, w przeciwieństwie do Doryphorosa, sprawiały wrażenie bardziej zwartych i zrównoważonych. Według legendy mistrz był ulubionym twórcą Aleksandra Wielkiego.

Wpływy Wschodu

Nowy etap w rozwoju rzeźby rozpoczyna się pod koniec IV wieku. pne mi. Za granicę obu okresów uważa się czas podbojów Aleksandra Wielkiego. Wraz z nimi właściwie zaczyna się era hellenizmu, która była połączeniem sztuki starożytnej Grecji i krajów wschodnich.

Rzeźby z tego okresu wzorują się na dorobku mistrzów poprzednich stuleci. Sztuka hellenistyczna dała światu takie dzieła jak Wenus z Milo. W tym samym czasie pojawiły się słynne płaskorzeźby Ołtarza Pergamońskiego. W niektórych dziełach późnego hellenizmu zauważalne jest odwoływanie się do codziennych tematów i szczegółów. Kultura starożytnej Grecji w tym czasie wywarła silny wpływ na rozwój sztuki Cesarstwa Rzymskiego.

Wreszcie

Nie do przecenienia jest znaczenie starożytności jako źródła ideałów duchowych i estetycznych. Starożytni rzeźbiarze w starożytnej Grecji położyli nie tylko podwaliny własnego rzemiosła, ale także standardy zrozumienia piękna ludzkiego ciała. Udało im się rozwiązać problem przedstawienia ruchu, zmieniając pozę i przesuwając środek ciężkości. Starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji nauczyli się przekazywać emocje i doświadczenia za pomocą przetworzonego kamienia, tworzyć nie tylko posągi, ale praktycznie żywe postacie, gotowe w każdej chwili się ruszyć, westchnąć, uśmiechnąć się. Wszystkie te osiągnięcia będą stanowić podstawę rozkwitu kultury w okresie renesansu.