Obrazy i artyści z gatunku domowego. Gatunek gospodarstwa domowego.Podręcznik słownika kultury

Gatunek gospodarstwa domowego - kierunek sztuki plastycznej związany z wykorzystaniem obrazów, scen ze zwykłego życia ludzi jako fabuły. Osobliwością jest to, że jako tematy prac wybierane są wyłącznie wydarzenia współczesne artyście. Gatunek codzienny jest szeroko rozpowszechniony w rzeźbie, malarstwie, grafice - dzieła sztuki wyróżniają się małymi parametrami, realizmem w przekazywaniu obiektów.

Jako odrębny gatunek ukształtował się w średniowieczu, choć pierwsze reprezentatywne dzieła można przypisać czasowi istnienia najstarszych cywilizacji. Gatunek codzienny poświęcony jest wydarzeniom prywatnym, codziennym - to one najlepiej ilustrują cechy okresu historycznego.

powstanie

Okresem powstania gatunku jest Nowy Czas, od tego czasu nastąpiła gwałtowna popularyzacja malarstwa realistycznego i demokratycznych poglądów na społeczeństwo. W XVII-XIX wieku artyści zaczęli zwracać uwagę na życie zwykłych ludzi jako główny temat obrazów. W związku z zaostrzeniem konfrontacji społecznej w społeczeństwie, wzrostem zainteresowania życiem codziennym, rozwinął się gatunek gospodarstwa domowego.

). Jednak w ramach tego artykułu rozważymy tylko sztukę przedmiotową.

Historycznie rzecz biorąc, wszystkie gatunki dzieliły się na wysokie i niskie. DO wysoki gatunek do malarstwa historycznego zaliczano dzieła o charakterze monumentalnym, niosące ze sobą jakąś moralność, znaczącą ideę, ukazujące wydarzenia historyczne, militarne związane z religią, mitologią lub fikcją.

DO niski gatunek obejmowało wszystko, co dotyczy życia codziennego. Są to martwe natury, portrety, malarstwo codzienne, pejzaże, zwierzęcość, wizerunki nagich ludzi i tak dalej.

Animalizm (łac. zwierzę - zwierzę)

Gatunek zwierzęcy powstał w starożytności, kiedy pierwsi ludzie malowali na skałach drapieżne zwierzęta. Stopniowo ten kierunek przekształcił się w niezależny gatunek, sugerujący wyrazisty obraz wszelkich zwierząt. Animaliści zazwyczaj wykazują duże zainteresowanie światem zwierząt, na przykład mogą być doskonałymi jeźdźcami, hodować zwierzęta lub po prostu przez długi czas uczyć się swoich nawyków. W zamyśle artysty zwierzęta mogą wyglądać realistycznie lub w formie obrazów artystycznych.

Wśród rosyjskich artystów wielu dobrze znało się na przykład na koniach i. Tak więc na słynnym obrazie Wasnetsowa „Bohaterowie” bohaterskie konie są przedstawiane z największą umiejętnością: kolory, zachowanie zwierząt, uzdy i ich związek z jeźdźcami są starannie przemyślane. Sierow nie lubił ludzi i pod wieloma względami uważał konia za lepszego od człowieka, dlatego często przedstawiał go w różnych scenach. choć malował zwierzęta, nie uważał się za malarza zwierząt, dlatego niedźwiedzie na jego słynnym obrazie „Poranek w sosnowym lesie” stworzył malarz zwierząt K. Savitsky.

W czasach carskich szczególną popularnością cieszyły się portrety ze zwierzętami, które były bliskie człowiekowi. Na przykład na zdjęciu pojawiła się cesarzowa Katarzyna II ze swoim ukochanym psem. Zwierzęta pojawiały się także na portretach innych rosyjskich artystów.

Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów w gatunku krajowym

malarstwo historyczne

Gatunek ten oznacza monumentalne obrazy, które mają na celu przekazanie społeczeństwu wspaniałej idei, jakiejkolwiek prawdy, moralności lub ukazanie znaczących wydarzeń. Znajdują się w nim dzieła o tematyce historycznej, mitologicznej, religijnej, folklorystycznej, a także sceny militarne.

W starożytnych państwach mity i legendy przez długi czas uważano za wydarzenia z przeszłości, dlatego często przedstawiano je na freskach lub wazach. Później artyści zaczęli oddzielać wydarzenia od fikcji, co wyrażało się przede wszystkim w przedstawianiu scen batalistycznych. W starożytnym Rzymie, Egipcie i Grecji zwycięscy wojownicy często przedstawiali na tarczach sceny bohaterskich bitew, aby zademonstrować swój triumf nad wrogiem.

W średniowieczu ze względu na dominację dogmatów kościelnych dominowała tematyka religijna, w okresie renesansu społeczeństwo zwracało się w stronę przeszłości głównie po to, by gloryfikować swoje państwa i władców, a od XVIII wieku gatunek ten często zwracano się w stronę edukacji młodych ludzi. ludzie. W Rosji gatunek ten rozpowszechnił się w XIX wieku, kiedy artyści często próbowali analizować życie rosyjskiego społeczeństwa.

W twórczości rosyjskich artystów prezentowane było na przykład malarstwo batalistyczne i. Tematyka mitologiczna i religijna w jego obrazach dotyczyła m.in. Wśród ludu dominowało malarstwo historyczne, wśród nich folklor.

Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku malarstwa historycznego

Martwa natura (fr. natura - natura i morte - martwa)

Ten gatunek malarstwa kojarzony jest z przedstawianiem obiektów nieożywionych. Mogą to być kwiaty, owoce, naczynia, dziczyzna, przybory kuchenne i inne przedmioty, z których artysta często komponuje kompozycję według swojego planu.

Pierwsze martwe natury pojawiły się w krajach starożytnych. W starożytnym Egipcie zwyczajowo przedstawiano ofiary bogom w postaci różnych potraw. Jednocześnie rozpoznanie tematu było na pierwszym miejscu, dlatego starożytni artyści nie przywiązywali szczególnej wagi do światłocienia czy faktury martwych natur. W starożytnej Grecji i Rzymie kwiaty i owoce znajdowano na obrazach oraz w domach w celu dekoracji wnętrz, dzięki czemu były już przedstawiane bardziej wiarygodnie i malowniczo. Powstanie i rozkwit tego gatunku przypada na XVI i XVII wiek, kiedy martwe natury zaczęły zawierać ukryte znaczenia religijne i inne. Jednocześnie pojawiło się wiele ich odmian, w zależności od tematu obrazu (kwiat, owoc, naukowiec itp.).

W Rosji rozkwit martwej natury przypada dopiero na XX wiek, ponieważ wcześniej była ona wykorzystywana głównie do celów edukacyjnych. Ale rozwój ten był szybki i uchwycony, łącznie z abstrakcjonizmem ze wszystkimi jego kierunkami. Na przykład tworzył piękne kompozycje kwiatowe, preferował, w nich pracował i często „ożywiał” swoje martwe natury, dając widzowi wrażenie, że naczynia za chwilę spadną ze stołu lub że wszystkie przedmioty zaczną się teraz obracać.

Oczywiście na przedmioty przedstawiane przez artystów wpływały także ich poglądy teoretyczne, światopogląd, stan umysłu. Były to więc przedmioty ukazane według odkrytej przez niego zasady perspektywy sferycznej, a ich dramatyzmem uderzały ekspresjonistyczne martwe natury.

Wielu rosyjskich artystów wykorzystywało martwą naturę głównie do celów edukacyjnych. Dlatego nie tylko doskonalił swoje umiejętności artystyczne, ale także przeprowadzał wiele eksperymentów, układając przedmioty na różne sposoby, pracując ze światłem i kolorem. eksperymentował z kształtem i kolorem linii, czasem odchodząc od realizmu w stronę czystego prymitywizmu, czasem mieszając oba style.

Inni artyści połączyli w martwych naturach to, co przedstawili wcześniej i swoje ulubione rzeczy. Na przykład na obrazach można znaleźć jego ulubiony wazon, nuty i portret żony, który stworzył już wcześniej, ale przedstawiał ukochane od dzieciństwa kwiaty.

Na przykład wielu innych rosyjskich artystów pracowało w tym samym gatunku i innych.

Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku martwej natury

Akt (fr. nudite - nagość, w skrócie nu)

Gatunek ten ma na celu ukazanie piękna nagiego ciała i pojawił się jeszcze przed naszą erą. W starożytnym świecie wielką wagę przywiązywano do rozwoju fizycznego, ponieważ od tego zależało przetrwanie całej rasy ludzkiej. Tak więc w starożytnej Grecji sportowcy tradycyjnie rywalizowali nago, aby chłopcy i młodzi mężczyźni mogli zobaczyć swoje dobrze rozwinięte ciała i dążyć do tej samej doskonałości fizycznej. Mniej więcej w VII-VI w. pne mi. Pojawiły się także posągi nagich mężczyzn, uosabiające fizyczną siłę mężczyzny. Przeciwnie, postacie kobiece zawsze pojawiały się przed publicznością w szatach, ponieważ nie było w zwyczaju eksponowanie kobiecego ciała.

W kolejnych epokach zmieniał się stosunek do nagich ciał. Tak więc w czasach hellenizmu (od końca VI wieku p.n.e.) wytrzymałość zeszła na dalszy plan, ustępując miejsca podziwianiu męskiej sylwetki. W tym samym czasie zaczęły pojawiać się pierwsze nagie postacie kobiece. W epoce baroku kobiety o wspaniałych kształtach uważano za idealne, w epoce rokoka zmysłowość stała się priorytetem, a w XIX-XX wieku często zakazano obrazów czy rzeźb przedstawiających nagie ciała (zwłaszcza mężczyzn).

Rosyjscy artyści wielokrotnie sięgali w swoich pracach do gatunku aktu. Są to więc tancerze o teatralnych atrybutach, pozujący dziewczęta lub kobiety w centrum monumentalnych wątków. To mnóstwo zmysłowych kobiet, także w parach, to cała seria obrazów przedstawiających nagie kobiety podczas różnych czynności, a to dziewczyny pełne niewinności. Niektórzy na przykład przedstawiali zupełnie nagich mężczyzn, chociaż takie obrazy nie były mile widziane przez społeczeństwo tamtych czasów.

Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku aktu

Krajobraz (fr. Paysage, z płatów - obszar)

W tym gatunku priorytetem jest obraz środowiska naturalnego lub stworzonego przez człowieka: naturalne zakątki, widoki miast, wsi, pomników itp. W zależności od wybranego obiektu wyróżnia się krajobrazy naturalne, przemysłowe, morskie, wiejskie, liryczne i inne.

Pierwsze pejzaże starożytnych artystów odkryto w sztuce naskalnej epoki neolitu i były to wizerunki drzew, rzek czy jezior. Później do dekoracji domu wykorzystano motyw naturalny. W średniowieczu krajobraz został niemal całkowicie zastąpiony motywami religijnymi, a w renesansie wręcz przeciwnie, na pierwszy plan wysunęła się harmonijna relacja człowieka z naturą.

W Rosji malarstwo pejzażowe rozwija się od XVIII wieku i początkowo było ograniczone (np. W tym stylu powstawały pejzaże), ale później cała plejada utalentowanych rosyjskich artystów wzbogaciła ten gatunek technikami z różnych stylów i trendów. stworzył tzw. dyskretny pejzaż, czyli zamiast gonić za spektakularnymi widokami, ukazywał najbardziej intymne momenty rosyjskiej przyrody. i doszedł do lirycznego krajobrazu, który uderzył publiczność subtelnie oddanym nastrojem.

I to jest epicki krajobraz, w którym widzowi ukazuje się cała wspaniałość otaczającego świata. bez końca zwracał się do starożytności, E. Wołkow wiedział, jak zamienić każdy dyskretny krajobraz w poetycki obraz, zadziwił widza swoim cudownym światłem w krajobrazach i mógł bez końca podziwiać leśne zakątki, parki, zachody słońca i przekazywać tę miłość widzowi.

Każdy z pejzażystek skupiał się na pejzażu, który szczególnie go fascynował. Wielu artystów nie mogło przejść obojętnie obok wielkoformatowych projektów budowlanych i malowało wiele pejzaży przemysłowych i miejskich. Wśród nich są dzieła

Być może tak wiele uprzedzeń i zmienności interpretacyjnych nie jest związanych z żadnym gatunkiem, jak z życiem codziennym. Przyciąga ciekawą fabułą. Najlepsze dzieła gatunku codziennego przyciągają widza jak umiejętnie skonstruowane historie. Jednocześnie często zarzuca się tego typu obrazom anegdotyzm, małostkowy opis. Czy sztuka codzienności powinna malować sceny z życia codziennego czy uroczystości? Niektórzy artyści obrażają się nawet, gdy nazywa się ich malarzami gatunkowymi, uważając, że taka definicja niesprawiedliwie pomniejsza ich twórczość. Wydaje się, że gatunkowizm, przesuwając się ponad pozorami rzeczy i zdarzeń, wyklucza lot fantazji, sen i symbol, poetycką alegorię.

Co oznacza samo pojęcie gatunku codziennego? Ściśle związany z malarstwem historycznym i portretem, różni się od nich. Artyści malujący tematykę codzienną nie odwołują się do konkretnych wydarzeń historycznych, nie do jednostek, ale do biegu życia. Gatunek codzienny opowiada o typowym, szczegółowo opisuje ustalone tradycje. Nie jest to jednak możliwe bez interakcji z krajobrazem i martwą naturą z sąsiadami, wzmacniając za ich pomocą siłę oddziaływania obrazów.

Kiedy artysta po raz pierwszy uchwycił zwykłego człowieka w jego codziennych zmartwieniach?

ceny polowań, magicznych obrzędów istniały w kulturze artystycznej od czasów starożytnych. Połączone z mitami nie zamieniły się jeszcze w odrębny gatunek, chociaż pozostawiły naturalne szkice, które zadziwiają żywą żywotnością. Malarstwo starożytnego Egiptu i mała sztuka plastyczna zachowały wiele wyrazistych motywów codziennej pracy, które były częścią rytuału pogrzebowego. Postacie ciężko pracujących sług pojawiają się jako magiczne substytuty żywych ludzi, powołanych do służenia swemu panu w zaświatach. Mozaiki, sztuka dekoracyjna późnej starożytności zawierają wiele wątków codziennego gatunku pracy, rodziny, miłości, teatralnych, karykaturowo-satyrycznych. Pliniusz Starszy w Historii naturalnej (I w. n.e.) pisał o pojawieniu się szczególnego rodzaju malarzy, riporografów i pisarzy codziennych, którzy przedstawiali sklepy szewców i fryzjerów.

Wczesne chrześcijaństwo ukrywało się w rzymskich katakumbach, posługując się językiem obrazkowych aluzji i symboli.

A życie codzienne, na pozór zupełnie zwyczajne, zajmowało honorowe miejsce w tym tajemnym piśmie: łowienie ryb oznaczało chrzest, budowa oznaczała utworzenie wspólnoty kościelnej, wesoła uczta oznaczała błogość sprawiedliwych dusz w raju. Zamiłowanie do obserwacji gatunkowych przeszło także do sztuki dojrzałego europejskiego średniowiecza, choć obecnie zeszły one na miejsce bardziej drugorzędne. Sceny z życia codziennego zdobią kapitele kolumn, teksty średniowiecznych rękopisów. We wzorach kamiennych katedr gotyckich, na marginesach (od łacińskiego słowa marginalia, co oznacza ozdoby na marginesach rękopisu) można zobaczyć pasterzy, drwali, piekarzy, winiarzy, kuglarzy – niemal wszystkie zawody średniowiecznego świata . Ich uciążliwa praca jest wyraźną ilustracją ziemskiego czasu, który w codziennych sprawach dopełnia swój roczny cykl. A na starożytnej Rusi obok ikon powstawały obrazy gatunkowe codziennego użytku, początkowo marginalne, później już w XVII wieku istniejące już w postaci samodzielnych liter codziennego użytku.

Organiczna fuzja gatunków codziennych i religijnych jest charakterystyczna dla sztuki wielu krajów średniowiecznego Wschodu Indii, Indonezji, Bliskiego i Środkowego Wschodu, Chin i Japonii. Szczególny wpływ na kulturę Dalekiego Wschodu wywarła sekta Chan (zen w Japonii), w której nauczanie małego, codziennego epizodu kupna konia, rąbania tuszy przez rzeźnika mogło stać się pretekstem do filozoficznych refleksji nad głęboką istotą wszechświata .

Litery bajtejskie (by użyć staroruskiego określenia) pochłonęły duchowe poszukiwania ludzi renesansu.

W XV i na początku XVI wieku ukształtował się ostatecznie rodzaj malarstwa niezależnego, poświęconego obrzędom weselnym i karnawałowym, życiu różnych klas. Każdy szczegół tych obrazów ma znaczenie symboliczne. Świeca może zapoczątkować ludzkie życie, kwiaty i owoce żywioły Ziemi i płodności, ptak w klatce dziewczęcej czystości, miotła oczyszczająca dom nie tylko z kurzu, ale i ze złych duchów. Podobnie jak w ludowym rytuale, rzeczy i zdarzenia składają się na spektakl teatralny, który wprowadza prywatny ludzki los do głównego nurtu wszechświata, mały krąg ludzkich spraw do wielkiej stromy kosmosu. Jednocześnie codzienne obrazy renesansu, w przeciwieństwie do średniowiecznych, są realistyczne, alegoria nie wyklucza w nich prawdy życiowej. Średniowieczny światopogląd zostaje zastąpiony religią Natury i człowieka, ubóstwiającą nie tyle stwórcę, co samo stworzenie, świat ziemski w jego nieskończonej różnorodności. Dlatego malarze pilnie udowadniają materialność bytu, nadają przedmiotom i sytuacjom zmysłową perswazję.

Przewartościowanie średniowiecznych wartości widać wyraźnie choćby w scenach targowych Holendra Joachima Beikelaera, gdzie epizody ewangeliczne schodzą na dalszy plan, a na pierwszy plan wysuwają się silni chłopscy kupcy i ich towary. Warzywa, ryby i mięso, owoce Matki Natury, wyraźnie ucieleśniające jej płodność, stale odnawiającą się energię. Ten nastrój panuje w najlepszych obrazach codziennego użytku XVI-XVII w., malowanych przez Pietera Brueghela Starszego, Caravaggia, braci Lenina, Velasqueza, Vermeera, Brouwera. Jednocześnie klasy niższe (chłopi, biedota miejska) są zwykle przedstawiane ze szczególną miłością - ci mali ludzie tego świata są najbliżsi zwykłej matce, ich obecność podkreśla urok naturalnego umysłu.

Wiek Oświecenia, który ostatecznie przyjął punkt widzenia ziemskiego człowieka, przeniósł znaczenie edukacyjne na gatunek codzienny.

Ale z drugiej strony taka postawa, mimo dokonań Hogartha, Chardina, Greuze’a, doprowadziła do tego, że gatunek został zmiażdżony, obciążony moralnością. Nie pokazywał już widzowi tajemniczej relacji człowieka z kosmosem, ale na żywych, anegdotycznych przykładach opowiedział, jak źle jest pić, oszukiwać, a wręcz przeciwnie, jak przyjemne jest pobożne życie rodzinne i ciężka praca. Powtarzając się z obrazu na obraz, motywy te zamieniły się w klisze, stając się coraz bardziej nieszczere i obłudne. Gatunek codzienny (teraz tylko gatunek) nieco się zdeprecjonował.

Artysta Aleksander Iwanow zadał nawet zdezorientowane pytanie: „Ogólnie rzecz biorąc, gatunki, jaki rodzaj malarstwa? Czy to jest malarstwo? Jednak jakby w odpowiedzi na ten sceptycyzm, wizerunki codziennego użytku pierwszej połowy XIX wieku odżyły na nowo swoją władzą, udowadniając, że są w stanie urzeczywistnić doniosłe zadania ideowe, które niepokoiły nawet twórcę „Pojawienia się Chrystusa ludziom”.

W wielu krajach europejskich gatunek gospodarstwa domowego poetycko odzwierciedlał cechy charakteru narodowego.

Takie są obrazy A. Venetsianova w Rosji lub wręcz przeciwnie, uchwycił społeczne bolączki społeczeństwa z ekspresją nie ustępującą literaturze realizmu krytycznego. W szczególności F.M. Dostojewski, który pozostawił szereg subtelnych ocen na temat sztuki pisania codziennego, zauważył w szczególności, że: „malarz historyczny zna rozwiązanie przedstawianych przez siebie wydarzeń, natomiast malarz gatunkowy, występując w roli ich uczestnika i naocznego świadka, działa bardziej na chybił trafił”, umieszczając swoich bohaterów w otoczeniu przypominającym wiele obrazów Wędrowców, zwłaszcza V. Perowa. Wraz z kierunkiem dramatycznym rozwija się także idylliczno-narracyjna reprezentacja w gatunku XIX wieku, na przykład w obrazach K. Makowskiego.

Salonowy gust wyrządził znaczne szkody codziennemu gatunkowi XIX wieku, sprowadzając wiele jego obrazów do poziomu zabawnej plotki, słodkiego, ale pustego obrazu moralności. Jednak impresjonizm, a potem sztuka przełomu XIX i XX wieku, ponownie przywróciły znaczenie malarstwa codziennego. Przepływ chwilowego bytu, zatrzymany i przekształcony przez artystę, stał się znacznie ważniejszy niż wielkoformatowe płótna historyczne. Być może dramat nadchodzących zmian nadał znaczenie życiu codziennemu. Gatunek ten przekształcił się w baśniową legendę lub monumentalną epopeję wśród symbolistów (K. Petrov-Vodkin, J. Segantini, F. Hodler). Z drugiej strony życie prywatne, jego radości i codzienne kłopoty stały się cennym materiałem malarskim, jakby podsumowującym istnienie przedrewolucyjnej Rosji, w jej jasnokolorowej (B. Kustodiew) lub lirycznie smutnej odsłonie (A. Korina).

Losy rosyjskiego gatunku codziennego po rewolucji odzwierciedlały sprzeczności życia artystycznego.

Lata dwudzieste XX wieku dały niezwykłą różnorodność jej typów: tu zarówno monumentalne obrazy plakatowe (wielu artystów OST), jak i chytrze ironiczne obserwacje (np. S. Luchishkina czy S. Adlivankina), jak i skoncentrowane, auto-autorskie zawierał medytację (artyści z kręgu Makovets). Dalsza historia przyczyniła się do wypędzenia z oficjalnej kultury wszystkiego, co nie mieściło się w haśle o tym, że życie staje się „lepsze, zabawniejsze”. Gatunek codzienny musiał pokazywać wakacje w kołchozie ze stołami zastawionymi naczyniami, wszelkiego rodzaju błyszczącymi obrazami szczęśliwego dzieciństwa i szczęśliwej starości. Jednak nawet poprzez fałszywy blask często przebijała się prawda. Niekiedy pojawiały się kameralne sceny z życia codziennego, dawały nadzieję i duchowy odpoczynek od tragedii i otaczającej je hipokryzji.

W okresie powojennym gatunek codzienny stał się na jakiś czas chyba najpopularniejszą formą sztuki. Obrazy uchwyciły powrót do spokojnej pracy, bezpretensjonalne radości i zmartwienia dnia (przegrani, chłopcy-piłkarze, studenci Suworowa na wakacjach). Ich pozbawiona sztuki codzienność, w przeciwieństwie do bezosobowych pseudomonumentalnych płócien, wyglądała naturalnie, spokojnie, a przez to atrakcyjnie.

W drugiej połowie XX wieku w różnych szkołach narodowych tematy i motywy kojarzone z gatunkiem codziennym znajdowały różnorodne wcielenia.

Dramatyczna sztywność języka, jak na przykład w malarstwie artystów lat 60. XX wieku, ironiczne przekształcenie współczesnych w postacie ze starych obrazów, podziwianie patriarchalnych cech narodowego stylu życia, to wszystko przechodzi przed nami, stanowił rozległy teatr życia. Artyści lat 70. wprowadzili do swojej sztuki dokumentalną ostrość percepcji, kolejne pokolenie wręcz przeciwnie, przedkładało liryczną bezpośredniość nad energetyczne, pełne temperamentu malarstwo.

Artyści gatunku codziennego nadal dziś wzbogacają wielowiekową tradycję, zatrzymując chwile i zamieniając je w symbole czasu.

Przygotowując publikację wykorzystano materiały zawarte w artykule
„Gatunek domowy” M. Sokołow, M. 1989

W sztuce zawsze zwracano uwagę na życie codzienne.
Każdą epokę w sztuce reprezentowały odrębne, ogólne obrazy, które ekscytowały umysły artystów, poetów i muzyków. Ale tego codziennego gatunku nie da się tak prosto opisać za pomocą obrazów, ponieważ dla każdego artysty życie było postrzegane na swój własny sposób.
Co ciekawe, od średniowiecza ludzie interesowali się motywami codziennymi, ale wtedy nie było to już tak oczywiste i wymowne, gdyż humanizm, który wówczas rozkwitł, wyznaczył nowe ramy. Z tego powodu codzienny gatunek w sztuce nabrał humanistycznego zabarwienia. Kiedy więc zaczął się ten trend?
Nawet w prymitywnych malowidłach naskalnych ukazywane były codzienne chwile, na przykład polowanie na żubry, a w starożytnym malarstwie wschodnim, w płaskorzeźbach i sztukateriach, królowie, szlachta i inni pracownicy dworu ukazani byli z zupełnie zwyczajnej ludzkiej strony. Ale codzienne sceny oficjalnie ukształtowały się podczas formowania się społeczeństwa burżuazyjnego, to znaczy znowu same trendy tamtych czasów wyznaczyły nowy gatunek w sztuce. Gatunek życia codziennego rozkwitł w związku z potrzebą artystów realizmu, przedstawiania ówczesnych problemów społecznych.
Pytania te mogą być wąskie i dotyczyć tylko jednej strony życia, na przykład prac domowych, czynności kucharzy, rozmów, przymierzania strojów itp. (Velasquez), ale może być wypełniony ukrytym, celowo osadzonym znaczeniem. Tutaj Caravaggio rysował nieprzyjemne postacie, które każdy z nas koniecznie stara się ominąć: wróżki, oszuści, oszustowie i gracze, ale przedstawiał je najczęściej szczegółowo, przekazując za ich pomocą znaczenie widzowi. Każdy z nich można zinterpretować inaczej, ktoś dostrzeże problem biedy, ktoś kłamie, a jeszcze inni, być może, nieuczciwi gracze w karty pomyślą o chęci zarobienia na życie.
Każde dzieło autora, wykonane w gatunku codziennym, odzwierciedla jego rozumienie samego słowa „życie codzienne”, dlatego dla Caravaggia (Włochy) życie to oszustwo, w Chinach - szlachta i idea uczciwego mąż, co kojarzone jest głównie z konfucjanizmem, który zakładał te kwestie; w Japonii i Korei rutyna to humor, z jakim ludzie odnoszą się do życia. Ale to dopiero na samym początku rozwoju tego gatunku w sztuce.
W okresie świetności renesansu sceny z życia codziennego zaczynają naprawdę przypominać życie codzienne, nawet jeśli artysta przedstawia coś wzniosłego, na przykład Madonnę, wówczas wnętrze i otoczenie są nasycone przedmiotami codziennego użytku. Holenderscy bracia Jan i Hubert van Eyck, Ambrogio Lorenzetti, Gertgen tot Sint-Jans pisali na tematy religijne i codzienne, było to między XIV a XV wiekiem. Autorzy ci dali impuls do rozwoju nowego gatunku codziennego, który wydawał się bardziej znany współczesnej ludzkości. Ich twórczość była kontynuowana zarówno we Francji, jak i w Niemczech, a przede wszystkim w Wenecji, gdzie spod pędzla Giorgione i Carpaccio wyszły zwykłe dzieła, przesiąknięte wymierzonym życiem ludzkim.
Warto zwrócić uwagę na pozbawione ozdób płótna Pietera Brueghela Starszego, a wśród nich pozornie mityczną, a jakże istotną fabułę Upadku Ikara. To nie jest zwyczajny, wielokrotnie przerysowywany obraz mitu Ikara, to dzieło pełne głębokiego znaczenia, życie toczy się dalej i nikt nie zauważa pojedynczych wydarzeń, które go nie dotyczą. Dlatego sam Ikar jest przedstawiany jako mała, prawie niezauważalna kropka. A co z Przysłowiami flamandzkimi Bruegla? Każdy centymetr płótna opowiada widzowi jakąś osobną historię: tutaj ktoś rzuca naleśniki na dach domu, ktoś bije głową w ścianę, inni poważnie zakopują świnię, a najciekawsze jest to, że każdy z bohaterów, bez cienia humoru, nawiązuje do ich bezsensownych, absurdalnych działań.
Pokonawszy wiele zmian na drodze swojego powstawania, gatunek codzienny w sztuce ostatecznie ukształtował się w XVII wieku. Autorzy celowo pomniejszyli znaną wszystkim strukturę życia codziennego i ukazali życie niższych klas społecznych. Potem artyści „zachorowali” na ten okres i połączyli w swoich pracach rzeczywistość z fikcją, specyfiką i poetycką percepcją.
Jeśli chodzi o Rosję, gatunek życia codziennego zaczął się tu pojawiać później, jego rozkwit przypada na XVIII wiek. Artyści zwracali szczególną uwagę na zwykłego chłopa, romantyczną idyllę obcych obrazów, artyści rosyjscy kontrastowali z straszliwą rzeczywistością życia chłopskiego, jest tu bieda, prawdomówność, nuda i zmęczenie (Eremenev i Shibanov).
Problematyka chłopska nie pozostała w XVIII w., płynnie przeszła w XIX w., lecz artyści nie chcieli już nikogo donosić, dlatego w pierwszej połowie tego stulecia malowali obrazy malarstwa chłopskiego, okraszone humorem, jego bezchmurnym czasy. W tym czasie Ventsianov pracował w Roissia, Bingham i Mount w USA, Kersting i Svalbard w Niemczech. Jedynie Francuzi nie trzymali się złuszczających kanonów, to oni wprowadzili do sztuki ducha protestu, który przetrwał do lat 50. i 60. XX w., kiedy kluczowy stał się temat chłopów zmęczonych wieczną bezsensowną pracą.
XX wiek całkowicie zmienił światopogląd ludzi, a co za tym idzie, ich sposób życia. Rozwój nowych technologii, wojna, przemysł – wszystko to znajduje odzwierciedlenie w codziennym gatunku. W sztuce zaczęła królować ostrość, impulsywność i skupienie na eksplorowaniu wszystkich zakątków ludzkiego „ja” (Steilen, Riviera, Derkovich i Bolkansky). Autorzy starali się wyrazić poprzez sztukę cierpienie określonej części społeczeństwa i jej odporność, gotowość do walki z władzą, fundamentami i innowacjami.
Codzienna orientacja w sztuce dążyła do ukazania życia ludzi, jako gatunek został stworzony, aby utrwalić pojedyncze wydarzenia, które nie miały wartości historycznej. Naturalnie, o jakiej wartości na dużą skalę możemy mówić, jeśli życie zwykłych ludzi przez cały czas nie miało większego znaczenia. Artyści przedstawiający codzienne, codzienne, wiejskie chwile chcieli po prostu zapisać je w historii.

Rodzina, szkoła, praca, odpoczynek, całe życie osobiste i społeczne człowieka znajduje odzwierciedlenie w dziełach sztuki. Najczęściej sceny te spotykamy na obrazach malarzy, ale często można je zobaczyć na arkuszach grafik sztalugowych oraz w rzeźbie. Bardzo atrakcyjne są małe grupy rzeźbiarskie wykonane przez mistrzów sztuki ludowej, na przykład rzeźbione drewniane zabawki ze wsi Bogorodskoje koło Zagorska w obwodzie moskiewskim lub malowane gliniane stiukowe figury dawnej osady Dymkowo (Kirow). Figurki służą do komponowania kompozycji o tematyce baśni, baśni, popularnych druków. Z reguły są zabarwione miękkim, dobrodusznym humorem.

Sceny z życia codziennego, uchwycone przez artystów różnych epok, pozwalają zajrzeć w realne życie minionych czasów. Przecież artysta, przedstawiając swoje współczesne życie, zdaje się uchwycić dla przyszłych pokoleń specyfikę życia swojej epoki.

Pierwszy rozkwit gatunku codziennego rozpoczął się w Holandii w XVII wieku. Jest to czas kształtowania się społeczeństwa burżuazyjnego, upominającego się o swoje prawo do życia prywatnego i publicznego, swój światopogląd. To właśnie wtedy przedstawienie scen życia codziennego wyróżniło się jako niezależny gatunek w sztuce. W starożytności i średniowieczu znanych jest jedynie kilka obrazów życia codziennego, w większości przypadków służyły one celom budującym i pouczającym. Holenderscy malarze z miłością odtwarzają życie różnorodnych warstw społecznych. Na obrazach G. Terborcha („Lekcja muzyki”, Muzeum Puszkina) widzimy bogate rodziny arystokratyczne, panie w bujnych satynowych sukniach, rozmawiające z dzielnymi panami. W atmosferze skromnych i przytulnych domów mieszczańskich na obrazach G. Metsu („Chory i lekarz”, GE) rozgrywają się codzienne sceny. Osobliwą poezję zwyczajnego życia mieszczańskiego uchwycili J. Vermer z Delft („Koronkarka”, Luwr, Paryż) i P. de Hooch („Pani i służąca”, GE). I jaką błyszczącą, dziką zabawą ludową przesiąknięte są sceny chłopskich uroczystości ich wielkiego poprzednika Pietera Brueghela Starszego lub ich współczesnego Fleminga P. P. Rubensa!

P. Bruegel Starszy. Chłopski taniec. OK. 1568. Olej na drewnie. Muzeum Historii Sztuki. Żyła.

Wszystkie kolejne okresy rozkwitu gatunku codziennego wiążą się z rozwojem tendencji demokratycznych i realistycznych w sztuce. Od prostego utrwalenia zjawisk artyści przechodzą do odkrywania głębokiego wewnętrznego znaczenia i społeczno-historycznej treści życia codziennego. Już w XVII wieku. we Francji bracia Lenin byli w stanie zobaczyć i pokazać na swoich obrazach wysoką ludzką godność prostego chłopa - najniższego i uciskanego przedstawiciela społeczeństwa feudalnego („Rodzina mleczarki”, lata czterdzieste XVII wieku, GE). W XVIII wieku. J. B. S. Chardin pod wpływem idei oświeceniowych utwierdzał w swoich dziełach godność osoby trzeciego stanu („Praczka”, 1737, GE).

J. B. S. Chardin. Praczka. 1737. Olej na płótnie. Państwowy Ermitaż. Leningrad.

Nowy rozkwit gatunku codziennego następuje w XIX wieku. Artyści starają się dać odpowiedź na palące problemy społeczne generowane przez współczesną rzeczywistość. W ich twórczości zaczyna dominować krytyczna ocena, obnażanie istniejących relacji społecznych i ustalonych norm moralnych, bronią praw uciskanych warstw społeczeństwa. Ważną rolę odgrywa tu społeczno-krytyczna satyra O. Daumiera, który ukazał prawdziwe oblicze dobrobytu społeczeństwa burżuazyjnego, z wielkim ciepłem ukazując przedstawicieli mas pracujących, z którymi związał przyszłość swojego kraju. Wysoka idea człowieka pracy znalazła odzwierciedlenie w twórczości innych malarzy francuskich, a przede wszystkim F. Milleta i G. Courbeta. Obrazy z życia najróżniejszych warstw społecznych, epizody bitew na barykadach przenikają do gatunku codziennego. Wizerunki zwykłych ludzi zostają heroizowane i nabierają epickiego charakteru. Artyści zdają się przekonywać widza, że ​​siewanie chleba i budowanie dróg jest tak samo godne, jak dokonywanie bohaterskich czynów.

Gatunek codzienny zajął ważne miejsce w sztuce rosyjskiej pierwszej połowy XIX wieku. A. G. Venetsianov i artyści jego szkoły śpiewają o pracy wiejskiej pracy i przyrody, idealizując wizerunki chłopów, tworzą poetyckie obrazy życia chłopskiego („O żniwach. Lato”, lata 20. XIX wieku, Państwowa Galeria Trietiakowska itp.). Satyryczne obrazy i rysunki P. A. Fiedotowa podniosły całą warstwę życia w rosyjskim społeczeństwie epoki Mikołajowa, przyczyniły się do ujawnienia pańszczyzny.

Decydującą rolę w rozwoju rosyjskiego gatunku codziennego odegrali malarze lat 60. XIX wieku, którzy ukazali szeroki obraz życia poreformacyjnej Rosji (V. G. Perow i in.). Tendencja ta ujawnia się ze szczególną siłą w twórczości Wędrowców. Widzowi przedstawiono szczegółowy, typowy obraz życia wszystkich warstw rosyjskiego społeczeństwa. W twórczości Wędrowców, a przede wszystkim I. E. Repina, rosyjska rzeczywistość lat 1870-1890 jest szeroka i wieloaspektowa. („Przewoźnicy barek na Wołdze”, 1870–1873, Muzeum Rosyjskie; „Nie czekali”, 1884–1888; „Aresztowanie propagandysty”, 1880–1892, oba w Państwowej Galerii Trietiakowskiej). Repin był w stanie pokazać nie tylko uciskany stan mas, ale także witalność potężnego ludu, bohaterstwo i niezłomność bojowników o wyzwolenie ludu. Na przełomie XIX i XX w. w sztuce rosyjskiej - w twórczości N. A. Kasatkina („Górnik”, 1894, Państwowa Galeria Trietiakowska), S. T. Konenkowa, A. S. Golubkina („Robotnik”, 1909, Państwowa Galeria Trietiakowska) - pojawili się przedstawiciele nowej klasy - proletariatu.

A. I. Laktionov. List z przodu. 1947. Olej na płótnie. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa.

Rozwój gatunku codziennego w sztuce XX wieku przebiega w sposób bardzo złożony. Niezwykle zaostrzone sprzeczności mieszczańskiej rzeczywistości nadały twórczości czołowych mistrzów gatunku codziennego, takich jak T. Steinlen we Francji, K. Kollwitz w Niemczech, R. Guttuso we Włoszech, F. Maserel w Belgii, charakter bojowy, w dużej mierze ze względu na ich związek z ruchem rewolucyjnym. Postępowi władcy krajów kapitalistycznych ukazują nie tylko trudy i cierpienia mas, ale także swą gotowość do zdecydowanej walki z wyzyskiwaczami.

Zasadniczo nowym etapem w rozwoju gatunku codziennego była sztuka socrealizmu. Radzieccy artyści potwierdzają historyczny optymizm budowniczych społeczeństwa komunistycznego, radość wolnej pracy twórczej, nowy, socjalistyczny sposób życia i stosunki międzyludzkie, ukazują bogaty świat duchowy człowieka radzieckiego. Już w latach 1920-1930. w twórczości B. V. Iogansona („Rabfak idzie”, 1928, Kijowskie Muzeum Sztuki Rosyjskiej), A. A. Deineki („Przy budowie nowych warsztatów”, 1926, Państwowa Galeria Trietiakowska), Yu. I. Pimenowa („Nowa Moskwa” , 1937, Państwowa Galeria Trietiakowska), a później A. A. Plastova („Obiad traktorów”, 1951, Obwodowe Muzeum Sztuki w Irkucku) i wielu innych mistrzów sztuki radzieckiej, cechy nowego, sowieckiego życia, bohaterstwo twórczości są szeroko odzwierciedlone. Patos budowniczych społeczeństwa komunistycznego potwierdza twórczość współczesnych mistrzów radzieckiej sztuki wielonarodowej.