О певческой опоре. Вокал: что такое вокал и его основные типы

Вокал - это разновидность музыкального исполнения, мастерство владения певческим голосом. Вокал разделяется на различные виды в зависимости от его стилистики, используемых приемов, а также характера взаимодействия исполнителей.

Разнообразие вокальных техник

В зависимости от того, сколько человек и как именно участвуют в вокальном исполнении произведения, разделяют такие виды вокала как:

сольное пение (одиночное);
ансамблевое пение (от двух до 10 человек, исполняющих обычно разные партии);
хоровое пение (от 5-7 до нескольких десятков человек, некоторые из которых ведут идентичные партии).

Что касается классификации вокала в зависимости от стиля и методики исполнения, то можно выделить 11 основных направлений.

Основные стили вокала

Классическое (академическое) пение

Характерно для оперы и оперетты, мюзиклов, романсов. Традиции этого направления были заложены еще в XVI веке - начиная с того времени и по сегодняшний день, классическое исполнение подразумевает высокую вокальную позицию и высокий купол, максимально объемное звучание безупречно чистого голоса. Полностью или частично исключаются форсирование звука, шумы и хрипы.

Джазовый вокал

Как результат слияния колоритных африканских ритмов и присущих европейским странам музыкальным традициям, этот стиль появился в конце XIX века в США. Для него характерен богатый и сильный голос, способный воспроизводить очень сочные звуки, варьируя тональности, используя приемы подражательства и максимальную импровизацию.

Эстрадное пение

Данное направление отличает ориентация на массового потребителя. Отсюда - понятные по смыслу тексты без какой-то глубинной философии, простая и запоминающаяся манера исполнения, использование повторяющихся куплетов. Сегодня эстрадный вокал тесно переплетается с другими стилями - рэпом, фолком, роком и пр.

Народное пение

Точно описать, что такое вокал данного направления, невозможно, так как каждое конкретное проявление этнического пения - это нечто особенное. Однако можно сказать, что в большинстве случаев для жанра характерно пение на связках и плоское нёбо.

В отдельную нишу народного исполнения входит горловое пение, которое предполагает мастерское использование возможностей не только связок, но и самого горла. Яркий пример - традиции горлового пения в ирландской культуре.

Жанры афроамериканской культуры

Рэп. Очень выдержанный ритмически речитатив, который воспроизводится под музыкальный трек с тяжелым битом.
Хип-хоп. Объединение рэпа с диктуемым ди-джеем музыкальным ритмом.
Современный ритм-энд-блюз («R&B»). Это мягкое и сочное исполнение на фоне сглаженных электронных ритмов. Значительно более деликатный, лирический жанр, чем предыдущие вокальные техники.
Соул. Как и следует из названия жанра (от англ. «soul» - душа), этот стиль вокала предполагает очень проникновенное эмоциональное исполнение композиций. Для этого задействуются лучшие приемы джазового пения и спиричуэлсов (духовных песен афроамериканцев).

Экстремальный вокал

Гроулинг. Очень необычный стиль, который строится на своеобразной имитации звериного рыка. Также требует очень сильной технической подготовки.
Скриминг. Не менее яркий жанр, выражающийся в визгливом или хриплом крике. Требует очень высокой тесситуры, а потому характерен в большей степени для вокалистов-мужчин.

Ну, это самая известная истина. Больше того, голос – это и есть дыхание.

У меня было несколько учеников и учениц, которые, приди они прослушаться куда угодно, услышали бы, что у них нет голоса. Я обычно даю возможность начать заниматься, и если вижу (по результатам 3-х уроков), что человек старается – продолжаю заниматься. Тем более, что результаты появляются довольно быстро.

Конечно, интереснее заниматься, когда к тебе приходит студент с голосом Карузо. Но «сделать» голос из «ничего» - это здорово, испытываешь просто огромное удовлетворение. Должен предупредить – делаю не я, а студент(ка). Я только помогаю понять – как это сделать. И чем скромнее были данные, тем больший труд нужно приложить.

Но предположим, что Вы уже развили свое дыхание, а соответственно, и свой голос . Теперь нужно переходить собственно к пению . Я всех своих студентов(ток) заставляю петь AVE MARIA Каччини. Во-первых, потому что это прекрасный вокализ, который никогда не споешь правильно, если не владеешь дыханием. Во-вторых, потому, это очень красивая музыка. И, в-третьих, потому, что у них появляется возможность постоянно молиться о своем голосе , пока ее поют. Самое сложное (и для опытных певцов тоже) - не отпустить дыхание, когда спускаешься сверху вниз. За этим мы с вами следили, когда пели упражнения № 5, 6 и 7. Теперь мы должны следить постоянно, чтобы на протяжении всей фразы ни в коем случае не отпускать дыхание.

Для этого может помочь следующее. Для начала пойте все на звуке ААА, без слов. Потом присоедините к пению слова, но согласные нужно петь впритык к гласным, в самую последнюю долю секунды. Так, чтобы было ощущение, что вы тянете резину.

Самое время подумать о фразировке. В пении, как и в простом разговоре, фраза имеет слово, на которое она опирается, и это ни в коем случае не должно быть потеряно.

Еще один из самых важных моментов. Всегда более важна предыдущая нота! То есть, если вы поете, например, ход: РЕ-СИ-СОЛЬ. То самое важное опереться на РЕ. Если Вы этого не сделаете, то Вам никогда правильно не спеть СИ. Это все равно, что прыгун в высоту в момент отталкивания от земли махнет ногой по воздуху. А вот когда вы уже спели СИ, Вам нужно спуститься на соль не отпустив дыхания (это просто проконтролировать – если подложечная часть живота провалилась – все - вы сняли с дыхания и СОЛЬ, скорее всего у вас получилась позиционно низкой). Но и это пока еще цветочки. Одно дело спеть 3 ноты, не сняв с дыхания, а другое, когда вы поете длинную фразу с сильными и слабыми долями. Причем ноты прыгают вниз и вверх. И длительности у всех разные. Вот здесь умудриться спеть всю фразу, не «проболтав» (не сняв с дыхания) ни одной ноты – вот этому нужно поучиться. Но нет ничего невозможного. Как только Вы ощутите, насколько удобнее Вам стало петь такой манерой – сами будете следить. И сразу почувствуете – раз стало трудно – значит, где-то «снялось» с дыхания.

Многие педагоги начинают обучать петь с «бирюлек» - простеньких и неинтересных. Я предпочитаю сразу давать сложные и очень красивые произведения, к которым «лежит Ваша душа». Это огромный стимул для творческого роста.

Помню по себе. Мне невероятно понравился дуэт Надира и Лейлы из «Искателей жемчуга» и, как меня ни убеждали (это было в первый год работы в театре после окончания Консерватории), что мне это не спеть, через 4 месяца я уже пел всю оперу. Единственное, что нужно петь эти произведения под контролем хорошего педагога – в противном случае можно неправильно «впеть». А это очень неприятно, т.к. переучивать всегда во много раз сложнее. Скорее всего придется забыть это произведение на несколько лет и потом вернуться к нему уже с позиций «зрелого» певца.

Можно много говорить о дыхании, но, как я написал выше, один из важнейших аспектов этой книги – показ. Я постараюсь снабдить эту писанину понятными записями - возможно, с дополнительными комментариями. Только тогда все вышесказанное приобретет какой-то смысл.

3. Вокальное искусство

Пение (вокальное искусство) - исполнение музыки голосом, искусство передавать средствами певческого голоса идейно-образное содержание музыкального произведения, один из древнейших видов музыкального искусства. Пение может быть со словами и без слов. Обычно пение сопровождается инструментальным аккомпанементом, но может осуществляться и без него - а капелла. Для исполнения профессиональной музыки голос должен быть специально приспособлен и развит. Пение различается:

по жанрам - оперное, связанное с драматическим действием, с театральным представлением, включающее в себя все виды вокального искусства и камерное (концертное исполнение арий, романсов, песен главным образом соло или небольшими ансамблями). В лёгкой музыке соответственно существуют жанр оперетты и эстрадный жанр, включающий множество стилей пения (в народной манере, говорком, нараспев, в микрофон и др.).

Существуют три основных типа построения вокальных мелодий и соответственно три манеры пения:

певучий стиль, где требуется широкое, плавное, связное пения – кантилена;

декламационный стиль, где пение воспроизводит строение и интонации речи (речитатив - род вокальной музыки, приближающийся к естественной речи при сохранении фиксированного музыкального строя и регулярной ритмики. Применяется в опере, оратории, кантате. В 17-18 вв. возникли «сухой речитатив», в сопровождении аккордов клавесина и «аккомпанированный речитатив», с развитым оркестровым сопровождением. Речитативные интонации встречаются и в песнях, инструментальной музыке и монологи);

колоратурный стиль, где мелодия в известной мере отходит от слова и уснащается многими украшениями, пассажами, исполняемыми на отдельные гласные или слоги.

Пение без слов – вокализ (от франц. Vocalise - гласный звук), музыкальное произведение для пения без слов на гласный звук, обычно упражнение для развития вокальной техники. Известны и вокализы для концертного исполнения.

Различные национальные школы пения характеризуются своим стилем исполнения, манерой звуковедения и характером певческого звука. Национальная школа пения как исторически сложившееся стилистическое направление оформляется тогда, когда возникает национальная композиторская школа, выдвигающая перед певцами определённые художественно-исполнительские требования. В национальной манере пения находят отражение исполнительские традиции, особенности языка, темперамент, характер и др. качества, типичные для данной национальности.

Первой европейской школой пения была итальянская - она сложилась в начале 17 века. Выделяясь совершенной техникой бельканто и блестящими голосами, многие её представители получили мировое признание. Вокальность итальянского языка и удобство для голоса итальянских мелодий позволяют максимально использовать возможности голосового аппарата. Итальянская школа выработала эталон классического звучания голоса, которому в основном следуют остальные национальные школы пения. Высокое совершенство итальянского певческого искусства оказало влияние на формирование и развитие других национальных вокальных школ - французской, отличительную особенность которой составляют декламационные элементы, происходящие от распевной декламации актёров французской классической трагедии, немецкой, в своём развитии отвечавшей требованиям, которые ставила перед исполнителями вокальная музыка крупнейших немецких и австрийских композиторов, самобытной, ведущей начало от манеры исполнения народных песен, русской школы.

Русская вокальная школа оформилась под влиянием художественных требований искусства русских композиторов-классиков М.И.Глинки, М.П.Мусоргского, П.И.Чайковского и др. Исполнительский стиль её выдающихся представителей Ф.И.Шаляпина, Л.В.Собинова, и др. характеризовался мастерством драматической игры, простотой, задушевностью исполнения, умением сочетать пение с живым, психологически окрашенным словом.

4. Хоровая музыка

Хоровое пение - достаточно специфическая область искусства, имеющее в своей основе идею приобщения к музыке посредством коллективного пения. Через голос человек выражает всю гамму своего чувственного мира, все богатство и разнообразие эмоциональных состояний. А пение в хоре - это общение между людьми именно на уровне этих чувств и состояний, общение, не нуждающееся в словесных пояснениях.

Хоровое пение у наших предков занимало главенствующее место на праздниках, в богослужениях, в театральных зрелищах. Участие в хоре считалось священным долгом. Именно хоровое искусство укрепляло самые лучшие качества в человеке, воспитывало нравственную красоту и очищало душу. В средние века отношение к искусству определялось влиянием церкви, но даже на этом переломном этапе церковь не отвергала, а, наоборот, преклонялась перед чудотворным воздействием хорового пения. Люди видели в этом искусстве удивительную силу - сплачивать людей, объединяя их через унисонное пение, примиряя враждующих и соединяя их в дружбу. Хор действительно являлся «формой единения единств». Певцы в хор набирались по велению души и сердца. Хоровое воспитание укрепилось в жизни человека, оно являлось единственной отрадой и отдушиной для раскрытия глубоких душевных чувств. Каждая эпоха принимала данную эстафету как реликвию времени, насыщая ее лучшим. Эпоха Возрождения укрепила хоровое пение, усложнив его многоголосием. Постепенно хоры обосновывались в светской жизни; они стали звучать на приемах и балах.

В русской музыкальной культуре хоровое пение главенствовало, и до XVIII века хоровой жанр успешно развивался. Все хоровые коллективы можно разделить на профессиональные, любительские, бытовые.

Первый русский профессиональный хор был основан в XV веке - хор государственных певчих дьяков. В начале XVIII века на его основе в Петербурге была создана Придворная певческая капелла. Этот коллектив, а также Синодальный хор в Москве сыграли значительную роль в развитии хорового искусства России. В XIX веке появляются и светские капеллы - хоры Ю.Н.Голицына, А.А.Архангельского, Д.А.Агренева-Славянского. В 1910 году М.Е.Пятницкий организовал народный хор, который стал первым народным профессиональным музыкальным коллективом. Участники академических профессиональных коллективов специально обучаются пению, их голоса звучат ровно на всех участках диапазона; диапазон может достигать двух октав. Они владеют певческим дыханием, дикцией, динамикой и другими вокальными навыками. К профессиональным хорам относятся также ансамбли песни и пляски и народные хоры.

Бытовые хоры, как правило, организовывались по принципу совместной трудовой деятельности или места жительства. Так, например, в деревнях старой России во время полевых работ или отдыха возникал хор. Среди работающих находился талантливый запевала, который начинал песню и вёл её до конца. Все остальные, внимательно слушая ведущий голос, подстраивались к нему, украшая его своим мелодическим узором и лилась песня, исполненная великой любви к жизни. Такой самодеятельный, как принято теперь называть, хор существовал практически в каждой деревне, в каждом селе.

Любительские хоры - это коллективы, состоящие из певцов, для которых пение в хоре не является профессией. Они возникли во многих странах в связи с организацией специальных хоровых обществ. Многие любительские хоры достигают высокого уровня исполнительства, и нередко композиторы доверяют им исполнять свои сочинения впервые. В СССР любительское хоровое искусство получило необычайный размах. Хоровые коллективы были в университетах, институтах, средних специальных учебных заведениях и школах.

Тип хора определяется в зависимости от того, какие партии его составляют. Хор, состоящий из женских голосов, называется однородным женским хором. Аналогично – мужской хор называется однородным мужским, а хор, состоящий из мальчиков и девочек, называется детским хором. Существует традиция исполнения произведений, написанных для детского хора, женским составом и наоборот.

Хор, состоящий из мужских и женских голосов, называется смешанным хором. К типу смешанных хоров относятся также неполные смешанные хоры. Неполные смешанные хоры - это такие хоры, где отсутствует какая-либо одна из партий. Чаще всего это басы или тенора, реже - какие-либо из женских голосов.

Обычный смешанный хор состоит из четырёх партий: женские голоса - сопрано и альты (если в хоре поют мальчики, то сопрановая партия называется дискантами), мужские голоса - тенора и басы. Каждая партия в свою очередь может делиться на несколько самостоятельных групп в зависимости от партитуры исполняемого сочинения. Количество партий в хоре определяет его вид: двух-, трёх-, четырёх-, шести-, восьмиголосный и т. д.

Уменьшение и увеличение числа реально звучащих партий путем дублирования или, наоборот, разделения может дать новые виды хора. Например: однородный одноголосный хор, однородный четырехголосный хор, смешанный восьмиголосный хор, смешанный одноголосный хор и т.д.

Дублирования и разделения могут быть как постоянные, так и временные. Хоровая партитура с нестабильным изменением количества голосов будет иметь вид, называемый эпизодическим одно-, двух-, трех-, восьмиголосием, с обязательным указанием стабильного числа голосов (например, однородный двухголосный женский хор с эпизодическим трехголосием).

Минимальный состав хора - 12 человек (по три человека в партии), максимальный - 100-120 человек. Иногда несколько коллективов объединяются в сводный хор. В таком хоре поют 200, 400, 600, 800 человек. Сводные хоры выступают на больших праздничных концертах, на праздниках песни.

Давно известно, что голоса мальчиков, прошедшие специальную подготовку, отличаются замечательной подвижностью, красотой, серебристостью звучания. Именно на эти качества детских голосов обратило внимание духовенство и включило мальчиков в церковные хоры. Такие капеллы существовали во многих странах Европы уже в средние века, а с XVIII века и в России. Для подготовки малолетних певчих создавались специальные школы.

Кроме простых хоров существуют также многохорные составы, когда в исполнении произведений одновременно участвуют несколько хоров, имеющих самостоятельные хоровые партии. Такие многохорные партитуры особенно часто встречаются в оперной музыке. В православной музыкальной практике также существует традиция сочинения так называемых антифонных (антифонное пение (буквально – звук против звука) – тип исполнения, при котором попеременно звучат два хора, например, левый и правый клиросы в православной церкви) произведений, при которой два хора поют, как бы отвечая друг другу. Такие составы называются соответственно: двойные, тройные и т.д.

Каждый родитель задумывается о том, дать ли своему ребенку музыкальное образование? Когда решение принимается в положительную сторону, начинается выбор между музыкальными инструментами, но не стоит забывать о таком интересном, природном инструменте, как голос. Обучение пению очень благотворно влияет на ребёнка. При этом занятия вокалом очень органичны для ребенка, т.к. во-первых, с пением дети знакомятся практически с появлением на свет, во-вторых, ребенку понятно, как можно через пение (слово) передать ту или иную эмоцию, в-третьих, правильное пение очень полезно для общего развития и здоровья.

Почему люди любят петь?

Пение - основа всех основ. Возьмем к примеру религию. В каждом веровании есть музыкальные напевы-молитвы. Они передаются из века в век, от поколения к поколению не через бумагу, а именно "из уст в уста" благодаря слуху и памяти. Ведь существует нотная грамота не так давно, как нам кажется, всего лишь с 11 века. Уже в древнеславянских народных учениях, прописаны обязанности будущей матери, в которых она должна петь для своего ребёнка с первых дней зачатия. И затем, на протяжении всей детской несознательной жизни развивать его, т.е. петь ему припевки, прибаутки, колыбельные и прочие песенки. Стоит отметить, что многие детские игры, в первоначальном варианте построены на напевах и песнях. Давайте спросим себя, почему же люди прошлых веков так серьезно относились к пению, к голосу? Почему с самых ранних лет приобщали детей к музыкальному наследию? Может быть в этом есть какая-то особая сила? Какая-то особая польза?

Какая польза от пения?

От старообрядцев и староверов до научных деятелей, все приходят к единому мнению, что человеческий голос обладает особой силой влияния, как на людей в общем, так и на самого человека, который поет. На сегодняшний день проведено достаточное количество экспериментов, которые доказывают, что тембр человеческого голоса, а также частоты и волны посылаемые им - могут повлиять на рядом стоящего, как в хорошем, так и в плохом направлении. Ни в коем случае нельзя забывать о силе "слова", не зря существует множество сказаний и мифов, связанных с тем или иным эмоциональным словом (посылом), которое сильно повлияло на ситуацию или человека. Соответственно можно сделать вывод, что пропетая определенная песня, это далеко не просто действие, а может быть серьезным лечащим или калечащим средством.

Вот несколько примеров из истории древнего мира:

В древнем Египте процветало лечение бессонниц. Лекари на уровне интуиции применяли пение для того, чтобы человек мог заснуть. Как вы уже догадались - это стало причиной возникновения колыбельных.
В Индии до настоящего времени йогами используется особая методика создания определенных вибраций, обладающих целебными свойствами. Для воздействия на человека - они поются в мантрах и рагах.
В Тибете, как в древнем мире так и сейчас, практикуется лечение нервных заболеваний с помощью горлового пения.
В Кельтских магических обрядах применялись "песенные заклинания". По преданием считалось, что они способны как исцелить от недуга, так и нанести вред здоровью.
В древней Руси практиковалось лечение больных людей любопытным способом: поющие люди образовывали круг, во внутрь которого клали больного, после чего начинали водить хоровод. Напевы были чистыми и ритмичными.
В Новой Зеландии во время родов исполнялись песни, которые облегчали ей боль роженицы.

Помимо вышеперечисленных свойств, правильное пение очень благотворно влияет на здоровье поющего . Это происходит из-за вибраций и частот, которые образуются во время звуковедения внутри человека. Несколько наглядных примеров пользы от пения:

Вибрации, создающиеся во время пения хорошо воздействуют на иммунитет человека. Естественно, если человек поет чисто, без фальши.
Определенные вибрации и частоты могут благотворно повлиять на органы человека, так как практически 80% этих самых вибрации остаются в самом организме.
Людям, у которых есть проблемы связанные с легкими, например: астма, хронический бронхит и др., рекомендуют заняться пением. Это объясняется тем, что во время вокала сильно задействовано дыхание и диафрагма. За счет этого происходит улучшение работы легких.
Все несерьезные проблемы с речевым аппаратом, например: заикание, пение может подкорректировать. Также во время пения идет развитие дикции.
С помощью пения можно снять стресс. Конечно, это не физическое здоровье, но психическое не менее важно.

Какие виды пения бывают?

Вокальные направления разнообразны. Они охватывали все жизненные течения на протяжении существования мира. Какие-то из жанров образовались раньше, какие-то позже. Их появление было связанно с историческими потребностями той или иной эпохи. Так, многие направления потерялись во времени, многие дошли до наших дней, а некоторые создавались и создаются уже при нас. Итак, основные песенные жанры разделяются на классическое (оперное и камерное пение), эстрадное (поп, рэп), народное (фольклорное пение), джазовое, рок-вокал, шансон и др.

Рассмотрим самые популярные жанры:

1) Эстрадный вокал - очень модное направление среди молодежи и не только. В "эстрадной манере" сочетается большое количество разных песенных жанров. Первоначально эстрадное пение подразумевало исполнение с подмостков (сцены), в современном восприятие, эстрадный вокал означает - легкую и доступную музыку для людей. Этот жанр может проявлять в себе и отголоски народного пения, и джазовые обработки. В какой-то степени данный вид можно отнести и к авторской песне, не исключены рок-музыкальные элементы. Основное отличие эстрадного звучания от академического - это более открытый, естественный звук. Если у человека хорошие голосовые данные от природы, то он может петь эстраду даже без начальных этапов обучения, что невозможно в академическом вокале. Но если эстрадным пением заниматься профессионально, то, как и в классическом, необходимо знать основы певческих навыков, правильной позиции и опоры для того, чтобы пение было чистым, красивым и не вредило человеку.

2) Джазовый вокал - популярный жанр. Он сложнее, чем эстрадное пение. Для того, чтобы петь джазовые композиции нужно великолепно ладить с чувством ритма и гармонией, иметь подвижный голос и обладать интуитивной импровизацией. Джазовые произведения своеобразны и имеют свои сложности. Джазовые композиции требует от музыканта хорошее партнерское чутьё и владение импровизацией на ходу. Помимо интересных мелодических тем и форм, в данном жанре серьезно выделяется и эмоционально-смысловая нагрузка песни. Стать профессионалом в этой области также можно, но сложнее.

3) Рок-вокал - обыкновенный вокал исполнителя рок-группы. В рок произведениях должен быть сильный эмоциональный посыл. Цель у вокалиста в первую очередь не красивое пение, а передача смысловой нагрузки. Но, несмотря на это, певцу все-таки нужна серьезная вокальная подготовка. Для исполнения рок произведений вокалисту необходима полная внутренняя свобода и природный "кураж", именно в таком случае исполнение получается эмоциональным и в рок-музыкальном русле.

4) Академический вокал – это вид искусства, применяемый в старой классической школе. Исполнители, владеющие академическим вокалом работают в оперной сфере, концертных классических залах, академических хорах и др. Академическое звуковедение имеет сильное отличие от всех вышеперечисленных жанров. Классическая строгая позиция голосового аппарата - основной устой. Пение в классической манере не признает наличие микрофонов на сцене. Академический вокал обладает определенными рамками, которые выстраивались на протяжении веков. Эти ограничения не дают исполнителю петь другие вокальные жанры, тат как со временем у оперного певца формируются определенные вокальные навыки и специфическая позиция. Из-за этого оперный голос - сильный, мощный и обладает большим объемом. Но если певцу удастся уменьшить звуковую подачу, то он сможет исполнять произведения других направлений.

С какого возраста лучше начать учиться петь?

Пение - это универсальный вид искусства, которым можно начать заниматься в любом возрасте. Даже какие-то физические недостатки, в большинстве случаев, не будут мешать этому увлечению.

Но все же есть определенные рекомендации. Конечно, лучше всего начать обучение в дошкольном возрасте. Для детей 5-6 лет проводятся специальные групповые занятия, которые напоминают хоровые упражнения. Только они сильно упрощены и коротки. Со временем становится понятно, у кого какие данные (в первую очередь смотрится чувство ритма и наличие слуха). Голос с годами будет серьезно изменяться, и поэтому в процессе обучения на него, конечно, тоже обращают внимание, но не сильно. В музыкальную школу поступают в 7-8 лет, тогда и нужно выбирать направление. В школе проводятся занятия как индивидуальные, так и групповые. Здесь обучение уже более углубленное и специфическое.

Мутация голоса - очень серьезный вопрос, который возникает у каждого родителя, отдающего ребенка в профессиональное пение. В мутации голоса нет ничего страшного, это естественный процесс в организме растущего подростка. Мутационный период - это абсолютно индивидуальный временной отрезок у каждого отдельного человека. Есть установленные общечеловеческие стандарты, но также часто встречаются исключения. В классическом варианте у девушек мутация проходит незаметно, а у парней ломка голоса начинается в 14-15 лет.

Взрослому же человеку можно начинать учиться петь в любой момент, как только появится желание. Естественно, у человека должен быть слух, и хотя бы небольшое владение голосом, для избежания фальши.

Стоит ли учиться петь самостоятельно?

Если ваша цель - стать профессионалом в данной сфере искусства, то, безусловно, без помощи специалистов не обойтись, каким бы видом вокала вы не хотели заняться. В каждом жанре есть свои особенности и свои приемы, которые знают только профессионалы, и которыми они делятся со своими учениками. К тому же, самостоятельно человек не может услышать все недочеты и ошибки, чтобы поправить себя во время упражнений. Именно поэтому нужны "уши", которые смогли бы оценить услышанное.

Если ваше желание просто обусловлено увлечением, то учиться петь самостоятельно можно. Но для этого тоже нужно время и терпение, и даже в большем объеме, чем если бы вам помогал в обучении вокальный педагог. Для самостоятельного обучения понадобится компьютер, на который нужно будет установить программу звукозаписи и микрофон. Также в сети сейчас размещено множество видео-уроков по всем видам пения, на основе которых вы можете делать упражнения и развивать певческие навыки. Но, повторюсь, самостоятельное обучение - это трудный процесс, поэтому все равно следует проконсультироваться с профессионалом.

Было множество попыток академизировать эстраду, сделать ее светской. Многие формы эстрадной музыки спустя время стали называть классикой жанра. В настоящее время вряд ли кто-то будет сопоставлять академическую и эстрадную музыку только как серьезную и развлекательную. В современной культуре эти качества скорее объединяют разные виды искусств, чем противопоставляют.

Есть немало примеров исполнения джазовой, эстрадной музыки симфоническими оркестрами и певцами с классической постановкой голоса. Огромное количество произведений Д. Гершвина в джазовом стиле написано для академического хора. В противовес этому многочисленные эстрадные исполнители представляли трактовки классических произведений.Сравнительный анализ эстрадной и классической музыкальной эстетики не является целью данной работы, нас интересует специфика, особенности эстрадного исполнительства, истоки, объединяющие все многообразные формы этой музыки. Существует мнение, что главные особенности кроются не в самой музыке, а в личности исполнителя, его образе, предстающем публике при исполнении музыкального номера.

Музыка выступает здесь как форма, помогающая воплотиться образу исполнителя, его типажу, характеру и состоянию. Эта традиция в эстрадном исполнительстве уходит своими корнями в бытовое и прикладное народное исполнительство, существовавшее у многих народов сотни лет.

«В отличие от музыки «художественной», являвшей собой самоценный и самодостаточный объект эстетического творчества и созерцания, эта музыка не дистанцировалась от повседневности. Она ценилась не за глубину и мощь художественного мышления или совершенства звуковой архитектуры, а за способность чутко откликаться на эмоциональные запросы всех и каждого, возможность «излить» душу, способность «здесь и сейчас» поднять настроение или опечалить, задать единый ритм движения или работы, воодушевить единым чувством».
«В этом смысле бытовая не «ниже» и не «выше», не лучше и не хуже музыки «художественной». Она просто иная по своей природе и мерить ее можно только ее собственными мерками, вытекающими из ее бытовой музыки, сущности. Не учитывая этого обстоятельства, мы рискуем впасть в широко распространенный и поныне «грех» предвзятого, снобистского по существу отношения к бытовой музыкальной культуре как к чему-то, изначально ущербному, неполноценному, упрощенному, сниженному варианту «высокой», «подлинной» культуры».

Привязанность бытового пения к жизненным ситуациям (трудовые песни, обрядовые, плачи, колыбельные и т. д.) определила «узнаваемость» интонаций, точно передающих состояние человека.

Тесная связь с языком данной культуры, обычаями, жизненным укладом, вероисповеданием создала свой контекст в каждой из форм музыкального фольклора. В интонациях исполнителя заложено гораздо больше информации, чем в тексте песни, так как они передают весь контекст переживания конкретной ситуации, события.

Слушая, например, колыбельную даже на чужом языке, мы понимаем, чувствуем ее настроение и содержание. Функциональность, связь исполняемой песни с конкретным событием или ситуацией, определила жанровое многообразие в музыкальном фольклоре. По сути, в виде «жанров» выступают самые яркие эмоциональные состояния человека, связанные со значимыми событиями в его жизни. Человек поет, когда не может вместить переполняющие его чувства в обычную речь.

Распевные, речевые интонации, передающие наиболее яркие эмоции, составляют основу бытового пения. Структура мелодии в народном пении тесно связана с речевым интонированием. Возможно, этим объясняется распространенность пентатоники в совершенно разных музыкальных культурах от Востока до Африки, ведь именно этот лад удобнее всего «ложится» на примарную зону человеческого голоса и совпадает с речевым целотонным интонированием.
Необходимо отметить, что особенности народных мелодий в различных культурах зависят от акустических свойств языка, ритмики речи, а вокальность того или иного языка тесно связано со средой обитания народа.

«Устойчивость» интонаций и рожденных на их основе мелодических оборотов позволила, передаваясь в фольклорных традициях от поколения к поколению, им дожить до наших дней и стать прообразом многочисленных песенных жанров эстрадной музыки. Профессионализация певческих традиций, отшлифовка стилистических особенностей, была бы невозможна без существования касты людей, зарабатывающих этим ремеслом на жизнь, ее появление многие исследователи связывают с формированием крупных поселений и образованием городов.

Путешествуя и выступая на городских площадях и ярмарках, уличные артисты создавали яркие зрелища, собирая при этом большое количество зрителей. Несмотря на различные традиции в народных музыкальных культурах, у них присутствовали общие тенденции, существовавшие с античных времен. Традиционно уличные зрелища развивались в эстетике искусства представления, где сама форма должна раскрывать содержание. Персонажи этого действия имеют яркие, утрированные и «преувеличенные» образы, наблюдается четкое разделение героев по характерности на амплуа, моментально узнаваемые публикой (герой, шут, злодей и т. д.).
Эти традиции прослеживаются и в современном эстрадном искусстве, называясь имиджем артиста. Драматургия уличного представления во многом схожа с цирковой и там, и здесь в каждом выступлении должен присутствовать какой-либо трюк, удерживающий внимание зрителей. Отсутствие мелких деталей, ясность мотива, цели с которой артист выходит к публике, во многом определяет характер самого выступления, обязательным условием которого, является участие зрителей, их «включение» в «эмоциональную игру».

Зрители всегда выражают свое отношение к выступающему возгласами, спонтанными аплодисментами, одобрением или протестом, если им не нравится. Этот постоянный диалог слушателя и артиста составляет основу уличного или эстрадного представления и не свойствен академическому музыкальному искусству, где публика созерцает номер и оценивает его после завершения.

Что послужило столь быстрому выходу из подполья на мировые сцены доселе пренебрегаемого искусства? Главной, на мой взгляд, причиной является постепенная смена экономического строя в большинстве стран Европы. Развивающаяся промышленность, технический прогресс привели к зарождению буржуазной прослойки в обществе, ослабившей и нивелировавшей влияние дворянского сословия его культуры.
Активное переселение в города предпринимателей и рабочей силы привело к изменению социальной структуры общества. Аристократическая культура продолжала существовать и развиваться, но все сильнее возрастал интерес к более легкой, доступной для восприятия музыке. С каждым годом росло количество увеселительных заведений, и постепенно зарождалась массовая индустрия развлечений. Значительная часть успешных буржуа не имела знатного происхождения, а иногда и образования. Аристократические культурные идеалы были им чужды.

Имея деньги и желая развлечений, публика искала экзотику. И эта экзотика была найдена. По-настоящему революционным событием стало появление на мировых сценах в начале двадцатого века афроамериканской музыки, развивавшейся в Америке несколько веков. Синтез фольклора африканцев с европейской музыкой породил невиданную доселе культуру. Достоянием слушателей стали спиричуэлс, госпел, регтайм, блюз, ранний эстрадный джаз.

Новая музыка отличалась от европейской практически всем: ладовым строем, ритмами, музыкальной фразировкой, образностью. Изначально принятая в штыки, эта музыка быстро завоевала весь мир.

Существует точка зрения, что именно джазовая культура сформировала эстетику эстрадного вокала. Спорить с этим трудно, так как афроамериканская музыка и возникший из нее эстрадный джаз действительно оказали огромное влияние на всю культуру двадцатого века вообще. Многие стили и направления популярной музыки возникли на основе блюза и до сих пор пользуются его музыкальными выразительными средствами, но все-таки понятие эстрадное пение гораздо шире, чем пение, возникшее из джаза. Пение поэтических баллад в англо-кельтской культуре, французский шансон, русский городской и цыганский романс, итальянские серенады и многое другое существовали задолго до появления джаза. Более того, можно сказать, что традиции эстрадного пения одновременно развивались в культурах разных народов, а джазовая культура является чисто американским достоянием.

Именно в Америке сложилась особенная ситуация для рождения такой принципиально новой музыки. Будучи новым и модным явлением в музыкальной культуре начала двадцатого века, джаз в различных пропорциях обогатил все национальные культуры, синтезируясь и смешиваясь с ними.

Стремительное развитие массовой культуры в двадцатом веке как бы отодвинуло на второй план культуру оперно симфоническую, пик развития которой приходится на девятнадцатый век. В музыковедении до сих пор нет единого мнения, явилось ли это событие эволюционным шагом вперед или началом постепенного заката профессиональной музыки. Сравнивая эстетический язык аристократической и массовой культуры, обобщенно их можно соотнести как сложное и простое, элитарное и легко доступное.
Восприятие классической музыки требует от слушателя подготовки, особого настроя, в то время как язык массовой культуры доступен каждому. Именно доступность для восприятия массовой аудитории объясняет огромную популярность эстрадной музыки, и пения в частности.

Пение всегда было особенно любимым, так как в нем соединены музыка и слово, а человеческий голос - самый тонкий музыкальный инструмент. Эстрадное пение, основанное на бытовых интонациях, сохраняющее индивидуальную характерность голоса и речевую окраску звука стало самым демократичным и любимым искусством в двадцатом веке. Изменилась ли тематика эстрадного исполнительства в сравнении с академическим пением?

По большому счету, если и изменилась, то незначительно. По-прежнему пелось о человеке, его жизненных ценностях, чувствах и страстях. Скорее изменился сам человек, предстающий в этом жанре. Взгляд на человека как земное существо со всеми его пороками, слабостями без прикрас привнес свободу в выражении чувственности. Эротическое начало в чувствах и мыслях человека стало совершенно новой темой в пении с большой сцены. Для аристократической культуры, ее эстетики было несвойственно обращение к низменным сторонам жизни. Ее традиции не позволяли

выходить за рамки благопристойности, в то же время эстрадный исполнитель мог себе позволить смакование, в буквальном смысле слова, своих чувственных переживаний.

Если в академическом вокале изменялась нюансировка и динамика звука в изображении чувств, то эстрадный певец мог принципиально изменять характер самого звука, не придерживаясь какого-либо звука и голосоведения. Сравнивая академический и эстрадный вокал, необходимо отметить, что в академическом пении на первом месте стоит вокальность звучания голоса как инструмента, а речь служит для донесения смысла, заложенного в тексте; в эстрадном пении интонации речи играют большую роль как выразительное средство, а вокализация служит для соединения с музыкальной фразой мелодии.

«Соскальзывание» голоса с мелодии в речевое интонирование является одной из особенностей джазового и эстрадного пения, унаследованной из пения народного, однако, это не означает, что эстрадный вокал совершенно не придерживается точного интонирования в исполнении мелодии, просто допускается более свободная ритмическая трактовка, незначительное видоизменение в вокальной партии или переход на мелодекламацию на фоне звучащей гармонии в аккомпанементе.

Наряду с этим в современной культуре существует множество эстрадных стилей, придерживающихся более строгого «академического» голосоведения. Очевидно, что попытка анализировать эстрадное пение через музыкальную фразировку и характер самого звука приводит нас в тупик. Огромное количество различных по своей эстетике жанров и стилей в этой области музыки не позволяет найти в них нечто общее. Среди музыкантов существуют различные, часто довольно категоричные, точки зрения на то, какое именно пение можно считать эстрадным.

Существует точка зрения, что эстрадным является только пение, возникшее на основе джазовой музыки, а все остальное есть «облагороженное» народное пение и видоизмененное камерное. Возможно, такой подход был актуален в довоенное время прошлого века, когда еще можно было наблюдать некоторые виды пения в «чистом» виде. В настоящее время, на мой взгляд, такая постановка вопроса не дает объективного понимания сущности и взаимосвязи в этой области вокальной музыки.

Взаимопроникновение и синтез различных музыкальных культур в наше время достигли такого уровня, что отделить один источник от другого, порой невозможно. В эстрадном вокале никогда не существовало единой эстетики в голосоведении и звукообразовании, даже в рамках одного стиля. Эстетика эстрадного пения допускает сочетание различных режимов голосового аппарата, иногда для достижения выразительности сочетаются речевой мелодекламационный и вокальный опертый звук, в некоторых случаях используется вокальное звучание разного характера и т. д.

Объединяющим моментом, несмотря на различное звукоизвлечение, голосоведение и фразировку, является характер самого сценического выступления певца, основанный на его индивидуальности. Эстрадный певец может предстать перед публикой как «певец-музыкант», «певец-танцор», «певец-актер», «певец-идол». Форма сценического воплощения может быть бесконечно разной, но суть, которую мы называем «эстрадной подачей», как правило, остается в любом случае.

«МЕТОДИКА ПРЕПОДАВАНИЯ ЭСТРАДНОГО ПЕНИЯ»

А. С. Поляков