चैम्बर वाद्य शैली लघु नाटक। शास्त्रीय संगीतकारों के कार्यों में चैम्बर और वाद्य संगीत की शैली"

चैम्बर-वाद्ययंत्रों ने तनयेव के काम में एक ऐसा स्थान ले लिया जो पहले कभी रूसी संगीत में रचनात्मकता के इस क्षेत्र से संबंधित नहीं था: "संगीतकारों की दुनिया" उनके ओपेरा या सिम्फनी में बहुत अधिक हद तक सन्निहित थी। तनयेव के चैम्बर चक्र न केवल उनके काम की सर्वोच्च उपलब्धियों से संबंधित हैं, बल्कि समग्र रूप से चैम्बर शैली के घरेलू पूर्व-क्रांतिकारी संगीत की ऊंचाइयों से संबंधित हैं।

यह सर्वविदित है कि 20वीं शताब्दी में विभिन्न राष्ट्रीय संस्कृतियों में चैम्बर और सामूहिक संगीत में रुचि बढ़ी थी। रूस में 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में और विशेष रूप से इसके अंत में, इस घटना का एक आधार था। उस समय की रूसी कला के लिए मनोविज्ञान महत्वपूर्ण और विशिष्ट है। मनुष्य की दुनिया में गहराई से जाना, आत्मा की सूक्ष्मतम गतिविधियों को दिखाना उस समय के साहित्य में भी निहित है - एल. टॉल्स्टॉय, दोस्तोवस्की, बाद में चेखव - और चित्रांकन, और ओपेरा, और मुखर गीत। यह मनोविज्ञानवाद था, जो वाद्य संगीत की गैर-प्रोग्रामिंग के प्रति एक दृष्टिकोण के साथ संयुक्त था, जो तान्येव के चैम्बर-एन्सेम्बल कार्य में सन्निहित था। शास्त्रीय प्रवृत्तियाँ भी महत्वपूर्ण थीं।

चैंबर-एन्सेम्बल संगीत अन्य शैलियों की तुलना में पूर्ण, अधिक सुसंगत और उज्जवल है, यह तन्येव की रचनात्मकता के विकास को प्रकट करता है। यह शायद ही आकस्मिक है कि कंज़र्वेटरी के छात्र, तानेयेव की सबसे स्पष्ट रूप से व्यक्तिगत संगीतकार की शैली, विषयगत और विकास के तरीकों दोनों के दृष्टिकोण से, डी माइनर (पूरा नहीं) में स्ट्रिंग चौकड़ी में प्रकट हुई। प्रथम भाग के मुख्य भाग का विषय शोकपूर्ण है। त्चिकोवस्की में बार-बार झुकने वाले सेकंड, यहां शोकपूर्ण और खुले तौर पर भावनात्मक नहीं, बल्कि अधिक संयमित, कठोर लगते हैं। विषय, जिसमें चार ध्वनियाँ शामिल हैं, सिंगसॉन्ग नहीं है, लेकिन पहले से ही संक्षिप्त है, तनयेव के तरीके से थीसिस। मकसद की दूसरी शुरुआत तुरंत कम चौथे से बढ़ जाती है, अन्य आवाज़ों के संयोजन में, व्यापक अस्थिर अंतराल उत्पन्न होते हैं। पॉलीफोनिक रूप में मुख्य भाग की प्रस्तुति बेहद दिलचस्प और खुलासा करने वाली है: नकल पहले से ही दूसरे माप में दिखाई देती है।

दूसरे प्रदर्शन (बार 9-58) में, स्ट्रेट्टा द्वारा प्रदर्शनी की अनुकरणात्मक प्रकृति पर जोर दिया गया है। विकास के तीसरे खंड में - चार पूर्ण पासों वाला फुगाटो (पृष्ठ 108 से) - एक महत्वपूर्ण घटना घटती है: फुगाटो का विषय प्रदर्शनी के दोनों विषयों को संश्लेषित करता है।

चैंबर पहनावा ने उन वर्षों में मुख्य स्थान लिया जो छात्र काल की निरंतरता थी और जॉन ऑफ दमिश्क (1884) के निर्माण से पहले थी। पहली नज़र में, तनयेव ने इस स्तर पर अपने लिए जो कार्य निर्धारित किए, वे विरोधाभासी और असामयिक लगते हैं (यहां तक ​​​​कि त्चिकोवस्की की नज़र में: पॉलीफोनिक तकनीक, "रूसी पॉलीफोनी"), लेकिन उनके समाधान ने संगीतकार को बिल्कुल उसी दिशा में ले जाया, जो अंततः निकला। यह न केवल उनके काम की सामान्य दिशा है, बल्कि 20वीं सदी के रूसी संगीत के विकास में एक महत्वपूर्ण प्रवृत्ति भी है। इन कार्यों में से एक चैम्बर लेखन में महारत हासिल करना था, और शुरू में यह मास्टरिंग पर आधारित था - व्यावहारिक, रचनात्मक, और, इसके अलावा, सचेत रूप से सेट - विनीज़ क्लासिक्स के चैम्बर संगीत की अन्तर्राष्ट्रीय संरचना और रचनात्मक संरचनाएं। युवा संगीतकार सी मेजर में अपनी चौकड़ी के बारे में त्चिकोवस्की को लिखते हैं, "अनुकरण का मॉडल और वस्तु मोजार्ट है।"

विषयगत प्रोटोटाइप और काम के सिद्धांत, मोजार्ट के संगीत पर वापस जाते हुए, तनयेव के लिए विनीज़ क्लासिकवाद की परत को समाप्त नहीं करते थे। चैम्बर और आंशिक रूप से बीथोवेन के सिम्फोनिक और पियानो चक्र की ओर उन्मुखीकरण भी कम महत्वपूर्ण नहीं था। नकली पॉलीफोनी की बहुत महत्वपूर्ण भूमिका बीथोवेन परंपरा से जुड़ी हुई है। ई-फ्लैट प्रमुख चौकड़ी की शुरुआत ही तनयेव की "पॉलीफोनिक सेटिंग" की बात करती है; दूसरा वाक्य (वॉल्यूम 13 वगैरह) एक चार आवाज वाला कैनन है; कॉन्ट्रैपंटल तकनीकें प्रदर्शनी और विकास खंड दोनों में पाई जाती हैं। पहले फ्यूग्यू रूप भी दिखाई देते हैं, जो एक बड़ी संरचना में शामिल होते हैं - डी मेजर में तिकड़ी के चरम भागों में, सी मेजर में चौकड़ी के समापन में। यहां, पहले तीन सिम्फनी (समान वर्षों में) की तुलना में, टेम्पो पदनाम एडैगियो प्रकट होता है। और यद्यपि इन धीमे भागों में तनयेव के बाद के एडैगियोस की गहरी सामग्री नहीं है, ये चक्रों के लगभग सबसे अच्छे हिस्से हैं।

तनयेव ने स्वयं अपनी पहली चैम्बर रचनाओं का कड़ाई से मूल्यांकन किया (23 मार्च, 1907 की डायरी प्रविष्टि देखें)। ई फ्लैट मेजर और सी मेजर चौकड़ी के एकमात्र प्रदर्शन की कुछ समीक्षाएँ अत्यधिक नकारात्मक थीं। 1970 और 1980 के दशक के समूह जी.

इसके बाद के चैम्बर-वाद्य चक्र संगीतकार के जीवनकाल के दौरान प्रकाशित हुए और उन्हें उनकी परिपक्व शैली का उदाहरण माना जा सकता है। इसकी अपनी अधिक आंशिक आंतरिक अवधि है: डी माइनर में चौकड़ी (1886; संशोधित और 1896 में नंबर 3, ऑप. 7 के रूप में प्रकाशित) और बी-फ्लैट माइनर में (1890, नंबर 1, ऑप. 4), लिखित ओरेस्टिया से पहले, उनकी अधिक मधुर धुन के साथ; सी मेजर, ऑप में चौकड़ी के साथ शुरुआत। 5 (1895) कई सबसे महत्वपूर्ण स्ट्रिंग समूह, जिनमें से दो पंचक - ऑप का एक विशेष स्थान है। 14 (दो सेलो के साथ, 1901) और ऑप। 16 (दो वायलास के साथ, 1904); अंत में, पियानो की भागीदारी के साथ बी-फ्लैट मेजर (ऑप. 19, 1905) में चौकड़ी का अनुसरण करते हुए: ई मेजर में चौकड़ी, ऑप। 20 (1906), डी मेजर में तिकड़ी, ऑप। 22 (1908) और जी माइनर ऑप में क्विंटेट। 30 (1911). लेकिन यह समूहन काफी हद तक मनमाना है। तनयेव पहनावा में से प्रत्येक एक "व्यक्तिगत परियोजना" के अनुसार निर्मित एक इमारत है। वे अलग-अलग मनोदशाओं को व्यक्त करते हैं, प्रत्येक का अपना विशेष कार्य, अपना विशेष लक्ष्य होता है।

एल कोरबेलनिकोवा

चैंबर वाद्ययंत्र समूह:

वायलिन और पियानो ए-मोल के लिए सोनाटा (सं.सं., 1911)

तिकड़ी
वायलिन, वायोला और सेलो डी-ड्यूर के लिए, बिना ऑप., 1880,
और एच-मोल, बिना ऑप., 1913
2 वायलिन और वायोला के लिए, डी-ड्यूर, ऑप। 21, 1907
पियानोफोर्ट, डी-डूर, ऑप। 22, 1908
वायलिन, वायोला और टेनर वायल के लिए, ईएस-ड्यूर, ऑप। 31, 1911

स्ट्रिंग चौकड़ी
ईएस-ड्यूर, बिना ऑप., 1880
सी-ड्यूर, बिना ऑप., 1883
ए-दुर, बिना ऑप., 1883
डी-मोल, बिना ऑप., 1886, दूसरे संस्करण में - तीसरा, ऑप। 7, 1896
पहला, बी-मोल, ऑप. 4, 1890
2रा, सी-डूर, ऑप. 5, 1895
चौथा, ए-मोल, ऑप. 11, 1899
5वां, ए-दुर, ऑप. 13, 1903
6ठा, बी-दुर, ऑप. 19, 1905
जी-ड्यूर, बिना ऑप., 1905

ई-दुर में पियानो चौकड़ी (ऑप. 20, 1906)

पंचक
पहली स्ट्रिंग - 2 वायलिन, वाइला और 2 सेलो, जी-ड्यूर, ऑप के लिए। 14.1901
दूसरी स्ट्रिंग - 2 वायलिन, 2 वायला और सेलो, सी-ड्यूर, ऑप के लिए। 16, 1904
पियानो, जी-मोल, ऑप. 30, 1911

2 बांसुरी, 2 ओबो, 2 शहनाई, 2 बैसून और 2 हॉर्न के लिए एंडांटे (सं.सं., 1883)

एमबीयू डीओ "सिम्फ़रोपोल डिस्ट्रिक्ट चिल्ड्रन आर्ट स्कूल"

कोल्चुगिनो शाखा

प्रतिवेदन

इस विषय पर: "शास्त्रीय संगीतकारों के कार्यों में चैम्बर वाद्य संगीत की शैली»

प्रदर्शनकर्ता: संगतकार

फ़िरसोवा नताल्या अलेक्जेंड्रोवना

2015

शास्त्रीय संगीतकारों के कार्यों में चैम्बर-वाद्य संगीत की शैली

चैंबर वाद्य संगीत हमेशा एक सूक्ष्म विषय रहा है जो अपने समकालीन युग की सभी घटनाओं के प्रति संवेदनशील रूप से प्रतिक्रिया करता है: क्रांतियाँ (सामाजिक और सांस्कृतिक), वैश्विक सामाजिक-राजनीतिक घटनाएँ, वैज्ञानिक और तकनीकी प्रगति, विभिन्न क्षेत्रों में नए रुझानों और प्रवृत्तियों का उद्भव। कला। 21वीं सदी कोई अपवाद नहीं थी। इस स्तर पर, आधुनिक चैम्बर वाद्य संगीत में मुख्य प्रवृत्तियों में से एक संश्लेषण है, शब्द के व्यापक अर्थ में: कला का संश्लेषण, संगीत की विभिन्न शैलियों और दिशाओं का संश्लेषण - अर्थात, संवादात्मकता के अर्थ में संश्लेषण और संगीत का लचीलापन

अंतरिक्ष।

एक संगीत शैली के रूप में अपनी विशिष्टता के कारण, सबसे पहले, श्रोता और संगीतकार की आंतरिक दुनिया के लिए आकर्षक, यह वह शैली क्षेत्र था जो अतीत और दोनों की दार्शनिक और सौंदर्य संबंधी अवधारणाओं की लगभग पूरी विस्तृत श्रृंखला को समायोजित करने में सक्षम था। नए और आधुनिक समय ने, इसकी सारी जटिलता, विविधता और कुछ मामलों में अस्पष्टता के साथ, इसके श्रोता, पारखी, कलाकार को खोजने के लिए मनोविज्ञान के साथ संगीत कला के संबंध को गहरा करना संभव बना दिया।

चैम्बर संगीत की उत्पत्ति मध्य युग में हुई। "चैंबर संगीत" शब्द को मंजूरी दी गई हैXVI- XVIIसदियों, और पहली बार यह शब्द 1635 में इतालवी संगीतकार जियो एरिगोनी के संग्रह में दिखाई दिया। चर्च और चैम्बर संगीत के बीच अंतर को 16वीं शताब्दी के मध्य में गायन शैलियों में रेखांकित किया गया था। चैम्बर संगीत "एल" एंटीकैम्यूसिकारिडोटालामोडेर्ना "निकोलो विसेंटिनो (1555) के सबसे पहले ज्ञात उदाहरण, वेनिस में, जी. अरिगोनी ने स्वर कॉन्सर्टिडाकैमरा प्रकाशित किया। कैंटाटा (कैंटाटाडाकैमरा) और युगल 17वीं - 18वीं शताब्दी की शुरुआत में चैम्बर गायन शैलियों के रूप में विकसित हुए। 17वीं शताब्दी में, "चैम्बर संगीत" नाम का विस्तार वाद्य संगीत तक किया गया। प्रारंभ में, चर्च और चैम्बर वाद्य संगीत शैली में भिन्न नहीं थे: उनके बीच शैलीगत अंतर केवल 18 वीं शताब्दी में स्पष्ट हो गए। आई. आई. क्वान्ज़ ने 1752 में लिखा था कि चैम्बर संगीत की आवश्यकता है " चर्च शैली की तुलना में अधिक पुनरुद्धार और विचार की स्वतंत्रता"। उच्चतम वाद्य रूप चक्रीय सोनाटा (सोनाटाडाकैमरा) था, जो नृत्य सूट के आधार पर बनाया गया था। 17 वीं शताब्दी में सबसे व्यापक रूप से अपनी किस्मों के साथ तिकड़ी सोनाटा था - चर्च और चैम्बर सोनाटा, कुछ छोटे - एकल सोनाटा (बिना संगत के या बैसोकॉन्टिनुओ संगत के साथ) तिकड़ी सोनाटा और एकल (बासोकॉन्टिनुओ संगत के साथ) सोनाटा के शास्त्रीय उदाहरण ए. कोरेली द्वारा बनाए गए थे। XVII-XVIII सदियों के मोड़ पर। कंसर्टोग्रोसो शैली का उदय हुआ, सबसे पहले इसे चर्च और चैम्बर किस्मों में भी विभाजित किया गया। उदाहरण के लिए, ए. कोरेली में, यह विभाजन बहुत स्पष्ट रूप से किया गया है - उनके द्वारा बनाए गए 12 कंसर्टिग्रॉसी (ऑप. 7) में से 6 चर्च शैली में लिखे गए हैं, और 6 चैम्बर शैली में लिखे गए हैं। वे सामग्री में उनके सोनाटास डेचिएसा और डेकैमरा के समान हैं। XVIII सदी के मध्य तक। चर्च और चैम्बर शैलियों में विभाजन धीरे-धीरे अपना महत्व खो देता है, लेकिन चैम्बर और कॉन्सर्ट संगीत (ऑर्केस्ट्रा और कोरल) के बीच का अंतर अधिक से अधिक स्पष्ट हो जाता है।

XVIII सदी के मध्य में। जे. हेडन, के. डिटर्सडॉर्फ, एल. बोचेरिनी, डब्ल्यू. ए. मोजार्ट के काम में, शास्त्रीय प्रकार के वाद्ययंत्रों का गठन किया गया - सोनाटा, तिकड़ी, चौकड़ी, आदि।

समृद्ध अभिव्यंजक संभावनाओं से युक्त, वाद्य पहनावा (विशेष रूप से धनुष चौकड़ी) ने लगभग सभी संगीतकारों का ध्यान आकर्षित किया और सिम्फोनिक शैली की एक प्रकार की "चैंबर शाखा" बन गई। इसलिए, पहनावा 17वीं-20वीं शताब्दी की संगीत कला की सभी मुख्य दिशाओं को दर्शाता है। - क्लासिकिज्म (जे. हेडन, एल. बोचेरिनी, डब्ल्यू. ए. मोजार्ट, एल. वैन बीथोवेन) और रूमानियतवाद (एफ. शुबर्ट, एफ. मेंडेलसोहन, आर. शुमान, आदि) से लेकर अल्ट्रामॉडर्निस्ट अमूर्तवादी आंदोलनों तक। XIX सदी के दूसरे भाग में। वाद्य चैम्बर संगीत के उत्कृष्ट उदाहरण 20वीं शताब्दी में आई. ब्राह्म्स, ए. ड्वोरक, बी. स्मेताना, ई. ग्रिग, एस. फ्रैंक द्वारा बनाए गए थे। - के. डेब्यूसी, एम. रवेल, एम. रेगर, पी. हिंडेमिथ, एल. जानसेक, बी. बार्टोक, बी. ब्रिटन और अन्य।

रूसी संगीतकारों ने चैम्बर और वाद्य संगीत में बहुत बड़ा योगदान दिया। रूस में चैम्बर संगीत का प्रसार 70 के दशक में शुरू हुआ। 19 वीं सदी पहला वाद्य यंत्र डी.एस. बोर्तन्यांस्की द्वारा लिखा गया था। चैम्बर संगीत को ए. ए. एल्याबयेव, एम. आई. ग्लिंका द्वारा आगे विकसित किया गया और उच्चतम कला तक पहुँचाया गया। पी. आई. त्चैकोव्स्की और ए.पी. बोरोडिन के काम में स्तर: उनकी चैम्बर रचनाओं को एक स्पष्ट राष्ट्रीय सामग्री, मनोविज्ञान की विशेषता है। ए. सोवियत संगीतकारों की चैम्बर वाद्य विरासत असाधारण रूप से समृद्ध और विविध है: इसकी मुख्य पंक्तियाँ गेय-नाटकीय (एन. हां. मायस्कॉव्स्की), दुखद (डी. डी. शोस्ताकोविच), गेय-महाकाव्य (एस. एस. प्रोकोफिव), ए. आई. खाचटुरियन और लोक शैली हैं।

यह स्मरण करना अतिश्योक्तिपूर्ण नहीं होगा कि आधुनिक चैम्बर वाद्य संगीत अपने निर्माण के तीन कालखंडों से गुजरा है:

1450 से 1650 तक की पहली अवधि, जो अन्य परिवारों के वायल और वाद्ययंत्रों को बजाने की तकनीक के विकास की विशेषता है, विशुद्ध रूप से वाद्य संगीत का क्रमिक पृथक्करण, जबकि फ्रीस्टाइल का प्रभुत्व जारी है। इस अवधि के काम जो हमारे पास आए हैं, विशेष रूप से बिना आवाज़ के वाद्य रचनाओं के लिए लिखे गए हैं, उनमें ऑरलैंडो गिबन्स (1610) की कल्पनाएँ और कैनज़ोन, जियोवानी गैब्रिएली (1615) के सोनाटा शामिल हैं;

1650 से 1750 तक की दूसरी अवधि को तिकड़ी सोनाटा की शैली के प्रसार द्वारा चिह्नित किया गया है (आमतौर पर दो वायलिन और एक सेलो के लिए एक क्लैवियर के साथ बनाया जाता है जो हार्मोनिक आधार प्रदान करता है) और अन्य वाद्ययंत्र और आवाज़ों के साथ, जो आवश्यक रूप से साथ थे एक कीबोर्ड उपकरण के तथाकथित डिजिटल बास (कॉर्ड्स) द्वारा। इस काल के सोनाटा तिकड़ी के उस्तादों में - आर्कान्जेलो कोरेली, हेनरी पुरसेल, जी. हैंडेल;

1750 से वर्तमान तक की तीसरी अवधि में दो वायलिन, एक वायोला और एक सेलो से युक्त एक स्ट्रिंग चौकड़ी का प्रभुत्व था।

आज, एक नियम के रूप में, चैम्बर-वाद्य संगीत निम्नलिखित संयोजन में चैम्बर पहनावा द्वारा प्रस्तुत किया जाता है:

एकल वाद्ययंत्र (तार या पवन) और पियानो;

पियानो युगल (दो पियानो या चार हाथ वाला पियानो);

स्ट्रिंग तिकड़ी (वायलिन, वायोला और सेलो); पियानो तिकड़ी (वायलिन, सेलो और पियानो);

स्ट्रिंग चौकड़ी (दो वायलिन, वायोला और सेलो);

पियानो चौकड़ी (वायलिन, वायोला, सेलो और पियानो);

स्ट्रिंग पंचक (स्ट्रिंग चौकड़ी प्लस वायोला और या सेलो);

पियानो पंचक (पियानो प्लस स्ट्रिंग चौकड़ी) और अन्य।

पूरे XVIII सदी में। तेजी से विकास हुआवाद्य प्रदर्शन संस्कृति. सदी के पूर्वार्ध में चैम्बर वाद्य संगीत का विकास आमंत्रित विदेशी संगीतकारों के प्रदर्शन से जुड़ा था जो रूसी अभिजात वर्ग को पढ़ाते थे। इस प्रकार अभिजात्य परिवेश में वाद्यवाद का प्रसार हुआ। 80-90 के दशक में. रूसी चैम्बर वाद्य संगीत के पहले नमूने सामने आए: रूसी संगीतकारों ने एकल सोनाटा, विविधताएं, चैम्बर पहनावा की शैलियों का विकास किया। यह वाद्य क्षेत्र में है कि संगीत की बौद्धिक सामग्री स्वयं प्रकट होती है। पीटर द ग्रेट के युग में, रूस में वाद्य संगीत पुनर्जीवित होना शुरू हुआ, लेकिन पहले से ही मजबूत पश्चिमी प्रभाव के तहत।

चैम्बर वाद्य संगीत की आधुनिक शैलियाँ अंततः विनीज़ क्लासिक्स - जे. हेडन, डब्ल्यू. ए. मोजार्ट, एल. वैन बीथोवेन के कार्यों में बनीं। ये सोनाटा, तिकड़ी, चौकड़ी, पंचक, पहनावा हैं, जिनमें तार वाले वाद्ययंत्रों को बड़ा स्थान दिया गया है।

चैंबर वाद्य संगीत ने संगीत रचनात्मकता की अन्य किस्मों की शैलीगत विशेषताओं को अवशोषित किया। पहले से ही एल वैन बीथोवेन ने बड़े पैमाने पर उनकी चौकड़ी के प्रति सहानुभूति व्यक्त की, उन्हें रूप और सामग्री दोनों में अधिक महत्वाकांक्षी बना दिया। और वायलिन और पियानो के लिए उनका प्रसिद्ध "क्रुत्ज़र सोनाटा" अपनी भावनात्मक तीव्रता, संगीत छवियों की स्मारकीयता में वास्तव में एक सिम्फोनिक काम है। रोमांटिक संगीतकारों एफ.

रूसी संगीतकारों के काम में, चैम्बर वाद्य संगीत की शैलियों की व्याख्या बहुत ही अजीब और गहरे राष्ट्रीय तरीके से की गई थी। रूसी लोक गायन के तत्वpolyphonyपी. आई. त्चैकोव्स्की की तिकड़ी और चौकड़ी में, ए. पी. आई. त्चिकोवस्की ने वाद्य यंत्रों के लिए अपेक्षाकृत कम संख्या में रचनाएँ बनाईं: तीन स्ट्रिंग चौकड़ी (शुरुआती एक की गिनती नहीं, कंज़र्वेटरी में अध्ययन के वर्षों के दौरान लिखी गई और एक सीरियल नंबर प्राप्त नहीं किया गया), जो लेखक द्वारा एक पांच साल के भीतर बनाई गई थीं (1871-1875), पियानो तिकड़ी और स्ट्रिंग सेक्सेट। दूसरी चौकड़ी, जो, वैसे, स्वयं लेखक की पसंदीदा कृतियों में से एक थी, लोक शैली और व्यक्तिगत गीतात्मक सिद्धांतों को भी जोड़ती है।

रूस में 1900-1917 की अवधि में, वाद्य संगीत ने रूसी संगीतकारों का ध्यान आकर्षित किया। यह कहा जा सकता है कि इससे पहले कभी भी उन्होंने उनके काम में इतना महत्वपूर्ण स्थान नहीं लिया था। ए. ग्लेज़ुनोव, एस. तानेयेव, एस. राचमानिनोव, ए. स्क्रीबिन, ए. ल्याडोव, ए. एरेन्स्की, एस. ल्यपुनोव, एन. मेडटनर, नौसिखिया एस. प्रोकोफ़िएव बड़ी संख्या में वाद्ययंत्र बनाते हैं जो अपनी सामग्री से विस्मित करते हैं, शैलीगत और शैली विविधता। सबसे पहले, इसे संगीत कार्यक्रम शैली के विकास पर ध्यान दिया जाना चाहिए, जो कुछ संगीतकारों के लिए सिम्फनी को "दबाने" के लिए भी सामने आने लगा (एस राचमानिनोव, एस प्रोकोफिव द्वारा पियानो कॉन्सर्टोस)। उस समय इतने सारे वायलिन संगीत कार्यक्रम नहीं होते थे।

कालानुक्रमिक रूप से, उनकी सूची ए.एस. एरेन्स्की (1901) के एक संगीत कार्यक्रम के साथ खुलती है, जो इस काम में पी. आई. त्चिकोवस्की की परंपराओं को जारी रखते हैं; इसके बाद ए.के. ग्लेज़ुनोव (1904) और एस.एम. लायपुनोव (1915) के संगीत कार्यक्रम होंगे। एम. ए. बालाकिरेव और ए. के. ग्लेज़ुनोव के प्रभाव ने बाद के काम को प्रभावित किया।

कालानुक्रमिक रूप से, इस अवधि के रूसी वायलिन संगीत कार्यक्रम का विकास एस. प्रोकोफ़िएव (1915-1917) द्वारा वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए पहले संगीत कार्यक्रम के साथ समाप्त होता है। कॉन्सर्ट योजना का एक प्रमुख कार्य - वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए सूट (1909) - एस. आई. तानेयेव द्वारा लिखा गया था। इतनी कम संख्या के साथ, नामित रचनाओं में वास्तविक उत्कृष्ट कृतियाँ हैं - ए. ग्लेज़ुनोव द्वारा कॉन्सर्टो, एस. प्रोकोफ़िएव द्वारा पहला कॉन्सर्टो, जो विश्व वायलिन क्लासिक्स के स्वर्ण कोष में शामिल हैं। हालाँकि, 20वीं सदी के पहले दशक रूसी सोनाटा के उत्कर्ष के दिन थे, हालाँकि, मुख्य रूप से पियानो के लिए।

वायलिन और पियानो के लिए बहुत सारे सोनाटा भी लिखे गए थे, हालांकि उनमें से ए. स्क्रिबिन या एस. प्रोकोफ़िएव के पियानो सोनाटा जैसी कोई आश्चर्यजनक घटना नहीं थी। इस अवधि के अधिकांश वायलिन सोनाटा एक अभिनव प्रकृति के नहीं हैं, जो निष्क्रिय रूप से रूसी क्लासिक्स की परंपराओं को जारी रखते हैं, इसके अलावा, एपिगोन-शैक्षणिक शब्दों में। सी. ए. कुई (1911) का सोनाटा ऐसा है, जिस पर उस समय कोई प्रतिक्रिया नहीं हुई; ऐसे हैं "बेलीएवाइट्स" के सोनाटा - वी. आई. मालीशेव्स्की, ए. ए. विंकलर, जिसमें व्यक्तिगत आकर्षक पृष्ठ "अकादमिक" कल्याण और शैलीगत सहजता की समग्र तस्वीर का उल्लंघन नहीं करते हैं।

ये व्यंजनापूर्ण हैं, लेकिन बहुत मौलिक रचनाएँ नहीं हैं, जिनमें राष्ट्रीय और शैलीगत विशेषताओं के संदर्भ में तटस्थ विषय प्रबल होते हैं, हालाँकि रूसी स्वर भी फिसल जाते हैं। ए.एफ. गेडाइक का वायलिन सोनाटा "बाख" शुरुआत के साथ बेलीएवाइट्स के काम से स्पष्ट रूप से भिन्न है। एल. वी. निकोलेव के मधुर मधुर सोनाटा ने वायलिन वादकों के बीच अपेक्षाकृत अधिक लोकप्रियता हासिल की (सोवियत काल में भी संरक्षित)।

इस शैली के वायलिन कार्यों में, एक सूक्ष्म और परिष्कृत कलाकार जी. वी. कैटॉयर के दो सोनाटा को विशेष रूप से प्रतिष्ठित किया जाना चाहिए। जी. कैटोइरे की रचनात्मकता की जड़ें पी. त्चिकोवस्की, एस. तनीव, ए. ग्लेज़ुनोव के संगीत में हैं, जो प्रभाववादियों और ए. स्क्रिबिन के शैलीगत तत्वों के साथ एक विचित्र संयोजन में है। वायलिन और पियानो के लिए ग्रैंड सोनाटा, सेशन। 15 जी. कैटुआरा द्वारा, उत्साहपूर्ण काव्यात्मक भाग I के साथ, कैंटिलेना "बारकारोल" और प्रभाववादी समापन (शानदार "अप्स") का मूल्यांकन उस युग की रूसी वायलिन सोनाटा शैली के विकास में शिखरों में से एक के रूप में किया जाना चाहिए।

एम. एफ. गनेसिन का सोनाटा, जिसमें लोक यहूदी गीतों के स्वर उत्कृष्ट रंगीन सामंजस्य के फ्रेम में दिए गए हैं, में एक उदास व्यक्तिपरक रंग है। सर्वश्रेष्ठ रूसी वायलिन सोनाटा में से एक - सोनाटा ऑप। 21 एच-मोल (1909-1910) एन.के. मेडटनर द्वारा। छोटे-छोटे रूपों का काफी विकास हुआ है, लेकिन उनमें भी शैली और शैली विविधता की दृष्टि से वायलिन साहित्य पियानो साहित्य से काफी हीन है। इसमें प्रमुख स्थान पर गेय और शैली के नाटकों का कब्जा है - रोमांस, शोकगीत, "प्रतिबिंब", "सपने", माज़ुर्का और वाल्ट्ज, कभी-कभी अंतरंग गीत और सैलोनिज्म के स्पर्श के साथ।

गीतात्मक और शैली के संदर्भ में, रोमांस माधुर्य की ओर झुकाव के साथ, ए.एस. एरेन्स्की के नाटक "प्रेस्डेलेयर", वायलिन और पियानो के लिए 6 रेखाचित्र, ए. टी. ग्रेचानिनोव "लोरी", "प्रतिबिंब", "पछतावा" - सेशन। 9, 1895, एफ. अकिमेंको "लोरी", 1902, जे. विटोला "टू पीस", "रोमांस", सुइट एस. बरमोटिन "प्रील्यूड", "लिटिल पोएम", "लोरी", "शेरज़ांडो", "इक्लोग", "मजुरका", "एलेगी", "ओरिएंटल पिक्चर", "लिटिल वाल्ट्ज"। छोटे रूपों के सबसे कलात्मक रूप से महत्वपूर्ण वायलिन के टुकड़े ए. "ध्यान" एक प्रदर्शन सूची बन गया, जिसे वायलिन संगीत समारोहों में प्रस्तुत किया गया।

एन.के. मेडटनर द्वारा वायलिन के कई टुकड़े लिखे गए: 3 नॉक्टर्न (ऑप. 16, 1907), 2 कैनज़ोन (ऑप. 43, 1924)।

20वीं सदी की शुरुआत के अधिकांश प्रमुख रूसी संगीतकारों ने चैम्बर कलाकारों की टुकड़ी की शैलियों को श्रद्धांजलि दी, और कुछ के लिए, चैम्बर संगीत रचनात्मकता का मुख्य रूप बन गया (एस.आई. तनीव)। साथ ही, यह इंगित करना जरूरी है कि यह वाद्ययंत्रों के क्षेत्र में था कि 19 वीं शताब्दी के रूसी क्लासिक्स की परंपराएं विशेष रूप से लगातार बनी रहीं और, शायद, अकादमिकता की प्रवृत्तियां विशेष बल के साथ प्रकट हुईं .

ए ग्लेज़ुनोव के अपवाद के साथ, बेलीएव सर्कल के संगीतकारों के सभी कार्य बेहद अकादमिक थे। संगीत का यह क्षेत्र नई धाराओं से अछूता रहा। आई. एफ. स्ट्राविंस्की (1914) की थ्री पीसेस फॉर स्ट्रिंग क्वार्टेट लगभग एक अपवाद थी। बेलीएव सर्कल के कई संगीतकारों के लिए चैंबर-एन्सेम्बल शैलियाँ बहुत आकर्षक थीं। इस अवधि के चैम्बर साहित्य में पी. त्चिकोवस्की का गहरा प्रभाव दिखा। वे एएस एरेन्स्की में 2 चौकड़ी और 2 पियानो तिकड़ी में बहुत ध्यान देने योग्य हैं। फर्स्ट पियानो ट्रायो (1894) विशेष रूप से लोकप्रिय था, जो अपने रोमांटिक मेलो और भव्य मूड के साथ मनमोहक था।

अब तक, प्रदर्शन अभ्यास में व्यापक रूप से उपयोग किए जाने वाले सबसे आम कार्यों में से एक राचमानिनोव का एलिगियाक ट्रायो नंबर 2 (डी-मोल) है, जो पी. आई. त्चैकोव्स्की (1893) की स्मृति को समर्पित है। राचमानिनोव ने इसे एक रूप दिया, जो त्चैकोव्स्की के पियानो तिकड़ी के बहुत करीब है आधुनिक चैम्बर-वाद्य संगीत अपने वैचारिक और कलात्मक महत्व में सिम्फोनिक संगीत के अनुरूप हो गया है; सिम्फनी अक्सर चैम्बर शैलियों के करीब होती है, उदाहरण के लिए, डी. डी. शोस्ताकोविच की 14वीं और 15वीं सिम्फनी।

चैंबर-वाद्य संगीत कलाकारों के एक छोटे समूह के लिए है। सिम्फोनिक शैली में कई लोगों की आकांक्षाओं की सामान्यीकृत अभिव्यक्ति के विपरीत, यह एक व्यक्ति के रूप में एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया पर ध्यान देने की विशेषता है। सिम्फनी की स्मारकीयता और वाद्य संगीत कार्यक्रम की सशक्त रूप से शानदार विशेषता चैम्बर संगीत के लिए सैद्धांतिक रूप से असामान्य है। बल्कि, इसके विपरीत, यह व्यक्तिगत पार्टियों की महान स्वतंत्रता और समूह के प्रत्येक सदस्य की रचनात्मक गतिविधि के साथ अभिव्यंजक साधनों की अर्थव्यवस्था द्वारा प्रतिष्ठित है। प्रारंभ में, चैम्बर संगीत श्रोताओं के एक संकीर्ण समूह के लिए था और इसे अक्सर घर पर, बाद में छोटे विशेष कॉन्सर्ट हॉल में प्रदर्शित किया जाता था।

चैंबर संगीत वाद्ययंत्रों के प्रमुख कार्य, सद्गुणों के एक निश्चित अनुपात को मानता है, जिसके कारण शैलियों के अंतर-शैली उन्नयन कभी-कभी मुख्य मात्रात्मक मापदंडों के संबंध में केवल एक आदेशात्मक दिशा प्राप्त करते हैं।

आधुनिक चैम्बर-वाद्य संगीत अपने वैचारिक और कलात्मक महत्व में सिम्फोनिक संगीत के काफी अनुरूप हो गया है; सिम्फनी अक्सर चैम्बर शैलियों के करीब होती है, जो एम. खालितोवा के कार्यों में स्पष्ट रूप से दिखाई देती है।

पूर्वी यूरोपीय संगीत में, और आज क्रीमियन तातार संगीत को इसके लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है, और राष्ट्रीय संगीतकार स्कूलों के गठन के संबंध में, राष्ट्रीय धरती पर चैम्बर शैलियों का अनुकूलन पिछली शताब्दी के मध्य से अधिक सक्रिय रूप से प्रकट हुआ है। वर्तमान। इसलिए, चैम्बर संगीत की पारंपरिक शैलियाँ यहाँ लंबे समय तक संरक्षित हैं, और, परिणामस्वरूप, शास्त्रीय चैम्बर रचना में रुचि, उदाहरण के लिए, एम. खालितोवा के कार्यों में: अश्क-नाम कॉन्सर्टो, तुरही और ऑर्केस्ट्रा के लिए कॉन्सर्टो " डेमरडज़ी के पैर में", "सेलो और ऑर्केस्ट्रा के लिए एपिटाफ" और अन्य।

बीथोवेन की रचनात्मक विरासत में एक उत्कृष्ट स्थान उनकी सोलह चौकियों का है।

चौकड़ी संगीत की मनोवैज्ञानिक प्रवृत्तियों को विकसित करते हुए, बीथोवेन ने, संक्षेप में, नए अभिव्यंजक क्षेत्रों को खोला, एक अजीब चैम्बर-वाद्य शैली का निर्माण किया।

सबसे पहले, बीथोवेन ने अपने पूर्ववर्तियों, मुख्य रूप से स्वर्गीय हेडन के मार्ग का अनुसरण किया। शुरुआती विनीज़ क्लासिक्स में पहले से ही सामूहिक संगीत की मनोरंजक-विविधतापूर्ण प्रकृति के साथ एक विराम था। पॉलीफोनिक साधनों ने एक महत्वपूर्ण भूमिका हासिल कर ली, बढ़िया चैम्बर लेखन तकनीक विकसित की गई। बीथोवेन इन विशेषताओं को बढ़ाता है। उनकी पहली छह चौकियों (ऑप. 18, 1800) में बड़ी भावनात्मक गहराई है। आइए, विशेष रूप से, प्रथम चौकड़ी के धीमे सी-मोल आंदोलन पर ध्यान दें, जिनकी छवियां शेक्सपियर के रोमियो और जूलियट के अंतिम कार्य से कब्र के दृश्य से प्रेरित थीं। चौथी चौकड़ी (सी-मोल) का पहला "दयनीय" भाग और छठी चौकड़ी के समापन का विस्तृत परिचय विशेषता है (बीथोवेन ने इस परिचय को एक स्वतंत्र टुकड़े का रूप दिया, जिसे उन्होंने "मेलानचोलिया" नाम दिया)। हालाँकि, कुल मिलाकर, बीथोवेन की शुरुआती रचनाएँ अभी भी 18वीं सदी के उत्तरार्ध के चौकड़ी संगीत से आगे नहीं बढ़ी हैं।

एक नई शैली का जन्म 1806 - 1807 में ओपस "ए 59" की उपस्थिति से चिह्नित होता है, जो वियना में रूसी राजदूत, काउंट रज़ूमोव्स्की को समर्पित है, और इसमें तीन चौकड़ी शामिल हैं (सामान्य संख्या के अनुसार - 7, 8, 9)। वे उस अद्भुत रचनात्मक प्रेरणा अवधि पर आते हैं जिसके साथ अप्पासियोनाटा, फिफ्थ सिम्फनी, कोरिओलानस जुड़े हुए हैं। बीथोवेन ने यहां लावोव-प्राचा के संग्रह "आह, मेरी प्रतिभा, प्रतिभा" (सातवीं चौकड़ी का अंतिम) से लिए गए रूसी लोक गीतों के विषयों का उपयोग किया है। ) और प्रसिद्ध राग "ग्लोरी" (आठवीं चौकड़ी के शेरज़ो से तिकड़ी):

ओरिस के कार्य "ए 59 एक एकल चक्र की प्रकृति में हैं: सातवीं चौकड़ी (एफ-ड्यूर) धीमे एफ-मोल" भाग के अपवाद के साथ चमकीले रंगों में लिखी गई है, जो दुखद गहराई से अलग है। आठवीं चौकड़ी (ई-मोल) चक्र का गीतात्मक केंद्र है। चौकड़ी के धीमे हिस्से में ऊंचे कोरल मूड का बोलबाला है:

शेरज़ो और समापन एक लोक-शैली के चरित्र के हैं। समापन अपनी मौलिक मौलिकता में दिलचस्प है।

नौवीं चौकड़ी (सी-ड्यूर) में शिर्ज़ो-विनोदी स्वरों का बोलबाला है; आंतरिक विरोधाभास धीमी गति से चिंतनशील भाग है, जो एक दुर्लभ सुंदरता की विशेषता है। अपनी बहती धुन, भावनात्मक तात्कालिकता में, यह रोमांटिकता के भविष्य के गीतात्मक लघुचित्रों को प्रतिध्वनित करता है:

क्वार्टर ऑप. 59, इसके बाद के दो - दसवें एस-दुर (ऑप. 74, 1809) और एफ-मोल में ग्यारहवें (ऑप. 95, 1810) के साथ मिलकर 19वीं सदी के पश्चिमी यूरोपीय चौकड़ी संगीत का शिखर बनाते हैं।

इन कार्यों की गहन मनोवैज्ञानिक छवियां क्लासिक कला के लिए नई थीं। अभिव्यक्ति की अभूतपूर्व निर्भीकता, सूक्ष्म एवं जटिल रचना ने समकालीनों को स्तब्ध कर दिया। विकास की व्यापकता, आंतरिक एकता, ध्वनि की शक्ति इन चौकड़ियों को सिम्फनी के करीब लाती है। हालाँकि, यदि बीथोवेन की सिम्फोनिक शैली को प्रभावशीलता की विशेषता है, तो उनकी चौकड़ी में केंद्रित प्रतिबिंब की छवियां प्रबल होती हैं।

इसलिए शैली में महत्वपूर्ण अंतर। जबकि सामान्यीकरण, स्मारकीय सादगी और संघर्ष सिम्फनी के लिए विशिष्ट हैं, ज्यादातर मामलों में चौकड़ी को विषय और संपूर्ण विकास के बारीक विवरण से अलग किया जाता है। धीरे-धीरे विकसित होने वाले विषय अक्सर सीधे एक-दूसरे में प्रवाहित होते हैं। अपनी संरचना के संदर्भ में, वे अधिकतर रोजमर्रा के स्वर-परिवर्तन के व्यवस्थित मोड़ों से बहुत दूर हैं। उनमें शैली सम्बन्ध सीधे तौर पर प्रकट नहीं होते।

बीथोवेन की चौकड़ी शैली की विशेषता, संगीत की बहु-अंधेरापन और मधुर समृद्धि, लेखन के पॉलीफोनिक तरीके से जुड़ी हुई है। बीथोवेन के चार उपकरणों में से प्रत्येक अधिकतम स्वतंत्रता प्राप्त करता है और एक विशाल ध्वनि रेंज का उपयोग करता है, जो एक नए प्रकार की "चौकड़ी पॉलीफोनी" बनाता है। लयबद्ध विविधता और विविधता, मूल ध्वनि, पारदर्शी और तीव्र दोनों, और विशेष रूप से बीथोवेन की चौकड़ी में निहित संयोजनों की समृद्धि और निर्भीकता, उन्हें मौलिकता और अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता भी देती है।

प्रेरणा की विशेष शक्ति, मनोवैज्ञानिक सूक्ष्मता धीमे गीतात्मक भागों में प्रकट होती है। वे अक्सर संपूर्ण कार्य का भावनात्मक केंद्र बनते हैं। एक नियम के रूप में, उनमें बीथोवेन की चौकड़ी शैली की सबसे विशिष्ट रचनात्मक विशेषताएं शामिल हैं। धीमे हिस्सों में गहरी मनोदशा और रूप की सापेक्ष स्वतंत्रता आमतौर पर लोक-शैली के फाइनल के सामंजस्यपूर्ण वास्तुशिल्प द्वारा संतुलित होती है। इस दृष्टि से नौवीं चौकड़ी का समापन विशेष रूप से महत्वपूर्ण है। इसे शैली-घरेलू गोदाम की थीम पर एक फ्यूग्यू के रूप में बनाया गया है:

परिपक्व काल की पांच चौकियों (संख्या 7, 8, 9, 10, 11) में से प्रत्येक उत्कृष्ट सुंदरता, मौलिकता और शैली की पूर्णता से प्रतिष्ठित है। लेकिन एफ-मोल "एनवाई" सीरियस क्वार्टेट "ऑप. 95 विचार और जुनून की गहराई के साथ इस पृष्ठभूमि के खिलाफ भी खड़ा है। कभी-कभी इसकी तुलना" अप्पासियोनाटा "के साथ सामग्री में की जाती है। हालांकि, इस काम का मनोविज्ञान, मधुर तकनीक इसके विशिष्ट, चौकड़ी शैली के बाहर अकल्पनीय हैं।

शास्त्रीय संगीत में असामान्य, "रैखिक" मुख्य विषय, अपनी कठोर एकसमान ध्वनि के साथ, न केवल पहले आंदोलन, बल्कि पूरे चौकड़ी की तनावपूर्ण, दुखद प्रकृति को निर्धारित करता है:

केवल एक पल के लिए सामंजस्यपूर्ण दूसरा विषय चमकता है, जो एक अप्राप्य सपने की छवि को व्यक्त करता है:

संपूर्ण चौकड़ी में, तीव्र अशांतकारी विचार (मुख्य भाग के क्षेत्र से जुड़ा हुआ) लगातार पूर्ण सामंजस्य की छवियों को बाहर निकालता है। तो, दूसरे भाग में, पहला, सुंदर गीत विषय, गहरे आनंदमय प्रतिबिंब से भरा हुआ, जल्द ही एक तनावपूर्ण-ध्वनि वाले फ्यूग्यू विकास द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है:

तीव्र मनोदशा परिवर्तन भी शिर्ज़ो की विशेषता है, जहां ऊर्जावान, तंत्रिका आंदोलन शांति के साथ वैकल्पिक होता है। और केवल समापन के अंत में, चिंता की स्थिति प्रमुख कोडा के उत्साही संगीत में "विघटित" हो जाती है।

ग्यारहवीं चौकड़ी के बाद, बीथोवेन ने चौदह वर्षों तक इस क्षेत्र में रचना नहीं की। हालाँकि, उनके बाद के काल की दार्शनिक और मनोवैज्ञानिक प्रवृत्तियों, पॉलीफोनिक लेखन की इच्छा ने चौकड़ी शैली में रुचि को पुनर्जीवित किया होगा। आखिरी पियानो सोनाटा, नौवीं सिम्फनी और सोलेमन मास के निर्माण के बाद ही, बीथोवेन ने फिर से उनकी ओर रुख किया।

1824 और 1826 के बीच रचित पांच चौकड़ी, बीथोवेन की अंतिम पूर्ण कृतियाँ हैं। उन्हें परवर्ती शैली की विशिष्ट विशेषताओं की सबसे पूर्ण अभिव्यक्ति मिली। महान कलात्मक शक्ति के साथ, एक प्रतिभाशाली कलाकार-विचारक की आंतरिक दुनिया इन चौकियों में प्रकट होती है।

इस संबंध में, चौकड़ी संख्या 16 (ऑप. 135, 1826) का समापन सांकेतिक है। इसके पहले एक केंद्रित, आध्यात्मिक, दार्शनिक प्रतिबिंब से भरपूर लेंटो है:

लेंटो की अंतिम ध्वनियाँ मौन में विलीन हो जाती हैं। समापन के ऊपर, बीथोवेन के हाथ पर निशान था: "कठिनाई से एक समाधान मिला।" इन शब्दों के बाद, दो उद्देश्य लिखे गए हैं: एक - प्रश्नवाचक स्वर के साथ गंभीर और कैप्शन के साथ: "क्या यह होना चाहिए?"

दूसरा मकसद, एलेग्रो, स्पष्ट रूप से पुष्टि करने वाले स्वरों के साथ, कैप्शन है: "यह होना ही चाहिए!"

विकास की प्रक्रिया में, दर्दनाक प्रतिबिंब से भरा ग्रेव रूपांकन, एलेग्रो थीम के आनंददायक लोक-नृत्य संगीत से दूर हो जाता है।

दिवंगत चौकड़ी का साहसिक नवाचार उनके युग की सीमाओं से कहीं आगे तक जाता है।

इन बीथोवेन चौकड़ी का पॉलीफोनिक लेखन फ्यूग्यू रूपों और प्रस्तुति के अजीबोगरीब पॉलीमेलोडिक तरीकों दोनों के रूप में प्रकट होता है। परिवर्तनशील सिद्धांत यहां एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है, जिस पर, एक नियम के रूप में, धीमे भागों का विकास आधारित होता है। दिवंगत चौकड़ी की सामग्री और रूप बहुत विविध हैं। महान, स्पष्ट अनुभूति से भरपूर धीमी गति (जैसे कि बारहवीं चौकड़ी से एडैगियो, सोलहवीं से लेंटो) और काव्यात्मक लोक-नृत्य छवियां (चौदहवीं का समापन और पंद्रहवीं चौकड़ी से वाल्ट्ज) एक अमूर्त दार्शनिक प्रकृति के एपिसोड के साथ वैकल्पिक जो अक्सर बीथोवेन के अंत में पाए जाते हैं (चौदहवीं चौकड़ी से फ्यूग्यू, तेरहवीं चौकड़ी से पहला आंदोलन)। अभिव्यंजक साधनों का दायरा बहुत विस्तृत है। उनमें से कुछ फ़िलिस्तीनी शैली की गहराई में जाते हैं, जबकि अन्य 19वीं सदी के उत्तरार्ध के संगीत की आशा करते हैं।

पिछली चौकियों की तुलना में पिछली चौकियों की विशेषता रचनागत जटिलता, बौद्धिकता, प्रयोग के निशान और नए शैलीगत रास्तों की खोज उनमें विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है। इसलिए इन कार्यों की धारणा में कुछ विशिष्ट कठिनाइयाँ हैं।

स्ट्रिंग चौकड़ी के अलावा, बीथोवेन ने कई अन्य चैम्बर-वाद्य रचनाएँ छोड़ीं: एक सेप्टेट, तीन स्ट्रिंग पंचक, छह पियानो तिकड़ी, दस वायलिन, पांच सेलो सोनाटा। उनमें से, ऊपर वर्णित सेप्टेट (पृ. 38 देखें) के अलावा, स्ट्रिंग पंचक प्रमुख है (सी-ड्यूर ऑप. 29, 1801)। बीथोवेन का यह अपेक्षाकृत प्रारंभिक कार्य सूक्ष्मता और अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता की विशेषता है, जो शुबर्ट की शैली की याद दिलाता है।

वायलिन और सेलो सोनाटा महान कलात्मक मूल्य के हैं। सभी दस वायलिन सोनाटा अनिवार्य रूप से पियानो और वायलिन के युगल हैं, इसलिए उनमें पियानो का हिस्सा इतना महत्वपूर्ण है। ये सभी चैम्बर संगीत की पुरानी सीमाओं को आगे बढ़ाते हैं। यह नौवीं सोनाटा ए-मोल (ओप. 44, 1803) में विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है, जो पेरिस के वायलिन वादक रुडोल्फ क्रेउत्ज़र को समर्पित है, जिसके मूल पर बीथोवेन ने लिखा था: "पियानो और ओब्लिगेट वायलिन के लिए एक सोनाटा, एक संगीत कार्यक्रम शैली में लिखा गया - एक संगीत कार्यक्रम की तरह।" "वीर सिम्फनी" और "अप्पासियोनाटा", "क्रुत्ज़र सोनाटा" के समान युग वैचारिक डिजाइन, और अभिव्यंजक तकनीकों की नवीनता और विकास की सिम्फनी दोनों में उनसे संबंधित है। बीथोवेन के सभी वायलिन सोनाटा साहित्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ, यह अपने नाटक, रूप और पैमाने की अखंडता के लिए खड़ा है।

बी-डूर में छठी पियानो तिकड़ी (ऑप. 97, 1811), जो बीथोवेन के सबसे प्रेरित कार्यों से संबंधित है, सिम्फोनिक शैली की ओर बढ़ती है। धीमी परिवर्तनशील गति में गहरे प्रतिबिंब की छवियां, आंदोलनों के बीच बढ़े हुए विरोधाभास, टोनल योजना और चक्र की संरचना नौवीं सिम्फनी की आशा करती है। सख्त वास्तुकला और उद्देश्यपूर्ण विषयगत विकास को एक विस्तृत, बहने वाली धुन के साथ जोड़ा जाता है, जो विविध रंग रंगों से संतृप्त होती है।

1920 के दशक में वाद्य संगीत की व्यक्तिगत शैलियों का विकास असमान रूप से आगे बढ़ा। इस प्रकार, संगीत कार्यक्रम साहित्य केवल एकल कार्यों द्वारा प्रस्तुत किया गया था। लेकिन उनमें से प्रोकोफ़िएव के पियानो संगीत कार्यक्रम जैसी उत्कृष्ट कृतियाँ हैं, जो 1920 और 1930 के दशक की शुरुआत के रूसी संगीत की सबसे बड़ी उपलब्धियों से संबंधित हैं। इस शैली में रुचि कंज़र्वेटरी में अपने अध्ययन के दौरान प्रोकोफ़िएव में प्रकट हुई। संगीतकार द्वारा अपनी युवावस्था में लिखे गए पहले दो संगीत कार्यक्रम, आज भी युवावस्था में निहित अमिट ताजगी और अटूट सरलता से मंत्रमुग्ध कर देते हैं। तीसरा संगीत कार्यक्रम निपुणता की परिपक्वता, अभिव्यंजक साधनों के उपयोग में आत्मविश्वास से चिह्नित एक कार्य है, जो एक अनुभवी कलाकार की विशेषता है।
लेखक के अनुसार, "बड़े और निष्क्रिय पुलिस वाले इर्ट" का विचार 1911 का है। दो साल बाद, एक विषय सामने आया, जो फिर विविधताओं (दूसरा भाग) का आधार बन गया। कॉन्सर्टो में अवास्तविक "श्वेत" डायटोनिक चौकड़ी के दो विषय भी शामिल थे। कॉन्सर्टो पर व्यवस्थित काम की शुरुआत 1917 से होती है, और यह अंततः 1921 में पूरा हुआ।
प्रोकोफ़िएव के संगीत के सर्वोत्तम गुण तीसरे कॉन्सर्टो में केंद्रित थे। इसमें प्रोकोफिव की शैली में कई ऊर्जावान गतिशील दबाव, ब्रावुरा मोटर कौशल, उद्देश्यपूर्ण मार्ग शामिल हैं। लेकिन संगीत कार्यक्रम में अपनी संपूर्ण भव्यता के साथ अभिव्यक्त कलाप्रवीण शुरुआत, बाकी को दबाते हुए अपने आप में अंत नहीं बन जाती है। कॉन्सर्टो अपनी आंतरिक सामग्री के लिए उल्लेखनीय है, विशेष रूप से गीतात्मक एपिसोड में, जहां प्रोकोफिव ने खुद को एक रूसी कलाकार के रूप में स्पष्ट रूप से दिखाया। अंत में, इस काम में, एक हर्षित नाटकीय प्रदर्शन, कॉमेडी डेल'आर्ट की तीव्र गति से बहुत कुछ आता है? उसके मुखौटे पात्रों के साथ. प्रोकोफिव की रचनात्मकता की यह पंक्ति, जिसे ओपेरा द लव फॉर थ्री ऑरेंजेस में इतनी स्पष्ट रूप से व्यक्त किया गया था, तीसरे कॉन्सर्टो में भी परिलक्षित हुई थी।
कॉन्सर्टो की मुख्य छवियां पहले आंदोलन की शुरुआत में ही दिखाई जाती हैं: परिचय की प्रबुद्ध धुन, प्रोकोफिव के उच्च रजिस्टर में विशिष्ट प्रस्थान के साथ, मुख्य भाग के अंशों के कुशल मोटर कौशल द्वारा उत्तर दी जाती है। यह कंट्रास्ट पहले भाग के लिए अग्रणी बन जाता है। लेकिन इसकी सीमा के भीतर रंगों की एक विस्तृत विविधता हासिल की गई है। पियानो मार्ग अब सीधे तौर पर आक्रामक लगते हैं, फिर अनुग्रह और सूक्ष्म तीक्ष्णता प्राप्त करते हैं। टोकाटा इंजेक्शन की धारा में, अलग-अलग एपिसोड क्रिस्टलीकृत हो जाते हैं, जहां प्रमुख मधुर छवियां दिखाई देती हैं। परिचय के विषय के साथ-साथ, एक गेय-शेर्ज़ो साइड थीम एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है, जिसकी अभिव्यंजक मधुर रेखा एक तेज स्टैकाटो मापा संगत की पृष्ठभूमि के खिलाफ अप्रत्याशित, कभी-कभी विचित्र मोड़ से संतृप्त होती है।
प्रोकोफ़िएव की रचनात्मकता के मोतियों में से एक दूसरा भाग था, जो परिवर्तनशील रूप में लिखा गया था। इसके विषय में, रूसी गीत से अन्तर्राष्ट्रीय रूप से दूर, कोई रूसी गोल नृत्य गीतों की कोमल कोमलता, गोल नृत्य की सहज गति को महसूस कर सकता है:

तीव्र विरोधाभास विषय के परिवर्तनशील विकास को अलग करते हैं। हिंसक और दिलेर विविधताएं, जैसे कि एक विदूषक नृत्य (FI), कोमल, स्वप्निल (IV) के साथ वैकल्पिक। सूक्ष्म पारदर्शी प्रस्तुति को एक शानदार कलाप्रवीण तकनीक, सप्तक के ऊर्जावान आंदोलन द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है। विविधताएँ विशेष रूप से बी. असफ़ीव के विचार की स्पष्ट रूप से पुष्टि करती हैं
"तीसरे कॉन्सर्टो की बनावट मेलोस के सहज ज्ञान युक्त आधार पर टिकी हुई है - संगीत की गतिशीलता का आधार" *।
कॉन्सर्टो के समापन में रूसी नृत्य का तत्व अपनी प्रारंभिक डायटोनिक थीम के साथ प्रबल होता है, जहां लोक नृत्य गीतों की स्वर-शैली को एक विशेष लयबद्ध तीखापन दिया जाता है। लेकिन यहां भी, आनंदमय सर्वज्ञता, जिसमें एक विलक्षण कॉमेडी की उथल-पुथल महसूस होती है, मध्य एपिसोड के व्यापक मधुर विषय से शुरू होती है।
तीसरे कॉन्सर्टो में, प्रोकोफ़िएव ने अपनी पियानो तकनीक को समृद्ध किया और वाद्ययंत्र की संभावनाओं का नए तरीके से उपयोग किया। साथ ही, कॉन्सर्टो दृढ़ता से विश्व पियानो साहित्य की परंपराओं पर आधारित है, जो रूसी राष्ट्रीय मूल को विनीज़ शास्त्रीय शैली के गुणों के साथ जोड़ता है। त्चिकोवस्की के पहले कॉन्सर्टो, राचमानिनॉफ के दूसरे और तीसरे कॉन्सर्टो के साथ, यह रूसी संगीतकारों के काम में इस शैली की सबसे बड़ी घटना से संबंधित है।
1930 के दशक की शुरुआत तक, बाद के दो पियानो संगीत कार्यक्रमों की रचना का समय आ गया। चौथा कॉन्सर्टो (1931) किसके द्वारा शुरू किया गया था? पियानोवादक विट्गेन्स्टाइन, जिन्होंने युद्ध में अपना दाहिना हाथ खो दिया। शैलीगत रूप से, यह संगीत कार्यक्रम 1930 के दशक की शुरुआत के कार्यों के करीब है, विशेष रूप से बैले द प्रोडिगल सन और द फोर्थ सिम्फनी। कलाकार की कलाप्रवीण क्षमताओं की एक महत्वपूर्ण सीमा के कारण, प्रोकोफ़िएव की पियानो कॉन्सर्टो शैली की विशिष्ट विशेषताओं को यहां अधिक मामूली पैमाने पर प्रस्तुत किया गया है। यहां अंशों का जीवंत संचालन फिर से कार्निवल-शेर्ज़ो एपिसोड, हार्दिक गीतों के पन्नों को रास्ता देता है। कॉन्सर्टो के दूसरे भाग की शुरुआत करने वाला गीतात्मक विषय इसकी प्रस्तुति की अद्भुत सादगी से अलग है। हालाँकि, यह संगीत कार्यक्रम कुछ विखंडन से रहित नहीं है। प्रोकोफ़िएव के अन्य संगीत कार्यक्रमों की तुलना में, उनकी विषयगत सामग्री कम ज्वलंत है।
बोल्स का पाँचवाँ महत्वपूर्ण हिस्सा था - प्रोकोफ़िएव द्वारा अंतिम पियानो संगीत कार्यक्रम। इस काम को एक कॉन्सर्ट-सूट कहा जा सकता है: इसमें पांच शैली-विशिष्ट भाग शामिल हैं, जो विषयगत सामग्री के तीव्र विरोधाभासों से संतृप्त हैं। पांचवें कॉन्सर्टो में एक बड़े स्थान पर रोमियो और जूलियट के कई टुकड़ों के करीब शेरज़ो-नृत्य छवियों का कब्जा है। कॉन्सर्ट के दूसरे भाग में सुंदर बैले नृत्य का तत्व हावी है, प्रतिनिधित्व करता है। प्रोकोफ़िएव के हास्य का एक ज्वलंत अवतार।
प्रोकोफ़िएव की अटूट आविष्कारशीलता पूरी तरह से विकसित, गुणी पियानो भाग में प्रकट हुई थी। डोएटा को समापन (पिउ ट्रैंक्विल 1o) से पूरे कीबोर्ड के मार्ग को सटीक रूप से याद है। जहां बायां हाथ दायें से आगे निकल जाता है। "पहले तो मैं कॉन्सर्ट को कठिन नहीं बनाना चाहता था और यहां तक ​​कि इसे "पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत" कहने का सुझाव भी दिया... लेकिन अंत में यह टुकड़ा बन गया
जटिल, एक ऐसी घटना जिसने इस अवधि के कई विरोधों में मुझे बुरी तरह परेशान किया। स्पष्टीकरण क्या है? मैं सादगी की तलाश में था, लेकिन सबसे ज्यादा मुझे डर था कि यह सादगी पुराने फॉर्मूलों की पुनरावृत्ति, "पुरानी सादगी" में न बदल जाए, जिसका नए संगीतकार के लिए बहुत कम उपयोग होता है। सादगी की तलाश में, मैंने निश्चित रूप से "नई सादगी" का अनुसरण किया, और फिर यह पता चला कि नई तकनीकों के साथ नई सादगी और, सबसे महत्वपूर्ण बात, नए स्वरों को बिल्कुल भी नहीं माना गया था। प्रोकोफ़िएव के इस आलोचनात्मक कथन से 1930 के दशक की शुरुआत में उनकी खोजों की दिशा का पता चलता है, जिससे पता चलता है कि शैली की नई गुणवत्ता प्राप्त करने के रास्ते कितने कठिन थे।
उन वर्षों में, प्रोकोफ़िएव के संगीत कार्यक्रमों के अलावा, इस क्षेत्र में सोवियत संगीतकारों द्वारा लगभग कुछ भी महत्वपूर्ण नहीं बनाया गया था। केवल ए. गेडिके का कंसर्टो फॉर ऑर्गन एंड ऑर्केस्ट्रा ही उल्लेख के योग्य है।
प्रोकोफ़िएव की रचनाएँ चैम्बर वाद्य रचनात्मकता में सबसे हड़ताली घटनाओं से संबंधित थीं। इस अवधि में पहली बार, उन्होंने चैम्बर वाद्ययंत्र पहनावा की शैली की ओर रुख किया, जिसने पहले उनका ध्यान आकर्षित नहीं किया था।
शहनाई, वायलिन, वायोला, सेलो और पियानो के लिए यहूदी थीम पर ओवरचर (1919) अपनी शैली की सादगी और रूप की शास्त्रीय पूर्णता के लिए उल्लेखनीय है। 1924 में, एक पाँच-भाग वाला पंचक लिखा गया था, जिसे प्रोकोफ़िएव ने अपनी रचनाओं में दूसरी सिम्फनी और पाँचवीं पियानो सोनाटा के साथ "सबसे रंगीन" में स्थान दिया था। यह अनुमान अब अतिरंजित लगता है; शैली में, पंचक, शायद, नवशास्त्रीय रेखा के करीब है, हालाँकि उस समय इसमें बहुत कट्टरपंथी साधनों का उपयोग किया गया था। वाशिंगटन में कांग्रेस के पुस्तकालय द्वारा नियुक्त प्रथम चौकड़ी (1930) में शास्त्रीय प्रवृत्तियाँ और भी स्पष्ट थीं। अंतिम एंडांटे सामने आता है, जिसमें, संगीतकार के अनुसार, इस रचना की सबसे महत्वपूर्ण सामग्री केंद्रित है।
सूचीबद्ध रचनाओं के सभी हित के साथ, प्रोकोफ़िएव के काम में चैम्बर वाद्ययंत्र पहनावा की शैली के विकास में एक विशिष्ट रेखा के बारे में बात करना अभी भी शायद ही वैध है। पियानो के लिए उनके संगीत ने बहुत अधिक "महत्वपूर्ण" स्थान पर कब्जा कर लिया।
1917 में, "फ्लीटिंग" चक्र पूरा हुआ, जिसका शीर्षक बाल्मोंट की एक कविता से पैदा हुआ था:
हर क्षणभंगुरता में मैं संसार देखता हूं।
परिवर्तनशील, इंद्रधनुषी खेल से भरपूर।
इस चक्र को बनाने वाले बीस लघुचित्र अत्यंत संक्षिप्त हैं - उनमें से कोई भी संगीत पाठ के दो या एक पृष्ठ से अधिक नहीं है। कई शुरुआती पियानो वादों की तुलना में, ये टुकड़े प्रस्तुति में अधिक ग्राफिक हैं, शानदार कॉन्सर्ट पोशाक से रहित हैं, और बनावट वाली ड्राइंग की सादगी से प्रतिष्ठित हैं। हालाँकि, उनकी भाषा, एक जटिल मोडल आधार पर आधारित, बोल्ड पूर्ण-हार्मोनिक संयोजन, सूक्ष्म पॉलीटोनल और पूर्ण-मोड प्रभावों का उपयोग करती है। प्रत्येक टुकड़े की एक शैली पहचान होती है: मोटर-टोकाटा, शेरज़ो या नृत्य लघुचित्रों के साथ वैकल्पिक रूप से मर्मज्ञ गीतात्मक रेखाचित्र . लैकोनिक स्ट्रोक या थ्रो-अप उज्ज्वल चित्र हैं, कभी-कभी सचित्र "सुरम्यता" से रहित नहीं होते हैं।
चक्र "टेल्स ऑफ़ ए ओल्ड ग्रैंडमदर" (1918) भाषा में और भी सरल है, रूसी गोदाम की धुनों से भरपूर, बोरोडिन के पियानो काम की परंपराओं के करीब है। नियोक्लासिकल लाइन को फोर पीसेस ऑप द्वारा दर्शाया गया है। 32 (1918), जिनमें से सामग्री की चमक और फिस-मोल गावोटे फॉर्म की विशुद्ध रूप से प्रोकोफिव "फोल्डिंग" के लिए जाना जाता है। बाद के टुकड़ों में से, दो "थिंग्स इन सेल्फ" (1928) को नोट किया जा सकता है, साथ ही दो सोनाटिनास ऑप को भी नोट किया जा सकता है। 54, 1932 में लिखा गया।
1920 के दशक में प्रोकोफ़िएव की सबसे महत्वपूर्ण एकल पियानो रचना बड़ी तीन-भाग वाली पाँचवीं सोनाटा (1923) थी। इसका मुख्य विषय "नई सादगी" के सबसे उज्ज्वल अवतारों में से एक है, जो बाद में प्रोकोफ़िएव के काम का मुख्य लेटमोटिफ़ बन जाएगा:

स्पष्ट प्रमुख, सरल त्रिक, मामूली प्रस्तुति अद्वितीय मौलिकता की विशेषताओं के साथ संयुक्त हैं। संगीतकार की रचनात्मक शैली माधुर्य के प्रवाह की विशेष सहजता में स्पष्ट रूप से दिखाई देती है, जो अप्रत्याशित मोड़ों, नरम-ध्वनि वाली छलांगों के साथ-साथ विशिष्ट बदलावों से संतृप्त होती है जो एक ही नाम के नाबालिग के चरणों का परिचय देती है।
आगे के विकास में, अधिक जटिल, यहां तक ​​कि परिष्कृत तकनीकें भी काम में आती हैं। विषय के स्वर धीरे-धीरे तीव्र होते जा रहे हैं, जिसमें हार्मोनिक बहुस्वरता के साधन महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं। विकास के अंत तक पहुंचा तनाव, पुनरावृत्ति में प्रकट होता है, जहां विषय अपने मूल स्वरूप में आ जाता है।
सोनाटा का मध्य भाग गीतात्मक केंद्र और शेरज़ो के गुणों को जोड़ता है। तीन-आठवें आकार में तारों के आयामी दोहराव की पृष्ठभूमि के खिलाफ, एक संगीत सामने आता है, जिसके सूक्ष्म मोड़ हाइलाइट्स के खेल या अरबियों की सनकी ब्रेडिंग के समान होते हैं। गतिशील समापन में प्रोकोफिव के मोटर-टोकाटा संगीत की विशिष्ट छवियों का वर्चस्व है, जो सामान्य चरमोत्कर्ष की ओर अपनी विशिष्ट ताकत के साथ है। साथ ही, सोनाटा के तीसरे भाग में हल्कापन है, जो विनीज़ शास्त्रीय शैली के अंतिम रोंडो की याद दिलाता है।
पांचवें सोनाटा ने प्रोकोफ़िएव के संगीत की नवशास्त्रीय प्रवृत्तियों को स्पष्ट रूप से व्यक्त किया: प्रस्तुति की ग्राफिक पारसीमोनी, मधुर पैटर्न और बनावट की स्पष्टता, और अंशों की सुंदरता। कई मायनों में, उन्होंने 40 के दशक की शुरुआत में बनाई गई प्रसिद्ध सोनाटा "ट्रायड" की शैली का अनुमान लगाया।
समग्र रूप से 1920 के दशक की चैम्बर वाद्य रचनात्मकता एक बहुत ही विषम और विविध चित्र है, इसलिए यहां अग्रणी, परिभाषित पंक्तियों को स्थापित करना बहुत मुश्किल है।
स्ट्रिंग चौकड़ी के क्षेत्र में, संगीतकारों की पुरानी पीढ़ी ने रूसी चैम्बर वाद्ययंत्र कलाकारों की टुकड़ी की शास्त्रीय परंपरा को जारी रखा। ये ग्लेज़ुनोव की दो चौकियाँ हैं - छठी और सातवीं (1921 और 1930)। उनमें से दोनों (विशेष रूप से सातवें) एक कार्यक्रम सूट की शैली के करीब आते हैं: संगीत को अभिव्यक्ति की महान संक्षिप्तता की विशेषता है (व्यक्तिगत भागों के नाम हैं)। चैम्बर शैली की सीमाओं को आगे बढ़ाने, चौकड़ी को सहानुभूति देने की संगीतकार की स्पष्ट इच्छा पर ध्यान दिया जाना चाहिए। इस संबंध में विशेष रूप से सांकेतिक सातवीं चौकड़ी का समापन है - "रूसी अवकाश"।
महान परिपक्वता और कौशल का उत्पाद आर. ग्लेयर की तीसरी चौकड़ी है।
एक। अलेक्जेंड्रोव, वी. नेचैव, वी. शेबालिन ने अपनी प्रारंभिक चौकड़ी में खुद को "मॉस्को स्कूल" के योग्य प्रतिनिधि के रूप में दिखाया, जिसने तानेयेव परंपरा को अपनाया और विकसित किया। पहली चौकड़ी एन. अलेक्जेंड्रोवा (1921) 1914 में बनाए गए एक काम का पुनर्मूल्यांकन था। यह चैम्बर शैली को सशक्त बनाने की उसी प्रवृत्ति को दर्शाता है जिसे हमने ग्लेज़ुनोव की चौकड़ी में देखा था। यह न केवल काम के पैमाने में, ध्वनि की समृद्धि में, बल्कि तुलना की गई छवियों के विपरीत में भी महसूस किया जाता है, जिसका एक उदाहरण एंडांटे एफेटुओसो का तीसरा भाग है: हल्के, दयनीय पहले भाग की तुलना की जाती है दूसरे की दुखद विस्मयादिबोधक प्रकृति, अधिक बार एक अभिव्यंजक ओस्टिनैटो लयबद्ध आकृति की पृष्ठभूमि के खिलाफ। ll<>चौकड़ी में हल्के गीतात्मक स्वर प्रबल होते हैं। "स्नो मेडेन" स्वरों के साथ पहला विषय पूरे कार्य की उपस्थिति निर्धारित करता है
संगीतकार के रूप में एक उल्लेखनीय शुरुआत वी. नेचैव चौकड़ी (एनआईएम) थी, जिसने लेखक को न केवल देश में, बल्कि विदेशों में भी प्रसिद्धि दिलाई। यह कार्य एक-भाग वाला है और एक प्रकार की "चौकड़ी-कविता" है, जिसमें स्पष्ट रूप से विपरीत विषय-वस्तुएं विकसित की गई हैं और कुछ मामलों में एक-भाग रचना के भीतर एक स्वतंत्र भाग के आकार तक विकसित की गई हैं।
वी. शेबालिन की पहली चौकड़ी - बाद में इस शैली के महान गुरु - 1923 में लिखी गई थी (जब लेखक अभी भी मॉस्को कंज़र्वेटरी में एक छात्र था)। चौकड़ी ने तुरंत संगीतमय माहौल का ध्यान युवा संगीतकार की ओर आकर्षित किया। चौकड़ी का संगीत युवा ताजगी का संचार करता है और साथ ही इसमें पर्याप्त परिपक्वता और कौशल भी है। यह पहले से ही शेबलिन की वाद्य शैली की विशिष्ट विशेषताओं को अलग करता है: पॉलीफोनी (फिनाले के कोड में विषयों का फुगाटो और कंट्रापंटल संयोजन) के लिए एक रुचि, विषयगत सामग्री को दोहराकर चक्र के कुछ हिस्सों के संयोजन के लिए, प्राकृतिक मोड का उपयोग करने के लिए (साइड भाग का) समापन).
संगीतकार की व्यक्तिगत शैली को विषय में भी महसूस किया जाता है - बहुत स्पष्ट और प्लास्टिक, लेकिन अप्रत्याशित "मोड़" के साथ जो संगीत विचार को अधिक "दृढ़" और यादगार बनाता है। उदाहरण के लिए, यह पहले आंदोलन का मुख्य विषय है:

चौकड़ी के रूप की पूर्णता, इसकी संक्षिप्तता (चौकड़ी में तीन भाग होते हैं, और तीसरा शेरज़ो और समापन की विशेषताओं को जोड़ता है) शेबालिन चौकड़ी को 20 के दशक के सर्वश्रेष्ठ कक्ष कार्यों में से एक मानना ​​​​संभव बनाता है .
1920 के दशक की चैम्बर संगीत संवेदनाओं में से एक लेनिनग्राद से जी. पोपोव का सेप्टेट (बांसुरी, शहनाई, बैसून, तुरही, वायलिन, सेलो और डबल बास के लिए) था। यह कार्य, सशक्त रूप से प्रयोगात्मक, विरोधाभासी तत्वों के बिंदु के विपरीत की तुलना पर आधारित है। रूसी में, पहले भाग का मधुर विषय (मोडेरेटो कैनलैबाइल) दूसरे के तीव्र, मोटर विषयों, नाटकीय लार्गो - एक रचनात्मक, कठिन समापन के साथ विपरीत है। इस कार्य की सबसे आकर्षक विशेषता रूप की भावना है, जिसे "रूप-प्रक्रिया" के रूप में समझा जाता है, संगीत विषयों में निहित लयबद्ध ऊर्जा के विकास के रूप में।
1920 के दशक के पियानो संगीत में, बेहद भिन्न, यहाँ तक कि विपरीत, प्रवृत्तियाँ सह-अस्तित्व में हैं, जिनमें से दो को सबसे अधिक दृढ़ता से महसूस किया जाता है। पहला स्क्रिपियन की पियानो रचनात्मकता की पंक्ति की निरंतरता है: आइए इसे सशर्त रूप से "रोमांटिक" प्रवृत्ति कहें। दूसरी प्रवृत्ति, स्पष्ट रूप से और जोरदार रूप से एंटी-रोमांटिक, 1920 के दशक के उत्तरार्ध में महसूस की जाने लगी, जब पश्चिमी "नवीनताएँ" और, विशेष रूप से, संगीतकारों के काम, जिन्होंने उन वर्षों में संगीत में रूमानियत और प्रभाववाद का विरोध किया, घुसना शुरू कर दिया। मॉस्को और विशेष रूप से लेनिनग्राद के संगीत कार्यक्रम में। (फ़्रेंच "छह", हिंडेमिथ, आदि)।
सोवियत संगीतकारों के काम में स्क्रिबिन का प्रभाव अलग-अलग तरीकों से अपवर्तित हुआ। मायस्कॉव्स्की, फीनबर्ग, एन के पियानो सोनाटा में इसका बहुत ही ध्यान देने योग्य प्रभाव था। अलेक्जेंड्रोव, जैसा कि विकास की एकल गहन रेखा (उस समय के कई सोनाटा एकल-आंदोलन हैं), विशिष्ट बनावट, परिष्कृत और तंत्रिका लय, विशिष्ट "स्क्राइबपिज्म" के साथ एक पियानो कविता के रूप में सोग्गागा शैली की व्याख्या से प्रमाणित है। सद्भाव।
मायस्कॉव्स्की का तीसरा और चौथा सोनाटा (दोनों सी माइनर में) उनकी छठी सिम्फनी के करीब एक दुखद अवधारणा पर आधारित हैं। यह निकटता तीसरे सोनाटा (एक-आंदोलन) में विशेष रूप से स्पष्ट रूप से महसूस की जाती है - तीव्र, प्रयासरत। लेकिन आवेग अपने लक्ष्य तक नहीं पहुंचता, और लगातार बढ़ते तनाव का समाधान नहीं होता; यह सिम्फनी से इसका अंतर है, जिसमें, जैसा कि ऊपर बताया गया है, प्रकाश, गीतात्मक छवियों का बहुत महत्व है। गीतात्मक छवि तीसरा! सोनाटास (पार्श्व भाग) केवल एक क्षणभंगुर ज्ञान है।
चौथा सोनाटा स्मारकीय चार-आंदोलन चक्र के पैमाने और छवियों की सीमा की चौड़ाई के संदर्भ में वास्तव में सिम्फोनिक है। सोवियत शोधकर्ता ने सोनाटा के पहले भाग के "बीथोवियनवाद" को सही ढंग से इंगित किया, जो लगभग बीथोवेन के सोनाटा ऑप के एक उद्धरण से शुरू होता है। 111 . नाटकीय पहला आंदोलन, सख्त और गंभीर सरबंदे, "पेरपेटुम मोबाइल" प्रकार का समापन - यह इस सोनाटा की "क्लासिक" उपस्थिति है। जैसा कि अक्सर मायस्कॉव्स्की की सिम्फनी में होता है, चक्र को केंद्रीय छवियों में से एक की पुनरावृत्ति द्वारा एक साथ रखा जाता है: समापन में, पहले आंदोलन का एक पार्श्व भाग होता है।
स्क्रिपियन का प्रभाव, शायद, एस. फीनबर्ग के पियानो कार्य में सबसे अधिक ध्यान देने योग्य था। सबसे जटिल बनावट, विचित्र लय, गति में बार-बार बदलाव और गति की प्रकृति - यह सब उनके पियानो कार्यों (सोनाटा सहित) को सुधार की विशेषताएं देगा, लेखक की व्याख्या में आकर्षक, लेकिन अन्य कलाकारों के लिए भारी कठिनाइयां पैदा करेगा। 1920 के दशक में फीनबर्ग के काम की विशेषता उनकी छठी सोनाटा (1923) है। इसकी शुरुआत एक पुरालेख विषय से होती है - घड़ी की बारह धड़कनें। यह प्रतीकवाद काफी स्पष्ट है: विश्व ऐतिहासिक प्रलय का विषय, जिसने उन वर्षों में कई कलाकारों को चिंतित किया था, यहां परिलक्षित हुआ था। लेकिन इसकी व्याख्या अमूर्त और निराशाजनक व्यक्तिपरक तरीके से की जाती है। परिचय में घड़ी की आवाज़, एलेग्रो की विद्रोही और बेचैन छवियां, अंतिम शोक प्रकरण - यह सब दुर्जेय दुखद संघों को उद्घाटित करता है।
छवियों का एक अलग चक्र एन के चौथे सोनाटा का आधार है। अलेक्जेंड्रोव, जिसमें नाटकीय और कभी-कभी दुखद, गीतात्मक और गंभीर छवियों की तुलना की जाती है। कार्य की विशेषता "व्यापक श्वास", विषयों का मुक्त और उज्ज्वल विकास है। सोनाटा की नाटकीयता पारंपरिक नहीं है: नाटकीय, भावुक पहले भाग से, जिसका मुख्य विषय कोडा में एक विजयी गान में बदल जाता है, गीतात्मक रूप से विचारशील दूसरे भाग से दुखद समापन तक (उसी नाम की छोटी कुंजी में) , जो कि एक दुर्लभ मामला है)। समापन गान के विषय की एक नई और और भी अधिक गंभीर प्रस्तुति के साथ समाप्त होता है। इस प्रकार, इस कार्य में, एन के कार्य की विशेषता है। जीवन के आनंद का अलेक्जेंड्रोव विषय। सोनाटा में, वह अलेक्जेंड्रिया के गीतों की तुलना में अधिक उज्ज्वल, अधिक साहसी लग रही थी, उनके अंतर्निहित आत्मनिर्भर सुखवाद के बिना।
मायस्कॉव्स्की, फीनबर्ग और अलेक्जेंड्रोव के सोनाटा में सभी अंतरों के बावजूद, उनमें कुछ ऐसा है जो एकजुट करता है और सोवियत चैम्बर संगीत की पूरी प्रवृत्ति की खासियत है। यह सोनाटा शैली की एक बड़े पैमाने के तनावपूर्ण नाटकीय रूप के रूप में समझ है, एक संगीत कथन की अभिव्यंजक "सुधार" है, जिसके लिए कलाकार को पूरी तरह से विलय करने की आवश्यकता होती है और, जैसा कि यह था, के लेखक के साथ "पहचान" काम। जो चीज उन्हें एकजुट करती है वह है "अनसुने परिवर्तनों" के समय की लय को प्रतिबिंबित करने की इच्छा, हालांकि बहुत ही व्यक्तिपरक रूप में व्यक्त की गई है। यह वह है (और न केवल रूप या सामंजस्य की व्यक्तिगत विशेषताएं) जो कि पियानो सोनाटा को स्क्रिपियन के काम से संबंधित बनाती है और, अधिक व्यापक रूप से, रोमांटिक सोनाटा की संपूर्ण परंपरा से संबंधित है, जिसे स्क्रिपियन के काम में इस तरह का व्यक्तिगत रूप से ज्वलंत कार्यान्वयन प्राप्त हुआ है। .
एक अलग और यहां तक ​​कि विपरीत दिशा में, युवा संगीतकारों का काम विकसित हुआ, जो पश्चिमी पियानो संगीत की नवीनता से प्रभावित थे, जो सबसे पहले हम तक पहुंचे।
सोवियत संगीत में, रोमांटिक-विरोधी प्रवृत्ति ने कलात्मक रूप से मूल्यवान कुछ भी उत्पन्न नहीं किया। यह अलग-अलग तरीकों से प्रकट हुआ। पियानो संगीत में "औद्योगिक" छवियों को प्रतिबिंबित करने के कुछ संगीतकारों के प्रयास आमतौर पर सरल ओनोमेटोपोइया (वी. डेशेवोव द्वारा "रेल") तक सीमित हो गए। एन. रोस्लावेट्स द्वारा "संगीत बनाने" का सिद्धांत, जो जानबूझकर गैर-पियानो, ग्राफिक बनावट और कठोर सामंजस्य की तलाश में था, ने कोई रचनात्मक परिणाम नहीं दिया।
हम इन गुणों को कई युवा लेखकों में भी पाते हैं जिन्होंने 1920 के दशक में अपना काम शुरू किया था (ए. मोसोलोव, एल. पोलोविंकिन)। उन वर्षों में पोलोवनिकिन को अत्यधिक विलक्षणता की विशेषता थी, जो उनके नाटकों के शीर्षकों में भी प्रकट हुई थी। घटनाएँ, विद्युतीकरण, द लास्ट सोनाटा।
हालाँकि, कभी-कभी, चौंकाने वाले "शहरी" नामों के तहत, सामान्य तौर पर, बल्कि सामंजस्यपूर्ण और समृद्ध संगीत छिपा होता था। उदाहरण के लिए, पोलोविंकिन, ऑप द्वारा पियानो के टुकड़े ऐसे हैं। 9 ("एलेगी", "इलेक्ट्रिफ़िकैट", "नियोटव्याज़्नो")। समझ से परे शीर्षक "इलेक्ट्रिफ़िकैट" फ़ॉक्सट्रॉट या रैगटाइम की लय में संगीत और प्रदर्शन तकनीक दोनों के बजाय एक सरल टुकड़े से संबंधित है।
शोस्ताकोविच की एफ़ोरिज़्म (ऑप. 13) रोमांटिक-विरोधी प्रवृत्ति का सबसे शुद्ध उदाहरण है। अपने कार्यों को पियानो के टुकड़ों के लिए पारंपरिक कार्यक्रम नाम ("रीसिटेटिव", "सेरेनेड", "नोक्टर्न", "एलेगी", "फ्यूनरल मार्च", कैनन", "लीजेंड", "लोरी") देने के बाद, संगीतकार जानबूझकर अप्रत्याशित रूप से उनकी व्याख्या करता है। , असामान्य (यह बहुत ज़ोरदार और किसी भी तरह से गीतात्मक "नोक्टर्न" नहीं है)। शोस्ताकोविच अपने एफ़ोरिज़्म में विचित्र, टूटी हुई मधुर चालों, रैखिक रूप से विकसित होने वाली आवाज़ों की कठोर टक्करों का उपयोग करते हैं। कई नाटकों में, यहां तक ​​कि स्वर की भावना भी गायब हो जाती है, संगीतकार इसकी इतनी स्वतंत्र रूप से व्याख्या करता है। प्रत्येक टुकड़ा, संक्षेप में, कुछ औपचारिक समस्या का समाधान है, जो संगीतकार के लिए रुचिकर है, लेकिन, जाहिर तौर पर, श्रोता की प्रत्यक्ष धारणा के लिए डिज़ाइन नहीं किया गया है।
सबसे उदाहरणात्मक उदाहरण इस चक्र का नंबर 8 है, जो एक जटिल "ऊर्ध्वाधर और क्षैतिज रूप से चलने योग्य काउंटरपॉइंट में आवाज परिचय के बहुत ही अपरंपरागत अंतराल (निचले अंडशमलव और ऊपरी सेकंड) के साथ एक तीन आवाज वाला कैनन है। सबसे कठिन कार्य ने प्रस्तुति के तरीके को भी निर्धारित किया: प्रत्येक आवाज की मधुर रेखा कोणीय होती है, जो विरामों से टूट जाती है (जिसके बिना आवाजों का तेज संयोजन और भी अधिक कठोर लगता)। कुल मिलाकर, यह टुकड़ा उस चीज़ का एक उदाहरण है जिसे आमतौर पर "आंखों के लिए संगीत" कहा जाता है। और चक्र के केवल एक एपिसोड में - "लोरी" - संगीतकार सरल और स्पष्ट भाषा में बोलता है।
1920 के दशक की अधिकांश पियानो रचनाओं को कॉन्सर्ट अभ्यास में संरक्षित नहीं किया गया है, इस तथ्य के बावजूद कि उनमें से कुछ (मायास्कोव्स्की के तीसरे और चौथे सोनाटा, अलेक्जेंड्रोव के चौथे सोनाटा) को बाद में लेखकों द्वारा संशोधित किया गया था। श्रोताओं के जनसमूह की संगीत चेतना या तो "रोमांटिक" दिशा के व्यक्तिपरक रूप से रंगीन दुखद पथों से, या "एंटी-रोमांटिक्स" के तर्कसंगत निर्माणों से अप्रभावित रही। अभिव्यक्ति का एक अलग तरीका और अन्य माध्यम ढूंढना जरूरी था. सबसे बड़ी कठिनाई विषयवाद की समस्या द्वारा प्रस्तुत की गई, जो दोनों दिशाओं के लिए समान रूप से कठिन है। "स्क्रैपर्स" के बीच विषयवाद की अभिव्यक्ति को अक्सर एगॉगिक्स की अभिव्यक्ति से बदल दिया गया था; ऊपर उल्लिखित रचनावादी प्रयोगों में, विषय अत्यंत शुष्क और अस्पष्ट था।
1920 के दशक के कार्य कहीं अधिक महत्वपूर्ण थे, जो सीधे तौर पर लोक गीतों, रोजमर्रा की शैलियों या शास्त्रीय संगीत में उनके कार्यान्वयन से जुड़े थे। उदाहरण के लिए, हमारे मन में मायस्कॉव्स्की के पियानो लघुचित्र "व्हिम्स", "येलोड पेज", "यादें" के चक्र हैं। इनमें से दूसरा चक्र प्रदर्शन और शैक्षणिक अभ्यास में विशेष रूप से मजबूती से स्थापित हो गया है।
लेखक ने इन टुकड़ों को "सरल छोटी चीजें" कहा है, और इन्हें निष्पादित करना और समझना वास्तव में बहुत आसान है। हालाँकि, यहाँ विचार का कोई सरलीकरण नहीं है। "येलोड पेजेस" में हमें 1920 के दशक की मायस्कॉव्स्की की सिम्फनी की छवियों के समान कई थीम-छवियां मिलती हैं, लेकिन "निष्पक्षता" के साथ व्यक्त की जाती है जिसे संगीतकार ने अपने काम में इतनी तीव्रता से खोजा था। यहां हमें मायस्कॉव्स्की का एक विशिष्ट विषय मिलेगा, जो एक निरंतर, हताश अपील की तरह लगता है जो अनुत्तरित रहता है (नंबर जी), और एक घोषणात्मक गोदाम के विषय (वीके "1 का मध्य भाग, की 2 का मुख्य विषय) , और पांचवीं और छठी सिम्फनी (मुख्य थीम नंबर 1, मध्य आंदोलन और कोडा नंबर 6) की गीतात्मक छवियों के करीब मधुर मधुर विषय।
इन पियानो टुकड़ों में, मायस्कॉव्स्की का अपने शिक्षकों, विशेषकर ल्याडोव के काम के साथ क्रमिक संबंध स्पष्ट रूप से महसूस किया जाता है। इस प्रकार, उदाहरण के लिए, द येलोएड पेजेज़ के सातवें टुकड़े का कठोर महाकाव्य चरित्र सीधे ल्याडोव के गीत "अबाउट एंटिकिटी" से मिलता जुलता है, और पाँचवाँ टुकड़ा "ऑर्केस्ट्रा के लिए आठ गाने" के "लोरी" के बहुत करीब है। यह टुकड़ा लोक गीत सिद्धांतों के अत्यधिक व्यक्तिगत कार्यान्वयन के उदाहरण के रूप में काम कर सकता है। इसमें लोक लोरी के साथ एक स्पष्ट रूप से बोधगम्य संबंध है, और साथ ही, हमें किसी भी संभावित प्रोटोटाइप में बिल्कुल ऐसे स्वर नहीं मिलेंगे। लोरी गीतों की विशेषता वाले मंत्र, जैसे कि, "फैले हुए" होते हैं, विस्तारित होते हैं, जो माधुर्य को अधिक पारदर्शी और विशेष रूप से वाद्य ध्वनि देता है।
यह ध्यान रखना महत्वपूर्ण है कि ऐसी छवियां न केवल अधिक व्यक्तिगत प्रकृति की छवियों के साथ मौजूद होती हैं, बल्कि उन्हें प्रभावित भी करती हैं, जिससे उन्हें अभिव्यक्ति की अधिक निष्पक्षता मिलती है।
रूप की स्पष्टता और पूर्णता, टेम्पो छवियों की राहत और अभिव्यक्ति मायस्कॉव्स्की के चक्र को 1920 के दशक की सर्वश्रेष्ठ पियानो रचनाओं में शामिल करना संभव बनाती है।

17वीं शताब्दी की शुरुआत तक, वियना यूरोप के सबसे बड़े संगीत केंद्रों में से एक बन गया। इतालवी, चेक, पोलिश, जर्मन और फिर रूसी संस्कृतियों के साथ संबंधों ने ऑस्ट्रियाई संगीत को एक विशेष स्वाद दिया, झुके हुए तारों की कला का प्रदर्शन किया। 17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में वियना क्लासिकल स्कूल का उद्भव सामान्य रूप से यूरोपीय कला में सबसे महत्वपूर्ण प्रवृत्ति बन गया। लोक परंपराओं को उनके विकास की पर्याप्त गुंजाइश मिली। संगीत का क्षेत्र संगीत और नृत्य, जुलूस - कार्निवल, सड़कों पर सेरेनेड, चौराहों पर शानदार अदालती प्रदर्शन, थिएटरों के साथ एक नाटकीय प्रदर्शन है। "स्कूल ओपेरा" अत्यधिक लोकप्रियता प्राप्त कर रहे हैं, मठ और कैथेड्रल रहस्यों और धार्मिक ओपेरा के उत्पादन में प्रतिस्पर्धा करते हैं। समाज के विभिन्न स्तरों में संगीत का इतना सर्वव्यापी, व्यापक वितरण किसी अन्य देश में समान विकास प्राप्त नहीं हुआ है।

तार वाले वाद्ययंत्रों में वायलिन और वायोला सबसे लोकप्रिय थे। ऑस्ट्रिया में व्यावसायिक संगीत शिक्षा के शुरुआती केंद्र विश्वविद्यालय, अदालत और चर्च चैपल थे। यूरोप में सबसे अच्छे चैपलों में से एक वियना में हैब्सबर्ग कोर्ट चैपल था (इतालवी संगीतकार एंटोनियो सालिएरी इस चैपल के नेताओं में से एक हैं)। अन्य शहरों में चैपल हैं। लियोपोल्ड और वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट के नाम साल्ज़बर्ग चैपल से जुड़े हुए हैं।

17वीं शताब्दी के ऑस्ट्रियाई वाद्य संगीत में मुख्य शैलियाँ वाद्य सूट, कंसर्टो ग्रोसो, तिकड़ी सोनाटा शैली हैं।

जोहान हेनरिक श्मेल्ज़र (1623 - 1680)ऑस्ट्रियाई वायलिन वादक और संगीतकार। उनका नाम एक नए प्रकार के वायलिन वादक के उद्भव से जुड़ा है - एक गुणी एकल वादक। वह ऑस्ट्रिया में तिकड़ी सोनाटा की इतालवी परंपराओं को विकसित करने वाले पहले लोगों में से एक थे। श्मेल्ज़र का सबसे महत्वपूर्ण काम छह सोनाटा का संग्रह है, जहां वह दोहरे नोट्स और पॉलीफोनिक वादन की जटिल तकनीकों का उपयोग करता है।

हेनरिक बीबर (1644 - 1704)- ऑस्ट्रियाई वायलिन वादक और संगीतकार, श्मेल्ज़र के छात्र और अनुयायी। 17वीं सदी के वायलिन कला के सबसे बड़े उस्ताद। कई कार्यों में से, सबसे मूल्यवान 15 वायलिन सोनाटा (प्रोग्राम वाले सहित) का चक्र है, जो स्कोर्डेटुरा, डबल नोट्स और कलाप्रवीण व्यक्ति वायलिन तकनीक की अन्य तकनीकों का उपयोग करता है। बीबर कोकिला, कोयल, मुर्गा, बटेर के गायन के साथ-साथ मेंढक, मुर्गी, बिल्ली के रोने की नकल करके ओनोमेटोपोइक प्रभावों को श्रद्धांजलि देता है। वायलिन सोलो के लिए पासाकाग्लिया 17वीं शताब्दी की वायलिन तकनीक का एक विश्वकोश है।

कार्ल डिटर्सडॉर्फ़ (1739 - 1799)- XVIII सदी के उत्कृष्ट ऑस्ट्रियाई वायलिन वादकों और संगीतकारों में से एक। उनकी प्रदर्शन कला का स्तर असामान्य रूप से ऊँचा था। उन्होंने चौदह वायलिन संगीत कार्यक्रम, दो वायलिन और सेलो के लिए बारह डायवर्टिसमेंट, कई सिम्फनी, चैम्बर और ओपेरा संगीत बनाए। जे हेडन के साथ, वह एकल वायलिन के साथ शास्त्रीय चौकड़ी शैली के निर्माता बन गए।

वियना की संगीत संस्कृति ने जे. हेडन और डब्ल्यू. ए. मोजार्ट के काम में शास्त्रीय शैली के उद्भव के लिए आवश्यक शर्तें तैयार कीं।

जोसेफ़ हेडन (1732 - 1809)- उन संगीतकारों में से एक जिनके काम में वायलिन एक नए तरीके से बजता था। हेडन के लिए वायलिन उनके पसंदीदा वाद्ययंत्रों में से एक है। हेडन ने विभिन्न शैलियों और रूपों में संगीत लिखा, लेकिन हेडन का मुख्य महत्व वाद्य संगीत (सिम्फोनिक और चैम्बर) के विकास में है। उन्होंने बड़ी संख्या में रचनाएँ लिखीं, जिनमें नौ वायलिन कॉन्सर्टो (चार बचे हुए), बारह वायलिन सोनाटा, वायलिन और वायोला के लिए छह युगल, अस्सी से अधिक स्ट्रिंग चौकड़ी, तिकड़ी, डायवर्टिसमेंट और अन्य चैम्बर कार्य शामिल हैं। उनकी सिम्फनी में, अग्रणी भूमिका पहले वायलिन द्वारा निभाई जाती है, जिसे लगभग सभी विषयगत सामग्री सौंपी जाती है।

उनके प्रारंभिक सोनाटा, चौकड़ी और संगीत कार्यक्रम वीरतापूर्ण शैली और तकनीक के उत्कृष्ट उदाहरण हैं। रोकोको तत्व हेडन के मिनुएट्स में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट होते हैं, जिन्हें मोजार्ट में भी नोट किया जा सकता है।

चौकड़ी.चौकड़ी संगीत की शैली में, हेडन ने सिम्फोनिक संगीत के समान ही भूमिका निभाई, अर्थात वह इस शैली के संस्थापकों में से एक थे। हेडन ने अपने पूरे करियर में चौकड़ी लिखी, लेकिन उनमें से सर्वश्रेष्ठ 80 और 90 के दशक की हैं।

हेडन की चौकड़ी घरेलू संगीत-निर्माण से विकसित हुई, जिसमें चौकड़ी बजाना बेहद आम था। हालाँकि, संगीत सामग्री की गहराई और चमक के साथ-साथ रूप की पूर्णता के लिए धन्यवाद, हेडन की चौकड़ी घरेलू संगीत जीवन के संकीर्ण ढांचे से परे चली गई है, और संगीत कार्यक्रम जीवन में एक आवश्यक भूमिका निभाती है।

उनके पास अब तथाकथित "वीरतापूर्ण" शैली की बाहरी सजावट, सैलून संगीत का सजावटी वैभव नहीं है। लोक-नृत्य और लोक-गीत की धुनों की सादगी उनमें स्वरों के कंट्रापंटल प्लेक्सस और रूप की पूर्णता की उल्लेखनीय महारत के साथ संयुक्त है। कई चौकियों की चमचमाती मस्ती, उत्साह और लोक हास्य ने रूढ़िवादी आलोचकों के नकारात्मक रवैये को भी जन्म दिया, जिन्होंने हेडन की चौकड़ी में "की गरिमा का अपमान" देखा।

संगीत", "लाड़-प्यार"। लेकिन न केवल हर्षित उत्साह हेडन के चैम्बर संगीत की विशेषता है। उनकी चौकड़ी में, मनोदशाओं और भावनाओं का क्रम अलग-अलग होता है - हल्के गीतों से लेकर शोकपूर्ण, यहां तक ​​कि दुखद भावनाओं तक।

चौकड़ी में, हेडन का नवाचार कभी-कभी सिम्फनी की तुलना में और भी अधिक साहसी होता है। ऊपरी स्वर के रूप में पहले वायलिन की अग्रणी भूमिका के बावजूद, सभी चार वाद्ययंत्र समूह की समग्र बनावट में एक स्वतंत्र भूमिका निभाते हैं। कई कार्यों में, विषयों के द्वितीयक कार्यान्वयन और उनके विकास के दौरान, सभी चार उपकरणों को पेश किया जाता है, जो काफी सक्रिय भूमिका निभाते हैं। यह चौकड़ी की बनावट को होमोफोनिक-हार्मोनिक आधार पर एक विशिष्ट पॉलीफोनी देता है, पूरे संगीतमय ताने-बाने को मोबाइल बनाता है। अपनी चौकड़ी में, हेडन भी स्वेच्छा से विशेष रूप से पॉलीफोनिक रूपों का उपयोग करता है। इस प्रकार, फ्यूग्यू कभी-कभी चौकड़ी में समाप्त हो जाते हैं। यह व्यापक रूप से माना जाता है कि बीथोवेन अपने अंतिम कार्यों में फ्यूग्यू को चौकड़ी शैली में पेश करने वाले पहले व्यक्ति थे। लेकिन, जाहिरा तौर पर, हेडन ने बीथोवेन से पहले ऐसा किया था!

उनकी कुछ चौकड़ियों में, मध्य भागों को पुनर्व्यवस्थित किया गया है, अर्थात, मीनू दूसरा है (और तीसरा भाग नहीं, जैसा कि प्रथागत था), और समापन से पहले, धीमा भाग तीसरे स्थान पर है। मध्य भागों के क्रम में ऐसा परिवर्तन चक्र के चरम भागों की प्रकृति और चक्रीय रूप में अंतर्निहित विरोधाभास के सिद्धांत से संबंधित रचनात्मक विचारों के कारण होता है। सिम्फनी की शैली में, दो मध्य आंदोलनों की पुनर्व्यवस्था पहली बार बीथोवेन की नौवीं सिम्फनी में की गई थी।

इसके अलावा, 1781 के "रूसी" चौकड़ी में (ये चौकड़ी रूसी ग्रैंड ड्यूक पॉल, जो उस समय सिंहासन के उत्तराधिकारी थे) को समर्पित थी, हेडन ने एक मिनुएट के बजाय एक शेरज़ो और एक शेरज़ांडो का परिचय दिया, जो उनमें से कुछ में दूसरा है चक्र का हिस्सा. आम तौर पर स्वीकृत राय कि बीथोवेन ने सबसे पहले मिनुएट के बजाय शेरज़ो को सोनाटा-सिम्फनी चक्र में पेश किया था, केवल सिम्फनी और सोनाटा के संबंध में सच है, लेकिन चौकड़ी के लिए नहीं।

कई चौकड़ी, तिकड़ी और अन्य हेडन समूह चैम्बर वाद्य संगीत के क्षेत्र में शास्त्रीय विरासत के एक महत्वपूर्ण, महत्वपूर्ण और कलात्मक रूप से मूल्यवान हिस्से का प्रतिनिधित्व करते हैं।

हेडन के काम में, शास्त्रीय वायलिन सोनाटा और वायलिन कॉन्सर्टो का निर्माण होता है।

हेडन पेशेवर और लोक परंपराओं को संश्लेषित करने में सक्षम थे, उन्होंने अपने संगीत में लोक स्वर और लय को पेश किया।

विनीज़ शास्त्रीय स्कूल के महानतम प्रतिनिधियों में से एक होने के नाते, हेडन ने अपने संगीत में विभिन्न राष्ट्रीय तत्वों: दक्षिण जर्मन, हंगेरियन, स्लाविक के संयोजन में ऑस्ट्रियाई संगीत लोककथाओं का व्यापक रूप से उपयोग किया और उनकी संपूर्णता और विविधता में अनुवाद किया। स्लाव मूल के लोक विषयों के बीच, हेडन ने क्रोएशियाई लोक विषयों का व्यापक उपयोग किया। अक्सर उन्होंने वास्तविक लोक धुनों की ओर रुख किया, लेकिन अधिक बार उन्होंने लोक गीतों और नृत्यों की भावना में अपनी धुनें बनाईं।

ऑस्ट्रियाई लोककथाओं ने हेडन के काम में इतनी गहराई से प्रवेश किया कि यह उनकी "दूसरी प्रकृति" बन गई। अनेक धुनें स्वयं रचित

हेडन, लोकप्रिय हो गए और उन लोगों द्वारा भी गाए गए जो अपने निर्माता का नाम नहीं जानते थे।

हेडन के वाद्य संगीत (एकल, चैम्बर और सिम्फोनिक) में, सोनाटा-सिम्फनी चक्र को पूर्ण और उत्तम शास्त्रीय अवतार प्राप्त हुआ। कार्य के सभी चार भाग, एक ही कलात्मक अवधारणा में एकजुट होकर, जीवन के विभिन्न पहलुओं को व्यक्त करते हैं। आमतौर पर पहला भाग (सोनाटा रूपक) सबसे नाटकीय, आवेगपूर्ण होता है; दूसरा भाग (धीमा) अक्सर गीतात्मक अनुभवों, शांत ध्यान का क्षेत्र होता है; तीसरा आंदोलन (मिनुएट) आपको नृत्य के माहौल में ले जाता है और सोनाटा-सिम्फनी चक्र को 17वीं-18वीं शताब्दी के नृत्य सूट से जोड़ता है; चौथे आंदोलन (अंतिम) में एक शैली-घरेलू शुरुआत शामिल है और यह विशेष रूप से लोक गीत और नृत्य संगीत के करीब है। समग्र रूप से हेडन के कार्यों का संगीत (कुछ अपवादों के साथ) एक शैली-घरेलू चरित्र है, न केवल चक्र के तीसरे और चौथे भाग का संगीत, बल्कि पहले दो भाग भी नृत्य और गीत से व्याप्त हैं। लेकिन साथ ही, प्रत्येक भाग का अपना मुख्य अग्रणी नाटकीय कार्य होता है और संपूर्ण कार्य के विचार के क्रमिक परिनियोजन, प्रकटीकरण में भाग लेता है।

डब्ल्यू. ए. मोजार्ट (1756 - 1791) प्रसिद्ध संगीतकार वायलिन वादक और संगीतकार लियोपोल्ड मोजार्ट के परिवार में जन्मे। मोजार्ट की संगीत क्षमताएं बहुत कम उम्र में ही प्रकट हो गईं, जब वह लगभग तीन साल का था। उनके पिता लियोपोल्ड प्रमुख यूरोपीय संगीत शिक्षकों में से एक थे। उनकी पुस्तक "द एक्सपीरियंस ऑफ ए सॉलिड वायलिन स्कूल" 1756 में प्रकाशित हुई थी - जिस वर्ष मोजार्ट का जन्म हुआ था, इसके कई संस्करण हुए और रूसी सहित कई भाषाओं में इसका अनुवाद किया गया। पिता ने वोल्फगैंग को हार्पसीकोर्ड, वायलिन और ऑर्गन बजाने की मूल बातें सिखाईं।

मोजार्ट के वायलिन बजाने के बारे में पहली जानकारी 4 साल की उम्र से मिलती है। पहली वायलिन रचनाएँ - वायलिन और क्लैवियर के लिए 16 सोनाटा। उन्होंने वायलिन के लिए 6-7 कॉन्सर्टो, वायलिन और वायोला के लिए एक कॉन्सर्टो सिम्फनी, दो वायलिनों के लिए एक कॉन्सर्टो, दो कॉन्सर्टो रोंडो, एडैगियो और एंडांटे, 35 वायलिन सोनाटा, वायलिन और वायोला के लिए दो युगल, दो वायलिनों के लिए एक युगल, तिकड़ी बनाई। , चौकड़ी, डायवर्टिसमेंट और अन्य चैम्बर कार्य।

Es-dur Concerto की प्रामाणिकता अभी भी संदेह में है। अंतिम एकल वायलिन संगीत कार्यक्रम डी-डूर संगीत कार्यक्रम था, जिसे 7वें नंबर के तहत जाना जाता था। उन्होंने इसे अपनी बहन के नाम दिवस के लिए बनाया और पहली बार स्वयं इसका प्रदर्शन किया। वायलिन वादक के रूप में यह मोजार्ट की आखिरी सार्वजनिक उपस्थिति में से एक थी। संगीत कार्यक्रम का इतिहास असामान्य है. लगभग 130 वर्षों तक यह कार्य अज्ञात रहा। 1835 में, बाओ के ऑटोग्राफ से एक प्रति बनाई गई थी। मूल गायब हो गया, और केवल एक और प्रति बर्लिन लाइब्रेरी में पाई गई। दोनों प्रतियां लगभग समान थीं, और कॉन्सर्टो प्रकाशित हुआ था और पहली बार 1907 में कई कलाकारों द्वारा प्रस्तुत किया गया था।

मोजार्ट के काम की एक विशिष्ट विशेषता गहरी भावुकता के साथ सख्त, स्पष्ट रूपों का अद्भुत संयोजन है। उनके काम की विशिष्टता इस तथ्य में निहित है कि उन्होंने न केवल अपने युग में मौजूद सभी रूपों और शैलियों में लिखा, बल्कि उनमें से प्रत्येक में स्थायी महत्व के कार्य भी छोड़े। मोजार्ट का संगीत विभिन्न राष्ट्रीय संस्कृतियों (विशेष रूप से इतालवी) के साथ कई संबंधों को प्रकट करता है, फिर भी, यह राष्ट्रीय विनीज़ मिट्टी से संबंधित है और महान संगीतकार की रचनात्मक व्यक्तित्व की छाप रखता है।

मोजार्ट महानतम संगीतकारों में से एक है। इसकी धुन ऑस्ट्रियाई और जर्मन लोक गीतों की विशेषताओं को इतालवी कैंटिलीना की मधुरता के साथ जोड़ती है। इस तथ्य के बावजूद कि उनकी रचनाएँ कविता और सूक्ष्म अनुग्रह से प्रतिष्ठित हैं, उनमें अक्सर महान नाटकीय करुणा और विरोधाभासी तत्वों के साथ साहसी प्रकृति की धुनें होती हैं।

डब्ल्यू ए मोजार्ट की वायलिन रचनात्मकता का मूल्य कम करके आंका नहीं जा सकता। इसने न केवल विनीज़ स्कूल के, बल्कि अन्य देशों के संगीतकारों को भी प्रभावित किया। उनकी रचनाएँ वायलिन की व्याख्या के उदाहरण के रूप में काम करती हैं, इसकी अभिव्यंजक संभावनाओं के उपयोग के उदाहरण के रूप में। मोजार्ट से वायलिन कंसर्टो के सिम्फनीज़ेशन की पंक्ति आती है, एक संगीत वाद्ययंत्र के रूप में वायलिन का गुणी और कलात्मक उपयोग।

18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के वाद्य संगीत के क्षेत्र में, मोजार्ट, जिसने न केवल मैनहेम और विनीज़ मास्टर्स की पुरानी पीढ़ी की सर्वोत्तम उपलब्धियों का उपयोग किया और सारांशित किया, बल्कि हेडन के रचनात्मक अनुभव को भी उच्चतम ऊंचाइयों तक पहुंचाया। दोनों महान संगीतकार अलग-अलग पीढ़ियों के थे, और यह स्वाभाविक है कि मोजार्ट ने अपने कौशल को विकसित करने की प्रक्रिया में हेडन के कार्यों का अध्ययन किया, जिसकी उन्होंने बहुत सराहना की। लेकिन मोजार्ट का रचनात्मक विकास हेडन के विकास से कहीं अधिक तेजी से हुआ, जिनकी सर्वश्रेष्ठ रचनाएँ (लंदन सिम्फनीज़, लास्ट क्वार्टेट्स, ऑरेटोरियोस) मोजार्ट की मृत्यु के बाद लिखी गईं। फिर भी, मोजार्ट की अंतिम तीन सिम्फनी (1788), और उनकी कुछ पहले की सिम्फनी और चैम्बर रचनाएँ, हेडन के अंतिम कार्यों की तुलना में यूरोपीय वाद्ययंत्रवाद के ऐतिहासिक रूप से अधिक परिपक्व चरण का प्रतिनिधित्व करती हैं।

लुडविग वान बीथोवेन (1770 - 1827)प्रबुद्धता के चैम्बर-वाद्य कलाकारों की टुकड़ी के शैलीगत विकास में अगला सबसे महत्वपूर्ण चरण लुडविग वान बीथोवेन के काम से जुड़ा है। 1787 में, वियना में रहने के दौरान, उन्होंने मोजार्ट का दौरा किया और उसे अपनी कला से मंत्रमुग्ध कर दिया। वियना में अंतिम कदम के बाद, बीथोवेन ने आई. हेडन के साथ संगीतकार के रूप में सुधार किया। वियना, प्राग, बर्लिन, ड्रेसडेन और बुडा में युवा बीथोवेन के संगीत कार्यक्रम बड़ी सफलता के साथ आयोजित किए गए। बीथोवेन को एक कलाकार और संगीतकार के रूप में व्यापक पहचान मिल रही है। 18वीं शताब्दी की शुरुआत तक, वह पियानोफोर्ट और विभिन्न चैम्बर-वाद्य रचनाओं के लिए कई कार्यों के लेखक थे।

वियना क्लासिकल स्कूल के प्रतिनिधि। संगीतकार ने अपने समय में मौजूद सभी शैलियों में लिखा, जिसमें ओपेरा, बैले, नाटकीय प्रदर्शन के लिए संगीत, कोरल रचनाएँ शामिल थीं। लेकिन उनकी विरासत में सबसे महत्वपूर्ण वाद्ययंत्र हैं: पियानो, वायलिन और सेलो सोनाटा, पियानो कॉन्सर्टो, वायलिन कॉन्सर्टो, चौकड़ी, प्रस्ताव, सिम्फनी

हेडन और मोजार्ट का अनुसरण करते हुए एल. बीथोवेन ने शास्त्रीय संगीत के रूपों को विकसित किया, मुख्य और पार्श्व भागों की व्याख्या में विरोधों की एकता की अभिव्यक्ति के रूप में विरोधाभास के सिद्धांत को सामने रखा। बीथोवेन के पास वायलिन और वायोला था। उनकी शुरुआती रचनाओं में से एक द मैरिज ऑफ फिगारो पर वायलिन विविधता है, जो वायोला और पियानो के लिए एक रात्रिचर है। एल बीथोवेन का वायलिन कॉन्सर्टो विश्व संगीत संस्कृति में वायलिन कॉन्सर्टो का शिखर है। झुके हुए तारों के लिए, बीथोवेन ने ऑर्केस्ट्रा के साथ वायलिन, सेलो और पियानो के लिए एक ट्रिपल कॉन्सर्टो बनाया, वायलिन के लिए दो रोमांस, दस वायलिन सोनाटा (5वां - "स्प्रिंग", 9वां - "क्रुत्ज़र"), सेलो और पियानो के लिए पांच सोनाटा, सेलो के लिए विविधताएं और पियानो (हैंडेल और मोजार्ट की थीम पर), सोलह चौकड़ी, वायलिन, सेलो और पियानो के लिए तिकड़ी का संग्रह। एल बीथोवेन के सिम्फोनिक संगीत को याद करना असंभव नहीं है: नौ सिम्फनी, सिम्फोनिक ओवरचर "कोरिओलेनस" और "एग्मोंट", जो ऑर्केस्ट्रा संगीत के प्रदर्शनों की सूची में मजबूती से प्रवेश कर चुके हैं।

लुडविग वान बीथोवेन के वाद्य और सबसे ऊपर, सिम्फोनिक कार्य में एक स्पष्ट कार्यक्रम चरित्र है। बीथोवेन के वीरतापूर्ण कार्यों की मुख्य सामग्री को इन शब्दों में व्यक्त किया जा सकता है: "संघर्ष से जीत तक।" जीवन के अंतर्विरोधों का द्वंद्वात्मक संघर्ष बीथोवेन में एक उज्ज्वल कलात्मकता पाता है

अवतार, विशेष रूप से सोनाटा रूप के कार्यों में - सिम्फनी, ओवरचर, सोनाटा, चौकड़ी, आदि। लुडविग वान बीथोवेन ने सोनाटा सिद्धांत को बड़े पैमाने पर विकसित किया, जो विपरीत विषयों के विरोध और विकास के साथ-साथ व्यक्तिगत विषयों के भीतर परस्पर विरोधी तत्वों पर आधारित था। विनीज़ शास्त्रीय स्कूल में बीथोवेन के तत्काल पूर्ववर्तियों - डब्ल्यू. ए. मोजार्ट और जे. हेडन के कार्यों की तुलना में - बीथोवेन की सिम्फनी और सोनाटा उनके निर्माण के बड़े पैमाने से प्रतिष्ठित हैं, मुख्य विषयगत सामग्री गहन विस्तारित विकास के अधीन है, बीच का संबंध प्रपत्र के अनुभाग गहरे हो जाते हैं, विपरीत प्रसंगों के बीच विरोधाभास बढ़ जाते हैं, विषय। बीथोवेन हेडन द्वारा अनुमोदित आर्केस्ट्रा रचना से आगे बढ़े, और केवल इसे थोड़ा विस्तारित किया, लेकिन साथ ही उन्होंने आर्केस्ट्रा ध्वनि, उज्ज्वल विरोधाभासों की जबरदस्त शक्ति हासिल की। लुडविग वान बीथोवेन ने पुराने मिनुएट को, जो सिम्फनी और सोनाटा का हिस्सा था, एक शेरज़ो में बदल दिया, जिससे इस "मजाक" को एक विस्तृत अभिव्यंजक रेंज मिली - शक्तिशाली स्पार्कलिंग मस्ती (तीसरी सिम्फनी में) से लेकर चिंता, चिंता (में) की अभिव्यक्ति तक 5वीं सिम्फनी)। ओवरचर्स, सिम्फनी और सोनाटा में सिम्फनी और कोडा (निष्कर्ष) में फाइनल को एक विशेष भूमिका सौंपी जाती है; वे विजयी भावनाओं को व्यक्त करने के लिए हैं।

बीथोवेन का काम विश्व कला के इतिहास में शिखरों में से एक है। उनका पूरा जीवन और कार्य संगीतकार के महान व्यक्तित्व की बात करता है, जिन्होंने एक शानदार संगीत प्रतिभा को एक उत्साही, विद्रोही स्वभाव, एक अटूट इच्छाशक्ति और महान आंतरिक एकाग्रता की क्षमता के साथ जोड़ा। सार्वजनिक कर्तव्य की चेतना पर आधारित उच्च विचारधारा, एक संगीतकार-नागरिक बीथोवेन की पहचान थी। फ्रांसीसी क्रांति के समकालीन, बीथोवेन ने अपने काम में इस युग के महान लोकप्रिय आंदोलनों, इसके सबसे प्रगतिशील विचारों को प्रतिबिंबित किया। क्रांतिकारी युग ने बीथोवेन के संगीत की सामग्री और नवीन दिशा को निर्धारित किया। क्रांतिकारी वीरता बीथोवेन की मुख्य कलात्मक छवियों में से एक में परिलक्षित होती थी - एक संघर्षरत, पीड़ित और अंततः विजयी वीर व्यक्तित्व।

एक सच्चे प्रर्वतक, एक अटल योद्धा, उन्होंने आश्चर्यजनक रूप से सरल, स्पष्ट संगीत में बोल्ड वैचारिक अवधारणाओं को शामिल किया, जो श्रोताओं की व्यापक श्रेणी की समझ के लिए सुलभ था। युग और पीढ़ियाँ बदल जाती हैं, लेकिन बीथोवेन का अमर संगीत अभी भी लोगों के दिलों को उत्साहित और प्रसन्न करता है।