Styl gotycki i gotycki w ubraniach. Styl gotycki w architekturze średniowiecza

Sztuka gotycka stanowi kolejny po romańskim etap rozwoju sztuki średniowiecznej. Nazwa jest warunkowa. W świadomości historyków renesansu było to synonimem barbarzyństwa, którzy jako pierwsi użyli tego określenia na określenie sztuki średniowiecza w ogóle, nie dostrzegając jej wartościowych aspektów. Gotyk jest bardziej dojrzałym stylem w sztuce średniowiecza niż romański. Zadziwia jednością i integralnością przejawów artystycznych we wszystkich formach sztuki. Religijna w formie sztuka gotycka jest bardziej wrażliwa niż romańska na życie, przyrodę i człowieka. Obejmowała w swoim kręgu całą sumę średniowiecznej wiedzy, złożonych i sprzecznych idei i doświadczeń. W senności i podekscytowaniu gotyckich obrazów, w żałosnym wzroście duchowych impulsów, w niestrudzonych poszukiwaniach mistrzów wyczuwalne są nowe trendy - przebudzenie umysłu i uczuć, namiętne aspiracje do piękna. Wzrosła duchowość sztuki gotyckiej, rosnące zainteresowanie ludzkimi uczuciami, tym, co wysoce indywidualne, pięknem realnego świata, przygotowały rozkwit sztuki renesansu.

Francja. Styl gotycki zyskał swój klasyczny wyraz we Francji, kolebce gotyckich katedr. W XII–XIV w. nastąpiło zjednoczenie ziem francuskich, uformowało się państwo i położono podwaliny pod kulturę narodową. Pierwsze zabytki gotyku francuskiego powstały w prowincji Ile-de-France (kościół Saint-Denis opata Sugera), centrum posiadłości królewskich. Kościoły te zachowały pewne cechy architektury romańskiej: masywność gładkich ścian, rzeźbiarskie modelowanie brył, ciężar wież fasadowych, klarowność kompozycji, spokojne poziome podziały na cztery kondygnacje, monumentalną prostotę masywnych form oraz oszczędność dekoracji. Najwspanialszą budowlą gotyku gwałtu jest katedra Notre Dame (Notre Dame de Paris, fundowana w 1163 r.; ukończona do połowy XIII w.: zwieńczenie kaplic – na początku XIV w.), wyróżniająca się pomimo licznych dobudówek, przez integralność swojego wyglądu. Został zbudowany w centrum starożytnej części Paryża, na Ile de la Cité, utworzonej przez przepływ Sekwany. Plan katedry to pięcionawowa bazylika z nieco wystającym trapseptem i kwadratowymi komórkami nawy głównej. Fasada zachodnia charakteryzuje się harmonijnymi proporcjami, wyraźnymi podziałami warstwowymi i równowagą form. Trzy perspektywicznie zagłębione, ostrołukowe portale odsłaniają grubość stropu piwnicy, podkreślając stabilność konstrukcji. Przez całą szerokość fasady biegnie tzw. „galeria królów”. Rozeta pod głębokim półkolistym łukiem wyznacza swoją średnicą nawę główną i wysokość sklepienia. Ostre okna flankujące różę oświetlają sale pierwszego piętra wież. Rzeźbiony gzyms i elegancki łuk z grubych kolumn dodają lekkości i smukłości górnej części budynku. Kompozycja fasady, zbudowana na zasadzie stopniowego rozjaśnienia form, kończy się dwiema prostokątnymi wieżami wznoszącymi się ponad dachy. Wszystkie otwory portali, rowów, łuków różnią się kształtem ostrołukowego, nieco płaskiego w dolnej strefie i ostro zakończonego u góry, co nadaje fasadzie dynamizmu; widz ma wrażenie, że wszystkie formy są skierowane w górę. Dekoracja rzeźbiarska katedry zachowała się jedynie na tympanonach, na wklęsłych powierzchniach portalu i w kondygnacji piwnic.

Katedra Notre Dame w Paryżu,
architekci Jacques z Chelles, Pierre z Montreuil, Pierre z Chelles, Ravi Jean, 1163 - początek XIV wieku

Katedra Notre Dame w Reims,
architekci Jean z Orbe, Jean de Loup
1211 – przedłużenie w XV wieku,
Francja, Reims

Katedra Notre Dame
w Amiens,
XII-XIV wiek,
Francja, Amiens

Każda gotycka katedra miała swoje indywidualne oblicze, noszące piętno szczerej inspiracji jej budowniczych. Najdokładniejsze wyobrażenie o pierwotnym wyglądzie francuskich kościołów gotyckich da katedra w Chartres, powstała w przededniu rozkwitu klasycznego gotyku francuskiego. Ujmuje widza poczuciem żywiołowej mocy. Jego surowe monumentalne formy, łuki, przesiąknięte potężną siłą, noszą piętno burzliwej, okrutnej i bohaterskiej epoki pierwszej połowy XIII wieku. To wspaniały przykład fuzji potężnych brył i linii architektonicznych, rzeźby i ogromnych, czasem błyszczących, czasem migoczących witraży podwójnych okopów, zwieńczonych różą. Zachowały się niemal w całości w oryginalnej formie i tworzą szczególną atmosferę jasnych barw, stale zmieniającą się w zależności od stanu natury.

Okres dojrzałego gotyku charakteryzował się dalszym ulepszaniem konstrukcji ramowej, zwiększaniem się wertykalności linii i dynamicznym ruchem ku górze. Bogactwo rzeźb i witraży podkreśla wizualny i spektakularny charakter katedr.

Katedra Notre Dame w Reims,
widok centralny

Katedra Notre Dame w Amiens,
główne wejście

Katedra Notre Dame w Paryżu,
widok wewnętrzny

Katedra w Reims (założona w 1211 r., ukończona w XV w.) – miejsce koronacji królów francuskich – ucieleśniała narodowy geniusz twórczy Francji. Był on postrzegany przez ludność jako symbol zjednoczenia narodowego. Gigantyczna świątynia o długości stu pięćdziesięciu metrów z wysokimi osiemdziesięciometrowymi wieżami jest jednym z najpełniejszych dzieł architektury gotyckiej, wspaniałym ucieleśnieniem syntezy architektury i rzeźby. W porównaniu z katedrą Notre Dame wszystkie formy zachodniej fasady katedry w Reims są cieńsze; proporcje fiolek i portali są wydłużone, ostrołuki zaostrzone. Niekontrolowany przepływ linii i mas skierowany ku górze jest jedynie nieznacznie opóźniany przez poziome podziały. Temat główny wyraża się w energii ruchu w górę gigantycznych spiczastych portali i przyległych przypór. Portale przykryte są pięcioramiennymi wimpergami, ozdobionymi rzeźbami. Portal środkowy jest wyższy i szerszy, czubek jego skomlenia, przełamując poziom gzymsu, kieruje wzrok ku górze. Niezliczone detale konstrukcyjne, ruch pionowych prętów, latające przypory, sterczyny (szpiczaste wieżyczki), ostrołukowe łuki, kolumny, przypory, iglice powtarzają główny temat na kolejnych poziomach w różnych wariacjach i rytmach, jakby na wzór chóru polifonicznego. Ruch zwalnia, uspokaja się na środku drugiego piętra wraz z ogromną różą i gwałtownie narasta w bocznych partiach w fiolkach, ostrych ostrołukach galerii, kończąc się potężnym wzniesieniem wież. Przejścia pomiędzy poszczególnymi formami i kondygnacjami łagodzone są grą malowniczego światłocienia, co jednak nie pomniejsza surowości rozwiązania architektonicznego. Liczne rzeźby katedry zdają się nawiązywać do hałaśliwego miejskiego tłumu wypełniającego plac podczas wakacji. Postacie świętych czasem pojawiają się w uporządkowanych rzędach, tworząc fryzy, czasem gromadzą się w grupach, czasem stoją samotnie na tle portali lub w niszach, jakby witając gości. Posągi wplecione są w ozdobne rzędy, podporządkowane głównym liliom architektonicznym. Dekoracje architektoniczne i rzeźbiarskie katedry przesiąknięte są jednym rytmem i odbierane są jako kompletna całość, jako wyraz wyższego porządku, jako swego rodzaju idealny świat, uderzający swoją złożonością. Wnętrzną przestrzeń katedry w Reims wyróżnia ta sama przejrzystość struktury i harmonijne proporcje zarówno całości, jak i poszczególnych części. Wszystko we wnętrzu podporządkowane jest ogólnemu ruchowi do przodu, ku ołtarzowi i dążeniu ku górze – ku niebu. Pęczki cienkich kolumn biegną ku górze, łącząc się ostrołukowymi łukami i żebrami sklepień. Nad łukami naw bocznych rozciąga się triforium – fałszywa galeria otwierająca się na przestrzeń centralną krótkimi ciągami małych arkad, miażdżących swoim rytmem potężne struny dolnych arkad i przygotowujących percepcję ogromnych witrażowych ostrołukowych okien i wysokie sklepienia krzyżowo-żebrowe stropu nawy głównej. Ogromny chór z koroną kaplic ma prawie równą szerokość transeptowi. Jego przestrzeń, zalana boskim światłem, jest doskonale widoczna już od samego wejścia – 150 metrów dalej, nieodparcie wabiąc i przyciągając oczy i duszę modlących się.

Klasztor i katedra
Mont Saint Michel,
XIII wiek, Francja
Wyspa Świętego Michela

Katedra św. Wita,
architekci Mathieu z Arras,
Parlergiego, 1344-1420
Praga, Republika Czeska

Zamek Karlštejn,
założona przez Karola IV
od 1248 do XIII wieku,
Czechy, Mlada Boleslav

Katedra w Amiens najpełniej wyraziła rozkwit architektury gotyckiej we Francji. O ile katedra w Reims zachwyca swoim wyglądem zewnętrznym, w którym rzeźba nabrała wiodącego znaczenia, o tyle katedra w Amiens zachwyca swoim wnętrzem – lekką, ogromną, swobodną przestrzenią wewnętrzną. Oświetlone witrażami, było ciepło i promiennie. Nawa główna katedry wyróżnia się dużą wysokością (40 m) i długością (145 m). Nawy, szeroki transept, chór i kaplice stały się mniej samodzielnymi częściami, łącząc się z szeroką przestrzenią całego wnętrza. Fasada wyróżnia się niezwykle bogatą dekoracją oraz całkowitym połączeniem architektury i plastyczności. W świątyni w Amiens nie ma jednak całkowitej harmonii pomiędzy jej wyglądem wewnętrznym i zewnętrznym. Tłoczona bogata dekoracja fasady z trzema zagłębionymi portalami jest postrzegana jedynie jako skorupa ogromnej przestrzeni wewnętrznej, ograniczonej witrażami otaczającymi ściany rzeźbiarskimi girlandami z liści. W katedrze w Amiens pojawiają się cechy typu gotyckiego, przejściowego do jego późniejszej fazy – gotyku płonącego. Zaburzona zostaje klasyczna równowaga proporcji, zatraca się proporcjonalność części.

W drugiej połowie XIII i XIV wieku kontynuowano budowę rozpoczętych katedr, lecz typowe stało się wznoszenie małych kaplic na zlecenie cechów lub osób prywatnych. Wspaniałym dziełem rozwiniętego francuskiego gotyku jest dwupiętrowa królewska Święta Kaplica (Sainte-Chapelle, 1243–1248), zbudowana na Ile de la Cité w Paryżu za czasów Ludwika IX. Wyróżnia się nienaganną elegancją całości kompozycji i doskonałością wszelkich proporcji, stabilnością i plastycznością wyglądu. W górnym kościele ściany zastąpiono całkowicie wysokimi (15 m) oknami, wypełniającymi przestrzenie pomiędzy cienkimi podporami sklepień. Niesamowity efekt w tej kruchej budowli tworzą wielokolorowe fioletowo-szkarłatne witraże, mieniące się czystymi, dźwięcznymi kolorami. Elewację zachodnią zdobi przecinająca całą szerokość róża, wykonana w XV wieku. Do wybitnych zabytków XIII wieku należy opactwo Mont Saint-Michel.

Cóż proroków

Prorok Daniel

Prorok Jeremiasz

Prorok Zachariasz

Prorok Mojżesz

Prorok Dawid

Niemcy. Styl gotycki w Niemczech rozwinął się na bazie doświadczeń artystycznych Francuzów, wyraźnie wyrażonych w syntetycznym typie katedr północnofrancuskich. Jednak sztuka niemiecka nie miała integralności i jedności francuskiego gotyku. Niemieckie katedry nie mają wdzięku, delikatności i wyczucia proporcji właściwych katedrom francuskim. Dramat i ekspresja, które wyróżniały niemiecki gotyk, zostały połączone w architekturze z zachowanymi tradycjami romańskimi. Plany katedr są proste, w większości brakuje im chóru i korony kaplic. W wyglądzie zewnętrznym budowli tendencja wzrostowa właściwa architekturze gotyckiej znalazła swój najwyższy wyraz. Często istniał rodzaj katedry z pojedynczą wieżą, przypominającą gigantyczny kryształ, którego iglica dumnie uderza w niebo. Formy zewnętrzne są surowe, wolne od dekoracji rzeźbiarskich i rzeźbiarskich. W katedrze we Fryburgu (ok. 1200 r. – koniec XV w.), z potężną wieżą fasadową zakończoną ażurowym namiotem z kamiennych belek, wnętrze z niskimi nawami środkowymi i szerokimi nawami bocznymi sprawia ponure wrażenie. Okazała pięcionawowa katedra w Kolonii (1248–1880) została zbudowana na wzór katedry w Amiens. Jej wygląd charakteryzują wieże oświetleniowe ze spiczastymi dachami na zachodniej elewacji, niezwykle wysoka nawa środkowa i elegancka dekoracja architektoniczna wszystkich detali konstrukcyjnych. Zastąpienie rozety okienkiem lancetowym zwiększa szybkość ruchu. Katedra w Kolonii wyróżnia się suchymi formami. Jej zachodnia część została ukończona dopiero w XIX wieku. W epoce gotyku w sztuce wzrosło znaczenie architektury świeckiej, prywatnej, pałacowej i publicznej. Rozwinięte życie polityczne i rosnąca samoświadomość mieszczan znalazły odzwierciedlenie w budowie monumentalnych ratuszy.

Katedra w Mediolanie, architekci
Simon de Orsenigo, Organi, Amadeo, Solari, Tibaldi,
1386 – XV w., rozbudowa. w 19-stym wieku

Katedra w Sienie,
architekci z Pisano,
Giovanniego di Cecco
1220-1377, Siena

Wieża Pałacu Dożów
architekci Dalle Massenier,
Bon Giovanniego z 1309 r
do XVI wieku, Wenecja

Święty Reparata
Museo del Duomo we Florencji

Nadieżda, 1330
Baptysterium, Florencja

Dzwonnica katedry Świętego Mikołaja
Maria del Fiore, 1337-1343

Włochy. Włochy są szczególnie bogate w zabytki architektury świeckiej. O wyjątkowym wyglądzie centralnego Placu Św. Marka w Wenecji w dużej mierze decyduje architektura rozległego Pałacu Dożów (władcy republiki; XIV–XV w.), który uderza swoją przepychem. Jest to uderzający przykład gotyku weneckiego, który przyjął nie zasady konstrukcyjne, ale dekoracyjny charakter tego stylu. Jego fasada ma niezwykłą kompozycję: dolną kondygnację pałacu otacza kolumnada z białego marmuru z przeplatającymi się ostrymi łukami. Ogromna monumentalna budowla precyzyjnie wciska swoje przysadziste kolumny w ziemię. Ciągła otwarta loggia z łukami stępkowymi i cienkimi, często rozmieszczonymi kolumnami tworzy drugie piętro, charakteryzujące się wdziękiem i lekkością. Ponad marmurową koronką rzeźb wznosi się różowa ściana trzeciego piętra z rzadko rozmieszczonymi oknami, mieniącymi się i wibrującymi w słońcu. Cała płaszczyzna tej części ściany pokryta jest geometrycznym białym ornamentem. Z daleka różowo-perłowy pałac zachwyca z bliska dźwięcznością dekoracyjnego projektu, który rozjaśnia jego formy. Architektura Wenecji łączy w sobie surowy przepych Bizancjum z orientalną i gotycką dekoracyjnością, ze świecką pogodą ducha. Cechy romańskiej architektury twierdzy zachował się we wspaniałym Palazzo della Signoria (Palazzo Vecchio, 1298–1314) we Florencji. Trzypiętrowy budynek, rzadko podzielony małymi rowami i wyłożony z grubsza ciosanymi kwadratami kamienia, jest postrzegany jako solidny monolit. Jego surowy wygląd, plastyczną moc podkreślają odważnie wystający poziom machikułów i blanków twierdzy oraz potężna wieża strażnicza dumnie skierowana ku górze. Zbudowany na miejscu zniszczonego zamku feudalnego Palazzo Vecchio był uosobieniem potęgi wolnego miasta. Palazzo Vecchio wykazuje cechy rozwinięte w architekturze budynku mieszkalnego i renesansowego pałacu.

Katedra św. Wita,
widok wewnętrzny

Katedra w Mediolanie,
widok z góry

Andrea Pisano, wizyta,
1330, Baptysterium we Florencji

Katedra Notre Dame. Wiadomo na pewno, że Paryż powstał na środku Sekwany, na maleńkiej wyspie Cité. Tutaj lokalne galijskie plemię Paryżan (od jego nazwy wzięła się nazwa stolicy Francji) na miejscu niepozornej wioski rybackiej Lutetia założyło pierwszą dzielnicę przyszłego miasta. Rzymianie podbili przypominającą statek wyspę na środku Sekwany, napadły na nią hordy Hunów, a Normanowie i inni kosmici splądrowali ją. Ale pomimo zmienności losu nadal żeglował przez wieki historii. Nic dziwnego, że herbem Paryża jest statek płynący po falach, a motto brzmi: „Trzęsie się, ale nie tonie”. Wielu gości odwiedzających Paryż rozpoczyna swoją znajomość miasta od Cité. Przecież to tutaj mieści się ażurowa kaplica Sainte-Chapelle, a ponury zamek – dawne więzienie Conciergerie i słynna katedra Notre-Dame… Lepiej opisać Notre-Dame de Paris niż Victora Hugo zrobił w swojej powieści „Notre-Dame de Paris” – niemożliwe. Ogromny gmach katedry stoi na placu obok zabytkowych domów i ponurego paryskiego szpitala, jakby pokryty zmarszczkami. Na tym placu Cyganka Esmeralda tańczyła z kozą; stąd, z przedsionka katedry, obserwował ją brat Frollo; Quasimodo wspiął się na chimery katedry. Królowie i królowe Francji przechadzali się kiedyś po placu katedralnym; Napoleon chodził wzdłuż niego, aby zostać ogłoszonym cesarzem pod gotyckimi łukami Notre-Dame de Paris. Budynek katedry wzniesiono na miejscu świątyni Jowisza, która stała tu za czasów Rzymian. Miejsce to od czasów starożytnych uważane było za święte, a później zaczęto na nim budować kościoły nowego chrześcijańskiego Boga.

Hansa Mulchera
Trójcy Świętej, 1430,
Katedra w Ulm, Niemcy

Michel Colomb, św
Jerzy zabijający smoka
Zamek Gayon, Francja

Michelle Colomb
Nagrobek Margriet de Foy,
1502, katedra, Nantes, Francja

W XII wieku Maurice de Sully zaprojektował w Paryżu ogromną katedrę Notre Dame, a w 1163 roku we wschodniej części miasta król Ludwik VII i papież Aleksander III, którzy specjalnie przybyli do Paryża na tę uroczystość, położyli pierwsze fundamenty kamień. Budowa przebiegała stopniowo ze wschodu na zachód i trwała ponad sto lat. Katedra miała pomieścić wszystkich mieszkańców miasta – 10 000 osób. Ale w czasie jego budowy minęło ponad sto pięćdziesiąt lat, a populacja Paryża wzrosła wielokrotnie. Katedra w średniowiecznym mieście była centrum życia publicznego. Wszystko było pokryte sklepikami i straganami, w których sprzedawano najróżniejsze rzeczy. Przy wejściu odwiedzający kupcy rozkładali swoje towary i zawierali transakcje. Miejskie fashionistki przychodziły tu, żeby pochwalić się swoimi strojami, a plotkarze przychodzili, żeby posłuchać wiadomości. Odbywały się tu tańce i pochody mummerów, a czasem nawet grano w piłkę. W chwilach zagrożenia mieszkańcy okolicznych wsi schronili się w katedrze nie tylko ze swoim dobytkiem, ale nawet bydłem. Profesorowie wygłaszali wykłady dla studentów, przerywając podczas nabożeństw.

Katedra Notre Dame jest podzielona na pięć naw, z których środkowa jest wyższa i szersza od pozostałych. Jego wysokość wynosi 35 metrów. Pod takimi sklepieniami zmieściłby się dom o 12 piętrach. Pośrodku nawę główną przecina druga nawa o tej samej wysokości, przy czym obie nawy (podłużna i poprzeczna) tworzą krzyż. Dokonano tego specjalnie, aby katedra przypominała krzyż, na którym ukrzyżowano Jezusa Chrystusa. Konstrukcje takie jak Koloseum czy Termy Karakalli trzeba było budować szybko, a cały budynek trzeba było wznosić od razu, jako całość. Długie wstrzymanie prac lub powolna budowa poszczególnych części takich konstrukcji groziła różną wytrzymałością poszczególnych pomieszczeń. Budowa wymagała ogromnych funduszy i armii niewolników. Paryżanie nie mieli nic takiego. Budowa gotyckiej katedry trwała zwykle dziesięciolecia, a nawet stulecia. Mieszczanie powoli zbierali pieniądze, a budynek katedry powoli rósł.

W połowie XIX wieku katedra Notre Dame znacznie różniła się od tego, jak postrzegali ją paryżanie w XIII wieku. Zniknęły, pochłonięte przez ziemię Cite, wszystkie jedenaście stopni drabiny. Zniknął dolny rząd posągów w niszach trzech portali. Zniknął górny rząd posągów, które niegdyś zdobiły galerię. Poważnie zniszczone zostało także wnętrze katedry. Zniknęły wspaniałe posągi i witraże, a gotycki ołtarz został wymieniony. Zamiast tego pojawiły się tłumy amorków, chmury z brązu, marmurowe i metalowe medaliony. Katedra została zniszczona. Co więcej, groziło mu całkowite zniszczenie. W 1841 r. podjęto specjalną decyzję rządu o uratowaniu Notre-Dame de Paris, a w 1845 r. rozpoczęto gruntowną renowację katedry pod przewodnictwem słynnego architekta E.E. Viollet-le-Duc. Do dziś w oryginalnej formie zachowały się jedynie częściowo witraże fasady zachodniej, południowej i północnej, rzeźby na elewacjach oraz w chórze.

Podsumowując, nie sposób nie zauważyć ilości i jakości pracy fizycznej włożonej w budowę katedr gotyckich. Zarówno najważniejsze fragmenty świątyni, jak i najdrobniejsze detale zostały wykonane z równą starannością. Katedry budowano nie dla ludzi, ale dla Boga, który wszystko widzi. Wspólny impuls zjednoczył murarzy i rzeźbiarzy, stolarzy i dmuchaczy szkła, odlewników brązu i dekarzy – rzemieślników z dużej litery, w duchu – prawdziwych artystów, którzy w swoje dzieła wkładają duszę, talent i kunszt. Gotyk, wyłoniwszy się w środowisku klasztornym, stał się stylem katedr miejskich, które wznosili mieszkańcy miasta na własny koszt, demonstrując w ten sposób swoją niezależność. Dlatego też budowa katedr gotyckich często rozciągnęła się na kilka stuleci, choć pierwotny plan nie uległ zniekształceniu. Najbardziej uderzającymi przykładami takiej „długoterminowej budowy” są katedry w Kolonii i Mediolanie, z których pierwsza trwała 312 lat, a druga - 470. Do czasu ich ukończenia w wielu krajach Europy, w szczególności w W Anglii i Austrii powstał ruch zwany neogotyckim i rozwijający się na gruncie romantyzmu narodowego. Zachwyt i podziw dla zdolności mistrzów gotyku do „ożywienia” bezwładnej masy kamienia, do ożywienia jej zgodnie z prawami materii organicznej, inspirował takich mistrzów architektury przełomu XIX i XX wieku, jak Antonio Gaudi, nawet przy budowie swojej słynnej katedry Sagrada Familia w Barcelonie (do dziś jeszcze niedokończonej), powtarzając doświadczenia mistrzów gotyku.

historyzm
Styl imperialny

Gotica- okres w rozwoju sztuki średniowiecznej w Europie Zachodniej, Środkowej i częściowo Wschodniej.

Słowo pochodzi z języka włoskiego. gotico - niezwykły, barbarzyński - (Goten - barbarzyńcy; ten styl nie ma nic wspólnego z historycznymi Gotami) i po raz pierwszy został użyty jako przekleństwo. Po raz pierwszy pojęcie to w sensie współczesnym zastosował Giorgio Vasari w celu oddzielenia renesansu od średniowiecza.

Pochodzenie terminu

Jednak w tym stylu nie było nic barbarzyńskiego: wręcz przeciwnie, wyróżnia się wielkim wdziękiem, harmonią i przestrzeganiem praw logicznych. Bardziej poprawną nazwą byłoby „lancet”, ponieważ. Spiczasta forma łuku jest istotną cechą sztuki gotyckiej. I rzeczywiście we Francji, kolebce tego stylu, Francuzi nadali mu całkowicie odpowiednią nazwę - „styl ostrołukowy” (od ostrołuku - strzałka).

Trzy główne okresy:
— Wczesnogotycki XII-XIII wiek.
— Wysoki gotyk — 1300-1420. (warunkowy)
- Późny gotyk - XV wiek (1420-1500) często nazywany jest „Płonącym”

Architektura

Styl gotycki przejawiał się głównie w architekturze świątyń, katedr, kościołów i klasztorów. Rozwinął się na bazie architektury romańskiej, a dokładniej burgundzkiej. W przeciwieństwie do stylu romańskiego, z okrągłymi łukami, masywnymi ścianami i małymi oknami, styl gotycki charakteryzuje się ostrołukowymi łukami, wąskimi i wysokimi wieżami i kolumnami, bogato zdobioną fasadą z rzeźbionymi detalami (vimpergi, tympanony, archiwolty) i wieloma -kolorowe witraże w oknach lancetowych. Wszystkie elementy stylu podkreślają wertykalność.

sztuka

Rzeźba odegrał ogromną rolę w kreowaniu wizerunku gotyckiej katedry. We Francji projektowała głównie jego ściany zewnętrzne. Dziesiątki tysięcy rzeźb, od cokołu po sterczyny, wypełnia dojrzałą gotycką katedrę.

Okrągła rzeźba monumentalna aktywnie rozwija się w gotyku. Ale jednocześnie rzeźba gotycka jest integralną częścią zespołu katedralnego, jest częścią formy architektonicznej, ponieważ wraz z elementami architektonicznymi wyraża ruch budynku w górę, jego znaczenie tektoniczne. A tworząc impulsywną grę światła i cienia, z kolei ożywia, uduchawia masy architektoniczne i sprzyja ich interakcji ze środowiskiem powietrznym.

Obraz. Jednym z głównych kierunków malarstwa gotyckiego był witraż, który stopniowo wypierał malarstwo freskowe. Technika witrażu pozostała taka sama jak w poprzedniej epoce, jednak paleta barw stała się znacznie bogatsza i bardziej kolorowa, a tematyka bardziej złożona - wraz z wizerunkami o tematyce religijnej pojawiły się witraże o tematyce codziennej. Ponadto w witrażach zaczęto stosować nie tylko szkło kolorowe, ale także szkło bezbarwne.

W okresie gotyku nastąpił rozkwit miniatur książkowych. Wraz z pojawieniem się literatury świeckiej (powieści rycerskie itp.) poszerzył się asortyment ilustrowanych rękopisów, powstały także bogato ilustrowane księgi godzinek i psalmów do użytku domowego. Artyści zaczęli dążyć do bardziej autentycznego i szczegółowego odwzorowania natury. Wybitnymi przedstawicielami gotyckiej miniatury książkowej są bracia Limburgowie, nadworni miniaturzyści księcia Berry, którzy stworzyli słynną „Wspaniałą Księgę Godzin księcia Berry” (ok. 1411-1416).

Ornament

Moda

Wnętrze

Dressoir to komoda porcelanowa, mebel późnogotycki. Często pokryte malowidłami.

Meble z epoki gotyku są proste i ciężkie w dosłownym tego słowa znaczeniu. Na przykład po raz pierwszy w szafach zaczęto przechowywać ubrania i artykuły gospodarstwa domowego (w starożytności do tych celów używano tylko skrzyń). I tak pod koniec średniowiecza pojawiły się prototypy podstawowych współczesnych mebli: szafy, łóżka, fotela. Jedną z najpowszechniejszych metod wytwarzania mebli było dzianie ramowo-panelowe. Materiałami używanymi na północy i zachodzie Europy były głównie lokalne gatunki drewna – dąb, orzech włoski, a na południu (Tyrol) i wschodzie – świerk i sosna, a także modrzew, cedr europejski, jałowiec.

Po upadku zachodniego imperium rzymskiego w Europie rozpoczęły się tzw. Ciemne Wieki, podczas których liczne plemiona barbarzyńskie przeprowadzały swoje orgie na pozostałościach rzymskiego dziedzictwa kulturowego. Na tle niekończących się wojen nastąpiło częściowe odrodzenie rzymskiej tradycji architektonicznej, co zaowocowało stylem architektonicznym romańskim, który ukształtował się około X wieku i trzysta lat później przekształcił się w gotycki.

Styl gotycki w architekturze ukształtował się w XII-XIII wieku wraz z nadejściem późnego średniowiecza. Opierał się na tym samym dziedzictwie romańskim i rosnącej potędze Stolicy Apostolskiej, co należało podkreślić odpowiednią skalą zabudowy sakralnej.

Warto zauważyć, że Kościół tak zdominował umysły ówczesnych ludzi, że jego agenci bez większego trudu wysłali ogromne rzesze ludzi na przygodę, zwaną później Pierwszą Krucjatą, w wyniku której zdobyto Jerozolimę i powstały państwa chrześcijańskie w Azji Mniejszej. To z kolei przyczyniło się do rozwoju pielgrzymki, a pielgrzymi przynosili znaczne dochody samemu Kościołowi, którego przedstawiciele bogacili się także na sprzedaży odpustów, wystawianiu fałszywych relikwii i po prostu darowiznach. Jednak pomimo tak wątpliwych metod, które zostały ograniczone przez Sobór Literacki w 1215 r., najpierw we Francji, a następnie w innych krajach europejskich, wzniesiono piękne katedry, wyznaczając swoim wyglądem nowy świt kultury europejskiej i gotyku jako ruchu architektonicznego.

Katedra w Bourges

Pionierami architektury gotyckiej byli członkowie Zakonu Benedyktynów. To właśnie pod łukami burgundzkiego opactwa w Cluny opracowano własny typ bazyliki, po raz pierwszy zawarty w pięcionawowej bazylice w Cluny, zbudowanej w 1088 roku. Bazylikę wyróżniała obecność dwóch transeptów oraz część ołtarzowa powiększona dzięki koronie kaplic.

Zastosowanie korony kaplicy wynikało z szybko rozwijającego się w tamtym czasie kultu relikwii, o czym wspomniano nieco wcześniej. W 1220 roku bazylikę rozbudowano – od zachodu dobudowano budynek trzynaftowy, dzięki czemu bazylika stała się jednym z największych kościołów katolickich tamtych czasów. Trzecia bazylika w Cluny, zbudowana na bazie dwóch pierwszych, stała się prototypem zdecydowanej większości wielkoformatowych francuskich katedr w stylu gotyckim. Niestety, do dziś przetrwały jedynie rysunki, a sam budynek rozebrano w 1807 roku.

Trzecia Bazylika Cluny (rekonstrukcja)

Opat Suger poczynił wiele wysiłków na rzecz rozwoju architektury gotyckiej, pod którego przewodnictwem w pierwszej połowie XII wieku przebudowano bazylikę opactwa Saint-Denis. To właśnie to wydarzenie uważa się za punkt wyjścia dokładnej historii europejskiego gotyku.

Według planu Sugera światło zalewające świątynię jest symbolem bezgranicznego boskiego światła emanującego od samego Stwórcy. Jaśniejsze wnętrze kościołów gotyckich w porównaniu z romańskimi ułatwiło rewolucyjne odrzucenie kolumn na rzecz gotyckiej ramy. Oprócz tego, że wewnętrzna przestrzeń świątyni została teraz ujednolicona, technologia ta pozwoliła znacznie zaoszczędzić zasoby budowlane i wznieść wyższe konstrukcje. Kolejną charakterystyczną cechą architektury gotyckiej jest ścisła symetria, dzięki której wnętrza gotyckich katedr wyglądają bardzo harmonijnie.

Do najsłynniejszych przedstawicieli stylu gotyckiego we Francji należy katedra Notre Dame, a także katedry w Chartres, Reims, Laon, Bourges i Amiens.

Architektura gotycka w Anglii zaczęła pojawiać się pod koniec XII wieku. Warto zauważyć, że o ile we Francji nastąpił aktywny rozwój urbanistyczny, o tyle miasta angielskie rozwijały się raczej powoli, a kościoły gotyckie miały przeważnie charakter klasztorny. Za najczystszy przykład wczesnego okresu angielskiego gotyku uważa się katedrę w Salisbury, a Canterbury uważa się za główną katedrę gotycką w Anglii.

Budowlą, która ma najbardziej wspólne cechy z francuskim gotykiem, jest budynek londyńskiej katedry Westminster Abbey – to tutaj koronowano i pochowano normańskich władców Anglii, poczynając od Wilhelma Zdobywcy. Wśród innych znaczących angielskich przykładów architektury gotyckiej można wymienić katedry w Durham, Yorku, Winchester, Eley i Lincoln.

Katedra w Canterbury

Gotyk przybył do Niemiec z Francji, ale z czasem nabył swoje unikalne cechy. Część budynków, których budowę rozpoczęto znacznie wcześniej, ukończono z wykorzystaniem charakterystycznych gotyckich elementów wystroju i konstrukcji, stając się podstawą niepowtarzalnego stylu romańsko-gotyckiego, do którego zaliczają się kościół Michała, kaplica św. Bartłomieja, katedra Św. św. Kiliana i innych.

Eksperci nazywają kościół Najświętszej Marii Panny w Trewirze jedną z pierwszych budowli o charakterze wyłącznie gotyckim, której kształt to równo zakończony krzyż, wydłużony jedynie w części ołtarzowej. Nowością, niespotykaną we Francji, było umieszczenie po dwie kaplice w każdym narożniku krzyża. Gotyk niemiecki ma także inne różnice w stosunku do francuskiego: bardziej rygorystyczne geometrycznie formy, wejście z bocznej fasady, jedna lub cztery wieżyczki (we Francji tradycyjnie są dwie), bardziej rygorystyczna dekoracja zewnętrzna budynków itp. Jedynym wyjątkiem jest katedra w Kolońska, stworzona w charakterystycznym dla francuskiego stylu gotyku.

W północnej części Europy, ze względu na niedobór piaskowca i marmuru, tradycyjnie używanych do budowy katedr gotyckich, tzw. gotyk ceglany. Budowniczowie zastosowali cegłę figurową, co umożliwiło stworzenie wzorów gotyckich nie gorszych niż z ciosanego kamienia.

Gotyk aktywnie rozwijał się w Hiszpanii, Holandii, Czechach, Włoszech - styl ten wszędzie ulegał pewnym zmianom, zachowując jednocześnie wspólne cechy. Rozwój gotyku przerwała Czarna Śmierć, która w XIV wieku zgładziła prawie jedną trzecią ludności Europy. Następnie gotyk przeżył swego rodzaju odrodzenie pod nazwą „płonący gotyk” - widoczne były już w nim cechy manieryzmu.

Duomo, katedra w Mediolanie, płonący gotyk

Architektura gotycka zanikła ostatecznie na początku XV wieku, zastąpiona architekturą renesansu, której mistrzowie czerpali inspiracje z kultury duchowej i materialnej starożytności.

Architektura neogotycka spłonęła w latach 50. XVIII wieku za namową brytyjskiej arystokracji, po czym w Europie kontynentalnej zwróciła się ku gotykowi. Sprzyjała temu idealizacja średniowiecza i odrzucenie priorytetów starożytności. Neogotyk stał się stylem narodowym wiktoriańskiej Wielkiej Brytanii. W tym okresie w całej Europie ukończono i odnowiono opuszczone i niedokończone katedry, czego uderzającym przykładem jest wspomniana już katedra w Kolonii.

Na terytorium Rosji u zarania gotyku europejskiego istniały pilniejsze problemy niż budowa katedr, zwłaszcza że charakterystyczne dla katolicyzmu formy gotyckie tak naprawdę nie pasowały do ​​tradycji prawosławnej. Jednak w XVIII wieku, wraz z nastaniem neogotyku w Europie, Imperium Rosyjskie mimo wszystko wykształciło swój własny, niepowtarzalny rosyjski pseudogotyk, który zawierał tradycyjne cechy i elementy gotyku

Słowa „gotycki” i „gotycki” pochodzą od nazwy wojowniczego, barbarzyńskiego plemienia Gotów, które zadało śmiertelny cios wielkiemu Cesarstwu Rzymskiemu. Po raz pierwszy w okresie renesansu sztukę średniowieczną zaczęto nazywać gotycką, ponieważ ludzie uważali ją wówczas za prymitywną i barbarzyńską. Ale Goci nie mają z nim nic wspólnego.

Każda epoka zrodziła własną sztukę, odpowiadającą jej warunkom, bliską i zrozumiałą dla ówczesnych ludzi.

W średniowieczu władza Kościoła była tak wielka, że ​​nawet królowie zmuszeni byli się jej podporządkować.

Religia wymagała od człowieka wyrzeczenia się wszystkiego, co ziemskie, musiał myśleć tylko o Bogu. I ludzie zaczęli budować świątynie o niespotykanej architekturze.

Wysokie sklepienia katedr, kolorowe witraże, przez które wlewały się promienie światła, uroczyste dźwięki organów – wszystko to pobudzało wyobraźnię ludzi, zaszczepiało w nich ideę świętości boskiej mocy i odwracało ich na religię.

W niszach zewnętrznych ścian, przy wejściu i wewnątrz katedr znajdowało się wiele posągów, lecz nie przypominały one posągów starożytnego świata.

Sztuka starożytnych mistrzów, jasna i radosna, wychwalała fizyczne piękno człowieka. Sztuka średniowieczna to inna sprawa. Religia chrześcijańska nauczała, że ​​sam człowiek i jego ciało są grzeszne. Aby odpokutować za ten grzech, człowiek musi pomyśleć o zbawieniu swojej duszy i umartwieniu swojego ciała. Ziemskie życie zostało mu dane tylko po to, aby przygotować się na życie pozagrobowe.

Tutaj zrodziło się pragnienie średniowiecznych mistrzów ucieleśnienia w postaci osoby, przede wszystkim jego doświadczeń i uczuć. Często zadajecie sobie pytanie: czy naprawdę żaden ze średniowiecznych artystów nie potrafił poprawnie oddać proporcji sylwetki ludzkiej? Oczywiście, że mogliby, ale po prostu wcale tego nie potrzebowali. W końcu ich zadaniem było przekazanie duchowego impulsu danej osoby. Dlatego powiększyli oczy, podkreślili żałobne fałdy twarzy i wydłużyli figurę. Udało im się stworzyć nieśmiertelne dzieła, w których odsłoniły nieskończone bogactwo duchowego świata człowieka.

ARCHITEKTURA

Cała sztuka gotycka wywodzi się z architektury gotyckiej. Od końca XII wieku w miastach wyzwolonych spod władzy panów budowano obiekty handlowe, ratusze i katedry. Główną ozdobą miasta była katedra, którą budowano przez dziesiątki, a czasem nawet setki lat. Dzięki wielu ogromnym oknom gotyckie katedry wydają się jasne i przejrzyste. Wyglądają, jakby były utkane z kamiennej koronki. Strome zbocza dachów, ostrołukowe łuki, wysokie wieże zwieńczone cienkimi iglicami – wszystko to sprawia wrażenie szybkiego pędu w wyżyny. Wysokość wież największych gotyckich katedr sięga 150 metrów. Gotyckie katedry są nie tylko wysokie, ale i bardzo długie: np. Chartres ma 130 metrów długości, a transept ma 64 metry długości, a żeby ją obejść, trzeba przejść co najmniej pół kilometra. I z każdego punktu katedra wygląda na nową. W przeciwieństwie do kościoła romańskiego o wyraźnych, dobrze widocznych formach, katedra gotycka jest rozległa, często asymetryczna, a nawet niejednorodna w swoich częściach: każda jej fasada z własnym portalem jest indywidualna.

To naprawdę pochłonęło świat średniowiecznego miasta. Jeśli nawet teraz, we współczesnym Paryżu, nad miastem panuje katedra Notre Dame, a architektura baroku, imperium i klasycyzmu przed nią blaknie, to można sobie wyobrazić, jak jeszcze efektownie wyglądała wtedy, w tamtym Paryżu, wśród krętych uliczek i małe dziedzińce wzdłuż brzegów Sekwany.

Katedra była wówczas czymś więcej niż tylko miejscem nabożeństw. Razem z ratuszem stanowił centrum całego życia publicznego miasta. Jeśli ratusz był ośrodkiem działalności gospodarczej, wówczas w katedrze oprócz nabożeństw odbywały się przedstawienia teatralne, wygłaszano wykłady uniwersyteckie, czasem obradował parlament, a nawet zawierano drobne umowy handlowe. Wiele katedr miejskich było tak dużych, że cała ludność miasta nie była w stanie ich wypełnić.

Sztuka gotycka rozwijała się różnie w różnych krajach. Największy rozkwit miał miejsce we Francji i Niemczech. Ale we Włoszech są katedry, które zadziwiają swoim przepychem i doskonałością. Kiedy spacerujesz starożytnymi ulicami Mediolanu w kierunku centrum miasta, przed twoimi oczami wznoszą się niekończące się ażurowe wieżyczki i iglice katedry w Mediolanie. Ogromny i jednocześnie smukły, ozdobiony rzeźbionym marmurem przypominającym koronkę. To jedyna marmurowa katedra w Europie. Został zbudowany około sześciu wieków. Sam okres jest ogromny, ale wcale nie rzadki w budowie katedr gotyckich; często były one uzupełniane i przebudowywane. Miasto rosło, a wraz z nim rosła katedra, w której skupiało się wszystko, co tworzyła sztuka średniowieczna.

RZEŹBA, MALARSTWO I SZTUKI UŻYTKOWE

Rzeźba w średniowieczu była nierozerwalnie związana z budownictwem sakralnym. Katedry ozdobiono wieloma posągami „świętych”, biskupów i królów. Rzeźba bardzo subtelnie oddaje rysy twarzy i dłoni.

Według duchowieństwa sztuka miała służyć jako „biblia dla niepiśmiennych”. Ściany świątyń pomalowano malowidłami, z których spoglądały surowe twarze świętych i samego Boga na wiernych. Obrazy strasznych męk grzeszników w piekle miały wzruszać wierzących.

Posągi i malownicze wizerunki „świętych” były niebotycznie wydłużane lub znacznie skracane. W tamtym czasie artyści nie byli jeszcze świadomi praw perspektywy, dlatego postacie na ich obrazach wydają się płaskie. Średniowieczni artyści często nadawali postaciom nienaturalne pozy i gesty, aby mocniej przekazać uczucia religijne, takie jak wiara w Boga czy pokuta za grzechy. Rzeczywiście wiele posągów i obrazów zadziwia swoją wyrazistością. Utalentowanym mistrzom często udało się odzwierciedlić w nich to, co zaobserwowali w życiu.

Zachowane obrazy ikonowe, malowane na desce techniką tempery, wyróżniają się jasną kolorystyką i dużą ilością złota. Zwykle główny bohater obrazu znajdował się pośrodku i był większy niż postacie stojące w pobliżu.

W wielu przypadkach unikalne przykłady sztuki gotyckiej stworzyli średniowieczni mistrzowie, których nazwiska do nas nie dotarły. Cerkiewno-religijny charakter kultury średniowiecznego społeczeństwa znalazł odzwierciedlenie w stylu i celu rzeczy. Na przykład monety pomagają odtworzyć politycznie burzliwą mapę feudalnej Europy.

Złotnicy i złotnicy wykonywali unikalne naczynia kościelne zdobione filigranami, kamieniami półszlachetnymi i emaliami champlevé. Wykorzystano rzeźbę z kości słoniowej. Wszystkie te różne techniki wykorzystano do wykonania płyt ołtarzowych, okładek książek, misek ręcznych, świeczników, krzyży procesyjnych, trumien itp.

Zbroja gotycka miała spiczaste kontury i składała się z oddzielnych metalowych płyt spiętych ze sobą pasami. Pancerz zawierał do 160 płyt, waga wahała się od 16 do 20 kg.

ODZIEŻ GOTYCKA

W XII wieku, przede wszystkim we Francji, strój romański, bardziej przypominający szaty klasztorne, był stopniowo zastępowany strojem ściślej dopasowanym do sylwetki i pełnym wdzięku. Szorstki, fragmentaryczny ubiór poprzedniej epoki zostaje zastąpiony pięknie skrojoną suknią, uszytą według wszelkich praw krawiectwa, której ogólny krój jest dostosowany do sylwetki noszącej. Modę gotycką możemy obserwować z jej obcisłym strojem, charakterystyczną pozycją ciała i sposobem noszenia ubrań, przyglądając się monumentalnym postaciom świętych i królów na fasadach i portalach katedr, a także w miniaturach artystycznych średniowiecznych artystów. Zmieniony krój ubioru przejawiał się przede wszystkim we wzorze rękawów i ich łączeniu z ramionami. Dopasowana do stawu barkowego sukienka dopasowuje się do linii ciała w taki sposób, że samo ciało jest widoczne.

Tradycyjny strój obejmował także płaszcz wykonany z sukna i podszyty tkaniną w innym kolorze lub futrem.

Kobiety zakrywały głowy welonami wykonanymi z cienkiego materiału. Miały swoje własne znaczenie symboliczne. I tak na przykład smutek podkreślany był nie tylko ciemnym ubraniem, ale także położeniem narzuty, która wówczas była głęboko naciągnięta na twarz.

Mężczyźni oprócz obcisłych spodni nosili krótkie kurtki. Wyjrzałe koszule i obcisłe spodnie szczegółowo zarysowały męską sylwetkę. Mężczyźni nosili także buty ze spiczastymi czubkami.

W modzie późnogotyckiej bardzo popularnym kolorem była czerń, zwłaszcza gdy suknia była wykonana z aksamitu.

Bielizna damska w okresie późnego gotyku stała się jeszcze bardziej misternie krojona, a teraz jeszcze bardziej dopasowana do ciała. Postać kobieca w tym czasie ukazana jest z wysoko uniesionymi i wystającymi do przodu piersiami, dzięki wysoko uniesionemu pasowi, a głęboki dekolt w kształcie litery „V” zmniejsza stanik sukni.

Kaznodzieje potępiali to ubranie jako grzeszne, podłe i obsceniczne. Luksusowa odzież budziła w nich także strach o przyszłość gospodarki swoich obywateli. Ostro sprzeciwiali się wszelkim ekscesom w strojach, a zwłaszcza luksusowi ubioru, w jakim wierzący chodzili do kościoła.

LITERATURA RYCERSKA

Wraz z rozwojem oświaty rozwijała się także literatura. Poeci-rycerze pisali wiersze; adaptując pieśni ludowe, tworzyli całe powieści wierszowane i wiersze o militarnych wyczynach panów feudalnych.

Najsłynniejszy poemat rycerski „Pieśń o Rolandzie” powstał we Francji w XI–XII wieku. Opowiada o bohaterskiej śmierci oddziału hrabiego Rolanda podczas odwrotu Karola Wielkiego z Hiszpanii. Podbój Hiszpanii przedstawiony jest w wierszu jako wojna chrześcijan z muzułmanami. Roland ma wszystkie cechy nieskazitelnego rycerza. Dokonuje bajecznych wyczynów i umiera, ani przez minutę nie myśląc o złamaniu przysięgi wierności swemu panu.

„Pieśń o Rolandzie” odzwierciedlała także uczucia ludu: mówi o żarliwej miłości do „drogiej Francji” i nienawiści do wrogów. Wiersz potępia tych feudalnych panów, którzy zdradzają Francję.

Sztukę romańską i ustalony styl zastąpiła sztuka gotycka ( gotyk; z włoskiego gotico – gotyk, od nazwy niemieckiego plemienia Gotów). Termin gotyk jako synonim barbarzyństwa, po raz pierwszy został użyty przez ludzi renesansu do scharakteryzowania sztuki średniowiecznej (w przeciwieństwie do sztuki rzymskiej), która nie nawiązywała do tradycji i cech stylistycznych starożytności i dlatego nie budziła zainteresowania współczesnych.

Zwiększone uniesienie i zainteresowanie uczuciami odróżniają tę sztukę od romańskiej. Między romański I gotyk stylu trudno wyznaczyć granicę chronologiczną.

Rozkwit stylu romańskiego, który nastąpił w XII wieku, stał się jednocześnie impulsem do wyłonienia się innego stylu, z innymi charakterystycznymi ideałami estetycznymi i zasadami kompozycji form. W historii sztuki zwyczajowo rozróżnia się gotyk wczesny, dojrzały (wysoki) i późny (tzw. płonący). Wysoki gotyk osiągnął swój szczyt w XIII wieku, późnogotycki w XIV-XV wieku. Sztuka gotycka, rozwijająca się w krajach, w których dominował Kościół chrześcijański, pozostawała w przeważającej mierze kultowa i religijna. Charakteryzuje się symboliczno-alegorycznym sposobem myślenia i konwencjonalnym językiem artystycznym. Ze stylu romańskiego gotyk odziedziczył prymat architektury w systemie sztuki i tradycyjnych typach budynków. Katedra zajmowała szczególne miejsce w sztuce gotyckiej - najwyższy przykład syntezy architektury, rzeźby i malarstwa.

Styl gotycki w architekturze

Katedra w Strasburgu. Koniec XII-XV wieku. Francja - Katedra w Strasburgu

Katedra w Reims, fasada zachodnia. Budowę rozpoczęto w 1211 r., a ukończono w XV wieku.

Katedra w Salisbury, spiczaste łuki. Anglia - Katedra w Salisbury

Katedra Najświętszej Marii Panny w Lincoln. 1185-1311 Anglia – Kościół katedralny Najświętszej Marii Panny z Lincoln

Katedra w Kolonii. Budowę rozpoczęto w 1248 r., ukończono w latach 1842-1880. Niemcy - Katedra w Kolonii

Katedra Notre Dame, fasada zachodnia. 1163 r XIV wiek Francja - Katedra Notre Dame

Katedra w Chartres, portal północny. Budowę rozpoczęto w 1194 r., konsekrowano w 1260 r. Francja – Katedra w Chartres

Katedra w Exeter. 1112-1400 Anglia - Kościół katedralny św. Piotra w Exeter

...portal zachodni (królewski), ukończony w 1150 r. Rzeźby stanowią widoczne przejście od stylu romańskiego do gotyckiego

Gigantyczna przestrzeń katedry skierowana ku górze, podporządkowanie rzeźby rytmom podziałów architektonicznych, rzeźbienie w kamieniu ozdobnych ozdób i malowanie witraży wywarły na wierzących silne oddziaływanie emocjonalne.

Miejskie zespoły architektoniczne obejmowały budowle sakralne i świeckie, fortyfikacje, mosty itp. Na głównym placu miejskim często ustawiano budynki mieszkalne z podcieniami, których dolne kondygnacje zajmowały lokale handlowo-magazynowe. Wzdłuż ulic odchodzących od placu i wzdłuż wałów budowano domy dwu- i trzypiętrowe, często z wysokimi szczytami.

Miasta otoczone były potężnymi murami z wieżami podróżnymi. Zamki stopniowo przekształcały się w złożone zespoły twierdz, pałaców i obiektów kulturowych.

Zwykle w centrum miasta budowano katedrę, która była centrum kulturalnym całego miasta. Odprawiano tu nabożeństwa, odbywały się dysputy teologiczne, odgrywano misteria, odbywały się spotkania mieszczan. W tamtej epoce budową zajmował się nie tylko kościół, ale także gmina poprzez profesjonalne warsztaty rzemieślnicze.

Kosztem mieszczan wzniesiono najważniejsze budowle, a przede wszystkim katedry. Często nad stworzeniem jednej świątyni pracowało wiele pokoleń. Okazałe gotyckie katedry znacznie różniły się od romańskich kościołów klasztornych. Są wysokie, bogato zdobione i bardzo pojemne.

Dynamika i malowniczość katedr zaczęła determinować charakter krajobrazu miasta. W ślad za katedrą w górę pędziły także domy miejskie. Cała kompozycja katedry, z narastającym rytmem wszystkich jej głównych elementów od dołu do góry, została wygenerowana przez religijne, idealistyczne dążenie duszy do nieba. Katedra gotycka rozwinęła budowlę typu bazylikowego, w której wszystkie jej elementy zaczęły podlegać jednemu systemowi stylowemu. Zasadniczą różnicą między katedrą gotycką a katedrą romańską jest stabilny układ szkieletowy, w którym główną rolę odgrywają sklepienia krzyżowo-żebrowe wykonane z kamienia oraz łuki ostrołukowe, które w dużej mierze decydują o wyglądzie wewnętrznym i zewnętrznym katedry.

Łuki ramowe powstałe na przecięciu sklepień krzyżowych, tzw. żebra (od nerwu francuskiego – żebro, fałda) w dojrzałym gotyku, łączyły podpory przęseł nawy głównej i naw bocznych, gdzie na każde prostokątne przęsło nawy głównej nawowych nawy boczne posiadały dwa kwadratowe przęsła

Formy architektury zaczęły wyrażać chrześcijańską ideę duchowości, wznoszenia się, dążenia w górę, do nieba. Cechą stylu gotyckiego jest dematerializacja formy. Konstrukcja i właściwości materiału nie determinują już obrazu wizualnego. Wchodząc do świątyni, osoba zobaczyła wznoszący się rząd cienkich kolumn, który zakończył się wiązką jeszcze cieńszych żeber sklepień (żeber), jakby unoszących się na wysokości. W rzeczywistości te ogromne sklepienia opierały się na specjalnych filarach wsporczych ukrytych w wiązce cienkich kolumn. Boczny napór łuków nawy głównej został stłumiony nie przez ściany, które były solidną kamienną koronką, ale przez latające przypory za pomocą masywnych filarów-przypór, wyniesionych i wspartych na ramie budynków i dlatego niewidocznych dla osoba wewnątrz katedry. Tutaj obraz wizualny nie pokrywał się z działaniem rzeczywistej konstrukcji. Jeśli projekt działał na kompresję, wówczas obraz wizualny wyrażał ideę wniebowstąpienia, dążenie duszy do nieba.

Złożona konstrukcja szkieletowa gotyckiej katedry, najwyższy przejaw sztuki architektonicznej i budowlanej tamtych czasów, pozwoliła przezwyciężyć masywność budowli romańskich, rozjaśnić ściany i sklepienia oraz zapewnić jedność i wzajemne połączenie wszystkich elementów jej budowli. środowisko obiektowo-przestrzenne.

Gotyk powstał w północnej części Francji (Ile-de-France) w połowie XII wieku, a swój szczyt osiągnął w pierwszej połowie XIII wieku. i istniał do połowy lat 20. XX w. XVI wiek Kamienne gotyckie katedry otrzymały we Francji swoją klasyczną formę. Z reguły są to bazyliki 3-5-nawowe z nawą poprzeczną-transeptem i półkolistym chórem (deambulatorium), do których przylegają kaplice promieniste (korona kaplic). Wrażenie ruchu w górę i w stronę ołtarza tworzą rzędy smukłych kolumn i wzniesienia ostrołukowych łuków, przyspieszony rytm arkad górnej galerii (triforium). O malowniczości przestrzeni wewnętrznej katedry decyduje przede wszystkim kontrast iluminacji naw głównych i słabo oświetlonych naw bocznych oraz kolorowych witraży.

Fasady katedr zdobią ostrołukowe łuki oraz takie kompozycyjne i figuratywno-plastyczne elementy wystroju architektonicznego, jak wzorzyste wimperg, fiolka, krab itp. Posągi na konsolach przed kolumnami portali i w górnej galerii łukowej, płaskorzeźby na kapitelach kolumn, cokołach i tympanonach portali tworzą rodzaj wielokondygnacyjnego obrazu, który zdaje się ukazywać różne epizody Pisma Świętego, obrazy alegoryczne, postacie rzeczywiste itp.

Na głównych placach miast zaczynają budować ratusze, które zwykle są dekorowane. Zamki przekształcane są w pałace (np. pałac papieski w Awinionie, 1334-1352). W XV wieku powstał typ bogatej rezydencji miejskiej, tzw. hotel (na przykład hotel Jacques'a Kerra w Bourges, 1453, hotel Cluny w Paryżu, koniec XIV wieku itp.).

W tym czasie następuje wzbogacenie i powikłanie syntezy sztuk, co zarysowało się nawet w stylu romańskim, który odzwierciedlał średniowieczną ideę rzeczywistości i życia pozagrobowego. Głównym rodzajem sztuki pięknej była rzeźba, która otrzymała nową interpretację plastyczną w stylu gotyckim. Statyczną rzeźbę romańską zastąpiono dynamiczną rzeźbą gotycką, w której przedstawione postaci zdają się zwracać do siebie i do widza.

Dojrzały gotyk charakteryzuje się dalszym wzrostem wertykalności linii i dynamicznym pchnięciem ku górze. Katedra w Reims – miejsce koronacji królów francuskich – to jedno z najbardziej integralnych dzieł gotyku, wspaniała synteza architektury i rzeźby.

Fabuła zaczyna zajmować ważne miejsce w sztuce gotyckiej, w tym w rzeźbie. Rośnie rola wątków świeckich, ale Sąd Ostateczny pozostaje najczęstszą fabułą gotyku. Tematyka ikonograficzna zaczyna się stopniowo rozwijać. Zainteresowanie człowiekiem, jego życiem duchowym i doczesnym wyrażało się w przedstawianiu scen z życia świętych. Wybitny przykład przedstawienia legend o świętych pochodzi z ostatniej ćwierci XIII wieku. tympanon Historia św. Szczepana na portalu katedry Notre Dame.

Włączenie prawdziwych motywów jest również typowe dla wielu małych płaskorzeźb. Podobnie jak w kościołach romańskich, także w katedrach gotyckich duże miejsce zajmują wizerunki potworów i fantastycznych stworzeń – tzw. chimer.

Uważa się, że pierwsze dzieło architektury gotyckiej pojawiło się podczas przebudowy kościoła opackiego Saint-Denis w latach 1137-1144. Wczesny gotyk obejmuje także katedry w Lanie, Chartres i Paryżu. Największym osiągnięciem sztuki wczesnogotyckiej jest katedra Notre Dame (katedra Notre Dame de Paris), założona w 1163 roku, a ukończona została do połowy XIV wieku. Katedra w Chartres, założona w XII wieku. i konsekrowany w 1260 r., pozostaje jednym z najpiękniejszych w Europie.

Wspaniałe katedry dojrzałego gotyku w Reims (1211-15 w.) - największa katedra we Francji (150 m długości i wysokość wieży 80 m) oraz w Amiens (1220-1269) wyróżniają się doskonałością kompozycji architektonicznej , bogactwo wystroju rzeźbiarskiego i malarskiego. , gdzie katedra ma długość 145 m i wysokość nawy głównej 42,5 m, a także kościół Sainte-Chapelle w Paryżu (1243-1248), zbudowany jako kaplica pałacu królewskiego z licznymi witrażami. Od mniej więcej połowy XIII-XIV w. majestatyczne katedry gotyckie budowano w innych krajach Europy: we Włoszech (w Wenecji, Sienie, Mediolanie), Niemczech (w Marburgu, Naumburgu, Ulm, Kolonii), Anglii (w Londynie, Salisbury), Hiszpanii (w Barcelonie, Burgos, Lona, Toledo), Austrii (Wiedeń), Flandrii (Bruksela), Czech (Praga) i innych, gdzie gotyk otrzymał swoistą lokalną interpretację. W wyniku wypraw krzyżowych architekci Rodos, Cypru i Syrii zapoznali się z zasadami budownictwa gotyckiego.

W epoce gotyku powstały prawdziwe arcydzieła rzeźby: płaskorzeźby i posągi północnego portalu katedry w Chartres, głęboko ludzki obraz błogosławiącego Chrystusa na zachodniej fasadzie katedry w Amiens, wizerunki grupy Nawiedzenia Marii Elżbiety na zachodnim portalu katedry w Reims. Prace te wywarły ogromny wpływ na rozwój całej rzeźby zachodnioeuropejskiej.

Rzeźbę katedr w Niemczech (w Bambergu, Magdeburgu, Naumburgu) wyróżnia ekspresja, żywotna konkretność i monumentalność obrazów. Świątynie dekorowano płaskorzeźbami, posągami, witrażami, wzorami kwiatowymi i wizerunkami fantastycznych zwierząt. W dekoracji kościołów, oprócz religijnych, pojawiało się już wiele motywów świeckich.

W malarstwie gotyckim witraże stały się głównym elementem kolorystyki wnętrz. Szczególnie wyróżniają się witraże kaplicy Sainte-Chapelle i katedry w Chartres. Malowidła freskowe, które obok scen kanonicznych obejmowały tematykę świecką i portrety, zdobiły ściany pałaców i zamków (malowidła pałacu papieskiego w Awinionie). W miniaturach gotyckich nasiliło się dążenie do rzetelnego odtworzenia natury, poszerzył się zakres ilustrowanych rękopisów, a ich tematyka została wzbogacona. Pod wpływem sztuki holenderskiej i włoskiej pojawiło się malarstwo sztalugowe i portrety.

Styl gotyku francuskiego przejawiał się, oprócz katedr, w tworzeniu wygodnych, a jednocześnie uroczystych budynków, pałaców królów i najwyższej szlachty oraz elegancko zdobionych miejskich domów prywatnych. Na przykład w zamkach Amboise (1492-1498), w Gayon (1501-1510), w Pałacu Sprawiedliwości w Rouen (1499-połowa XVI wieku) itp.

W późnym (płonącym) gotyku, zwłaszcza we Francji, rozpowszechniły się ołtarze rzeźbiarskie we wnętrzach, łączące w sobie malowaną i złoconą rzeźbę drewnianą oraz malarstwo temperowe na drewnianych deskach. Do najlepszych przykładów francuskiej sztuki gotyckiej należą małe rzeźby z kości słoniowej, srebrne relikwiarze, emalia z Limoges, gobeliny i rzeźbione meble. Późny gotyk charakteryzuje się bogatą dekoracją kryjącą podziały architektoniczne, pojawieniem się zakrzywionych linii i fantazyjnym układem otworów okiennych przypominającym płomienie (kościół Saint-Maclou w Rouen, 1434-1470, ukończenie budowy opóźniono do 1580 r.). W miniaturach starano się przekazać przestrzeń i objętość. Wzrasta liczba powstających budynków świeckich (bramy miejskie, ratusze, budynki warsztatowo-magazynowe itp.).

Meble w stylu gotyckim

Wnętrza wczesnogotyckie są jeszcze dość skromne, a ich elementy noszą jeszcze ślady romańskie. Okres ten charakteryzował się podłogami drewnianymi lub wyłożonymi kafelkami pokrytymi dywanami. Ściany wyłożone są panelami z desek, ozdobionymi jasnymi malowidłami ściennymi lub dywanami. Okna są przeszklone, ale nie ma jeszcze zasłon. Do dekoracji pomieszczeń rzadko używa się obrazów, zamiast tego wykonuje się malowidła ścienne i drzeworyty, sufity wykonane są z reguły o konstrukcji drewnianej, belkowej z krokwiami otwartymi na zewnątrz, jednak dobrze zdobionymi. Istnieją również sufity obrębione, wyłożone gładkimi deskami lub rozcięte częstymi listwami i ozdobione dekoracyjnym malowidłem. W krajach takich jak Francja czy Anglia, centrum wnętrza stanowił kominek, bardzo bogato zdobiony. W Niemczech od połowy XV wieku. We wnętrzach coraz większą rolę zaczynają odgrywać piece kaflowe. Wszystkie meble mają ciężkie proporcje, nadmiar materiału, są niewygodne i zwykle umieszczane są wzdłuż ścian. Początkowo niemal każdy mebel wczesnogotycki (i nie tylko) ma korzenie kościelne. Później, wraz z rozwojem technologii meblarskiej, powstały dobrze wykonane meble kościelne do zakrystii, sal chórowych itp., co w ogromnym stopniu wpłynęło na dalszy rozwój mebli w domach miejskich. Ułatwiło to wprowadzenie do projektowania obiektów meblowych techniki dziania drewna z ramą i prawie wszystkimi innymi technikami stolarskimi do łączenia części, a także wynalezienie zapomnianej od starożytności piły dwuręcznej. Piłę wynaleziono na nowo dopiero na początku XIV wieku. w Niemczech i od tego czasu zamiast grubych, grubo ciosanych desek, można było uzyskać cienkie i równomiernie przetarte deski. Już na początku XV w. Opracowano wszystkie znane nam techniki dziania narożników desek.

Stopniowo domy średniowiecznej arystokracji były coraz bardziej dekorowane, co jest szczególnie widoczne we wnętrzach sal recepcyjnych i pokoi gościnnych, wyposażonych w bogato zdobione meble. Budynki mieszkalne zamożnych obywateli wzorują się na szlachcie, zachowują jednak pewną powściągliwość i prostotę dekoracji i wyposażenia. Całość projektu nawiązuje do wystroju architektonicznego budynków kamiennych, zwłaszcza budynków świątynnych. Dopiero w XV wieku, w okresie ekstrawaganckiego gotyku, kiedy architektura gotycka zaczęła być szczególnie aktywnie nasycana wystrojem rzeźbiarskim, gotycki ornament zaczął obficie ozdabiać ustalone wcześniej stabilne formy mebli, w których techniki konstrukcyjne związane były z zasadami budowlanymi architektury gotyckiej pojawił się. Oprócz zapożyczonych form architektonicznych obramień okiennych, portali, ostrołukowych wieżyczek z fiolami (iglicami), kolumn, sklepień ostrołukowych, wnęk itp., meble zdobione są także na ościeżnicach i płycinach z rzeźbionymi zdobieniami, w których można wyróżnić cztery główne typy być rozróżnialnym. Są to ażurowa ozdoba geometryczna, ozdoba kwiatowa (liściasta), ozdoba wstążkowa oraz ozdoba tzw. fałdy lniane lub serwetki. Ponadto w okresie późnego gotyku meble, oprócz rzeźbienia, zdobiono malarstwem, złoceniem oraz bogato zdobionymi metalowymi częściami ram, zamków, zawiasów, dulek, a także rzeźbiarskimi wizerunkami ludzkich twarzy i postaci.

Gotycki ażurowy wzór geometryczny opiera się na prostych kształtach geometrycznych: okręgu, trójkącie, kwadracie, które można łatwo narysować za pomocą linijki i kompasu. Ażurowa ozdoba przedstawia tzw. maswerk (z niem. maßwerk – dosłownie praca według zastosowanych wymiarów) w formie skomplikowanego przecięcia części koła i linii prostych, w wyniku czego powstaje złożony wzór z ostrołukami i przeplotami, przypominający żebra budowli gotyckich.

W podobny sposób zbudowano słynną gotycką koniczynę, rozetę, czworobok, rysunek centralnego okna katedry - dużą rozetę. Późnogotycki ornament na maswerce był bardzo powszechny w całej Europie i Anglii. Z reguły taką dekoracją dekorowano ściany skrzyń, drzwi szafek i oparcia krzeseł. Masverk wykonywany jest techniką głębokiego rzeźbienia, gdy tło pogłębia się w stosunku do ornamentu, dzięki czemu elementy ornamentu zostają precyzyjnie wyprofilowane, a ich kontury wygładzone i zaokrąglone. Przypomina to trochę rzeźbę reliefową, choć tutaj relief jest wycięty w całości w płaszczyźnie deski (panelu), bez wznoszenia się ponad jej powierzchnię. Ozdoba roślinna wykonana jest w formie stylizowanych ostrych liści i loków, stopniowo uzyskując formy naturalistyczne.

Od końca XV w. na panelach szczególnie powszechny jest płaski ornament w postaci kawałka pergaminu lub płótna z wzorzystymi krawędziami ułożonymi w dwustronne fałdy bajtowe. Ozdoba wykonana jest w formie płaskiego reliefu. Tego typu ozdoby spotykane są w dużych ilościach na obiektach meblowych we Francji, Niemczech i Anglii. Był szczególnie szeroko stosowany w szafach i skrzyniach produkowanych w Kolonii i Gandawie.

Meble gotyckie na północy i zachodzie Europy (we Francji, Holandii, północno-zachodnich Niemczech i Anglii) wykonywano głównie z drewna dębowego, na południu i wschodzie (w Tyrolu, Szwajcarii, Austrii, Węgrzech) używano drewna sosnowego i świerkowego, gdyż a także modrzew i jałowiec.

Głównym rodzajem mebli do przechowywania rzeczy, a także siedzenia i leżenia w domach szlachty i zwykłych mieszczan jest skrzynia, z której formy powstają takie nowe typy mebli, jak fotel-komoda, komoda (garderoba ), z czasem powstał kredens i kredens. Pod względem wielkości gotyckie skrzynie są szersze i wyższe niż włoskie renesansowe skrzynie cassone. Z reguły skrzynie mają górne żelazne zawiasy, za pomocą których przymocowano pokrywę. Pętle te, a także duże, nakładane żelazne zamki z ażurowymi zdobieniami, stanowią elementy dekoracyjne skrzyni.

Od XV wieku Boczne ściany skrzyń pokrywają bogate rzeźbienia w postaci ornamentów maszwerkowych, roślinnych, kamiennych obramień gotyckich okien i innych elementów architektonicznych dekoracji budowli. Bogato zdobiona jest także ściana frontowa, szczególne miejsce zajmuje herb właściciela skrzyni oraz wzorzysty, dobrze rzeźbiony zamek. Czasami oprócz motywów architektonicznych wykonywane są całe sceny rzeźbiarskie o tematyce religijnej i świeckiej. W ostatecznym wykończeniu skrzyni uczestniczą także malarz i złotnik.

W średniowiecznych domach, niezależnie od statusu właściciela, było zimno, a nawet wilgotno, dlatego meble trzeba było podnosić ponad poziom podłogi. Dlatego też niektóre skrzynie miały nie tylko masywną, ukształtowaną i mocno wyprofilowaną podstawę, ale także były wykonane z nóg będących kontynuacją bocznych słupków ramy lub płaskich ścian bocznych z figuralnym wycięciem u dołu. Na południu Niemiec powszechne stały się sosnowe skrzynie z grawerowaniem i malowaniem kwiatów. Dopełnieniem tego wystroju był ryciny ornament na malowanym tle. Ażurowy wzór niewątpliwie pochodzi z głębokiego rzeźbienia, jednak proces jego tworzenia jest mniej pracochłonny. Wraz z pojawieniem się cienkich przetartych desek zaczęto stosować ozdoby od końca do końca, nałożone na główną malowaną deskę stanowiącą tło. Przy znacznie mniejszym nakładzie pracy uzyskano takie samo wrażenie wystroju w dwóch płaszczyznach. Technika ta stała się bardzo powszechna i na długo zadomowiła się nie tylko w sztuce ludowej niemieckiej, ale także szwajcarskiej.

Typami pojemników charakterystycznymi dla stylu gotyckiego były oprócz skrzyń także zapasy (sukienki). Prototypem takiej szafki jest komoda osadzona na czterech wysokich nogach, które od dołu połączone są poziomą ramą, której górna część obszyta jest deską. Dzięki temu powstała dolna półka, tuż przy podłodze. Następnie nogi szafki z trzech stron (tył i dwa boki) również zaczęto szczelnie zszywać deskami - uzyskano rodzaj wnęki. Górna część zaopatrzenia posiadała półki zamykane drzwiami uchylnymi lub uchylnymi.

Dostawcy tacy z reguły byli przeznaczeni do przechowywania naczyń i napojów. Najcenniejsze naczynia metalowe, w tym srebrne i szklane, umieszczono w górnej komorze, natomiast naczynia z polerowanej miedzi umieszczono na dolnej półce, znajdującej się w piwnicy. Zestaw został zapożyczony z użytku kościelnego, gdzie stanowił wyłącznie meble ołtarzowe, i dopiero wtedy przedostał się do życia świeckiego. Pojemniki takie nazywano kredensami i czasami miały kształt wysokiej skrzyni z poziomą górną powierzchnią. I dopiero z czasem taka klatka piersiowa została podniesiona i osadzona na wysokich nogach. U pierwszych francuskich dostawców górne części były wykonane w formie prostokątnego pudełka, którego ściany z desek łączono prostym dzianiem pudełkowym. Tylna i dwie boczne ściany skrzyni sięgały do ​​podłogi i zostały połączone na dole inną płaszczyzną dla zapewnienia sztywności i wytrzymałości, dzięki czemu dostawca stał wysoko nad podłogą. Dwoje, a czasem i troje drzwi wejściowych, wykonanych z solidnych, grubych desek, mocowano na ażurowych, żelaznych zawiasach. Same drzwi ozdobiono zdobieniami wykonanymi techniką głębokiego rzeźbienia. Na górze zapasów umieszczono drewniany baldachim, który chronił przed popiołem i sadzą z wciąż dymiących kominków. Naczynia umieszczono pod baldachimem i na dolnej powierzchni.

Później, wraz z opanowaniem konstrukcji ramowo-panelowej, dostawcy zaczęli wytwarzać bardziej złożone kształty sześciokątne, w których chęć rzemieślników uproszczenia proporcji i rozwinięcia kształtu w pionie, w tym poprzez górne toczone elementy dekoracyjne w postaci fiolek lub iglice, jest wyraźnie widoczne. W późniejszych, bogato zdobionych stawkach jej boczne ściany wsparte są na cienkich skręconych kolumnach, które w górnej części łączą ostrołukowe łuki. Przednie trzy ściany dostawcy mają takie same łuki, ale bez podpór, zakończone ciężarkami wiszącymi w powietrzu. Żebra powstałe na przecięciu krawędzi ścian ozdobione są rzeźbionymi ostrołukowymi gotyckimi wieżyczkami, czyli flakonami. Ściany dostawcy składają się z kilku ram z panelami. Ramy są mocno profilowane po bokach i u góry, co sprawia wrażenie nisz, w których głęboko osadzone są panele z rzeźbami o tematyce religijnej. W pozostałych przypadkach płyciny wypełniane są albo gotyckim motywem roślinnym, albo maską, albo wzorem fałdy lnianej, który w XVI wieku był bardzo aktywnie wykorzystywany obok renesansowych ozdób na przedmiotach meblowych.

W XV wieku Pojawiają się duże i bardzo nieporęczne szafki z dwoma lub czterema drzwiami (w postaci szafek dwupoziomowych), których panele z reguły ozdobione są wzorem lnianych fałd.

Meble do siedzenia stopniowo stawały się coraz bardziej urozmaicone, lecz nadal niechętnie oddzielały się od ścian, choć część takich mebli zaczęto już swobodnie umieszczać w pomieszczeniu. Przez długi czas najpopularniejszymi meblami do siedzenia i leżenia pozostawały ławki i skrzynie mocowane do ścian.

Siedziska stołków i krzeseł przybierają różnorodne kształty – kwadratowe, okrągłe, prostokątne, wielopłaszczyznowe.

Charakterystyczną odmianą krzesła gotyckiego jest skrzynia, do której przymocowano bardzo wysokie puste oparcie z pustymi łokciami. Siedzisko najczęściej było ułożone jako podnoszone, a oparcie zdobione motywami roślinnymi lub maswerkami i zakończone ażurowym gotyckim herbem, fiolkami, liliami francuskimi itp. Panele przednie i boczne skrzyni (skrzyni) takiego fotela były z reguły przetwarzane za pomocą lnianych fałd. Fotele umieszczano zwykle w pobliżu łóżka i dlatego nazywano je krzesłami nocnymi. Pełniły także funkcję domowej szafy. Siedzisko zostało wykonane z drewna, twardego, dolna szuflada przeszkadzała w pozycji siedzącej, bo... nie dało się ich odciągnąć, a rzeźbione pionowe oparcie nie wpływało na komfort siedzącej osoby. Krzesła te były bardzo powszechne we Francji i były mało przydatne w krajach na północ od niej.

Oprócz foteli najpopularniejszymi meblami do siedzenia były hokery, ławki i krzesła.

W biednych domach jedynym rodzajem siedzisk były prawdopodobnie taborety, których konstrukcja składała się z okrągłej lub trójkątnej deski z trzema lub czterema cylindrycznymi lub prostokątnymi nogami. Wykonywano także stołki o bardziej skomplikowanych kształtach z prostokątnym siedziskiem stojącym na bocznych wspornikach, które czasami zdobiono gotyckimi ostrołukami. Ławki często wykonywano w formie wydłużonych taboretów z prostokątnym siedziskiem dla kilku osób lub przypominały zwykłe skrzynie, których górna pokrywa przystosowana była do siedzenia. Takie ławki miały wysokie oparcie i z reguły ustawiano je pod ścianą. Nie zabrakło także ławek z odchylanym oparciem (z poprzeczką), które swobodnie ustawiano w pomieszczeniu lub instalowano w pobliżu kominka. Znany jest również dość prymitywny typ krzesła cylindrycznego, który został wykonany na bazie zwykłej beczki, do której przymocowano kilka dodatkowych części tylnych. Stosowano także inne rodzaje krzeseł, np. krzesło obrotowe (tzw. luterańskie), krzesła (fotele) na trzech lub czterech nogach tokarskich, przypominające siedziska z epoki romańskiej. Reszta mebli do siedzenia była znacznie bardziej zaawansowana i lepiej dostosowana dla człowieka. Były to stołki i krzesła wykonane na bazie starożytnych stołków w kształcie litery X, krzeseł i krzeseł kurulnych. Takie siedziska z przecinającymi się częściami podporowymi mają najstarszy rodowód, sięgający starożytnego Egiptu i starożytności.

Meble takie mówiły o potędze, jaką posiadał właściciel krzesła lub fotela, co dodatkowo podkreślała specjalna elewacja, na której stały, a w niektórych przypadkach także baldachim.

Najwcześniejsze znane stołki w kształcie litery X można było składać. Części nośne zostały przymocowane za pomocą poprzeczek, których górna część została przymocowana jaskrawo zdobionymi paskami, tworząc siedzisko. W innych przypadkach, aby stworzyć krzesło, oparcie było wyższe niż siedzisko i zamienione w oparcie. Dodatkowy komfort takiego krzesła uzyskano za pomocą filcowej tapicerki, poduszki i podnóżka.

Pojawiające się w okresie późnego gotyku, zwłaszcza we Włoszech i Hiszpanii, krzesła i fotele w kształcie litery X imitują jedynie kształt składany i reprezentują w istocie meble renesansowe, tzw. krzesła kurulne, w których ich boczne części wznoszą się ponad siedzisko i pełnią funkcję swego rodzaju łokci, czasami połączonych z oparciem. Krzesła takie były bogato zdobione płaskimi rzeźbami, malowane i złocone.

Z czasów gotyckich zachowało się bardzo niewiele łóżek, głównie z powodu niszczenia bujnych draperiów. Łóżka odgrywały ważną rolę w wyrażaniu statusu społecznego właściciela, co widać przynajmniej na licznych zachowanych malowidłach z tamtej epoki. W tym okresie łóżka państwowe w domach szlacheckich uważano za jedne z najdroższych i najbardziej prestiżowych mebli i często służyły bardziej do celów wystawowych niż do spania.

Podobnie jak skrzynie, łóżka w krajach Europy Zachodniej musiały być podnoszone na dużą wysokość, aby chronić je przed przeciągami i zimnymi, wilgotnymi podłogami. Łóżka w epoce gotyku, jeśli nie były wbudowane w ścianę, miały pół baldachim, pełny baldachim lub dużą drewnianą skrzynkę z baldachimem przypominającą szafę, ozdobioną rzeźbami i obrazami. Pojawiły się ciepłe draperie, które podczas przeprowadzek można było odpiąć i spakować do skrzyń.

Konstrukcja stołów gotyckich jest podobna do tablic z okresu romańskiego, choć ich zakres uległ zwiększeniu. Najbardziej charakterystycznym typem stołu jest prostokątny stół do jadalni z mocno wystającym blatem na dwóch prostokątnych panelach bocznych z desek. Tarcze te posiadały płaskorzeźby z gotyckimi zdobieniami, a w części środkowej otwory wykonane w formie pojedynczego lub podwójnego gotyckiego okna świątyni o charakterystycznym kształcie, łącznie z kratownicą. Czasami w skrzynkach podościeżnicowych wykonywano głębokie szuflady. Panele boczne na dole, w pobliżu podłogi, zostały ściągnięte za pomocą specjalnego pręta lub deski.

Na bazie tego typu stołu powstała później wczesna forma biurka z masywnym podnoszonym blatem, pod którym w podstawce znajdowało się wiele przegródek i małych szufladek, a poniżej ukryty przed wzrokiem ciekawskich pojemnik. Tego typu tablice, charakterystyczne m.in. dla południowych Niemiec i Szwajcarii, były używane przez kupców i kantorów aż do XVI wieku.

Blaty tych stołów wypełniają tradycyjny splot wstążkowy lub kwiatowe gotyckie wzory wykonane z głębokich rzeźb dębowych. Dodatkowy efekt dekoracyjny uzyskuje się poprzez kontrast tej szerokiej, płaskiej, przetartej woskiem rzeźby z lekko cofniętym płaskim tłem. Boczne panele nośne połączone są poziomą belką, której zewnętrzne końce są zwykle blokowane klinami. Znane są także stoły stojące na czterech skośnie ustawionych nogach połączonych nogami. Takie nogi z reguły miały płaską nić. W okresie późnego gotyku znane były także stoły rozkładane. Zaczęły pojawiać się stoły z prostokątnymi i okrągłymi blatami, stojące na jednym centralnym wsporniku. Blaty stołów zaczynają być pokrywane fornirem. Znane są próby prymitywnej inkrustacji.

Stoły zapożyczone z romańskiego nadal istniały w formie prostej drewnianej tarczy, którą mocowano na kozłach lub na dwóch składanych ze sobą pustych prostokątnych ramach.

Styl gotycki w meblach charakteryzują się znacznymi różnicami lokalnymi. Największą elegancją proporcji, dekoracji, a także proporcjonalności części wyróżniały się meble francuskie, które charakteryzują się dużą liczbą rodzajów komód, krzeseł z szufladami i wysokim oparciem, krzeseł, ław, stojaków, szafek itp. To prawda, że ​​w północnej Francji meble pozostawały pod silnym wpływem mebli holenderskich i miały bardzo ciężkie kształty, ale mimo to były pięknie zdobione. Wpływ ten wynikał z pracy wielu odwiedzających holenderskich snycerzy. W pozostałych krajach asortyment mebli był znacznie uboższy, a kształty wyrobów w miarę jednolite. Natomiast w Hiszpanii rozwój sztuki meblarskiej szedł w parze z francuskim gotykiem, jednak na wystrój obiektów meblowych, a także na architekturę, duży wpływ miał styl arabsko-mauretański – swoista mieszanka motywów geometrycznych, a także jako motywy roślin pnących z misternymi już liniami ażurowego ornamentu późnego, płomiennego, gotyckiego. Meble hiszpańskie charakteryzują się niezwykle skomplikowanym i bogatym wykończeniem płaskich powierzchni. Niestety poza ławkami kościelnymi i krzesłami chórowymi nie znamy innych hiszpańskich mebli do siedzenia z okresu średniowiecza. Rzeźba w drewnie rozkwitła w średniowiecznej Hiszpanii, ale stosowano także inne rodzaje dekoracji. Na przykład skrzynie pokrywano kolorową lub tłoczoną skórą, stosowano bogate metalowe (żelazne i brązowe) okucia, motywy stalaktytów i toczone sztaby.

W okresie gotyku sztuka meblarska Niemiec i Holandii była bardzo rozwinięta i również miała wiele wspólnego ze sztuką francuską. Pod względem artystycznym i konstrukcyjnym meble zostały pięknie wykonane. Materiałem było twarde drewno. Meble z reguły miały konstrukcję ramową z cienkich paneli. Do dekoracji wykorzystano piękne rzeźbione elementy roślinne, swobodne ażurowe i złożone wzory. Typowymi produktami meblowymi są wysokie szafy dwudrzwiowe z czterema, sześcioma, a nawet dziewięcioma panelami, a także kredensy z drabinką z baldachimem i wysokimi nogami. Prace stolarskie zostały wykonane bardzo starannie, z dużą precyzją. Rzeźby wyróżniały się subtelnością i wdziękiem. W północnych Niemczech, nad Renem, używano wysokiej jakości mebli gotyckich łączonych na czop. Duże szafki są podobne w konstrukcji do szafek flamandzkich. Na uwagę zasługuje wysoka szafka na nogach, ozdobiona wzorami fałd, a później motywami kwiatowymi na panelach. W większości przypadków takie szafki zdobiono ozdobnym kuciem. Wykonano także typowe skrzynie ławkowe. Styl południowoniemiecki byłby powszechny w krajach alpejskich (Szwajcaria, południowa Bawaria, Tyrol, Górna Austria). Meble południowoniemieckie wykonywano głównie z drewna miękkiego i półtwardego, miały konstrukcję z desek i dekorowano płaskimi rzeźbami.

Meble takie były bardziej zróżnicowane pod względem formy i wystroju niż meble północne. Meble ozdobiono ażurowymi wzorami o motywach roślinnych z lokami i wstążkami, wykonanymi techniką płaskorzeźby, wykonanymi na kolorowym podłożu i wzbogaconymi postaciami zwierząt i herbem. Wnętrze obłożono drewnem z profilowanymi listwami.

Tę technologię ozdabiania pomieszczeń mieszkalnych, w tym mebli, płytkimi, płaskimi rzeźbionymi dekoracjami (Flachschnitt) malowanymi, zwykle w kolorze czerwonym i zielonym, nazwano tyrolskim gotykiem stolarskim (Tiroler Zimmergotik). W zamkach tyrolskich zachowały się piękne gotyckie meble. Są to różnego rodzaju stoły, łóżka z baldachimem zdobione bogatymi rzeźbami, komody, krzesła, ławy, wąskie szafki na akcesoria do mycia wbudowane w ścianę oraz inne obiekty meblowe. Widzimy tu pierwsze próby licowania i prymitywnej inkrustacji.

Ruch gotyku południowego zawładnął także Górnymi Węgrami, gdzie powstawały piękne meble. Dotarło do nas przede wszystkim wyposażenie kościołów: krzesła dla chóru, biblioteki, stoły itp., posiadające proste kształty, płaskie ażurowe rzeźby, malowanie i złocenie.

Styl gotycki miał bardzo powierzchowny wpływ na włoską architekturę i sztukę meblarską, co można wytłumaczyć różnicami w warunkach życia i klimacie.

We Włoszech, gdzie wpływ tradycji starożytnych był jeszcze niezwykle silny, styl gotycki uznawano za barbarzyński; Już w samej nazwie znalazł się wyraz pogardy dla obcej duchowo sztuki krajów północnych. Styl gotycki we Włoszech przyniósł własną dekorację, ale wszystkie ostre gotyckie narożniki zostały stępione. Płaska rzeźba mebli południowoniemieckich wpłynęła na dekorację szafek północnych Włoch. W XV wieku w Wenecji i Weronie drewniane skrzynie zdobiono pięknymi ażurowymi rzeźbami z rozetami i gotyckimi wzorami liści. Skrzynie ze środkowych Włoch (Toskania i Siena, ok. 1400) posiadały sztukaterie figurowe, które malowano i pokrywano złoceniem (stiukiem).

Styl gotycki w Anglii przetrwał bardzo długo. Zwyczajowo dzieli się gotyk angielski na trzy okresy: gotyk wczesnogotycki (1189-1307), gotyk dekoracyjny (1307-1377) i późny, tzw. gotyk pionowy, prostoliniowy (1377-1590). Był to dokładnie czas, kiedy renesans we Włoszech rozkwitł już w pełnym rozkwicie, a w Anglii wciąż przeżywał styl gotycki trzeciego okresu, który Brytyjczycy nazywają stylem prostopadłym, który otrzymał tę nazwę ze względu na przewagę pionowych prostych linii elementy konstrukcyjne i dekoracyjne. W tym czasie zwyczajowo pokrywano ściany pomieszczeń drewnianymi panelami o konstrukcji ramowo-panelowej. Panele ozdobiono rzeźbionymi dekoracjami. Drewniane sufity we wnętrzu pomieszczeń również ozdobiono rzeźbami. We wczesnym okresie gotyku angielskiego meble były ciężkie, a ich profile proste i szorstkie. Głównym elementem zdobniczym jest ozdoba składana. Później wpływ architektury zaczyna być odczuwalny w podziałach mebli.

Meble angielskie, nawet późnogotyckie, charakteryzują się prostotą konstrukcji i niewielką ilością dekoracji.

Głównym uniwersalnym przedmiotem meblarskim pozostaje nadal komoda. Podobnie jak w całej Europie Zachodniej, rama skrzyni składa się z grubych prętów, pomiędzy którymi wstawione są panele z płaskorzeźbionymi dekoracjami. Rama skrzyni jest również połączona żelaznymi paskami dla zwiększenia wytrzymałości, a nad panelami przymocowane są zamki. Prototyp angielskiej garderoby, podobnie jak gdzie indziej w Europie, to dwie skrzynie ustawione jedna na drugiej. Przednia część takiej szafy jest podzielona prętami ramy na sześć komórek ramy, w które wkładane są panele. Ponadto panele środkowe są szersze, a panele boczne wąskie. Wąskie panele boczne ozdobione są motywem z lnianymi fałdami. Ramy szerokich paneli przypominają drzwi szafek, zawieszone na masywnych, bogato zdobionych metalowych zawiasach.

Meble angielskie późnogotyckie charakteryzują się masywnymi fotelami, których rama wykonana jest z grubych prostokątnych prętów, pomiędzy którymi w pióro włożone są cienkie deski panelowe ozdobione płaskimi rzeźbieniami. Panele oparcia ozdobione są wzorem maswerkowym, natomiast panele podłokietników i dolnej części krzesła zdobione są wzorem fałdowanym.

Boczne słupki oparcia i łokci dodatkowo zdobią pionowe słupki i iglice. Oprócz szafek, w Anglii rozpowszechnili się dostawcy niskie i szerokie - deski coupe. Stoły w tym czasie z reguły mają prostokątny blat i masywną podstawę, która zamiast nóg jest przymocowana do paneli bocznych. Te tarcze i podstawa są prymitywnie ozdobione figuralnymi, piłowanymi krawędziami i płytkimi rzeźbami o prostym kwiatowym wzorze. Do bocznych paneli nośnych stołów często mocuje się nogi, w których zewnętrzne końce wkładane są kliny.

Łóżka posiadają baldachim, który mocowany jest do czterech słupków, które stanowią swego rodzaju kontynuację nóg. W dolnej części nogi mają przekrój czworościenny, a nad ramą łóżka słupki wyrzeźbione z motywami roślinnymi w postaci wielościanów, przechwytów o różnych kształtach itp. Zagłówek łóżka jest wysoki, a jego pięć paneli ozdobiono płaskorzeźbami.

Ogólnie rzecz biorąc, meble gotyku angielskiego miały prostą konstrukcję, której elementy nigdy nie były maskowane i wykorzystywano je jako elementy dekoracyjne. Wszystkie węzły i stawy są wyraźnie widoczne i zrozumiałe. Wszystkie meble zostały wykonane wyłącznie z drewna dębowego. Pod koniec XV - na początku XVI wieku. W Anglii powstał styl mieszany - rodzaj przejścia od gotyku do renesansu, który nazwano stylem Tudorów. Na gotyckiej konstrukcji zaczyna pojawiać się klasyczny wzór.

Ozdoba ażurowa przelotowa i szczególny rodzaj dekoracji łukowej nadal należą do stylu gotyckiego, jednak inwazja wczesnego renesansu jest już zauważalna w nowym profilowaniu części mebli, rozetach i innych motywach. W większości przypadków dotyczy to mebli, które mają wpływy holenderskie, takich jak szafki porcelanowe. Herby właścicieli zaczynają pojawiać się na panelach szerokiej gamy przedmiotów meblowych.

Wpływy nowej sztuki włoskiego renesansu zaczęły przenikać do Europy Środkowej około 1500 roku, przede wszystkim we Francji, gdzie na dworze królewskim pracowali włoscy artyści. Meble francuskie z końca XV - początków XVI wieku. nabiera nowego, zupełnie wyjątkowego charakteru.

Wystrój tego czasu w postaci na przykład groteskowych ozdób łączy się tu z dekoracjami gotyckimi. Napowietrzne ażurowe żelazne pętle i zamki są nadal w użyciu. Na przykład jedna część paneli dostawcy ozdobiona jest lnianymi fałdami, a druga groteską. Przednie podpory wykonane są w postaci prętów, ale tylna ściana z desek nadal opada w dół. Rama nadal jest sześciokątna, ale jej przednia ściana jest szersza niż boczne. Jednak na przykład w Niemczech dostawcy zwykle różnili się od francuskich prostszym prostokątnym kształtem nadwozia i brakiem solidnej tylnej ściany. W ich dekoracji profilowe wizerunki ludzkich twarzy w groteskowych zdobieniach zastępują czasem rzeźbione głowy męskie i żeńskie, mocno wysunięte do przodu. Był to czas przejściowy, kiedy w morfologii obiektów meblowych zaczęto odczuwać konstruktywną i kompozycyjną klarowność i określoność, a wszelkie podziały i profile zostały szczególnie podkreślone i uzewnętrznione w formie zewnętrznej.

styl gotycki- ważny etap w historii rozwoju stylów mebli. Powstało wiele nowych rodzajów mebli, a zapomniana technologia mebli antycznych została wskrzeszona do nowego życia. Rozwijało się rzemiosło stolarskie, charakteryzujące się żywą, oryginalną formą wyrazu w zdobnictwie. We wnętrzu gotyckim meble nie są jeszcze całkowicie mobilne: wiele ich typów wciąż przyciąga uwagę ścian lub jest wbudowanych w otaczające konstrukcje i ma ścisły związek z architekturą w zakresie zapożyczeń form, charakteru ich podziałów i dekoracji dekoracyjnej. Już w okresie późnego gotyku bardzo rozwinęła się sztuka stolarska, która w okresie renesansu stanowiła podstawę wykonywania jeszcze bardziej skomplikowanych zadań.

Wykorzystane materiały podręcznikowe. Korzyści: Grashin A.A. Krótki kurs ewolucji stylistycznej mebli - Moskwa: Architecture-S, 2007