Malarstwo radzieckie - historia sztuki współczesnej. Obrazy zakazane w ZSRR Obrazy satyryczne autorstwa artystów radzieckich i rosyjskich

Oryginał wzięty z uglich_jj w malarstwie antyradzieckim

Poniżej wybór antysowieckich obrazów z różnych lat. Część z tych obrazów została namalowana jeszcze w ZSRR, potajemnie, „na stole”, a publiczność zobaczyła je dopiero po upadku reżimu sowieckiego. Pozostałe obrazy namalowano w latach 90. XX wieku. i później, gdy cenzura i Łubianka nie zagrażały już autorom. Obie części są na swój sposób interesujące, szczególnie dzisiaj, gdy w Federacji Rosyjskiej trwa odbudowa Związku Radzieckiego i zaszczepia się nostalgię za tamtymi czasami. A jest co wspominać.

Zacznijmy od tego:

Jurij Kugacz. „Chwała Wielkiemu Stalinowi!” 1950

Ale kto by pomyślał, że od lat 60. XX wieku. W zaciszu swojej pracowni Kugach przez 30 lat pracował nad tym płótnem, które zwięźle nazwał: „Z niedawnej przeszłości”.

Jurij Kugacz. „Z niedawnej przeszłości”. Lata 60.-90
Wywłaszczenie, chłop o pracujących chłopskich rękach i ochroniarze, którzy eksmitują jego rodzinę ze wsi. Przed nami kolejna kolejka wozów z innymi rodzinami. Jakoś nie ma radości, nikt nie tańczy.

Jurij Kugach miał tytuł Artysty Ludowego ZSRR, był dość łaskawy dla władzy radzieckiej, chociaż (potajemnie) malował o niej różne paskudne rzeczy. Wielu też nie było na to stać. Po prostu milczeli i czekali za kulisami.

Egils Veidemanis (1924-2004), radziecki artysta, syn łotewskiego strzelca, który po 1917 roku pozostał w Rosji. Egil Karlovich całe życie mieszkał w Moskwie, o której napisał wiele dobrych obrazów. Cóż, na przykład:

Egila Veidemanisa. „Zimowy wieczór w Zamoskvorechye”. 1968

Ale nadszedł czas i okazało się, że oprócz Kremla i Zamoskworeczy, w Moskwie znajduje się także poligon Butowo. Miejsce gdzie w latach 1937-38. Funkcjonariusze zastrzelili i wrzucili do rowów 20 000 osób, w tym ojca artysty. Po wojnie domowej mój ojciec pracował w łotewskim teatrze „Skatuve” w Moskwie, w którym nakręcono prawie cały film.

Egila Veidemanisa. „Butowo. Poligon egzekucyjny NKWD”. 1999-2003

Wiek straconych w Butowie wahał się od 14 do 82 lat, wszystkich narodowości i klas, m.in. około 100 artystów i ponad 900 duchownych. Sama technika wykonania na zdjęciu nie jest jednak przedstawiona z historyczną dokładnością.

W ten sposób NKWD „na kołach” rozstrzeliwało Polaków w Katyniu – wypędzało ich z samochodów do lasu i rozstrzeliwało. W Butowie wszystko było trochę inne. Istniał specjalny barak, do którego przywożono ludzi około godziny 1 w nocy (do 400-500 osób na dobę). Przywieziono ich tam rzekomo w celu „sanityzacji” (jeden do jednego, jak naziści w swoich obozach). Tam sprawdzili ich tożsamość, rozebrali i ogłosili wyrok. W tym czasie pluton egzekucyjny siedział w osobnym domu i popijał wódkę. Dopiero wtedy zaczęto ich wypędzać na ulicę, aby ich rozstrzelano, jednego po drugim. Gdy cała praca została ukończona, rano operator spychacza zasypał dziurę.

Siergiej Nikiforow. „Lipy w miejscu egzekucji (poligon Butowo).” 2002

Warunki sanitarne w koszarach Butovo są dobre, ale nie tak skuteczne. Dlatego skuteczni menadżerowie ZSRR stosowali także bardziej masowe metody zabijania. Na przykład głód. W związku z tym chciałbym przedstawić Państwu Zasłużoną Artystkę Ukraińskiej SRR Ninę Marczenko. U szczytu władzy radzieckiej malowała takie optymistyczne obrazy:

Nina Marczenko. „Przywrócono dzieciństwo” 1965
Radziecki żołnierz wyzwala dzieci z niemieckiego obozu koncentracyjnego. Następnie artysta zadedykował ten obraz (pracę dyplomową) dzieciom z Buchenwaldu. To prawda, Amerykanie wyzwolili Buchenwald, ale to nie ma znaczenia.

Lub tu:

Nina Marczenko. "Bliźnięta". 1972
Na zdjęciu ukraińska wieś, szczęśliwa babcia, dzieci, ręczniki.

Ale od połowy lat 80. Nina Marczenko zaczęła także rysować to, co działo się na ukraińskiej wsi za czasów Stalina.

Nina Marczenko. „Rejestracja do kołchozu”. 1985
Brutalny komunista w Budenovce wpędza chłopa do kołchozów.

Kiedy mnie zawieźli do kołchozu, zabrali chleb. Zboże zostało skonfiskowane i sprzedane na Zachód, aby zarobić na uprzemysłowienie. Głód w latach 1932-33 rozpoczął się w zbożowych regionach kraju, przede wszystkim na Ukrainie (Hołodomor).

Nina Marczenko. „Droga smutku” 1998-2000

Pomysł zagłodzenia kilku milionów ludzi w celu promowania przemysłu nie jest nowy. Po raz pierwszy został użyty przez brytyjskich kolonialistów w Bengalu pod koniec XVIII wieku. Nałożyli na Hindusów tak wysokie podatki, że zabrali im wszystko i wywieźli do Anglii, gdzie w tym czasie trwała rewolucja przemysłowa. To prawda, z tego 7 milionów ludzi. w Bengalu w latach 1769-1773. umarł z głodu. Stała się Ukraina, a także rosyjski region Wołgi i Kubań Bengal Wewnętrzny Związek Radziecki.

Nina Marczenko. „Matka 1933” 2000

Według najbardziej konserwatywnych szacunków w latach 1932-33. Co najmniej 3 miliony ludzi zmarło z głodu w ZSRR. Wymieniono je na linię montażową Forda w fabryce GAZ w Gorkim oraz turbiny Siemensa na Dneproges. I to jest słuszne. Jaką wartość ma życie przeciętnego Bengalczyka? I turbiny - można je kręcić.

Nina Marczenko. „Ostatnia droga”. 1998-2000

Wojna z Niemcami w latach 1941-45 toczyła się mniej więcej w tym samym stylu, co industrializacja. To właśnie pokazał na swoim obrazie z 1985 roku moskiewski artysta Siergiej Szerstyuk (sam syn żołnierza frontowego, generał armii radzieckiej).

Siergiej Szerstiuk. „Mężczyźni z tej samej rodziny. 1941”.

Siergiej Szerstiuk. „Mężczyźni z tej samej rodziny. 1945”.

Ostatecznym ciosem dla męskiej populacji kraju była powojenna alkoholizacja ZSRR. Najdobitniej uchwycił to w latach 70. i 80. XX wieku. artysta Wasilij Kolotev. Kolotev był nonkonformistą, nie współpracował z władzami, nie zabiegał o żadne tytuły, nagrody i wystawy. Pracował jako mechanik w fabryce i malował „na stole”, mieszkając w nędznym moskiewskim mieszkaniu komunalnym.

Wasilij Kolotev. „Czerwony dzień kalendarza”. 1985
Pijani radzieccy proletariusze świętują 1 maja.

Wasilij Kolotev. „...I statek odpływa. Piwiarnia.” 1979
Państwotwórczy naród ZSRR w czasach późnego Breżniewa...

Wasilij Kolotev. „Liście topoli spadają z jesionu”. 1984
To ona.

Wasilij Kolotev. „Scena bulwarowa” 1984
1984 „Andropowka” o 4-70. Cóż, dla duchowości!

Wasilij Kolotev. "Niedziela". 1984
Rosyjski świat.

Wasilij Kolotev. „Na klatce schodowej”. 1983
Trzeci Rzym.

Wasilij Kolotev. "Godzina szczytu". 1986
I jego Rzymianie.

Wasilij Kolotev. „Poranek sąsiada” 1984
Radzieckie mieszkanie komunalne. Brud, bieda, supermoc.

Wasilij Kolotev. „Dziewiąta fala” 1979
Rodzina radziecka. Moim zdaniem żona poszła z nim. A te byki leżą na stole, na podłodze... Po co palić przy dzieciach?

Wasilij Kolotev. "Kolejka". 1985
sklepy radzieckie. ZSRR był krajem kolejek. Za wszystkim. Od kiełbasy po papier toaletowy.

Słynne radzieckie kolejki, stanowiące integralną część gospodarki planowej, znajdują odzwierciedlenie także w obrazach innych artystów.

Aleksiej Sundukow. "Kolejka". 1986
Kolejki po jedzenie, składające się z monotonnie i nędznie ubranych kobiet, robiły naprawdę przygnębiające wrażenie. Panowała w nich atmosfera beznadziei.

Włodzimierz Korkodym. „Czekam na towar”. 1989
Kolejka do wiejskiego sklepu. Przygnębienie i rezygnacja. Naród złamany przez despotyzm.

Nie jest to jednak zaskakujące. Zrywali długo i okrutnie. I mnie też oszukali. W starszym pokoleniu, które żyło pod rządami Stalina, strach przed rokiem 1937 zakorzenił się mocno i na zawsze. Strach i nawyk wiary w propagandę. Pozbycie się tego trwało lata, nie dla wszystkich, ale metamorfozy, które zaowocowały, były czasami zaskakujące. Uderzającym przykładem jest Igor Obrosow, Artysta Ludowy RSFSR (1983), mistrz socrealizmu, malujący w tzw. „styl surowy”, popularny w latach 60. i 80. XX wieku. Był całkowicie wierny władzy sowieckiej, tytułom, wystawom m.in. numer za granicą.

Igor Obrosow. „Malchish-Kibalchish”. 1963
Obraz na podstawie bajki dla dzieci Arkadego Gajdara „O tajemnicy wojskowej, chłopcu-kibalczyszu i jego mocnym słowie”. Propaganda zaczęła się od pieluch i obejmowała następujące wysiłki: tacy ludzie jak Gaidar senior i artysta Obrosow.

Ale to nie jest tylko propaganda. Jest to obraz alegoryczny, z podwójnym dnem. Mały chłopiec w Budenovce wyciąga ręce do odchodzącego surowego żołnierza Armii Czerwonej. Odchodzący mężczyzna to tak naprawdę ojciec artysty, słynny chirurg (i komunistyczny rewolucjonista) Paweł Obrosow, który został zastrzelony w 1938 r. Pod koniec lat 80. XX wieku. za Gorbaczowa rozpocznie się kampania demaskująca zbrodnie Stalina. Artysta Igor Obrosow namaluje serię obrazów „Poświęcenie ojcu” (1986–88) i na płótnie z 1963 roku stanie się jasne, kto jest kim.

Igor Obrosow. „Matka i Ojciec. Oczekiwanie. 1937.” 1986-88
Oto ten sam żołnierz Armii Czerwonej i czarny lejek czeka na niego na podwórzu.

Igor Obrosow. „Bez prawa do korespondencji”. 1986-88
Funkcjonariusze wyprowadzają zatrzymanego mężczyznę. Standardowy wyrok „10 dzieci bez prawa do korespondencji” pogrążył bliskich w nieznanym: mogło to być faktycznie 10 lat, a może to była egzekucja, o której po prostu ich nie poinformowano. W przypadku ojca Igora Obrosowa – to drugie.

Później Igor Obrosow kontynuował rozpoczęty temat. W 2008 roku ukazała się jego osobista wystawa „Tragiczna przeszłość (ofiary represji stalinowskich)”.

Igor Obrosow. „Ofiara Gułagu”. Lata 2000
Grupa funkcjonariuszy bezpieczeństwa gwałci więźniarkę.

Dwa obrazy tego samego artysty, które dzieli 40 lat.

Więcej od zmarłego Obrosowa:

Igor Obrosow. „Zombie GUŁAGU” Lata 2000
Obóz koncentracyjny Stalina. Dwóch funkcjonariuszy ochrony ciągnie zwłoki wychudzonego więźnia.

Ostatnie zdjęcie przypomina grafikę Davida Ohlera przedstawiającą Auschwitz, tyle że w tym przypadku jest to radziecki obóz koncentracyjny. Ohler był więźniem Auschwitz, pracował jako pracownik krematorium, ale udało mu się przeżyć. Po wojnie wykonał z pamięci serię rysunków przedstawiających życie obozowe.

Davida Ohlera. „Wciąganie zwłok z komory gazowej krematorium III do windy”. 1946

Obrosow, w przeciwieństwie do Davida Olera, nigdy nie przebywał w obozie koncentracyjnym. Właśnie o nim narysowałam. Ale w ZSRR było kilku artystów, którzy OSOBIŚCIE przeszli przez stalinowski GUŁAG i przedstawili to, co widzieli z pamięci. Na przykład Gieorgij Czerkasow (1910-1973), trzykrotnie skazany za agitację antyradziecką i zwolniony dopiero po śmierci Stalina.

Gieorgij Czerkasow. „Zorza polarna. Ukhtpechlag, koniec lat trzydziestych XX wieku”. Lata 60

Gieorgij Czerkasow. „W ostatniej podróży. Ukhtpechlag, 1938”. Lata 60
To obóz w Workucie, gdzie w 1938 r. ulokowano tzw. „Egzekucje w Kaszketinie” (od nazwiska funkcjonariusza bezpieczeństwa Efima Kaszketina, który je zorganizował). Na zdjęciu grupa więźniów prowadzona na egzekucję. Po lewej stronie - dwóch „dzianych” więźniów wiąże księdza (jest to prawdziwa postać, ojciec Jegor, z którym więziony był Czerkasow). Robią to tak, aby przed egzekucją skazany nie mógł przyjąć komunii.

Kolejnym bystrym artystą obozowym jest Nikolai Getman. Pochodzący z Charkowa, w 1945 r. trafił do Gułagu za „antyradziecką agitację i propagandę”. Byłem w Taiszetłagu (budowa BAM) i na Kołymie. Po prawie półwieczu na wolności (od 1953 do 2004 roku) pracował nad cyklem obrazów „Gułag oczami artysty”.

Mikołaj Getman. „Po scenie”. 1954

Mikołaj Getman. „Łagpunkt Wierchnij Dębin. Kołyma”. 1985
To jest kopalnia, w której artysta wydobywał złoto. Około 400 km od Magadanu wzdłuż szosy Kołymskiej.

"W kopalni Dębin (Kołyma) w 1951 roku pozwolono kiedyś grupie więźniów zbierać jagody. Trzej zgubili się - i zniknęli. Kierownik obozu, starszy porucznik Piotr Łomaga, wysłał oprawców. Trzy z nich posadzili psami śpiących ludzi, potem ich rozstrzeliwali, po czym rozbijali im głowy kolbami karabinów, robili z nich papkę, tak że mózgi im wystawały, i w tej postaci zabrano ich do obozu na wozie.Tutaj konia zastąpili czterema więźniów i przeciągnęli wózek przez linię. „To właśnie stanie się z każdym!”, oznajmił Lomaga.(A.I. Sołżenicyn. Archipelag Gułag).

Nikołaj Getman. „Obiad. Przynieśli trochę kleiku.” 1991
Podobnie jak w hitlerowskich obozach koncentracyjnych w sowieckim Gułagu, więźniowie byli stale przetrzymywani w stanie głodu. W ten sposób wola oporu załamywała się szybciej.

Nikołaj Getman. "Knot". 1987
Knot jest więźniem, któremu kończą się siły, który go nie ma.

Nikołaj Getman. „Racja chleba dla dubara”. 1989
W prawym dolnym rogu leży na podłodze umierający więzień. Jeśli sąsiadom z baraku uda się przez jakiś czas ukryć jego śmierć, otrzyma dodatkową rację chleba w wysokości 800 gramów dziennie.

Nikołaj Getman. „Kostnica więźniów Gułagu”. 1980
Na zdjęciu więzień Iwan Pawłowski, rosyjski inżynier, który przebywał w tym samym obozie z Getmanem. Do jego zadań należało przygotowanie zwłok zmarłych do pochówku. Z puszek zrobił przywieszki, które przymocował drutem do zwłok.

Mikołaj Getman. „Komary” 1990
Tortury znane od czasów SLONU (Obóz Specjalnego Przeznaczenia Sołowieckiego). Więźnia przywiązywano do drzewa (w niektórych obozach – wrzucano do dziury) w sezonie komarów (muszek). W ciągu maksymalnie godziny stracił tyle krwi, że nastąpiła bolesna śmierć.

Mikołaj Getman. „Czekam na zastrzelenie”. 1987

No cóż, myślę, że to wystarczy. Zwłaszcza nocą. A kto nadal tęskni za szufelką, to tutaj:

M. Bri-Bain. Kobiety radiooperatorki. 1933 ~ O. Vereisky. Trzy siostry

E. Samsonow. Na nowe lądy. 1954

S. Kamanina. Budowa holowników. 1953

E. Danilewskiego. Próba stali. 1952

I. Simonow. Kółka. 1959 ~ E. Kharitonenko. Spawacz elektryczny. 1959

A. Deineka. Kto wygra. 1932

W. Kupcow. ANT-20 („Maksym Gorki”). 1934

B. Jakowlew. Transport jest coraz lepszy. 1923

G. Ryażski. Kopalnia. Ural. 1925

V. Malagis. Hutnicy. 1950

I. Biewzenko. Młodzi hutnicy. 1961

N. Bazylew. Wycieczka do fabryki. 1956

G. Brzozowski. W sklepie ze stalą. 1964

Tak, Roma. Na tratwach. 1949

M. Malcew. Na zegarku. 1953

V. Tsvetkov. Ferma drobiu. 1971

M. Malcew. Operator dźwigu. 1953 ~ Z. Popowa. Dobry chwyt. 1970
S. Balzamov. Pracownik pierwszej linii. 1951

N. Bazylew. Roślina nazwana na cześć Ordżonikidze. 1972

A. Pietrow. „Mosfilm”. 1978

A. Pietrow. Moskwa. Stacja Kazań. 1981

W. Firsow. Kolumna. 1984

F. Reszetnikow. Przybył na wakacje. 1948 ~ F. Reshetnikov. Znowu dwa. 1951

T. Jabłońska. Dzień dobry ~ Yu Raksha. Mali kąpiący się. 1979

N. Żukow. Rośniemy i mamy się dobrze. 1953 ~ A. Łaktionow. Odwiedzanie wnuków

I. Władimirow. W szkole dla dziewcząt ~ V. Korneev. Uczniowie szkoły na koncercie. 1952

F. Reszetnikow. Dla pokoju! 1950 ~ N. Solomin. Młode matki

E. Gordiets. Oświetlony przez słońce. 1982 ~ B. Ugarow. Matka

K. Petrov-Vodkin. Śpiące dziecko. 1924

Yu Kugach. Przy kołysce

N. Terpsichorowa. Okno na świat. 1928

P. Krivonogow. Dziewczyna z nartami. 1963 ~ W. Żołtok. Przyszła zima. 1953

A. Ratnikow. Poszliśmy na spacer. 1955

T. Jabłońska. W parku. 1950

T. Jabłońska. Przeziębiłem się. 1953

N. Uljanow. Gile

D. Kolupaev. Wakacje w szkole. Na choince. 1949

A. Kostenko. I. Michurin z dziećmi. 1964 ~ P. Draczenko. Piosenka pionierska. 1959

W. Żołtok. Dziewczyna w czerwonym kapeluszu. 1955
A. Mylnikow. Verochka na werandzie. 1957

S. Grigoriew. Bramkarz. 1949

K. Uspienska-Kologrivova. Nie zabrał mnie na ryby

S. Grigoriew. Rybak. 1958

I. Szulga. Pionierzy z wizytą u mieszkańców Morza Czarnego. 1940

P. Kryłow. Dwie Natasze

R. Galitsky. Na mecie

I. Szewandronow. W wiejskiej bibliotece

I. Szevandronova. Jest próba. 1959

A. Deineka. Przyszli piloci. 1937

W. Przybyłowski. Przyszli kapitanowie. 1963

S. Grigoriew. Pionier. 1951 ~ P. Krokhonyatkin. Dzieci na balkonie. 1954 ~ O. Bogajewska. Święto dzieci. 1980

E. Czernyszowa. Wysznewołockie narzeczone. 1984 ~ A. Levitin. Spokoju wnukom. 1985

K. Petrov-Vodkin. Dziewczyna z lalką. 1937 ~ M. Bogatyrew. Przyszli mistrzowie. 1950

I. Titow. W mauzoleum W.I. Lenina. 1953

P. Krivonogow. Pogrzeb I.V. Stalina. 1953

I. Dawidowicz, E. Tikhanowicz. Demonstracja pierwszomajowa

I. Dawidowicz, E. Tikhanowicz. Demonstracja pierwszomajowa (fragment)

A. Kazantsev. I.V. Stalin z matką

B. Władimirski. Róże dla J.V. Stalina

I. Penzow. Szczęśliwe dzieciństwo. 1978

L. Kotlyarov. Chleb i sól (L. I. Breżniew z robotnikami wiejskimi)
I. Radoman. L. I. Breżniew na ZIL

A. Gierasimow. I.V. Stalin i A.M. Gorki na daczy. 1930

A. Gierasimow. Portret rodzinny. 1934
Artysta Ludowy ZSRR A.M. Gierasimow
Mimo niechęci rodziców wyjeżdża do Moskwy, znakomicie zdaje egzamin z rysunku i zostaje uczniem Szkoły. Jego nauczycielem w klasie krajobrazu był M.K. Klodt, w klasie głównej - K.N. Gorsky i A.M. Korin, w klasie figur - S.D. Miloradovich i N.A. Kasatkin, w klasie pełnej - A.E. Arkhipov i L.O.Pasternak. Nauczyciele V. Serov, K. Korovin, A. Vasnetsov dali mu wiele w malarstwie. Po znakomitym ukończeniu wydziału malarstwa Szkoły, A.M. Gerasimov zdecydował się uczęszczać do warsztatu K. Korovina. W tym celu należało za radą Korowina zapisać się na inny wydział Szkoły. Gerasimov zdecydowanie zdecydował się na architekturę. Konstantin Korowin, słusznie uważany za twórcę rosyjskiego impresjonizmu, dał mu wiele. Często odwiedzając Paryż, K. Korovin opowiadał studentom o francuskim impresjonizmie i, oczywiście, wpłynął na twórczość młodego Gerasimowa. Wpływ ten jest szczególnie widoczny w jego wczesnych pracach studenckich powstałych w latach 1912-13: „Portret V.A. Gilyarovsky’ego”, „Portret N. Gilyarovskaya”, „Portret V. Lobanova”. Wszystkie te dzieła powstały w daczy V. Gilyarovsky'ego, w Gilyaevce. „Portret V.A. Gilyarovsky’ego” znajduje się obecnie w mieszkaniu pisarza w Moskwie, a dwa inne portrety znajdują się w zbiorach muzealnej posiadłości A.M. Gierasimowa.
V. A. Gilyarovsky w tych latach często odwiedzał wystawy studenckie w Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Na podstawie dzieł mógł z łatwością określić nie tylko talent artysty, ale także skąd pochodził ten czy inny artysta. Zdobył obrazy bardzo młodego Gerasimowa, wspierał go moralnie i finansowo, co pozytywnie wpłynęło na twórczość artysty.

W ogrodzie. Portret Niny Gilyarovskaya, 1912

Portret historyka sztuki V.M. Lobanowa. 1913
Pod koniec lat 30. A.M. Gerasimov lubił portrety: „Gatunek portretowy jest głównym rodzajem mojej twórczości, wyrażającym moją istotę jako artysty” – napisał Gerasimov. Artystę przyciągały osobowości twórcze, bogate intelektualnie i znaczące. „Kochałem i kocham to, co mocne i jasne w naturze, tego samego szukam w człowieku, a kiedy go znajduję, nieodparcie chcę go uchwycić na kolorowym obrazie” – wspomina A.M. Gerasimov. Potrzeba utrwalenia silnego, pięknego mężczyzny, widzianego w jego szerokich powiązaniach z czasem, epoką, środowiskiem, zaowocowała powstaniem naprawdę okazałego cyklu portretów. Wśród nich szczególnie wyróżniał się „Portret baletnicy O.V. Lepeshinskaya” (1939). Baletnica ukazana jest w sali prób, na tle ogromnego lustra, stojąc na pointach. Technika ta pozwala pokazać sylwetkę tancerza z dwóch perspektyw. W lustrze odbija się stolik z przyborami do makijażu i częścią baru baletowego, widać też sztalugę, przy której pracowała artystka.
Godne uwagi są portrety A.K. Tarasowej (RM), aktora Moskiewskiego Teatru Artystycznego I.M. Moskvina (1940) (Lwowska Galeria Sztuki), „Portret artysty Tamary Khanum” (1939). Później napisał „Portret grupowy najstarszych artystów Państwowego Akademickiego Teatru Małego ZSRR A.A. Yablochkina, V.N. Ryzhova, E.D. Turchaninova” (1956), „Portret Riny Zeleny” (1954) itp.

Portret artysty A.K. Tarasowej. 1939 ~ Portret córki. 1951

JESTEM. Gierasimow. Portret K.E. Woroszyłow. 1927
Portret Klima Pietrowicza Woroszyłowa, wnuka K.E. Woroszyłowa. 1949
Gierasimow Aleksander Michajłowicz

Gierasimow miał dar łatwego uchwycenia podobieństwa portretowego i czuł się przede wszystkim portrecistą. Wśród jego dzieł stopniowo zaczynają dominować wizerunki osób wysokiej rangi. Gerasimow zyskał szczególną sławę jako autor licznych wizerunków W.I. Lenina, I.W. Stalina i głównych szefów partii. Świadomie oddał swój pędzel na służbę triumfującego rządu komunistycznego w zamian za osobisty dobrobyt.

Niezwykły talent, wesoły, „soczysty” styl malarstwa - wszystko to, gdy artysta wspinał się po szczeblach kariery, nabrało ceremonialnego blasku (Portret K. E. Woroszyłowa. 1927. Muzeum Historii Współczesnej Rosji). Jego najbardziej rozpoznawalnymi obrazami były „V. I. Lenina na podium” (1930. Państwowe Muzeum Historyczne; powtórka 1947 w Państwowej Galerii Trietiakowskiej) i „Przemówienie W. I. Lenina na plenum Rady Moskiewskiej 20 listopada 1922” (1930. Państwowe Muzeum Historyczne).

Na sukces i uznanie nie trzeba było długo czekać. Na początku 1936 roku otwarto w Moskwie osobistą wystawę Gierasimowa, na której zaprezentowano 133 prace, począwszy od najwcześniejszych. Centralne miejsce zajmowały oczywiście portrety przywódców partyjnych, główne miejsce na wystawie przypadło „Przemowie J.W. Stalina na XVI Zjeździe Partii” (1933. Archiwum dorobku artystycznego).

W przeciwieństwie do wielu innych, Gerasimovowi pozwolono podróżować za granicę. W latach 30. odwiedził Berlin, Rzym, Neapol, Florencję, Wenecję, Stambuł i Paryż. Za granicą artysta napisał wiele szkiców („Hagia Sophia.” 1934. Państwowe Muzeum Rosyjskie) i stale uczestniczył w wystawach sztuki. Ale „poprawnemu” bojownikowi o socrealizm nie podobało się to, co uważał za pozbawioną zasad sztukę europejską. Francuscy artyści, zdaniem Gierasimowa, z zainteresowaniem słuchali jego opowieści o „działalności artystycznej w ZSRR”. „Wspaniałe warunki życia i pracy artystów w Związku Radzieckim, gdzie wszystkie rodzaje sztuki otoczone są opieką partii i rządu, wydawały im się bajką” (Sokolnikov M. A. M. Gerasimov. Życie i twórczość. - M. ., 1954. s. 134. ).

W drugiej połowie lat trzydziestych i czterdziestych pojawiły się takie oficjalnie pompatyczne dzieła Gerasimowa, jak „I. W. Stalina i K. E. Woroszyłowa na Kremlu” (1938. Galeria Trietiakowska), „I. W. Stalin składa raport na XVIII Zjeździe Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików na temat prac Komitetu Centralnego Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików (1939. Galeria Trietiakowska), „Hymn do października” (1942. Państwowe Muzeum Rosyjskie), „I. W. Stalina przy grobie A. A. Żdanowa” (1948. Galeria Trietiakowska, Nagroda Stalina 1949). Takie „epokowe” obrazy powstawały najczęściej metodą zespołową, czyli przez uczniów – sam mistrz przepisywał jedynie najważniejsze szczegóły. Jego ogromne płótna, pełne plakatowego patosu, stały się standardami oficjalnego stylu sztuki radzieckiej.

Jego obrazy kreowały wizerunek „mądrego przywódcy” i odgrywały ważną rolę w kampaniach propagandowych. Artysta w niekontrolowany sposób schlebiał Stalinowi zarówno w pompatycznych wizerunkach Sekretarza Generalnego, jak i w wypowiedziach na jego temat. Być może dla podniesienia swego autorytetu zapewniał, że Stalin w rozmowach z nim „wyrażał najcenniejsze dla nas, artystów, uwagi dotyczące samej tematyki naszego rzemiosła”. Jednak sam Stalin nie uważał się za konesera malarstwa, raczej było mu ono obojętne, chyba że dotyczyło to jego własnych portretów (Gromov E. Stalin: władza i sztuka. - M., 1998. s. 288, 305.) .

Artysta niestrudzenie malował także portrety wysokich urzędników Partii Komunistycznej i rządu (Portret W.M. Mołotowa. [W.M. Mołotow przemawia na spotkaniu w Teatrze Bolszoj 6 listopada 1947 r.] 1948. Galeria Trietiakowska), dowódców wojskowych i bohaterowie pracy socjalistycznej. Czasami Gierasimow malował także przedstawicieli twórczej inteligencji: „Ballerina O. V. Lepeshinskaya” (1939), „Portret grupowy najstarszych artystów I. N. Pawłowa, V. N. Baksheeva, V. K. Byalynitsky-Biruli, V. N. Meshkov ”(1944, Nagroda Stalina 1946). Malował także portrety swojej rodziny – „Portret rodzinny” (1934. Muzeum Republiki Białorusi).

Dla siebie Gerasimow zajmował się szorstką i uproszczoną erotyką, liczne szkice do niedokończonych obrazów „Wiejska łaźnia” (1938, Dom-Muzeum A.M. Gerasimowa, Michurinsk) i „Tańce połowieckie” (1955, własność rodziny artysty, Moskwa) zostało zachowane. Na temat „Łaźni wiejskiej” Gierasimow przez wiele lat napisał wiele szkiców „dla siebie” (Łaźnia wiejska. Etiuda. 1950. Kolekcja rodziny artysty). „Duszę dał upust” także w pracy nad ilustracjami do „Tarasa Bulby” (1947-1952), w których być może szukał zagubionych dróg do narodowego romantyzmu początku stulecia.

Pod koniec lat trzydziestych, w okresie masowych represji i powstania totalitarnego systemu stalinowskiego, Gierasimow osiągnął pełny oficjalny sukces i dobrobyt. Teraz jest nie tylko dworzaninem, dobrze opłacanym malarzem, ulubieńcem Stalina, ale także ugruntowanym przywódcą życia artystycznego kraju. Powierzono mu kierowanie i, co najważniejsze, kontrolę pracy innych artystów. Został mianowany prezesem zarządu moskiewskiego oddziału Związku Artystów (1938-1940) i przewodniczącym komitetu organizacyjnego Związku Artystów Radzieckich (1939-1954). Kiedy w 1947 r. utworzono Akademię Sztuk ZSRR, Gierasimow został jej pierwszym prezesem za namową Woroszyłowa; funkcję tę pełnił do 1957 r.

Na wszystkich swoich stanowiskach Gierasimow dał się poznać jako energiczny pomocnik partii w tłumieniu twórczej inteligencji. Zawzięcie zwalczał wszelkie odstępstwa od socrealizmu pod fałszywym hasłem „lojalności wobec wielkich tradycji realizmu rosyjskiego”. Stanowczo i konsekwentnie walczył z „formalizmem”, z „podziwem dla zdegenerowanej sztuki mieszczańskiej”.

Jako oddany pomocnik Woroszyłowa aktywnie przyczynił się do zamknięcia w 1946 roku Muzeum Nowej Sztuki Zachodniej, w gmachu którego mieściło się Muzeum Darów dla J.V. Stalina. W 1948 roku w dyskusji na temat formalizmu niestrudzenie opowiadał się za „sztuką wysoką ideologiczną”, czyli sztuką wykastrowaną i ideologiczną. Gierasimow zapytał retorycznie i odpowiedział bez ogródek: „Dlaczego miałbym uważać gusta artystów formalistycznych ponad swój gust? [...] całym sercem zrozumiałem, że to jest jakaś śmierć, miałem już tego wszystkiego dość i wzbudziłem nienawiść, która do dziś nie maleje.”

Ze szczególną wściekłością i przyjemnością zdeptał impresjonistów. Wierni ludzie Gierasimowa odnajdywali zbuntowanych artystów i zgłaszali ich ścisłemu strażnikowi socrealistycznego porządku. Postępowanie było zawsze krótkie i stanowcze. Jeśli artysta malował pociągnięciami, pojawiło się oskarżenie o „impresjonizm”. Od tego momentu prace tak zhańbionego malarza nie były już nigdzie akceptowane, a on był skazany na głodną egzystencję.

Jednocześnie Alexander Gerasimov doskonale rozumiał, czym jest prawdziwa sztuka i prawdziwa kreatywność. Kiedy jego myśli były dalekie od odpowiedzialnych stanowisk i wysokich trybun, tworzył dzieła kameralne, liryczne, preferujące pejzaż i martwą naturę. Prace te, chcąc nie chcąc, odzwierciedlały system malarski jego nauczyciela Konstantina Korovina. Wiele z nich nosi wyraźne ślady impresjonistycznego pisarstwa: „Pieśń szpaka” (1938. Galeria Trietiakowska), „Kwitnące jabłonie” (1946. Kolekcja rodziny artysty). Moim zdaniem jego najlepszym dziełem jest „Po deszczu. Mokry taras” (1935. Galeria Trietiakowska). Artysta pokazał w nim prawdziwe umiejętności malarskie.

W życiu codziennym Aleksander Michajłowicz był znany jako osoba delikatna i przyjazna. W rozmowach z bliskimi sobie pozwalał na bardzo niekonwencjonalne wypowiedzi. Młodym artystom doradzał: „Najważniejsze jest chwycić życie za ogon. Jego wyjątkowość. Nie kieruj się szczególnie formalnymi obrazami. Dostaniesz pieniądze, ale stracisz w sobie artystę.

Z wiekiem czcigodny artysta zdawał się zmniejszać wzrost i wyglądać jak karzeł, jego pomarszczona żółta skóra zwisała w fałdach na twarzy, a jego czarne mongoloidalne oczy wyglądały smutno pod zwiotczałymi powiekami. W jego wyglądzie nie było nic nikczemnego. Mówił o sobie: „Jestem czystym Rosjaninem! Ale najwyraźniej Tatarzy byli w mojej rodzinie na stałe obecni. Chciałbym wsiąść na konia, wbić suszoną basturmę pod siodło, pić, jeśli chcę, obciąć ścięgna konia, pić krew. Jednak wyssałem już krew wszelkiego rodzaju formalistów, imaginów i takich Jack of Diamonds... Nie chcę już więcej, jestem chory...”

Wraz ze śmiercią Stalina wpływy Gierasimowa zaczęły słabnąć, a po XX Zjeździe KPZR i zdemaskowaniu kultu jednostki dawny władca artystów został usunięty z biznesu. W 1957 roku stracił stanowisko prezesa Akademii, a obrazy byłych przywódców trafiły do ​​muzealnych magazynów.

Wstyd Gierasimowa został odebrany przez inteligencję jako jeden z symptomów „odwilży” Chruszczowa. Jednak sam artysta, który wysoko cenił swój talent, uważał się za niezasłużenie odrzuconym. Kiedy jeden z jego przyjaciół, krytyk sztuki, spotkał na ulicy byłego przywódcę socrealizmu i zapytał, jak się czuje, ten odpowiedział uderzającym stwierdzeniem: „W zapomnieniu jak Rembrandt”. Jednak wyolbrzymił zakres zarówno swojego odrzucenia, jak i swojego talentu. Realiści socjalistyczni będą poszukiwani aż do upadku partiiokracji w 1991 roku.

Fenomen Gierasimowa i wielu podobnych artystów okresu sowieckiego jest niejednoznaczny. Gierasimow jest malarzem obdarzonym przez Boga wielkim talentem. Każdy mistrz w swojej pracy, czy tego chce, czy nie, zależy od władzy, od społeczno-kultury, od ugruntowanej społeczności i od pieniędzy. Na ile może sobie pozwolić na kompromisy, których nie da się uniknąć? Gierasimow wyraźnie przekroczył niewidzialną linię demarkacyjną. Zaczął służyć nie swojemu Talentowi, ale Liderom.

Po deszczu. Mokry taras, 1935
Na wystawie w Galerii Trietiakowskiej znajdują się dwa obrazy Gierasimowa: „Mokry taras” i „I.V. Stalin i K.E. Woroszyłow na Kremlu.” Przykład twórczej alternatywy dla przyszłych historyków sztuki. Być może jednak potomkowie, gdy pokryją się patyną czasu, zbrodniami i niesprawiedliwościami epoki stalinowskiej, zobaczą w nich jedynie wielki dar artystyczny, niezależnie od sytuacji politycznej przeszłości. A w wciąż niepisanej historii sztuki rosyjskiej pozostaną zarówno „Mokry taras”, jak i „I. W. Stalin i K. E. Woroszyłow.” Jako wybitne pomniki swojej epoki. Przecież nikt nie pomyślałby teraz o wyrzucaniu portretów królewskich D. G. Levitsky'emu, F. S. Rokotovowi, V. L. Borovikovsky'emu, I. E. Repinowi, V. A. Serovowi.

Aleksander Michajłowicz Gierasimow zmarł w Moskwie 23 lipca 1963 r.; w tym samym roku ukazały się także wspomnienia „wojującego socrealisty” („Życie artysty”).

W marcu 1977 roku w Miczurinsku otwarto dom-muzeum artysty. Jest to rozległy, dwukondygnacyjny budynek z cegły. Na terenie obiektu znajduje się ogród, budynki gospodarcze, wozownia i stodoła. Najwyraźniej rodzice artysty byli zamożnymi kupcami, którzy umieli handlować z zyskiem. Syn poszedł w ich ślady.

Okres sowiecki w historii Rosji to okres prawie osiemdziesięciu lat, podczas którego kraj bez cienia wątpliwości zmienił się bardziej niż w ciągu ostatnich dwustu lat panowania dynastii Romanowów. Zmiany te dotknęły absolutnie wszystkie sfery życia, od życia codziennego po przełomy w nauce, rozwój technologii i oczywiście sztuki.

Nie możemy ignorować faktu, że ludność przedrewolucyjnej i porewolucyjnej Rosji to absolutnie dwa różne społeczeństwa, a sama rewolucja 1917 r. stała się swego rodzaju przełomem, który na zawsze ustalił granice epok.

Na wydarzenia historyczne można patrzeć na różne sposoby, jednak dla kolekcjonerów starożytności i sztuki historia jest scenerią, w której na scenie czasu powstał obiekt ich zainteresowań. Badaczom artefaktów czasu historia służy jako wyjaśnienie, dlaczego ta czy inna rzecz wygląda tak, a nie inaczej. Nie można zaprzeczyć, że rząd radziecki rozpoczął walkę z analfabetyzmem ludności i poświęcił możliwie najwięcej uwagi kwestiom oświaty, zdając sobie sprawę, że tacy obywatele byliby choć trochę bardziej przydatni społeczeństwu. Edukacja artystyczna, która wcześniej była dostępna dla znacznie mniejszego odsetka społeczeństwa, nie była wyjątkiem. Oczywiście elita partyjna i kierownictwo ZSRR miały w tym swój własny interes. Potrzebni byli tacy, którzy zilustrowaliby życie nowego kraju i wykazali jego osiągnięcia i wyższość nad starym światem. Niemniej jednak, pomimo ogromnego piętna propagandy, która nie mogła nie odcisnąć piętna na artystach i ich dziełach, to w Związku Radzieckim nie tylko urodziło się i rozwinęło wielu artystów, którzy później stali się bardzo sławni. Ale nawet twórcy, którzy rozpoczęli swoją podróż w czasach carskiej Rosji, rozwijali się znacznie szybciej niż ich zachodni koledzy; malarstwo radzieckie miało swój własny rozpoznawalny charakter pisma i styl.

Jeśli czytasz ten tekst, to znaczy, że w mniejszym lub większym stopniu interesuje Cię taka warstwa sztuk pięknych, jak malarstwo radzieckie. Praca z płótnami artystów jest priorytetowym kierunkiem „Rosyjskiej Galerii Antyków” i oczywiście nie mogliśmy pominąć najciekawszych dzieł rosyjskich artystów, którzy malowali swoje obrazy w czasach sowieckich.

Nie trzeba być wyrafinowanym kolekcjonerem, żeby chcieć kupić obrazy z czasów Związku Radzieckiego. Przy stosunkowo przystępnej cenie w porównaniu z obrazami artystów zachodnioeuropejskich z XIX wieku, obrazy ze Związku Radzieckiego są nie mniej interesujące i zostały namalowane w wyjątkowym okresie przez prawdziwych mistrzów. Często rosyjscy i nie tylko miłośnicy sztuki rozpoczynają swoją kolekcję obrazów od dzieł artystów ZSRR. Jednym z wyjaśnień zainteresowania malarstwem rosyjskim tego okresu można nazwać niezwykle wysoki poziom wyszkolenia artystów i edukacji artystycznej szkoły radzieckiej jako całości, a także większą dostępność edukacji w ogóle.

Nie bez dumy zapraszamy Państwa przed zakupem obrazów radzieckich do zapoznania się z naszym działem, w celu oceny poziomu umiejętności i geniuszu artystów radzieckich oraz wybrania obrazów, które przypadły Państwu do gustu.

Dla wielu malarstwo radzieckie z pewnością wywoła nostalgię, ponieważ prace te w dużej mierze odzwierciedlają ich dzieciństwo. Na wpół zapomniane życie z przeszłości, starożytne budynki i ulice, które dziś zmieniły się nie do poznania, stadiony, pokazy, praca robotników, żniwa, sceny z produkcji, pokazy osiągnięć sowieckich rzemieślników. Motywy te pochodzą do nas z obrazów wielu twórców ZSRR. W naszej kolekcji znajdują się dzieła takich artystów jak:

· A.A Deineka

· E.E. Moiseenko

· A.I. Łucenko

· Yu.A Volkov

Jeśli chcesz zacząć kolekcjonować obrazy ZSRR, zalecamy najpierw ustalić granice swojej kolekcji. Mogą to być okres, temat, skojarzenie twórcze, metoda malowania i wiele innych. Oczywiście przy ustalaniu granic przyszłej kolekcji najlepiej skonsultować się z osobami zanurzonymi w środowisku sztuki antycznej, które przynajmniej pomogą i doradzą, jak uniknąć pułapek i błędów, które czyhają na początkujących. Eksperci Rosyjskiej Galerii Antyków są zawsze gotowi doradzić w każdej interesującej kwestii.

Zawsze zalecamy również, aby najpierw kupić do swojej kolekcji radzieckie obrazy obecnie mało znanych artystów. Ich obrazy są tańsze, ale jak każdy antyk, stale rosną w cenie, będąc doskonałą inwestycją, znacznie pewniejszą niż nowoczesne banki. Co więcej, świat antycznej sztuki pięknej również ma swoją modę. Jeszcze wczoraj artysta znany tylko wąskiemu kręgowi profesjonalistów nagle zyskuje światowe uznanie, na temat jego twórczości ukazuje się akademicki artykuł naukowy lub materiał naukowy, a jego płótna natychmiast stają się potrzebne wszystkim, a co za tym idzie, poważnie wzrastają ceny . A takie przypadki wcale nie są wyjątkami.

Można kupić obraz radzieckiego artysty, a także element dekoracyjny. A to rozwiązanie ma także wiele zalet, których nie da się przecenić. Zauważmy, że malarstwo ZSRR ma swoje charakterystyczne i rozpoznawalne cechy, których umiejętne wykorzystanie może albo stworzyć pewien klimat minionej epoki, albo podkreślić pewną „rosyjskość” przestrzeni, w której obraz się znajduje. Malarstwo radzieckie jest bardzo dostępne dla tych, którzy szukają rozwiązania wewnętrznego, już ze względu na jego ilość, dlatego ta sekcja „Rosyjskiej Galerii Antyków” jest regularnie aktualizowana. Nie mniej interesująca jest różnorodność stylistyczna i gatunkowa dzieł rosyjskich artystów w ZSRR. Gwałtowna zmiana paradygmatów ideologicznych społeczeństwa radzieckiego spowodowała bardzo, bardzo wiele w zdumiewająco krótkim czasie. Eksplozja awangardy, która dała początek absolutnie wszystkim głównym ruchom artystycznym XX wieku: abstrakcjonizmowi, suprematyzmowi, konstruktywizmowi, futuryzmowi, raionizmowi, sztuce analitycznej, która rozwinęła się w kierunku socrealizmu. Później, dzięki tej niezwykle wieloaspektowej ścieżce, świat sztuk pięknych przyjął artystów nonkonformistów, którzy tworzyli swoje płótna w okresie od lat 60. do końca lat 80. XX wieku. I cała ta różnorodność istniała

i rozwijały się równolegle, będąc albo na korzyść, albo na korzyść elity rządzącej. To niesamowity i różnorodny okres, którego po prostu nie da się nie kochać i nie doceniać.

Pomimo tego, że „Rosyjska Galeria Antyków” zajmuje się rarytasami z przeszłości, wszyscy żyjemy w teraźniejszości i całkiem nowoczesnym świecie. Kto jeszcze jak nie my wie, że najcenniejszą rzeczą, jaką posiada człowiek, jest czas. A w pogoni za jego świadkami możesz stracić ten cenny zasób. Tworząc tę ​​​​stronę, zespół naszego sklepu włożył wiele wysiłku, aby kupowanie obrazów radzieckich było jak najbardziej wygodne i proste, aby zaoszczędzić Twój osobisty czas, który zawsze możesz przeznaczyć na ważne dla Ciebie rzeczy.

Kupowanie obrazów radzieckich artystów jest dziś łatwe i proste w naszym sklepie internetowym, wystarczy poświęcić kilka minut i wykonać minimalną możliwą liczbę kroków. Absolutnie każdy przedmiot z archiwum naszego sklepu jest prezentowany na naszej stronie internetowej, wraz ze szczegółowym opisem, z maksymalnym możliwym wskazaniem wszystkich ważnych danych dotyczących rzadkości, a także wysokiej jakości zdjęciami, na których można z łatwością zobaczyć antyki w najdrobniejszych szczegółach. Aby kupić obrazy radzieckie, pozostaje Ci tylko znaleźć interesujący Cię obraz, umieścić go w koszyku i sfinalizować zamówienie. Następnie nasi menedżerowie skontaktują się z Tobą i omówią szczegóły.

Jeśli masz jakiekolwiek pytania dotyczące dowolnego obrazu lub przedmiotu prezentowanego w naszym sklepie internetowym, zawsze możesz skontaktować się z nami poprzez formularz opinii lub zadzwonić pod numer wskazany w prawym górnym rogu. Nasi specjaliści zawsze chętnie Ci pomogą.

Dla tych, którzy są przyzwyczajeni do dokonywania zakupów wyłącznie poprzez bezpośrednie obejrzenie przedmiotu na własne oczy, nasz sklep internetowy, w którym prezentowane jest malarstwo radzieckie, również nie jest bezużyteczny. Pokazuje aktualną dostępność pozycji w naszej kolekcji i pozwala uzyskać wszystkie niezbędne krótkie informacje na temat interesujących Cię antyków.

Nasz zespół ekspertów codziennie pracuje nad znalezieniem nowych, unikalnych pozycji do naszej kolekcji i jest zawsze gotowy przyjąć indywidualne zamówienia w celu wyszukania konkretnych pozycji. Najlepszym sposobem na zakup obrazów radzieckich jest przyjście do naszego sklepu i poinformowanie naszego konsultanta, jakim obrazem jesteś zainteresowany, a my przyjmiemy Twoje zlecenie pracy. Pracownicy Rosyjskiej Galerii Antyków zrealizowali setki indywidualnych zamówień i mamy pewność, że uda nam się znaleźć interesujący Państwa przedmiot na obopólnie korzystnych warunkach.

Zaprasza do wyboru w naszym salonie

PRZECZYTAJ CAŁKOWICIE Majestatyczne i różnorodne malarstwo rosyjskie zawsze zachwyca niestałością i doskonałością form artystycznych. Jest to cecha dzieł znanych mistrzów sztuki. Zawsze zadziwiali nas niezwykłym podejściem do pracy, pełnym szacunku podejściem do uczuć i wrażeń każdego człowieka. Być może dlatego rosyjscy artyści tak często przedstawiali kompozycje portretowe, które żywo łączyły emocjonalne obrazy i epicko spokojne motywy. Nic dziwnego, że Maksym Gorki powiedział kiedyś, że artysta jest sercem swojego kraju, głosem całej epoki. Rzeczywiście, majestatyczne i eleganckie obrazy rosyjskich artystów żywo oddają inspirację swoich czasów. Podobnie jak aspiracje słynnego autora Antona Czechowa, wielu starało się wprowadzić do rosyjskiego malarstwa niepowtarzalny smak swojego ludu, a także nieugaszone marzenie o pięknie. Trudno nie docenić niezwykłych obrazów tych mistrzów majestatycznej sztuki, ponieważ pod ich pędzlami rodziły się naprawdę niezwykłe dzieła różnych gatunków. Malarstwo akademickie, portret, malarstwo historyczne, pejzaż, dzieła romantyzmu, modernizmu czy symboliki – wszystkie one wciąż przynoszą radość i inspirację swoim widzom. Każdy znajdzie w nich coś więcej niż kolorowe kolory, wdzięczne linie i niepowtarzalne gatunki światowej sztuki. Być może taka obfitość form i obrazów, którymi zaskakuje malarstwo rosyjskie, wiąże się z ogromnym potencjałem otaczającego ich świata. Lewitan powiedział także, że każda nuta bujnej natury kryje w sobie majestatyczną i niezwykłą paletę barw. Przy takim początku dla pędzla artysty pojawia się wspaniała przestrzeń. Dlatego wszystkie rosyjskie obrazy wyróżniają się wyjątkową surowością i atrakcyjnym pięknem, od którego tak trudno się oderwać.

Malarstwo rosyjskie słusznie odróżnia się od sztuki światowej. Faktem jest, że aż do XVII wieku malarstwo rosyjskie kojarzone było wyłącznie z tematyką religijną. Sytuacja uległa zmianie wraz z dojściem do władzy reformującego się cara Piotra Wielkiego. Dzięki jego reformom rosyjscy mistrzowie zaczęli zajmować się malarstwem świeckim, a malarstwo ikonowe wyodrębniło się jako odrębny kierunek. Wiek XVII to czas twórczości takich artystów jak Szymon Uszakow i Józef Władimirow. Następnie w rosyjskim świecie sztuki pojawił się portret i szybko stał się popularny. W XVIII wieku pojawili się pierwsi artyści, którzy przeszli od portretu do malarstwa pejzażowego. Zauważalna jest wyraźna sympatia artystów do zimowych panoram. Wiek XVIII zapisał się także w pamięci z pojawieniem się malarstwa codziennego. W XIX wieku w Rosji popularność zyskały trzy ruchy: romantyzm, realizm i klasycyzm. Tak jak poprzednio, rosyjscy artyści nadal zwracali się ku gatunkowi portretów. Wtedy pojawiły się światowej sławy portrety i autoportrety O. Kiprensky'ego i V. Tropinina. W drugiej połowie XIX wieku artyści coraz częściej przedstawiali zwykłych Rosjan w ich uciskanym państwie. Realizm staje się centralnym kierunkiem malarstwa tego okresu. Wtedy właśnie pojawili się artyści wędrowni, przedstawiający tylko prawdziwe, prawdziwe życie. Cóż, wiek XX to oczywiście awangarda. Artyści tamtych czasów wywarli znaczący wpływ zarówno na swoich zwolenników w Rosji, jak i na całym świecie. Ich obrazy stały się prekursorami sztuki abstrakcyjnej. Malarstwo rosyjskie to ogromny, wspaniały świat utalentowanych artystów, którzy swoimi dziełami wychwalali Rosję.