Tradycyjne japońskie malarstwo i grawerowanie. Malarstwo japońskie: wszystkie subtelności malarstwa orientalnego

Jeśli kiedykolwiek byłeś w Japonii, prawdopodobnie już wiesz, jak niesamowity jest ten kraj. A tym, którzy dopiero planują odwiedzić Krainę Kwitnącej Wiśni, można pozazdrościć – czeka ich wiele niezapomniane przeżycie. W naszym dzisiejszym wyborze znajdziesz najciekawsze i najpiękniejsze miejsca w Japonii. Część z nich uważana jest za popularne atrakcje, inne leżą na uboczu, jednak każda z nich jest wyjątkową perełką tego kraju.

15 ZDJĘĆ

Bambusowy las Sagano zdaje się przenosić turystów w zupełnie inną rzeczywistość. Oprócz tego, że same wysokie łodygi bambusa wyglądają imponująco, gdy wzmaga się wiatr, wydają także dźwięki, „zaczynają śpiewać”, jak mówią miejscowi.

Hitachi Park położony jest w północno-wschodniej części prefektury Tokio, ale na wyspie Honsiu. Najlepszym czasem na odwiedzenie Hitachi Park jest wrzesień, kiedy kwitnie tu 4,5 miliona nemofilów (amerykańskich niezapominajek), zamieniając ziemię w niesamowity niebieski koc kwiatów.

Ogród Japoński Kawachi Fuji położony jest w północnej części Kiusiu, niedaleko Fukuoki. Najlepiej odwiedzić to miejsce pod koniec kwietnia, w tym czasie ogród osiąga najjaśniejsze i najbardziej bujne kwitnienie.

Shibazakura to rzadki różowo-biało-fioletowy mech rosnący na obszarze Pięciu Jezior Fuji. Co roku od kwietnia do czerwca na cześć tego niezwykłego zjawiska odbywa się Festiwal Fuji Shibazakura.

Miasto Kawagoe słynie z piękne rzeki, przechodząc przez które można poczuć atmosferę starożytna Japonia który został tu zachowany. To Kawagoe było w XVII wieku twierdzą i oficjalna rezydencja szef straży szoguna.

Jedna z głównych świątyń Shinto w Kioto, główną atrakcją są tysiące czerwonych bram rytualnych, które biegną po obu stronach drogi o długości ponad 4 km.

Stary szlak objazdowy prowadzący z Kioto do Edo, który miał bardzo ważne na handel w XVII w. Szlak przebiega przez bardzo malowniczą okolicę.

Świątynia buddyjska założona w 717 roku przez wędrownego mnicha. Budynek ten szczególnie pięknie prezentuje się zimą, na tle pokrywy śnieżnej.

Budynek trzykondygnacyjny, wykonany w technologii tradycyjnej styl japoński co doskonale komponuje się z zapierającą dech w piersiach scenerią. W pobliżu pagody znajduje się najwyższy wodospad w Japonii, jego wysokość wynosi aż 133 metry.

Podczas tego festiwalu produkuje się 20 000 bambusowych lamp, które zapala się przez trzy noce. Festiwal Oświetlenia Bambusowego Taketa rozpoczyna się w trzeci piątek listopada.

Zachwycający niebieski staw, położony u podnóża góry Tokachi, na wyspie Hokkaido, swój kolor zawdzięcza naturalnym minerałom.

Wiosenny festiwal kwitnącej wiśni w Japonii trwa około kilku tygodni, zamieniając współczesną stolicę kraju w pachnący ogród.

Pagoda Kureito to japoński antywojenny pomnik powstały w 1963 roku. Pagoda położona jest na wzgórzu, a aby się do niej dostać, trzeba pokonać aż 400 schodów. Jednak piękno architektoniczne pagody i wspaniały widok na górę Fuji są warte każdego wysiłku.

Niezwykle piękna plantacja herbaty położona w prefekturze Shizuoka. Można tu wypić filiżankę pysznej zielonej herbaty przywiezionej do Japonii z Chin ponad 1300 lat temu i podziwiać piękną przyrodę.

Malarstwo japońskie to absolutnie wyjątkowy kierunek w sztuce światowej. Istniał od czasów starożytnych, ale zgodnie z tradycją nie stracił na popularności i zdolności zaskakiwania.

Uwaga na tradycje

Wschód to nie tylko krajobrazy, góry i wschodzące słońce. To także ludzie, którzy stworzyli jego historię. To właśnie ci ludzie od wielu wieków podtrzymują tradycję malarstwa japońskiego, rozwijając i pomnażając swoją sztukę. Ci, którzy wnieśli znaczący wkład w historię japońskich artystów. To dzięki nim nowożytni zachowali wszystkie kanony tradycyjnego malarstwa japońskiego.

Styl malarski

W przeciwieństwie do Europy japońscy artyści woleli malować bliżej grafiki niż malarstwa. W takich obrazach nie znajdziesz szorstkich, nieostrożnych pociągnięć oleju, tak charakterystycznych dla impresjonistów. Jaka jest graficzna natura takich dzieł sztuki, jak japońskie drzewa, skały, zwierzęta i ptaki - wszystko na tych obrazach jest narysowane tak wyraźnie, jak to możliwe, mocnymi i pewnymi liniami atramentu. Wszystkie obiekty w kompozycji muszą mieć kontur. Wypełnianie wnętrza konturu odbywa się zwykle akwarelą. Kolor zostaje wypłukany, dodane są inne odcienie, a gdzieś zostaje kolor papieru. Dekoracyjność jest właśnie tym, co wyróżnia malarstwo japońskie na tle sztuki całego świata.

Kontrasty w malarstwie

Kontrast to kolejna charakterystyczna technika stosowana przez japońskich artystów. Może to być różnica w odcieniu, kolorze lub kontraście ciepłych i zimnych odcieni.

Artysta sięga po technikę, gdy chce podkreślić jakiś element tematu. Może to być żyła na roślinie, pojedynczy płatek lub pień drzewa na tle nieba. Następnie przedstawiana jest jasna, oświetlona część obiektu i cień pod nim (lub odwrotnie).

Przejścia i kolory

Podczas rysowania obrazów japońskich często stosuje się przejścia. Są różne: na przykład z jednego koloru na drugi. Na płatkach lilii wodnych, piwonii widać przejście jasny odcień do bogatego, jasnego koloru.

Przejścia są również stosowane w obrazie powierzchni wody, nieba. Bardzo pięknie prezentuje się płynne przejście od zachodu słońca do ciemnego, pogłębiającego się zmierzchu. W rysowaniu chmur stosuje się również przejścia z różnych odcieni i odbić.

Główne motywy malarstwa japońskiego

W sztuce wszystko jest ze sobą powiązane prawdziwe życie, z uczuciami i emocjami osób w nie zaangażowanych. Podobnie jak w literaturze, muzyce i innych przejawach kreatywności, w malarstwie jest ich kilka wieczne tematy. Ten wątki historyczne, obrazy ludzi i przyrody.

Japońskie krajobrazy są różnorodne. Często na obrazach pojawiają się wizerunki stawów – ulubionego tematu wnętrz Japończyków. Ozdobny staw, w pobliżu kilka lilii wodnych i bambus - tak to wygląda zwyczajny obraz 17-18 wieków.

Zwierzęta w malarstwie japońskim

Zwierzęta są także powracającym elementem malarstwa azjatyckiego. Tradycyjnie jest to przyczajony tygrys lub Kot domowy. Ogólnie rzecz biorąc, Azjaci bardzo lubią i dlatego ich przedstawiciele znajdują się we wszystkich formach sztuki orientalnej.

Świat fauny to kolejny temat, który następuje malarstwo japońskie. Ptaki - żurawie, papugi ozdobne, luksusowe pawie, jaskółki, niepozorne wróble, a nawet koguty - wszystkie można znaleźć na rysunkach orientalnych mistrzów.

Ryby to równie gorący temat dla japońskich artystów. Koi to japońska wersja złotej rybki. Te stworzenia żyją w Azji we wszystkich stawach, nawet w małych parkach i ogrodach. Karp Koi to rodzaj tradycji, która należy wyłącznie do Japonii. Ryby te symbolizują walkę, determinację, osiągnięcie celu. Nic dziwnego, że są przedstawiane jako pływające z prądem, zawsze z ozdobnymi grzbietami fal.

Malarstwo japońskie: przedstawianie ludzi

Tematem szczególnym są ludzie w malarstwie japońskim. Artyści przedstawiali gejsze, cesarzy, wojowników i starców.

Gejsze są przedstawiane w otoczeniu kwiatów, zawsze ubrane w wyszukane szaty z wieloma fałdami i elementami.

Mędrców przedstawiono siedzących lub wyjaśniających coś swoim uczniom. Wizerunek starego naukowca jest symbolem historii, kultury i filozofii Azji.

Wojownik był przedstawiany jako potężny, czasem onieśmielający. Długie były szczegółowo narysowane i wyglądały jak drut.

Zwykle wszystkie szczegóły zbroi są uszlachetniane tuszem. Często nadzy wojownicy są ozdobieni tatuażami przedstawiającymi wschodni smok. Jest symbolem siły i siła militarna Japonia.

Portretowano władców rodziny cesarskie. piękne szaty, ozdoby we włosach mężczyzn - coś, czego takich dzieł sztuki jest mnóstwo.

krajobrazy

Tradycyjny japoński krajobraz - góry. Malarzom azjatyckim udało się przedstawić różnorodne krajobrazy: potrafią przedstawić ten sam szczyt różne kolory, z inną atmosferą. Jedyne, co pozostaje niezmienne, to obowiązkowa obecność kwiatów. Zwykle wraz z górami artysta przedstawia na pierwszym planie jakąś roślinę i szczegółowo ją rysuje. Góry wyglądają pięknie i kwiaty wiśni. A jeśli narysujesz opadające płatki - obraz podziwia smutne piękno. Kontrast w atmosferze obrazu to kolejna niezwykła cecha kultury japońskiej.

Hieroglify

Często kompozycję obrazu w malarstwie japońskim łączy się z literami. Hieroglify ułożone są tak, aby kompozycyjnie prezentowały się pięknie. Zwykle są rysowane po lewej lub prawej stronie obrazu. Hieroglify mogą wskazywać, co jest przedstawione na obrazie, jego imię lub nazwisko artysty.

Japonia jest jednym z najbogatszych krajów pod względem historii i kultury. Na całym świecie zwyczajowo uważa się Japończyków za ludzi pedantycznych, którzy odnajdują estetykę w absolutnie wszystkich przejawach życia. Dlatego obrazy japońskie są zawsze bardzo harmonijne pod względem koloru i tonu: jeśli występują wtrącenia jakiegoś jasnego koloru, to tylko w centrach semantycznych. Na przykładzie obrazów artystów azjatyckich można przestudiować teorię koloru, prawidłowe przeniesienie formy za pomocą grafiki i kompozycję. Technika wykonania malarstwa japońskiego jest na tyle wysoka, że ​​może służyć jako przykład pracy z akwarelami i wykonywania „prania” prac graficznych.

Monochromatyczne malarstwo Japonii jest jednym z wyjątkowych zjawisk sztuki Wschodu. Poświęca się mu wiele prac i opracowań, jednak często jest on postrzegany jako rzecz bardzo warunkowa, a czasem wręcz dekoracyjna. To nie jest tak.Świat duchowy Japoński artysta bardzo bogaty i dba nie tyle o komponent estetyczny, ile o duchowy. Sztuka Wschodu jest syntezą tego, co zewnętrzne i wewnętrzne, jawne i ukryte.

W tym poście chciałbym zwrócić uwagę nie na historię malarstwa monochromatycznego, ale na jego istotę. To zostanie omówione.

Ekran „Sosna” Hasegawa Tohaku, 1593.

To, co widzimy w monochromatycznych obrazach, jest efektem interakcji artysty z sosnową triadą: papier, pędzel, tusz. Aby więc właściwie zrozumieć dzieło, trzeba zrozumieć samego artystę i jego postawę.

„Krajobraz” Sesshu, 1398

Papier niełatwe dla japońskiego mistrza improwizowany materiał, który podporządkowuje swojemu kaprysowi, a wręcz przeciwnie, jest „bratem”, dlatego stosunek do niej odpowiednio się rozwinął. papier jest częścią otaczająca przyroda, któremu Japończycy zawsze okazywali szacunek i starali się nie podporządkowywać, ale pokojowo z nim współistnieć. Papier to w przeszłości drzewo, które rosło na określonym terenie, określony czas, „zobaczyła” coś wokół siebie i ona to wszystko zatrzymuje. Tak japoński artysta postrzega materiał. Często mistrzowie przed rozpoczęciem pracy długo szukali Pusty arkusz(kontemplowałem to) i dopiero wtedy zabrałem się za malowanie. Nawet dzisiaj współcześni japońscy artyści uprawiający Nihon-ga (tradycyjne malarstwo japońskie) starannie wybierają swój papier. Kupują go na zamówienie w papierniach. Dla każdego artysty określona grubość, przepuszczalność wilgoci i faktura (wielu artystów zawiera nawet umowę z właścicielem fabryki, aby nie sprzedawać tego papieru innym artystom) - dlatego każdy obraz jest postrzegany jako coś wyjątkowego i żywego.

„Czytanie w gaju bambusowym” Shubun, 1446.

Mówiąc o znaczeniu tego materiału, warto wspomnieć o takich słynne pomniki Literatura japońska, taka jak „Notatki u wezgłowia” Sei Shonagona i „Genji Monogotari” Murasaki Shikibu: zarówno w „Notatkach”, jak i „Genji” można znaleźć sceny, w których dworzanie lub kochankowie wymieniają wiadomości. Papier, na którym spisano te przesłania, był odpowiedniej pory roku, odcienia, a sposób pisania tekstu odpowiadał jego fakturze.

„Murasaki Shikibu w świątyni Ishiyama” Kyosen

Szczotka- drugi element to kontynuacja ręki mistrza (znowu to jest naturalny materiał). Dlatego też pędzle wykonywano także na zamówienie, jednak najczęściej przez samego artystę. Wybrał włosie o wymaganej długości, wybrał rozmiar pędzla i najwygodniejszą rączkę. Mistrz pisze tylko swoim pędzlem i żadnym innym. (Z osobiste doświadczenie: był na klasie mistrzowskiej Chiński artysta Jiang Shilun, publiczność poprosiła o pokazanie, co potrafią jego uczniowie obecni na zajęciach mistrzowskich, a każdy z nich, podnosząc pędzel mistrza, powiedział, że nie będzie to takie, jakiego się spodziewali, ponieważ pędzel nie był ich, nie byli do tego przyzwyczajeni i nie wiedzą, jak prawidłowo z niego korzystać.

Szkic tuszem „Fuji” autorstwa Katsushiki Hokusai

atrament- trzeci ważny element. Atrament się zdarza różne rodzaje: po wyschnięciu może dać efekt błyszczący lub matowy, dlatego można go mieszać z odcieniami srebra lub ochry właściwy wybór tusz do rzęs również nie jest bez znaczenia.

Yamamoto Baitsu, późno 18- XIX wiek.

Głównymi tematami malarstwa monochromatycznego są pejzaże. Dlaczego nie mają koloru?

Bliźniaczy ekran „Pines”, Hasegawa Tohaku

Po pierwsze, japońskiego artysty nie interesuje sam przedmiot, ale jego istota, pewien składnik wspólny wszystkim istotom żywym i prowadzący do harmonii między człowiekiem a naturą. Dlatego obraz jest zawsze wskazówką, jest adresowany do naszych uczuć, a nie do wizji. Niedopowiedzenie jest bodźcem do dialogu, a co za tym idzie do połączenia. Linie i plamy są ważne na obrazie - tworzą się język artystyczny. To nie jest swoboda mistrza, który tam, gdzie chciał, zostawił tam tłusty ślad, a wręcz przeciwnie, w innym miejscu nie narysował dobrze - na obrazie wszystko ma swoje znaczenie i znaczenie i nie niesie ze sobą losowy znak.

Po drugie, kolor zawsze niesie ze sobą jakąś konotację emocjonalną i jest inaczej postrzegany. różni ludzie dlatego też w różnych stanach neutralność emocjonalna pozwala widzowi najwłaściwiej wejść w dialog, ustawić go na percepcję, kontemplację i myślenie.

Po trzecie, jest to interakcja yin i yang, każdy monochromatyczny obraz jest harmonijny pod względem proporcji atramentu i nietkniętego obszaru papieru.

Dlaczego większość miejsce na papierze nie jest wykorzystywane?

„Krajobraz” Syubun, połowa XV wieku.

Po pierwsze, pustka przestrzeni zanurza widza w obrazie; po drugie, obraz powstaje tak, jakby na chwilę wypłynął na powierzchnię i miał za chwilę zniknąć – wiąże się to ze światopoglądem i światopoglądem; po trzecie, tam, gdzie nie ma atramentu, na pierwszy plan wysuwa się faktura i odcień papieru (nie zawsze jest to widoczne na reprodukcjach, ale w rzeczywistości jest to zawsze interakcja dwóch materiałów – papieru i tuszu).

Sesshu, 1446

Dlaczego krajobraz?

„Kontemplacja wodospadu” Gayami, 1478

Według japońskiego światopoglądu natura jest doskonalsza od człowieka, dlatego należy się od niej uczyć, chronić ją na wszelkie możliwe sposoby, a nie niszczyć i podporządkowywać. Dlatego w wielu pejzażach można zobaczyć małe wizerunki ludzi, ale zawsze są one nieistotne, małe w stosunku do samego krajobrazu lub wizerunki chat, które wpasowują się w otaczającą przestrzeń i nie zawsze są nawet zauważalne - to wszystko są symbole światopogląd.

„Pory roku: jesień i zima” Sesshu. „Krajobraz” Sesshu, 1481

Podsumowując, chcę powiedzieć, że japońskie malarstwo monochromatyczne nie jest przypadkowo rozpryskanym atramentem, nie jest kaprysem wewnętrznego ego artysty - to cały system obrazów i symboli, jest skarbnicą myśli filozoficznej, a co najważniejsze, sposób komunikacji i harmonizacji siebie i otaczającego świata.

Tutaj, jak sądzę, znajdują się odpowiedzi na główne pytania, jakie stawia widz w obliczu monochromatycznego malarstwa japońskiego. Mam nadzieję, że pomogą Ci to najlepiej zrozumieć i dostrzec, kiedy się spotkacie.