Antyczne obrazy. Malarstwo, muzyka, architektura Europy XIX – początków XX w. Malarstwo europejskie końca XIX w.

„Gracze w karty”

Autor

Paula Cezanne’a

Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm

Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale malować zaczął w Paryżu. Prawdziwy sukces przyszedł mu po osobistej wystawie zorganizowanej przez kolekcjonera Ambroise’a Vollarda. W 1886 roku, na 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na obrzeża rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wycieczki do niego „pielgrzymką do Aix”.

130x97cm
1895
cena
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji prywatnej

Twórczość Cezanne’a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie obiektu lub fabuły na płótno, dlatego jego obrazy nie wywołują u widza dezorientacji. Cezanne połączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowych tekstur nadawał kształtom obiektów niesamowitą plastyczność.

Cykl pięciu obrazów „Gracze w karty” powstał w latach 1890–1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób z zapałem gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.

Cztery obrazy znajdują się w muzeach Europy i Ameryki (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation i Courtauld Institute of Art), a piąty do niedawna był ozdobą prywatnej kolekcji greckiego armatora-miliardera Georg Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, zdecydował się wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowego” dzieła Cezanne’a byli handlarz dziełami sztuki William Acquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, którzy zaoferowali za nie około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz za 250 milionów trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Katar.W lutym 2012 roku sfinalizowano największą w historii malarstwa transakcję na dzieła sztuki. Dziennikarka Alexandra Pierce poinformowała o tym w Vanity Fair. Dowiedziała się o cenie obrazu i nazwisku nowego właściciela, po czym informacja przedostała się do mediów na całym świecie.

W 2010 roku w Katarze otwarto Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Katarskie Muzeum Narodowe. Teraz ich zbiory się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję Graczy w karty.

Najbardziejdrogie malowaniena świecie

Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne złoża ropy i gazu, co natychmiast uczyniło Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten mały kraj ma największy PKB na mieszkańca. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani objął władzę w 1995 r., kiedy jego ojciec przebywał w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny. Zdaniem ekspertów zasługą obecnego władcy jest jasna strategia rozwoju kraju i kreowanie pomyślnego wizerunku państwa. Katar ma teraz konstytucję i premiera, a kobiety mają prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al-Dżazira. Władze państwa arabskiego przywiązują dużą wagę do kultury.

2

"Numer 5"

Autor

Jacksona Pollocka

Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jack the Sprinkler – taki przydomek nadano Pollockowi przez amerykańską publiczność ze względu na jego specjalną technikę malarską. Artysta porzucił pędzel i sztalugę, a podczas ciągłego ruchu wokół nich i wewnątrz nich rozlewał farbę na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej. Od najmłodszych lat interesował się filozofią Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.

122x244cm
1948
cena
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Wartość pracy Pollocka nie leży w wyniku, ale w procesie. Nieprzypadkowo autor nazwał swoją twórczość „malowaniem akcji”. Jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock zmieszał farbę z piaskiem i potłuczonym szkłem, a następnie pomalował kawałkiem kartonu, szpachelką, nożem i szufelką. Artysta cieszył się tak dużą popularnością, że w latach 50. XX wieku naśladowcy znaleźli się nawet w ZSRR. Obraz „Numer 5” uznawany jest za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, a w 2006 roku sprzedał na aukcji Sotheby's za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak wkrótce kancelaria prawnicza wydała w imieniu swojego klienta komunikat prasowy, w którym stwierdziła, że ​​David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Jedno jest pewne: meksykański finansista rzeczywiście w ostatnim czasie kolekcjonował dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przeoczył tak „dużą rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.

3

„Kobieta III”

Autor

Willema de Kooninga

Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Pochodzący z Holandii, w 1926 roku wyemigrował do Stanów Zjednoczonych. W 1948 roku odbyła się osobista wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe czarno-białe kompozycje, uznając ich autora za wielkiego artystę modernistycznego. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość tworzenia nowej sztuki wyczuwalna jest w każdym dziele. De Kooninga wyróżnia impulsywność malarstwa i szeroka kreska, dlatego czasami obraz nie mieści się w granicach płótna.

121x171cm
1953
cena
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiały się kobiety o pustych oczach, masywnych piersiach i brzydkich rysach twarzy. „Kobieta III” była ostatnią pracą z tego cyklu, która trafiła na aukcję.

Od lat 70. obraz przechowywany był w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, jednak po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych próbowano się go pozbyć. W 1994 roku dzieło zostało wywiezione z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stevenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Co ciekawe, w ciągu jednego roku Geffen zaczął wyprzedawać swoją kolekcję obrazów. Wywołało to wiele plotek: na przykład, że producent zdecydował się kupić gazetę Los Angeles Times.

Na jednym z forów artystycznych pojawiła się opinia o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu „Dama z gronostajem” Leonarda da Vinci. Za zębatym uśmiechem i bezkształtną postacią bohaterki koneser malarstwa dostrzegł wdzięk osoby królewskiej krwi. Świadczy o tym także źle narysowana korona wieńcząca głowę kobiety.

4

„Portret AdeliBloch-Bauer I”

Autor

Gustava Klimta

Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny

Gustav Klimt urodził się w rodzinie rytownika i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami, ale dopiero Gustav zasłynął na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca przejął odpowiedzialność za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Każdy widz zatrzymuje się przed jego obrazami: szczery erotyzm jest wyraźnie widoczny pod cienkimi pociągnięciami złota.

138x136cm
1907
cena
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Losy obrazu, zwanego „austriacką Moną Lisą”, z łatwością mogłyby stać się podstawą bestsellera. Twórczość artystki wywołała konflikt pomiędzy całym państwem a jedną starszą panią.

Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnim życzeniem było przekazanie obrazu Austriackiej Galerii Państwowej. Bloch jednak w testamencie anulował darowiznę, a obraz został wywłaszczony przez hitlerowców. Później galeria z trudem kupiła Złotą Adele, ale potem pojawiła się dziedziczka - Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.

W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Marii Altmann przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego film „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe kroki: przeprowadzono negocjacje w sprawie pożyczek, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie pokonało zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W chwili postępowania miała 79 lat, a do historii zapisała się jako osoba, która zmieniła testament Blocha-Bauera na korzyść osobistych interesów. Obraz kupił Ronald Lauder, właściciel New Gallery w Nowym Jorku, gdzie znajduje się do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.

5

"Krzyk"

Autor

Edvard Munch

Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm

Pierwszy obraz Muncha, który zasłynął na całym świecie, „Chora dziewczyna” (jest pięć kopii) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo depresyjnej tematyki jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weźmy na przykład „Krzyk”.

73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 mln dolarów
sprzedane w 2012
na aukcji Sotheby's

Pełny tytuł obrazu to Der Schrei der Natur (w tłumaczeniu z języka niemieckiego „krzyk natury”). Twarz człowieka lub kosmity wyraża rozpacz i panikę – te same emocje, których doświadcza widz patrząc na zdjęcie. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które stały się ostre w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.

Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Nieznacznie uszkodzony po kradzieży Krzyk został odrestaurowany i ponownie gotowy do wystawienia w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury dzieło stało się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię jego drukowanych kopii, a maska ​​​​z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.

Dla jednego tematu Munch napisał cztery wersje pracy: ta, która znajduje się w kolekcji prywatnej, wykonana jest pastelami. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcję 2 maja 2012 r. Kupującym został Leon Black, który za „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. i Lion Advisors, L.P. znany z zamiłowania do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Lincoln Art Center i Metropolitan Museum of Art. Posiada największą kolekcję obrazów artystów współczesnych i mistrzów klasycyzmu minionych wieków.

6

„Akt na tle popiersia i zielonych liści”

Autor

Pablo Picasso

Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm

Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania jest prawdziwym Francuzem. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie udał się do Paryża i spędził tam większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku występuje podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu poglądowi, że przedmiot przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.

130x162cm
1932
cena
106,482 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Podczas swojej pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlovą, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu i przeprowadził się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu bohater znalazł uznanie, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najdroższych obrazów świata powstał niemal przez przypadek – z wielkiej miłości, która jak zawsze u Picassa była krótkotrwała. W 1927 roku zainteresował się młodą Marią Teresą Walter (ona miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał z kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obrazie Dafne. Płótno zakupił nowojorski handlarz Paul Rosenberg, który w 1951 roku sprzedał je Sidneyowi F. Brody'emu. Brodyowie pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta kończył 80 lat. Po śmierci męża pani Brody w marcu 2010 roku wystawiła dzieło na aukcję w Christie’s. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie wystawiono ją po raz drugi, lecz nazwisko właściciela nadal nie jest znane.

7

„Osiem Elvisów”

Autor

Andy’ego Warhole’a

Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art

„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których trzeba pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta pop-artu, reżyser, jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla firmy I.Miller. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella i Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.

358x208cm
1963
cena
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji prywatnej

Lata 60. Warhola to nazwa nadana epoce pop-artu w Ameryce. W 1962 roku pracował na Manhattanie w studiu Factory, gdzie gromadziła się cała bohema Nowego Jorku. Jego wybitni przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości na świecie. W tym samym czasie Warhol testował technikę sitodruku – wielokrotne powtarzanie jednego obrazu. Tę metodę zastosował także podczas tworzenia „Ośmiu Elvisów”: widz ma wrażenie, że widzi materiał z filmu, w którym gwiazda ożywa. Jest tu wszystko, co artysta tak bardzo kochał: wizerunek publiczny, w którym wygrywają obie strony, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główne przesłanie.

Dziś na rynku światowym działa dwóch handlarzy dziełami sztuki promujących twórczość Warhola: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Ten pierwszy wydał w 2008 roku 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tyle że za wyższą cenę. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant ds. sztuki Philippe Segalot pomógł rzymskiemu koneserowi sztuki Annibale Berlinghieri sprzedać „Osiem Elvisów” nieznanemu nabywcy za rekordową dla Warhola kwotę – 100 milionów dolarów.

8

"Pomarańczowy,Czerwony żółty"

Autor

Marek Rothko

Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dvinsku w Rosji (obecnie Dyneburg na Łotwie) w dużej rodzinie żydowskiego farmaceuty. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale artystycznym Uniwersytetu Yale i zdobył stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki byli idolami artysty, a muzea prześladowały go przez całe życie.

206x236cm
1961
cena
86,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Christie

Pierwsze eksperymenty artystyczne Rothki miały charakter surrealistyczny, jednak z czasem uprościł fabułę do barwienia plam, pozbawiając je wszelkiej obiektywności. Początkowo miały jasne odcienie, w latach 60. XX wieku stały się brązowo-fioletowe, by po śmierci artysty zgęstnieć i przejść w czerń. Mark Rothko przestrzegał przed doszukiwaniem się w swoich obrazach jakiegokolwiek sensu. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor rozpuszczający się w powietrzu i nic więcej. Zalecał oglądanie prac z odległości 45 cm, aby widz „wciągnął się” w kolor niczym w lejek. Bądź ostrożny: patrzenie według wszystkich zasad może doprowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowej świadomości nieskończoności, całkowitego zanurzenia się w sobie, relaksu i oczyszczenia. Kolor na jego obrazach żyje, oddycha i ma silny wpływ emocjonalny (mówią, czasem uzdrawiający). Artystka deklarowała: „Widz powinien płakać, patrząc na nie” – i takie przypadki rzeczywiście miały miejsce. Według teorii Rothki ludzie w tym momencie przeżywają to samo duchowe przeżycie, jakie on przeżył podczas pracy nad obrazem. Jeśli potrafiłeś to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, nie zdziwisz się, że te dzieła sztuki abstrakcyjnej często porównywane są przez krytyków do ikon.

Praca „Orange, Red, Yellow” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowa cena na aukcji Christie’s w Nowym Jorku wynosi 35–45 mln dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwukrotnie wyższą od szacunkowej. Imię szczęśliwego właściciela obrazu, jak to często bywa, nie zostaje ujawnione.

9

"Tryptyk"

Autor

Franciszka Bacona

Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm

Przygody Francisa Bacona, zupełnego imiennika, a jednocześnie dalekiego potomka wielkiego filozofa, rozpoczęły się, gdy jego ojciec się go wyparł, nie mogąc zaakceptować homoseksualnych skłonności syna. Bacon udał się najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego tropy pomieszały się w całej Europie. Za jego życia jego prace wystawiane były w czołowych ośrodkach kulturalnych świata, m.in. w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.

147,5x198 cm (każdy)
1976
cena
86,2 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Prestiżowe muzea starały się posiadać obrazy Bacona, ale prymitywnej angielskiej publiczności nie spieszyło się z kupowaniem takich dzieł sztuki. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.

Za okres początkowy swojej twórczości sam artysta uważał okres powojenny. Wracając ze służby, ponownie zajął się malarstwem i stworzył wielkie arcydzieła. Przed powstaniem „Tryptyku, 1976” najdroższym dziełem Bacona było „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W „Tryptyku 1976” artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez Furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a Furie są jego udręką. Przez ponad 30 lat obraz znajdował się w kolekcji prywatnej i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale czym jest kilka milionów dla konesera sztuki, i to hojnego? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90. XX wieku, na co znaczący wpływ miała jego przyjaciółka Dasza Żukowa, która stała się modną właścicielką galerii we współczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych biznesmen osobiście jest właścicielem dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, zakupionych za kwoty przekraczające 100 milionów dolarów. W 2008 roku stał się właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku zakupiono kolejne cenne dzieło Bacona – „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że kupującym ponownie został Roman Arkadjewicz.

10

„Staw z liliami wodnymi”

Autor

Claude Monet

Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm

Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę w swoich płótnach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Obiad na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury, a prawdziwym malarstwem zajął się podczas podróży wzdłuż wybrzeża i w plenerze. W Paryżu prowadził bohemy i nie opuścił go nawet po odbyciu służby wojskowej.

210x100cm
1919
cena
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Oprócz tego, że Monet był wielkim artystą, był także zapalonym ogrodnikiem i uwielbiał przyrodę i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, obiekty zdają się być rozmyte przez ruch powietrza. Wrażenie potęgują duże kreski, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W obrazach późnego Moneta temat wody i życia w niej zajmuje szczególne miejsce. W miejscowości Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne z nasion specjalnie przywiezionych z Japonii. Kiedy zakwitły ich kwiaty, zaczął rysować. Cykl „Lilie wodne” składa się z 60 prac, które artysta malował na przestrzeni prawie 30 lat, aż do swojej śmierci. Z wiekiem wzrok mu się pogorszył, ale nie przestał. W zależności od wiatru, pory roku i pogody wygląd stawu stale się zmieniał, a Monet chciał te zmiany uchwycić. Dzięki uważnej pracy doszedł do zrozumienia istoty natury. Część obrazów z tej serii znajduje się w czołowych galeriach świata: Narodowym Muzeum Sztuki Zachodniej (Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.

11

Fałszywa Gwiazda T

Autor

Jaspera Johnsa

Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art

W 1949 roku Jones rozpoczął naukę w szkole projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi uznawany jest za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Prezydencki Medal Wolności, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

Podobnie jak Marcel Duchamp Jones pracował z realnymi obiektami, przedstawiając je na płótnie i w rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Do swoich prac wykorzystywał proste i zrozumiałe przedmioty: butelkę po piwie, flagę czy kartki. W filmie Falstart nie ma jasnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „błędnie” etykietując kolory obrazu, odwracając samo pojęcie koloru: „Chciałem znaleźć taki sposób przedstawienia koloru, aby można go było określić inną metodą”. Według krytyków jego najbardziej wybuchowy i „niepewny” obraz kupił nieznany nabywca.

12

„Siedzinagina kanapie"

Autor

Amedeo Modiglianiego

Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm

Modigliani od dzieciństwa często chorował, w czasie gorączkowego delirium rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysta. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, a w 1906 wyjechał do Paryża, gdzie jego sztuka rozkwitła.

65x100cm
1917
cena
68,962 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Sotheby's

W 1917 roku Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a następnie żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, co było ostatnim rekordem przed sprzedażą „Aktu siedzącego na sofie” w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego nabywcę za maksymalną aktualnie cenę Modiglianiego. Aktywna sprzedaż dzieł rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w biedzie, chory na gruźlicę, a następnego dnia Jeanne Hebuterne, będąca w dziewiątym miesiącu ciąży, również popełniła samobójstwo.

13

„Orzeł na sośnie”

Autor

Qi Baishi

Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl Guohua

Zainteresowanie kaligrafią doprowadziło Qi Baishi do malarstwa. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuana. Chińskie Ministerstwo Kultury nadało mu tytuł „Wielkiego Artysty Narodu Chińskiego”, a w 1956 roku otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.

10x26cm
1946
cena
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Strażnik Chin

Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi, i na tym polega jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do waszego kraju, bo w Chinach jest Qi Baishi”. Kompozycja „Orzeł na sośnie” uznawana jest za największe dzieło artysty. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglificzne. Dla Chin kwota, za jaką zakupiono dzieło, jest rekordowa – 425,5 mln juanów. Sam zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.

14

„1949-A-nr 1”

Autor

Clyfforda Stilla

Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

W wieku 20 lat odwiedziłem Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i byłem rozczarowany. Później zapisał się na kurs w Studenckiej Lidze Artystycznej, ale wyszedł 45 minut po rozpoczęciu zajęć - okazało się, że „nie dla niego”. Pierwsza osobista wystawa wywołała rezonans, artysta odnalazł siebie, a wraz z nim uznanie

79x93cm
1949
cena
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Still zapisał wszystkie swoje dzieła, ponad 800 płócien i 1600 prac na papierze, amerykańskiemu miastu, gdzie zostanie otwarte muzeum nazwane jego imieniem. Denver stało się takim miastem, jednak sama budowa była dla władz kosztowna, a aby ją ukończyć, wystawiono na aukcję cztery prace. Prace Stilla raczej nie trafią ponownie na aukcję, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-Nr 1” został sprzedany za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż za maksymalnie 25–35 mln dolarów.

15

„Kompozycja suprematystyczna”

Autor

Kazimierz Malewicz

Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl Suprematyzm

Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 roku zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (od łac. „dominacja”).

71x88,5cm
1916
cena
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Obraz przechowywany był w Muzeum Miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, jednak po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował to dzieło w tym samym roku, w którym powstał „Manifest suprematyzmu”, dlatego Sotheby’s jeszcze przed aukcją zapowiadał, że nie trafi ono do prywatnej kolekcji za mniej niż 60 milionów dolarów. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli z Muzeum MoMA kolejną „Kompozycję suprematystyczną”, aby sprzedać ją na aukcji Phillipsa za 17 milionów dolarów.

16

„kąpiący się”

Autor

Paul Gauguin

Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm

Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, następnie wraz z rodziną wrócił do Francji, jednak wspomnienia z dzieciństwa nieustannie popychały go do podróży. We Francji zaczął malować i zaprzyjaźnił się z Van Goghiem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, aż w czasie kłótni Van Gogh odciął mu ucho.

93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Sotheby's

W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby dochód wykorzystać na podróż w głąb wyspy Tahiti. Tworzył tam dzieła, w których wyczuwalny jest subtelny związek natury z człowiekiem. Gauguin mieszkał w chatce krytej strzechą, a na jego płótnach rozkwitał tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitianka Tehura, co nie przeszkodziło artyście wdawać się w rozwiązłe związki. Zachorując na kiłę wyjechał do Francji. Jednak dla Gauguina było tam tłoczno i ​​wrócił na Tahiti. Okres ten nazywany jest „drugim Tahitianem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.

17

"Żonkile i obrusy w odcieniach błękitu i różu"

Autor

Henryk Matisse

Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fowizm

W 1889 roku Henri Matisse dostał ataku zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy wracał do zdrowia po operacji, mama kupiła mu farby. Początkowo Matisse z nudów kopiował kolorowe pocztówki, potem kopiował dzieła wielkich malarzy, które widział w Luwrze, aż na początku XX wieku wymyślił styl – fowizm.

65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009
na aukcji Christie

Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas był własnością Yvesa Saint Laurenta. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja dzieł sztuki przeszła w ręce jego przyjaciela i kochanka Pierre’a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie’s. Perłą sprzedanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w odcieniach błękitu i różu”, namalowany na zwykłym obrusie zamiast na płótnie. Jako przykład fowizmu, jest on wypełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze słynnego cyklu obrazów malowanych na obrusach, dzieło to, jako jedyne, znajduje się dziś w zbiorach prywatnych.

18

„Śpiąca dziewczyna”

Autor

RoyZawietrzny

htensteina

Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art

Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 roku Lichtenstein uzyskał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność posługiwania się ironią uczyniły go artystą kultowym ubiegłego wieku.

91x91cm
1964
cena
44,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Któregoś dnia w ręce Lichtensteina wpadła guma do żucia. Przeniósł obraz z wkładki na płótno i zasłynął. W tej historii z jego biografii zawarte jest całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, a w opakowaniu po gumie do żucia jest nie mniej piękna niż w Mona Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i karykatury: Lichtenstein po prostu powiększył gotowy obraz, narysował rastry, zastosował sitodruk i sitodruk. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gershów, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.

19

"Zwycięstwo. Boogie Woogie"

Autor

Pieta Mondriana

Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm

Po przeprowadzce do Paryża w 1912 roku artysta zmienił swoje prawdziwe nazwisko, Cornelis, na Mondrian. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet nosi imię Mondriana.

27x127cm
1944
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998
na aukcji Sotheby's

Najbardziej „muzyczni” artyści XX wieku utrzymywali się z akwarelowych martwych natur, choć zasłynął jako artysta nowotworowy. W latach czterdziestych XX wieku przeniósł się do Stanów Zjednoczonych i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork zainspirowały go najbardziej! Obraz „Zwycięstwo. Boogie-Woogie” jest tego najlepszym przykładem. Charakterystyczne, schludne kwadraty uzyskano za pomocą taśmy samoprzylepnej, ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wypuścił słynne na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużymi nadrukami w kratkę.

20

„Kompozycja nr 5”

Autor

BazyliaKandinsky'ego

Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda

Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z rządem sowieckim, ale szybko zdał sobie sprawę, że prawa proletariatu nie są dla niego stworzone i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.

275x190cm
1911
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007
na aukcji Sotheby's

Kandinsky jako jeden z pierwszych całkowicie porzucił malarstwo przedmiotowe, za co otrzymał tytuł geniusza. W czasach nazizmu w Niemczech jego obrazy uznano za „sztukę zdegenerowaną” i nie były nigdzie wystawiane. W 1939 roku Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, a w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwsza powstała w 1910 r., ostatnia w 1939 r.). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” zabrzmiało dla mnie jak modlitwa” – stwierdził artysta. W przeciwieństwie do wielu swoich naśladowców, planował to, co przedstawi na ogromnym płótnie, jakby pisał notatki.

21

„Studium kobiety w błękicie”

Autor

Fernand Léger

Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm

Léger zdobył wykształcenie architektoniczne, a następnie uczęszczał do Ecole des Beaux-Arts w Paryżu. Artysta uważał się za zwolennika Cezanne’a, był apologetą kubizmu, a w XX wieku odnosił sukcesy także jako rzeźbiarz.

96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

David Norman, prezes międzynarodowego działu impresjonizmu i modernizmu w Sotheby's, uważa ogromną kwotę zapłaconą za „Błękitną Damę” za w pełni uzasadnioną. Obraz należy do słynnej kolekcji Légera (artysta namalował trzy obrazy o tej samej tematyce, ostatni z nich znajduje się dziś w rękach prywatnych – przyp. red.), a powierzchnia płótna zachowała się w pierwotnej formie. Sam autor przekazał to dzieło galerii Der Sturm, następnie trafiło ono do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.

22

„Scena uliczna. Berlin"

Autor

Ernsta LudwigaKirchnera

Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm

Dla niemieckiego ekspresjonizmu Kirchner stał się postacią ikoniczną. Władze lokalne zarzucały mu jednak uprawianie „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który w 1938 roku popełnił samobójstwo.

95x121cm
1913
cena
38,096 mln dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie

Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Inspiracją dla niego był zgiełk i nerwowość wielkiego miasta. Na obrazie sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku szczególnie dotkliwie odczuwa się niepokój artysty: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki – pełne wdzięku i niebezpieczne. Było to ostatnie dzieło ze słynnej serii sprzedane na aukcji, pozostałe znajdują się w muzeach. W 1937 roku hitlerowcy surowo potraktowali Kirchnera: 639 jego dzieł wywieziono z niemieckich galerii, zniszczono lub sprzedano za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.

23

"Urlopowicz"tancerz"

Autor

Edgara Degasa

Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm

Historia Degasa jako artysty rozpoczęła się od pracy kopisty w Luwrze. Marzył o zostaniu „sławnym i nieznanym” i w końcu mu się to udało. Pod koniec życia, głuchy i niewidomy, 80-letni Degas nadal uczęszczał na wystawy i aukcje.

64x59cm
1879
cena
37,043 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedziała Degas. Sceny z życia tancerzy wydają się być szpiegowane: dziewczyny nie pozują artyście, a po prostu stają się częścią atmosfery wychwytywanej przez wzrok Degasa. „Resting Dancer” został sprzedany w 1999 roku za 28 milionów dolarów, a niecałe 10 lat później został kupiony za 37 milionów dolarów – dziś jest to najdroższa praca artysty, jaką kiedykolwiek wystawiono na aukcji. Degas przywiązywał dużą wagę do ram, sam je projektował i zabraniał ich zmiany. Zastanawiam się, jaka rama jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?

24

"Obraz"

Autor

Joanna Miro

Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl Sztuka abstrakcyjna

Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta opowiedział się po stronie republikanów. W 1937 roku uciekł przed faszystowskim reżimem do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro namalował obraz „Pomóż Hiszpanii!”, zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.

89x115cm
1927
cena
36,824 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Drugi tytuł obrazu to „Błękitna Gwiazda”. Artysta namalował go w tym samym roku, kiedy oznajmił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie naśmiewał się z płócien, drapiąc farbę gwoździami, przyklejając pióra do płótna, zasypując prace śmieciami. Jego celem było obalenie mitów na temat tajemnicy malarstwa, jednak poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit – surrealistyczną abstrakcję. Jego „Obraz” należy do cyklu „obrazów snów”. Na aukcji walczyło o niego czterech nabywców, jednak jedna rozmowa telefoniczna incognito rozstrzygnęła spór, a „Malarstwo” stało się najdroższym obrazem artysty.

25

"Niebieska róża"

Autor

Yvesa Kleina

Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malarstwo monochromatyczne

Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło złotnika, buddyzm zen i wiele innych. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.

153x199x16cm
1960
cena
36,779 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie’s

Pierwsza wystawa monochromatycznych prac w kolorze żółtym, pomarańczowym i różowym nie wzbudziła zainteresowania publiczności. Klein poczuł się urażony i następnym razem pokazał 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Nawet opatentował tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „międzynarodowy błękit Kleina”. Artysta sprzedawał także pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na działanie deszczu, podpalając karton, wykonując odbitki ciała człowieka na płótnie. Jednym słowem eksperymentowałem jak mogłem. Do stworzenia „Niebieskiej Róży” użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyczków i naturalnej gąbki.

26

„W poszukiwaniu Mojżesza”

Autor

Sir Lawrence'a Alma-Tadema

Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm

Sam Sir Lawrence dodał do swojego nazwiska przedrostek „alma”, aby móc pojawiać się na pierwszych miejscach w katalogach dzieł sztuki. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy cieszyły się takim zainteresowaniem, że artysta otrzymał tytuł szlachecki.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 mln dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Głównym tematem twórczości Alma-Tadema była starożytność. W swoich obrazach starał się w najdrobniejszych szczegółach przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu przeprowadził nawet wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenińskim, a w swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrza tamtych lat. Kolejnym źródłem inspiracji stały się dla niego tematy mitologiczne. Artysta za życia był niezwykle poszukiwany, jednak po śmierci szybko o nim zapomniano. Obecnie zainteresowanie odżywa, o czym świadczy cena obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, która jest siedmiokrotnie wyższa od szacunkowej przedsprzedaży.

27

„Portret śpiącego nagiego urzędnika”

Autor

Lucjan Freud

Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne

Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po ustanowieniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection Museum w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Podczas gdy modni artyści XX wieku tworzyli pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedawali je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je za jeszcze więcej. „Uchwytuję płacz duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że wszystko to jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane i sprzedawały się z sukcesem, że eksperci zaczęli wątpić: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret nagiego śpiącego urzędnika” – jak podaje „The Sun” – kupił koneser piękna i miliarder Roman Abramowicz.

28

„Skrzypce i gitara”

Autor

Xjeden Gris

Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm

Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył Szkołę Sztuki i Rzemiosła. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł do kręgu najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Légera, a także współpracował z Siergiejem Diagilewem i jego trupą.

5x100cm
1913
cena
28,642 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Gris, jak sam stwierdził, zajmował się „płaską, kolorową architekturą”. Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie pozostawił ani jednej przypadkowej kreski, co upodabnia twórczość do geometrii. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem Pabla Picassa, ojca założyciela tego ruchu. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze dzieło w stylu kubistycznym „Tribute to Picasso”. Obraz „Skrzypce i gitara” uznawany jest za wybitny w twórczości artysty. Już za życia Gris był sławny i lubiany przez krytyków i krytyków sztuki. Jego prace znajdują się w największych muzeach świata i znajdują się w kolekcjach prywatnych.

29

"PortretPola Eluarda”

Autor

Salvador Dali

Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm

„Surrealizm to ja” – powiedział Dali, gdy został wydalony z grupy surrealistów. Z biegiem czasu stał się najsłynniejszym artystą surrealistycznym. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. To on na przykład był pomysłodawcą opakowania Chupa Chups.

25x33cm
1929
cena
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali z wizytą do wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Podczas tej historycznej wizyty namalowano obraz „Portret Paula Eluarda”. „Poczułem, że powierzono mi obowiązek uwiecznienia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony myślą o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał aż do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.

30

"Rocznica"

Autor

Marka Chagalla

Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda

Moishe Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 roku wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych swojej epoki. W latach 30. XX w., podczas przejęcia władzy przez nazistów, z pomocą amerykańskiego konsula wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji powrócił dopiero w 1948 r.

80x103cm
1923
cena
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990 r
na aukcji Sotheby’s

Obraz „Rocznica” uznawany jest za jedno z najlepszych dzieł artysty. Zawiera wszystkie cechy jego twórczości: fizyczne prawa świata zostają wymazane, w scenerii mieszczańskiego życia zostaje zachowany klimat baśni, a miłość jest w centrum fabuły. Chagall nie czerpał ludzi z życia, a jedynie z pamięci lub wyobraźni. Obraz „Rocznica” przedstawia samego artystę i jego żonę Belę. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, w nowojorskim Museum of Modern Art MoMA znajduje się dokładnie taki sam egzemplarz, tyle że pod nazwą „Urodziny”. Nawiasem mówiąc, zostało napisane wcześniej - w 1915 roku.

przygotował projekt
Tatiana Palasowa
ocena została opracowana
według listy www.art-spb.ru
magazyn tmn nr 13 (maj-czerwiec 2013)

O sztuce pierwszej połowy XIX wieku. pod wpływem Wielkiej Rewolucji Francuskiej (1789–1799), wojny z Napoleonem i wojny z Hiszpanią. W tym okresie nastąpił ogromny postęp w nauce. Główne style: styl Empire, romantyzm, realizm francuski.

W architekturze pierwszej połowy XIX wieku neoklasycyzm przeżywał swój ostatni rozkwit. W połowie stulecia głównym problemem architektury europejskiej było poszukiwanie stylu. W wyniku romantycznej fascynacji antykiem wielu mistrzów próbowało wskrzesić tradycje architektury przeszłości – tak powstał neogotyk, neorenesans i neobarok. Wysiłki architektów często prowadziły do ​​eklektyzmu – mechanicznego łączenia elementów różnych stylów, starych i nowych. W architekturze dominuje budowa fabryk, biur, budynków mieszkalnych, domów towarowych, sal wystawowych, bibliotek, dworców kolejowych, krytych targowisk, banków itp. Banki zdobią starożytne greckie portyki, domy towarowe - gotyckimi ostrołukowymi oknami i wieżami . Fabrykom nadano wygląd zamków.

19.1.1 Sztuka Francji

Architektura. Podczas Wielkiej Rewolucji Francuskiej we Francji nie zbudowano ani jednej trwałej konstrukcji. Była to era budynków tymczasowych, najczęściej drewnianych. Na początku rewolucji Bastylia została zniszczona, a pomniki królów zburzone. W 1793 roku zamknięto akademie królewskie, w tym Akademię Architektury. Zamiast tego pojawiło się Krajowe Jury Sztuki i Republikański Klub Sztuki, których głównymi zadaniami była organizacja masowych uroczystości oraz projektowanie paryskich ulic i placów.

Na Place de la Bastille wzniesiono pawilon z napisem: „Tutaj tańczą”. Plac Ludwika XV został nazwany Placem Rewolucji i został uzupełniony łukami triumfalnymi, Statuami Wolności i fontannami z emblematami. Pola Marsowe stały się miejscem zgromadzeń publicznych z Ołtarzem Ojczyzny w centrum. Inwalidów i katedra stały się świątynią ludzkości. Ulice Paryża ozdobiły się nowymi pomnikami.

Również w latach Rewolucji Francuskiej powstała Komisja Artystyczna, która zajmowała się upiększaniem miasta i planowanymi zmianami w jego wyglądzie. Odegrał znaczącą rolę w historii architektury.

Styl Empire zdominował sztukę napoleońskiej Francji. Głównym przedsięwzięciem architektonicznym Napoleona była odbudowa Paryża: miała ona połączyć średniowieczne dzielnice z systemem alei przecinających miasto na osi wschód-zachód. Powstały: Avenue des Champs Eysées, Rue de Rivoli, kolumna triumfalna na Place Vendôme (1806–1810, architekci Jean Baptiste Leper, Jacques Gondoin), bramy wejściowe do Pałacu Tuileries (1806–1807, architekci C. Percier, P. F. L. Fontaine), łuk triumfalny Wielkiej Armii (1806–1837, architekci Jean François Challen i in.).

Obraz. W pierwszej połowie XIX w. Francuska szkoła malarstwa umocniła swój prymat w sztuce Europy Zachodniej. Francja wyprzedziła inne kraje europejskie w demokratyzacji życia artystycznego. Od 1791 roku prawo udziału w wystawach w Salonie w Luwrze otrzymali wszyscy autorzy, niezależnie od przynależności do akademii. Od 1793 roku sale Luwru zostały otwarte dla szerokiej publiczności. Państwowe wykształcenie akademickie zostało zastąpione szkoleniem w prywatnych warsztatach. Władze sięgnęły po bardziej elastyczne metody polityki artystycznej: szczególny zakres nabrała dystrybucja dużych zamówień na dekorację budynków użyteczności publicznej.

Przedstawicielami malarstwa francuskiego romantyzmu są David, Ingres, Gericault, Delacroix, Gros.

Jacques’a Louisa Davida (1748–1825) – najkonsekwentniejszy przedstawiciel neoklasycyzmu w malarstwie. Studiował w Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby w latach 1775–1779. odwiedził Włochy. W 1781 roku David został przyjęty na członka Akademii Królewskiej i otrzymał prawo do udziału w jej wystawach - Salonach Luwru. W 1792 roku Dawid został wybrany do Konwentu, najwyższego organu ustawodawczego i wykonawczego Pierwszej Republiki.

Już w 1776 roku opracowano program rządowy zachęcający do tworzenia dużych obrazów. Dawid otrzymał zamówienie na obraz przedstawiający wyczyn trzech braci ze szlacheckiego rodu Horatii – „Przysięga Horatii” (1784). Akcja obrazu rozgrywa się na dziedzińcu starożytnego rzymskiego domu: strumień światła leje się z góry na bohaterów obrazu, otaczając ich oliwkowoszarym półmrokiem. Całość kompozycji opiera się na liczbie trzy: trzy łuki (w każdy z łuków wpisana jest jedna lub więcej postaci), trzy grupy postaci, trzej synowie, strzelnica mieczowa, trzy kobiety. Gładkie kontury grupy kobiet kontrastują z gołymi liniami postaci wojowników.

W latach 1795–1799 David pracował nad obrazem ze swoimi uczniami „Kobiety Sabine powstrzymujące bitwę pomiędzy Rzymianami a Sabinami”. Artystka ponownie wybrała wątek współczesny: legenda o kobietach, które przerwały wojnę między Rzymianami (ich mężami) a Sabinami (ich ojcami i braćmi), brzmiała wówczas we Francji jako wezwanie do pokoju społecznego. Jednak ogromny obraz, przeładowany liczbami, wywołał jedynie kpiny ze strony publiczności.

W 1812 wyjechał do Brukseli, gdzie mieszkał aż do śmierci. Malował portrety i prace na tematy starożytne - „Śmierć Marata” (1793), „Portret Madame Recamier” (1800). Obraz „Śmierć Marata” został ukończony przez artystę w niecałe trzy miesiące i zawisł w sali posiedzeń Konwencji. Marat został zadźgany nożem w swoim mieszkaniu przez szlachciankę imieniem Charlotte Corday. W chwili śmierci Marat siedział w wannie: z powodu choroby skóry był zmuszony do pracy i przyjmowania gości. Połatane prześcieradła i proste drewniane pudełko, które zastąpiło stół, nie są wymysłem artysty. Jednak sam Marat, którego ciało zostało zniekształcone przez chorobę, pod pędzlem Dawida zamienił się w szlachetnego sportowca, podobnego do starożytnego bohatera. Prostota oprawy nadaje spektaklowi szczególną tragiczną powagę.

Na wielkim zdjęciu „Koronacja Napoleona I i cesarzowej Józefiny w katedrze Notre Dame, 2 grudnia 1804”. (1807) David stworzył kolejny mit - blask ołtarza i przepych strojów dworzan działają na widza nie gorzej niż nędzne meble i stare prześcieradła Marata.

Jean Auguste Dominique Ingres(1780–1867) był zwolennikiem ideałów klasycznych, artystą oryginalnym, wolnym od fałszu, nudy i rutyny. W 1802 roku otrzymał Nagrodę Rzymską i prawo wyjazdu do Włoch. W 1834 roku został dyrektorem Akademii Francuskiej w Rzymie. Osiągnął najwyższe mistrzostwo w gatunku portretu - „Portret Riwiery”.

Ingres starał się przekazać w malarstwie dekoracyjne możliwości różnych rodzajów dawnej sztuki, na przykład wyrazistość sylwetek starożytnego greckiego malarstwa wazowego - „Edyp i Sfinks” (1808) I „Jowisz i Tetyda” (1811).

Na monumentalnym płótnie „Ślub Ludwika XIII z prośbą o opiekę Matki Bożej dla Królestwa Francji” (1824), naśladował styl malarski Rafaela. Zdjęcie przyniosło Ingresowi pierwszy poważny sukces. Na obrazie „Odaliska i niewolnik” (1839) wybrał kompozycję bliską „Algierskim kobietom w ich izbach” Delacroix i rozwiązał ją po swojemu. Pstrokata, wielobarwna kolorystyka płótna powstała w wyniku zamiłowania artysty do miniatur orientalnych. W 1856 Ingres ukończył obraz "Źródło", wymyślony przez niego w latach 20-tych. we Włoszech. Pełne wdzięku, kwitnące ciało dziewczyny ucieleśnia czystość i hojność świata przyrody.

Teodora Gericaulta(1791–1824) – twórca rewolucyjnego romantyzmu w malarstwie francuskim. Pierwszą pracą wystawioną na Salonie jest „Oficer konnych strażników gwardii cesarskiej wyruszający do ataku” („Portret porucznika R. Dieudonne”, 1812). Dzielny jeździec na płótnie nie pozuje, ale walczy: szybka przekątna kompozycji przenosi go w głąb obrazu, w niebieskofioletowy żar bitwy. W tym czasie dowiedziała się o klęsce armii Napoleona Bonaparte w Rosji. Uczucia Francuzów, znających gorycz porażki, znalazły odzwierciedlenie w nowym obrazie młodego artysty - „Ranny kirasjer opuszczający pole bitwy” (1814).

W latach 1816–1817 Gericault mieszkał we Włoszech. Artystę szczególnie zafascynowały wyścigi konne na oklep w Rzymie. W serii obrazkowej „Bieg wolnych koni” (1817) dostępna jest zarówno wyrazista precyzja reportażu, jak i powściągliwy heroizm w duchu neoklasycznym. W tych pracach ostatecznie ukształtował się jego indywidualny styl: mocne, surowe formy przekazują duże, poruszające się plamy światła.

Po powrocie do Paryża artysta stworzył obraz „Tratwa Meduzy” (1818–1819). W lipcu 1816 roku w pobliżu Wysp Zielonego Przylądka statek Medusa pod dowództwem niedoświadczonego kapitana, który otrzymał stanowisko pod patronatem, osiadł na mieliźnie. Następnie kapitan i jego świta odpłynęli łodziami, pozostawiając tratwę ze stu pięćdziesięcioma marynarzami i pasażerami na łasce losu, z czego przeżyło tylko piętnaście osób. W filmie Gericault szukał maksymalnej wiarygodności. Przez dwa lata poszukiwał ludzi, którzy przeżyli tragedię w oceanie, wykonywał szkice w szpitalach i kostnicach oraz malował szkice morza w Le Havre. Tratwę na jego obrazie unosi fala, widz od razu widzi wszystkich skulonych na niej ludzi. Na pierwszym planie postacie zmarłych i zrozpaczonych; są pomalowane w naturalnej wielkości. Widok tych, którzy jeszcze nie popadli w rozpacz, skierowany jest na dalszy brzeg tratwy, gdzie Afrykanin stojący na chwiejnej beczce macha załodze Argusa czerwoną chusteczką. Rozpacz lub nadzieja wypełniają dusze pasażerów tratwy Meduza.

W latach 1820–1821 Gericault odwiedził Anglię. Pisał pod wpływem dzieł Constable'a „Wyścigi w Epsom” (1821). Obraz przesiąknięty jest ruchem: konie pędzą, ledwo dotykają ziemi, ich postacie łączą się w jedną szybką linię; poruszają się niskie chmury, ich cienie poruszają się po mokrym polu. Wszystkie kontury w krajobrazie są zamazane, kolory zamazane. Gericault pokazał świat widziany oczami dżokeja na galopującym koniu.

Eugeniusz Deacroix(1798–1863) – malarz francuski. Podstawą malarstwa Delacroix są kolorowe plamy, które tworzą harmonijną całość; Każde miejsce, oprócz własnego koloru, zawiera odcienie sąsiadów.

Delacroix namalował swój pierwszy obraz oparty na fabule „Boskiej komedii” Dantego - „Dante i Wergiliusz” (Łódź Dantego) (1822). Delacroix stworzył obraz „Masakra Chios” (1824) pod wpływem wydarzeń rewolucji wyzwoleńczej w Grecji 1821–1829. We wrześniu 1821 r. Tureckie siły karne zniszczyły ludność cywilną Chios. Na pierwszym planie obrazu znajdują się postacie skazanych na zagładę Chianów w kolorowych łachmanach; tłem są ciemne sylwetki uzbrojonych Turków. Większość jeńców jest obojętna na swój los, jedynie dzieci na próżno błagają rodziców, aby ich chronili. Turecki jeździec ciągnący za sobą Greczynkę wygląda jak swego rodzaju symbol zniewolenia. Inne postacie są nie mniej symboliczne: nagi ranny Grek – jego krew spływa na suchą ziemię, a obok leży złamany sztylet i worek opróżniony przez zbójców.

Po wydarzeniach lipca 1830 roku w Paryżu Delacroix stworzył obraz „Wolność prowadząca lud (28 lipca 1830)”. Artysta nadał prostemu epizodowi walk ulicznych ponadczasowy, epicki wydźwięk. Rebelianci wznoszą się na barykadę odbitą wojskom królewskim, a na ich czele stoi sama Liberty. Krytycy postrzegali ją jako „skrzyżowanie kupca i starożytnej greckiej bogini”. Jest tu styl romantyczny: Wolność ukazana jest jako bogini zwycięstwa, wznosi trójkolorowy sztandar Republiki Francuskiej; Za nimi podąża uzbrojony tłum. Teraz wszyscy są żołnierzami Wolności.

W 1832 roku Delacroix towarzyszył misji dyplomatycznej do Algierii i Maroka. Po powrocie do Paryża artysta stworzył obraz „Algierskie kobiety w swoich komnatach” (1833). Kobiece figury są zaskakująco elastyczne. Złoto-ciemne twarze są delikatnie zarysowane, ramiona gładko zakrzywione, kolorowe stroje wyróżniają się jasno na tle aksamitnych cieni.

Antoine’a Grosa (1771–1835) – francuski malarz, portrecista. Gro porzucił klasyczne wątki – pociągała go historia współczesna. Stworzył cykl obrazów poświęcony egipsko-syryjskiej wyprawie armii napoleońskiej (1798–1799) - „Bonaparte odwiedzający dotkniętego zarazą w Jaffie” (1804). Inne obrazy poświęcone Napoleonowi - „Napoleon na moście Arcole” (1797), „Napoleon na polu bitwy pod Eyau” (1808). Gros ukończył malowanie kopuły Panteonu w Paryżu w 1825 roku, zastępując wizerunek Napoleona postacią Ludwika XVIII.

Niemiecki malarz Franz Xaver Winterhalter jest najbardziej znany ze swoich portretów pięknych dam XIX wieku. Urodził się w 1805 roku w Niemczech, jednak po zdobyciu wykształcenia zawodowego przeniósł się do Paryża, gdzie został mianowany artystą nadwornym na dworze królewskim. Cała seria portretów rodziny z wyższych sfer uczyniła artystę niezwykle popularną. I stał się szczególnie popularny wśród pań z towarzystwa, ponieważ umiejętnie łączył podobieństwo portretowe z umiejętnością „przedstawienia” przedmiotu swojej pracy. Krytycy traktowali go jednak bardzo, bardzo chłodno, co jednak nie przeszkodziło mu w zdobywaniu coraz większej popularności wśród pań z wyższych sfer nie tylko we Francji, ale na całym świecie. To samo o nim powiedział Alexandre Dumas Panie miesiącami czekają na swoją kolej, żeby wejść do studia Winterhaltera… zapisują się, mają numery seryjne i czekają – jedna rok, druga osiemnaście miesięcy, trzecia dwa lata. Te najbardziej utytułowane mają zalety. Wszystkie panie marzą o tym, aby w swoim buduarze mieć portret namalowany przez Winterhaltera... Panie z Rosji nie uniknął tego samego losu.

Do jego najsłynniejszych dzieł należą portrety cesarzowej Eugenii (jego ulubionej modelki).

i cesarzowa Elżbieta Bawarska (1865).
W tym miejscu musimy się zatrzymać i zatrzymać...
Jak wszystko jest ze sobą powiązane na tym świecie! Habsburgowie i życie Elżbiety, jej relacje z teściową, losy syna Rudolfa i film „Mayerling”, historia Austro-Węgier i rola Avy Gardner oraz ja, mała prowincjonalistka kobieta zbierająca portrety Franza i intensywnie wpatrująca się w monitor komputera...
Czytałam w encyklopedii o życiu Sissy, o jej dzieciach, przypomniałam sobie film, oglądałam portrety i fotografie…
Rzeczywiście malarstwo jest oknem na świat ziemski i na świat wiedzy...

Franz Xaver Winterhalter urodził się 20 kwietnia 1805 roku w małej wiosce Mensenschwad w Schwarzwaldzie w Badenii. Był szóstym dzieckiem w rodzinie Fidela Winterhaltera, rolnika i wytwórcy żywicy, oraz jego żony Evy Meyer, pochodzącej ze starej rodziny Menzenschwandów. Z ośmiorga rodzeństwa Franza przeżyło tylko czworo.

Znaczący wpływ na życie artysty miał ojciec, choć pochodzenia chłopskiego.

Przez całe życie Winterhalter był ściśle związany z rodziną, zwłaszcza z bratem Hermannem (1808–1891), który był także artystą.

Po ukończeniu szkoły w klasztorze benedyktynów w Blazin w 1818 roku trzynastoletni Winterhalter opuścił Menzenschwand, aby uczyć się rysunku i grawerowania.
Studiował litografię i rysunek we Fryburgu w pracowni Karla Ludwiga Schulera (1785-1852). W 1823 roku, mając osiemnaście lat, przy wsparciu przemysłowca barona von Eichtala wyjechał do Monachium.
W 1825 roku otrzymał stypendium wielkiego księcia Badenii i rozpoczął studia w monachijskiej Akademii Sztuk pod kierunkiem Petera Corneliusa, jednak młodemu artyście nie spodobały się jego metody nauczania i Winterhalterowi udało się znaleźć inny nauczycielem, który mógł go uczyć portretu świeckiego, a był to Joseph Stieler.
W tym samym czasie Winterhalter zarabiał na życie jako litograf.

Wejście Winterhaltera do kręgów dworskich nastąpiło w 1828 roku w Karlsruhe, kiedy został nauczycielem rysunku hrabiny Zofii Badenii. Sprzyjająca okazja do zaistnienia daleko od południowych Niemiec nadarzyła się przed artystą w 1832 roku, kiedy przy wsparciu wielkiego księcia Leopolda Badenii miał możliwość wyjazdu do Włoch (1833-1834).

W Rzymie malował obrazy z gatunku romantycznego w stylu Louisa-Leopolda Roberta i związał się z dyrektorem Akademii Francuskiej Horacym Vernetem.

Po powrocie do Karlsruhe Winterhalter namalował portrety wielkiego księcia Leopolda Badenii i jego żony i został nadwornym malarzem książęcym.

Opuścił jednak Baden i przeniósł się do Francji,

gdzie na wystawie w 1836 roku uwagę przykuł jego obraz rodzajowy „Il dolce Farniente”,

a rok później chwalono także Il Decameron. Obydwa dzieła są obrazami akademickimi utrzymanymi w stylu Rafaela.
Na Salonie 1838 zaprezentowano portret księcia Wagram z młodą córką.
Obrazy odniosły sukces, a kariera Franza jako portrecisty była zapewniona.

Któregoś roku namalował Ludwikę Marię Orleańską, królową Belgii i jej syna.

Być może dzięki temu obrazowi Winterhalter stał się znany Marii Amalii z Neapolu, królowej Francji, matce królowej belgijskiej.

Tak więc w Paryżu Winterhalter szybko stał się modny. Został mianowany artystą nadwornym Ludwika Filipa, króla Francji, który powierzył mu wykonanie indywidualnych portretów swojej licznej rodziny. Winterhalter musiał wykonać dla niego ponad trzydzieści zamówień.

Dzięki temu sukcesowi artysta zyskał miano znawcy portretu dynastycznego i arystokratycznego: po mistrzowsku łącząc wierne odwzorowanie portretu z subtelnym pochlebstwem, w żywy, nowoczesny sposób ukazywał przepych państwa. Zamówienia następowały jedno po drugim...

Inaczej jednak traktowano Winterhaltera w kręgach artystycznych.
Krytycy wychwalający jego debiut na Salonie w 1936 roku uznali go za artystę, którego nie można traktować poważnie. Taka postawa utrzymała się przez całą karierę Winterhaltera i wyróżniła jego twórczość w hierarchii malarstwa.

Sam Winterhalter postrzegał swoje pierwsze zamówienia rządowe jako etap tymczasowy przed powrotem do malowania obiektów i przywrócenia autorytetu akademickiego; okazał się ofiarą własnego sukcesu i dla własnego spokoju musiał zajmować się niemal wyłącznie portretem. Była to dziedzina, w której nie tylko był biegły i odnosił sukcesy, ale także udało mu się wzbogacić.
Ale Winterhalter zyskał międzynarodową sławę i patronat rodziny królewskiej.

Wśród jego wielu królewskich modeli była królowa Wiktoria. Winterhalter po raz pierwszy odwiedził Anglię w 1842 roku i wracał tam kilka razy, aby malować portrety Wiktorii, księcia Alberta i ich rosnącej rodziny, tworząc dla nich łącznie około 120 prac. Większość obrazów znajduje się w Kolekcji Królewskiej i można ją oglądać w Pałacu Buckingham i innych muzeach.

Winterhalter namalował także kilka portretów przedstawicieli angielskiej arystokracji, z których większość należała do kręgu dworskiego.

Upadek Ludwika Filipa w 1848 roku nie wpłynął na reputację artysty. Winterhalter przeniósł się do Szwajcarii i pracował na zlecenie w Belgii i Anglii.
Rodzinnym miastem artysty pozostaje Paryż: przerwa w zamówieniach na portrety we Francji pozwoliła mu na powrót do malarstwa tematycznego i zwrócenie się w stronę hiszpańskich legend.

Tak powstał obraz „Florinda” (1852, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork), będący radosnym celebracją kobiecego piękna.
W tym samym roku zaproponował małżeństwo, ale został odrzucony; Winterhalter pozostał kawalerem oddanym swojej pracy.

Po wstąpieniu na tron ​​Napoleona III popularność artysty wyraźnie wzrosła. Od tego czasu Winterhalter stał się głównym portrecistą rodziny cesarskiej i dworu francuskiego.

Piękna Francuzka, cesarzowa Eugenia, stała się jego ulubioną modelką i przychylnie traktowała artystę.

W 1855 roku Winterhalter namalował swoje arcydzieło „Cesarzowa Eugenia w otoczeniu dam dworu”, na którym przedstawia ją w wiejskiej scenerii, zbierającą kwiaty ze swoimi damami dworu. Obraz został dobrze przyjęty, wystawiony do publicznego wglądu i do dziś pozostaje bodaj najsłynniejszym dziełem mistrza.

W 1852 roku wyjeżdża do Hiszpanii, aby namalować królową Izabelę II, pracując dla portugalskiej rodziny królewskiej. Przedstawiciele rosyjskiej arystokracji, którzy przybyli do Paryża, również z radością otrzymali swój portret od słynnego mistrza.
Jako artysta królewski Winterhalter cieszył się ciągłym popytem na dworach Wielkiej Brytanii (od 1841 r.), Hiszpanii, Belgii, Rosji, Meksyku, Niemiec i Francji.

Sztuka Europy Zachodniej pierwsza połowa XIX wieku.

Historia XIX wieku otwiera nie rok kalendarzowy 1801, ale rok 1789. Wielka Rewolucja Francuska (1789-99), która zniszczyła monarchię i ustanowiła republikę, na długi czas zdeterminowała rozwój kultury europejskiej. Wolność, równość i braterstwo. Jednak minęło niecałe pięć lat, zanim wolność przerodziła się w despotyzm, idea równości doprowadziła do masowych egzekucji, a w imię braterstwa wszystkich ludzi rozpoczęły się wojny podboju. A jednak głównym odkryciem stulecia była świadomość wyjątkowej wartości osoby ludzkiej.

W sztuce pierwszej połowy XIX w. rywalizowały dwa kierunki - neoklasycyzm i romantyzm. Powstanie neoklasycyzmu upadł w latach Wielkiej Rewolucji Francuskiej i okresie panowania Napoleona I. Styl ten dominował w architekturze, sztukach pięknych i zdobniczych w pierwszych trzech dekadach XIX wieku. Dla ówczesnych ludzi życie starożytnych Greków i Rzymian było nie tylko ideałem piękna, ale także modelem świata, który próbowali budować. Nowy kierunek w kulturze europejskiej - romantyzm(francuski romantyzm) – wyrażał poglądy młodszego pokolenia przełom XVIII-XIX w., przeżył rozczarowanie truizmami Oświecenia. Świat romantyków jest tajemniczy, sprzeczny i nieograniczony; artysta musiał ucieleśnić tę różnorodność w swojej twórczości. Najważniejsze w dziele romantycznym są uczucia i wyobraźnia autora. Dla artysty romantycznego w sztuce istniały i nie mogły istnieć prawa: wszak wszystko, co stworzył, rodziło się w głębi jego duszy. Jedyną zasadą, jaką przestrzegał, była wierność sobie, szczerość języka artystycznego. Często twórczość romantyków szokowała społeczeństwo całkowitym odrzuceniem panujących gustów, zaniedbaniem i niekompletnością.

Architektura

W pierwszej połowie XIX wieku nastąpił w Europie rozwój urbanistyczny na niespotykaną dotychczas skalę. Większość stolic europejskich – Paryż, Petersburg, Berlin – zyskała swój charakterystyczny wygląd; wzrosła rola budynków użyteczności publicznej w ich zespołach architektonicznych. Neoklasycyzm w pierwszej połowie XIX wieku. doświadczyła późnego kwitnienia. W połowie stulecia głównym problemem architektury europejskiej było poszukiwanie stylu. W wyniku romantycznej fascynacji antykiem wielu mistrzów próbowało wskrzesić tradycje architektury przeszłości – w ten sposób neogotycki, neorenesansowy, neobarok . Wysiłki architektów często prowadziły do ​​​​tego eklektyzm - mechaniczne łączenie elementów różnych stylów, starych z nowymi.

Architektura Francji

Podczas Wielkiej Rewolucji Francuskiej we Francji nie zbudowano ani jednej trwałej konstrukcji. To była era budynków tymczasowych. W sztuce napoleońskiej Francji dominującą rolę pozostał neoklasycyzm, jednocześnie formy architektoniczne nabrały szczególnej przepychu i powagi, a skala budownictwa stała się imponująca. Neoklasycyzm od czasów Napoleona I nazywany był Imperium (cesarstwo francuskie – „imperium”). Miał symbolizować wielkość i potęgę władzy stworzonej przez generała Bonaparte. Głównym przedsięwzięciem architektonicznym Napoleona była odbudowa Paryża.

Gabriela Jacques’a Ange’a (1698-1782) - największy architekt Francji w XVIII wieku. Jeden z twórców neoklasycyzmu.

Umieść Ludwika XV (Place de la Concorde) w Paryżu. 1753-75

Petit Trianon w Wersalu. 1762-64

Zamek Compiegne. 1751-88

Szkoła wojskowa w Paryżu. 1751-75

Soufflo Jacques Germain (1713-1780) Architekt francuski.

Przedstawiciel neoklasycyzmu.

Jeana Lepera i Jacques’a Gondoina – architekci francuscy.

Kolumna triumfalna na Place Vendôme została wzniesiona na rozkaz Napoleona na cześć zwycięstwa wojsk francuskich pod Austerlitz. Początkowo nazywała się „Austerlitz”, później przemianowano ją na „Kolumnę Zwycięstw”, a jeszcze później – „Kolumnę Wielkiej Armii”.

Kolumna triumfalna na Place Vendôme w Paryżu.

1806-10 Wysokość 44 m; szerokość podstawy 3,67 m

Kościół św Genevieve (Panteon) w Paryżu. 1757-90

Architektura Anglii

W architekturze Anglii już w pierwszej połowie XVIII wieku. Ugruntował się styl neogotycki. Jednym z jego najbardziej imponujących przykładów był zespół parlamentu w Londynie (z lat 1840-1868), architekt Sir Charlesa Barry’ego (1795-1860)

Parlament.1840-68.

Architekt Jeana Francois Chagrina .

Łuk Triumfalny na Place Carousel w Paryżu.

1806-07 (17,6 x 10 x 14,6 m (długość, głębokość, wysokość)).

Architekci C. Percier, P.F.L. Fontaine’a.

Łuk Triumfalny na Place Charles de Gaulle w Paryżu.

1806-37 Wysokość 50 m, szerokość 45 m

Łuk Triumfalny na Place de la Carousel, znany również jako brama wjazdowa do Pałacu Tuileries, został wzniesiony na rozkaz Napoleona dla upamiętnienia wielkich zwycięstw oręża francuskiego. Płaskorzeźby zdobiące łuk przedstawiają sceny zwycięstw armii napoleońskiej pod Ulm i Austerlitz. Do 1815 roku łuk zwieńczony był rydwanem Zwycięstwa z brązu, który wcześniej zdobił fasadę katedry San Marco w Wenecji, następnie zastąpiono go kwadrygą autorstwa rzeźbiarza F.J. Bosio.

Łuk triumfalny Wielkiej Armii postawiono w centrum przyszłego Place des Stars (obecnie Place Charles de Gaulle) na rozkaz Napoleona na cześć zwycięstwa cesarza francuskiego w bitwie pod Austerlitz (1805) nad połączonymi siłami Austrii i Rosji. Jego pylony z lat 30. XIX wiek zdobione były rzeźbiarskimi płaskorzeźbami; w tym słynna kompozycja Franciszek Ruda (1784-1855) „Występ ochotników w 1792 r. (Marsylianka)” (1833-36). Pod łukiem od 1921 roku znajduje się grób Nieznanego Żołnierza, uczestnika I wojny światowej.

Architektura Niemiec Największy ośrodek architektury w Niemczech pierwszej połowy XIX wieku. był Berlin. Rozwój niemieckiej szkoły architektonicznej tego okresu w dużej mierze zdeterminował twórczość dwóch mistrzów - Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) i Leo von Klenze (1784-1864).

Stare Muzeum. 1824-28 Łuk. K. F. Schinkla.

Berliński Teatr Dramatyczny, 1819. Arch. K.F. Schinkel.

Nowa wartownia.1816-18. Łuk. K. F. Schinkla.

Kościół Wendera. 1824 W Berlinie. arch. K.F. Schinkel.

Rzeźba europejska początku XIX wieku.

Rzeźba europejska przeżyła krótki rozkwit na początku XIX wieku. Ale już w latach 20. ustąpił miejsca upadkowi i stagnacji. Dominujący i najbardziej owocny Neoklasycyzm pozostał stylem. Zainteresowanie sztuką starożytnej Grecji i Rzymu było powszechne, a posiadanie słynnych arcydzieł starożytnych stało się ważną kwestią ówczesnej polityki międzynarodowej.

Romantyzm wprowadził do rzeźby zainteresowanie osobowością; O jego wpływie świadczą liczne pomniki wielkich ludzi przeszłości, wznoszone w różnych miastach Europy w latach 20-30 XX wieku. XIX wiek W ogóle rzeźba ze swoim uogólnionym językiem artystycznym nie była w stanie pomieścić całej gamy wrażeń z życia, które zmieniało się dosłownie na naszych oczach. Malarstwo stało się główną sztuką XIX wieku, a rzeźba miała długą drogę do przebycia drogą małostkowego i nudnego naturalizmu, aż do lat 80-tych. francuski mistrz Auguste Rodin nie powrócił do swojego wysokiego celu.

Canova Antonio (1757-1822) -Włoski rzeźbiarz i malarz.

Thorvaldsen Bertel (1768/1770-1844)- duński rzeźbiarz.

Schadow Johann Gottfried (1754-1850) Rzeźbiarz niemiecki, przedstawiciel neoklasycyzmu.

Dedal i Ikar. 1777-79

Kwadryga z figurą Zwycięstwa na Bramie Brandenburskiej w Berlinie. 1793

Pomnik Mikołaja Kopernika w Warszawie. 1829-30

Tezeusz i Minotaur. 1781-83

Ganimedes karmiący orła Zeusa. 1817

Księżniczka Fryderyka. 1795

Malarstwo Hiszpanii Po okresie rozkwitu w XVII wieku malarstwo hiszpańskie przeżyło upadek. Jej artyści pracowali pod wpływem tradycji włoskiej i francuskiej, a ich płótna były słabe i odtwórcze. W drugiej połowie XVIII w. Zmiany nastąpiły w Hiszpanii. Król Karol III (1759-88) z francuskiej dynastii Burbonów, jak na swoje czasy, wyznawał postępowe poglądy. Jego doradcy, próbując przekształcić kraj w duchu idei oświeceniowych, przeprowadzili reformy ograniczające władzę Kościoła. W tym czasie ukształtował się talent Francisco Goya (1746-1828) – malarz hiszpański

Portret księżnej Alby. 1797

Sprzedawca naczyń. 1778

Rodzina króla Karola IV. 1800

Malarstwo Francji

W pierwszej połowie XIX w. Francuska szkoła malarstwa umocniła swój prymat w sztuce Europy Zachodniej. Theodore Gericault i Eugene Delacroix twórczo przejęli swoją swobodną manierę i kolor, przygotowując narodziny impresjonizmu, a tym samym całego współczesnego malarstwa. Na początku XIX wieku. powszechnie uznanym liderem wśród artystów francuskich był Jacques Louis David (1748-1825) – najkonsekwentniejszy przedstawiciel neoklasycyzmu w malarstwie i wrażliwy kronikarz swoich burzliwych czasów. Twórczość Davida ma wyraźną orientację dziennikarską, artysta stara się wyrazić heroiczne ideały poprzez obrazy starożytności

Gericault Teodor (1791-1824) - Francuski malarz i grafik.

Założyciel ruchu romantycznego w sztukach pięknych.

Oficer konnych strażników gwardii cesarskiej,

przystępujemy do ataku. 1812

Tratwa „Meduza”. 1818-19

Delacroix Eugeniusz (1798-1863) - francuski malarz i grafik. Szef ruchu romantycznego w sztukach pięknych.

Tangerscy fanatycy. 1837-38

Wolność prowadząca lud (Wolność na barykadach). 1830

David Jacques Louis (1746-1825) – malarz francuski. W epoce przedrewolucyjnej we Francji największy przedstawiciel tzw. „rewolucyjnego” klasycyzmu.

Przysięga Horatii. 1784

Napoleon przekraczający Świętego Bernarda. 1800

Ingres Dominik (1780-1867) - Francuski malarz, rysownik i muzyk. Przedstawiciel francuskiego neoklasycyzmu. Ingres jest genialnym mistrzem gatunku portretu. Oprócz portretów tworzył obrazy o tematyce biblijnej, mitologicznej, alegorycznej i literackiej.

Gros Jean Antoine (1771-1835) - Francuski malarz i grafik. Oficjalny malarz Napoleona I, kronikarz eposu napoleońskiego, który uwiecznił jego najważniejsze kamienie milowe. Tworzył portrety i obrazy batalistyczne, inspirowane duchem bohaterstwa.

Napoleon na polu bitwy pod Eylau. 1808

Hrabina d'Haussonville, 1845.

Księżniczka de Broglie. 1851-53

Malarstwo Niemiec

Niemcy na początku XIX wieku. przeżył gwałtowny wzrost społeczno-polityczny. Opór wobec podbojów Napoleona i wojny wyzwoleńczej 1813 r. sprawił, że niemiecki patriotyzm stał się powszechny, a poddani trzystu niemieckich państw karłowatych urzeczywistnili się jako jeden naród. W tamtych latach w Niemczech panowała silna fascynacja średniowieczem, wzrosło zainteresowanie narodową historią i kulturą. Niemcy odegrały wyjątkową rolę w historii romantyzmu – ruchu w kulturze europejskiej końca XVIII – pierwszej połowy XIX wieku.

Runge Philipp Otto (1777-1810) - Niemiecki malarz, grafik i teoretyk sztuki. Jeden z twórców i największy mistrz romantyzmu w malarstwie niemieckim.

Odpoczynek w drodze do Egiptu. 1805-06

Portret żony artysty. 1807

Portret rodziców artysty z wnukami. 1806

Fryderyk Caspar Dawid (1774-1840) - niemiecki malarz, rysownik i rytownik. Przedstawiciel romantyzmu. Malarz krajobrazu.

Gigantyczne góry. 1835

Śmierć „Nadeżdy” w lodzie. 1824

Pływające chmury. Około 1820 roku

Malarstwo biedermeierowskie Biedermeier (niem. Biedermeier) to styl w sztuce Niemiec i Austrii, który rozwinął się w latach 10-40 XX wieku. XIX wiek Jej nazwę nadano parodii humorystycznych wierszy L. Eichrodta i A. Kussmaula, opublikowanych w latach 1855-57. w jednym z monachijskich magazynów. Ich fikcyjny autor, nauczyciel Gottlieb Biedermeier, to skromny człowiek ulicy: zadowolony z siebie, sentymentalny, pechowy, miłośnik spokojnego życia i wygody. Malarstwo biedermeierowe charakteryzuje się niewielkim formatem płócien, starannym i subtelnym sposobem malowania, z reguły brakiem akcji w przedstawianych scenach i upodobaniem do drobnych szczegółów. Biedermeier opanował artystyczne doświadczenie romantyzmu z jego poetyckim spojrzeniem na świat, czasem zabarwionym ironią, ale jednocześnie wygładził skrajności tego stylu, „oswoił” go zgodnie z bezkonfliktową naturą przeciętnego człowieka. Mistrzowie biedermeieru próbowali swoich sił w portretach, pejzażach i innych gatunkach, ale najwyraźniejszym wyrazem tego stylu było malarstwo domowe.

Waldmüller Ferdinand Georg (1793-1865) malarz austriacki. Jeden z największych mistrzów malarstwa europejskiego połowy XIX wieku. Typowy przedstawiciel biedermeieru.

Bukiet w zabytkowym kraterze. Około 1840 roku

Krajobraz górski w pobliżu Mödling. 1859

Nazarejczycy ( Niemiecki Nazarejczyk), oficjalny „Unia św. Łukasza” (niemiecki) Łukaszbund)

- grupowanie Niemieccy i austriaccy artyści romantyczni XIX wieku, którzy próbowali wskrzesić styl mistrzów średniowiecza i wczesnego renesansu, skupiając się na sztuce XV wieku. Większość ich płócien to obrazy o tematyce chrześcijańskiej, historycznej lub alegorycznej, ich styl jest dziedzictwem klasycyzmu i reakcją na niego pod wpływem ideologii romantyzmu. Czołowymi postaciami ruchu byli Friedricha Overbecka i Petera Corneliusa.

Johanna Friedricha Overbecka ( 1789 - 1869 ) - niemiecki artysta, grafik i ilustrator.

Cykl fresków dla Domu Bartholdi w Rzymie

Petera Josepha von Corneliusa ( 1783 - 1867 ) - Niemiecki artysta.

Mądre i głupie panny. OK. 1813

Karczma, ok. 1820 r

Malarstwo Anglii

W malarstwie angielskim dominującą pozycję utrzymała przez całą pierwszą połowę XIX wieku szkoła akademicka, której podwaliny założył w XVIII w. pierwszy prezes Królewskiej Akademii Sztuk Joshua Reynolds. Jednak najbardziej zauważalnym zjawiskiem tamtych lat był pejzaż, który w środowisku akademickim był postrzegany jako gatunek drugorzędny, nieistotny. Z jednej strony pragnienie realnego odzwierciedlenia świata, afirmacja samoistnej wartości prostych wiejskich krajobrazów, a z drugiej natury jako świata namiętności i gwałtownych przeżyć – wszystko to znalazło żywy wyraz w twórczości Angielscy artyści. Sztuka angielska wkroczyła w erę romantyzmu.

Williama Blake’a (1757-1827) -Angielski poeta, artysta, ilustrator. Blake, złożony i niejednoznaczny, był postacią ikoniczną swoich czasów, ucieleśnieniem ducha romantyzmu.

Twórca wszechświata.

Fronton do wiersza „Europa”. 1794

Szkoda. Około 1795 r

Konstabl Jan (1776-1837) - Malarz angielski. Constable przedstawił codzienną okolicę w całej jej świeżości i spontaniczności, odtwarzając cześć środowiska wypełnionego światłem.

Wózek z sianem. 1821

Biały koń. 1819

Williama Turnera (1775-1851) - angielski malarz sięgnął po tematykę biblijną, mitologiczną i historyczną, ujawniając zamiłowanie do romantycznej fantazji, ucieleśniania dramatycznych zmagań sił natury i przekazywania niezwykłych efektów świetlnych.

Mola w Calais. Francuzi przygotowują się do wypłynięcia w morze: przybywa angielski statek pasażerski. 1803

Statek niewolników. 1840

Ostatni rejs statku „Brave”. 1838

Ogromny wpływ na sztukę europejską wywarło powstanie cywilizacji przemysłowej. Jak nigdy dotąd pozostawało ono w ścisłym powiązaniu z życiem społecznym, potrzebami duchowymi i materialnymi ludzi. W kontekście rosnącej współzależności narodów ruchy artystyczne i osiągnięcia kulturalne szybko rozprzestrzeniły się na cały świat.

Obraz

Romantyzm i realizm ze szczególną siłą objawiły się w malarstwie. W twórczości hiszpańskiego artysty Francisco Goyi (1746-1828) było wiele oznak romantyzmu. Dzięki talentowi i ciężkiej pracy syn biednego rzemieślnika został wielkim malarzem. Jego twórczość stanowiła całą epokę w historii sztuki europejskiej. Artystyczne portrety Hiszpanek są wspaniałe. Są pisane z miłością i podziwem. Na twarzach bohaterek, niezależnie od ich pochodzenia społecznego, czytamy poczucie własnej wartości, dumę i miłość do życia.

Odwaga, z jaką nadworny malarz Goya namalował zbiorowy portret rodziny królewskiej, nie przestaje zadziwiać. Przed nami nie są władcy czy arbitrzy losów kraju, ale całkiem zwykli, wręcz zwykli ludzie. O zwrocie Goi w stronę realizmu świadczą także jego obrazy poświęcone bohaterskiej walce narodu hiszpańskiego z armią Napoleona.

Kluczową postacią europejskiego romantyzmu był słynny francuski artysta Eugene Delacroix (1798-1863). W swojej twórczości ponad wszystko stawiał fantazję i wyobraźnię. Kamieniem milowym w historii romantyzmu, a właściwie całej sztuki francuskiej, był jego obraz „Wolność wiodąca lud” (1830). Artysta uwiecznił na płótnie rewolucję 1830 r. Po tym obrazie Delacroix nie zwracał się już ku francuskiej rzeczywistości. Zainteresował się tematyką Wschodu i tematyką historyczną, gdzie zbuntowany romantyk mógł dać upust swojej fantazji i wyobraźni.

Największymi artystami realistycznymi byli Francuzi Gustave Courbet (1819-1877) i Jean Millet (1814-1875). Przedstawiciele tego nurtu dążyli do realistycznego przedstawienia natury. Tematem przewodnim było codzienne życie i praca człowieka. Zamiast historycznych i legendarnych bohaterów charakterystycznych dla klasycyzmu i romantyzmu, w ich twórczości pojawili się zwykli ludzie: mieszczanie, chłopi i robotnicy. Nazwy obrazów mówią same za siebie: „Kruszarka kamienia”, „Dziwiarze”, „Zbieracze uszu”.

Oficer konnych strażników gwardii cesarskiej wyruszający do ataku, 1812. Theodore Gericault (1791-1824). Pierwszy artysta ruchu romantycznego. Obraz wyraża romantyczność epoki napoleońskiej

Courbet jako pierwszy użył pojęcia realizmu. Cel swojej pracy zdefiniował następująco: „Móc przekazać moralność, idee, wygląd ludzi epoki, w mojej ocenie, być nie tylko artystą, ale także obywatelem, tworzyć żywą sztukę”.

W ostatniej tercji XIX w. Francja staje się liderem w rozwoju sztuki europejskiej. To właśnie w malarstwie francuskim narodził się impresjonizm (od francuskiej impresji – impresja). Nowy ruch stał się wydarzeniem o znaczeniu europejskim. Artyści impresjonistyczni starali się przekazać na płótnie chwilowe wrażenia ciągłych i subtelnych zmian w stanie natury i człowieka.

W wagonie trzeciej klasy, 1862. O. Daumier (1808-1879). Jeden z najoryginalniejszych artystów swoich czasów. Balzac porównał go do Michała Anioła.
Jednak Daumier zasłynął dzięki karykaturom politycznym. „W samochodzie trzeciej klasy” przedstawia niewyidealizowany obraz klasy robotniczej

Czytająca kobieta. K. Corot (1796-1875). Słynny francuski artysta szczególnie interesował się grą światła i był poprzednikiem impresjonistów.
Jednocześnie jego twórczość nosi znamiona realizmu.

Impresjoniści przeprowadzili prawdziwą rewolucję w technikach malarskich. Zwykle pracowali na świeżym powietrzu. Kolory i światło odgrywały w ich twórczości znacznie większą rolę niż sam rysunek. Wybitnymi artystami impresjonistycznymi byli Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas. Impresjonizm wywarł ogromny wpływ na tak wielkich mistrzów pędzla jak Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin.

Wrażenie. Wschód słońca, 1882.
Claude Monet (1840-1926) często malował te same obiekty o różnych porach dnia, aby zbadać wpływ światła na kolor i kształt.

Ia Orana Maria. P. Gauguina (1848-1903). Niezadowolenie artysty z europejskiego stylu życia zmusiło go do opuszczenia Francji i zamieszkania na Tahiti.
Ogromny wpływ na ukształtowanie się jego stylu artystycznego miały lokalne tradycje artystyczne i różnorodność otaczającego świata.

Malarz hiszpański pracujący we Francji. Już w wieku dziesięciu lat był artystą, a w wieku szesnastu lat odbyła się jego pierwsza wystawa. Utorował drogę kubizmowi - rewolucyjnemu ruchowi w sztuce XX wieku. Kubiści porzucili przedstawianie przestrzeni i perspektywy powietrznej. Przedmioty i postacie ludzkie przekształcane są w kombinację różnorodnych (prostych, wklęsłych i zakrzywionych) linii i płaszczyzn geometrycznych. Kubiści mawiali, że malują nie tak, jak widzą, ale tak, jak wiedzą

Podobnie jak poezja, malarstwo tego czasu jest pełne niepokojących i niejasnych przeczuć. Pod tym względem twórczość utalentowanego francuskiego artysty symbolisty Odilona Redona (1840–1916) jest bardzo charakterystyczna. Jego sensacja w latach 80. Rysunek pająka jest złowieszczym zwiastunem I wojny światowej. Pająk jest przedstawiony z przerażającą ludzką twarzą. Jego macki są w ruchu i agresywne. Widz pozostaje z poczuciem zbliżającej się katastrofy.

Muzyka

Muzyka nie uległa tak znaczącym zmianom, jak inne formy sztuki. Ale wpływ na to miała także cywilizacja przemysłowa, wyzwolenie narodowe i ruchy rewolucyjne, które wstrząsały Europą przez całe stulecie. W 19-stym wieku muzyka wykraczała poza pałace szlachty i świątynie kościelne. Stało się bardziej świeckie i bardziej dostępne dla szerszej populacji. Rozwój wydawnictwa przyczynił się do szybkiego druku nut i rozpowszechniania dzieł muzycznych. W tym samym czasie powstawały nowe instrumenty muzyczne i udoskonalano stare. Fortepian stał się integralną i codzienną rzeczą w domu europejskiej burżuazji.

Do końca XIX wieku. Dominującym nurtem w muzyce był romantyzm. U jego początków stoi gigantyczna postać Beethovena. Ludwig von Beethoven (1770-1827) szanował klasyczne dziedzictwo XVIII wieku. Jeśli wprowadzał zmiany w ustalonych zasadach sztuki muzycznej, robił to ostrożnie, starając się nie urazić swoich poprzedników. Różnił się tym od wielu poetów romantycznych, którzy często obalali wszystkich i wszystko. Beethoven był takim geniuszem, że nawet będąc głuchym, potrafił tworzyć dzieła nieśmiertelne. Jego słynna IX Symfonia i Sonata księżycowa wzbogaciły skarbnicę sztuki muzycznej.

Muzycy romantyczni czerpali inspirację z motywów pieśni ludowych i rytmów tanecznych. W swojej twórczości często sięgali po dzieła literackie – Szekspira, Goethego, Schillera. Część z nich wykazywała skłonność do tworzenia gigantycznych dzieł orkiestrowych, co w XVIII wieku nie było nawet czymś powszechnym. Ale to pragnienie było w zgodzie z potężnym marszem cywilizacji przemysłowej! Francuski kompozytor Hector Berlioz szczególnie uderzał wielkością swoich planów. W ten sposób napisał kompozycję na orkiestrę składającą się z 465 instrumentów muzycznych, w tym 120 wiolonczel, 37 basów, 30 fortepianów i 30 harf.

Posiadał tak wirtuozerską technikę, że krążyły pogłoski, że gry na skrzypcach nauczył go sam diabeł. W trakcie występu muzycznego skrzypek może zerwać trzy struny i nadal grać z taką samą ekspresją na jedynej pozostałej strunie

W 19-stym wieku wiele krajów europejskich dało światu wielkich kompozytorów i muzyków. W Austrii i Niemczech kulturę narodową i światową wzbogacili Franz Schubert i Ryszard Wagner, w Polsce – Fryderyk Chopin, na Węgrzech – Franciszek Liszt, we Włoszech – Gioachino Rossini i Giuseppe Verdi, w Czechach – Bedřich Smetana, w Norwegii – Edvard Grieg, w Rosji – Glinka, Rimski Korsakow, Borodin, Musorgski i Czajkowski.

Od lat 20 XIX wiek W Europie rozpoczyna się szał na nowy taniec – walc. Walc powstał w Austrii i Niemczech pod koniec XVIII wieku, wywodząc się z austriackiego Ländlera – tradycyjnego tańca chłopskiego

Architektura

Rozwój cywilizacji przemysłowej wywarł ogromny wpływ na architekturę europejską. Postęp naukowy i technologiczny przyczynił się do innowacji. W 19-stym wieku Znacznie szybciej budowano duże budynki o znaczeniu państwowym i publicznym. Od tego czasu w budownictwie zaczęto stosować nowe materiały, zwłaszcza żelazo i stal. Wraz z rozwojem produkcji fabrycznej, transportu kolejowego i dużych miast pojawiły się nowe typy obiektów - dworce, mosty stalowe, banki, duże sklepy, budynki wystawiennicze, nowe teatry, muzea, biblioteki.

Architektura w XIX wieku. wyróżniała się różnorodnością stylów, monumentalnością i praktycznym przeznaczeniem.

Fasada budynku Opery Paryskiej. Zbudowany w latach 1861-1867. Wyraża kierunek eklektyczny, inspirowany epoką renesansu i baroku

Przez całe stulecie dominował styl neoklasyczny. Budynek Muzeum Brytyjskiego w Londynie, zbudowany w latach 1823-1847, daje jasne wyobrażenie o architekturze starożytnej (klasycznej). Aż do lat 60. Modny był tzw. „styl historyczny”, wyrażający się w romantycznym naśladowaniu architektury średniowiecza. Pod koniec XIX wieku. w budownictwie kościołów i budynków użyteczności publicznej następuje powrót do gotyku (neogotyk, czyli nowy gotyk). Na przykład izba parlamentu w Londynie. W przeciwieństwie do neogotyku wyłonił się nowy kierunek, Art Nouveau (nowa sztuka). Charakteryzował się krętymi, gładkimi konturami budynków, lokali i detali wnętrz. Na początku XX wieku. Powstał inny kierunek - modernizm. Styl secesyjny wyróżnia się praktycznością, rygorem i przemyślanością oraz brakiem dekoracji. To właśnie ten styl odzwierciedlał istotę cywilizacji przemysłowej i jest najbardziej kojarzony z naszymi czasami.

W swoim klimacie sztuka europejska przełomu XIX i XX wieku. był kontrastowy. Z jednej strony optymizm i przepełniona radością życia. Z drugiej strony brakuje wiary w twórcze możliwości człowieka. I nie należy w tym szukać sprzeczności. Sztuka jedynie na swój sposób odzwierciedlała to, co działo się w realnym świecie. Oczy poetów, pisarzy i artystów były bystrzejsze i bardziej wnikliwe. Widzieli to, czego inni nie widzieli i nie mogli zobaczyć.

WARTO TO WIEDZIEĆ

„Wolę malować ludzkie oczy niż katedry… Ludzka dusza, nawet dusza nieszczęsnego żebraka… moim zdaniem jest o wiele bardziej interesująca” – powiedział Vincent Van Gogh. Wielki artysta całe życie żył w biedzie i nędzy, często nie miał pieniędzy na płótno i farby, był praktycznie zależny od młodszego brata. Współcześni nie uznawali w nim żadnych zasług. Kiedy Van Gogh zmarł, za trumną poszło tylko kilka osób. Jego sztukę, którą wielki artysta skierował ku przyszłości, mogło docenić zaledwie dwa, trzy tuziny ludzi w Europie. Ale minęły lata. W XX wieku Artysta zyskał zasłużoną, choć spóźnioną sławę. Za obrazy Van Gogha zapłacono teraz kolosalne sumy. Na przykład obraz „Słoneczniki” został sprzedany na aukcji za rekordową kwotę 39,9 mln dolarów. Ale osiągnięcie to pobiło także obraz „Irysy”, który został sprzedany za 53,9 miliona dolarów.

Bibliografia:
V. S. Koshelev, I. V. Orzhekhovsky, V. I. Sinitsa / Światowa historia czasów nowożytnych XIX - wczesny. XX wiek, 1998.