Kubizm, malarstwo współczesnych artystów. Najlepsze obrazy w stylu kubizmu

kierunek modernizmu, który poprzez twórczość artystyczną starał się modelować specyficzną teorię poznania, opartą na założeniach antypsychologizmu (zob. Antypsychologizm). Klasycznymi przedstawicielami malarstwa w malarstwie są J. Braque, P. Picasso, F. Leger, H. Gris, R. Delaunay (w pewnym okresie twórczości), J. Metzinger i inni; w poezji - G. Apollinaire, A. Salmon i in. Termin „K.” zostało po raz pierwszy użyte przez Matisse’a (1908) w odniesieniu do obrazu J. Braque’a „Domy w Estac”, który rzekomo przypominał mu klocki dziecięce. W tym samym 1908 roku w październikowym numerze magazynu „Gils Blas” krytyk L. Voxen zauważył, że malarstwo współczesne „sprowadza się do przedstawiania kostek” - stąd „nazwa nowej szkoły miała pierwotnie charakter ośmieszenie” (J. Golding). W latach 1907-1908 ukształtował się K. jako kierunek w malarstwie (za wizytówkę K. tradycyjnie uważa się obraz P. Picassa „Les Demoiselles d’Avignon”, 1907); pod koniec lat 1910. francuski poeta A. Salmon odnotował „początek zupełnie nowej sztuki” – zarówno w odniesieniu do malarstwa, jak i poezji. Genetycznie K. wraca do ekspresjonizmu (według P. Picassa „wymyślając kubizm, w ogóle nie mieliśmy zamiaru go wymyślać. Chcieliśmy jedynie wyrazić to, co w nas było /podkreślone przeze mnie - M.M./” (zob. Ekspresjonizm) Jak każdy ruch modernistyczny, K. wykazuje programową metodologię i czysto refleksyjne postawy w rozumieniu twórczości artystycznej: już w 1912 r. ukazała się monografia konceptualna artystów A. Gleizesa i J. Metzingera „O kubizmie” oraz dzieło krytyczne A. Salmona ukazały się „Młode malarstwo nowoczesności”. Zdaniem krytyków K. można uznać za jeden z najbardziej radykalnych nurtów modernizmu, gdyż „odważnie zrywa z większością tradycji, które funkcjonowały bezbłędnie od czasów renesansu”. (M. Serulaz). Według krytyków K. można uznać za jeden z najbardziej radykalnych nurtów modernizmu, gdyż „odważnie zrywa on z większością tradycji, które funkcjonowały bezbłędnie od czasów renesansu” (M. Seryulaz). Według w stosunku do programowych wypowiedzi artystów kubistycznych K. jest w swej istocie innym, „nowym sposobem przedstawiania rzeczy” (X.Gris). W związku z tym „kiedy kubizm... pokazał konwencjonalny charakter przestrzeni, tak jak ją rozumiał renesans, tak jak impresjoniści pokazali w swoich czasach konwencjonalny charakter koloru, spotkali się z takim samym nieporozumieniem i obelgą” (R. Garaudy) . W 1912 r. francuska Izba Deputowanych omawiała nawet kwestię zakazu wystawy kubistycznej na Salonie Jesiennym; socjalista j. -L. Breton uznał, że „jest całkowicie niedopuszczalne, aby... pałace narodowe służyły za miejsce demonstracji o charakterze antyartystycznym i antynarodowym”; jednocześnie jednak wyciągnięto wniosek, że „nie należy wzywać żandarmów” (słowo zastępcy Samby). Obiektywnie K. można uznać za znaczący kamień milowy w historii ewolucji modernistycznego paradygmatu w sztuce: zdaniem krytyków sztuki „decydując się na otwarte głoszenie swoich praw do sprzeciwu w dziedzinie sztuki i realizując je, prawa, mimo wszelkich przeszkód, że współcześni artyści stali się prekursorami przyszłości.Nie można zatem odmówić im rewolucyjnej roli: ich pozycja moralna przyniosła im w naszych czasach znakomitą rehabilitację, w stopniu znacznie większym niż ich zasługi artystyczne, o których jeszcze nie powiedziano ostatniego słowa” (R. Lebel). Dominujący ton emocjonalny K. stał się ostrym i dotkliwie katastroficznym przeżyciem przełomu XIX i XX w., związanym z dominacją tego, co M. Duchamp określił jako „siły mechaniczne cywilizacji” (porównaj z patetycznie optymistycznym postrzeganiem przemysł maszynowy w kontekście futuryzmu – zob. Futuryzm): świat obiektywny odsłonił przed światem ludzkim swoje nowe oblicze, podając w wątpliwość dotychczasową wersję jego ludzkiego rozumienia, burząc utarte ontologie tradycyjnej wiedzy. To nie przypadek, że N. Bierdiajew dostrzegł w dziełach kubistycznych rodzaj portretów nieautentycznej egzystencji („to są demoniczne grymasy spętanych duchów natury”), co z konieczności wiąże się z stawianiem pytań o prawdziwe oblicze świata, o możliwość tej autentyczności i możliwości jej przedstawienia. Dzięki refleksyjnemu rozumieniu tego kontekstu malarstwo jest jednym z najbardziej filozoficznie artykułowanych kierunków rozwoju estetyki modernistycznej; już w manifeście „O kubizmie” (1912) stwierdza się, że malarstwo jako takie jest rodzajem obrazu ( pojęcie) świata (w historii sztuki zapisano, że krytycy już u P. Cezanne’a widzieli „krytykę teorii wiedzy zapisanej kolorami” – E. Novotny). K. aktywnie włącza w swoje refleksyjne rozumienie natury twórczości artystycznej idee Platona, realizmu średniowiecznego, G. Hegla – przede wszystkim w aspekcie poszukiwania abstrakcyjnej istoty (idealnego eidos) przedmiotu i filozoficznego uzasadnienia założenie o zmienności ontologii, na którym leży idea względnego modelowania światów możliwych (przemówienie Chodzi nie tyle o pojęciowe i merytoryczne opanowanie akademickiej tradycji filozoficznej, ile o powiązanie artystów z tą kulturową atmosferą świata) początek XX wieku. , w którym idee filozoficzne okazały się swego rodzaju modowym skupieniem: na przykład L. Reinhardt o J. Braque zauważa, że on, „syn chłopa z Parmy… opanował filozofię w rozmowach przy stole na początku wiek"). Tak czy inaczej skupienie się na refleksyjnej analizie twórczości jako takiej jest jedną z charakterystycznych (i jednej z najsilniejszych) stron K. Według J. Maritaina „w czasach renesansu sztuka otworzyła oczy na Można rzec, że w ciągu ostatniego półwiecza ogarnął go kolejny impuls introspekcji, doprowadzając do rewolucji co najmniej równie znaczącej... Lekcje z niego płynące są równie przydatne filozofowi, co artyście. Estetyka K. jest praktycznie specyficznym modelowaniem procesu poznawczego, opartym na podstawowej K. zasadzie „negacji naiwnego realizmu, która zakłada odmowę polegania przez artystę na wizualnym postrzeganiu obiektywnego świata. Zasada ta leży u podstaw K. deklarowany program „walki z wizją”, czyli walki z bezkrytycznym przyjęciem fenomenologii materiału wideo jako podstawy poznania w ogóle, a w szczególności pojmowania malarstwa przez artystę (świat jest zniekształcony, jego istota nie jest widzialne, a nie można zobaczyć, czyli redukcja fenomenologiczna nie może pretendować do miana adekwatnej metody poznania świata): według sformułowań A. Gleizesa i J. Metzingera „oko wie, jak zainteresować i uwieść umysł swoimi złudzeniami” ”, ale podstawą tej pokusy jest nic innego jak złudzenie optyczne, trompe loeil. Jak pisał J. Braque: „uczucia pozbawione są formy, duchowych kształtów. Niezawodne jest tylko to, co duch wytwarza.” W tym kontekście naturalne jest, zdaniem K., że „chcąc osiągnąć proporcję ideału, artyści, nie ograniczając się już czymś ludzkim, przedstawiają nam dzieła które są bardziej spekulatywne niż zmysłowe” (G. Apollinaire). W tym kontekście znamienne jest, że R. Lebel swą monografię poświęconą K. nazywa „The Inside Out of Painting”, podkreślając tym samym zamiar kubistów penetracji poza (poprzez) cykl fenomenologiczny.Bierdiajew pisał np. o P.Picaso: „on jak jasnowidz przegląda wszystkie okładki... [...] Pójdźcie jeszcze dalej w głąb, a tam już nie będzie jakakolwiek materialność – istnieje już wewnętrzna struktura natury, hierarchia duchów”, a tendencja tego ruchu „prowadzi do wyjścia z ciała fizycznego, materialnego na inny, wyższy poziom”. zmysłowych przeżyć Moneta i Renoira kubiści obiecują światu coś trwalszego, a nie iluzorycznego - wiedzę” (L. Reinhardt). W ewolucji podstaw filozoficznych K. można wyróżnić dwa etapy. Początkowym założeniem koncepcji estetycznej K. jest założenie zniszczenia przedmiotu jako takiego: według R. Delaunay’a (który karierę twórczą rozpoczynał u Kandinsky’ego – zob. Ekspresjonizm), „dopóki sztuka nie zostanie uwolniona od podmiotu, potępia się w niewolę”. Zatem zgodnie z kubistyczną strategią twórczości artystycznej „nie trzeba nawet próbować naśladować rzeczy... Rzeczy same w sobie w ogóle nie istnieją. Istnieją jedynie poprzez (w) nas” (J. Braque). Jak zauważono w programowej dla K. pracy A. Gleizesa i J. Metzingera, „kubizm zastępuje skrawki wolności uzyskane przez Courbeta, Maneta, Cézanne’a i impresjonistów wolnością nieograniczoną. Teraz, uznawszy wreszcie wiedzę obiektywną za chimery i rozpatrzenie jej udowodniło, że wszystko, co tłum przyjmuje za naturalne, jest konwencją; artysta nie będzie uznawał innych praw poza prawami gustu”. Misja artysty w tym kontekście artykułowana jest jako wyzwolenie siebie (a przez to innych) od „banalnego wyglądu rzeczy” (A. Glez, J. Metzinger). Za swoje podstawowe credo K. przyjmuje formułę „Dość malarstwa dekoracyjnego i malowniczych scenerii!” (A. Glez, J. Metzinger). W tym kontekście K. jako swoją metodę postuluje specyficznie artykułowany „liryzm” lub „liryzm wywrócony na lewą stronę” (określenie G. Apollinaire’a), który K. rozumiał jako metodę wyzwalania świadomości z niewoli świata obiektywnego, osiągnięto poprzez programowe wywołanie przez artystę uczucia wstrętu do tematu swojej pracy (jak pisał J. Braque „to jak picie wrzącej nafty”). Według Ozanfanta i Jeanneret „liryzm” można uznać za podstawowy paradygmat wczesnego kubizmu: „jego teoretyczny wkład można podsumować w następujący sposób: kubizm uważa obraz za przedmiot, który tworzy liryzm – liryzm jest jedynym celem tego przedmiotu. Artystce przysługują wszelkie rodzaje wolności, pod warunkiem, że tworzy ona liryzm.” W praktyce oznacza to wyjście K. poza granice sztuk pięknych – w stronę sztuki abstrakcyjnej: jeśli świat obserwowany wizualnie może być (jest) iluzoryczny, to zainteresowanie artysty powinno skupiać się na świecie prawdziwym (istotnym), tj. świat czystych form geometrycznych: jak pisał Mondrian: „Idee Platona są płaskie” (nie bez ciekawego w teoretyczne dyskusje kubistów bezpośrednio zaangażował się matematyk Prance). Według refleksyjnej samooceny K. „dla nas linie, powierzchnie, objętości to nic innego jak odcienie naszego rozumienia pełni / tego noumenalnego, którego nie reprezentuje wygląd przedmiotu – MM. /”, a wszystko, co „zewnętrzne”, sprowadza się w kubistycznej wizji tego zjawiska „do jednego mianownika masy” (A. Glez), a mianowicie jego podstawy geometrycznej. W związku z tym estetyka K. zbudowana jest na idei deformacja tradycyjnej (wizualnie obserwowalnej) formy przedmiotu, - deformacja, która ma na celu wydobycie prawdziwej istoty przedmiotu.Kubizm jest konstytuowany jako neoplastycyzm, oparty na zaprzeczeniu tradycyjnej plastyczności: „kubizm rozważa obraz być całkowicie niezależnym od natury i posługuje się formami i kolorami nie ze względu na ich zdolność naśladowczą, ale ze względu na ich wartość plastyczną” (Ozanfant, Jeanneret) W ten sposób K. dochodzi do idei plastycznego modelowania świat jako poznawcze poszukiwanie jego plastycznej (strukturalnej) podstawy, czyli jego prawdziwego oblicza, nieskrytego za fenomenologicznym ciągiem. Innymi słowy, dojrzały program pojęciowy K. okazuje się bardzo daleki od pierwotnej idei wyrzeczenie się przedmiotu: jak pisał M. Duchamp (w okresie swojej twórczości kubistycznej): „Zawsze staram się wymyślać, zamiast wyrażać siebie”. K. radykalnie odwraca się od krytyki przedmiotu jako takiego do krytyki jego niewłaściwego (w szczególności subiektywnego) rozumienia. Krytyczny patos dojrzałego K. nie jest już skierowany przeciwko rzeczywistości jako subiektywnej iluzji, ale przeciwko subiektywności w interpretacji rzeczywistości. Pod tym względem K. zdecydowanie dystansuje obserwowalny wizualnie (dany w doświadczeniu) przedmiot (obiekt-natura, czyli „wolumetryczna rewolucja artystyczna kubizmu” oraz „niesamowitą innowację polegającą na włączeniu wielu aspektów tego samego przedmiotu w działanie). Jak pisze A.Lot, w praktyce „przedstawień K.” obalana jest zwykła „struktura perspektywy”. Widzimy część tego samego przedmiotu, np. miskę z owocami, od dołu, inną część – z profilu, trzecią - z jakiejś innej strony. I to wszystko jest ze sobą powiązane w postaci płaszczyzn, które z hukiem zderzają się z powierzchnią obrazu, leżą obok siebie, nakładają się na siebie i przenikają." Klasyką w tym zakresie może być za „Taniec” J. Metzingera, „Student z gazetą”, „Instrumenty muzyczne” P. Picassa, „Butelkę, szkło i fajkę”, „Pochwała J.S. Bacha” J. Braque’a; „ Portret szachowych drapieżników” M. Duchampa itp. (por. podobnie u M. Chagalla: „Ja i wieś”, „Godzina między wilkiem a psem”, jednocześnie ustalając pełną twarz, profil itp.) . A jeśli w ramach „analitycznego K.” Najmniej artystę interesowało zjawisko ruchu i problematyka jego obrazowego utrwalenia („obraz jest cichym i nieruchomym objawieniem” A. Gleza), to „K. Reprezentacje” wręcz przeciwnie, stanowi programowy dynamizm (przykładowo „Akt schodzący po schodach” M. Duchampa jest pod wieloma względami bliski futurystycznym odkryciom w dziedzinie przekazywania „dynamiki” lub „linia energetyczna” ruchu). Jednak ruch rozumiany jest przez K. nie jako wizualnie obserwowany ruch w przestrzeni (rodzaj pobudzenia dla wzroku), ale jako bezpośrednio ruch – ruch jako taki, czyli zgodnie z koncepcją K. to, co o ruchu wiemy jako taki. 3) „Streszczenie K.” lub „puryzm”, tj. „czyste malarstwo” (peinture pure), w ramach którego wszystkie podstawowe zasady malarstwa dochodzą do logicznego wniosku: zasada antypsychologizmu. zasada poszukiwania „elementów świata” wyartykułowanego geometrycznie oraz zasada antywizualizmu. (Według kryterium radykalizmu A. Salmon porównał peinture pure z religią hugenotów.) Przejście K. od symultanizmu do puryzmu wyraźnie ukazuje twórcza ewolucja R. Delaunaya: jeśli w jego pracy „In Honor” koncentrycznych kręgów Blériota” są efektem analizy („refrakcji”) takiego zjawiska jak lot Bleriota przez kanał La Manche i można je odczytać jako rzuty ruchu śmigieł samolotu, następnie w „Rytmach kołowych” te same koła (z całe zewnętrzne podobieństwo) są utrwaleniem elementów ruchu – produktem istotnej analizy tego, co artysta wie o ruchu. Ujawniając istotę „abstrakcyjnego K.” w jednym z wywiadów. P. Picasso praktycznie mówi o swojej technice wizualnej jako o realizacji metody typu idealnego”, jak rozumiał to M. Weber: „sztuka abstrakcyjna to nic innego jak zestawienie plam barwnych... Od czegoś zawsze trzeba zacząć. Później wszelkie ślady rzeczywistości można usunąć. I nie ma w tym nic złego, bo idea przedstawianego przedmiotu będzie miała już czas, aby pozostawić niezatarty ślad na zdjęciu/zobaczeniu. Ślad - M.M./”. W tym kontekście K. aktualizuje figury semantyczne „eidos” u Platona i „uniwersaliów” w realizmie scholastycznym: według G. Apollinaire’a obraz pojawia się w tym kontekście jako wyraz „form metafizycznych” W związku z tym dzieła kubistyczne, zdaniem Maritaina, „nie odbiegają od rzeczywistości, są do niej podobne... przez duchowe podobieństwo”. kształtuje się możliwość faktycznego twórczego ukonstytuowania przez artystę istoty przedmiotu z elementów nieobiektywnych (porównaj z postmodernistyczną koncepcją oznaczania semantycznie neutralnych fragmentów tekstu – zob. Pusty znak, efekt rzeczywistości). Zatem peinture pure jest, zgodnie z definicją A. Gleize’a, „rodzajem malarstwa nowych zespołów wykorzystujących elementy zapożyczone nie z rzeczywistości widzialnej, ale w całości stworzone przez artystę i obdarzone potężną rzeczywistością”. G. Apollinaire określa tę zdolność podmiotu twórczości jako „orfizm” (ale analogie z życiodajnym impulsem pieśni Orfeusza, które potrafią poruszyć kamienie) i rozumie w tym kontekście artystę jako podmiot, który wprowadza do wnętrza integralną strukturę zmysłowy chaos, widoczny bezpośrednio w sferze abstrakcji. W tym względzie K. uważa, że tajemnica twórczości jest podobna i bliska tajemnicy Stworzenia: „artysta śpiewa jak ptak i tego śpiewu nie da się wytłumaczyć” (Picasso). W tym kontekście A. Glez widzi istotne analogie pomiędzy paradygmatem perspektywy ukonstytuowanym w malarstwie renesansowym (co A. Glez nazywa „formą przestrzenną”) a K., który łamie samo pojęcie perspektywy (co A. Glez nazywa „formy czasu”) z jednej strony, a przyrodoznawstwo i mistyczne (obraz jako „ciche objawienie”) podejście do rzeczywistości z drugiej. „Abstrakcyjny” („czysty”) K. faktycznie położył podwaliny pod tradycję abstrakcjonizmu w historii sztuki XX wieku, wszystkie kierunki i wersje abstrakcjonizmu wracają do jego programu estetycznego, zdaniem L. Venturiego, „dziś , kiedy mówimy o sztuce abstrakcyjnej, mamy na myśli kubizm i jego spadkobierców.” (Właśnie z tego powodu w marksistowskiej krytyce artystycznej, skupionej wokół wartości materializmu, K. został oceniony jednoznacznie negatywnie: od kategorycznego wyroku G.V. Plechanowa „bzdury w sześcianie!” - po wyrafinowaną tezę M. Lifshitz: „Formuła „uznaje cały świat” nic nie znaczy. Przecież ten świat jest trochę zwariowany – wyszedł ze stawów, jak mówi słynne powiedzenie Szekspira.”) W ogóle rola K. ewolucja artystycznego modernizmu „jest prawie nie do przecenienia”, gdyż „w historii sztuki… była to rewolucja nie mniej ważna niż rewolucja wczesnego renesansu” (J. Berger). K. tworzy zasadniczo nowy język sztuki (zob. Język sztuki), a w tym obszarze „odkrycia dokonane przez kubizm są równie rewolucyjne, jak odkrycia Einsteina i Freuda” (R. Rosenblum). Co więcej, zdaniem J. Goldinga: „Kubizm był jeśli nie... najważniejszą, to w każdym razie najbardziej kompletną i radykalną rewolucją artystyczną od czasów renesansu... Z wizualnego punktu widzenia łatwiej jest dokonać przejścia po trzystu pięćdziesięciu latach oddzielających impresjonizm od wysokiego renesansu niż pięćdziesiąt lat oddzielających impresjonizm od kubizmu. ..Portret Renoira... jest bliższy portretowi Rafaela niż kubistycznemu portretowi Picassa.” Według historyka K. K. Graya powstanie paradygmatu kubistycznego można interpretować jako początek nowej ery w historii sztuki i nowego światopoglądu w historii kultury w ogóle. Gehlen porównał konstrukcję paradygmatu kubizmu w sztuce z rewolucją kartezjańską w filozofii – zarówno pod względem znaczenia i radykalności przełamania tradycji, jak i treści: epistemologia R. Kartezjusza koncepcja twórczości artystycznej K. opiera się na odrzuceniu empiryzmu i sensacji, co w jej odległej przyszłości doprowadziło do ukonstytuowania się w kulturze europejskiej paradygmatu „postmodernistycznej wrażliwości” (zob. Wrażliwość ponowoczesna) MA Mozheiko

Kubizm Kubizm

(francuskie kubizm, od sześcianu – sześcianu), ruch modernistyczny w sztukach pięknych (głównie malarstwie) pierwszej ćwierci XX wieku. Początki kubizmu datuje się na rok 1907, kiedy to P. Picasso namalował obraz „Les Demoiselles d'Avignon” (Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku), niezwykły w swojej ostrej grotesce: ukazane są tu zdeformowane, szorstkie postacie, bez żadnych elementów światłocień i perspektywa, jako połączenie rozłożonego na płaszczyźnie objętości. W 1908 roku w Paryżu powstała grupa „Bateaux-lavoir” („Raft Boat”), w skład której weszli Picasso, J. Braque, Hiszpan X. Gris, pisarze G. Apollinaire, G. Stein i inni. ukształtowały się i konsekwentnie wyrażały podstawowe zasady kubizmu. Kolejną grupą, która powstała w 1911 r. w Puteaux pod Paryżem i ukształtowała się w 1912 r. na wystawie „Section d'or” („Złota Sekcja”), byli popularyzatorzy i interpretatorzy kubizmu - A. Glez, J. Metsenger, J. Villon, A. Le Fauconnier oraz artyści, którzy tylko częściowo zetknęli się z kubizmem - F. Léger, R. Delaunay, Czech F. Kupka.Słowo „Kubiści” został po raz pierwszy użyty w 1908 roku przez francuskiego krytyka L. Vaucellesa jako szyderczy pseudonim dla artystów przedstawiających tematykę świata w postaci kombinacji regularnych brył geometrycznych (sześcian, kula, walec, stożek).

Kubizm, zrodzony w warunkach ostrego kryzysu kultury burżuazyjnej w dobie imperializmu, oznaczał zdecydowane zerwanie z tradycjami sztuki realistycznej. Jednocześnie twórczość kubistów miała charakter wyzwania rzuconego standardowemu pięknu sztuki salonowej, niejasnym alegoriom symboliki i niestabilności późnego malarstwa impresjonistycznego. Minimalizując, a często całkowicie rezygnując z wizualno-poznawczej funkcji sztuki, próbując budować swoje dzieła z połączenia form elementarnych, „pierwotnych”, przedstawiciele kubizmu zwrócili się w stronę konstruowania formy wolumetrycznej na płaszczyźnie, rozczłonkowania rzeczywistej objętości na zgeometryzowanej ciała, przesunięte, przecinające się, postrzegane z różnych punktów widzenia. Wchodząc w krąg zbuntowanych ruchów burżuazyjno-indywidualistycznych, kubizm wyróżniał się wśród nich upodobaniem do surowej ascezy koloru, do prostych, ciężkich, namacalnych form, do elementarnych motywów (takich jak dom, drewno, naczynia itp.). Jest to szczególnie charakterystyczne dla wczesnej fazy kubizmu, który rozwinął się pod wpływem malarstwa P. Cezanne’a (jego pośmiertna wystawa odbyła się w Paryżu w 1907 r.) i rzeźby afrykańskiej. W tym okresie „Cézanne’a”, kubizmie (1907-09), geometryzacja form podkreśla stabilność i obiektywność świata; potężne fasetowane tomy wydają się ciasno ułożone na powierzchni płótna, tworząc rodzaj reliefu; kolor, uwydatniający poszczególne aspekty przedmiotu, jednocześnie uwydatnia i fragmentuje objętość (P. Picasso, „Trzy kobiety”, 1909, Państwowy Ermitaż; J. Braque, „Estaque”, 1908, Kunstmuseum, Berno). W kolejnym, „analitycznym” etapie kubizmu (1910-12) obiekt ulega rozpadowi, rozszczepieniu na drobne, wyraźnie oddzielone od siebie krawędzie; forma obiektu sprawia wrażenie rozłożonej na płótnie (P. Picasso, „A. Vollard”, 1910, Muzeum Puszkina; J. Braque, „Na cześć J. S. Bacha”, 1912, zbiory prywatne, Paryż). W ostatnim, „syntetycznym” etapie (1912-14) zwycięża zasada dekoracyjna, a obrazy zamieniają się w kolorowe płaskie panele (P. Picasso, „Gitara i skrzypce”, 1913, GE; J. Braque, „Kobieta z Gitara”, 1913, Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Paryż); Zainteresowanie budzą wszelkiego rodzaju efekty teksturowane - naklejki (kolaże), pudry, trójwymiarowe struktury na płótnie, czyli odmowa przedstawienia przestrzeni i objętości jest niejako rekompensowana reliefowymi strukturami materiału w rzeczywistej przestrzeni. W tym samym czasie pojawiła się rzeźba kubistyczna z jej geometryzacją i przesunięciami formy, konstrukcje przestrzenne na płaszczyźnie (kompozycje i asamblaże niefiguratywne – rzeźby z materiałów heterogenicznych Picassa, dzieła A. Laurent, R. Duchamp-Villon, zgeometryzowane płaskorzeźby i figury O. Zadkine’a, J. Lipchitza, wklęsłe kontrreliefy A. P. Archipenki). Od 1914 roku kubizm zaczął ustępować innym ruchom, ale nadal wywierał wpływ nie tylko na artystów francuskich, ale także na włoskich futurystów, rosyjskich kubofuturystów (K. S. Malewicza, V. E. Tatlina), niemieckich artystów Bauhausu (L. Feininger, O. Schlemmer) . Późny kubizm zbliżał się do sztuki abstrakcyjnej („kubizm abstrakcyjny” R. Delaunay’a), w tym samym czasie niektórzy najwięksi mistrzowie XX wieku, dążąc do wypracowania nowoczesnego, lakonicznego, wyrazistego języka artystycznego, przeszli pasję do kubizmu , pokonując jego wpływy, - Meksykanin D. Rivera, Czesi B Kubishta, E. Filla i O. Gugfreund, Włoch R. Guttuso, Polak Yu.T. Makovsky i inni.

P. Picasso. „Pani z wachlarzem” 1909. Muzeum Sztuk Pięknych imienia A. S. Puszkina. Moskwa.

Literatura: M. Lifshitz, L. Reinhardt. Kubizm, w książce: Modernizm, wyd. 3, M., 1980; Der Kubismus, Kolonia (1966); Alexandrian S., Panorama du cubisme, P., 1976.

(Źródło: „Encyklopedia sztuki popularnej”. Pod redakcją V.M. Polevoya; M.: Wydawnictwo „Encyklopedia radziecka”, 1986.)

kubizm

(Źródło: „Art. Modern ilustrowana encyklopedia.” Pod redakcją prof. Gorkina A.P.; M.: Rosman; 2007.)

Zobacz, co „kubizm” znajduje się w innych słownikach:

Jeden z pierwszych nurtów w sztuce awangardowej. Za rok jego powstania uważa się rok 1907, kiedy Picasso wystawił swój program kubistyczny. obraz „Dziewczyny z Awinionu”, a nieco później „Akt” Małżeństwa. Imię K. nadano kierunkowi w... ... Encyklopedia kulturoznawstwa

Kubizm- Kubizm. P. Picasso. Portret A. Vollarda. 1910 Moskwa. Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. JAK. Puszkin. KUBIZM (francuski cubisme, od kostki kostki), awangardowy ruch w sztukach plastycznych I ćwierci XX wieku. rozwinęło się... Ilustrowany słownik encyklopedyczny

Kierunek w malarstwie zapoczątkowany we Francji około 1908 roku, który można uznać za reakcję na impresjonizm (sprawdź to słowo) z jego pociąganiem do lekkiej pełni obrazu, co powodowało zatracenie wyrazistości detali poszczególnych obiektów, tak jak... Encyklopedia literacka

Kubizm- KUBIZM Ruch w malarstwie zapoczątkowany we Francji około 1908 roku, który można uznać za reakcję na impresjonizm (sprawdź to słowo) z jego przyciąganiem do pełni światła w obrazie, co powodowało utratę przejrzystości poszczególnych szczegółów. ... ... Słownik terminów literackich

- [fr. cubisme] pozew. ruch awangardowy (AVANTGARDIST) w sztukach plastycznych początku XX wieku; kubiści rozkładali przedmiot na płaskie powierzchnie lub porównywali go do najprostszych ciał – kuli, stożka lub sześcianu. Słownik słów obcych. Komlev N.G., 2006 ... Słownik obcych słów języka rosyjskiego

- (francuski kubizm z kostki), ruch awangardowy w sztukach plastycznych I kwartał. XX wiek Rozwinęła się we Francji (P. Picasso, J. Braque, H. Gris) i innych krajach. Kubizm wysunął na pierwszy plan formalne eksperymenty w budownictwie... ... Wielki słownik encyklopedyczny

KUBIZM, kubizm, wiele. bez męża (z kostki1) (wymagane). Ruch w malarstwie (częściowo w innych sztukach) początku XX wieku, który przedstawiał przedmioty rzeczywistości rozłożone na proste kształty geometryczne, bez dostrzegania zewnętrznego podobieństwa do... ... Słownik wyjaśniający Uszakowa

KUBIZM, aha, mąż. W sztukach pięknych początku XX wieku: kierunek formalistyczny, jego zwolennicy przedstawiali świat obiektywny w prostych formach geometrycznych (sześcian, stożek, twarze). | przym. kubista, och, och i kubista, och, och... ... Słownik wyjaśniający Ożegowa

kubizm- a, m. kostkime sześcian. Awangardowy ruch formalistyczny we wczesnej sztuce europejskiej. XX wiek; Próbując wydobyć geometryczną strukturę bryły, kubiści rozkładali obiekt na płaskie powierzchnie lub porównywali go do najprostszych brył... Historyczny słownik galicyzmów języka rosyjskiego

Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907 Kubizm (francuski Cubisme) modernista ... Wikipedia

ODPOWIEDŹ:

Charakterystyczną cechą kubizmu jest brak palety kolorów. Zastosowano wyłącznie odcienie brązu, czerni i szarości. Zrobiono to specjalnie, aby nie obudzić elementu emocjonalnego i nie odwracać uwagi od zrozumienia tematu.

Kubizm – pierwsza ćwierć XX wieku. Jako kierunek „czysty” rozwinął się głównie we Francji (w innych krajach, m.in. w Rosji, popularniejszy był kubofuturyzm, będący efektem połączenia kubizmu i futuryzmu). Za założycieli uważa się P. Picassa i J. Braque'a. Obiekt jako obraz wizualny zaczyna tracić na atrakcyjności dla artystów. Przez wiele stuleci przedmiot na płótnie pozostawał taki sam jak w życiu, a mianowicie przedmiot.

Zasadą był rozkład formy na elementy elementarne (sześcian, kula, stożek itp.). Ponadto obiekt został przedstawiony nie w całości, ale w częściach i nie z jednego, ale z kilku punktów widzenia. Artyści starali się zobaczyć obiekt jednocześnie w całości, w czterech wymiarach, nie tylko z zewnątrz, ale i od wewnątrz, ale w efekcie rozpadł się on na fragmenty, rozsypał się aż do krawędzi.

Koniec pracy -

Ten temat należy do działu:

Neoklasycyzm i eklektyzm w architekturze XIX wieku

Pytanie.. neoklasycyzm i eklektyzm w architekturze stulecia.. odpowiedź neoklasycyzm to termin używany w historii sztuki rosyjskiej na określenie zjawisk artystycznych ostatniej tercji XIX i pierwszej ćwierci..

Jeśli potrzebujesz dodatkowych materiałów na ten temat lub nie znalazłeś tego czego szukałeś, polecamy skorzystać z wyszukiwarki w naszej bazie dzieł:

Co zrobimy z otrzymanym materiałem:

Jeśli ten materiał był dla Ciebie przydatny, możesz zapisać go na swojej stronie w sieciach społecznościowych:

Wszystkie tematy w tym dziale:

Nowy kierunek w kulturze europejskiej - romantyzm, jego wpływ na poszukiwania stylu w architekturze
Odpowiedź: Romantyzm to zjawisko kultury europejskiej XVIII-XIX w., ruch ideologiczno-artystyczny w kulturze europejskiej i amerykańskiej końca X w.

Rtęć
Thorvaldsen zręcznie bawił się kontrastami i zawsze uzyskiwał harmonijną całość obrazu. Jego dłuto z zadziwiającą prawdopodobieństwem oddaje niestabilne stany przejścia od spoczynku do ruchu. Takie są liczby

Portret Mademoiselle Riviere
Portret został wykonany z najwyższą umiejętnością rysunku, co było podstawą stylu twórczego Ingresa. Cechą charakterystyczną twórczości Ingresa była dysproporcja w przedstawieniu modela. Szyja wydaje się nadmierna

Bonaparte odwiedza dotkniętego zarazą w Jaffie
Gro otrzymał rozkaz ucieleśnienia fabuły wizyty Bonapartego w szpitalu zarazy w Jaffie. Obraz ten miał przypominać o boskiej magicznej mocy Bonapartego, o której wierzono

Napoleon na polu bitwy pod Elau
W 1808 roku Gro stworzył jedno ze swoich najsłynniejszych dzieł - „Bitwę pod Eylau” (1808), w którym dał piękny obraz opuszczonego zimowego krajobrazu ze znajdującymi się w nim grupami rannych

Analiza porównawcza portretów Niccolo Poganiniego autorstwa Eugene'a Delacroix i Auguste'a Ingresa
Odpowiedź: De Lacroix - (romantyzm) 1. Sylwetka zlewa się z tłem 2. Muzyk w trakcie gry 3. Nie widać szczegółów 4. Kontrast światła i cienia (podświetlenie

Pytanie 7.
Gustave Courbet jest założycielem szkoły naturalnej. Poszukiwanie nowych sposobów malowania na przykładzie obrazu „Pogrzeb w Ornans” Odpowiedź: Uważany jest za jeden z ukończonych

Realizm w malarstwie francuskim. Pejzaże artystów szkoły barbizonskiej: Theodore'a Rousseau, Julesa Dupre i Charlesa François Daubigny'ego
Odpowiedź: Charakterystyka: -tradycyjny krajobraz -tradycyjna kompozycja, zwykle pejzaż ze sztafażem -motyw wiejski lub po prostu natura

Wizerunki chłopskie w twórczości Jeana Francois Milleta. Porównaj z rozwiązaniem tematu chłopskiego w twórczości Louisa Le Naina i Aleksieja Venetsianowa
Odpowiedź: Millet jest realistą. Tematem przewodnim są chłopi i ich praca. Charakterystyka prac: - monumentalność i wymowa obrazów, pomimo niewielkich rozmiarów

Pytanie 10.
Camille Corot i Edouard Manet są prekursorami liryzmu impresjonistów. Rozważ przykład prac - „The Hay Wain” (Camille Corot), „Bar at the Folies Bergere” (E. Manet) Odpowiedź:

Nowa artystyczna wizja świata: impresjonizm. Claude Monet, Edgar Degas, Auguste Renoir i Camille Pissarro
Odpowiedź: Charakterystyka impresjonistów: 1. Widzenie zdystansowane (tzw. spojrzenie dziecka) 2. Poetyka (poetyka wszelkich przejawów współczesnego życia miejskiego)

Pytanie 12.
Przeprowadź analizę porównawczą obrazów „Boulevard des Capucines” (Claude Monet), „Boulevard Montmartre w Paryżu” (Camille Pissarro), „Paryż. Bulwar Kapucynów” (Konstantin Korovin)

Pissaro – Boulevard Montmartre w Paryżu
- szczególną uwagę zwrócono na przedstawienie oświetlonych obiektów w powietrzu. Od tego czasu światło i powietrze stały się wiodącym tematem twórczości Pissarro. - paleta staje się jaśniejsza, dominująca

Postimpresjoniści. Paula Cezanne’a. Henriego Toulouse-Lautreca. Paul Gauguin. Vincent van Gogh
Odpowiedź: Jeśli impresjoniści przeciwstawili swoją sztukę salonowi, to postimpresjoniści zaprzeczyli burżuazyjnemu sposobowi życia. Impresjonizm starał się uchwycić ten moment

Podstawa historyczna i cechy kompozycyjne grupy rzeźbiarskiej „Obywatele Calais” Auguste’a Rodina
Odpowiedź: Obywatele Calais – rzeźba z brązu autorstwa francuskiego rzeźbiarza Auguste’a Rodina, poświęcona jednemu z epizodów wojny stuletniej. Po zwycięstwie w 1346 r

Grupa Rzeźba
Rodin pracował nad grupą sześciu cyfr od 1884 do 1888 roku. Wykonanie pomnika przez Rodina wydawało się wówczas niezwykle kontrowersyjne. Klienci oczekiwali rzeźby w formie pojedynczej postaci, symbolizującej

Charakterystyczne cechy sztuki rosyjskiej XIX wieku. Przyczyny mniejszego (w porównaniu z Europą Zachodnią) rozwoju romantyzmu w sztuce rosyjskiej
Odpowiedź: Typowe dla: Architektury - 1. Dominuje styl Empire 2. Zwiększanie skali. Związane z rozwiązaniem przestrzeni miejskiej. 3.

Malarstwo historyczne w twórczości Wasilija Surikowa
Odpowiedź: Charakterystyczne - 1. Temat historyczny obrazów 2. Wybór punktów zwrotnych w historii 3. Temat ludzi 4. Malarstwo kolorystyczne

Wpływ estetyki symboliki na kształtowanie się stylu secesyjnego na przełomie XIX i XX wieku. Charakterystyczne cechy stylu
Odpowiedź: Art Nouveau, secesja, ruch artystyczny w sztuce, najbardziej rozpowszechniony w ostatniej dekadzie XIX - początku XX wieku (

Pytanie 22.
Cechy symboliki w rzeźbie francuskiej i rosyjskiej. Rozważ przykład dzieł Aristide’a Maillola („Morze Śródziemne”, „Góra”, „Flora”, „Rzeka”) i Aleksandra Matwiejewa („Spokój”, „Myśli”)

Angielska grafika Aubrey Beardsley. Charakterystyka twórczości
ODPOWIEDŹ: W licznych ilustracjach do czasopism rozwinął tendencje dekadenckie i symbolistyczne w sztuce późnych prerafaelitów, łącząc je z wpływami ryciny japońskiej. U

PYTANIE 26.
NOWOCZESNOŚĆ I SYMBOLIKA W MALARSTWIE ROSYJSKIM PRZEŁOMU XIX-XX WIEKU. ROZWAŻ PRZYKŁADY WALENTINA SEROWA „PORTRET IDY RUBINSTEIN”, WIKTORA BORYZOWA-MUSATOWA „TAPESTER”, PAWEŁ KUZNETSOW „MIRAŻ W STEPIE”

PYTANIE 27.
Echa impresjonizmu w malarstwie WALENTYNA SIEROWA („DZIEWCZYNA Z Brzoskwiniami”) i Igora Grabara („NIECZYSZCZONY STÓŁ”) ODPOWIEDŹ: Sierow, Walentin Aleksander

Bauhaus” i jego liderzy: Walter Gropius i Ludwig Mies van der Rohe. Nowe funkcje w pracy architektów
ODPOWIEDŹ: Bauhaus jest stowarzyszeniem artystycznym, które powstało w ramach tej instytucji i odpowiadającym mu kierunkiem w architekturze.W XX wieku wiele zasad określających

Niemiecki ekspresjonizm i Stowarzyszenie Mostowe. Wpływ Edvarda Muncha na Edwarda Ludwiga Kirchnera
ODPOWIEDŹ: W 1905 roku niemiecki ekspresjonizm ukształtował się w grupie „Most”, która zbuntowała się przeciwko powierzchownej prawdopodobieństwu impresjonistów, starając się odwzajemnić niemieckie roszczenia

Giorgio de Chirico i malarstwo metafizyczne
ODPOWIEDŹ: Malarstwo metafizyczne (wł. Pittura metafisica) to kierunek malarstwa włoskiego początku XX wieku. Przodek życia metafizycznego

Neoplastycyzm. Kolorowe „kraty” Pieta Mondriana
ODPOWIEDŹ: Neoplastycyzm to wprowadzone przez Pieta Mondriana określenie kierunku sztuki abstrakcyjnej, który istniał w latach 1917-1928. w Holandii i jeść

PYTANIE 37.
DADAIZM. CECHY CHARAKTERYSTYCZNE KIERUNKU. ROZWAŻ PRZYKŁAD PRAC MARCELA DUCHAMPA „KOŁO ROWEROWE NA STOŁKU” I „MONA LISA Z WĄSAMI” ODPOWIEDŹ:

PYTANIE 38.
CECHY CHARAKTERYSTYCZNE SURREALIZMU. STOSOWANIE TECHNIK DADA ODPOWIEDŹ: Obrazy zjawiskowe, obrazy naturalistyczne. Surrealistyczne&

PYTANIE 39.
GENEZA POP-ARTU. ROZWAŻ CHARAKTERYSTYCZNE CECHY REŻYSERII NA PRZYKŁADZIE PRACY ANDY'EGO WARHOLA „200 Puszek ZUPY CAMPBELL” ODPOWIEDŹ: Pop-art

Geneza kubizmu w dużej mierze wynika z faktu, że sztuka klasyczna przeżywała kryzys. Poszukiwanie nowej formy okazywania uczuć i emocji umożliwiło odnalezienie nowego sposobu i metody w malarstwie oraz pozwoliło w nowy sposób spojrzeć na twórczość.

Pojawienie się kubizmu, obok impresjonizmu i surrealizmu, było próbą spojrzenia na malarstwo z nowej perspektywy i zrewidowania tego, co powstało wcześniej.

Początki kubizmu

Początki kubizmu są ściśle związane z nazwiskiem słynnego Pabla Picassa.

Kubizm Picassa został zainspirowany zainteresowaniem artysty prymitywistyczną rzeźbą afrykańską. Zainteresował się nią na przełomie 1907-1908. Posiekane formy sztuki afrykańskiej ugruntowały pragnienie Picassa abstrakcyjnego uogólniania obrazów, na tej podstawie można go uznać za prekursora kubizmu jako stylu. Pierwszym obrazem w stylu kubistycznym był Les Demoiselles d'Avignon, namalowany w 1907 roku.

Dzieło to było pierwszą personifikacją podstawowej zasady kubizmu. Picasso tworząc to dzieło poprzestał na „konwencjach realizmu optycznego” i odrzucił naturę oraz porzucił perspektywę i światłocień.

Urodziny kubizmu w sztuce rozważają spotkanie Picassa i młodego artysty Georgesa Braque'a.

Stało się to przy udziale poety Guillaume’a Apolinarego, który zaprosił Braque’a do pracowni Picassa. Picasso i Braque stali się założycielami kubizmu, a przed I wojną światową aktywnie współpracowali ze sobą, tworząc historię kubizmu.

Z czasem dołączyło do nich wielu innych młodych poetów i malarzy z Montmartre. Mniej więcej w tym okresie grupa, która dołączyła do Picassa i Braque'a, znana jako Bateau-Lavoir, ogłosiła narodziny nowego ruchu w sztuce, który wkrótce otrzymał swoją nazwę.

Sam termin „kubizm” został wprowadzony przez francuskiego krytyka Louisa Vexela.

Wkrótce zapuścił korzenie.

Założyciele kubizmu Podstawą ich twórczości był rozkład obiektów na płaszczyźnie, a także różne kombinacje tych płaszczyzn w przestrzeni. Odmówili przekazania rzeczywistości przy użyciu standardowej perspektywy linearnej i środowiska kolorowego powietrza. Wierzyli, że naprzemienne płaszczyzny mogą osiągnąć ciekawy efekt artystyczny i wyznawali zasadę, że analityczny sposób pojmowania rzeczywistości pozwala głębiej odsłonić istotę pewnych zjawisk. Wielu przedstawicieli kubizmu stosowało ciekawe podejście przy tworzeniu obrazów kubistycznych, które polegało na tym, że ten sam przedmiot był ukazany jednocześnie z kilku punktów widzenia, co pozwalało na wszechstronną analizę rozpatrywania tematu.

Artyści kubistyczni

Artyści kubistyczni celowo ograniczyło wykorzystanie palety barw. Obrazy kubistyczne naprawdę wydają się ograniczone pod względem koloru, ponieważ tonacja obrazów kubistycznych jest zredukowana do odcieni szarości, czerni, a także brązu. Poza systemem kolorystycznym kubizm w sztuce wyróżnia się także tym, że obrazy kubistów są porównaniami różnych geometrycznych płaszczyzn i powierzchni o bardzo dalekim podobieństwie do oryginału. Twórcy kubizmu nie uważali formy sztuki za całkowicie porównywalną z rzeczywistą, dlatego przedmioty na obrazach kubizmu wydają się bardziej abstrakcyjne.

Kubizm w malarstwie to nie tylko obraz przedmiotu, to obraz przedmiotu, który ulega mentalnemu zniszczeniu i zostaje odtworzony w umyśle artysty.

Najczęściej obiekty na płótnach w stylu kubizmu całkowicie tracą kontakt ze swoimi rzeczywistymi prototypami i zamieniają się w abstrakcyjne symbole, które, jak się okazuje, są postrzegane tylko przez jednego autora.

Jeśli mówimy o kubizmie, należy zauważyć, że kubistyczne obrazy Picassa nie były jedynym kierunkiem w jego twórczości. Kubizm Picassa zastąpił w jego twórczości zainteresowanie impresjonizmem, a później przekształcił się w surrealistyczne spojrzenie na świat.

Styl kubistyczny wywarł ogromny wpływ na rozwój malarstwa, zmieniając podejście artystów do sposobów przekazywania faktury, objętości i przestrzeni.

Jeśli mówimy o kubizmie rosyjskim, należy rozumieć, że rozwój tego kierunku w tym kraju podążał nieco inną drogą niż w krajach europejskich. Twórczość Chagalla często zaliczana jest do kubizmu rosyjskiego.

Znani kubiści i ich dzieła.

Na początku ubiegłego stulecia we wszystkich dziedzinach sztuki zachodziły wielkie zmiany. Artyści decydują się na porzucenie starych kanonów malarstwa, uznając je za nudne, i starają się wypróbować nowe, zupełnie nieznane dotąd techniki. Malarze dokonywali wielu eksperymentów z kolorem i zaczęli wykorzystywać materiały dekoracyjne, co z czasem doprowadziło do ukształtowania się nowego kierunku malarstwa, który nazwano kubizmem.

Jak we wszystkich dziedzinach malarstwa, w kubizmie można wyróżnić kilka najjaśniejszych i najbardziej zapadających w pamięć osobistości.

Malarza tego można śmiało nazwać ojcem kubizmu, gdyż to właśnie jego malarstwo, namalowane na samym początku XX wieku, zapoczątkowało ten kierunek.

W ciągu swojego długiego życia Pablo Picasso namalował około dwóch dziesiątków tysięcy obrazów. W trakcie swojej twórczości zmienił kilka kierunków malarstwa. Oprócz kubizmu przeszedł przez surrealizm i postimpresjonizm. Według ekspertów Picasso jest najdroższym malarzem na świecie.

Malarz ten rozpoczynał karierę twórczą jako dekorator i zajmował się trochę fauwizmem. Po pewnym czasie zaczął wykazywać duże zainteresowanie malarstwem Paula Cezanne'a związanym z kubizmem, co skłoniło go do radykalnej zmiany stylu malarstwa i wstąpienia w szeregi kubistów.

Po rozpoczęciu twórczości w dziedzinie kubizmu artysta poznał Pabla Picassa, który wywarł na niego ogromny wpływ i inspirował go przez wiele lat. Razem wnieśli ogromny wkład w powstanie kubizmu.

3. Juan Gris

Juan Gris to hiszpański artysta, którego można uważać również za jednego z twórców kubizmu.

W początkowej fazie twórczości jego obrazy można zaliczyć raczej do secesji. Po przeprowadzce do Paryża artysta wpisuje się w krąg znanych artystów zajmujących się kubizmem, Braque’a, Picassa i Légera. Komunikacja z doświadczonymi kolegami pomogła młodemu artyście wybrać dla siebie linię twórczą i pracować nad nią.

4. Paul Cezanne

Paul Cézanne to znany francuski artysta, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli postimpresjonizmu.

Pomimo tego, że artysta stoi u początków postimpresjonizmu, któremu poświęcił całe swoje twórcze życie, wniósł także ogromny wkład w powstanie kubizmu, nie zdając sobie z tego sprawy. Dwie dekady przed powstaniem kubizmu Cezanne namalował obraz Budowniczowie. Fernand Léger.

5 najwybitniejszych przedstawicieli kubizmu aktualizacja: 14 września 2017 r. przez: Walentyna