Historyczne obrazy znanych artystów. Główne gatunki malarstwa rosyjskich artystów z przykładami malarstwa
„Każdy portret malowany z uczuciem jest w istocie portretem artysty, a nie tego, który mu pozował” Oskara Wilde’a
Co trzeba zrobić, żeby zostać artystą? Prosta imitacja dzieła nie może być uznana za sztukę. Sztuka to coś, co pochodzi z wnętrza. Pomysł autora, pasja, poszukiwania, pragnienia i smutki, które ucieleśniają na płótnie artysty. W całej historii ludzkości namalowano setki tysięcy, a może i miliony obrazów. Niektóre z nich to prawdziwe arcydzieła, znane na całym świecie, znają je nawet osoby nie mające nic wspólnego ze sztuką. Czy wśród takich obrazów można wskazać 25 najwybitniejszych? Zadanie jest bardzo trudne, ale próbowaliśmy...
✰ ✰ ✰
25„Trwałość pamięci”, Salvador Dali
Dzięki temu obrazowi Dali zasłynął w dość młodym wieku, miał 28 lat. Obraz ma kilka innych tytułów - „Miękkie godziny”, „Twardość pamięci”. To arcydzieło przyciągnęło uwagę wielu krytyków sztuki. W zasadzie interesowała ich interpretacja obrazu. Mówi się, że idea malarstwa Dali nawiązuje do teorii względności Einsteina.
✰ ✰ ✰
24„Taniec”, Henri Matisse
Henri Matisse nie zawsze był artystą. Swoją miłość do malarstwa odkrył po ukończeniu studiów prawniczych w Paryżu. Studiował sztukę tak gorliwie, że stał się jednym z najwybitniejszych artystów na świecie. Ten obraz ma bardzo mało negatywnej krytyki ze strony krytyków sztuki. Odzwierciedla połączenie pogańskich rytuałów, tańca i muzyki. Ludzie tańczą w transie. Trzy kolory - zielony, niebieski i czerwony, symbolizują Ziemię, Niebo i Ludzkość.
✰ ✰ ✰
23„Pocałunek”, Gustav Klimt
Gustav Klimt był często krytykowany za nagość w swoich obrazach. „Pocałunek” został doceniony przez krytyków jako połączenie wszystkich form sztuki. Obraz mógłby przedstawiać samego artystę i jego kochankę Emilię. Klimt namalował ten obraz pod wpływem mozaiki bizantyjskiej. Bizantyjczycy używali złota w swoich obrazach. Podobnie Gustav Klimt dodawał złoto do swoich farb, tworząc swój własny styl malowania.
✰ ✰ ✰
22„Śpiący Cygan”, Henri Rousseau
Nikt poza samym Rousseau nie potrafił lepiej opisać tego obrazu. Oto jego opis – „Cyganka-koczownica, która śpiewa swoje piosenki przy akompaniamencie mandoliny, śpi na ziemi ze zmęczenia, w pobliżu leży jej dzbanek z wodą pitną. Przechodzący lew podszedł, aby ją obwąchać, ale jej nie dotknął. Wszystko skąpane jest w świetle księżyca, panuje bardzo poetycka atmosfera.” Warto zauważyć, że Henri Rousseau jest samoukiem.
✰ ✰ ✰
21„Sąd Ostateczny”, Hieronim Bosch
Bez zbędnych ceregieli, zdjęcie jest po prostu wspaniałe. Tryptyk ten jest największym zachowanym obrazem Boscha. Lewe skrzydło przedstawia historię Adama i Ewy. Centralną częścią jest „sąd ostateczny” Jezusa – kto powinien pójść do nieba, a kto do piekła. Ziemia, którą tu widzimy, płonie. Prawe skrzydło przedstawia obrzydliwy obraz piekła.
✰ ✰ ✰
20
Każdy zna Narcyza z mitologii greckiej – człowieka, który miał obsesję na punkcie swojego wyglądu. Dali napisał własną interpretację Narcyza.
To jest historia. Piękny młody mężczyzna Narcyz z łatwością złamał serca wielu dziewcząt. Bogowie interweniowali i aby go ukarać, pokazali mu swoje odbicie w wodzie. Narcyz zakochał się w sobie i ostatecznie umarł, ponieważ nigdy nie był w stanie się objąć. Wtedy bogowie pożałowali, że mu to zrobili i postanowili uwiecznić go w postaci kwiatu narcyza.
Po lewej stronie obrazu Narcyz patrzy na swoje odbicie. Po czym zakochał się w sobie. Prawy panel pokazuje wydarzenia, które miały miejsce później, w tym powstały kwiat, żonkil.
✰ ✰ ✰
19
Fabuła filmu oparta jest na biblijnej masakrze niemowląt w Betlejem. Gdy mędrcy dowiedzieli się o narodzinach Chrystusa, król Herod nakazał zabicie wszystkich małych dzieci płci męskiej i niemowląt w Betlejem. Na zdjęciu masakra osiąga szczyt, ostatnie dzieci odebrane matkom czekają na bezlitosną śmierć. Widoczne są także zwłoki dzieci, dla których wszystko jest już za sobą.
Dzięki zastosowaniu bogatej kolorystyki obraz Rubensa stał się arcydziełem światowej sławy.
✰ ✰ ✰
18
Twórczość Pollocka bardzo różni się od twórczości innych artystów. Położył płótno na ziemi i poruszał się po płótnie, skapując farbę z góry na płótno za pomocą patyków, pędzli i strzykawek. Dzięki tej wyjątkowej technice zyskał przydomek „Sprinkler Jack” w kręgach artystycznych. Przez pewien czas obraz ten nosił miano najdroższego obrazu świata.
✰ ✰ ✰
17
Znany również jako „Dancing at Le Moulin de la Galette”. Obraz ten uważany jest za jeden z najradośniejszych obrazów Renoira. Ideą filmu jest pokazanie widzom zabawnej strony paryskiego życia. Po bliższym przyjrzeniu się obrazowi widać, że Renoir umieścił na płótnie kilku swoich przyjaciół. Ponieważ obraz wydaje się nieco zamazany, początkowo został skrytykowany przez współczesnych Renoira.
✰ ✰ ✰
16
Fabuła została zaczerpnięta z Biblii. Obraz „Ostatnia wieczerza” przedstawia ostatnią wieczerzę Chrystusa przed jego aresztowaniem. Właśnie rozmawiał ze swoimi apostołami i powiedział im, że jeden z nich go zdradzi. Wszyscy apostołowie są zasmuceni i mówią mu, że to oczywiście nie oni. To był ten moment, który Da Vinci pięknie przedstawił poprzez swoje żywe przedstawienie. Ukończenie tego obrazu zajęło wielkiemu Leonardo cztery lata.
✰ ✰ ✰
15
„Lilie wodne” Moneta można znaleźć wszędzie. Prawdopodobnie widziałeś je na tapetach, plakatach i okładkach magazynów o sztuce. Faktem jest, że Monet miał obsesję na punkcie lilii. Zanim zaczął je malować, wyhodował niezliczoną ilość tych kwiatów. Monet zbudował w swoim ogrodzie most w stylu japońskim nad stawem z liliami. Był tak zadowolony z tego, co osiągnął, że narysował tę fabułę siedemnaście razy w ciągu jednego roku.
✰ ✰ ✰
14
Jest w tym obrazie coś złowrogiego i tajemniczego, otacza go aura strachu. Tylko taki mistrz jak Munch potrafił przedstawić strach na papierze. Munch stworzył cztery wersje Krzyku w oleju i pastelach. Z wpisów w pamiętniku Muncha wynika, że on sam wierzył w śmierć i duchy. Na obrazie „Krzyk” przedstawił siebie w momencie, gdy pewnego dnia, spacerując z przyjaciółmi, poczuł strach i podekscytowanie, które chciał namalować.
✰ ✰ ✰
13
Obraz, o którym zwykle mówi się jako o symbolu macierzyństwa, nie miał nim zostać. Mówi się, że model Whistlera, który miał zasiadać do obrazu, nie pojawił się, a zamiast tego postanowił namalować swoją matkę. Można powiedzieć, że ukazane jest tu smutne życie matki artysty. Nastrój ten zawdzięczamy ciemnym kolorom zastosowanym w tym obrazie.
✰ ✰ ✰
12
Picasso poznał Dorę Maar w Paryżu. Mówią, że intelektualnie była bliżej Picassa niż wszystkie jego poprzednie kochanki. Korzystając z kubizmu, Picasso był w stanie przekazać ruch w swoich pracach. Wydaje się, że twarz Maara zwraca się w prawo, w stronę twarzy Picassa. Artysta uczynił obecność kobiety niemal realną. Może chciał czuć, że ona tam była, zawsze.
✰ ✰ ✰
11
Van Gogh napisał „Gwiaździstą noc” podczas leczenia, podczas którego pozwolono mu malować tylko do czasu poprawy jego stanu. Na początku tego samego roku odciął sobie lewy płatek ucha. Wielu uważało artystę za szaleńca. Z całej kolekcji dzieł Van Gogha najsłynniejsza jest „Gwiaździsta noc”, być może ze względu na niezwykłe sferyczne światło wokół gwiazd.
✰ ✰ ✰
10
Na tym obrazie Manet odtworzył Wenus z Urbino Tycjana. Artysta miał złą reputację ze względu na przedstawianie prostytutek. Choć panowie w tamtym czasie dość często odwiedzali kurtyzany, nie przypuszczali, że komukolwiek przyjdzie do głowy ich malowanie. W tamtych czasach preferowano, aby artyści malowali obrazy o tematyce historycznej, mitycznej lub biblijnej. Jednak Manet, wbrew krytyce, pokazał widzom ich współczesność.
✰ ✰ ✰
9
Obraz ten jest płótnem historycznym przedstawiającym podbój Hiszpanii przez Napoleona.
Otrzymawszy zamówienie na obrazy przedstawiające walkę narodu hiszpańskiego z Napoleonem, artysta nie malował płócien heroicznych i żałosnych. Wybrał moment, w którym hiszpańscy rebelianci zostali zastrzeleni przez francuskich żołnierzy. Każdy z Hiszpanów przeżywa ten moment na swój sposób, niektórzy już się pogodzili, ale dla innych główna bitwa dopiero nadeszła. Wojna, krew i śmierć – to właśnie przedstawił Goya.
✰ ✰ ✰
8
Uważa się, że przedstawiona dziewczyna to najstarsza córka Vermeera, Mary. Jego cechy są obecne w wielu jego dziełach, ale trudno je porównywać. Książka o tym samym tytule została napisana przez Tracy Chevalier. Ale Tracy ma zupełnie inną wersję osoby przedstawionej na tym zdjęciu. Twierdzi, że podjęła ten temat, bo informacji o Vermeerze i jego obrazach jest bardzo mało, a ten konkretny obraz emanuje tajemniczą atmosferą. Później na podstawie jej powieści powstał film.
✰ ✰ ✰
7
Dokładny tytuł obrazu to „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Towarzystwo Strzeleckie było cywilną milicją powołaną do obrony miasta. Oprócz milicji Rembrandt dodał do kompozycji kilka dodatkowych osób. Biorąc pod uwagę, że malując ten obraz, kupił drogi dom, może być prawdą, że za „Nocną Straż” otrzymał ogromne wynagrodzenie.
✰ ✰ ✰
6
Choć obraz zawiera wizerunek samego Velázqueza, nie jest to autoportret. Główną bohaterką płótna jest infantka Małgorzata, córka króla Filipa IV. Przedstawia to moment, gdy Velázquez, pracując nad portretem króla i królowej, zmuszony jest zatrzymać się i spojrzeć na infantkę Małgorzatę, która właśnie weszła do pokoju ze swoim orszakiem. Obraz wygląda niemal jak żywy, wzbudzając ciekawość publiczności.
✰ ✰ ✰
5
Jest to jedyny obraz Bruegla namalowany techniką olejną, a nie temperą. W dalszym ciągu istnieją wątpliwości co do autentyczności obrazu, głównie z dwóch powodów. Po pierwsze, nie malował olejami, po drugie, najnowsze badania wykazały, że pod warstwą malarstwa kryje się kiepskiej jakości rysunek schematyczny, nie należący do Bruegla.
Obraz przedstawia historię Ikara i moment jego upadku. Według mitu pióra Ikara zostały przytwierdzone woskiem, a ponieważ Ikar wzniósł się bardzo blisko słońca, wosk stopił się i wpadł do wody. Krajobraz ten zainspirował W. H. Audena do napisania swojego najsłynniejszego wiersza na ten sam temat.
✰ ✰ ✰
4
Szkoła Ateńska to chyba najsłynniejszy fresk autorstwa włoskiego artysty renesansu, Rafaela.
Na tym fresku w Szkole Ateńskiej wszyscy wielcy matematycy, filozofowie i naukowcy zebrali się pod jednym dachem, dzieląc się swoimi teoriami i ucząc się od siebie nawzajem. Wszyscy bohaterowie żyli w różnych czasach, ale Rafael umieścił ich wszystkich w jednym pokoju. Niektóre z postaci to Arystoteles, Platon, Pitagoras i Ptolemeusz. Po bliższym przyjrzeniu się okazuje się, że na tym obrazie znajduje się także autoportret samego Rafaela. Każdy artysta chciałby pozostawić po sobie ślad, jedyną różnicą jest forma. Choć może uważał się za jedną z tych wielkich postaci?
✰ ✰ ✰
3
Michał Anioł nigdy nie uważał się za artystę, zawsze myślał o sobie bardziej jako o rzeźbiarzu. Udało mu się jednak stworzyć niesamowity, przepiękny fresk, którym zachwyca się cały świat. To arcydzieło znajduje się na suficie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie. Michał Anioł otrzymał zlecenie namalowania kilku historii biblijnych, z których jedna dotyczyła stworzenia Adama. Na tym zdjęciu wyraźnie widać rzeźbiarza Michała Anioła. Ludzkie ciało Adama jest renderowane z niesamowitą precyzją przy użyciu żywych kolorów i precyzyjnych form mięśni. Można się więc zgodzić z autorem, przecież jest on bardziej rzeźbiarzem.
✰ ✰ ✰
2„Mona Lisa”, Leonardo da Vinci
Choć jest to najczęściej badany obraz, Mona Lisa nadal pozostaje najbardziej tajemnicza. Leonardo powiedział, że nigdy nie przestał nad tym pracować. Dopiero jego śmierć, jak mówią, zakończyła pracę na płótnie. „Mona Lisa” to pierwszy włoski portret, na którym modelka jest przedstawiona od pasa w górę. Skóra Mony Lisy nabiera blasku dzięki zastosowaniu kilku warstw przezroczystych olejków. Jako naukowiec Leonardo da Vinci wykorzystał całą swoją wiedzę, aby uczynić obraz Mony Lisy realistycznym. Kto dokładnie jest przedstawiony na obrazie, wciąż pozostaje tajemnicą.
✰ ✰ ✰
1
Obraz przedstawia Wenus, boginię miłości, unoszącą się na muszli na wietrze niesionym przez Zefira, boga zachodniego wiatru. Na brzegu spotyka ją Ora, bogini pór roku, która jest gotowa ubrać nowonarodzone bóstwo. Za modelkę Wenus uważa się Simonettę Cattaneo de Vespucci. Simonetta Cattaneo zmarła w wieku 22 lat, a Botticelli chciał być pochowany obok niej. Był z nią związany nieodwzajemnioną miłością. Ten obraz jest najwspanialszym dziełem sztuki, jakie kiedykolwiek powstało.
✰ ✰ ✰
Wniosek
To był artykuł TOP 25 najsłynniejszych obrazów świata. Dziękuję za uwagę!
„Gracze w karty”
Autor
Paula Cezanne’a
Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm
Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale malować zaczął w Paryżu. Prawdziwy sukces przyszedł mu po osobistej wystawie zorganizowanej przez kolekcjonera Ambroise’a Vollarda. W 1886 roku, na 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na obrzeża rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wycieczki do niego „pielgrzymką do Aix”.
130x97cm
1895
cena
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji prywatnej
Twórczość Cezanne’a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie obiektu lub fabuły na płótno, dlatego jego obrazy nie wywołują u widza dezorientacji. Cezanne połączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowych tekstur nadawał kształtom obiektów niesamowitą plastyczność.
Cykl pięciu obrazów „Gracze w karty” powstał w latach 1890–1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób z zapałem gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.
Cztery obrazy znajdują się w muzeach Europy i Ameryki (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation i Courtauld Institute of Art), a piąty do niedawna był ozdobą prywatnej kolekcji greckiego armatora-miliardera Georg Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, zdecydował się wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowego” dzieła Cezanne’a byli handlarz dziełami sztuki William Acquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, którzy zaoferowali za nie około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz za 250 milionów trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Katar.W lutym 2012 roku sfinalizowano największą w historii malarstwa transakcję na dzieła sztuki. Dziennikarka Alexandra Pierce poinformowała o tym w Vanity Fair. Dowiedziała się o cenie obrazu i nazwisku nowego właściciela, po czym informacja przedostała się do mediów na całym świecie.
W 2010 roku w Katarze otwarto Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Katarskie Muzeum Narodowe. Teraz ich zbiory się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję Graczy w karty.
Najbardziejdrogie malowaniena świecie
Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani
Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne złoża ropy i gazu, co natychmiast uczyniło Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten mały kraj ma największy PKB na mieszkańca. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani objął władzę w 1995 r., gdy jego ojciec przebywał w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny. Zdaniem ekspertów zasługą obecnego władcy jest jasna strategia rozwoju kraju i kreowanie pomyślnego wizerunku państwa. Katar ma teraz konstytucję i premiera, a kobiety mają prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al-Dżazira. Władze państwa arabskiego przywiązują dużą wagę do kultury.
2
"Numer 5"
Autor
Jacksona Pollocka
Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
Jack the Sprinkler – taki przydomek nadano Pollockowi przez amerykańską publiczność ze względu na jego specjalną technikę malarską. Artysta porzucił pędzel i sztalugę, a podczas ciągłego ruchu wokół nich i wewnątrz nich rozlewał farbę na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej. Od najmłodszych lat interesował się filozofią Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.
122x244cm
1948
cena
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's
Wartość pracy Pollocka nie leży w wyniku, ale w procesie. Nieprzypadkowo autor nazwał swoją twórczość „malowaniem akcji”. Jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock zmieszał farbę z piaskiem i potłuczonym szkłem, a następnie pomalował kawałkiem kartonu, szpachelką, nożem i szufelką. Artysta cieszył się tak dużą popularnością, że w latach 50. XX wieku naśladowcy znaleźli się nawet w ZSRR. Obraz „Numer 5” uznawany jest za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, a w 2006 roku sprzedał na aukcji Sotheby's za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak wkrótce kancelaria prawnicza wydała w imieniu swojego klienta komunikat prasowy, w którym stwierdziła, że David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Jedno jest pewne: meksykański finansista rzeczywiście w ostatnim czasie kolekcjonował dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przeoczył tak „dużą rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.
3
„Kobieta III”
Autor
Willema de Kooninga
Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
Pochodzący z Holandii, w 1926 roku wyemigrował do Stanów Zjednoczonych. W 1948 roku odbyła się osobista wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe czarno-białe kompozycje, uznając ich autora za wielkiego artystę modernistycznego. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość tworzenia nowej sztuki wyczuwalna jest w każdym dziele. De Kooninga wyróżnia impulsywność malarstwa i szeroka kreska, dlatego czasami obraz nie mieści się w granicach płótna.
121x171cm
1953
cena
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej
W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiały się kobiety o pustych oczach, masywnych piersiach i brzydkich rysach twarzy. „Kobieta III” była ostatnią pracą z tego cyklu, która trafiła na aukcję.
Od lat 70. obraz przechowywany był w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, jednak po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych próbowano się go pozbyć. W 1994 roku dzieło zostało wywiezione z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stevenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Co ciekawe, w ciągu jednego roku Geffen zaczął wyprzedawać swoją kolekcję obrazów. Wywołało to wiele plotek: na przykład, że producent zdecydował się kupić gazetę Los Angeles Times.
Na jednym z forów artystycznych pojawiła się opinia o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu „Dama z gronostajem” Leonarda da Vinci. Za zębatym uśmiechem i bezkształtną postacią bohaterki koneser malarstwa dostrzegł wdzięk osoby królewskiej krwi. Świadczy o tym także źle narysowana korona wieńcząca głowę kobiety.
4
„Portret AdeliBloch-Bauer I”
Autor
Gustava Klimta
Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny
Gustav Klimt urodził się w rodzinie rytownika i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami, ale dopiero Gustav zasłynął na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca przejął odpowiedzialność za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Każdy widz zatrzymuje się przed jego obrazami: szczery erotyzm jest wyraźnie widoczny pod cienkimi pociągnięciami złota.
138x136cm
1907
cena
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's
Losy obrazu, zwanego „austriacką Moną Lisą”, z łatwością mogłyby stać się podstawą bestsellera. Twórczość artystki wywołała konflikt pomiędzy całym państwem a jedną starszą panią.
Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnim życzeniem było przekazanie obrazu Austriackiej Galerii Państwowej. Bloch jednak w testamencie anulował darowiznę, a obraz został wywłaszczony przez hitlerowców. Później galeria z trudem kupiła Złotą Adele, ale potem pojawiła się dziedziczka - Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.
W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Marii Altmann przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego film „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe kroki: przeprowadzono negocjacje w sprawie pożyczek, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie pokonało zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W chwili postępowania miała 79 lat, a do historii zapisała się jako osoba, która zmieniła testament Blocha-Bauera na korzyść osobistych interesów. Obraz kupił Ronald Lauder, właściciel New Gallery w Nowym Jorku, gdzie znajduje się do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.
5
"Krzyk"
Autor
Edvard Munch
Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm
Pierwszy obraz Muncha, który zasłynął na całym świecie, „Chora dziewczyna” (jest pięć kopii) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo depresyjnej tematyki jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weźmy na przykład „Krzyk”.
73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 mln dolarów
sprzedane w 2012
na aukcji Sotheby's
Pełny tytuł obrazu to Der Schrei der Natur (w tłumaczeniu z języka niemieckiego „krzyk natury”). Twarz człowieka lub kosmity wyraża rozpacz i panikę – te same emocje, których doświadcza widz patrząc na zdjęcie. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które stały się ostre w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.
Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Nieznacznie uszkodzony po kradzieży Krzyk został odrestaurowany i ponownie gotowy do wystawienia w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury dzieło stało się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię jego drukowanych kopii, a maska z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.
Munch napisał cztery wersje pracy na jeden temat: ta znajdująca się w kolekcji prywatnej wykonana jest pastelami. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcję 2 maja 2012 r. Kupującym został Leon Black, który za „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. i Lion Advisors, L.P. znany z zamiłowania do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Lincoln Art Center i Metropolitan Museum of Art. Posiada największą kolekcję obrazów artystów współczesnych i mistrzów klasycyzmu minionych wieków.
6
„Akt na tle popiersia i zielonych liści”
Autor
Pablo Picasso
Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm
Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania jest prawdziwym Francuzem. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie udał się do Paryża i spędził tam większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku występuje podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu poglądowi, że przedmiot przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.
130x162cm
1932
cena
106,482 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie
Podczas swojej pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlovą, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu i przeprowadził się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu bohater znalazł uznanie, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najdroższych obrazów świata powstał niemal przez przypadek – z wielkiej miłości, która jak zawsze u Picassa była krótkotrwała. W 1927 roku zainteresował się młodą Marią Teresą Walter (ona miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał z kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obrazie Dafne. Płótno zakupił nowojorski handlarz Paul Rosenberg, który w 1951 roku sprzedał je Sidneyowi F. Brody'emu. Brodyowie pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta kończył 80 lat. Po śmierci męża pani Brody w marcu 2010 roku wystawiła dzieło na aukcję w Christie’s. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie wystawiono ją po raz drugi, lecz nazwisko właściciela nadal nie jest znane.
7
„Osiem Elvisów”
Autor
Andy’ego Warhole’a
Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art
„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których trzeba pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta pop-artu, reżyser, jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla firmy I.Miller. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella i Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.
358x208cm
1963
cena
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji prywatnej
Lata 60. Warhola to nazwa nadana epoce pop-artu w Ameryce. W 1962 roku pracował na Manhattanie w studiu Factory, gdzie gromadziła się cała bohema Nowego Jorku. Jego wybitni przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości na świecie. W tym samym czasie Warhol testował technikę sitodruku – wielokrotne powtarzanie jednego obrazu. Tę metodę zastosował także podczas tworzenia „Ośmiu Elvisów”: widz ma wrażenie, że widzi materiał z filmu, w którym gwiazda ożywa. Jest tu wszystko, co artysta tak bardzo kochał: wizerunek publiczny, w którym wygrywają obie strony, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główne przesłanie.
Dziś na rynku światowym działa dwóch handlarzy dziełami sztuki promujących twórczość Warhola: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Ten pierwszy wydał w 2008 roku 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tyle że za wyższą cenę. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant ds. sztuki Philippe Segalot pomógł rzymskiemu koneserowi sztuki Annibale Berlinghieri sprzedać „Osiem Elvisów” nieznanemu nabywcy za rekordową dla Warhola kwotę – 100 milionów dolarów.
8
"Pomarańczowy,Czerwony żółty"
Autor
Marek Rothko
Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dvinsku w Rosji (obecnie Dyneburg na Łotwie) w dużej rodzinie żydowskiego farmaceuty. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale artystycznym Uniwersytetu Yale i zdobył stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki byli idolami artysty, a muzea prześladowały go przez całe życie.
206x236cm
1961
cena
86,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Christie
Pierwsze eksperymenty artystyczne Rothki miały charakter surrealistyczny, jednak z czasem uprościł fabułę do barwienia plam, pozbawiając je wszelkiej obiektywności. Początkowo miały jasne odcienie, w latach 60. XX wieku stały się brązowo-fioletowe, by po śmierci artysty zgęstnieć i przejść w czerń. Mark Rothko przestrzegał przed doszukiwaniem się w swoich obrazach jakiegokolwiek sensu. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor rozpuszczający się w powietrzu i nic więcej. Zalecał oglądanie prac z odległości 45 cm, aby widz „wciągnął się” w kolor niczym w lejek. Bądź ostrożny: patrzenie według wszystkich zasad może doprowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowej świadomości nieskończoności, całkowitego zanurzenia się w sobie, relaksu i oczyszczenia. Kolor na jego obrazach żyje, oddycha i ma silny wpływ emocjonalny (mówią, czasem uzdrawiający). Artystka deklarowała: „Widz powinien płakać, patrząc na nie” – i takie przypadki rzeczywiście miały miejsce. Według teorii Rothki ludzie w tym momencie przeżywają to samo duchowe przeżycie, jakie on przeżył podczas pracy nad obrazem. Jeśli potrafiłeś to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, nie zdziwisz się, że te dzieła sztuki abstrakcyjnej często porównywane są przez krytyków do ikon.
Praca „Orange, Red, Yellow” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowa cena na aukcji Christie’s w Nowym Jorku wynosi 35–45 mln dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwukrotnie wyższą od szacunkowej. Imię szczęśliwego właściciela obrazu, jak to często bywa, nie zostaje ujawnione.
9
"Tryptyk"
Autor
Franciszka Bacona
Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm
Przygody Francisa Bacona, zupełnego imiennika, a jednocześnie dalekiego potomka wielkiego filozofa, rozpoczęły się, gdy jego ojciec się go wyparł, nie mogąc zaakceptować homoseksualnych skłonności syna. Bacon udał się najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego tropy pomieszały się w całej Europie. Za jego życia jego prace wystawiane były w czołowych ośrodkach kulturalnych świata, m.in. w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.
147,5x198 cm (każdy)
1976
cena
86,2 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's
Prestiżowe muzea starały się posiadać obrazy Bacona, ale prymitywnej angielskiej publiczności nie spieszyło się z kupowaniem takich dzieł sztuki. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.
Za okres początkowy swojej twórczości sam artysta uważał okres powojenny. Wracając ze służby, ponownie zajął się malarstwem i stworzył wielkie arcydzieła. Przed powstaniem „Tryptyku, 1976” najdroższym dziełem Bacona było „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W „Tryptyku 1976” artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez Furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a Furie są jego udręką. Przez ponad 30 lat obraz znajdował się w kolekcji prywatnej i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale czym jest kilka milionów dla konesera sztuki, i to hojnego? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90. XX wieku, na co znaczący wpływ miała jego przyjaciółka Dasza Żukowa, która stała się modną właścicielką galerii we współczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych biznesmen osobiście jest właścicielem dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, zakupionych za kwoty przekraczające 100 milionów dolarów. W 2008 roku stał się właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku zakupiono kolejne cenne dzieło Bacona – „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że kupującym ponownie został Roman Arkadjewicz.
10
„Staw z liliami wodnymi”
Autor
Claude Monet
Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm
Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę w swoich płótnach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Obiad na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury, a prawdziwym malarstwem zajął się podczas podróży wzdłuż wybrzeża i w plenerze. W Paryżu prowadził bohemy i nie opuścił go nawet po odbyciu służby wojskowej.
210x100cm
1919
cena
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie
Oprócz tego, że Monet był wielkim artystą, był także zapalonym ogrodnikiem i uwielbiał przyrodę i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, obiekty zdają się być rozmyte przez ruch powietrza. Wrażenie potęgują duże kreski, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W obrazach zmarłego Moneta temat wody i życia w niej zajmuje szczególne miejsce. W miejscowości Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne z nasion specjalnie przywiezionych z Japonii. Kiedy zakwitły ich kwiaty, zaczął rysować. Cykl „Lilie wodne” składa się z 60 prac, które artysta malował na przestrzeni prawie 30 lat, aż do swojej śmierci. Z wiekiem wzrok mu się pogorszył, ale nie przestał. W zależności od wiatru, pory roku i pogody wygląd stawu stale się zmieniał, a Monet chciał te zmiany uchwycić. Dzięki uważnej pracy doszedł do zrozumienia istoty natury. Część obrazów z tej serii znajduje się w czołowych galeriach świata: Narodowym Muzeum Sztuki Zachodniej (Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.
11
Fałszywa Gwiazda T
Autor
Jaspera Johnsa
Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art
W 1949 roku Jones rozpoczął naukę w szkole projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi uznawany jest za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Prezydencki Medal Wolności, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.
137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej
Podobnie jak Marcel Duchamp Jones pracował z realnymi obiektami, przedstawiając je na płótnie i w rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Do swoich prac wykorzystywał proste i zrozumiałe przedmioty: butelkę po piwie, flagę czy kartki. W filmie Falstart nie ma jasnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „błędnie” etykietując kolory na obrazie, odwracając samo pojęcie koloru: „Chciałem znaleźć taki sposób przedstawienia koloru, aby można go było określić inną metodą”. Według krytyków jego najbardziej wybuchowy i „niepewny” obraz kupił nieznany nabywca.
12
„Siedzinagina kanapie"
Autor
Amedeo Modiglianiego
Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm
Modigliani od dzieciństwa często chorował, w czasie gorączkowego delirium rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysta. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, a w 1906 wyjechał do Paryża, gdzie jego sztuka rozkwitła.
65x100cm
1917
cena
68,962 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Sotheby's
W 1917 roku Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a następnie żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, co było ostatnim rekordem przed sprzedażą „Aktu siedzącego na sofie” w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego nabywcę za maksymalną aktualnie cenę Modiglianiego. Aktywna sprzedaż dzieł rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w biedzie, chory na gruźlicę, a następnego dnia Jeanne Hebuterne, będąca w dziewiątym miesiącu ciąży, również popełniła samobójstwo.
13
„Orzeł na sośnie”
Autor
Qi Baishi
Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl Guohua
Zainteresowanie kaligrafią doprowadziło Qi Baishi do malarstwa. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuana. Chińskie Ministerstwo Kultury nadało mu tytuł „Wielkiego Artysty Narodu Chińskiego”, a w 1956 roku otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.
10x26cm
1946
cena
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Strażnik Chin
Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi, i na tym polega jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do waszego kraju, bo w Chinach jest Qi Baishi”. Kompozycja „Orzeł na sośnie” uznawana jest za największe dzieło artysty. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglificzne. Dla Chin kwota, za jaką zakupiono dzieło, jest rekordowa – 425,5 mln juanów. Sam zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.
14
„1949-A-nr 1”
Autor
Clyfforda Stilla
Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm
W wieku 20 lat odwiedziłem Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i byłem rozczarowany. Później zapisał się na kurs w Studenckiej Lidze Artystycznej, ale wyszedł 45 minut po rozpoczęciu zajęć - okazało się, że „nie dla niego”. Pierwsza osobista wystawa wywołała rezonans, artysta odnalazł siebie, a wraz z nim uznanie
79x93cm
1949
cena
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's
Still zapisał wszystkie swoje dzieła, ponad 800 płócien i 1600 prac na papierze, amerykańskiemu miastu, gdzie zostanie otwarte muzeum nazwane jego imieniem. Denver stało się takim miastem, jednak sama budowa była dla władz kosztowna, a aby ją ukończyć, wystawiono na aukcję cztery prace. Prace Stilla raczej nie trafią ponownie na aukcję, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-Nr 1” został sprzedany za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż za maksymalnie 25–35 mln dolarów.
15
„Kompozycja suprematystyczna”
Autor
Kazimierz Malewicz
Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl Suprematyzm
Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 roku zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (od łac. „dominacja”).
71x88,5cm
1916
cena
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's
Obraz przechowywany był w Muzeum Miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, jednak po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował to dzieło w tym samym roku, w którym powstał „Manifest suprematyzmu”, dlatego Sotheby’s jeszcze przed aukcją zapowiadał, że nie trafi ono do prywatnej kolekcji za mniej niż 60 milionów dolarów. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli z Muzeum MoMA kolejną „Kompozycję suprematystyczną”, aby sprzedać ją na aukcji Phillipsa za 17 milionów dolarów.
16
„kąpiący się”
Autor
Paul Gauguin
Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm
Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, następnie wraz z rodziną wrócił do Francji, jednak wspomnienia z dzieciństwa nieustannie popychały go do podróży. We Francji zaczął malować i zaprzyjaźnił się z Van Goghiem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, aż w czasie kłótni Van Gogh odciął mu ucho.
93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Sotheby's
W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby dochód wykorzystać na podróż w głąb wyspy Tahiti. Tworzył tam dzieła, w których wyczuwalny jest subtelny związek natury z człowiekiem. Gauguin mieszkał w chatce krytej strzechą, a na jego płótnach rozkwitał tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitianka Tehura, co nie przeszkodziło artyście wdawać się w rozwiązłe związki. Zachorując na kiłę wyjechał do Francji. Jednak dla Gauguina było tam tłoczno i wrócił na Tahiti. Okres ten nazywany jest „drugim Tahitianem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.
17
"Żonkile i obrusy w odcieniach błękitu i różu"
Autor
Henryk Matisse
Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fowizm
W 1889 roku Henri Matisse dostał ataku zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy wracał do zdrowia po operacji, mama kupiła mu farby. Początkowo Matisse z nudów kopiował kolorowe pocztówki, potem kopiował dzieła wielkich malarzy, które widział w Luwrze, aż na początku XX wieku wymyślił styl – fowizm.
65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009
na aukcji Christie
Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas był własnością Yvesa Saint Laurenta. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja dzieł sztuki przeszła w ręce jego przyjaciela i kochanka Pierre’a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie’s. Perłą sprzedanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w odcieniach błękitu i różu”, namalowany na zwykłym obrusie zamiast na płótnie. Jako przykład fowizmu, jest on wypełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze słynnego cyklu obrazów malowanych na obrusach, dzieło to, jako jedyne, znajduje się dziś w zbiorach prywatnych.
18
„Śpiąca dziewczyna”
Autor
RoyZawietrzny
htensteina
Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art
Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 roku Lichtenstein uzyskał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność posługiwania się ironią uczyniły go artystą kultowym ubiegłego wieku.
91x91cm
1964
cena
44,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's
Któregoś dnia w ręce Lichtensteina wpadła guma do żucia. Przeniósł obraz z wkładki na płótno i zasłynął. W tej historii z jego biografii zawarte jest całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, a w opakowaniu po gumie do żucia jest nie mniej piękna niż w Mona Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i karykatury: Lichtenstein po prostu powiększył gotowy obraz, narysował rastry, zastosował sitodruk i sitodruk. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gershów, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.
19
"Zwycięstwo. Boogie Woogie"
Autor
Pieta Mondriana
Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm
Po przeprowadzce do Paryża w 1912 roku artysta zmienił swoje prawdziwe nazwisko, Cornelis, na Mondrian. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet nosi imię Mondriana.
27x127cm
1944
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998
na aukcji Sotheby's
Najbardziej „muzyczni” artyści XX wieku utrzymywali się z akwarelowych martwych natur, choć zasłynął jako artysta nowotworowy. W latach czterdziestych XX wieku przeniósł się do Stanów Zjednoczonych i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork zainspirowały go najbardziej! Obraz „Zwycięstwo. Boogie-Woogie” jest tego najlepszym przykładem. Charakterystyczne, schludne kwadraty uzyskano za pomocą taśmy samoprzylepnej, ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wypuścił słynne na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużymi nadrukami w kratkę.
20
„Kompozycja nr 5”
Autor
BazyliaKandinsky'ego
Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda
Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z rządem sowieckim, ale szybko zdał sobie sprawę, że prawa proletariatu nie są dla niego stworzone i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.
275x190cm
1911
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007
na aukcji Sotheby's
Kandinsky jako jeden z pierwszych całkowicie porzucił malarstwo przedmiotowe, za co otrzymał tytuł geniusza. W czasach nazizmu w Niemczech jego obrazy uznano za „sztukę zdegenerowaną” i nie były nigdzie wystawiane. W 1939 roku Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, a w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwsza powstała w 1910 r., ostatnia w 1939 r.). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” zabrzmiało dla mnie jak modlitwa” – stwierdził artysta. W przeciwieństwie do wielu swoich naśladowców, planował to, co przedstawi na ogromnym płótnie, jakby pisał notatki.
21
„Studium kobiety w błękicie”
Autor
Fernand Léger
Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm
Léger zdobył wykształcenie architektoniczne, a następnie uczęszczał do Ecole des Beaux-Arts w Paryżu. Artysta uważał się za zwolennika Cezanne’a, był apologetą kubizmu, a w XX wieku odnosił sukcesy także jako rzeźbiarz.
96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's
David Norman, prezes międzynarodowego działu impresjonizmu i modernizmu w Sotheby's, uważa ogromną kwotę zapłaconą za „Błękitną Damę” za w pełni uzasadnioną. Obraz należy do słynnej kolekcji Légera (artysta namalował trzy obrazy o tej samej tematyce, ostatni z nich znajduje się dziś w rękach prywatnych – przyp. red.), a powierzchnia płótna zachowała się w pierwotnej formie. Sam autor przekazał to dzieło galerii Der Sturm, następnie trafiło ono do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.
22
„Scena uliczna. Berlin"
Autor
Ernsta LudwigaKirchnera
Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm
Dla niemieckiego ekspresjonizmu Kirchner stał się postacią ikoniczną. Władze lokalne zarzucały mu jednak uprawianie „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który w 1938 roku popełnił samobójstwo.
95x121cm
1913
cena
38,096 mln dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie
Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Inspiracją dla niego był zgiełk i nerwowość wielkiego miasta. Na obrazie sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku szczególnie dotkliwie odczuwa się niepokój artysty: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki – pełne wdzięku i niebezpieczne. Było to ostatnie dzieło ze słynnej serii sprzedane na aukcji, pozostałe znajdują się w muzeach. W 1937 roku hitlerowcy surowo potraktowali Kirchnera: 639 jego dzieł wywieziono z niemieckich galerii, zniszczono lub sprzedano za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.
23
"Urlopowicz"tancerz"
Autor
Edgara Degasa
Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm
Historia Degasa jako artysty rozpoczęła się od pracy kopisty w Luwrze. Marzył o zostaniu „sławnym i nieznanym” i w końcu mu się to udało. Pod koniec życia, głuchy i niewidomy, 80-letni Degas nadal uczęszczał na wystawy i aukcje.
64x59cm
1879
cena
37,043 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's
„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedziała Degas. Sceny z życia tancerzy wydają się być szpiegowane: dziewczyny nie pozują artyście, a po prostu stają się częścią atmosfery wychwytywanej przez wzrok Degasa. „Resting Dancer” został sprzedany w 1999 roku za 28 milionów dolarów, a niecałe 10 lat później został kupiony za 37 milionów dolarów – dziś jest to najdroższa praca artysty, jaką kiedykolwiek wystawiono na aukcji. Degas przywiązywał dużą wagę do ram, sam je projektował i zabraniał ich zmiany. Zastanawiam się, jaka rama jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?
24
"Obraz"
Autor
Joanna Miro
Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl Sztuka abstrakcyjna
Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta opowiedział się po stronie republikanów. W 1937 roku uciekł przed faszystowskim reżimem do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro namalował obraz „Pomóż Hiszpanii!”, zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.
89x115cm
1927
cena
36,824 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's
Drugi tytuł obrazu to „Błękitna Gwiazda”. Artysta namalował go w tym samym roku, kiedy oznajmił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie naśmiewał się z płócien, drapiąc farbę gwoździami, przyklejając pióra do płótna, zasypując prace śmieciami. Jego celem było obalenie mitów na temat tajemnicy malarstwa, jednak poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit – surrealistyczną abstrakcję. Jego „Obraz” należy do cyklu „obrazów snów”. Na aukcji walczyło o niego czterech nabywców, jednak jedna rozmowa telefoniczna incognito rozstrzygnęła spór, a „Malarstwo” stało się najdroższym obrazem artysty.
25
"Niebieska róża"
Autor
Yvesa Kleina
Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malarstwo monochromatyczne
Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło złotnika, buddyzm zen i wiele innych. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.
153x199x16cm
1960
cena
36,779 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie’s
Pierwsza wystawa monochromatycznych prac w kolorze żółtym, pomarańczowym i różowym nie wzbudziła zainteresowania publiczności. Klein poczuł się urażony i następnym razem pokazał 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Nawet opatentował tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „międzynarodowy błękit Kleina”. Artysta sprzedawał także pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na działanie deszczu, podpalając karton, wykonując odbitki ciała człowieka na płótnie. Jednym słowem eksperymentowałem jak mogłem. Do stworzenia „Niebieskiej Róży” użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyczków i naturalnej gąbki.
26
„W poszukiwaniu Mojżesza”
Autor
Sir Lawrence'a Alma-Tadema
Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm
Sam Sir Lawrence dodał do swojego nazwiska przedrostek „alma”, aby móc pojawiać się na pierwszych miejscach w katalogach dzieł sztuki. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy cieszyły się takim zainteresowaniem, że artysta otrzymał tytuł szlachecki.
213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 mln dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's
Głównym tematem twórczości Alma-Tadema była starożytność. W swoich obrazach starał się w najdrobniejszych szczegółach przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu przeprowadził nawet wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenińskim, a w swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrza tamtych lat. Kolejnym źródłem inspiracji stały się dla niego tematy mitologiczne. Artysta za życia był niezwykle poszukiwany, jednak po śmierci szybko o nim zapomniano. Obecnie zainteresowanie odżywa, o czym świadczy cena obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, która jest siedmiokrotnie wyższa od szacunkowej przedsprzedaży.
27
„Portret śpiącego nagiego urzędnika”
Autor
Lucjan Freud
Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne
Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po ustanowieniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection Museum w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.
219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie
Podczas gdy modni artyści XX wieku tworzyli pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedawali je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je za jeszcze więcej. „Uchwytuję płacz duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że wszystko to jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane i sprzedawały się z sukcesem, że eksperci zaczęli wątpić: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret nagiego śpiącego urzędnika” – jak podaje „The Sun” – kupił koneser piękna i miliarder Roman Abramowicz.
28
„Skrzypce i gitara”
Autor
Xjeden Gris
Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm
Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył Szkołę Sztuki i Rzemiosła. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł do kręgu najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Légera, a także współpracował z Siergiejem Diagilewem i jego trupą.
5x100cm
1913
cena
28,642 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie
Gris, jak sam stwierdził, zajmował się „płaską, kolorową architekturą”. Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie pozostawił ani jednej przypadkowej kreski, co upodabnia twórczość do geometrii. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem Pabla Picassa, ojca założyciela tego ruchu. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze dzieło w stylu kubistycznym „Tribute to Picasso”. Obraz „Skrzypce i gitara” uznawany jest za wybitny w twórczości artysty. Już za życia Gris był sławny i lubiany przez krytyków i krytyków sztuki. Jego prace znajdują się w największych muzeach świata i znajdują się w kolekcjach prywatnych.
29
"PortretPola Eluarda”
Autor
Salvador Dali
Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm
„Surrealizm to ja” – powiedział Dali, gdy został wydalony z grupy surrealistów. Z biegiem czasu stał się najsłynniejszym artystą surrealistycznym. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. To on na przykład był pomysłodawcą opakowania Chupa Chups.
25x33cm
1929
cena
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's
W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali z wizytą do wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Podczas tej historycznej wizyty namalowano obraz „Portret Paula Eluarda”. „Poczułem, że powierzono mi obowiązek uwiecznienia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony myślą o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał aż do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.
30
"Rocznica"
Autor
Marka Chagalla
Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda
Moishe Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 roku wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych swojej epoki. W latach 30. XX w., podczas przejęcia władzy przez nazistów, z pomocą amerykańskiego konsula wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji powrócił dopiero w 1948 r.
80x103cm
1923
cena
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990 r
na aukcji Sotheby’s
Obraz „Rocznica” uznawany jest za jedno z najlepszych dzieł artysty. Zawiera wszystkie cechy jego twórczości: fizyczne prawa świata zostają wymazane, w scenerii mieszczańskiego życia zostaje zachowany klimat baśni, a miłość jest w centrum fabuły. Chagall nie czerpał ludzi z życia, a jedynie z pamięci lub wyobraźni. Obraz „Rocznica” przedstawia samego artystę i jego żonę Belę. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, w nowojorskim Museum of Modern Art MoMA znajduje się dokładnie taki sam egzemplarz, tyle że pod nazwą „Urodziny”. Nawiasem mówiąc, zostało napisane wcześniej - w 1915 roku.
przygotował projekt
Tatiana Palasowa
ocena została opracowana
według listy www.art-spb.ru
magazyn tmn nr 13
(maj-czerwiec 2013)
„Mona Lisa”. Leonardo da Vinci 1503–1506
Jeden z najbardziej rozpoznawalnych i znanych obrazów na świecie, jego pełna nazwa to Portret Madame Lisy del Giocondo. Portret przedstawia Włoszkę Lisę del Giocondo, przedstawicielkę klasy średniej renesansu, matkę sześciorga dzieci. Modelka ma wygolone brwi i zarost na czubku czoła, co odpowiada modzie Quattrocento. Leonardo da Vinci uważał ten portret za jedno ze swoich ulubionych dzieł, często opisywał go w swoich notatkach i niewątpliwie uważał za swoje najlepsze dzieło. Obraz ten słusznie znajduje się na szczycie listy najpopularniejszych obrazów na świecie.
„Narodziny Wenus” Sandro Botticelli 1482-1486
Doskonała ilustracja mitu o narodzinach Afrodyty. Naga Wenus zmierza ku ziemi w skorupie, prowadzona przez zachodni wiatr Zefir, wiatr zmieszany z kwiatami - symbolizuje to wiosnę i piękno. Na brzegu Afrodytę spotyka jedna z bogiń piękna. Po stworzeniu tego obrazu artysta Botticelli zyskał światowe uznanie, pomógł mu w tym jego niepowtarzalny styl pisania, wyróżniał się na tle współczesnych płynnymi rytmami, z których nikt poza nim nie korzystał.
„Stworzenie Adama”. Michał Anioł 1511
Umieszczone na suficie Kaplicy Sykstyńskiej, czwarte z dziewięciu dzieł z serii. Michał Anioł wyjaśnił nierealność symbiozy nieba i człowieka, zdaniem artysty obraz Boga zawiera nie fenomenalną niebiańską moc, ale twórczą energię, którą można przekazywać bez dotyku.
„Poranek w sosnowym lesie”. Iwan Szyszkin, Konstantin Sawicki 1889
„Dziewczyna na piłce”. Pablo Picasso 1905
Obraz kontrastów. Przedstawia postój wędrownego cyrku na spalonej pustyni. Główni bohaterowie również są bardzo kontrastowi: na sześcianie siedzi silny, smutny, monolityczny mężczyzna. W tym czasie obok niego, na piłce, balansuje krucha i uśmiechnięta dziewczyna.
„Ostatni dzień Pompejów”. Karol Bryulłow 1833
Podczas wizyty w Pompejach w 1828 roku Bryulov wykonał wiele szkiców i szkiców, wiedział już, jak będzie wyglądać finalne dzieło. Obraz był prezentowany w Rzymie, ale potem został przeniesiony do Luwru, gdzie wielu krytyków i historyków sztuki podziwiało talent Karla.Po tym dziele przyszła do niego światowa klasyka, ale niestety większość ludzi kojarzy jego twórczość tylko z tym obrazem.
Jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów
„Noc gwiazd”. Vincenta van Gogha 1889
Ikoniczny obraz holenderskiego artysty, który namalował na podstawie swoich wspomnień (co nie jest typowe dla Van Gogha), ponieważ przebywał wówczas w szpitalu. Przecież kiedy ataki wściekłości minęły, był całkiem w porządku i potrafił rysować. Aby to zrobić, jego brat Theo zgodził się z lekarzami i pozwolili mu pracować z farbami na oddziale. Dlaczego Van Gogh odciął sobie ucho? Przeczytaj w moim artykule.
„Dziewiąta fala” Iwan Aiwazowski 1850
Jeden z najsłynniejszych obrazów o tematyce morskiej (przystań). Aiwazowski pochodził z Krymu, więc nietrudno wytłumaczyć jego miłość do wody i morza. Dziewiąta Fala to artystyczny obraz nieuniknionego niebezpieczeństwa i napięcia, można by rzec: ciszy przed burzą.
„Dziewczyna z perłą”. Jana Vermeera 1665
Kultowa scena holenderskiego artysty, zwana także holenderską Mona Lisą. Praca ta nie jest wyłącznie portretem, lecz należy raczej do gatunku „troni”, w którym nacisk położony jest nie na portret osoby, ale na jej głowę. Dziewczyna z perłą jest popularna we współczesnej kulturze i nakręcono o niej kilka filmów.
"Wrażenie. Wschodzące słońce” Claude’a Moneta, 1872
Malarstwo, które dało początek gatunkowi „impresjonizmu”. Popularny dziennikarz Louis Leroy po wizycie na wystawie z tym dziełem zmiażdżył Claude’a Moneta, napisał: „Tapeta wisząca na ścianie wygląda na bardziej wykończoną niż to „Impresja”. Uważany jest za kanonicznego przedstawiciela gatunku, popularniejszy od wielu innych obrazów wielkich artystów.
Posłowie i mała prośba
Jeśli ten materiał okazał się dla Ciebie przydatny i przypadł Ci do gustu, powiedz o tym znajomym na tej stronie! To znacznie pomoże w rozwoju witryny i zachwyci Cię nowymi materiałami! Jeśli chcesz zamówić kopię popularnego obrazu, odwiedź stronę Jak kupić obraz. Często zdarza się, że dana osoba początkowo interesuje się popularnymi obrazami, a potem chce mieć kopię arcydzieła na swojej ścianie.
Wiele osób zainteresowanych malarstwem jest zmuszonych porzucić tę działalność, gdyż nie jest łatwo przebić się wśród ludzi i zostać sławnym i poszukiwanym artystą. A jednak niektórym się to udało. Dowiedz się, którzy artyści są najbardziej znani.
Najbardziej znani artyści
A więc 10 najsłynniejszych artystów na świecie:
Zacząłem rysować przez przypadek i daleko od dzieciństwa. W wieku 20 lat Henri przeszedł operację usunięcia guza, a matka kupiła mu farby i papier. Matisse najpierw kopiował kolorowe pocztówki, a potem tak zainteresował się rysunkiem, że zdecydował się nawet zostać zawodowym artystą.
Pomimo protestów ojca Henri rozpoczął naukę malarstwa. Styl malarstwa Matisse'a był bardzo nietypowy i przypominał impresjonizm. Początkowo Henri kopiował dzieła zagranicznych mistrzów, a następnie zaczął tworzyć własne arcydzieła. Najbardziej znane dzieła Henriego Matisse'a to „Taniec paryski”, „Radość życia”, „Rozmowa”, „Portret rodzinny”, „Czerwony pokój”.
Nawiasem mówiąc, Matisse otworzył nawet własną szkołę malarstwa. Dziś jego obrazy znajdują się w najlepszych muzeach i znajdują się w zbiorach najbogatszych ludzi.
Był trudnym nastolatkiem i na lekcjach w szkole zamiast odrabiać zadania malował okładki swoich zeszytów zabawnymi portretami kolegów i nauczycieli. Wkrótce wiele osób dowiedziało się o talencie Claude'a, a on stał się bardzo znanym rysownikiem w swoim mieście, a później zaczął brać pieniądze za swoją pracę. Ale potem Monet spotkał doświadczonego artystę krajobrazu, który zaczął go uczyć.
I dopiero wtedy Claude zakochał się w naturze i nauczył się ją czuć. Facet wyraził swoje emocje rysunkami, które później stały się tak popularne, że dziś znajdują się w najlepszych kolekcjach obrazów. Najsłynniejsze dzieła: „Zachód słońca nad morzem”, „Słoneczniki”, „Tulipany holenderskie”, „Nad morzem”, „Droga w lesie”, „Martwa natura z mięsem”.
Dziś wszyscy znają jego nazwisko, a także jego najlepsze dzieła, do których należą „Dziewczyna na balu”, „Życie”, „Kąpiący się”, „Les Demoiselles d’Avignon” i wiele innych. A jego obraz „Akt, zielone liście i popiersie” stał się najdroższym obrazem, jaki kiedykolwiek sprzedano.
Picasso był utalentowanym artystą, grafikiem, projektantem, ceramikiem, a także dekoratorem i rzeźbiarzem. Jest twórcą kubizmu. Poza tym Picasso wniósł ogromny wkład w rozwój sztuki ubiegłego stulecia, bez tego człowieka zapewne nie byłoby już tak samo.
W sumie Pablo wykonał w swoim życiu około 20 tysięcy dzieł, z których każde było wyjątkowe i niepowtarzalne. Picasso zaczął rysować od najmłodszych lat, a pierwsze lekcje malarstwa pobierał u swojego ojca, który był nauczycielem plastyki (później piastował to stanowisko sam Pablo). A młody Picasso czerpał inspirację z baśni, które jego matka sama wymyślała i opowiadała synowi nocami.
4. Wincenty Van Gogh to holenderski artysta postimpresjonistyczny, który stworzył wiele niesamowitych i niezwykłych dzieł. Vincent był trudnym nastolatkiem, ale osobom z zewnątrz wydawał się rozważny i poważny. Van Gogh zaczął rysować później, kiedy rozpoczął pracę w firmie artystycznej i handlowej.
Vincent codziennie miał kontakt z dziełami sztuki, dzięki czemu nauczył się je doceniać. Po nieudanym romansie sprawy młodego handlarza Van Gogha zaczęły się pogarszać i w pewnym momencie postanowił spróbować swoich sił w malarstwie. Ale mimo to Vincent musiał zarabiać na życie, chociaż nie lubił tej pracy. Po kilku niepowodzeniach Van Gogh postanowił całkowicie poświęcić się malarstwu i dał światu wiele arcydzieł.
- artysta pochodzenia ormiańskiego (jego prawdziwe nazwisko to Hovhannes). Od dzieciństwa Iwan wykazywał zdolności twórcze, nawet nauczył się grać na skrzypcach. Aivazovsky również pięknie rysował i stale rozwijał swoje umiejętności.
Iwan szczególnie cenił i ubóstwiał morze, dlatego w jego pracach dominują przepiękne pejzaże morskie, przedstawiające burze, wraki statków, fale i głębiny. Najbardziej znane obrazy artysty to „Dziewiąta fala”, „Wenecja”, „Chaos”, „Tonący statek”, „Góry lodowe”, „Fala”, „Morze Czarne”.
- artysta, który był praktycznie odkrywcą piękna rosyjskiej przyrody. Kochał wszystko: drzewa, każde źdźbło trawy, niebo, krople rosy, kwiaty. I tę jego miłość widać wyraźnie na obrazach, z których każdy jest prawdziwym arcydziełem.
Jego krajobrazy udowodniły wszystkim, że Rosja nie jest szarym, nudnym krajem, jak wcześniej sądzono, ale niezwykle pięknym miejscem. Oto niektóre z najsłynniejszych dzieł artysty: „Dzwony wieczorne”, „Marzec”, „Złota jesień”. Nawiasem mówiąc, wiele jego krajobrazów jest nadal używanych jako ilustracje i publikowanych w podręcznikach.
to naprawdę wyjątkowy i legendarny artysta, który zmienił poglądy społeczeństwa na malarstwo. Charakterystyczną cechą dzieł Pollocka było to, że w niewielkim stopniu przypominały obrazy. Może to wyglądać, jakby ktoś rozlał farbę na papier, ale po bliższym przyjrzeniu się widać coś tajemniczego i głębokiego.
A sam Jackson był całkowicie zanurzony w tym procesie i wyrażał swoje emocje poprzez płótno. Rozłożył papier na podłodze i malował za pomocą potłuczonego szkła, farb w płynie, łyżek, noży i patyczków. Najsłynniejsze dzieła Pollocka to „Numer 5” (jest to najdroższy obraz artysty), „Księżycowa kobieta przecinająca koło” i „Wilczyca”.
Znany z malowania portretów najsłynniejszych osób. Ale nie na próżno gwiazdy zwracają się do Nikasa, jest bardzo utalentowany. Safronow urodził się w prostej rodzinie i osiągnął wszystko sam. Ponadto jest to jeden z niewielu artystów, któremu udało się zasłynąć za życia. Na liście prac Nikasa znajdują się portrety takich gwiazd jak Mike Tyson, Sophia Loren, Mick Jagger, Julio Iglesias, Elton John, Sting, Steven Spielberg, Jack Nicholson i wielu innych.
– być może najbardziej ikoniczna i znacząca postać w historii pop-artu. Andy zaczął rysować jako dziecko. Początkowo ilustrował czasopisma, ale potem zdecydował się tworzyć własne prace, czerpiąc inspirację z jedzenia, napojów i innych dóbr konsumpcyjnych.
Malował konserwy, owoce i napoje alkoholowe. Ale wszystkie obrazy wyróżniały się szczególnym sposobem wykonania. Rysunki były tak ekscentryczne i jasne, że po prostu nie można było ich zignorować.
– mistrz malarstwa figuratywnego i artysta ekspresjonista. Głównym tematem jego prac jest ciało człowieka. Ale Franciszek malował zazwyczaj ciała wydłużone, zniekształcone, zamknięte w jakichś postaciach lub przedmiotach. Najsłynniejsze dzieła Bacona to „Śpiący mężczyzna”, „Kobieta”, tryptyk „Ukrzyżowanie” i „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”.
Byli to najsłynniejsi artyści wszechczasów.
Dziś przedstawiamy Państwu dwadzieścia obrazów godnych uwagi i uznania. Obrazy te namalowali znani artyści i powinni je znać nie tylko ci, którzy zajmują się sztuką, ale także zwykli śmiertelnicy, ponieważ sztuka barwi nasze życie, a estetyka pogłębia nasze spojrzenie na świat. Daj sztuce należne miejsce w swoim życiu...
1. „Ostatnia wieczerza”. Leonardo Da Vinci, 1495-1498
Monumentalny obraz Leonarda da Vinci przedstawiający scenę ostatniego posiłku Chrystusa z uczniami. Powstał w latach 1495-1498 w klasztorze dominikanów Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.
Obraz został zamówiony przez Leonarda u jego patrona, księcia Ludovico Sforzy i jego żony Beatrice d'Este. Lunety nad obrazem, utworzone przez sufit z trzema łukami, są pomalowane herbem Sforzów. Malowanie rozpoczęto w 1495 r., a ukończono w 1498 r.; prace toczyły się z przerwami. Data rozpoczęcia prac nie jest pewna, gdyż „archiwum klasztorne uległo zniszczeniu, a znikoma część dokumentów, którymi dysponujemy, pochodzi z roku 1497, kiedy malowanie było już prawie ukończone”.
Obraz stał się kamieniem milowym w historii renesansu: poprawnie odwzorowana głębia perspektywy zmieniła kierunek rozwoju malarstwa zachodniego.
Uważa się, że w tym obrazie kryje się wiele tajemnic i wskazówek - na przykład zakłada się, że wizerunek Jezusa i Judasza został skopiowany od tej samej osoby. Kiedy Da Vinci malował obraz, w swojej wizji Jezus uosabiał dobro, podczas gdy Judasz był czystym złem. A kiedy mistrz odnalazł „swojego Judasza” (pijaka z ulicy), okazało się, że według historyków ten pijak kilka lat wcześniej służył za prototyp do namalowania wizerunku Jezusa. Można zatem powiedzieć, że to zdjęcie uchwyciło osobę w różnych okresach jego życia.
2. „Słoneczniki”. Vincenta Van Gogha, 1887
Tytuł dwóch cykli obrazów holenderskiego artysty Vincenta van Gogha. Pierwsza seria powstała w Paryżu w 1887 roku. Poświęcony jest kwiatom leżącym. Druga seria została ukończona rok później w Arles. Przedstawia bukiet słoneczników w wazonie. Przyjaciel Van Gogha, Paul Gauguin, nabył dwa paryskie obrazy.
Artysta namalował słoneczniki jedenaście razy. Pierwsze cztery obrazy powstały w Paryżu w sierpniu - wrześniu 1887 roku. Duże cięte kwiaty leżą jak jakieś dziwne stworzenia umierające na naszych oczach.
3. „Dziewiąta fala”. Iwan Konstantynowicz Aiwazowski?, 1850.
W Muzeum Rosyjskim przechowywany jest jeden z najsłynniejszych obrazów rosyjskiego malarza morskiego Iwana Aiwazowskiego.
Malarz przedstawia morze po silnej nocnej burzy i rozbitków. Promienie słońca oświetlają ogromne fale. Największy z nich – dziewiąty szyb – gotowy jest zawalić się na ludzi próbujących uciec na wraku masztu.
Pomimo tego, że statek zostaje zniszczony i pozostaje tylko maszt, ludzie na maszcie żyją i nadal walczą z żywiołami. Ciepłe kolory obrazu sprawiają, że morze nie jest tak surowe i dają widzowi nadzieję na uratowanie ludzi.
Powstały w 1850 roku obraz „Dziewiąta fala” natychmiast stał się najsłynniejszym ze wszystkich jego przystani i został zakupiony przez Mikołaja I.
4. „Macha nago”. Francisco Goya, 1797-1800
Obraz hiszpańskiego artysty Francisco Goyi, namalowany około 1797-1800. Pasuje do obrazu „Maja ubrana” (La maja westida). Obrazy przedstawiają Machę, hiszpańską mieszczankę żyjącą w XVIII-XIX w., jeden z ulubionych tematów artysty. „Maja Akt” to jedno z najwcześniejszych dzieł sztuki zachodniej przedstawiające całkowicie nagą kobietę, bez mitologicznych i negatywnych konotacji.
5. „Lot kochanków”. Marca Chagalla, 1914-1918
Prace nad obrazem „Nad miastem” rozpoczęły się już w 1914 roku, a ostatnie szlify mistrz nałożył dopiero w 1918 roku. W tym czasie Bella z kochanki zmieniła się nie tylko w uwielbianą żonę, ale także matkę ich córki Idy, stając się na zawsze główną muzą malarza. Związek bogatej córki dziedzicznego jubilera i prostego żydowskiego młodzieńca, którego ojciec utrzymywał się z wyładunku śledzi, można nazwać jedynie mezaliansem, ale miłość była silniejsza i przezwyciężyła wszelkie konwencje. To właśnie ta miłość ich zainspirowała, unosząc ich do nieba.
Karina portretuje jednocześnie dwie miłości Chagalla – kochaną jej sercu Bellę i Witebsk. Ulice przedstawione są w formie domów oddzielonych wysokim, ciemnym płotem. Widz nie od razu dostrzeże kozę pasącą się na lewo od środka obrazu, a na pierwszym planie prostego mężczyznę ze spuszczonymi spodniami – humor malarza, wyrywający się z ogólnego kontekstu i romantycznego nastroju dzieła, ale to wszystko Chagall...
6. „Oblicze wojny”. Salvadora Dali, 1940.
Obraz hiszpańskiego artysty Salvadora Dali, namalowany w 1940 roku.
Obraz powstał w drodze do USA. Pod wrażeniem tragedii rozgrywającej się na świecie i krwiożerczości polityków kapitan rozpoczyna pracę na statku. Znajduje się w Muzeum Boijmans-van Beuningen w Rotterdamie.
Straciwszy wszelką nadzieję na normalne życie w Europie, artysta opuszcza ukochany Paryż i udaje się do Ameryki. Wojna ogarnia Stary Świat i ma na celu przejęcie reszty świata. Mistrz jeszcze nie wie, że ośmioletni pobyt w Nowym Świecie uczyni go prawdziwą sławą, a jego dzieła staną się arcydziełami malarstwa światowego.
7. „Krzyk” Edvarda Muncha, 1893
„Krzyk” (norweski Skrik) to seria obrazów norweskiego artysty ekspresjonisty Edvarda Muncha, powstałych w latach 1893–1910. Przedstawiają krzyczącą z rozpaczy postać ludzką na tle krwistoczerwonego nieba i niezwykle uogólnionego tła pejzażowego. W 1895 roku Munch stworzył litografię na ten sam temat.
Czerwone, ogniście gorące niebo pokryło zimny fiord, co z kolei rodzi fantastyczny cień, podobny do jakiegoś potwora morskiego. Napięcie zniekształca przestrzeń, linie są łamane, kolory niespójne, perspektywa zniszczona.
Wielu krytyków uważa, że fabuła obrazu jest owocem chorej wyobraźni osoby chorej psychicznie. Niektórzy widzą w dziele zapowiedź katastrofy ekologicznej, inni decydują, która mumia zainspirowała autora do stworzenia tego dzieła.
8. „Dziewczyna z perłą”. Jana Vermeera, 1665
Obraz „Dziewczyna z perłą” (Holandia: „Het meisje met de parel”) został namalowany około 1665 roku. Obecnie przechowywany w Muzeum Mauritshuis w Hadze w Holandii i jest znakiem rozpoznawczym muzeum. Obraz, nazywany holenderską Mona Lisą lub Mona Lisą Północy, jest namalowany w gatunku Tronie.
Dzięki filmowi Petera Webbera „Dziewczyna z perłą” z 2003 roku ogromna liczba osób dalekich od malarstwa dowiedziała się o wspaniałym holenderskim artyście Johannesie Vermeerze, a także o jego najsłynniejszym obrazie „Dziewczyna z perłą”.
9. „Wieża Babel”. Pietera Bruegla, 1563
Słynny obraz artysty Pietera Bruegla. Artysta stworzył co najmniej dwa obrazy o tej tematyce.
Obraz znajduje się w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
W Biblii jest opowieść o tym, jak mieszkańcy Babilonu próbowali zbudować wysoką wieżę, aby sięgnąć nieba, ale Bóg kazał im mówić różnymi językami, przestali się rozumieć, a wieża pozostała niedokończona.
10. „Algierskie kobiety”. Pabla Picassa, 1955
„Kobiety Algierii” to cykl 15 obrazów powstałych przez Picassa w latach 1954–1955 na podstawie obrazów Eugene’a Delacroix; obrazy wyróżniają się literami nadanymi przez artystę od A do O. „Wersja O” została namalowana 14 lutego 1955 roku; przez pewien czas należał do słynnego amerykańskiego kolekcjonera sztuki XX wieku Victora Ganza.
Obraz Pabla Picassa „Kobiety Algierii (wersja O)” został sprzedany za 180 milionów dolarów.
11. „Nowa planeta”. Konstantin Yuon, 1921
Rosyjski malarz radziecki, mistrz pejzażu, artysta teatralny, teoretyk sztuki. Akademik Akademii Sztuk ZSRR. Artysta Ludowy ZSRR. Laureat Nagrody Stalinowskiej I stopnia. Od 1951 członek Ogólnounijnej Partii Komunistycznej.
Ten niesamowity obraz „Nowa planeta”, powstały w 1921 roku i wcale nie typowy dla realistycznego artysty Yuona, jest jednym z najjaśniejszych dzieł, które ucieleśnia obraz zmian, które stały się rewolucją październikową w drugiej dekadzie XX wieku. Nowy system, nowy sposób i nowy sposób myślenia dla nowo powstającego społeczeństwa radzieckiego. Co teraz czeka ludzkość? Świetlana przyszłość? Wtedy o tym nie myśleli, ale fakt, że Rosja Sowiecka i cały świat wkraczał w erę zmian, podobnie jak szybkie narodziny nowej planety, był oczywisty.
12. „Madonna Sykstyńska”. Rafael Santi, 1754
Obraz Rafaela, znajdujący się od 1754 roku w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie. Należy do powszechnie uznawanych szczytów wysokiego renesansu.
Obraz o ogromnych rozmiarach (265 × 196 cm, jak wskazuje rozmiar obrazu w katalogu Galerii Drezdeńskiej), został wykonany przez Rafaela na ołtarz kościoła klasztoru św. Sykstusa w Piacenzy, na zlecenie papieża Juliusz II. Istnieje hipoteza, że obraz powstał w latach 1512-1513 na cześć zwycięstwa nad Francuzami, którzy najechali Lombardię podczas wojen włoskich i późniejszego włączenia Piacenzy do Państwa Kościelnego.
13. „Pokutująca Maria Magdalena”. Tycjan (Tiziano Vecellio), namalowany około 1565 roku
Obraz namalowany około 1565 roku przez włoskiego artystę Tycjana Vecellio. Należy do Państwowego Muzeum Ermitażu w Petersburgu. Czasami jako datę powstania podaje się „lata 60. XVI wieku”.
Modelką obrazu była Julia Festina, która zadziwiła artystę burzą złocistych włosów. Gotowe płótno zrobiło na księciu Gonzagi ogromne wrażenie, dlatego zdecydował się zamówić jego kopię. Później Tycjan, zmieniając tło i pozę kobiety, napisał jeszcze kilka podobnych prac.
14. „Mona Lisa”. Leonardo Da Vinci, 1503-1505
Portret pani Lisy del Giocondo (wł. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - obraz Leonarda da Vinci, znajdujący się w Luwrze (Paryż, Francja), jedno z najsłynniejszych dzieł malarstwa na świecie, za które uważa się portret Lisy Gherardini, żony florenckiego kupca jedwabiu Francesco del Giocondo, malowany około 1503-1505.
Według jednej z proponowanych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artystki.
15. „Poranek w sosnowym lesie”, Szyszkin Iwan Iwanowicz, 1889.
Malarstwo rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky malował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Tretiakow usunął swój podpis, tak że autor obrazu często jest wskazywany sam.
Pomysł na obraz podsunął Szyszkinowi Savitsky, który później był współautorem i przedstawił postacie niedźwiadków. Niedźwiedzie te, z pewnymi różnicami w pozach i numerze (początkowo były dwa), pojawiają się na rysunkach przygotowawczych i szkicach. Savitsky tak dobrze wyhodował zwierzęta, że nawet podpisał obraz razem z Szyszkinem.
16. „Nie spodziewaliśmy się tego.” Ilja Repin, 1884–1888
Obraz rosyjskiego artysty Ilji Repina (1844-1930), namalowany w latach 1884-1888. Jest częścią kolekcji Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Obraz prezentowany na XII wystawie objazdowej wpisuje się w cykl narracyjny poświęcony losom rosyjskiego rewolucyjnego populisty.
17. „Bal w Moulin de la Galette”, Pierre Auguste Renoir, 1876.
Obraz namalowany przez francuskiego artystę Pierre'a Auguste'a Renoira w 1876 roku.
Miejscem, w którym znajduje się obraz jest Musée d’Orsay. Moulin de la Galette to niedroga tawerna na Montmartre, w której gromadzili się studenci i młodzież pracująca Paryża.
18. „Gwiaździsta noc”. Vincenta Van Gogha, 1889.
De sterrennacht- obraz holenderskiego artysty Vincenta van Gogha, namalowany w czerwcu 1889 roku, przedstawiający widok przedświtowego nieba nad fikcyjnym miasteczkiem ze wschodniego okna domu artysty w Saint-Rémy-de-Provence. Od 1941 roku znajduje się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. Uważany za jedno z najlepszych dzieł Van Gogha i jedno z najważniejszych dzieł malarstwa zachodniego.
19. „Stworzenie Adama”. Michał Anioł, 1511.
Fresk Michała Anioła, namalowany około 1511 roku. Fresk jest czwartą z dziewięciu centralnych kompozycji sufitu Kaplicy Sykstyńskiej.
„Stworzenie Adama” to jedna z najwybitniejszych kompozycji malarstwa Kaplicy Sykstyńskiej. Bóg Ojciec leci w nieskończonej przestrzeni, otoczony bezskrzydłymi aniołami, w zwiewnej białej tunice. Prawa ręka jest wyciągnięta w stronę dłoni Adama i prawie jej dotyka. Ciało Adama leżące na zielonej skale stopniowo zaczyna się poruszać i budzi się do życia. Cała kompozycja skupia się na geście dwóch rąk. Ręka Boga daje impuls, a ręka Adama go odbiera, dając energię życiową całemu ciału. Przez to, że ich ręce się nie stykają, Michał Anioł podkreślił niemożność połączenia tego, co boskie i ludzkie. W obrazie Boga, zgodnie z planem artysty, króluje nie cudowna zasada, ale gigantyczna energia twórcza. Na obraz Adama Michał Anioł wychwala siłę i piękno ludzkiego ciała. Tak naprawdę nie pojawia się przed nami samo stworzenie człowieka, ale moment, w którym otrzymuje on duszę, żarliwe poszukiwanie boskości, głód wiedzy.
20. „Pocałunek w gwiaździstym niebie”. Gustaw Klimt, 1905-1907
Obraz austriackiego artysty Gustava Klimta, namalowany w latach 1907-1908. Płótno należy do okresu twórczości Klimta, zwanego „złotym”, ostatniego dzieła autora w jego „złotym okresie”.
Na skale, na skraju kwietnej łąki, w złotej aurze, zakochani stoją całkowicie w sobie zanurzeni, odgrodzeni od całego świata. W związku z niepewnością co do miejsca wydarzeń wydaje się, że ukazana na zdjęciu para przechodzi w kosmiczny stan niepodlegający czasowi i przestrzeni, po drugiej stronie wszelkich historycznych i społecznych stereotypów oraz kataklizmów. Całkowita samotność i odwrócona twarz mężczyzny tylko podkreślają wrażenie izolacji i oderwania w stosunku do obserwatora.
Źródło – Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me
