Związek tradycji z twórczością w kulturze. Biografia artysty Showforum Shilov życie osobiste

Związek kultury i kreatywności

W każdym rodzaju działalności jest moment twórczy, każdy człowiek jest twórcą, tworzy całe swoje życie. Każde działanie jest kreatywnością. Z drugiej strony kreatywność to osiągnięcie czegoś nowego społecznie znaczący pomysły, tj. muszą zostać uznane przez społeczeństwo za nowe i ważne.

Istnieje kreatywność, która ucieleśnia się w ideach, a następnie w przedmiotach materialnych. I jeszcze sam proces twórczy. Istnieje kreatywność, której rezultatem jest zmiana samego człowieka.

W wyniku kreatywności stosunek nowego do już znanego wynosi od 10 do 90 procent, jeśli nowe wynosi więcej niż 10%, staje się to niezrozumiałe dla współczesnych. Dlatego geniuszem nie jest ten, który wynalazł, ale ten, któremu udało się wcielić, gdy społeczeństwo jest tym zainteresowane.

Każda kultura ma swoją własną dominujący - we Włoszech malarstwo, w Rosji – literatura, w Niemczech – filozofowie. Wszystko, co wartościowe z przeszłości dominującej, staje się podstawą rozwoju nowej kultury. Każda kultura znajduje swój własny priorytetowy kierunek.

Kreacja - aktywność poznawcza (poznawcza), która prowadzi do nowych ( ważne społecznie) lub nietypowe spojrzenie na problem lub sytuację.

W twórczości artystycznej uzyskanie tego samego wyniku od dwóch autorów jest prawie niemożliwe, a w nauce jest to nawet możliwe.

Każdy proces twórczy zakłada podmiot – twórcę, osobowość ludzką, nosiciela twórczości. W twórczości osobowość objawia się jako coś wolnego i niepodzielnego.

Najważniejszym wrogiem kreatywności jest strach, strach przed nowymi osiągnięciami, strach przed porażką. Obejmuje to również lenistwo, bierność, brak zasobów itp.

Motywy twórczości: samorealizacja, zaspokojenie aktualnych pragnień, zewnętrzne, wewnętrzne.

Kultura humanitarna i techniczna

Kultura to zespół znaczeń, które przejawiają się w postaci idei, wartości i standardów. Kultura techniczna to tylko idee i standardy, ma charakter usługowy, reguluje procesy, życie społeczeństwa. A nauka humanitarna wyznacza wartości i ideały. Ich związek to cel i środki, ale często te koncepcje są wypierane. Czasami można przetrwać jedynie dzięki kulturze technokratycznej.

Na początku rozwoju kultury humanitarność (twórczość) służyła technice – wymyślali narzędzia itp. Potem zwyciężyła kreatywność - zaczęto dekorować narzędzia. Teraz na pierwszy plan wysuwa się także chęć tworzenia. Potrzebujemy samochodu nie tylko do jazdy, ale także do tego, aby być pięknym. Kiedy na pierwszy plan wysuwa się kultura technokratyczna, pojawia się wiele problemów (od środowiskowych po ekstremizm). Kiedy użyteczność i wygoda są na pierwszym miejscu, nie jest to zbyt dobre dla kultury jako całości. Nie można jednoznacznie stwierdzić, że polityka humanitarna funkcjonuje bez standardów, a polityka technokratyczna bez wartości. Ma swoje własne wartości - wydajność, ekonomię itp.

kreatywność, człowiek, poziomy świadomości, poziomy umysłu

W artykule omówiono rozumienie twórczości, jej poziomów, kierunków, znaczenia i rozwoju jej technologii we współczesnej kulturze

Tekst artykułu:

„Kreatywność to tworzenie czegoś nowego”. To właśnie w tej transkrypcji pojęcie twórczości istnieje w kulturze. Z tego powodu kultura i twórczość są zjawiskami, które płyną od siebie. Tak jak kultura powstaje w procesie kreatywności, tak kreatywność karmi się i rozwija poprzez kulturę. Dlatego wskazane jest uznanie kreatywności za szczyt głównej siły napędowej - działania, w procesie którego powstają nowe wartości, które mają taki czy inny status kulturowy.

Kreatywność to złożony problem, którego tajemnica zawsze będzie ekscytować ludzkie umysły. Pomimo licznych badań w tej dziedzinie tajemnica twórczości nie została rozwiązana i oczywiście nie może zostać w pełni odkryta. Jest rzeczą oczywistą, że stylów, rodzajów i metod twórczości jest tyle, ilu jest twórców. Każdy wypracowuje swoją metodę, własne laboratorium twórcze, jednak wyłoniło się kilka głównych nurtów, które postawiły przed sobą zadanie zdefiniowania istoty kreatywności.

Poziomy kreatywności są równie zróżnicowane. Twórczość dzieli się na sfery wykonawstwa, autorstwa, naśladownictwa, interpretacji, zmienności, improwizacji itp. Co więcej, wszystkie te obszary mają wyraźną specyfikę, kształtują niezbędne w tym obszarze umiejętności itp. Jednak z większą dozą pewności kreatywność jest dzieli się na procesy twórcze w zakresie tworzenia pomysłów (produktywne) i tworzenia technologii (reprodukcyjne).

Badacze procesów twórczych od dawna próbują ustalić priorytet tych stanowisk. Zwolennicy „twórców idei” (Lubkokht F., Ransvert S., Shipurin G. itp.) Wierzą, że w kreatywności, a zatem w kulturze, najważniejsze jest tworzenie idei, czyli myślokształtów, które mogą następnie ubierz się w strój określonego przedmiotu. Idee i myśli są głównym bogactwem kultury. Dlatego człowiek i ludzkość muszą ukształtować właściwe zrozumienie tego aspektu. Zwolennicy „komponentu technologicznego” (Zaraev V., Zverev A., Fuiding R., Yankers A. itp.) Uważają, że pomysł jest ważną, ale nie tak znaczącą pozycją w kreatywności. Ludzie nie mogą żywić się ideami; te ostatnie muszą być ubrane w przedmioty. Do rozwoju społeczeństwa potrzebne są nie tylko właściwe pomysły, ale także najlepsze technologie. Przyczyniają się do napełniania społeczeństwa próbkami kulturowymi. Dlatego ważne jest nie tylko wymyślenie modelu, ale także szybkie, niższym kosztem i na wysokim poziomie jakościowym stworzenie obiektu. Wymaga to technologii, która może pomóc człowiekowi w opanowaniu określonego zawodu, umiejętności, nauczyć tworzenia przedmiotów, wytworów kultury itp. Twórczość technologiczna to ogromna dziedzina, w której powstają metody twórcze, metody nauczania, metody wykonywania określonych czynności itp. .

Ostatnio oba poziomy kreatywności uważa się za równoważne, zauważając, że pierwszeństwo przyznaje się temu czy innemu kierunkowi, w zależności od mentalności kultur narodowych. Zatem kultura rosyjska kładzie nacisk i uważa kreatywność w sferze wytwarzania idei za bardziej znaczącą; kultury zorientowane na wydajność (Japonia, Chiny i inne kultury wschodnie) przywiązują większą wagę do kreatywności w dziedzinie technologii. Oczywiście wskazane jest uznanie kreatywności w tym czy innym kierunku za równie istotną i rozważenie jej priorytetu z punktu widzenia jej wpływu na jednostkę.

Twórczość, oprócz tworzenia czegoś nowego, istotnego dla istniejącej kultury, może pełnić tę funkcję w stosunku do jednostki. Dlatego reprodukcyjne (reprodukujące) rodzaje wiedzy i aktywności, które nie są nowe dla społeczeństwa, stawiają jednostkę w sytuacji kreatywności, rozwijając w ten sposób nowe zdolności, umiejętności, zdolności i wiedzę. Dzięki temu każde nowe pokolenie staje się twórcami w procesie opanowywania istniejącej kultury.

W literaturze kreatywność rozumiana jest jako „proces działalności człowieka, który tworzy jakościowo nowe wartości. Twórczość to powstająca w pracy zdolność człowieka do tworzenia nowej rzeczywistości z materiału, którego dostarcza rzeczywistość, zaspokajającego różnorodne potrzeby człowieka. W historii rozwoju człowieka wyłoniło się kilka kierunków i poglądów na kreatywność. Platon postrzegał to jako „boską obsesję”, zmieniającą się w kierunkach i kulturach, ale pozostającą w istocie tą samą, stanowisko to istnieje do dziś.

Naukowcy zawsze próbowali usystematyzować kreatywność. Arystoteles zwracał uwagę na rodzaje mimesis w sztuce, Rousseau i Kartezjusz trzymali się zasad racjonalizmu – rozwoju kanonów kontrolujących aktywność w sferze poznawczej i momenty rozwoju w twórczość. Rosyjscy filozofowie i pisarze stworzyli własne systemy - teoretyczne i artystyczne; w którym możliwy jest odzwierciedlenie najwyższych osiągnięć twórczych.

Powszechnie znane są teorie Z. Freuda i E. Fromma, w których szkoła freudowska łączy kreatywność i proces twórczy z sublimacją. Dlatego twórczość w tej interpretacji polega na zrównoważeniu zasady przyjemności i rzeczywistości, które według Freuda są głównymi typami ludzkiej psychiki. Kreatywność to zatem chęć zaspokojenia nagromadzonych pragnień, przystosowania się poprzez tę transformację rzeczywistości, która jest postrzegana jako gra. Jednocześnie pragnienia to kompleksy zakorzenione w dzieciństwie, które utrwaliły się i wzmogły pod wpływem licznych zakazów społecznych, związanych głównie ze sferą seksualną. W rezultacie cała twórczość artysty daje upust jego seksualnym pragnieniom. Interpretację tę Freudyści przenoszą nie tylko na wyjaśnianie procesu tworzenia, ale także na treść dzieł, które z kolei przenoszą na analizę percepcji. Co więcej, społeczeństwo i konflikty społeczne, zauważa Freud, powstają właśnie z tych powodów; przyczyna załamań psychicznych, napięć i konfliktów leży w tej strefie biologicznej.

Fromm uważał twórczość za zrozumienie problemu istoty i istnienia człowieka, dochodząc do wniosku, że najważniejsza na tym świecie jest miłość nie w freudowsko-seksualnym przebraniu, ale miłość wszechstronna, której podstawą jest sztuka. Dlatego najważniejsza na świecie jest sztuka, poszukiwanie siebie przez człowieka, wyraz jego poszukiwań w obrazach artystycznych, które miały miejsce w przeszłości, teraźniejszości i przyszłości.

Wielu badaczy łączy twórczość z systematyczną działalnością, głównie o charakterze obiektywnym. Można powiedzieć, że to właśnie stanowisko dominuje w rozwoju zjawiska kreatywności w szkole europejskiej. Podstawą wszelkiej twórczości jest intensywna, systematyczna, celowa działalność. Zwroty takie jak stwierdzenie Czajkowskiego „natchnienie jest rzadkim gościem, nie lubi odwiedzać leniwych”, Puszkina „talent to jedna kropla talentu i dziewięćdziesiąt dziewięć kropel potu”, Pascala „przypadkowych odkryć dokonują tylko dobrze przygotowani umysły” itp. są powszechnie znane.

Jednak mechanizmy włączania w twórczość na skalę zachodnią praktycznie nie zostały wypracowane. Badanie metod twórczych uwzględnia przede wszystkim atrybuty zewnętrzne - systematykę pracy, styl życia, odżywianie, stosowanie technik termicznych itp. Rozbieżność ta dość wyraźnie objawia się w życiu twórców. Wśród ogromnej liczby talentów zrodzonych w szkołach zachodnioeuropejskich, rosyjskich i amerykańskich można zaliczyć wielu, którzy zajmowali się twórczością przez krótkie okresy, po których przeżywali długie okresy bezczynności i przygnębienia; niektórzy artyści potrafili tworzyć dzieła pod wpływem alkohol, narkotyki, które niszczą ciało fizyczne i psychiczne i prowadzą do znanych konsekwencji.

Wielu artystów poszukiwało własnych sposobów na wejście w pożądany stan. Wiadomo, że Puszkin i Tołstoj uwielbiali chodzić boso po śniegu i kamiennych podłogach, powołując się na fakt, że krew mocniej nawadnia mózg, który zaczyna lepiej pracować. Ktoś musiał przeżyć silny stres, rodzaj szoku, który pozwolił mu nabyć właściwości niezbędne do kreatywności. Ale pomimo różnicy metod, wszędzie widać ogólną tendencję do wchodzenia w stan „innego bytu”, w którym nie jest się obojętnym na psychikę. To nie przypadek, że w szkole zachodniej, w rosyjskiej rzeczywistości, jest tak wiele talentów o kruchym zdrowiu psychicznym. Jest oczywiste, że twórczość należy wyjaśniać nie tylko z punktu widzenia szorstkich pozycji materialnych, ale także rozpatrywać ją w bardziej subtelnych kategoriach, które muszą być wspierane przez przejrzysty mechanizm wejścia i wyjścia z niej.

Stanowiska te są doskonale rozwinięte w szkołach wschodnich. Dlatego też analizując związek między kulturą a twórczością, główny nacisk położymy na te metody i wyjaśnienia stanowisk twórczości.

Wschodnia kultura ezoteryczna jest najstarszą i integralną częścią kultury ludzkiej. Zawiera system ogólnych idei dotyczących genezy, struktury i porządku świata. Ze względu na to, że taka wiedza niezwykle wzmacnia władzę nad światem i innymi, wtajemniczeni musieli posiadać szczególne cechy - specyficzne wskaźniki mózgu zdolne do przyswojenia wiedzy, dojrzałości duchowej, odpowiedzialności i bycia w stanie ją znieść.Przemiana świętej wiedzy i nauk w egzoteryczne (otwarte, świeckie, dostępne dla każdego) pozwala nie tylko na zapoznanie się z nimi teoretycznie, ale także na zapoznanie się z techniką opanowywania metod duchowych. Przyjrzyjmy się niektórym z nich. Dobrze znani przeciętnemu czytelnikowi są Alice A. Bailey, Satprem, Sri Aurobindo Ghosh, Osho Rajnesh, rosyjscy badacze Roerichów, Kapten, Antonov V.V., Lapin A.E., Kashirina T.Ya., Malakhov G.P. mówią, że kreatywność to nic innego jak połączenie z pojedynczym polem informacyjnym i jedyne, co człowiek może zrobić, to znaleźć najbardziej akceptowalny sposób dotarcia do niego.

Pole informacyjne jest niejednorodne pod względem składu. Jest niezwykle wielowymiarowa, a niższa – mentalna warstwa składa się z pięciu warstw umysłu – zwyczajnej, wyższej, oświeconej, intuicyjnej, globalnej. Stanowiska te zostały najpełniej rozwinięte przez Sri Aurobindo, według którego nadamy te cechy. Wierzył, że każda warstwa umysłu ma specjalny kolor i wibrację. To właśnie właściwości światła, natura i częstotliwość wibracji stanowią bariery dla warstw umysłu. Zatem w jego interpretacji najniższy lub zwykły umysł - szara kukurydza z wieloma ciemnymi kropkami rojącymi się wokół ludzkich głów, ta ogromna masa informacji, która nieustannie atakuje człowieka. (Nauki ezoteryczne traktują ludzki mózg nie jako organ tworzący myśli, ale jako odbiornik, który stale wychwytuje pewne myśli i informacje). Zwykły umysł jest najgęstszą, ogromną objętością warstwą, która trzyma zwykłych ludzi w niewoli informacji skupionych przede wszystkim na naturze i jakości komunikacji międzyludzkiej. Ludzie w nim są nieskończenie zależni od siebie, wzajemnych emocji i często nie potrafią długo utrzymać jednego, stabilnego nastroju. Oni, jak to ujął A. Bailey, są nieszczęśliwi, bo znajdują się na dnie oceanu i nie wyobrażają sobie piękna słonecznych wyższych pięter. Kreatywność jest tu możliwa w niezwykle małym stopniu. Najczęściej jest on redukowany i praktycznie zastępowany kompilacją już stworzonych dzieł.

Wyższą inteligencję najczęściej spotyka się wśród filozofów i myślicieli. Zmienia się także jego kolor. Pojawiają się w nim gołębie cienie, obserwuje się przebłyski światła, które przez jakiś czas nie znikają. Tutaj informacje są skoncentrowane, skupione na konkretnym umyśle, który ma dość sztywny charakter i skupia się na ciągłej analizie i sekcji. Osoba wchodząca w tę warstwę nie jest w stanie od razu zrozumieć otrzymanej informacji, spędza dużo czasu na korelowaniu jej z własnymi postawami, wybieraniu z niej epizodów, układaniu jej w nowy sposób i tworzeniu własnego obiektu, odmiennego od ogólnego pola informacyjnego. Emocje w tej warstwie trwają dłużej niż w zwykłym umyśle, ale zależą też od masy otaczających okoliczności. Oświecony umysł charakteryzuje się inną naturą. Jego podstawą nie jest już „ogólna neutralność, ale wyraźna duchowa lekkość i radość; na tej podstawie powstają szczególne tony świadomości estetycznej”. Ta warstwa umysłu zalana jest złotym strumieniem światła, nasyconym różnymi odcieniami, w zależności od świadomości twórcy. Osoba, która weszła w tę warstwę, jest w stanie lekkości, radości, miłości do wszystkich dookoła i ciągłej gotowości do pozytywnych działań. Umysł rozwija się bezgranicznie i radośnie akceptuje cały świat i siebie w tym świecie. Informacje pochodzące z pola ogólnego są odbierane natychmiastowo i nie wymagają długotrwałego dostosowywania się do cech twórcy. Twórczość prowadzona jest w różnych kierunkach - nauka na poziomie odkryć, sztuka we wszystkich jej wielogatunkach, kult nowej, szczerej miłości. Wejście na tę warstwę charakteryzuje się nagłym rozkwitem zdolności twórczych i najczęściej objawia się w poezji. Na tę warstwę trafiała większość wielkich poetów, wielcy kompozytorzy czerpali z niej swoje idee. Każdy może od czasu do czasu do tego wejść, a wyraźnym potwierdzeniem tego są dzieci, które w okresie 4-7 lat często mówią wierszem i choć najczęściej występuje tu mechaniczne rymowanie, to pewne połączenie z oświeconym umysłem jest obecny. Osoba, która opanowała praktykę duchową i potrafi wejść w tę warstwę umysłu, pozostaje w niej tak długo, jak potrzebuje, oświetlając innych swoim światłem i ciepłem. To promiennie nastawieni ludzie, którzy przyciągają do siebie innych.

intuicyjny umysł wyróżnia się wyraźną przezroczystością, mobilnością, zwiewnością, niezwiązaną z metalowymi konstrukcjami. Wyjście do niego następuje nagle. Po przebywaniu w innych warstwach umysłu, człowiek zdobywa wiedzę nie na poziomie konstruowania struktur mentalnych, ale na poziomie wszechwiedzy, wszechrozumienia. Intuicja przynosi stan ciągłej radości i szczęścia, kiedy człowiek osiąga etap nie poznania, ale rozpoznania, jak mówi Sri Aurobidno – następuje zapamiętanie prawdy. „Kiedy pojawia się przebłysk intuicji, wyraźnie widać, że wiedza nie jest odkryciem czegoś nieznanego – odkrywa tylko siebie, nie ma już nic do odkrycia, jest stopniowym rozpoznawaniem w czasie tego momentu Światła, kiedy zobaczyliśmy wszystko. Język intuicji jest niezwykle specyficzny, nie ma w nim pompatycznych sformułowań, ale nie ma też ciepła oświeconego umysłu.

Globalny umysł - szczyt, do którego ludzie rzadko się zbliżają. Jest to poziom kosmicznej świadomości, na którym nadal zachowana jest osobista indywidualność. To z tej warstwy wywodzą się wielkie religie, z niej czerpią siłę wszyscy wielcy nauczyciele duchowi. Znajdują się w nim największe dzieła sztuki. Świadomość osoby, która weszła w tę warstwę, jest masą ciągłego światła, w której eliminowane są sprzeczności niższych warstw umysłu, ponieważ wszystko jest wypełnione światłem, tworząc harmonię, radość i uniwersalną miłość. Człowiek rzadko może osiągnąć globalną świadomość, ale kiedy to się dzieje, osiąga się to na różne sposoby: poświęcenie religijne, działalność artystyczną, intelektualną, czyny bohaterskie - wszystko, czym człowiek może się pokonać. Wszystkie te warstwy umysłu to warstwy mentalne, niższe, do których można dotrzeć poprzez długoterminową praktykę duchową, pięknie rozwiniętą przez ludzkość.

Tak naprawdę duchowe praktyki-metody stworzone na Wschodzie są jedynymi, które zostały dane człowiekowi i które mogły i mogą stworzyć potężne duchowe zdrowie i nadludzkie zdolności. Zatem owoce kreatywności, które często z próżnością uważamy za własne, są w istocie połączeniem z jednym polem informacyjnym, różnymi warstwami umysłu. To nie przypadek, że duchowi nauczyciele ludzkości rzadko umieszczają swoje nazwiska pod dziełami pisanymi ich, wyjaśniając to, mówiąc, że zostały mu po prostu podyktowane.

Metody dostępu do różnych warstw umysłu są niezwykle różnorodne. Teraz stają się popularne na całym świecie. Jednak wszędzie ogólnym stanowiskiem pozostaje zachowanie czystości duchowej i fizycznej, wstrzemięźliwość od jedzenia i stosowanie znacznej liczby dobrze dobranych medytacji.

Prawie każdy odczuwa komunikację z różnymi warstwami umysłu w różnych momentach. Każdy pamięta momenty rozpoznania określonego obszaru, zwrotów, myśli, które wydają się już napotkane, choć wyraźnie wiesz, że spotykasz się z nimi po raz pierwszy. Związek z polem informacyjnym jest bardzo wyraźnie widoczny, gdy dana osoba jest pasjonatem określonej idei. Po pewnym czasie od namysłu niezbędna literatura dosłownie zaczyna do niego „wpadać”, odbywają się spotkania z ludźmi, którzy mogą mu pomóc. Oznacza to, że dostęp do wspólnej warstwy informacyjnej zawsze przyciąga powiązane informacje. Każdy ma intuicyjne przebłyski, gdy człowiek wyraźnie wie, co się stanie, ale konkretny umysł zaczyna go przekonywać, że wszystko to jest nielogiczne, a zatem absurdalne. Stąd znaczna liczba złych uczynków.

Informacje te pozwalają przybliżyć się do badania zjawiska twórczości prowincjonalnej. Wiadomo, że w niektórych częściach globu, w tym w Rosji, warstwa zwykłej lub niższej inteligencji jest zawężona, dlatego cała kultura naszego kraju jest nasycona informacjami z wyższych warstw. Dlatego osoby urodzone na tym terytorium są początkowo wyposażone w duże dane umożliwiające dostęp do wyższych pól informacyjnych. Jednak zwężenie tej warstwy jest różnie reprezentowane w poszczególnych obszarach i w dużej mierze zależy od liczebności osób wspólnie mieszkających. Na terytoriach, gdzie jest ich dużo, dolna warstwa umysłu (stolica) staje się gęstsza, tak skoncentrowana, że ​​niezwykle trudno się przez nią przebić. Obfitość ludzi powoduje powstanie bardzo potężnego pola, które koordynuje działania grupowe, włączając wszystkich w pojedyncze wibracje wibracyjne. Dopóki żyjesz i działasz w rezonansie ze wszystkimi, czujesz się komfortowo i dopiero wtedy, gdy człowiek zaczyna szukać własnej ścieżki, czyli wydostać się z ogólnego strumienia wibracji, otoczenie zaczyna świadomie wywierać na niego presję. Każdy z nas spotkał się z oporem, gdy próbował podejmować własne decyzje. W tej chwili wokół nas jest wielu ludzi, którzy podają całkowicie naturalne „poprawne” argumenty i atakują nas swoim rozumowaniem. Uspokajają się dopiero, gdy postawią na swoim. Sri Aurobidno Ghose zauważył: „Dopóki wędrujemy we wspólnym stadzie, życie okazuje się stosunkowo proste, ze swoimi sukcesami i porażkami – jest kilka sukcesów, ale niezbyt wiele porażek; jednak gdy tylko chcemy wyjść z rutyny, powstają tysiące sił, nagle bardzo zainteresowanych tym, abyśmy zachowywali się „jak wszyscy” – na własne oczy widzimy, jak dobrze zorganizowane jest nasze więzienie”. W tej sytuacji siła człowieka wydawana jest przede wszystkim na przeciwstawienie się wpływom otoczenia, osoba unosi się na falach niższego umysłu, nie mając siły wyjść poza jego granice.

Pobyt na prowincji, w naturze, jest dla twórców niezwykle potrzebny. To nic innego jak próba i szansa, aby znaleźć się w mniej nasyconej warstwie niższego umysłu, skoncentrować swoje siły i wejść w inne pola informacyjne. O tej potrzebie pisali przedstawiciele wszystkich dziedzin wiedzy i sztuki. Na prowincji warstwa niższego umysłu jest nie tylko zwężona, ale także mniej dynamiczna, jakby rozrzedzona. Wśród wielu szarych kropek i wirów widoczne są inne kolory, odczuwalne są inne wibracje. Mniej ataków sił obcych ułatwia pokonanie tych barier.

Kolejny punkt, który jest tutaj oczywisty, dotyczy działań. Praktyczne ukierunkowanie pracy większości mieszkańców województwa, z wyraźnym zestrojeniem orientacji wartościowych i samym sposobem życia, kieruje człowieka nie w stronę bezsensownej racjonalnej elastyczności intelektu, ale w stronę stałości związanej z wartościami życiowymi człowieka . Ten względny spokój nie zakłóca i nie powoduje dynamiki niższego umysłu w takim stopniu, jak w innych środowiskach, w wyniku czego jego ataki są nieco wygładzone i istnieje możliwość zachowania swojego „ja”. Pomimo tego, że obecnie media nadmiernie nasycają warstwę niższego umysłu, równoważy to stabilność sposobu życia. Wydaje się, że dlatego prowincja pozostaje polem twórczości, w którym sam sposób życia ukierunkowuje człowieka na kreatywność.

Historia ludzkości dość wyraźnie pokazuje zależność twórczości od miejsca stworzenia, gdzie twórcy udają się do cichych, odległych, wysokogórskich miejsc, gdzie warstwa niższego umysłu jest rzadka.

Dlatego teraz stoimy przed zadaniem nie tylko nauczenia młodych ludzi zbioru informacji gromadzonych przez konkretny umysł, ale także zwrócenia ich uwagi na nauczanie sprawdzonych technik otwierających dostęp do tych struktur, ucząc ich dostrzegania wysokich dzieł sztukę, komunikować się i rozumieć wartościowe odkrycia naukowe.

W tym przypadku nieocenione będzie studiowanie praktyk duchowych Wschodu, obecnie istnieje całkiem sporo książek i szkół w tym kierunku. Przydatne będzie, aby uczniowie sięgnęli po tego rodzaju literaturę i wyrobili w sobie nawyk podejmowania nowych zajęć.

Wydaje się, że nie tylko zoptymalizuje procesy twórcze, ale pozwoli rozwiązać problemy bardziej globalne: wskaże drogę do kształtowania się prawdziwej duchowości, nauczy czerpać z wysokich pokładów informacji i przygotuje do żmudnej i intensywna praca. Przecież wiadomo, że aktywność intelektualna i duchowa jest najtrudniejsza i wymaga ogromnej woli, wysiłku własnego, pomagania w osiągnięciu pożądanego stanu, który przychodzi tylko w wyniku długotrwałej, przemyślanej praktyki.

Teraz kreatywność, jej rozumienie, rozwój umiejętności twórczych przeżywa prawdziwy rozkwit. Połączenie wschodnio-zachodnich metod kreatywności, powszechne upowszechnienie technik medytacyjnych i innych technik duchowych zaczyna posiadać pewien zasób umiejętności twórczych, własne laboratorium twórcze, które pozwala w krótkim czasie wypełnić próżnię wiedzy i umiejętności. Dlatego kreatywność staje się nie tylko pożądana, ale niezbędnym elementem ludzkiego życia. I jeśli w starożytności zapewniał możliwość przetrwania w środowisku naturalnym, obecnie jest narzędziem przetrwania w środowisku społecznym.

Oczywiście skala procesów twórczych będzie się zwiększać w miarę wchodzenia społeczeństwa na nowy poziom rozwoju, gdzie działalność intelektualna stanie się główną sferą działania, dlatego nie sposób przecenić badania problemu relacji kreatywności i kultury.

Alexander Shilov to rosyjski malarz i portrecista. Charakteryzuje się niesamowicie wysoką wydajnością. Setki stworzonych przez niego obrazów niewątpliwie pozostanie w kategorii „sztuki wysokiej”. Artysta Szyłow należy do starszego pokolenia, do mistrzów epoki sowieckiej. Okres propagandy zmusił wielu artystów do malowania płócien wychwalających komunistyczne idee, wartości i przywódców partyjnych. Jednak obrazy Shilova zawsze miały określone znaczenie, niosły wartość artystyczną. Na wystawach malarstwa z tamtego okresu to właśnie przy jego pracach ludzie zatrzymywali się najdłużej.

Biografia artysty. ciało studenckie

Artysta Aleksander Szyłow urodził się 6 października 1943 r. w rodzinie intelektualistów. Kiedy Sasha miał 14 lat, wstąpił do pracowni artystycznej Domu Pionierów, który znajdował się w stolicy Timiryazevsky. Lata powojenne były trudne, młody człowiek musiał pomagać rodzinie, pracował jako ładowacz. Uczyła się w szkole wieczorowej. Jego życie było ściśle związane ze sztukami plastycznymi. Artysta Laktionov natychmiast zauważył zdolności chłopca, pomógł rozwinąć młody talent. Później Laktionov odegrał znaczącą rolę w twórczości Shilova.

Od 1968 roku Alexander Shilov studiował w Państwowym Instytucie Sztuki Surikov. Uczyłem się tam malarstwa przez pięć lat. W latach studenckich namalował wiele obrazów. Jego prace cieszyły się dużym zainteresowaniem na wielu wystawach młodych talentów. Już wtedy dzieła Szyłowa wyróżniały się między innymi wyrazistością.

Dojrzałe lata

W 1976 roku Aleksander Szyłow został przyjęty do Związku Artystów ZSRR. Następnie otrzymuje osobisty warsztat, otrzymuje szereg zamówień od partii kraju. Artysta Shilov rozpoczyna pracę jako uznany mistrz. Na zlecenie Rządu w 1997 roku w samym centrum Moskwy, niedaleko Kremla, otwarto osobistą galerię Aleksandra Szyłowa. W tym samym roku Artysta Ludowy ZSRR Szyłow został członkiem korespondentem Rosyjskiej Akademii Sztuk.

W 1999 roku Aleksander Maksowicz był członkiem Rosyjskiej Rady ds. Sztuki i Kultury. Działalność polityczna zaczęła zajmować coraz więcej czasu, a mistrz zaczął coraz rzadziej odwiedzać pracownię artystyczną. Rok 2012 wreszcie wciągnął artystę w politykę. Szyłow zostaje powiernikiem prezydenta Putina i wstępuje do Rady Społecznej Federalnej Służby Bezpieczeństwa. W marcu 2014 roku Aleksander Szyłow podpisał apel prezydenta dotyczący stanowiska politycznego w sprawie wydarzeń na Ukrainie.

Życie osobiste

Artysta Shilov był kilkakrotnie żonaty. Pierwsze małżeństwo zostało zarejestrowane z artystką Swietłaną Folomeevą. W 1974 roku para miała syna Aleksandra. Kontynuuje tradycje rodzinne i obecnie jest wymieniony jako członek korespondent RAI. Aleksander Aleksandrowicz Szyłow jest oczywiście artystą dziedzicznym, ale jego technika malarska jest bardzo indywidualna i wyraźnie wyrażona.

Po zerwaniu stosunków z pierwszą żoną Aleksander Szyłow przez pewien czas żył jako kawaler. Muzą artysty była jego druga żona Anna Shilova, od której czerpał wielką inspirację w swojej twórczości. Para żyła w małżeństwie przez dwadzieścia lat (1977-1997). W tym czasie artystka urodziła dwie córki: Marię w 1979 r. i Anastazję w 1996 r. Ale po tych latach w życiu mistrza nastąpił kolejny rozwód.

Unia z muzyką

Alexander Shilov, światowej sławy artysta, nie mógł obejść się bez inspiracji płcią piękną. Po raz trzeci na towarzysza wybrał skrzypka. Twórcze połączenie malarstwa i muzyki zaowocowało wieloma nowymi dziełami mistrza. Julia Volchenkova jest przedstawiana w wielu pracach Shilova. W 1997 roku urodziła się córka Ekaterina. Małżeństwo z Wołczenkową nie zostało oficjalnie ogłoszone, ale Katya została zarejestrowana jako prawowita córka Szyłowa.

Już po trzech latach skrzypek i artysta stracili wzajemne zainteresowanie, a wzajemne uczucia zniknęły. Julia Volchenkova została uznana za legalną oficjalną żonę, więc przy podziale majątku para stanęła w obliczu sporu sądowego. Sprawa toczyła się w dwóch sądach: w sprawie mieszkaniowej i w sprawie ogólnego stanu rzeczy. Przez całe życie córka artysty Shilov Katya nie odczuwała potrzeby niczego. Ma normalne, cywilizowane relacje z ojcem.

Galeria artysty Shilova

W 1996 roku Aleksander Maksowicz Szyłow zwrócił się do Dumy Państwowej z prośbą o przekazanie wszystkich swoich dzieł państwu. Pomysł ten pojawiał się u artysty nie raz po wystawach, gdy zwiedzający prosili o utworzenie stałej galerii dzieł Szyłowa.

13 marca tego samego roku jednomyślną decyzją wszystkich frakcji Duma Państwowa Federacji Rosyjskiej podjęła uchwałę o przyjęciu przez państwo kolekcji Szyłowa. Do rządu rosyjskiego wysłano prośbę o przydzielenie przestrzeni na wystawę artysty. Początkowo planowano ulokować trzy hale bezpośrednio na terenie Kremla, jednak ze względu na ograniczenia bezpieczeństwa obiektu decyzję zmieniono. Galeria artysty Szyłowa mieściła się pod adresem Znamenka 5. Założycielem galerii był rząd moskiewski, przyjęto i wystawiono 355 prac artysty Szyłowa.

Otwarcie galerii

Uroczyste otwarcie galerii odbyło się 31 maja 1997 r. Wzięły w nim udział pierwsze osoby miasta, znane, szanowane osoby: burmistrz Łużkow, śpiewacy Kobzon, Esambaev, artyści Shakurov, Nikulin i wielu innych. Szyłow, artysta, którego galerię mogło teraz odwiedzać setki osób dziennie, obiecał, że co roku będzie uzupełniał kolekcję o nowe dzieła. W 2003 roku architekt Posokhin przedstawił projekt nowego budynku galerii, który zgodnie z planem stanowił pojedynczy zespół architektoniczny ze starym dworkiem (całkowita powierzchnia starego budynku zajmowała 600 metrów kwadratowych). W tym samym roku, 30 czerwca, odbyło się otwarcie nowego budynku galerii.

Powierzchnia wystawiennicza galerii wynosi 1555 metrów kwadratowych, powierzchnia magazynowa - 23 metry kwadratowe. W galerii przechowywanych jest 19 420 obiektów, fundusz główny zajmuje 991 obiektów. Galerię odwiedza średnio 110 tysięcy osób rocznie. W rankingu muzeów państwowych Galeria Szyłow zajmuje 11. miejsce. Nad działalnością twórczą wystawy osobiście czuwa Aleksander Maksowicz, kwestie administracyjno-finansowe rozstrzyga dyrektor galerii.

Aktualny stan galerii

Podstawą ekspozycji galerii są obrazy artysty Shilova, przedstawiające malownicze portrety ludzi różnych kategorii. Można tu zobaczyć twarze weteranów wojennych, lekarzy, naukowców, muzyków, duchownych, obrazy ostro społeczne.

Wizerunki kobiet zajmują szczególne miejsce w twórczości artysty, potrafił on dostrzec piękno w każdej twarzy płci pięknej, podkreślić cechy spojrzenia, mimikę i gestykulację. W galerii prezentowane są także dzieła z gatunku pejzażowego, martwe natury i akty. Dwie sale przeznaczone są na grafikę. W ścianach galerii nieustannie rozbrzmiewa delikatna muzyka. Stale odbywają się tu wycieczki, prowadzone są wykłady, organizowane są programy konkursowe dla sierot i dzieci niepełnosprawnych na cele charytatywne. W salach galerii odbywają się „Gwiaździste wieczory”, występowali tu Kobzon, Gaft, Bashmet, Zeldin, Sotkilava, Pakhmutova, Kazakov, Dobronravov, Obraztsova. Spotkania na Portretach są okazją do spotkania z osobą przedstawioną na płótnie. Niektóre obrazy galerii są od czasu do czasu wystawiane w rosyjskich miastach. Wystawa „Walczyli za Ojczyznę” odwiedziła kilkadziesiąt miast i odniosła ogromny sukces.

Shilov jest artystą. Obrazy. kreacja

Twórczość Shilova to cały świat. Martwe natury, pejzaże, grafiki, obrazy rodzajowe – wszystko to można zobaczyć na wystawie, ale oczywiście jego głównymi arcydziełami są portrety. Cały dział poświęcony jest osobom starszego pokolenia przez artystę Shilova. Obrazy starych ludzi są bardzo wzruszające, wiele osób zatrzymuje się przy nich na długo. Należą do nich następujące płótna:

• 1971 - „Stary krawiec”.
• 1977 - „Moja babcia”.
• 1980 - „Zakwitł dziki rozmaryn”.
• 1985 - „Matki żołnierzy”.
• 1985 - Zapomniane.

Dużą część twórczości mistrza zajmują portrety wybitnych osobistości, dyplomatów, znanych artystów i pisarzy.

• Balet „Spartakus” 1976 - „Artysta Ludowy ZSRR Maurice Liepa”.
• Balet „Giselle” 1980 - „Balerina Ludmiła Semenyaka”.
• 1984 - „Portret pisarza Siergieja Michałkowa”.
• 1996 - „Burmistrz Moskwy Łużkow”.
• 2005 - „Artysta Ludowy Etuszu ZSRR”.

Artysta stworzył wiele portretów duchownych.

• 1988 - Klasztor „W celi” Pyukhtitsa.
• 1989 - „Archimandryta Tichon”.
• 1997 - „Mnich Joachim”.

Martwe natury Shilova przedstawiają wiele przedmiotów codziennego użytku. To niesamowite, jak mistrz stworzył arcydzieła z obrazu prostych rzeczy (książek, naczyń, dzikich kwiatów).

• 1980 - „Dary Wschodu”.
• 1974 - „Fiołki”.
• 1982 - „Bratki”.

• 1983 - „Cisza”.
• 1986 - „Odwilż”.
• 1987 - „Ostatni śnieg w Peredelkinie”.
• 1987 - „Góra Nikolina”.
• 1999 - „Złota jesień.
• 2000 - Jesień w Uborach.”

Inne dzieła Aleksandra Szyłowa, na które warto zwrócić uwagę, to:

• 1981 - „W urodziny Arishy”.
• 1981 - „Portret Oleńki”.
• 1988 - „Portret matki”.
• 1993 - „Błąd”.
• 1995 - „Młody Moskal”.
• 1996 - „Autoportret”.
• 1998 - „Los skrzypka”.

Alexander Shilov to artysta, którego niektórzy nazywają przedstawicielem „stylu Ługa”. Ostra krytyka kojarzy to ze złym gustem w sztukach plastycznych, wulgarnością. Zwolennicy architektury historycznej krytykują Szyłowa za to, że w 2002 roku na Wołchonce zburzono dwa pomniki pochodzące z XIX wieku. W tym miejscu powstała galeria życia artysty. Budowa nowego budynku wywołała mieszane reakcje urzędników. Wiązało się to nie z budową galerii, ale z budową centrum biznesowego na terenie przylegającym do galerii. Szwydkoj, Minister Kultury Federacji Rosyjskiej, osobiście sprzeciwiał się takiemu rozwojowi.

Aleksander Marsowicz SH I LO V

Urodzony 6 października 1943 w Moskwie.
Od niepamiętnych czasów Wielka Rosja rodziła talenty, z których cała ludzkość jest słusznie dumna. Weszli do historii kultury światowej. Ich imiona są nieśmiertelne. Wśród naszych współczesnych, którzy tworzą dziś kulturę rosyjską, z pewnością wyróżnia się Aleksander Szyłow. Jest jednym z najwybitniejszych artystów minionego XX wieku i początkiem nowego, żywą legendą, dumą i chwałą Rosji.
W latach 1957-1962 Shilov studiował w pracowni artystycznej Domu Pionierów w moskiewskiej dzielnicy Timiryazevsky, a następnie w Moskiewskim Instytucie Sztuki im. V.I. Surikow (1968-1973). Brał udział w wystawach młodych artystów. W 1976 został członkiem Związku Artystów ZSRR. Miał liczne wystawy indywidualne w najlepszych salach nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Jego obrazy wystawiane były z dużym powodzeniem we Francji (Galeria Boulevard Raspail, Paryż, 1981), Niemczech Zachodnich (Willibodsen, Wiesbaden, 1983), Portugalii (Lizbona, Porto, 1984), Kanadzie (Vancouver, Toronto, 1987), Japonii ( Tokio, Kioto, 1988), Kuwejt (1990), Zjednoczone Emiraty Arabskie (1990), inne kraje.
Aleksander Szyłow wybrał najtrudniejszy kierunek w sztuce – realizm i tej drodze pozostał wierny do końca życia. Absorbując wszystkie najwyższe osiągnięcia sztuki światowej, kontynuując tradycje rosyjskiego malarstwa realistycznego XVIII-XIX w., celowo, inspirująco poszedł własną drogą, wzbogacając i doskonaląc własny język artystyczny. Uniknął wpływu destrukcyjnych trendów w kulturze artystycznej XX wieku, nie utracił cudownych właściwości swojego talentu i najdroższego instrumentu artysty – swojego serca.

Wśród dużej liczby jego dzieł - pejzaże, martwe natury, obrazy rodzajowe, grafiki. Ale główny gatunek twórczości A.M. Shilova – portret. To człowiek, jego indywidualność, niepowtarzalność jest przedmiotem twórczości artysty. Bohaterami jego dzieł są ludzie o bardzo różnym statusie społecznym, wieku, wyglądzie, inteligencji, charakterze. Są to politycy i duchowni Kościoła, wybitne postacie nauki i kultury, lekarze i bohaterowie wojenni, robotnicy i robotnicy wiejscy, ludzie starzy i młodzi, biznesmeni i bezdomni. Wśród nich znajdują się portrety pilotów-kosmonautów P.I. Klimuk (1976), V.I. Sevastyanova (1976), V.A. Shatalov (1978), „Syn ojczyzny” (Yu.A. Gagarin, 1980), „Akademik N.N. Semenov” (1982), „W dzień zwycięstwa. Strzelec maszynowy P.P. Shorin” (1987), „Metropolita Filaret” (1987 ), „Metropolita Metody” (1990), „Arcybiskup Pimen” (1990), „Hegumen Zinovy” (1991), „Reżyser filmowy S. Bondarczuk” (1994), „Dramat W. Rozow” (1997), „Artysta ludowy ZSRR Jewgienija Matwiejewa” (1997), „Portret A. Jakulowa” (1997), „Portret Tamary Kozyrewej” (1997), „Portret biskupa Wasilija (Rodzianko)” (1998), „Pisarz Arkady Weiner” ( 1999), „Portret matki”, „G.Ch. Popow” (1999), „Po balu” (Natalia Bogdanova)” (2000).
Jako artysta portretowy Alexander Shilov jest swego rodzaju pośrednikiem między człowiekiem a czasem. Z wyczuciem oddaje psychologiczne życie obrazu i tworzy nie tylko obraz, ale wnikając w zakamarki duszy, odsłania losy człowieka, oddaje moment, w którym żyjemy naprawdę współcześnie. A. Shilov interesuje się człowiekiem we wszystkich przejawach indywidualnej egzystencji: jego bohaterowie są w radości i smutku, w spokojnej refleksji i niespokojnym oczekiwaniu. Na jego płótnach znajduje się wiele obrazów dzieci i kobiet: czystych, uroczych, serdecznych, pięknych. Szacunek i współczucie przepojone są portretami starszych ludzi, którzy przeżyli długie, trudne życie, ale zachowali życzliwość i miłość do innych: „Moja babcia” (1977), „Władca ziemi” (1979), „Zakwitł Ledum” (1980). ), „W urodziny Arishy” (1981), „Razem” (1981), „Zimno” (1983), „Dziadek Gavrila” (1984), „Matki żołnierza” (1985), „Portret matki” (1988) , „Matka Makary” (1989), „Włóczęga” (1993), „Porzucona” (1998). Wyjątkowa miękkość i szczerość obrazów sprawia, że ​​prace A. Shilova mają głęboko narodowy charakter.
Wszystko w obrazach A. Shilova ma głęboki sens. Nie ma w nich nic przypadkowego, ze względu na efekt zewnętrzny. Wyraz twarzy człowieka, jego postawa, gest, ubiór, elementy wnętrza obrazu, jego kolorystyka służą do stworzenia obrazu, scharakteryzowania bohatera i przekazania jego stanu wewnętrznego.
Żadne wzniosłe słowa nie są w stanie wyrazić wielkiego mistrzostwa, jakie osiągnął Aleksander Szyłow. Artysta po prostu tworzy cuda. Swoim magicznym pędzlem sprawia, że ​​oczy mówią, zamienia kolory w jedwab, aksamit, futro, drewno, złoto, perły... Jego portrety żyją.
Oprócz prac olejnych w kolekcji artysty znajdują się obrazy wykonane w technice pasteli. To starożytna technika, w której artysta pisze specjalnymi kolorowymi kredkami, pocierając je palcami. Po opanowaniu tej najbardziej złożonej techniki do perfekcji Alexander Shilov stał się niezrównanym mistrzem pasteli. Nikt od czasu Zh.E. Lyotard takiej wirtuozerii nie osiągnął.
Wykonany w tej technice portret Mashenki Shilovej (1983) urzeka, czaruje i nie pozostawia nikogo obojętnym. Jaka piękna Maszenka! Mashenka ma takie długie włosy! Jaką elegancką, luksusową sukienkę ma Mashenka! Dziecko jest już świadome swojej atrakcyjności. Duma, radość i szczęście rozświetlają jej mądrą, słodką, delikatną twarz. Postawa Mashenki, pozycja jej głowy, jej rąk – wszystko jest pełne naturalnego wdzięku i szlachetności. Dziecinnie pulchne dłonie czule i ostrożnie przytulają ukochanego misia. Dziewczyna go ożywia, nie rozstaje się z nim ani na sekundę - to dziecko ma współczującą, życzliwą, czystą duszę.


Dziecięce szczęście Mashenki zbiegło się z własnym szczęściem artysty. Nie można oprzeć się wrażeniu, że obraz powstał w jednym impulsie miłości i szczęśliwej inspiracji. Wszystko w niej jest przedstawione z taką miłością, pomalowane tak wielką i niesamowitą sztuką: słodka twarz (blask oczu, delikatna aksamitna skóra, jedwabiste włosy), szykowna sukienka (połysk satyny, luksus koronek i wstążek) , kudłaty niedźwiedź. Pod względem dokładności i wiarygodności mógł to zrobić tylko talent i miłość A. Shilova.
Obrazy na płótnach A. Szyłowa „oddychają” taką autentycznością, że widzowie przed obrazami płaczą i śmieją się, są smutni i szczęśliwi, podziwiani i przerażeni. Takie portrety nie są owocem samych umiejętności, ale serca, umysłu i duszy artysty. Tak pisać może tylko osoba o wrażliwej, podatnej na wpływy, nerwowej duszy, która odczuwa w swoim sercu ból, cierpienie, radość każdego bohatera; mądry człowiek, głęboko znający życie, który zna wartość wszystkiego: miłości, szczęścia i smutku. Tak pisać może tylko patriota, który całym sercem kocha swój naród, swoje miasto, swój kraj.
Rosja dla Aleksandra Szyłowa jest piękna i kochana. Malarstwo pejzażowe mistrza jest pełnym czci wyznaniem miłości do Ojczyzny. Inspiruje go obraz skromnej, smutnej, intymnej natury środkoworosyjskiej: „Odwilż” (1986), „Luty. Peredelkino” (1987), „Październik. Góra Nikolina” (1996). Umie dostrzec piękno w najzwyklejszych rzeczach. Artystę interesują różne stany natury, które budzą w duszy rozmaite emocje. Za pomocą pejzażu wyraża najsubtelniejszą gamę uczuć: radość, niepokój, smutek, samotność, beznadzieję, zamęt, oświecenie, nadzieję.
W martwych naturach artysta przedstawia przedmioty nierozerwalnie związane z naszym życiem i je zdobiące: książki, kwiaty domowe i polne, eleganckie naczynia. Do najbardziej znanych należą takie dzieła jak „Dary Wschodu” (1980), „Fiołki” (1974), „Bratki” (1982) i inne. A jednak to właśnie portret zajmuje centralne miejsce w twórczości artysty.
W 1996 roku Aleksander Maksowicz Szyłow podarował Ojczyźnie zbiór 355 obrazów i grafik. Ten szlachetny czyn został doceniony przez społeczeństwo, władze kraju i jego stolicę. Uchwałami Dumy Państwowej Federacji Rosyjskiej z 13 marca 1996 r. i Rządu Moskiewskiego z 14 stycznia 1997 r. powołano Moskiewską Państwową Galerię Sztuki Artysty Ludowego ZSRR A. Szyłowa.
Na zbiory przeznaczono rezydencję w historycznym centrum Moskwy, niedaleko Kremla, zbudowaną na początku XIX wieku według projektu słynnego rosyjskiego architekta E.D. Tyuryn. Uroczyste otwarcie galerii odbyło się 31 maja 1997 r. Stworzony zgodnie z najwyższymi potrzebami duchowymi widza, z szacunkiem i miłością do niego, od pierwszych dni swojego życia stał się niezwykle popularny i niezwykle odwiedzany. Przez 4 lata istnienia odwiedziło je ponad pół miliona osób.
Kolekcja muzealna A. Shilova jest stale uzupełniana o nowe dzieła artysty, co potwierdza złożoną przez niego obietnicę: każde nowe napisane dzieło podarować jego rodzinnemu miastu. 31 maja 2001 roku Moskiewska Państwowa Galeria Sztuki Artysty Ludowego ZSRR A. Szyłowa obchodziła czwartą rocznicę swojego otwarcia. Prezentacja w darze nowych dzieł A. Szyłowa dla Moskwy zbiegła się z tym dniem. Do stałej ekspozycji Galerii, której kolekcja liczy dziś 695 obrazów, dodano trzy nowe portrety - „Profesor E.B. Mazo”, „Kochanie”, „Ola”, powstałe w 2001 roku.
Ofiarowując swoje najlepsze nowe dzieła, A. Szyłow kontynuuje w ten sposób najlepsze duchowe tradycje rosyjskiej inteligencji, tradycję filantropii i służby Ojczyźnie.
Twórczość Aleksandra Szyłowa zyskała zasłużone uznanie: w 1977 r. Został laureatem Nagrody Lenina Komsomola, w 1981 r. – Artystą Ludowym RFSRR, w 1985 r. – Artystą Ludowym ZSRR. W 1992 roku Międzynarodowe Centrum Planetarne w Nowym Jorku nazwało jedną z planet „Sziłow”. W 1997 roku artysta został wybrany członkiem korespondentem Rosyjskiej Akademii Sztuk, akademikiem Akademii Nauk Społecznych, aw 2001 roku został wybrany członkiem rzeczywistym Rosyjskiej Akademii Sztuk.

Od 1999 roku jest członkiem Prezydenckiej Rady ds. Kultury i Sztuki.
6 września 1997 za zasługi dla państwa i za wielki osobisty wkład w rozwój sztuk pięknych A.M. Szyłow został odznaczony Orderem Zasługi dla Ojczyzny IV stopnia. Ale jego najcenniejszą, bezcenną nagrodą jest miłość widza.
Kreatywność A.M. Szyłowowi dedykowane są filmy „Dotrzeć do serc ludzi” (1984), „Sztuka A. Szyłowa” (1990), „Aleksander Szyłow – artysta ludowy” (1999), a także albumy z jego obrazami i grafikami.
JESTEM. Shilov kocha muzykę klasyczną. Jego ulubionymi rosyjskimi artystami są O.A. Kiprensky, D.G. Lewicki, K.P. Bryullov, A.A. Iwanow, V.G. Perow, I.I. Lewitan, F.A. Wasiliew.
Mieszka i pracuje w Moskwie

Jeśli chcesz podziwiać portrety sławnych i zwykłych ludzi, zwróć uwagę na obrazy Aleksandra Szyłowa. Tworząc kolejne dzieło, oddaje w nim indywidualność, charakter i nastrój człowieka.

O artyście

Aleksander Maksowicz Szyłow urodził się w Moskwie w 1943 roku. Pierwsze profesjonalne umiejętności artystyczne zdobywał w Domu Pionierów, który znajdował się w stolicy Timiryazevsky. Tutaj Alexander studiował w pracowni artystycznej.

Od 1968 do 1973 był studentem MGAHI im. V. I. Surikova. Od 1976 roku Shilov jest członkiem Związku Artystów ZSRR. W 1997 roku otrzymał lokal w pobliżu Kremla na otwarcie osobistej galerii. Można tam zobaczyć obrazy Aleksandra Szyłowa.

Jest członkiem rzeczywistym Rosyjskiej Akademii Sztuk, członkiem Rady Kultury i Sztuki przy Prezydencie Federacji Rosyjskiej. Za swoje wysokie zasługi Aleksander Maksowicz został odznaczony wieloma odznaczeniami, odznaczeniami, medalami i dyplomami. Jest także laureatem kilku nagród.

Portret Mashenki

Tak nazywa się jedno z dzieł artysty Aleksandra Szyłowa. Jego obrazy pozwalają postaciom z obrazów ożyć na oczach widzów. Inspirują także innych kreatywnych ludzi. I tak poeta Iwan Jesaulkin, zainspirowany twórczością utalentowanego artysty, napisał pięć czterowierszy poświęconych obrazowi, który powstał w 1983 roku.

Płótno namalowano techniką pasteli. Poeta nazywa to bajecznym. Mówi, że Szyłow osiągnął swój cel - rzucił światło na nasze dusze. To uczucie pojawia się, gdy patrzysz na obrazy Aleksandra Szyłowa.

Opis tego portretu można zacząć od faktu, że Mashenka ma 3 lata. To córka artysty z drugiego małżeństwa. Niestety zmarła wcześnie – w wieku szesnastu lat.

Artysta potrafił przekazać swoją miłość do córki za pomocą farb i pędzli. Dziewczynka trzyma swoją ulubioną zabawkę, patrząc na widza czystym spojrzeniem, a kąciki jej ust są lekko uniesione w półuśmiechu. Widać, że dziecko jest szczęśliwe. Inne obrazy Aleksandra Szyłowa również oddają nastrój bohatera płótna.

W tej pracy artystce udało się pokazać nawet najmniejsze detale ubioru, widoczne są fałdy i falbany pięknej sukni. Zakrzywienia rękawa były w stanie oddać ruch dłoni.

Dziewczyna siedzi na krześle. Wystrój i ubrania pomagają nam zrozumieć, że to prawdziwa księżniczka. Wszystko to zostało przekazane artyście, który bardzo kochał swoją córkę.

"Jeden"

Obrazy Aleksandra Szyłowa przedstawiają nie tylko szczęśliwych, ale i smutnych ludzi, którzy budzą współczucie.

Obraz „Samotny” powstał w 1980 roku. Przedstawia starszą kobietę. Pije herbatę z żelaznego kubka, a obok niej leżą dwa słodycze. Ale posiłek nie sprawia radości starszej kobiecie. Patrzy przed siebie smutno, bo jest smutna i samotna. Takie są szczegóły i nastrój postaci, które potrafi przekazać Aleksander Maksowicz Szyłow, na których obrazy można patrzeć godzinami.

Kobieta była kiedyś zamężna, widać to po pierścionku na jej dłoni. Wcześniej wieśniacy nie mieli możliwości zakupu złotej biżuterii, więc pierścionek mógł być żelazny lub, w najlepszym razie, srebrny.

Jeśli kobieta ma dzieci, najprawdopodobniej przeprowadziły się do miasta. W tamtych czasach młodzi ludzie starali się opuścić wieś. Babcia siedzi i jest smutna przy drewnianym stole. Być może pamiętała swoje trudne życie? A może myśli o tym, kiedy wreszcie przyjdą na świat dzieci i wnuki? Widz chce, żeby stało się to jak najszybciej. Wtedy dom starszej kobiety zapełni się hałaśliwymi rozmowami, wesołym śmiechem dzieci, a ona będzie szczęśliwa.

Takie myśli i pragnienia budzą obrazy Aleksandra Szyłowa.

„Lato na wsi”

Płótno „Lato na wsi” zostało stworzone przez artystę w 1980 roku. Przedstawia prawdziwe rosyjskie piękno na tle malowniczej przyrody. Krój sprawia, że ​​strój nawiązuje do strojów młodych dam z minionych wieków. Podobnie jak ta dziewczyna, uwielbiały spędzać letnie miesiące na wsi. W tamtych czasach głowa i ręce były zakryte, ale na tym płótnie artysta Aleksander Szyłow przedstawił nowoczesną dziewczynę. Jego obrazy, takie jak ten, oddają pogodny nastrój.

Kolorowe kwiaty na łące wyróżniały dziewczyny w bieli. Ma bujne włosy i długi warkocz.

W wielkich oczach bohaterki odbija się niebo. Artysta ma go w kolorze niebieskim z fioletowymi odcieniami. Linia horyzontu jest wyraźnie widoczna. Tam błękitne niebo zamienia się w pole ze szmaragdową trawą. Na pierwszym planie widać wysokie, zmieszane z różem, żółcią i bielą.

Dziewczyna pokornie złożyła ręce, w jej oczach zamarzła prawdziwa skromność. Wszystko to pomaga poczuć charakter bohaterki, którą narysował Aleksander Maksowicz Szyłow. Obrazy takie jak ten ukazują urok i nieodpartość natury.

Obrazy

Na obrazach „Stóg siana”, „Lato indyjskie”, „Za obrzeżami”, „Święte źródło w pobliżu wsi Iwankowo” artysta przedstawił przyrodę w jeden z ciepłych letnich dni.

Płótno „Stogu siana” jest wieloaspektowe. Widzimy stog siana. Chłopi kosili trawę i suszyli ją przez kilka dni. Teraz ułożyli gotowe siano w stos. Aby zapobiec porywaniu źdźbeł trawy przez wiatr, ułożono je lekko po obu stronach.

Stóg siana położony jest na wysokim, pochyłym brzegu. Jeśli zejdziesz na dół, znajdziesz się w pobliżu rzeki. Niebo odbija się w jego głębokich wodach. Bujne krzewy i drzewa wpasowują się bardzo dobrze. Ciemna zieleń doskonale kontrastuje z jasną zielenią pokrywającą brzegi rzeki.

Obrazy z tytułami

Oto lista tylko niektórych obrazów, które stworzył artysta:

• „Rosyjskie piękno”.
• „Syn Ojczyzny”.
• „Piosenkarka E.V. Obraztsova”.
• „Gdzie królują dźwięki”.
• „Portret Nikołaja Śliczenki”.
• „Metropolita Filaret”.
• "Dyplomata".
• "Pasterz.

Artysta ma na swoim koncie wiele innych prac. Sprawdź je, a otworzy się przed Tobą nowy wspaniały świat!

Alexander Maksovich Shilov to artysta realista, autor portretów w tradycyjnym stylu romantycznym. Artysta Ludowy ZSRR.
Urodzony w 1943 roku w Moskwie. Absolwent Moskiewskiej Państwowej Akademii Sztuk im. V.I. Surikow. Brał udział w wystawach młodych artystów, a w 1976 został członkiem Związku Artystów ZSRR.
W 1997 roku w Moskwie otwarto Państwową Galerię Sztuki Artysty Ludowego ZSRR Aleksandra Szyłowa.
Od 1997 - członek korespondent (od 2001 - członek rzeczywisty) Rosyjskiej Akademii Sztuk.
Od 1999 członek Prezydenckiej Rady ds. Kultury i Sztuki.

„Z wielką przyjemnością i podziwem zapoznałem się z pracami znajdującymi się w tej wspaniałej galerii. Niezrównane portrety są oczywiście częścią historii Rosji i jej narodu” „Cieszę się i cieszę, że mamy tak wspaniałe muzeum utalentowanego, uznanego, ukochanego mistrza. Oglądanie wystawy to prawdziwa przyjemność, pozostawia niezatarte wrażenie na kunszcie artysty – wysokim, duchowym, filozoficznym!” – takie entuzjastyczne słowa pozostawiają w księdze gości goście galerii Aleksandra Szyłowa.

Od dawna jesteśmy przyzwyczajeni do tego, że w centrum Moskwy – naprzeciw Kremla – znajduje się Państwowa Galeria Sztuki Artysty Ludowego ZSRR, portrecisty Aleksandra Szyłowa. W tym roku skończyła 15 lat. Czy to dużo czy mało? Ocena należy do zwiedzających, wielbicieli talentu malarza i tych, którzy jako pierwsi wejdą do wysokich sal wystawowych. Wielu już zapomniało, jak powstało to muzeum ze stale aktualizowaną ekspozycją. Niestety, coraz więcej osób ma krótką pamięć i brak szacunku dla swojej przeszłości. Takie są realia naszego życia. Ale jednocześnie pozostaje zainteresowanie sztuką realistyczną i gatunkiem portretu. Spotkaliśmy się z założycielem galerii i najwybitniejszym przedstawicielem tego gatunku, Aleksandrem Maksowiczem Szyłowem, i zadaliśmy mu kilka pytań.

Korespondent. Aleksandrze Maksowiczu, opowiedz nam, jak to się wszystko zaczęło?

Aleksander Szyłow. W 1996 roku zwróciłem się do Dumy Państwowej z propozycją nieodpłatnego przekazania moich dzieł krajowi, narodowi i państwu. Miałem do tego moralne prawo. Po każdej wystawie w latach 80. i 90. - a odbywały się one w Manege, na Kuznetskim Moście i na Twerskiej - ludzie w swoich recenzjach i apelach do kierowników różnych działów prosili o utrwalenie mojej wystawy. Po wysłuchaniu mojej propozycji przewodniczący Dumy Państwowej, a następnie Giennadij Selezniew, poruszył tę kwestię na posiedzeniu plenarnym. Jestem dumny z tego, że wszystkie frakcje, choć nigdy do żadnej nie należałem, jednomyślnie głosowały za utworzeniem galerii państwowej, decydując się na nadanie jej mojego imienia. Następnie zwrócili się do Kremla z prośbą o przydzielenie pokoju w centrum miasta. Nie dla mnie osobiście, jak piszą pozbawione skrupułów media, co jest najbardziej podłym kłamstwem, ale dla galerii. Początkowo oferowano trzy sale w Pałacu Kremlowskim, który był wówczas właśnie odrestaurowany, ale to pomieszczenie było wrażliwe (nie było otwarte codziennie) i moja praca nie mieściłaby się w nim. Dlatego też zrezygnowano z tej opcji. Następnie rząd moskiewski przeznaczył dwór zaprojektowany przez architekta Tyurina, wybudowany w 1830 r., pod adresem: ul. Znamenka, budynek 5. Przeprowadzono tu niewielki remont kosmetyczny, a galerię otwarto 31 maja 1997 r. W ten uroczysty dzień powiedziałam, że rozdam prace, które nie są przeze mnie robione na zamówienie – i to jest prawie 95 procent tego, co piszę. To się dzieje już od 15 lat. To, co najlepsze w mojej twórczości - 15-20 obrazów i grafik - co roku daję Moskwie z okazji Dnia Miasta.

Kor. Ile dzieł znajduje się dziś w kolekcji?

Popiół. Kolekcja liczy 935 dzieł malarstwa i grafiki.

Kor. Masz ciekawe portrety wykonane techniką pasteli.

Popiół. Tak, jest to bardzo złożona technika. Pocieram palce, żeby krwawiły, bo pracuję drobnym papierem ściernym, żeby pastel nie odpadał...

Kor. Twoja galeria zyskała sławę jako jedna z najsłynniejszych sal koncertowych w Moskwie.

Popiół. Po raz kolejny decyzją Rządu Moskiewskiego organizujemy koncerty gwiazd sztuki klasycznej „Z wizytą w Galerii Szyłowa”. Przez lata występowali z nami światowej klasy mistrzowie – Obraztsova, Matorin, Sotkilava, Pakhmutova i inni. Zawsze jesteśmy wyprzedani. Ponadto często zapraszamy na nasze koncerty osoby, których nie stać na zakup biletów.

Organizujemy także bezpłatne wieczory dla dzieci niepełnosprawnych. Chciałabym poświęcić więcej uwagi osobom pozbawionym tego od urodzenia. Organizujemy konkursy rysunkowe, wybieram prace dzieci na wystawy. Mam nadzieję, że dzieci znajdą tu dobry dom i poczują się spełnione.

Oprócz tego odbywają się spotkania z bohaterami moich obrazów. Wykonałem szereg portretów personelu wojskowego, funkcjonariuszy wywiadu i straży granicznej. Na takie spotkania zapraszamy dzieci, które przygotowują się do roli obrońców Ojczyzny. Muszę przyznać, że te wieczory są ciepłe i serdeczne.

Kor. Twoje kreatywne credo...

Popiół. Najważniejsze to rozwijać się jako artysta. Z pracy do pracy staraj się podnosić poziom umiejętności i osiągać głębię treści. Piszę to, co czuję w sercu. Artysta musi być Samoyedem i w tym stanie musi pracować. Tylko głupcy są zadowoleni. Jeśli człowiek jest z siebie zadowolony, umiera w kreatywności. Aby poczuć niedociągnięcia, powiedział Repin, trzeba patrzeć tylko na wielkich.

Kor. Jak wybierasz tematy do portretów?

Popiół. Maluję portrety różnych osób. I lekarze, i artyści, mnisi i zakonnice, bezdomni i porzuceni starzy ludzie. „Historia w twarzach”, „absolutny przekrój społeczeństwa” – tak piszą o zbiorach galerii. Artysta to przede wszystkim stan umysłu. Przede wszystkim muszę być gotowy do pracy. W przypadku mojej ostatniej bohaterki spędziłem 9 godzin jeżdżąc naszymi drogami, ale nie mogłem bez tego żyć. Opowiedzieli mi o niej, pokazali jej zdjęcie, a ja zapragnąłem ją poznać.

Kor. Czy coś Cię ostatnio zaskoczyło?

Popiół. Tak. Właśnie to ją zszokowało. Niedawno wróciłem z regionu Saratowa. Pojechał do wioski, aby namalować portret niesamowitej kobiety - Ljubowa Iwanowna Klyueva, uczestniczki Wielkiej Wojny Ojczyźnianej. Jej portret znajdzie się na wystawie „Walczyli za Ojczyznę”. Ma 90 lat, na froncie jest od 19. roku życia. Gdybyś mógł zobaczyć jej ręce! To nie są ani kobiece, ani męskie dłonie. Wszystkie są w węzłach. Ta kobieta nie miała dni wolnych. Całe życie pracowała i wychowała sześcioro dzieci. Pochowałam już męża. Kiedy z nią rozmawiałem, gardło zaczęło mi się kurczyć, a łzy napłynęły mi do oczu. To było coś w rodzaju oczyszczenia psychicznego. Ljubow Iwanowna jest inteligentny, skromny i miło się z nim rozmawia. Boże, jakie ona ma subtelne maniery! Kiedy się z nią żegnaliśmy, dała mi różę. To takie wzruszające... To smutne, że tak piękni ludzie odchodzą. Przez sześć miesięcy marzyłem o zerwaniu z nią. Praca była jednak bardzo trudna. Bardzo trudno jest pisać w ciasnej chatce z małymi oknami, gdzie nawet sztalugi nie da się postawić. Ale ta droga do portretu jest mi bliska.

Kor. Jak często Twoja galeria podróżuje z wystawami do innych miast?

Popiół. Mniej więcej raz w roku. Organizacja wystaw nie jest zadaniem łatwym. Galeria robi wszystko sama, za własne pieniądze. Niedawno w Wołgogradzie odbyła się wystawa „Walczyli o Ojczyznę”. Na wystawie znalazło się ponad 40 moich prac. Są to portrety uczestników Wielkiej Wojny Ojczyźnianej. Oto zwykli żołnierze, duchowni i znane osobistości kultury - Bondarczuk, Etusz, Wiktor Rozow... Zainteresowanie było ogromne - wystawę dwukrotnie przedłużano. Przybyli żołnierze z pierwszej linii frontu, nie ci, którzy siedzieli w wozach, ale, no wiecie, prawdziwi wojownicy. Gdybym miała możliwość i czas, na pewno namalowałabym ich portrety. Przecież to ostatni świadkowie strasznych wydarzeń XX wieku, w ich oczach – wojny. Było mnóstwo młodych ludzi. Ogólnie rzecz biorąc, nasza wystawa ma dużą wartość edukacyjną. Już niedługo na zaproszenie Amana Tulejewa udamy się do Kemerowa. Oczywiście marzyłabym o podróży z tą wystawą do wszystkich miast-bohaterów! Ale sama galeria nie jest w stanie tego osiągnąć...

Kor. Jak długo wystawiałeś się za granicą?

Popiół. Przez długi czas. To prawda, że ​​\u200b\u200bteraz nie ma takiej szczególnej potrzeby. Po pierwsze, jest galeria. Teraz przyjeżdżają do nas ludzie z różnych części Rosji i zagranicy. Recenzje zostawiają zarówno zwykli ludzie, jak i znakomici goście. Prezydent Kazachstanu Nursułtan Nazarbajew, prezydent Białorusi Aleksander Łukaszenka, a ostatnio Władimir Putin. Wszyscy bardzo docenili moją pracę, z czego jestem bardzo dumny. Miałem na przykład wystawę w Paryżu. Przyszło dużo ludzi. Pamiętam opinię Louisa Aragona: „To zaskakujące, że pod takim naciskiem ideologii i wszelkiego rodzaju „izmów” zachowaliście tradycje klasycyzmu”. Po drugie, powtarzam, organizacja wystawy plenerowej jest w dodatku za granicą dużym ryzykiem. Gdyby ktoś zrobił mi taką wystawę, byłabym szczęśliwa!

Kor. Jak młodzi artyści mogą sobie poradzić, skoro sztuka realistyczna nie jest dziś honorowana? Na przykład organizatorzy nagrody im. Kandinsky nie jest nawet uważany za dzieło artystów realistów?

Popiół. Czechow powiedział też: „Talentowi trzeba pomóc, ale przeciętność przebije się sama”. Chcę Was zapewnić, że przebicie się w moim kraju i za granicą jest zawsze trudne, ale jest to próba powołania. Jeśli ktoś rysuje i nie może bez tego żyć, jak bez powietrza, i jeśli ma dar, to takiej osoby nie można zatrzymać. Talentu nie da się stłumić. Dla mnie też nie było to łatwe, ale ciężko pracowałam i dzisiaj piszę codziennie po 4-5 godzin. Wtedy oczywiście czuję się jak martwa cytryna. Ale dopóki nie skończę portretu, nie mogę się uspokoić, czuję się niespełniona, nie mogę być do końca szczęśliwa. Nie dla pięknego słowa powiem: „Bez pracy umrę”.

Oczywiście niektórzy ludzie malują dzisiaj tylko po to, żeby się wzbogacić. Po to właśnie jest PR. Ale niestety kryterium mistrzostwa jest deptane. Poziom umiejętności, jak sądzę, został celowo obniżony do poziomu szat liturgicznych. I dzieje się to we wszystkich obszarach. W literaturze, malarstwie, muzyce... Wszystko jest celowo mieszane. Teraz każdy jest geniuszem, każdy potrafi śpiewać, rysować itp.

Kor. Czy można zmienić tę sytuację?

Popiół. Tak, oczywiście. Musi być program państwowy. Aby rozwijać ludzką duszę, należy uczyć sztuki od przedszkola. Sztuka wysoka nasyca się myślami i uczuciami.

Pamiętam, jak mama po raz pierwszy zabrała mnie do Galerii Trietiakowskiej. Byłem zszokowany. Portrety Lewickiego, Borovikowskiego, Bryulłowa są czymś boskim. Nieustannie dręczyło mnie pytanie: „Czy naprawdę można namalować portret tak, abym widział twarz prawdziwej osoby, z którą mogę porozmawiać?” Podobał mi się sposób, w jaki to zrobiono. Kunszt doprowadzony do perfekcji! Zdziwiłam się, że nie widziałam kuchni artysty, a w swoich pracach też staram się jej nie widzieć.

Ale wracając do tematu edukacji, powtarzam: musi być program państwowy. Jeśli dziecko nauczy się rysować i zobaczy przed sobą arcydzieła, w przyszłości nigdy nie będzie zainteresowane tanimi i wulgarnymi podróbkami. Spójrzcie, jak malowali przed rewolucją w rodzinach szlacheckich i wojskowych. Dużo i poważnie studiowaliśmy muzykę. Jaki walc skomponował Gribojedow – cud! A jeśli ludzie nie zetkną się ze sztuką, nie oczyszczą się i nie dorosną, szybko zamienią się w stado. Cóż, zawsze znajdzie się pasterz.

Kor. A co jeśli zaproponują ci stworzenie jakiegoś programu edukacyjnego? Zgadzać się?

Popiół. Tak, chętnie to zrobię.

Kor. Czy często odwiedzasz prowincjonalne galerie sztuki?

Popiół. Tak. Ostatnio byłem w tym samym Saratowie. Galeria jest w strasznym stanie. Chociaż są obrazy Szyszkina, Polenowa… Kto powinien to wspierać? Prawdopodobnie Ministerstwo Kultury. Przypomnijmy historię. Starszy papież nadzorował malowanie Kaplicy Sykstyńskiej przez Michała Anioła. Cesarze rosyjscy stale odwiedzali Akademię Sztuk Pięknych i interesowali się tym, co dzieje się w sztuce rosyjskiej. Przecież stan wartości artystycznych i osiągnięcia w sztuce decydują o poziomie rozwoju kraju.

Kor. Jakie muzea najchętniej odwiedzasz za granicą?

Popiół. Kocham Włochy, uwielbiam niesamowity Luwr. Wszystko oczywiście pochodziło z Włoch. To nie przypadek, że nasi pensjonariusze – absolwenci i medaliści Rosyjskiej Akademii Sztuk – zostali wysłani do Włoch na koszt publiczny. Kiprensky, Bryullov, Iwanow i wielu innych wybitnych artystów doskonaliło tam swoje umiejętności.

Kor. Czy masz uczniów?

Popiół. NIE. Po pierwsze, trzeba mieć czas, ale ja go nie mam. Po drugie trzeba uzbroić się w cierpliwość, ja też jej nie mam. Widocznie to nie jest moje powołanie. Jestem artystą. Wkładam dużo wysiłku w swoją pracę. Zapraszam wszystkich na wystawę „Walczyli za Ojczyznę”. Uważam, że ludzie, którzy walczyli i oddali życie na ołtarzu Ojczyzny, powinni zostać nagrodzeni znacznie bardziej niż obecnie. Chcę, żeby mnie usłyszano poprzez te portrety. Wystawa wywiera bardzo korzystny wpływ na widza, skłania do wielu przemyśleń, przypomina sobie pojęcia uczciwości, honoru i przyzwoitości... Chcę, żeby zakorzeniło się w nas poczucie dumy z naszych ludzi, z naszej sztuki.

Kor. Jakie cechy cenisz u kobiet i mężczyzn?

Popiół. Niezależnie od związku cenię lojalność u kobiety, nawet ślepej. Na tym powinien opierać się każdy związek. Kobieta powinna być kochająca, troskliwa i kobieca. Wcześniej na wsi wierzono, że jeśli kobieta kocha mężczyznę, to się nim zaopiekuje. Mężczyzna ma obowiązek opiekować się kobietą, zachowując jej godność. Ale ogólnie rzecz biorąc, kocham ludzi o delikatnej strukturze psychicznej. W końcu jestem artystą.

Rozmowę prowadziła Oksana Lipina.

ROSYJSKIE TOWARZYSTWO FILOZOFICZNE

DZIAŁ „TEORIA I METODOLOGIA TWÓRCZOŚCI”

ROZWÓJ NAUKI

I KREATYWNOŚĆ

Monografia

Moskwa 2002

Rozwój nauki i kreatywności. Monografia. wyd. JAKIŚ. Loschilina, N.P. Francuski. M.: RFO RAS, 2002.

Pod redakcją ogólną

Doktor filozofii, profesor A.N. Loschilina,

Doktor filozofii, profesor N.P. Francuski

Monografia zbiorowa „Rozwój nauki i kreatywności” jest czwartą pracą zbiorową, która poświęcona jest systematycznemu uogólnianiu, prezentacji idei i doświadczeń zawodowych członków sekcji „Teoria i metodologia twórczości” w Prezydium Rosyjskiego Towarzystwa Filozoficznego . O ile pierwsza monografia „Filozofia twórczości” została poświęcona teoretycznym i metodologicznym problemom twórczości, druga i trzecia „Twórczość a rozwój kultury”, „Twórczość w przestrzeni i czasie kultury” - analizie roli twórczości w rozwoju kultury, wówczas niniejsza monografia podejmuje metodologiczne problemy rozwoju nauki i twórczości naukowej.

Praca może być przydatna dla badaczy zagadnień twórczych, zainteresowanych problematyką twórczości, studentów i doktorantów, a także do przygotowania kursów i kursów specjalistycznych z filozofii kultury, filozofii twórczości.

Recenzenci:

Doktor filozofii, profesor V.A. Titow,

Doktor filozofii, profesor V.A. Wasiliew

Doktorat Aleshnya S.V. , doktor, profesor nadzwyczajny Grishunin S.I. (1.3.), doktor filologii, prof. Ignatiev V.A. (1.8.), dr, profesor nadzwyczajny. Kataeva O.V. (2.11.), doktor, profesor nadzwyczajny. Kononova L.I. (2.9.), Kapitonova T.A. (1.9.), Koroleva S.A. (2.4.), doktor filologii, prof. Loschilin A.N. (2.9.), Loschilina M.A. (2.6., 2.7., 2.8., 2.9.), doktor filologii, Lyubimova T.B. (2.5.), Ph.D. - mgr inż., profesor nadzwyczajny Michajłowa E.M. (1.5.), dr. Markelov V.E., dr, prof. Metlenkov N.F.1.6.), doktor, profesor nadzwyczajny. Nedzvetskaya E.A., Svetlov S.V. (1.7.), doktor filologii, prof. Surkova L.V. (2.1.), Tikhomirova E.A. (2.9.), doktor filologii, prof. Frantsuzova N.P. (1.1.), dr, doc. Chelyshev P.V. (1.4.), doktor filologii, prof. Jakowlew V.A. (1.2.), doktor filologii, prof. Yatsenko L.V. (2.2.).

Ó Rosyjska Akademia Nauk,

Rosyjskie Towarzystwo Filozoficzne,

Sekcja „Teoria i metodologia twórczości”

PRZEDMOWA

W tej zbiorowej monografii „Rozwój nauki i kreatywności” praca stanowi kontynuację podsumowania doświadczeń z poprzednich badań prowadzonych przez członków sekcji „Teoria i metodologia kreatywności”. Kierownictwo sekcji postawiło sobie za zadanie podsumowanie niektórych wyników badań naukowych prowadzonych przez członków sekcji w latach 80.-90. XX w. i na początku XXI w. nad problematyką rozwoju nauki i twórczości naukowej, w celu uogólnienia doświadczeń i sformułowania głównych zadań dalszych badań w ramach sekcji „Twórczość Teorii i Metodologii” w Prezydium Rosyjskiego Towarzystwa Filozoficznego na najbliższe lata.

Niniejsza monografia zbiorowa stanowi kontynuację pracy podjętej w poprzednich monografiach zbiorowych: „Filozofia Twórczości”. M., 2002., „Twórczość i rozwój kultury”. M., 2002., „Twórczość w przestrzeni i czasie kultury”. M., 2002. Jeśli pierwsze trzy monografie poświęcone były filozoficznym problemom twórczości, roli kreatywności w rozwoju kultury, to niniejsza praca poświęcona jest problematyce rozwoju nauki, twórczości naukowej i metodologicznym problemom twórczości działalność.

W XX wieku, zwłaszcza w jego drugiej połowie, prowadzono pogłębione badania nad problematyką twórczości naukowej. Wynika to z jednej strony z szybkiego rozwoju nauki, ale także w związku z fundamentalnymi dziełami K. Poppera, T. Kuhna, P. Feyerabenda, L.A. Mikeshina, AT Shumilina, I.S. Ladenko, N.P. Frantsuzova, M.S. Kagana, Ya.A. Ponomareva, B.Ya. Pakhomova, S.N. Semenov i wielu innych zagranicznych i krajowych badaczy rozwoju nauki i twórczości naukowej. Zasadnicze prace nad problematyką rozwoju nauki umożliwiły na wiele sposobów nowe spojrzenie na proces i istotę działalności naukowców jako wspólnoty naukowej, ewolucyjne i rewolucyjne zmiany w rozwoju nauki, rolę nauki, paradygmatyczna wizja świata, kształtowanie naukowego obrazu świata, rola zasady kolektywnej w rozwoju nauki i wiele innych aspektów. Jednocześnie jednak wiele czynników wewnętrznego i zewnętrznego determinowania twórczości naukowej, istoty i roli skłonności i zdolności twórczych oraz sposobów ich kształtowania i rozwoju pozostawało poza całościowym rozważaniem. Nie ma wątpliwości, że rozwój nauki jest realizowany przez społeczność naukową. Ale każda społeczność naukowa składa się z zespołów naukowych, konkretnych osób o określonych zdolnościach, potrzebach i zainteresowaniach. I, jak zauważył Altshuller, nawet jeśli tysiąc kopaczy kopie jeden rów, każdy kopie go na swój sposób. W związku z tym pojawia się zadanie zbadania istoty i specyfiki twórczości nie tylko zbiorowej, ale także indywidualnej.

Członkowie redakcji nie byli stronniczy w ocenie niektórych idei i stanowisk teoretycznych, które znalazły odzwierciedlenie w niektórych fragmentach tej zbiorowej monografii, choć w niektórych kwestiach punkty widzenia autorów w dużej mierze się nie pokrywają.

Niniejsza monografia zbiorowa nie pretenduje do roli kompleksowej i wyczerpującej odpowiedzi na wszystkie problemy nauki, a tego w zasadzie nie da się zrobić. Autorzy starali się ujawnić jedynie te aspekty zadania, które są aktualnie najbardziej istotne. Mamy nadzieję kontynuować tę pracę w przyszłości.

KREATYWNOŚĆ I ROZWÓJ NAUKI.

Kultura i twórczość są ze sobą ściśle powiązane, a ponadto współzależne. Nie do pomyślenia jest mówienie o kulturze bez twórczości, gdyż jest to dalszy rozwój kultury (duchowej i materialnej). Twórczość możliwa jest jedynie w oparciu o ciągłość rozwoju kultury. Podmiot twórczości może realizować swoje zadanie jedynie wchodząc w interakcję z duchowym doświadczeniem ludzkości, z historycznym doświadczeniem cywilizacji. Twórczość jako warunek konieczny obejmuje przystosowanie jej przedmiotu do kultury, urzeczywistnienie niektórych rezultatów przeszłej działalności człowieka. Wzajemne oddziaływanie różnych jakościowych poziomów kultury powstające w procesie twórczym rodzi pytanie o związek tradycji z innowacją, gdyż nie da się zrozumieć natury i istoty innowacji w nauce, sztuce, technologii, ani też poprawnie wyjaśnić jej natury. innowacji w kulturze, języku, w różnych formach aktywności społecznej bez powiązania z dialektyką rozwoju tradycji. W konsekwencji tradycja jest jednym z wewnętrznych wyznaczników kreatywności. Stanowi podstawę, pierwotną podstawę aktu twórczego, wpaja podmiotowi twórczości pewną postawę psychologiczną, która przyczynia się do realizacji określonych potrzeb społeczeństwa.

Działalność twórcza jest głównym składnikiem kultury , jego istota. Kultura i twórczość są ze sobą ściśle powiązane, a ponadto współzależne. Nie do pomyślenia jest mówienie o kulturze bez twórczości, gdyż jest to dalszy rozwój kultury (duchowej i materialnej). Twórczość możliwa jest jedynie w oparciu o ciągłość rozwoju kultury. Podmiot twórczości może realizować swoje zadanie jedynie wchodząc w interakcję z duchowym doświadczeniem ludzkości, z historycznym doświadczeniem cywilizacji. Twórczość jako warunek konieczny obejmuje przystosowanie jej przedmiotu do kultury, urzeczywistnienie niektórych rezultatów przeszłej działalności człowieka.

Co rozumiemy przez kreatywność? Kreatywność to tworzenie wartości kulturowych i materialnych, które są nowe w projektowaniu.

Twórczość to działalność, która generuje coś jakościowo nowego i wyróżniającego się niepowtarzalnością, oryginalnością i wyjątkowością społeczno-historyczną. Twórczość jest specyficzna dla człowieka, gdyż zawsze zakłada twórcę – podmiot działalności twórczej; w przyrodzie zachodzi proces rozwoju, ale nie kreatywność. .

Najbardziej adekwatną definicję kreatywności podaje S.L. Rubinsteina, według którego twórczość to działalność, która „tworzy coś nowego, oryginalnego, co zresztą wpisuje się nie tylko w historię rozwoju samego twórcy, ale także w historię rozwoju nauki, sztuki itp. .” . Krytyka tej definicji w odniesieniu do twórczości przyrody, zwierząt itp. jest bezproduktywna, gdyż zrywa z zasadą kulturowo-historycznego określania twórczości. Utożsamianie kreatywności z rozwojem (który zawsze oznacza generowanie czegoś nowego) nie przybliża nas do wyjaśniania czynników leżących w mechanizmach kreatywności jako generowania nowych wartości kulturowych.

Kreatywność jest ogólnym kryterium działalności człowieka i dlatego ma charakter ponadnarodowy. Jednak kreatywność jest nadal narzędziem. Bez wątpienia jest to jedyne narzędzie. Ale proces musi mieć cel. Bezsensowny ruch początkowo nie istnieje.

Twórczość jako kryterium rozwoju kultury

Społeczeństwo, tworząc sztuczną naturę, jednocześnie tworzy ludzi, którzy są w stanie konsumować zakodowaną w niej kulturę. W ten sposób kultura społeczeństwa odsłania swoją dwoistą naturę. Z jednej strony są to skamieniałe, skumulowane formy aktywności, utrwalone w przedmiotach, z drugiej strony – mentalne formy aktywności, utrwalone w umysłach ludzi. Żywa kultura społeczeństwa powstaje z jedności obiektywnych i możliwych do wyobrażenia elementów. Materialne i duchowe, obiektywne i subiektywne składniki kultury jednego społeczeństwa nie mogą pokrywać się z elementami kultury innych narodów lub epok. Zatem żywność lub odzież niektórych narodów nie pasuje do kultury innych: w końcu każde społeczeństwo tworzy własne „obiekty kulturowe” i własne „jednostki kulturowe”. Z sumy tych biegunów powstają określone typy historyczne kultur.

I bez względu na to, jakie materialne i duchowe elementy kultury weźmiemy pod uwagę, z pewnością dostrzeżemy w nich specyficzny ślad naszych czasów. Obrazy Rafaela i Aiwazowskiego, pieśni średniowiecznych bardów i Wysockiego, mosty Florencji i Petersburga, statki fenickie, parowiec Fultona i nowoczesne lotniskowce, łaźnie rzymskie i wschodnie łaźnie siarkowe, katedra w Kolonii i katedra św. Bazylego, australijscy Aborygeni i break tańce, greckie tuniki i gruzińskie burki – wszystko i wszędzie nosi piętno czasu. Ludzie, którzy opanowali te specyficzne historyczne typy kultur, będą w naturalny sposób różnić się od siebie zarówno formą, jak i treścią przejawów swojej kultury.

Kultura dialektycznie jednoczy to, co narodowe i to, co uniwersalne. Zawsze ma charakter narodowy. Najlepsze osiągnięcia wszystkich kultur narodowych tworzą kulturę uniwersalną świata. Ale „uniwersalny” nie oznacza nienarodowy. Wzbogaciwszy skarbnicę kultury światowej, Puszkin i Tołstoj pozostają wielkimi pisarzami rosyjskimi, tak jak Goethe pozostaje pisarzem niemieckim, a Mark Twain amerykańskim. A jeśli już mowa o kulturze, równie niewłaściwe jest „denacjonizowanie” kultury światowej i zamykanie jej w ograniczonej przestrzeni wąsko narodowej.

Ale kultura nie tylko wprowadza człowieka w zgromadzony w doświadczeniu dorobek poprzednich pokoleń. Jednocześnie stosunkowo rygorystycznie ogranicza wszelkie rodzaje jego aktywności społecznej i osobistej, odpowiednio je regulując, w czym przejawia się jego funkcja regulacyjna. Kultura zawsze zakłada pewne granice zachowań, ograniczając tym samym wolność człowieka. Z. Freud definiował ją jako „wszelkie instytucje niezbędne do uporządkowania relacji międzyludzkich” i argumentował, że wszyscy ludzie odczuwają poświęcenia, jakich wymaga od nich kultura w imię możliwości wspólnego życia. Z tym raczej nie warto polemizować, gdyż kultura ma charakter normatywny. W szlacheckim środowisku minionych wieków normą było odpowiadanie na wiadomość przyjaciela, że ​​bierze ślub, pytaniem: „A jaki posag bierzesz dla panny młodej?” Ale to samo pytanie zadano w podobnej sytuacji dzisiaj można uznać za obrazę.Normy się zmieniły i zapomnijcie o tym, że tak nie powinno być.

Kultura jednak nie tylko ogranicza wolność człowieka, ale także tę wolność zapewnia. Porzuciwszy anarchistyczne rozumienie wolności jako całkowitego i nieograniczonego permisywizmu, literatura marksistowska przez długi czas w uproszczeniu interpretowała ją jako „świadomą konieczność”. Tymczasem wystarczy jedno pytanie retoryczne (czy człowiek wypadając z okna jest wolny w locie, jeśli zdaje sobie sprawę z konieczności istnienia prawa grawitacji?), aby pokazać, że znajomość konieczności jest jedynie warunkiem wolności, ale jeszcze nie samą wolnością . To drugie pojawia się tam, gdzie i kiedy podmiot ma możliwość wyboru pomiędzy różnymi opcjami zachowania. Jednocześnie wiedza o konieczności wyznacza granice, w obrębie których można dokonywać wolnego wyboru.

Kultura może zapewnić człowiekowi naprawdę nieograniczone możliwości wyboru, tj. aby urzeczywistnić swoją wolność. W przypadku jednostki liczba zajęć, którym może się ona poświęcić, jest praktycznie nieograniczona. Jednak każdy rodzaj działalności zawodowej to zróżnicowane doświadczenie poprzednich pokoleń, tj. kultura.

Opanowanie kultury ogólnej i zawodowej jest warunkiem koniecznym przejścia człowieka od aktywności reprodukcyjnej do twórczej. Twórczość jest procesem swobodnej samorealizacji jednostki. Wreszcie, w środowisku wypoczynku kultura nieustannie zmusza człowieka do wyboru, czemu poświęcić swój czas (teatr? kino? telewizja? książka? spacer? zwiedzanie?), co dokładnie preferować (KVH w pierwszym programie, wywiad z słynny polityk na drugim lub „horror” „w kanale kablowym?), Jak wdrożyć dokonany wybór (oglądać KVN w domu, na imprezie, czy w domu, ale w obecności gości?). Każda biblioteka okręgowa może zaoferować tak wiele alternatyw do wyboru, że niedoświadczony czytelnik może się nawet zdezorientować. I to nie jest przypadek. Im mniej człowiek wie o świecie kultury, tym węższe ma możliwości i tym mniej jest wolny. I wzajemnie. To nie przypadek, że słynny rosyjski filozof N.A. Bierdiajew uważał wolność za najważniejszą istotną cechę kultury.

Owoce cywilizacji i kultury, z których korzystamy na co dzień w życiu codziennym, postrzegamy jako coś zupełnie naturalnego, będącego efektem rozwoju produkcji i stosunków społecznych. Ale za taką bezimienną ideą kryje się wielu badaczy i wielkich mistrzów opanowujących świat w procesie swojej ludzkiej działalności. To twórcza działalność naszych poprzedników i współczesnych leży u podstaw postępu produkcji materialnej i duchowej.

Twórczość jest cechą działalności człowieka – jest historycznie ewolucyjną formą działalności człowieka, wyrażającą się w różnego rodzaju działaniach i prowadzącą do rozwoju osobowości. Głównym kryterium rozwoju duchowego człowieka jest opanowanie pełnego i kompletnego procesu kreatywności.

Kreatywność jest pochodną realizacji przez jednostkę unikalnych potencjałów w określonym obszarze. Istnieje zatem bezpośredni związek pomiędzy procesem twórczym a realizacją ludzkich zdolności w działaniach o znaczeniu społecznym, które nabierają charakteru samorealizacji.

Zatem działalność twórcza jest działalnością amatorską, obejmującą zmianę rzeczywistości i samorealizację jednostki w procesie tworzenia wartości materialnych i duchowych, co przyczynia się do poszerzania granic możliwości człowieka.

Należy też zaznaczyć, że nie jest aż tak ważne, w czym dokładnie przejawia się podejście twórcze, w umiejętności „gry” na krośnie, jak na instrumencie muzycznym, czy w śpiewie operowym, w umiejętności rozwiązywania wynalazczych czy organizacyjnych problemy. Żaden rodzaj działalności człowieka nie jest obcy podejściu twórczemu.

W wyniku rozwiązania postawionych w pracy problemów należy zauważyć, że kultura i twórczość to dwa nierozerwalnie powiązane procesy. Podnoszenie poziomu kultury społeczeństwa zwiększa liczbę twórczych jednostek, wychowanych na dorobku kulturalnym poprzednich pokoleń. A jednocześnie twórczość jednego człowieka jest potężną podstawą rozwoju kultury klasy, narodu i ludzkości.