Klasycyzm (literatura rosyjska). Kultura muzyczna klasycyzmu: zagadnienia estetyczne, klasyka muzyki wiedeńskiej, główne gatunki

Kolejny wpływowy styl XVII wieku. stał się klasycyzmem (od łacińskiego „classicus” - „wzorowy”). Skupił się na naśladowaniu starożytnych wzorów, co wcale nie oznaczało ich prostego powtarzania. Pojawienie się klasycyzmu jako integralnego systemu stylów wiązało się z ustanowieniem absolutyzmu we Francji. Monarchowie byli pod wrażeniem idei majestatycznego porządku, imponującej jedności i ścisłego podporządkowania. Państwo, udając, że jest „rozsądne”, starało się być postrzegane jako zasada stabilizująca, jednocząca. Podobne aspiracje tkwiły w świadomości burżuazji, która podzielała ideał racjonalnie zorganizowanego państwa. Atrakcyjną stroną klasycyzmu była jego orientacja moralna i obywatelska.

Zwolennicy klasycyzmu wierzyli, że sztuka ma odzwierciedlać nie tyle realne, ile uszlachetnione, idealne życie, zbudowane na zasadach racjonalności, przyczyniające się do doskonalenia człowieka i społeczeństwa. Pod tym względem klasycyzm starał się wyrazić wzniosłe ideały, symetrię i ścisłą organizację, logiczne i jasne proporcje, harmonię formy i treści dzieła literackiego, obrazowego lub muzycznego.

Estetyka klasycyzmu ukształtowała ścisłą hierarchię gatunków. Podzielono je na "wysoki"(tragedia, epos, oda, obraz historyczny, mitologiczny, religijny itp.) i "Niski"(komedia, satyra, bajka, malarstwo rodzajowe, pejzaż, martwa natura itp.). Każdy gatunek miał ścisłe granice, a mieszanie ich uznano za niedopuszczalne.

Architektura. W przeciwieństwie do pretensjonalnego baroku, architekturę klasycyzmu charakteryzowała wyraźna geometria form, logika i regularność układu, połączenie gładkiej ściany z porządkiem, portykami, kolumnadami, posągami, płaskorzeźbami i powściągliwą dekoracją. Budynek w całym swoim wyglądzie musiał wykazywać się przejrzystością, porządkiem i reprezentatywnością. Symetria stała się integralną cechą wszelkich kompozycji architektonicznych. Powściągliwa i majestatyczna sztuka starożytnych Greków i Rzymian stała się wzorem do naśladowania, dlatego podstawą języka architektonicznego klasycyzmu był porządek zbliżony proporcjami i formą do starożytnego. Projekt przestrzenny budynków wyróżniał się przejrzystymi planami i przejrzystą logiką elewacji, w której wystrój architektoniczny stanowił jedynie „dopełnienie” nie przesłaniające ogólnej konstrukcji budynku. Już w budynkach jednego z twórców francuskiego klasycyzmu, architekta Francois Mansara(1598 - 1666) plastyczne bogactwo barokowego wystroju fasad łączy się z przejrzystością i prostotą ogólnej kompozycji wolumetryczno-przestrzennej ( Pałac Maisons– Laffite'a).

Do natury wprowadzono nawet ścisły porządek. Francuski mistrz ogrodów i architekt krajobrazu Andre Le Notre(1613–1700) stał się twórcą systemu regularnego, tzw. Francuski»parkować.

Wnętrza budynków wyróżniała stonowana kolorystyka, umiarkowane wykorzystanie detali plastycznych i rzeźbiarskich oraz szerokie wykorzystanie efektów obrazowych i perspektywicznych.

Klasycyzm został przyjęty jako styl wiodący w absolutystycznych monarchiach Europy. Wielki sukces odniósł także w Anglii, gdzie od końca XVII wieku. stał się wiodącym stylem budynków urzędowych. Najbardziej znanym z nich był Londyn Katedra Św. Paweł- największy kościół protestancki na świecie. Idee najwybitniejszego angielskiego architekta i naukowca KrzysztofRena(1632–1723), zawarte w tej świątyni, wywarły znaczący wpływ na rozwój architektury sakralnej w Europie i USA.

We Francji za panowania Ludwika XIV (1643–1715) na gruncie klasycyzmu ukształtowało się tzw. Duży styl" Surowy i racjonalny klasycyzm nie mógł w pełni odzwierciedlić triumfu i wielkości monarchii absolutnej. Dlatego francuscy mistrzowie zwrócili się ku formom włoskiego baroku, z którego klasycyzm zapożyczył część elementów dekoracyjnych. Rezultatem tego było utworzenie dwóch wspaniałych zespołów - pałacu królewskiego Żaluzja i wiejska rezydencja królewska Wersal. W ich budowie brał czynny udział jeden z czołowych mistrzów francuskiego klasycyzmu. Ludwik Lewo(ok. 1612–1670). Innym znanym twórcą Wersalu jest architekt i urbanista Julesa Hardouina-Mansarta(1646–1708) był także autorem wspaniałego dzieła Katedra Inwalidów w Paryżu. „Wielki styl” zapewnił stopniowe rozprzestrzenianie się idei klasycyzmu w większości krajów europejskich i położył podwaliny pod międzynarodową kulturę dworską w Europie.

Obraz. Podobnie jak w innych dziedzinach sztuki, w malarstwie artyści musieli skupiać się na doskonałych przykładach starożytności i wysokiego renesansu. Tematyka obrazów zapożyczona została głównie z mitologii i historii starożytnej, a bohaterowie ukazani jako ludzie o silnych charakterach i czynach. Jednym z głównych był temat obowiązku, motyw afirmacji najwyższych zasad etycznych. Według estetyki klasycyzmu głównym kryterium piękna był rozum, dlatego w przeciwieństwie do baroku klasycyzm nie pozwalał na przesadną ekspresję emocjonalną. Miara i porządek stały się podstawą malarstwa klasycznego. Obrazy należało wyróżniać ogólną harmonią, a postacie surowością i klasyczną kompletnością. Głównymi elementami modelowania form były linia i światłocień. Kolorowi przypisywano rolę podrzędną, wykorzystywano go do uwypuklenia plastyczności postaci i przedmiotów, do oddzielenia planów przestrzennych obrazu.

Logiczny rozwój fabuły, proporcjonalność części całości, zewnętrzny porządek, harmonia, równowaga kompozycji – wszystko to stało się charakterystycznymi cechami stylu słynnego francuskiego artysty NikolaPoussin(1594–1665). Poussin często sięgał do tematów z historii starożytnej („ Śmierć Germanika„), mitologia („ Królestwo Flory"), oddając je w służbie swojej współczesnej epoki. Gloryfikując przykłady wysokiej moralności i męstwa obywatelskiego, starał się wychować doskonałą osobowość. Głęboki filozoficzny sens dogmatów chrześcijańskich artysta odsłonił w cyklu „ Siedem Sakramentów».

Zasady klasycyzmu są wyraźnie odzwierciedlone w krajobrazie. Artyści starali się przedstawić nie prawdziwą, ale „ulepszoną” naturę, stworzoną przez artystyczną wyobraźnię twórcy. „Pejzaż idealny”, ucieleśniający marzenie klasycystów o „złotym wieku” ludzkości, znalazł odzwierciedlenie w obrazach Claude Lorrain(1600–1682). Jego idylliczne krajobrazy z nieskończonymi odległościami („ Sanktuarium w Delfach") wywarł ogromny wpływ na rozwój europejskiego, a przede wszystkim angielskiego malarstwa pejzażowego.

Teatr i literatura. Prawa klasycyzmu najdobitniej przejawiały się w dramacie. W XVII wieku ukształtowały się główne zasady konstruowania klasycznej tragedii: jedność akcji, miejsca i czasu; prostota fabuły, w której rozsądek i obowiązek zwyciężyły nad elementarnymi ludzkimi uczuciami i namiętnościami. Główna intryga nie powinna dezorientować widza i pozbawiać obrazu jego integralności. Wiele uwagi poświęcono wewnętrznemu światu bohatera, który ucieleśnia sprzeczność ludzkiej osobowości.

Wybitnym przedstawicielem klasycyzmu był francuski dramaturg Pierre’a Corneille’a(1606-1684). Temat państwa jako ucieleśnienia rozumu i interesów narodowych przewijał się w wielu jego tragediach („ Horacy», « Cinna„). Trzon tragikomedii stanowi tragiczny konflikt pasji i obowiązku”. Sid».

Problemy relacji jednostka–państwo stały się podstawą fabuły wielu tragedii Jeana Racine’a(1639-1699). Jego " Fedra„stał się szczytem dramaturgii nie tylko samego pisarza, ale całego francuskiego klasycyzmu.

Mniej wyraźnie wymagania klasycyzmu przejawiały się w komediach. W XVII wieku z dramatu francuskiego zrodził się największy komik, twórca gatunku komedii społecznej Jeana Baptiste’a Moliera(1622–1673). W swojej twórczości wyśmiewał uprzedzenia klasowe szlachty, ciasnotę burżuazji, hipokryzję duchowieństwa i korupcyjną siłę pieniądza („ Tartuffe», « Don Juan», « Handlarz w szlachcie„). To dzięki Molierowi w 1680 roku w Paryżu pojawił się słynny teatr Comedie Française.

W teatrze XVII w. rozwinęła się klasyczna szkoła tragicznej zabawy ( Floridor, Scaramouche, M. Bejart, Molière). Charakteryzował się szczególnym sposobem zachowania aktorów na scenie, wyważoną lekturą poezji oraz całym systemem intonacji i gestów.

W literaturze klasycyzmu znaczącą rolę odgrywają proza. Utwory prozatorskie pisane w stylu klasycznym z reguły odzwierciedlały poglądy polityczne, filozoficzne, religijne i etyczne swoich autorów i miały wyraźny charakter edukacyjny i moralizujący. W literaturze prozatorskiej dominowały dzieła w formie listów, eksperymentów moralistycznych lub filozoficznych, aforyzmów, kazań, mów pogrzebowych i wspomnień.

Muzyka. We Francji zasady klasycyzmu wpłynęły na ukształtowanie się francuskiego stylu operowego. Tak więc w operach wybitnego francuskiego kompozytora i dyrygenta Jean-Baptiste Lully(1632–1687) ucieleśniał takie charakterystyczne cechy klasycystyczne, jak patos i heroizm, prymat zasady „symetrii muzycznej” oraz dominacja tematów mitologicznych („ Perseusz», « Faeton»).

Klasycyzm przeniknął także do muzyki instrumentalnej. We Włoszech narodziła się tradycja klasycznej techniki skrzypcowej, która w dużej mierze przetrwała do dziś. Jej założycielem był Arcangelo Corelliego(1653–1713). Stał się jednym z twórców sonaty skrzypcowej i gatunku koncert brutto(„duży koncert”), który stał się podstawą rozwoju muzyki symfonicznej.

Pochodzący z absolutystycznej Francji klasycyzm zyskał szerokie uznanie niemal we wszystkich krajach Europy, stając się znaczącym kamieniem milowym w ich rozwoju artystycznym.

Klasycyzm (od łacińskiego classicus - wzorowy) to styl i kierunek artystyczny w sztuce Europy XVII - XIX wieku. Opiera się na ideach racjonalizmu, którego głównym celem jest edukacja społeczeństwa w oparciu o pewien ideał, model, do którego jest podobny. Przykładem była kultura świata starożytnego. Zasady i kanony klasycyzmu miały ogromne znaczenie; musieli ich przestrzegać wszyscy artyści działający w ramach tego kierunku i stylu.

Historia pochodzenia

Klasycyzm jako ruch obejmował wszystkie rodzaje sztuki: malarstwo, muzykę, literaturę, architekturę.

Klasycyzm, którego głównym celem jest edukacja społeczeństwa w oparciu o pewien ideał i przestrzeganie wszystkich ogólnie przyjętych kanonów, jest całkowitym przeciwieństwem, które zaprzeczało wszelkim zasadom i było buntem przeciwko jakiejkolwiek tradycji artystycznej w jakimkolwiek kierunku.

W swoim rozwoju klasycyzm przeszedł 3 etapy:

1. Wczesny klasycyzm(lata 60. XVIII w. – początek lat 80. XVIII w.);
2. Surowy klasycyzm(1780–1790);
3. Późny klasycyzm, zwane (pierwsze 30 lat XIX w.).

Zdjęcie przedstawia Łuk Triumfalny w Paryżu - uderzający przykład klasycyzmu.

Funkcje stylu

Klasycyzm charakteryzuje się wyraźnymi geometrycznymi kształtami, wysokiej jakości materiałami, szlachetnymi wykończeniami i powściągliwością. Majestat i harmonia, wdzięk i luksus - to główne cechy charakterystyczne klasycyzmu. później eksponowane we wnętrzach minimalistycznych.

Ogólne cechy stylu:

• gładkie ściany z delikatnymi motywami kwiatowymi;
• elementy starożytności: pałace i kolumny;
• stiuk;
• wykwintny parkiet;
• tapeta z tkaniny na ścianach;
• eleganckie, pełne wdzięku meble.

Cechami charakterystycznymi rosyjskiego stylu klasycznego były spokojne prostokątne kształty, powściągliwy, a jednocześnie urozmaicony wystrój, precyzyjne proporcje, dostojny wygląd, harmonia i smak.

Zewnętrzny

Zewnętrzne oznaki architektury klasycystycznej są wyraźnie wyrażone i można je rozpoznać już na pierwszy rzut oka.

• Wzory: stabilny, masywny, prostokątny i łukowaty. Kompozycje są wyraźnie zaplanowane, zachowana jest ścisła symetria.
• Kształty: wyraźna geometria, objętość i monumentalność; posągi, kolumny, nisze, rotundy, półkule, frontony, fryzy.
• Linie:ścisły; regularny system planowania; płaskorzeźby, medaliony, gładki wzór.
• Materiały: kamień, cegła, drewno, sztukaterie.
• Dach: złożony, skomplikowany kształt.
• Dominujące kolory: bogaty biały, zielony, różowy, fioletowy, błękitny, złoty.
• Elementy charakterystyczne: powściągliwy wystrój, kolumny, pilastry, ozdoby antyczne, marmurowe schody, balkony.
• Okno: półokrągłe, prostokątne, wydłużone ku górze, skromnie zdobione.
• Drzwi: prostokątny, wyłożony boazerią, często ozdobiony posągami (lew, sfinks).
• Dekoracje: rzeźba, złocenie, brąz, macica perłowa, intarsja.

Wnętrze

Wnętrze pomieszczeń z epoki klasycyzmu zawiera szlachetność, powściągliwość i harmonię. Jednak wszystkie elementy wyposażenia wnętrz nie wyglądają jak eksponaty muzealne, a jedynie podkreślają subtelny gust artystyczny i szacunek właściciela.

Pokój ma prawidłowy kształt, wypełniony jest atmosferą szlachetności, komfortu, ciepła i wykwintnego luksusu; nie przeładowany szczegółami.

Centralne miejsce w dekoracji wnętrz zajmują materiały naturalne, głównie cenne drewno, marmur, kamień i jedwab.

• Sufity: jasne, wysokie, często wielopoziomowe, ze sztukaterią i zdobieniami.
• Ściany: ozdobione tkaninami, jasne, ale nie jasne, możliwe są pilastry i kolumny, sztukaterie lub malowanie.
• Posadzka: parkiet wykonany z cennych gatunków drewna (merbau, camsha, teak, jatoba) lub marmuru.
• Oświetlenie:żyrandole wykonane z kryształu, kamienia lub drogiego szkła; złocone żyrandole z abażurami w kształcie świec.
• Obowiązkowe atrybuty wnętrza: lustra, kominki, przytulne niskie fotele, niskie stoliki herbaciane, jasne ręcznie robione dywany, obrazy ze scenami antycznymi, książki, masywne wazony podłogowe w stylu antycznym, stojaki na kwiaty na trójnogu.

W wystroju pomieszczeń często wykorzystuje się motywy antyczne: meandry, girlandy, girlandy laurowe, sznury pereł. Do dekoracji wykorzystuje się drogie tkaniny, w tym gobeliny, taftę i aksamit.

Meble

Meble z epoki klasycznej wyróżniają się jakością i szacunkiem, wykonane z drogich materiałów, głównie cennego drewna. Warto zauważyć, że faktura drewna pełni nie tylko rolę materiału, ale także elementu dekoracyjnego. Elementy mebli wykonywane są ręcznie, zdobione rzeźbami, złoceniami, intarsjami, kamieniami szlachetnymi i metalami. Ale forma jest prosta: surowe linie, wyraźne proporcje. Stoły i krzesła do jadalni wykonane są z eleganckich rzeźbionych nóg. Naczynia są porcelanowe, cienkie, niemal przezroczyste, ze wzorem i złoceniami. Sekretarka o sześciennej budowie na wysokich nogach uznawana była za jeden z najważniejszych atrybutów mebli.

Architektura

Klasycyzm sięgnął do podstaw architektury starożytnej, wykorzystując w projektowaniu nie tylko elementy i motywy, ale także wzorce. Podstawą języka architektonicznego jest porządek z jego ścisłą symetrią, proporcjonalnością tworzonej kompozycji, regularnością układu i przejrzystością formy wolumetrycznej.

Klasycyzm jest całkowitym przeciwieństwem swojej pretensjonalności i dekoracyjnych ekscesów.

Powstały nieufortyfikowane pałace oraz zespoły ogrodowo-parkowe, które stały się podstawą ogrodu francuskiego z wyprostowanymi alejkami, przystrzyżonymi trawnikami w kształcie szyszek i kul. Typowymi detalami klasycyzmu są akcentowane schody, klasyczny wystrój antyczny, kopuła w budynkach użyteczności publicznej.

Późny klasycyzm (styl empirowy) zyskuje symbolikę militarną („Łuk Triumfalny” we Francji). W Rosji Petersburg można nazwać kanonem stylu architektonicznego klasycyzmu, w Europie są to Helsinki, Warszawa, Dublin, Edynburg.

Rzeźba

W epoce klasycyzmu powszechne stały się pomniki publiczne ucieleśniające waleczność militarną i mądrość mężów stanu. Co więcej, głównym rozwiązaniem dla rzeźbiarzy był model przedstawiania znanych postaci na obrazach starożytnych bogów (na przykład Suworow - w postaci Marsa). Wśród osób prywatnych popularne stało się zamawianie nagrobków rzeźbiarzom w celu utrwalenia ich imion. Ogólnie rzeźby epoki charakteryzują się spokojem, powściągliwością gestów, beznamiętną ekspresją i czystością linii.

Moda

Zainteresowanie antykiem w ubiorze zaczęło objawiać się w latach 80. XVIII wieku. Było to szczególnie widoczne w stroju kobiecym. W Europie pojawił się nowy ideał piękna, który celebrował naturalne formy i piękne kobiece linie. W modzie weszły najlepsze gładkie tkaniny w jasnych kolorach, zwłaszcza białym.

Sukienki damskie straciły oprawy, wypełnienia i halki i przybrały formę długich, plisowanych tunik, rozciętych po bokach i wiązanych paskiem pod biustem. Noszono je na rajstopach w kolorze cielistym. Jako obuwie służyły sandały z wstążkami. Fryzury są kopiowane od starożytności. Puder, którym zaczęto pokrywać twarz, dłonie i dekolt, wciąż jest w modzie.

Dodatkami były muślinowe turbany ozdobione piórami, tureckie szaliki lub kaszmirskie szale.

Od początku XIX wieku zaczęto szyć suknie wizytowe z trenami i głębokim dekoltem. A w sukienkach codziennych dekolt zakrywano koronkową chustą. Fryzura stopniowo się zmienia, a proszek przestaje być używany. Moda obejmuje włosy krótko przycięte, skręcone w loki, przewiązane złotą wstążką lub ozdobione koroną z kwiatów.

Moda męska rozwinęła się pod wpływem Brytyjczyków. Popularne stają się fraki angielskie, redingoty (odzież wierzchnia przypominająca surdut), żaboty i mankiety. Krawaty męskie stały się modne w epoce klasycyzmu.

Sztuka

W malarstwie klasycyzm charakteryzuje się także powściągliwością i surowością. Głównymi elementami formy są linia oraz światło i cień. Kolor lokalny podkreśla plastyczność obiektów i postaci oraz dzieli plan przestrzenny obrazu. Największy mistrz XVII wieku. – Lorraine Claude, znana ze swoich „idealnych krajobrazów”. Patos obywatelski i liryzm połączyły się w „pejzażach dekoracyjnych” francuskiego malarza Jacques’a Louisa Davida (XVIII w.). Wśród artystów rosyjskich można wyróżnić Karola Bryulłowa, który łączył klasycyzm z (XIX w.).

Klasycyzm w muzyce kojarzy się z tak wielkimi nazwiskami jak Mozart, Beethoven czy Haydn, którzy zdeterminowali dalszy rozwój sztuki muzycznej.

Literatura

Literatura epoki klasycznej promowała rozum zwyciężający uczucia. Podstawą fabuły dzieła literackiego jest konflikt obowiązku z namiętnościami. W wielu krajach przeprowadzono reformy językowe i położono podwaliny sztuki poetyckiej. Czołowymi przedstawicielami kierunku są Francois Malherbe, Corneille, Racine. Główną zasadą kompozycyjną dzieła jest jedność czasu, miejsca i akcji.

W Rosji klasycyzm rozwija się pod auspicjami Oświecenia, którego głównymi ideami były równość i sprawiedliwość. Najwybitniejszym przedstawicielem literatury epoki rosyjskiego klasycyzmu jest M. Łomonosow, który położył podwaliny wersyfikacji. Głównym gatunkiem była komedia i satyra. Fonvizin i Kantemir pracowali w tym kierunku.

Za „złoty wiek” uważa się epokę klasycyzmu w sztuce teatralnej, która rozwijała się bardzo dynamicznie i doskonaliła. Teatr był w miarę profesjonalny, a aktor na scenie nie tylko grał, ale żył, doświadczał, pozostając sobą. Styl teatralny został ogłoszony sztuką deklamacji.

Osobowości

Wśród najwybitniejszych klasycystów można wyróżnić także takie nazwiska jak:

• Jacques-Ange Gabriel, Piranesi, Jacques-Germain Soufflot, Bazhenov, Carl Rossi, Andrey Voronikhin (architektura);
• Antonio Canova, Thorvaldsen, Fedot Shubin, Borys Orłowski, Michaił Kozłowski (rzeźba);
• Nicolas Poussin, Lebrun, Ingres (malarstwo);
• Voltaire, Samuel Johnson, Derzhavin, Sumarokov, Khemnitser (literatura).

Recenzja wideo klasycyzmu

Wniosek

Idee z epoki klasycyzmu z powodzeniem wykorzystywane są we współczesnym designie. Zachowuje szlachetność i elegancję, piękno i wielkość. Głównymi elementami są malowidła ścienne, draperie, sztukaterie, meble wykonane z naturalnego drewna. Dekoracji jest niewiele, ale wszystkie są luksusowe: lustra, obrazy, masywne żyrandole. Ogólnie rzecz biorąc, styl nadal charakteryzuje właściciela jako osobę szanowaną, bynajmniej nie biedną.

Później pojawia się kolejny, który oznaczał nadejście nowej ery - to. stał się połączeniem kilku stylów nowożytnych, do których zalicza się nie tylko klasycyzm, ale także barok (w malarstwie), kulturę starożytną i renesans.

Queen’s House – Queen’s House, 1616-1636) w Greenwich Architekt Inigo Jones

Nadszedł czas, a wysoki mistycyzm gotyku, który przeszedł próby renesansu, ustępuje nowym ideom opartym na tradycjach starożytnych demokracji. Pragnienie imperialnej wielkości i ideałów demokracji przekształciło się w retrospekcję naśladowania starożytnych - tak pojawił się klasycyzm w Europie.

Na początku XVII w. wiele krajów europejskich stało się imperiami handlowymi, wyłoniła się klasa średnia, nastąpiły przemiany demokratyczne, a religia w coraz większym stopniu była podporządkowana władzy świeckiej. Bogów było znowu wielu i przydała się starożytna hierarchia boskiej i światowej mocy. Nie mogło to niewątpliwie wpłynąć na trendy w architekturze.

W XVII wieku we Francji i Anglii nowy styl powstał niemal niezależnie - klasycyzm. Podobnie jak współczesny barok, stał się naturalnym rezultatem rozwoju architektury renesansowej i jej przemian w różnych warunkach kulturowych, historycznych i geograficznych.

Klasycyzm(francuski klasycyzm, od łac. classicus - wzorcowy) - styl artystyczny i kierunek estetyczny w sztuce europejskiej końca XVII - początków XIX wieku.

Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizm wywodzącego się z filozofii Kartezjusz. Dzieło sztuki z punktu widzenia klasycyzmu powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ukazując w ten sposób harmonię i logikę samego wszechświata. Klasycyzm interesuje tylko to, co wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się on rozpoznać jedynie istotne cechy typologiczne, odrzucając przypadkowe cechy indywidualne. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm przejmuje wiele zasad i kanonów ze sztuki starożytnej (Arystoteles, Platon, Horacy...).

Barokowy był ściśle związany z Kościołem katolickim. Klasycyzm, czyli powściągliwe formy baroku, okazał się bardziej akceptowalny w krajach protestanckich, takich jak Anglia, Holandia, północne Niemcy, a także w katolickiej Francji, gdzie król był znacznie ważniejszy od papieża. Majątek idealnego króla powinien mieć idealną architekturę, podkreślającą prawdziwą wielkość monarchy i jego rzeczywistą władzę. „Francja to ja” – oznajmił Ludwik XIV.

W architekturze klasycyzm rozumiany jest jako styl architektoniczny powszechny w Europie w XVIII - początku XIX wieku, którego główną cechą było odwołanie się do form architektury starożytnej jako standardu harmonii, prostoty, rygoru, logicznej przejrzystości, monumentalności i racjonalność wypełnienia przestrzeni. Architekturę klasycyzmu jako całości charakteryzuje regularność układu i klarowność formy wolumetrycznej. Podstawą języka architektonicznego klasycyzmu był porządek w proporcjach i formach zbliżonych do antyku, symetryczne kompozycje osiowe, powściągliwość dekoracji dekoracyjnej i regularny system urbanistyczny.

Zwykle podzielone dwa okresy w rozwoju klasycyzmu. Klasycyzm rozwinął się we Francji w XVII wieku, odzwierciedlając powstanie absolutyzmu. Wiek XVIII uważany jest za nowy etap w jego rozwoju, gdyż w tym czasie odzwierciedlał inne ideały obywatelskie, oparte na ideach filozoficznego racjonalizmu Oświecenia. Tym, co łączy oba okresy, jest idea rozsądnego modelu świata, pięknej, uszlachetnionej natury, chęć wyrażania wielkich treści społecznych, wzniosłych ideałów heroicznych i moralnych.

Architekturę klasycyzmu charakteryzuje rygor formy, przejrzystość układu przestrzennego, geometryczne wnętrza, miękkość barw i lakoniczność dekoracji zewnętrznej i wewnętrznej budynków. W odróżnieniu od budowli barokowych mistrzowie klasycyzmu nigdy nie stworzyli iluzji przestrzennych zaburzających proporcje budowli. A w architekturze parkowej tzw regularny styl, gdzie wszystkie trawniki i rabaty kwiatowe mają prawidłowy kształt, a tereny zielone są ułożone ściśle w linii prostej i starannie przycięte. ( Zespół ogrodowo-parkowy Wersalu)

Klasycyzm jest charakterystyczny dla XVII wieku. dla krajów, w których nastąpił aktywny proces formowania się państw narodowych i rosła siła rozwoju kapitalistycznego (Holandia, Anglia, Francja). Klasycyzm w tych krajach niósł ze sobą nowe cechy ideologii wschodzącej burżuazji, walczącej o stabilny rynek i poszerzającej siły wytwórcze, zainteresowanej centralizacją i narodowym zjednoczeniem państw. Będąc przeciwnikiem nierówności klasowych naruszających interesy burżuazji, jej ideologowie wysuwali teorię racjonalnie zorganizowanego państwa opartego na podporządkowaniu interesów klas. Uznanie rozumu za podstawę organizacji życia państwowego i społecznego opiera się na argumentach postępu naukowego, do którego burżuazja wszelkimi środkami dąży. To racjonalistyczne podejście do oceniania rzeczywistości zostało przeniesione na obszar sztuki, gdzie ważnym tematem stał się ideał obywatelstwa i triumf rozumu nad siłami żywiołu. Ideologia religijna jest w coraz większym stopniu podporządkowana władzy świeckiej i w wielu krajach przechodzi reformę. Zwolennicy klasycyzmu widzieli w starożytnym świecie przykład harmonijnego porządku społecznego, dlatego dla wyrażenia swoich ideałów społeczno-etycznych i estetycznych sięgnęli po przykłady antycznej klasyki (stąd określenie klasycyzm). Rozwijanie tradycji renesans, klasycyzm wiele wziął z dziedzictwa barokowy.

Klasycyzm architektoniczny XVII wieku rozwijał się w dwóch głównych kierunkach:

• pierwsza opierała się na rozwoju tradycji szkoły klasycznej późnego renesansu (Anglia, Holandia);
• drugi – wskrzeszając tradycje klasyczne, rozwinął w większym stopniu tradycje rzymskiego baroku (Francja).

Klasycyzm angielski

Twórcze i teoretyczne dziedzictwo Palladia, który wskrzesił dziedzictwo starożytne w całej jego rozciągłości i integralności tektonicznej, szczególnie spodobało się klasycystom. Miało to ogromny wpływ na architekturę tych krajów, które wybrały tę ścieżkę wcześniej niż inne Racjonalizm architektoniczny. Już z pierwszej połowy XVII wieku. w architekturze Anglii i Holandii, na które barok miał stosunkowo słaby wpływ, pod jego wpływem wyznaczono nowe cechy Klasycyzm palladiański. Szczególnie ważną rolę w rozwoju nowego stylu odegrał angielski architekt. Inigo Jonesa (Inigo Jonesa) (1573-1652) - pierwsza bystra jednostka twórcza i pierwsze naprawdę nowe zjawisko w architekturze angielskiej XVII wieku. Jest właścicielem najwybitniejszych dzieł angielskiego klasycyzmu XVII wieku.

W 1613 roku Jones udał się do Włoch. Po drodze odwiedził Francję, gdzie mógł zobaczyć wiele z najważniejszych budynków. Ta podróż najwyraźniej stała się decydującym impulsem w ruchu architekta Jonesa w kierunku wskazanym przez Palladio. Z tego czasu pochodzą jego notatki na marginesach traktatu Palladia i w albumie.

Charakterystyczne jest, że jedyna wśród nich ogólna ocena architektury poświęcona jest uzasadnionej krytyce pewnych nurtów w architekturze późnorenesansowej Włoch: Jones zarzuca Michał Anioł i jego zwolenników, że zapoczątkowali nadmierne stosowanie skomplikowanej dekoracji i twierdzi, że architektura monumentalna, ok. w przeciwieństwie do scenografii i krótkotrwałych budynków świetlnych musi być poważny, wolny od afektacji i oparty na zasadach.

W 1615 roku Jones wrócił do ojczyzny. Zostaje mianowany generalnym inspektorem Ministerstwa Dzieł Królewskich. W przyszłym roku zaczyna budować jedno ze swoich najlepszych dzieł Dom Królowej – Dom Królowej, 1616-1636) w Greenwich.

W Queens House architekt konsekwentnie rozwija palladiańskie zasady przejrzystości i klasycznej przejrzystości podziałów porządku, widocznej konstruktywności form, równowagi proporcjonalnej struktury. Ogólne zestawienia i poszczególne formy budowli są klasycznie geometryczne i racjonalne. W kompozycji dominuje spokojna, rozcięta metrycznie ściana, zbudowana według porządku proporcjonalnego do skali człowieka. We wszystkim panuje równowaga i harmonia. Na planie zachowano tę samą klarowność podziału wnętrza na proste, zrównoważone przestrzenie.

Był to pierwszy budynek Jonesa, który do nas trafił, który nie miał precedensu w swojej surowości i nagiej prostocie, a także ostro kontrastował z poprzednimi budynkami. Nie należy jednak (jak to się często dzieje) oceniać budynku na podstawie jego obecnego stanu. Na życzenie klienta (królowej Anny, żony Jakuba I Stuarta) dom został zbudowany bezpośrednio przy starej Dover Road (jego położenie wyznaczają obecnie długie kolumnady przylegające do budynku po obu stronach) i pierwotnie składał się z dwóch budynków oddzielone drogą, połączone nad nią krytym mostem. Złożoność kompozycji nadała niegdyś budowli bardziej malowniczy, „angielski” charakter, podkreślony pionowymi kominami ułożonymi w tradycyjne skupiska. Po śmierci mistrza w 1662 roku zabudowano przerwę pomiędzy budynkami. Tak powstała bryła na rzucie kwadratu, zwarta i sucha w architekturze, z loggią ozdobioną kolumnami od strony Greenwich Hill, z tarasem i klatką schodową prowadzącą do dwukondygnacyjnej sali od strony Tamizy.

Wszystko to nie uzasadnia daleko idących porównań Queenhouse z kwadratową, centralną willą w Poggio a Caiano pod Florencją, zbudowaną przez Giuliano da Sangallo Starszego, choć podobieństwa w rysunku ostatecznego planu są niezaprzeczalne. Sam Jones jako prototyp fasady od strony rzeki wspomina jedynie Willę Molini, zbudowaną przez Scamozziego pod Padwą. Proporcje – równa szerokość ryzalitów i loggii, większa wysokość drugiego piętra w stosunku do pierwszego, boniowanie bez włamań do poszczególnych kamieni, balustrada nad gzymsem i krzywoliniowa, podwójna klatka schodowa przy wejściu – nie są zachowane. w charakterze Palladia i nawiązują nieco do manieryzmu włoskiego, a jednocześnie racjonalnie uporządkowanych kompozycji klasycyzmu.

Słynny Dom Bankietowy w Londynie (Dom Bankietowy - Sala Bankietowa, 1619-1622) z wyglądu jest znacznie bliższy palladiańskim prototypom. Ze względu na swą szlachetną powagę i spójną strukturę porządkową w całej kompozycji nie miała ona poprzedników w Anglii. Jednocześnie pod względem treści społecznej jest to obiekt oryginalny, przenikający architekturę angielską od XI wieku. Za dwupoziomową fasadą porządkową (u dołu – jońska, u góry – kompozytowa) kryje się pojedynczy dwudzielny hol, na obwodzie którego znajduje się balkon, co zapewnia logiczne połączenie między zewnętrzem a wnętrzem . Pomimo całego podobieństwa do fasad palladiańskich, istnieją tu znaczne różnice: obie kondygnacje mają tę samą wysokość, czego nigdy nie spotyka się u mistrza wincentyńskiego, oraz duże przeszklenia z małymi cofniętymi oknami (echo lokalnej konstrukcji szachulcowej ) pozbawia ścianę plastyczności charakterystycznej dla włoskich prototypów, nadając jej wyraźnie narodowy wygląd.Cechy angielskie. Luksusowy strop sali, z głębokimi kasetonami ( później namalowany przez Rubensa), różni się znacznie od płaskich stropów ówczesnych pałaców angielskich, ozdobionych lekkimi płaskorzeźbami z ozdobnych paneli.

Z imieniem Inigo Jonesa, członek Królewskiej Komisji Budowlanej od 1618 r., związany jest z najważniejszym wydarzeniem urbanistycznym XVII wieku – rozplanowanie pierwszego placu londyńskiego powstałego według regularnego planu. Już jego potoczna nazwa to Ogród Covent Garden– mówi o włoskich korzeniach pomysłu. Umieszczony na osi zachodniej strony placu kościół św. Pawła (1631 r.) z wysokim frontonem i dwukolumnowym portykiem toskańskim w przedsionkach, jest oczywistą, naiwną w swej dosłowności, imitacją świątyni etruskiej na obraz Serlio. Otwarte podcienia na pierwszych piętrach trzypiętrowych budynków otaczających plac od północy i południa są zapewne echem placu w Livorno. Ale jednocześnie jednorodny, klasycystyczny projekt przestrzeni miejskiej mógł być inspirowany paryskim Place des Vosges, zbudowanym zaledwie trzydzieści lat wcześniej.

Katedra św. Pawła Na placu Covent Garden (Covent Garden), pierwsza świątynia zbudowana liniowo w Londynie po reformacji, odzwierciedla w swojej prostocie nie tylko pragnienie klienta, księcia Bedford, aby tanim kosztem wywiązać się ze swoich zobowiązań wobec członków swojej parafii, ale także zasadnicze wymagania religię protestancką. Jones obiecał klientowi zbudowanie „najpiękniejszej stodoły w Anglii”. Niemniej jednak fasada kościoła, odrestaurowana po pożarze w 1795 roku, jest wielkoformatowa, majestatyczna mimo niewielkich rozmiarów, a jej prostota niewątpliwie ma szczególny urok. Ciekawe, że wysokie drzwi pod portykiem są fałszywe, ponieważ po tej stronie kościoła znajduje się ołtarz

Zespół Jonesa niestety został całkowicie utracony, przestrzeń placu została zabudowana, zabudowa uległa zniszczeniu, dopiero wzniesiony później, w 1878 r., w narożniku północno-zachodnim pozwala ocenić skalę i charakter założenia. oryginalny plan.

Jeśli pierwsze prace Jonesa cierpią na suchy rygoryzm, to jego późniejsze, posiadłościowe budowle są mniej ograniczone więzami klasycznego formalizmu. Swoją swobodą i plastycznością częściowo antycypują angielski palladianizm XVIII wieku. To jest na przykład Dom Wiltona (Wilton House w Wiltshire), spłonął w 1647 r. i został odbudowany Johna Webba, wieloletni asystent Jonesa.

Idee I. Jonesa były kontynuowane w kolejnych realizacjach, z których na podkreślenie zasługuje projekt przebudowy Londynu autorstwa architekta Krzysztofa Wrena (Krzysztofa Wrena) (1632-1723) będący pierwszym po Rzymie (1666) imponującym projektem odbudowy średniowiecznego miasta, który wyprzedzał o prawie dwa wieki imponującą przebudowę Paryża. Plan nie został zrealizowany, ale architekt przyczynił się do ogólnego procesu powstawania i budowy poszczególnych węzłów miasta, kończąc w szczególności zespół wymyślony przez Inigo Jonesa szpital w Greenwich(1698-1729). Kolejnym ważnym budynkiem Rena jest Katedra Św. Pawła w Londynie- Londyńska katedra Kościoła anglikańskiego. Katedra Św. Pavel jest głównym ośrodkiem rozwoju urbanistycznego na obszarze zrekonstruowanego Miasta. Od konsekracji pierwszego biskupa Londynu, św. Augustyna (604 r.) według źródeł wzniesiono na tym miejscu kilka kościołów chrześcijańskich. Bezpośrednia poprzedniczka obecnej katedry, stara katedra św. Katedra św. Pawła, konsekrowana w 1240 r., miała 175 m długości i była o 7 m dłuższa od katedry w Winchester. W latach 1633–1642 Inigo Jones przeprowadził gruntowną renowację starej katedry i dodał zachodnią fasadę w klasycznym stylu palladiańskim. Jednak ta stara katedra została całkowicie zniszczona podczas wielkiego pożaru Londynu w 1666 roku. Obecny budynek został zbudowany przez Christophera Wrena w latach 1675-1710; Pierwsze nabożeństwo odbyło się w niedokończonym kościele w grudniu 1697 r.

Z architektonicznego punktu widzenia katedra św. Pawła to jedna z największych budowli kopułowych w świecie chrześcijańskim, dorównująca katedrze we Florencji, katedrze św. Zofii w Konstantynopolu i św. Piotra w Rzymie. Katedra ma kształt krzyża łacińskiego, jej długość wynosi 157 m, szerokość 31 m; długość transeptu 75 m; powierzchnia całkowita 155 000 mkw. m. W środkowym krzyżu na wysokości 30 m położono fundament pod kopułę o średnicy 34 m, która wznosi się do 111 m. Projektując kopułę, Ren zastosował unikalne rozwiązanie. Bezpośrednio nad środkowym krzyżem wzniósł pierwszą ceglaną kopułę z 6-metrowym okrągłym otworem u góry (oculus), całkowicie współmierną do proporcji wnętrza. Nad pierwszą kopułą architekt zbudował ceglany stożek, będący podporą dla masywnej kamiennej latarni, której ciężar sięga 700 ton, a nad stożkiem druga kopuła pokryta blachą ołowianą na drewnianym ramie, proporcjonalnie skorelowana z bryły zewnętrzne budynku. U podstawy stożka umieszczony jest żelazny łańcuch, który przejmuje nacisk boczny. Nad wyglądem katedry dominuje lekko spiczasta kopuła, wsparta na masywnej okrągłej kolumnadzie.

Wnętrze wykończone jest głównie marmurową okładziną, a ponieważ jest mało koloru, wygląda surowo. Wzdłuż murów znajdują się liczne grobowce znanych generałów i dowódców marynarki wojennej. Szklane mozaiki sklepień i ścian chóru ukończono w 1897 roku.

Ogromne możliwości działalności budowlanej otworzyły się po pożarze Londynu w 1666 roku. Architekt przedstawił swoje plan odbudowy miasta i otrzymał rozkaz renowacji 52 kościołów parafialnych. Ren zaproponował różne rozwiązania przestrzenne; niektóre budowle wznoszone są z iście barokową pompą (np. kościół św. Szczepana w Walbrook). Ich iglice wraz z wieżami kościoła św. Pawła tworzą spektakularną panoramę miasta. Wśród nich są kościoły Chrystusa na Newgate Street, St. Bride's na Fleet Street, St. James's na Garlick Hill i St. Vedast na Foster Lane. Jeśli wymagały tego szczególne okoliczności, jak przy budowie St Mary Aldermary czy Christ Church College w Oksfordzie (Tom's Tower), Wren mógł sięgnąć po elementy późnogotyckie, choć, jak sam mówi, nie lubił „odchodzić od najlepszego stylu” ”.

Oprócz budowy kościołów Ren wykonywał zlecenia prywatne, a jednym z nich było utworzenie nowej biblioteki Kolegium Trójcy Świętej(1676–1684) w Cambridge. W 1669 roku został mianowany naczelnym nadzorcą zabudowań królewskich. Na tym stanowisku otrzymał szereg ważnych kontraktów rządowych, takich jak budowa szpitali na terenie Chelsea i Greenwich ( Szpital w Greenwich) i kilka budynków wchodzących w skład Kompleksy Pałacu Kensington I Pałac Hampton Court.

Wren w ciągu swojego długiego życia służył pięciu kolejnym królom na tronie angielskim i opuścił swoje stanowisko dopiero w 1718 roku. Wren zmarł w Hampton Court 26 lutego 1723 roku i został pochowany w katedrze św. Jana. Paweł. Jego pomysły zostały przejęte i rozwinięte zwłaszcza przez następne pokolenie architektów N. Hawksmore i J. Gibbs. Wywarł znaczący wpływ na rozwój architektury sakralnej w Europie i USA.

Wśród szlachty angielskiej narodziła się prawdziwa moda na rezydencje palladiańskie, co zbiegło się z filozofią wczesnego Oświecenia w Anglii, głoszącą ideały racjonalności i porządku, najpełniej wyrażone w sztuce starożytnej.

Palladiańska willa angielska była bryłą zwartą, najczęściej trzypiętrową. Pierwsza była boniowana, główna stanowiła parter, znajdowało się drugie piętro, połączone na elewacji dużym porządkiem z trzecim – mieszkalnym. Prostota i przejrzystość palladiańskich budynków, łatwość odtworzenia ich form sprawiły, że podobne obiekty stały się bardzo powszechne zarówno w podmiejskiej architekturze prywatnej, jak i w architekturze miejskich budynków użyteczności publicznej i mieszkalnych.

Angielscy palladianie wnieśli ogromny wkład w rozwój sztuki parkowej. W miejsce modnych, poprawnych geometrycznie” regularny„Przybyły ogrody” parki krajobrazowe, zwane później „angielskim”. Malownicze gaje z liśćmi w różnych odcieniach przeplatają się z trawnikami, naturalnymi stawami i wyspami. Parkowe ścieżki nie dają otwartej perspektywy, a za każdym zakrętem przygotowują niespodziewany widok. Posągi, altanki i ruiny kryją się w cieniu drzew. Ich głównym twórcą w pierwszej połowie XVIII wieku był Williama Kenta

Krajobraz lub parki krajobrazowe postrzegano jako piękno przyrody inteligentnie skorygowane, ale poprawki nie musiały być zauważalne.

Klasycyzm francuski

Klasycyzm we Francji kształtował się w bardziej złożonych i sprzecznych warunkach, silniejsze były lokalne tradycje i wpływy baroku. Pojawienie się klasycyzmu francuskiego w pierwszej połowie XVII wieku. Miało to miejsce na tle swoistego załamania się w architekturze form renesansowych, tradycji późnogotyckich i technik zapożyczonych z rodzącego się włoskiego baroku. Procesowi temu towarzyszyły zmiany typologiczne: przeniesienie akcentu z pozamiejskiego budownictwa zamkowego szlachty feudalnej na budownictwo miejskie i podmiejskie mieszkań dla szlachty urzędowej.

Podstawowe zasady i ideały klasycyzmu zostały ustanowione we Francji. Można powiedzieć, że wszystko zaczęło się od słów dwóch znanych osobistości, Króla Słońce (tj. Ludwika XIV), którzy powiedzieli „ Państwo to ja!” oraz słynny filozof Rene Descartes, który powiedział: „ Myślę, więc istnieję„(w uzupełnieniu i przeciwwadze do powiedzenia Platona – „ Istnieję, więc myślę„). To w tych zwrotach kryją się główne idee klasycyzmu: lojalność wobec króla, tj. do ojczyzny i triumf rozumu nad uczuciami.

Nowa filozofia domagała się wyrazu nie tylko w ustach monarchy i dziełach filozoficznych, ale także w sztuce dostępnej społeczeństwu. Potrzebne były obrazy heroiczne, mające na celu zaszczepienie patriotyzmu i racjonalności w myśleniu obywateli. W ten sposób rozpoczęła się reforma wszystkich dziedzin kultury. Architektura stworzyła formy ściśle symetryczne, ujarzmiając nie tylko przestrzeń, ale także samą naturę, starając się choć trochę zbliżyć do kreowanego Claude’a Ledoux’a utopijne idealne miasto przyszłości. Które zresztą pozostały wyłącznie na rysunkach architekta (warto zauważyć, że projekt był na tyle znaczący, że jego motywy są nadal wykorzystywane w różnych ruchach architektonicznych).

Najwybitniejszą postacią w architekturze wczesnego klasycyzmu francuskiego był Nicolasa Francois Mansarta(Nicolas François Mansart) (1598-1666) – jeden z twórców francuskiego klasycyzmu. Jego zasługą, oprócz bezpośredniego wznoszenia budynków, jest rozwój nowego typu mieszkania miejskiego dla szlachty - „hotelu” - o przytulnym i wygodnym układzie, obejmującym przedsionek, główną klatkę schodową i szereg pomieszczenia amfiladowane, często otoczone dziedzińcem. Pionowe odcinki fasad w stylu gotyckim charakteryzują się dużymi prostokątnymi oknami, wyraźnym podziałem na kondygnacje i bogatą plastycznością porządku. Cechą szczególną hoteli Mansar są wysokie dachy, pod którymi umieszczono dodatkową przestrzeń mieszkalną – poddasze, nazwane imieniem jego twórcy. Doskonałym przykładem takiego dachu jest pałac Maison-Laffite(Maisons-Laffitte, 1642–1651). Inne prace Mansara to: Hotel w Tuluzie, Hotel Mazarin i Katedra Paryska Val de Grace(Val-de-Grace), zrealizowany według jego projektu Lemerce I Le Muet.

Rozkwit pierwszego okresu klasycyzmu przypada na drugą połowę XVII wieku. Koncepcje filozoficznego racjonalizmu i klasycyzmu wysuwane przez ideologię burżuazyjną reprezentowaną przez absolutyzm Ludwik XIV przyjmuje za oficjalną doktrynę państwową. Pojęcia te są całkowicie podporządkowane woli króla i służą jego gloryfikacji jako najwyższej personifikacji narodu, zjednoczonego na zasadach rozsądnej autokracji. W architekturze ma to dwojaki wyraz: z jednej strony pragnienie kompozycji racjonalnego porządku, tektonicznie przejrzystych i monumentalnych, wolnych od ułamkowej „wielomroczności” poprzedniego okresu; z drugiej strony coraz większa tendencja do jednej wolicjonalnej zasady w kompozycji, do dominacji osi podporządkowującej budynek i przyległe przestrzenie, do podporządkowania woli człowieka nie tylko zasad organizacji przestrzeni miejskich , ale także samej natury, przekształconej zgodnie z prawami rozumu, geometrii, „idealnego” piękna. Obydwa nurty ilustrują dwa ważne wydarzenia z życia architektonicznego Francji drugiej połowy XVII w.: pierwsze – projekt i budowa wschodniej fasady pałacu królewskiego w Paryżu – Żaluzja (Żaluzja); drugi - utworzenie nowej rezydencji Ludwika XIV, najwspanialszego zespołu architektonicznego i krajobrazowego w Wersalu.

Wschodnia fasada Luwru powstała w wyniku porównania dwóch projektów – jednego, który przyjechał do Paryża z Włoch Lorenza Berniniego(Gian Lorenzo Bernini) (1598-1680) i Francuz Claude'a Perraulta(Claude Perrault) (1613-1688). Preferowano projekt Perraulta (zrealizowany w 1667 r.), gdzie w przeciwieństwie do barokowego niepokoju i dwoistości tektonicznej projektu Berniniego, rozbudowana fasada (długość 170,5 m) ma przejrzystą strukturę porządkową z potężną dwukondygnacyjną galerią, przerwaną pośrodku i po bokach symetrycznymi ryzalitami. Pary kolumn korynckich (wysokość 12,32 m) podtrzymują duże, klasycznie zaprojektowane belkowanie, zakończone attyką i balustradą. Podstawa interpretowana jest w postaci gładkiej podłogi piwnicy, której konstrukcja, podobnie jak w elementach zamówienia, podkreśla funkcje konstrukcyjne głównej podpory nośnej budynku. Przejrzysta, rytmiczna i proporcjonalna konstrukcja opiera się na prostych zależnościach i modułowości, a za wartość wyjściową (moduł) przyjmuje się mniejszą średnicę kolumn, jak w klasycznych kanonach. Wymiary wysokości budynku (27,7 m) oraz ogólna duża skala kompozycji, zaprojektowanej w celu stworzenia placu frontowego przed fasadą, nadają budynkowi majestat i reprezentatywność niezbędną dla pałacu królewskiego. Jednocześnie całą strukturę kompozycji wyróżnia logika architektoniczna, geometryczność i artystyczny racjonalizm.

Zespół Wersalski(Château de Versailles, 1661-1708) - szczyt działalności architektonicznej czasów Ludwika XIV. Chęć połączenia atrakcyjnych aspektów życia miejskiego i życia na łonie natury doprowadziła do powstania okazałego kompleksu, obejmującego pałac królewski z budynkami dla rodziny królewskiej i rządu, ogromny park i przylegające do pałacu miasto. Pałac jest centralnym punktem, w którym zbiegają się oś parku – z jednej strony, a z drugiej – trzy promienie miejskich autostrad, z których środkowy pełni funkcję drogi łączącej Wersal z Luwrem. Pałac, którego długość od strony parku wynosi ponad pół kilometra (580 m), w środkowej części jest ostro wysunięty do przodu, a w wysokości posiada wyraźny podział na część piwniczną, parter i poddasze. Na tle uporządkowanych pilastrów portyki jońskie pełnią rolę rytmicznych akcentów spajających fasady w spójną kompozycję osiową.

Oś pałacu jest głównym czynnikiem dyscyplinującym przekształcenia krajobrazu. Symbolizując bezgraniczną wolę panującego właściciela kraju, podporządkowuje sobie elementy natury geometrycznej, naprzemiennie w ścisłym porządku z elementami architektonicznymi przeznaczonymi na cele parkowe: schodami, basenami, fontannami i różnymi formami małej architektury.

Zasada przestrzeni osiowej właściwa baroku i starożytnemu Rzymowi realizowana jest tutaj we wspaniałej perspektywie osiowej zielonych parterów i alejek schodzących tarasami, prowadzących wzrok obserwatora w głąb położonego w oddali kanału w planie krzyża i dalej w nieskończoność. Krzewy i drzewa przycięte na kształt piramid podkreślały liniową głębię i sztuczność tworzonego krajobrazu, zamieniając się w naturalny dopiero poza granicą głównej perspektywy.

Pomysł " przemienioną przyrodę„odpowiadał nowemu sposobowi życia monarchy i szlachty. Doprowadziło to także do powstania nowych planów urbanistycznych – odejścia od chaotycznego średniowiecznego miasta, a ostatecznie do zdecydowanego przekształcenia miasta w oparciu o zasady regularności i wprowadzenia do niego elementów krajobrazu. Konsekwencją było rozpowszechnienie zasad i technik opracowanych podczas planowania Wersalu na odbudowę miast, zwłaszcza Paryża.

André Le Notre(André Le Nôtre) (1613-1700) - twórca zespołu ogrodowo-parkowego Wersal- wpadł na pomysł uregulowania układu centralnego obszaru Paryża, sąsiadującego od zachodu i wschodu z pałacami Luwr i Tuileries. Luwr – oś Tuileries, zbieżny z kierunkiem drogi do Wersalu, określił znaczenie słynnego „ Średnica paryska”, która później stała się główną arterią komunikacyjną stolicy. Na tej osi rozplanowano Ogród Tuileries i część alei – aleje Pól Elizejskich. W drugiej połowie XVIII wieku powstał Place de la Concorde, łączący Tuileries z Polami Elizejskimi, a w pierwszej połowie XIX wieku. Monumentalny Łuk Gwiazdy, umieszczony na końcu Pól Elizejskich pośrodku okrągłego placu, dopełniał formację zespołu, którego długość wynosi około 3 km. Autor Pałac w Wersalu Jules Hardouin-Mansart(Jules Hardouin-Mansart) (1646-1708) także stworzył w Paryżu na przełomie XVII i XVIII w. szereg znakomitych zespołów. Należą do nich okrągłe Plac Zwycięstwa(Place des Victoires), prostokątny Miejsce Vendôme(Place Vendome), zespół szpitala Inwalidów z kopułową katedrą. Klasycyzm francuski drugiej połowy XVII wieku. przejęł osiągnięcia urbanistyczne renesansu, a zwłaszcza baroku, rozwijając je i stosując na większą skalę.

W XVIII w., za panowania Ludwika XV (1715-1774), w architekturze francuskiej, podobnie jak w innych formach sztuki, rozwinął się styl rokoko, będący formalną kontynuacją malarskich nurtów baroku. Oryginalność tego stylu, bliskiego barokowi i wyszukanego w formach, przejawiała się przede wszystkim w wystroju wnętrz, który odpowiadał luksusowemu i rozrzutnemu życiu dworu królewskiego. Pomieszczenia reprezentacyjne nabrały wygodniejszego, ale i bardziej ozdobnego charakteru. W dekoracji architektonicznej pomieszczeń szeroko stosowano lustra i dekoracje sztukatorskie wykonane z misternie zakrzywionych linii, girlandy kwiatowe, muszle itp. Styl ten znalazł również duże odzwierciedlenie w meblach. Jednak już w połowie XVIII w. nastąpiło odejście od wyszukanych form rokoko w kierunku większej rygoru, prostoty i przejrzystości. Ten okres we Francji zbiega się z szerokim ruchem społecznym skierowanym przeciwko monarchicznemu systemowi społeczno-politycznemu, który znalazł swoje rozwiązanie we francuskiej rewolucji burżuazyjnej 1789 roku. Druga połowa XVIII i pierwsza trzecia XIX wieku we Francji wyznaczają nowy etap w rozwoju klasycyzmu i jego szerokim rozpowszechnieniu w krajach europejskich.

KLASYCYZM DRUGIEJ POŁOWY XVIII XX wieku pod wieloma względami rozwinęło zasady architektury stulecia poprzedniego. Jednak nowe ideały burżuazyjno-racjonalistyczne – prostota i klasyczna klarowność form – są obecnie rozumiane jako symbol pewnej demokratyzacji sztuki, lansowanej w ramach burżuazyjnego oświecenia. Zmienia się relacja pomiędzy architekturą a naturą. Symetria i oś, które pozostają podstawowymi zasadami kompozycji, nie mają już takiego samego znaczenia w organizacji krajobrazu naturalnego. Coraz częściej francuski park regularny ustępuje miejsca tzw. parkowi angielskiemu z malowniczą kompozycją krajobrazową imitującą krajobraz naturalny.

Architektura budynków staje się nieco bardziej humanitarna i racjonalna, choć ogromna skala urbanistyczna nadal determinuje szerokie, zespołowe podejście do zadań architektonicznych. Miasto ze wszystkimi średniowiecznymi budynkami uważane jest za obiekt wpływów architektonicznych jako całość. Przedstawiono pomysły na plan architektoniczny całego miasta; Jednocześnie znaczące miejsce zaczynają zajmować interesy transportu, kwestie poprawy warunków sanitarnych, lokalizacji obiektów handlowych i przemysłowych oraz inne kwestie gospodarcze. W pracach nad nowymi typami budynków miejskich dużo uwagi poświęca się wielopiętrowym budynkom mieszkalnym. Mimo że praktyczna realizacja tych pomysłów urbanistycznych była bardzo ograniczona, wzmożone zainteresowanie problemami miasta wpłynęło na powstawanie zespołów. W dużym mieście nowe zespoły starają się włączyć w swoją „strefę wpływów” duże przestrzenie i często nabierają otwartego charakteru.

Największy i najbardziej charakterystyczny zespół architektoniczny francuskiego klasycyzmu XVIII wieku - Place de la Concorde w Paryżu, stworzony według projektu Ange-Jacques Gabriel (Ange-Jacque Gabriel(1698 - 1782) w latach 50-60-tych XVIII wieku, a ostateczne ukończenie otrzymało w drugiej połowie XVIII - pierwszej połowie XIX wieku. Ogromny plac służy jako przestrzeń dystrybucyjna nad brzegiem Sekwany pomiędzy Ogrodem Tuileries przylegającym do Luwru a szerokimi bulwarami Pól Elizejskich. Granicę obszaru prostokątnego (o wymiarach 245 x 140 m) stanowiły istniejące wcześniej suche rowy. „Graficzny” układ placu za pomocą suchych rowów, balustrad i grup rzeźbiarskich nosi piętno płaskiego układu Parku Wersalskiego. W przeciwieństwie do zamkniętych placów Paryża w XVII wieku. (Place Vendôme itp.), Place de la Concorde jest przykładem placu otwartego, ograniczonego tylko z jednej strony dwoma symetrycznymi budynkami zbudowanymi przez Gabriela, które tworzyły oś poprzeczną przechodzącą przez plac i utworzoną przez nie Rue Royale. Oś ujęto w placu za pomocą dwóch fontann, a na przecięciu głównych osi wzniesiono pomnik króla Ludwika XV, a później wysoki obelisk). Pola Elizejskie, Ogród Tuileries, przestrzeń Sekwany i jej nabrzeża są jakby kontynuacją tego zespołu architektonicznego o ogromnym zakresie, w kierunku prostopadłym do osi poprzecznej.

Częściowa przebudowa ośrodków wraz z utworzeniem regularnych „placów królewskich” obejmuje także inne miasta Francji (Rennes, Reims, Rouen itp.). Szczególnie wyróżnia się Plac Królewski w Nancy (Place Royalle de Nancy, 1722-1755). Rozwija się teoria urbanistyki. Na szczególną uwagę zasługują prace teoretyczne nad placami miejskimi autorstwa architekta Patta, który opracował i opublikował wyniki konkursu na plac Ludwika XV w Paryżu, zorganizowanego w połowie XVIII wieku.

Rozwoju przestrzennego budynków francuskiego klasycyzmu z XVIII wieku nie można rozpatrywać w oderwaniu od zespołu miejskiego. Motywem przewodnim pozostaje duży porządek, który dobrze koreluje z sąsiadującymi przestrzeniami miejskimi. Funkcja konstruktywna zostaje zwrócona do porządku; częściej stosowana jest w formie portyków i galerii, jej skala jest powiększona, obejmując wysokość całej głównej bryły budowli. Teoretyk francuskiego klasycyzmu M. A. Laugier M. A. zasadniczo odrzuca klasyczną kolumnę, która w rzeczywistości nie wytrzymuje obciążenia i krytykuje umieszczanie jednego zamówienia na drugim, jeśli rzeczywiście da się obejść przy jednym wsparciu. Racjonalizm praktyczny znajduje szerokie uzasadnienie teoretyczne.

Rozwój teorii stał się zjawiskiem typowym w sztuce francuskiej od XVII wieku, od momentu powstania Akademii Francuskiej (1634), powstania Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby (1648) oraz Akademii Architektury (1671) ). W teorii szczególną uwagę zwraca się na porządki i proporcje. Rozwijanie doktryny proporcji Jacques’a Francois Blondela(1705-1774) – francuski teoretyk drugiej połowy XVII wieku, Laugier tworzy cały system logicznie uzasadnionych proporcji, oparty na racjonalnie wymownej zasadzie ich absolutnej doskonałości. Jednocześnie w proporcjach, jak w ogóle w architekturze, zostaje wzmocniony element racjonalności, oparty na spekulatywnie wyprowadzonych matematycznych zasadach kompozycji. Rośnie zainteresowanie dziedzictwem antyku i renesansu, a w konkretnych przykładach tych epok starają się dostrzec logiczne potwierdzenie głoszonych zasad. Panteon rzymski często przytacza się jako idealny przykład jedności funkcji użytkowej i artystycznej, a najpopularniejszymi przykładami klasyki renesansu są budowle Palladia i Bramantego, w szczególności Tempietto. Próbki te są nie tylko dokładnie badane, ale często służą jako bezpośrednie prototypy wznoszonych budynków.

Zbudowany w latach 1750-1780 według projektu Jacques’a Germaina Soufflota(Jacques-Germain Soufflot) (1713 - 1780) Kościół św. Genevieve w Paryżu, który później stał się narodowym Panteonem Francji, widać powrót do artystycznego ideału starożytności i najdojrzalszych przykładów renesansu właściwego temu czasowi. Kompozycję na rzucie krzyża wyróżnia spójność całościowego schematu, równowaga części architektonicznych oraz klarowność i przejrzystość konstrukcji. Portyk powraca w swoich formach do rzymskiego do Panteonu bęben z kopułą (rozpiętość 21,5 m) przypomina kompozycję Tempietto. Główna fasada uzupełnia widok na krótką, prostą ulicę i jest jednym z najważniejszych zabytków architektury Paryża.

Ciekawym materiałem ilustrującym rozwój myśli architektonicznej drugiej połowy XVIII – początków XIX wieku jest publikacja w Paryżu konkursowych projektów akademickich, wyróżnionych najwyższą nagrodą (Grand prix). Wspólnym wątkiem wszystkich tych projektów jest szacunek dla starożytności. Niekończące się kolumnady, ogromne kopuły, powtarzające się portyki itp. mówią z jednej strony o zerwaniu z arystokratyczną zniewieściałością rokoka, z drugiej zaś o rozkwicie wyjątkowego romansu architektonicznego, dla którego realizacji jednak nie miało podstaw w rzeczywistości społecznej.

Wigilia Wielkiej Rewolucji Francuskiej (1789-94) zrodziła w architekturze dążenie do surowej prostoty, śmiałe poszukiwanie monumentalnej geometrii i nową, pozbawioną porządku architekturę (C. N. Ledoux, E. L. Bullet, J. J. Lequeu). Poszukiwania te (naznaczone także wpływem rycin architektonicznych G.B. Piranesiego) stały się punktem wyjścia dla późniejszej fazy klasycyzmu – stylu Empire.

W latach rewolucji prawie nie przeprowadzono budowy, ale narodziła się duża liczba projektów. Określona została ogólna tendencja do przełamywania form kanonicznych i tradycyjnych, klasycznych schematów.

Myśl kulturologiczna, przechodząc kolejną rundę, znalazła się w tym samym miejscu. Malarstwo rewolucyjnego kierunku francuskiego klasycyzmu reprezentuje odważny dramat obrazów historycznych i portretowych J. L. Davida. W latach imperium Napoleona I wzrasta wspaniała reprezentatywność w architekturze (C. Percier, L. Fontaine, J. F. Chalgrin)

Międzynarodowym centrum klasycyzmu XVIII – początków XIX wieku był Rzym, gdzie w sztuce dominowała tradycja akademicka, z połączeniem szlachetności form i zimnej, abstrakcyjnej idealizacji, nierzadkiej dla akademizmu (niemiecki malarz A. R. Mengs, austriacki pejzażysta J. A. Koch, rzeźbiarze – Włoch A. Canova, Dane B. Thorvaldsen).

W XVII i na początku XVIII wieku ukształtował się klasycyzm w architekturze holenderskiej- architekt Jacoba van Kampena(Jacob van Campen, 1595-165), co dało początek jego szczególnie powściągliwej wersji. Krzyżowe powiązania z klasycyzmem francuskim i holenderskim, a także wczesnym barokiem zaowocowały krótkim, błyskotliwym rozkwitem klasycyzm w architekturze szwedzkiej koniec XVII - początek XVIII wieku - architekt Nikodem Tessin Młodszy(Nikodem Tessin Młodszy 1654-1728).

W połowie XVIII w. zasady klasycyzmu uległy przekształceniu w duchu estetyki oświeceniowej. W architekturze odwoływanie się do „naturalności” stawiało wymóg konstruktywnego uzasadnienia elementów porządku kompozycji, we wnętrzu – opracowania elastycznego układu wygodnego budynku mieszkalnego. Idealną oprawą dla domu był krajobraz „angielskiego” parku. Szybki rozwój wiedzy archeologicznej na temat starożytności greckiej i rzymskiej (wykopaliska w Herkulanum, Pompejach itp.) wywarł ogromny wpływ na klasycyzm XVIII wieku; Do teorii klasycyzmu wnieśli dzieła I. I. Winkelmana, I. V. Goethego i F. Militsiya. We francuskim klasycyzmie XVIII w. zdefiniowano nowe typy architektoniczne: niezwykle kameralną rezydencję, reprezentacyjny gmach użyteczności publicznej, otwarty plac miejski.

W Rosji Klasycyzm przeszedł kilka etapów swojego rozwoju i osiągnął niespotykaną dotąd skalę za panowania Katarzyny II, która uważała się za „oświeconą monarchę”, korespondowała z Wolterem i wspierała idee francuskiego oświecenia.

Idee znaczenia, wielkości i potężnego patosu były bliskie klasycznej architekturze Petersburga.

Klasycyzm jest ruch artystyczny wywodzący się z epoki renesansu, który wraz z barokiem zajmował ważne miejsce w literaturze XVII wieku i rozwijał się w okresie Oświecenia – aż do pierwszych dziesięcioleci XIX wieku. Przymiotnik „klasyczny” jest bardzo stary.: Jeszcze zanim otrzymało swoje podstawowe znaczenie w języku łacińskim, „classicus” oznaczało „szlachetny, bogaty, szanowany obywatel”. Po otrzymaniu znaczenia „wzorowy” pojęcie „klasycznego” zaczęto stosować do takich dzieł i autorów, które stały się przedmiotem nauki szkolnej i były przeznaczone do czytania na zajęciach. W tym sensie tego słowa używano zarówno w średniowieczu, jak i w renesansie, a w XVII wieku w słownikach zapisano znaczenie „godny studiowania w klasach” (słownik S.P. Richle, 1680). Określenie „klasyczny” odnosiło się jedynie do autorów starożytnych, starożytnych, ale nie do pisarzy współczesnych, nawet jeśli ich dzieła uznawano za doskonałe pod względem artystycznym i budziły podziw czytelników. Pierwszym, który użył określenia „klasyczny” w odniesieniu do pisarzy XVII wieku, był Wolter („Wiek Ludwika XIV”, 1751). Współczesne znaczenie słowa „klasyczny”, które znacząco poszerza listę autorów zaliczanych do klasyki literatury, zaczęło kształtować się w epoce romantyzmu. W tym samym czasie pojawiło się pojęcie „klasycyzmu”. Obydwa określenia wśród romantyków miały często konotację negatywną: klasycyzm i „klasyka” przeciwstawiane były „romantyce” jako literaturze przestarzałej, ślepo naśladującej literaturę starożytno-innowacyjną (patrz: „O Niemczech”, 1810, J. de Stael; „ Racine i Shakespeare”, 1823-25, Stendhal). Wręcz przeciwnie, przeciwnicy romantyzmu, przede wszystkim we Francji, zaczęli używać tych słów jako określenia literatury prawdziwie narodowej, przeciwstawiając się wpływom obcym (angielskim, niemieckim), a wielkich autorów przeszłości określali słowem „klasyka” - P. Corneille, J. Racine, Moliere, F. La Rochefoucauld. Wysokie uznanie dla osiągnięć literatury francuskiej XVII wieku, jej znaczenia dla kształtowania się innych literatur narodowych New Age - niemieckiej, angielskiej itp. - przyczyniło się do tego, że stulecie to zaczęto uważać za „erę klasycyzmu”, w której wiodącą rolę odegrali pisarze francuscy i ich pilni uczniowie w innych krajach. Pisarzy, którzy wyraźnie nie mieścili się w ramach zasad klasycyzmu, oceniano jako „opieszałych” lub „zagubionych”. W rzeczywistości ustalono dwa terminy, których znaczenia częściowo się pokrywały: „klasyczny”, tj. wzorowe, doskonałe artystycznie, zaliczane do zasobu literatury światowej i „klasyczne” – tj. nawiązujący do klasycyzmu jako ruchu literackiego, ucieleśniający jego założenia artystyczne.

Koncepcja – klasycyzm

Klasycyzm to pojęcie, które wkroczyło do historii literatury przełomu XIX i XX wieku., w pracach naukowców szkoły kulturalno-historycznej (G. Lanson i in.). Cechy klasycyzmu zostały określone przede wszystkim na podstawie teorii dramatycznej XVII wieku i traktatu N. Boileau „Sztuka poetycka” (1674). Postrzegano go jako ruch zorientowany na sztukę antyczną, czerpiący swoje idee z Poetyki Arystotelesa, a także jako ucieleśniający absolutystyczną ideologię monarchiczną. Rewizja tej koncepcji klasycyzmu zarówno w zagranicznej, jak i krajowej krytyce literackiej nastąpiła w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku: odtąd większość naukowców zaczęła interpretować klasycyzm nie jako „artystyczny wyraz absolutyzmu”, ale jako „ruch literacki, który przeżył okres świetlanego dobrobytu w XVII wieku, podczas umacniania się i triumfu absolutyzmu” (Vipper Yu.B. O „XVII wieku” jako szczególnej epoce w historii literatury zachodnioeuropejskiej; XVII wiek w światowym rozwoju literatury .). Termin „klasycyzm” zachował swoją rolę nawet wtedy, gdy naukowcy zwrócili się w stronę nieklasycystycznych, barokowych dzieł literatury XVII wieku. W definicji klasycyzmu podkreślano przede wszystkim dążenie do przejrzystości i precyzji wyrazu, ścisłe podporządkowanie się regułom (tzw. „trzem jednościom”) oraz porównanie do wzorców antycznych. Powstanie i rozprzestrzenianie się klasycyzmu wiązało się nie tylko z umocnieniem monarchii absolutnej, ale także z pojawieniem się i wpływem racjonalistycznej filozofii R. Kartezjusza, z rozwojem nauk ścisłych, zwłaszcza matematyki. W pierwszej połowie XX wieku klasycyzm nazywany był „szkołą lat sześćdziesiątych XVII wieku” – okres, w którym wielcy pisarze – Racine, Moliere, La Fontaine i Boileau – pracowali jednocześnie w literaturze francuskiej. Stopniowo jego początki ujawniały się we włoskiej literaturze renesansu: w poetyce G. Cintio, J. C. Scaligera, L. Castelvetro, w tragediach D. Trissino i T. Tassa. Poszukiwań „uporządkowanego sposobu”, praw „prawdziwej sztuki” odnaleziono w języku angielskim (F. Sidney, B. Johnson, J. Milton, J. Dryden, A. Pope, J. Addison), niemieckim (M Opitz, I. H. Gottsched, J.V. Goethe, F. Schiller), w literaturze włoskiej (G. Chiabrera, V. Alfieri) XVII-XVIII w. Rosyjski klasycyzm oświecenia zajmował poczesne miejsce w literaturze europejskiej (A.P. Sumarokov, M.V. Łomonosow, G.R. Derzhavin). Wszystko to skłoniło badaczy do uznania go za jeden z ważnych elementów życia artystycznego Europy przez kilka stuleci i za jeden z dwóch (obok baroku) głównych ruchów, które położyły podwaliny pod kulturę czasów nowożytnych.

Trwałość klasycyzmu

Jedną z przyczyn długowieczności klasycyzmu było to, że twórcy tego ruchu traktowali swoją twórczość nie jako sposób subiektywnego, indywidualnego wyrażania siebie, ale jako normę „prawdziwej sztuki”, adresowanej do tego, co uniwersalne, niezmienne, do „ piękna przyroda” jako kategoria stała. Klasycystyczna wizja rzeczywistości, ukształtowana u progu New Age, posiadała, podobnie jak barok, dramat wewnętrzny, ale podporządkowywała ten dramat dyscyplinie przejawów zewnętrznych. Literatura starożytna służyła klasycystom jako arsenał obrazów i wątków, ale była wypełniona odpowiednimi treściami. O ile wczesny klasycyzm renesansowy dążył do odtworzenia starożytności poprzez naśladownictwo, o tyle klasycyzm XVII wieku wszedł w konkurencję z literaturą starożytną, upatrując w niej przede wszystkim przykładu prawidłowego stosowania odwiecznych praw sztuki, za pomocą których można być w stanie przewyższyć autorów starożytnych (patrz Spór o „starożytnych” i „nowych”). Ścisły dobór, uporządkowanie, harmonia kompozycji, klasyfikacja tematów, motywów i całej materii rzeczywistości, która stała się przedmiotem artystycznej refleksji w słowie, były dla pisarzy klasycyzmu próbą artystycznego przezwyciężenia chaosu i sprzeczności rzeczywistości , skorelowana z funkcją dydaktyczną dzieł sztuki, z zasadą „nauczania”, zaczerpniętą od Horacego, zabawą.” Ulubionym konfliktem w dziełach klasycyzmu jest zderzenie obowiązku i uczuć lub walka rozumu i namiętności. Klasycyzm charakteryzuje się stoickim nastrojem przeciwstawienie chaosu i bezsensu rzeczywistości, własnych namiętności i afektów umiejętnościom człowieka, jeśli nie ich przezwyciężenia, to w skrajnych przypadkach ograniczenia – zarówno do świadomości dramatycznej, jak i analitycznej (bohaterowie tragedii Racine’a). „Myślę, więc jestem” Kartezjusza pełni rolę nie tylko zasady filozoficzno-intelektualnej, ale także etycznej w światopoglądzie artystycznym bohaterów klasycyzmu. Hierarchia wartości etycznych i estetycznych określa dominujące zainteresowanie klasycyzmu tematami moralnymi, psychologicznymi i obywatelskimi, narzuca klasyfikację gatunków, dzieląc je na „wyższe” (epos, oda, tragedia) i niższe (komedia, satyra, bajka ), wybór dla każdego z tych gatunków określonego tematu, stylu, systemu postaci. Klasycyzm charakteryzuje się chęcią analitycznego rozróżnienia różnych dzieł, wręcz światów artystycznych, tragiczności i komizmu, wzniosłości i podłości, piękna i brzydoty. Jednocześnie, sięgając po gatunki niskie, dąży do ich uszlachetnienia, na przykład do usunięcia prymitywnej burleski z satyry, a farsy z komedii („wysoka komedia” Moliera). Poezja klasycyzmu dąży do jasnego wyrażenia znaczących myśli i znaczeń, odrzuca wyrafinowanie, metaforyczną złożoność i stylistyczne upiększenia. Szczególne znaczenie w klasycyzmie mają dzieła dramatyczne i sam teatr, który w najbardziej organiczny sposób jest w stanie pełnić zarówno funkcje moralizujące, jak i rozrywkowe. Na łonie klasycyzmu rozwinęły się także gatunki prozatorskie – aforyzmy (maksymy), postacie. Choć teoria klasycyzmu odmawia włączenia powieści do systemu gatunków godnych poważnej krytycznej refleksji, w praktyce poetyka klasycyzmu wywarła wymierny wpływ na popularną w XVII wieku koncepcję powieści jako „eposu w prozie”. i określił parametry gatunkowe „małej powieści” lub „opowiadania romantycznego” z lat 60.-80. XVII w., a „Księżniczka Kleve” (1678) M.M. de Lafayette’a przez wielu znawców uważana jest za przykład powieści klasycznej.

Teoria klasycyzmu

Teoria klasycyzmu nie ogranicza się tylko do poetyckiego traktatu Boileau „Sztuka poetycka”: choć jego autor słusznie uważany jest za prawodawcę klasycyzmu, był tylko jednym z wielu twórców traktatów literackich tego kierunku, obok Opitza i Drydena, F. Chaplin i F. d'Aubignac. Rozwija się stopniowo, kształtuje się w sporach między pisarzami a krytykami i zmienia się w czasie. Narodowe wersje klasycyzmu również mają swoje różnice: francuska – rozwija się w najpotężniejszy i najspójniejszy system artystyczny, a także wpływa na barok; niemiecki – wręcz przeciwnie, wyłoniwszy się jako świadomy wysiłek kulturowy mający na celu stworzenie „właściwej” i „doskonałej” szkoły poetyckiej, godnej innych literatur europejskich (Opitz), niejako „dusi się” w burzliwych falach krwawych wydarzeń wojny trzydziestoletniej i zostaje zagłuszony i pokryty barokiem. Choć reguły są sposobem na utrzymanie twórczej wyobraźni i wolności w granicach umysłu, klasycyzm rozumie, jak ważny dla pisarza, poety jest wgląd intuicyjny i wybacza talentowi odstępstwo od reguł, jeśli jest to właściwe i efektywne artystycznie („The przynajmniej tym, czego należy szukać u poety, jest umiejętność „podporządkowywania słów i sylab pewnym prawom i pisania poezji. Poeta musi być... osobą o bogatej wyobraźni, o wynalazczej wyobraźni” – Opitz M. Książka o Poezja niemiecka, manifesty literackie). Stałym przedmiotem dyskusji w teorii klasycyzmu, zwłaszcza w drugiej połowie XVII wieku, jest kategoria „dobrego smaku”, którą interpretowano nie jako indywidualną preferencję, ale jako zbiorową normę estetyczną wypracowaną przez „dobry społeczeństwo." Smak klasycyzmu woli prostotę i przejrzystość od gadatliwości, lakonizmu, niejasności i złożoności wyrazu, a przyzwoitość od uderzającej, ekstrawaganckiej. Jego głównym prawem jest prawdziwość artystyczna, która zasadniczo różni się od pozbawionego sztuki, zgodnego z prawdą odzwierciedlenia życia, od prawdy historycznej lub prywatnej. Wiarygodność przedstawia rzeczy i ludzi takimi, jakie powinny być i wiąże się z pojęciem normy moralnej, prawdopodobieństwa psychologicznego, przyzwoitości. Postacie w klasycyzmie budowane są na identyfikacji jednej dominującej cechy, która przyczynia się do ich przekształcenia w uniwersalne typy ludzkie. Jego poetyka w swych pierwotnych założeniach przeciwstawia się barokowi, co nie wyklucza współdziałania obu prądów literackich nie tylko w ramach jednej literatury narodowej, ale także w twórczości tego samego pisarza (J. Miltona).

W dobie oświecenia szczególne znaczenie nabrał obywatelski i intelektualny charakter konfliktu w dziełach klasycyzmu, jego patos dydaktyczno-moralistyczny. Oświeceniowy klasycyzm jeszcze aktywniej wchodzi w kontakt z innymi ruchami literackimi swojej epoki, nie opiera się już na „regułach”, ale na „oświeconym guście” publiczności, daje początek różnym odmianom klasycyzmu („klasycyzm weimarski” J.V. Goethego i F. Schillera). Rozwijając idee „prawdziwej sztuki”, klasycyzm XVIII wieku, bardziej niż inne ruchy literackie, kładzie podwaliny pod estetykę jako naukę o pięknie, która zarówno swój rozwój, jak i samo określenie terminologiczne otrzymała właśnie w epoce Oświecenia. Wysuwane przez klasycyzm wymagania dotyczące przejrzystości stylu, treści semantycznej obrazów, wyczucia proporcji oraz norm w strukturze i fabule dzieł zachowują dziś swoją aktualność estetyczną.

Od czego pochodzi słowo klasycyzmŁaciński classicus, co oznacza wzorowy, pierwszorzędny.

Sztuka klasycyzmu

Wstęp

Tematem moich prac jest sztuka klasycyzmu. Temat ten bardzo mnie zainteresował i przykuł moją uwagę. Sztuka w ogóle obejmuje wiele rzeczy, obejmuje malarstwo i rzeźbę, architekturę, muzykę i literaturę i ogólnie wszystko, co stworzył człowiek. Przeglądając prace wielu artystów i rzeźbiarzy wydały mi się one bardzo interesujące, urzekły mnie swoją idealnością, wyrazistością linii, poprawnością, symetrią itp.

Celem mojej pracy jest rozważenie wpływu klasycyzmu na malarstwo, rzeźbę i architekturę, na muzykę i literaturę. Za konieczne uważam także zdefiniowanie pojęcia „klasycyzm”.

1. Klasycyzm

Termin klasycyzm pochodzi od łacińskiego słowa classicus, które dosłownie oznacza wzorowy. W krytyce literackiej i artystycznej termin ten oznacza określony kierunek, metodę artystyczną i styl artystyczny.

Ten kierunek artystyczny charakteryzuje się racjonalizmem, normatywnością, tendencją do harmonii, przejrzystości i prostoty, schematyzmem i idealizacją. Cechy charakterystyczne wyrażają się w hierarchii stylów „wysokiego” i „niskiego” w literaturze. Na przykład w dramaturgii wymagana była jedność czasu, akcji i miejsca.

Zwolennicy klasycyzmu trzymali się wierności naturze, prawom racjonalnego świata z jego wrodzonym pięknem, wszystko to znajdowało odzwierciedlenie w symetrii, proporcjach, miejscu, harmonii, wszystko należało przedstawiać jako idealne w swojej doskonałej formie.

Pod wpływem wielkiego filozofa i myśliciela tamtych czasów, R. Kartezjusza, cechy i cechy klasycyzmu rozprzestrzeniły się na wszystkie sfery ludzkiej twórczości (muzykę, literaturę, malarstwo itp.).

2. Klasycyzm i świat literatury

Klasycyzm jako ruch literacki pojawił się w latach 16-17. Jej początki sięgają działalności włoskich i hiszpańskich szkół akademickich, a także stowarzyszenia francuskich pisarzy „Plejady”, którzy w okresie renesansu zwrócili się w stronę sztuki starożytnej, zgodnie z normami wyznaczonymi przez starożytnych teoretyków. (Arystoteles i Horacy), próbując znaleźć w starożytnych harmonijnych obrazach nowe wsparcie dla idei humanizmu, które przeżyły głęboki kryzys. Powstanie klasycyzmu było historycznie uwarunkowane pojawieniem się monarchii absolutnej – przejściowej formy państwa, kiedy osłabiona arystokracja i nie nabrała jeszcze sił burżuazja, były w równym stopniu zainteresowane nieograniczoną władzą króla. Klasycyzm osiągnął swój największy rozkwit we Francji, gdzie jego związek z absolutyzmem był szczególnie wyraźny.

Działalnością klasycystów przewodziła Akademia Francuska, założona w 1635 roku przez kardynała Richelieu. Twórczość pisarzy, artystów, muzyków i aktorów klasycyzmu w dużej mierze zależała od życzliwego króla.

Jako ruch klasycyzm rozwinął się inaczej w krajach europejskich. We Francji rozwinęła się do lat 90. XVI w. i dominowała w połowie XVII w., największy rozkwit przypadał na lata 1660-1670. Następnie klasycyzm przeżył kryzys i w I połowie XVIII w. następcą klasycyzmu, który w II połowie XVIII w. utracił wiodącą pozycję w literaturze, stał się klasycyzm oświeceniowy. Podczas rewolucji francuskiej XVIII wieku klasycyzm oświeceniowy stał się podstawą rewolucyjnego klasycyzmu, który zdominował wszystkie dziedziny sztuki. Klasycyzm praktycznie zdegenerował się w XIX wieku.

Klasycyzm jako metoda artystyczna jest systemem zasad selekcji, oceny i reprodukcji rzeczywistości. Głównym dziełem teoretycznym, które określa podstawowe zasady estetyki klasycznej, jest „Sztuka poetycka” Boileau (1674). Klasycyści widzieli cel sztuki w poznaniu prawdy, która jest ideałem piękna. Klasycyści proponowali sposób jego osiągnięcia, opierając się na trzech centralnych kategoriach swojej estetyki: rozumie, przykładzie, smaku, które uznawano za obiektywne kryteria artyzmu. Wielkie dzieła nie są owocem talentu, nie inspiracji, nie artystycznej wyobraźni, ale wytrwałego trzymania się nakazów rozsądku, studiowania klasycznych dzieł starożytności i znajomości zasad smaku. W ten sposób klasycyści zbliżyli działalność artystyczną do działalności naukowej, dzięki czemu filozoficzna racjonalistyczna metoda Kartezjusza okazała się dla nich akceptowalna. Kartezjusz argumentował, że ludzki umysł ma wrodzone idee, których prawdziwość nie podlega wątpliwości. Jeśli od tych prawd przejdziemy do stanowisk niewypowiedzianych i bardziej złożonych, dzieląc je na proste, metodycznie przechodząc od znanego do nieznanego, nie dopuszczając do luk logicznych, wówczas każdą prawdę da się wyjaśnić. W ten sposób rozum stał się centralnym pojęciem filozofii racjonalizmu, a następnie sztuki klasycyzmu. Świat wydawał się nieruchomy, świadomy i idealny - niezmienny. Ideał estetyczny jest wieczny i ten sam przez cały czas, ale dopiero w epoce starożytności został ucieleśniony w sztuce z największą kompletnością. Dlatego, aby odtworzyć ideał, należy zwrócić się do sztuki starożytnej i przestudiować jej prawa. Dlatego naśladownictwo modeli było przez klasyków cenione znacznie wyżej niż oryginalna twórczość.

Sięgając do starożytności, klasycyści porzucili naśladownictwo wzorców chrześcijańskich, kontynuując walkę renesansowych humanistów o sztukę wolną od dogmatów religijnych. Klasycyści zapożyczyli cechy zewnętrzne z antyku. Pod imionami starożytnych bohaterów wyraźnie widoczni byli ludzie XVII i XVIII wieku, a starożytne tematy pozwoliły postawić najpilniejsze problemy naszych czasów. Proklamowano zasadę naśladowania natury, rygorystycznie ograniczającą prawo artysty do wyobraźni. W sztuce zwracano uwagę nie na to, co szczególne, indywidualne, przypadkowe, ale na to, co ogólne, typowe. Charakter bohatera literackiego nie ma cech indywidualnych, jest uogólnieniem całego typu ludzi. Charakter to cecha wyróżniająca, cecha ogólna, specyfika określonego typu ludzkiego. Charakter może być niezwykle, nieprawdopodobnie wyostrzony. Moralność oznacza ogólną, zwyczajną, zwyczajową, charakter oznacza szczególny, rzadki właśnie w stopniu wyrażania własności rozproszonej w moralności społeczeństwa. Zasada klasycyzmu doprowadziła do podziału bohaterów na negatywnych i pozytywnych, na poważnych i zabawnych. Śmiech staje się satyryczny i odnosi się głównie do postaci negatywnych.

Klasycystów nie pociąga cała przyroda, lecz jedynie „przyjemna natura”. Wszystko, co stoi w sprzeczności ze wzorcem i gustem, zostaje wyrzucone ze sztuki, cała masa przedmiotów wydaje się „nieprzyzwoita”, niegodna sztuki wysokiej. W przypadku konieczności odtworzenia brzydkiego zjawiska rzeczywistości, odbija się ono przez pryzmat piękna.

Klasycy dużą wagę przywiązywali do teorii gatunków. Nie wszystkie ustalone gatunki spełniały zasady klasycyzmu. Pojawiła się nieznana wcześniej zasada hierarchii gatunków, potwierdzająca ich nierówność. Istnieją gatunki główne i poboczne. W połowie XVII wieku tragedia stała się głównym gatunkiem literatury. Prozę, zwłaszcza fikcję, uważano za gatunek niższy niż poezja, dlatego rozpowszechniły się gatunki prozy, które nie zostały zaprojektowane z myślą o percepcji estetycznej - kazania, listy, wspomnienia; fikcja popadła w zapomnienie. Zasada hierarchii dzieli gatunki na „wysokie” i „niskie”, a do gatunków przypisane są określone sfery artystyczne. Na przykład gatunkom „wysokim” (tragedia, oda) przypisano problemy o charakterze narodowym. W gatunkach „niskich” można było poruszyć problemy prywatne lub abstrakcyjne przywary (skąpstwo, hipokryzja). Klasycyści największą uwagę zwracali na tragedię, prawa jej pisania były bardzo surowe. Fabuła miała odtwarzać czasy starożytne, życie odległych państw (starożytny Rzym, starożytna Grecja); trzeba było się domyślić z tytułu, z pomysłu – z pierwszych linijek.

Klasycyzm jako styl to system środków wizualnych i wyrazowych, charakteryzujących rzeczywistość przez pryzmat starożytnych przykładów, postrzeganych jako ideał harmonii, prostoty, jednoznaczności i uporządkowanego systemu. Styl odtwarza racjonalistycznie uporządkowaną zewnętrzną powłokę kultury starożytnej, nie przekazując jej pogańskiej, złożonej i niezróżnicowanej istoty. Istotą stylu klasycyzmu było wyrażenie poglądu na świat człowieka epoki absolutystycznej. Klasycyzm wyróżniał się przejrzystością, monumentalnością, chęcią usunięcia wszystkiego, co niepotrzebne, aby stworzyć pojedyncze i integralne wrażenie.

Największymi przedstawicielami klasycyzmu w literaturze są F. Malherbe, Corneille, Racine, Moliere, La Fontaine, F. La Rochefoucauld, Voltaire, G. Miltono, Goethe, Schiller, Łomonosow, Sumarokow, Derzhavin, Knyazhnin. Twórczość wielu z nich łączy w sobie cechy klasycyzmu oraz innych ruchów i stylów (barok, romantyzm i in.). Klasycyzm rozwinął się w wielu krajach Europy, USA, Ameryce Łacińskiej itp. Klasycyzm odradzał się wielokrotnie w postaciach rewolucyjnego klasycyzmu, stylu empire, neoklasycyzmu i do dziś wpływa na świat sztuki.

3. Klasycyzm i sztuki piękne

Teoria architektury opiera się na traktacie Witruwiusza. Klasycyzm jest bezpośrednim duchowym następcą idei i zasad estetycznych renesansu, odzwierciedlonym w sztuce renesansu i dziełach teoretycznych Albertiego, Palladia, Vignoli, Serlio.

W różnych krajach europejskich etapy rozwoju klasycyzmu nie pokrywają się. Tym samym już w XVII w. klasycyzm zajmował znaczące pozycje we Francji, Anglii i Holandii. W historii sztuki niemieckiej i rosyjskiej epoka klasycyzmu datuje się na 2. połowę XVIII w. – 1. tercję XIX w., dla wymienionych wcześniej krajów okres ten kojarzony jest z neoklasycyzmem.

Zasady i postulaty klasycyzmu rozwijały się i istniały w ciągłej polemice, a jednocześnie w interakcji z innymi koncepcjami artystycznymi i estetycznymi: manieryzmem i barokiem w XVII wieku, rokokiem w XVIII wieku, romantyzmem w XIX wieku. Jednocześnie ekspresja stylu w różnych typach i gatunkach sztuki pewnego okresu była nierówna.

W drugiej połowie XVI w. nastąpił upadek jednolitej, harmonijnej wizji świata i człowieka jako jego centrum, właściwej kulturze renesansu. Klasycyzm cechuje normatywność, racjonalność, potępienie wszystkiego, co subiektywne i fantastyczne żądanie od sztuki naturalności i poprawności. Klasycyzm charakteryzuje się także tendencją do systematyzowania, tworzenia kompletnej teorii twórczości artystycznej i poszukiwania niezmiennych i doskonałych wzorców. Klasycyzm dążył do opracowania systemu ogólnych, uniwersalnych reguł i zasad, mających na celu zrozumienie i ucieleśnienie za pomocą środków artystycznych odwiecznego ideału piękna i powszechnej harmonii. Kierunek ten charakteryzuje się koncepcjami przejrzystości i miary, proporcji i równowagi. Kluczowe idee klasycyzmu zostały zarysowane w traktacie Belloriego „Życie współczesnych artystów, rzeźbiarzy i architektów” (1672); autor wyraził opinię, że należy wybrać drogę środka pomiędzy mechanicznym kopiowaniem natury a pozostawieniem jej w sferze fantazji .

Idee i doskonałe obrazy klasycyzmu rodzą się z kontemplacji natury, uszlachetnianej przez umysł, a sama natura w sztuce klasycznej jawi się jako oczyszczona i przetworzona rzeczywistość. Starożytność jest najlepszym przykładem sztuki naturalnej.

W architekturze nurty klasycyzmu dały o sobie znać w drugiej połowie XVI w. w dziełach Palladia i Scamozziego, Delorme’a i Lescauta. Klasycyzm XVII wieku miał wiele cech. Klasycyzm wyróżniał się dość krytycznym podejściem do twórczości starożytnych, które postrzegano nie jako absolutny przykład, ale jako punkt wyjścia w skali wartości klasycyzmu. Mistrzowie klasycyzmu za cel postawili sobie nauczenie się lekcji starożytnych, ale nie po to, aby ich naśladować, ale po to, aby ich przewyższyć.

Cechą charakterystyczną jest także ścisłe powiązanie z innymi ruchami artystycznymi, przede wszystkim barokowym.

Dla architektury klasycyzmu takie cechy jak prostota, proporcjonalność, tektonika, regularność fasady i kompozycja wolumetryczno-przestrzenna, poszukiwanie przyjemnych dla oka proporcji i integralność obrazu architektonicznego, wyrażająca się w wizualnej harmonii wszystkich jego części, mają szczególne znaczenie. W pierwszej połowie XVII w. w wielu budynkach Desbrosa i Lemerciera znalazła odzwierciedlenie postawa klasycystyczna i racjonalistyczna. W drugiej połowie lat 30.-50. XVII w. nasiliła się tendencja do geometrycznej przejrzystości i integralności brył architektonicznych oraz zamkniętej sylwetki. Okres ten charakteryzuje się bardziej umiarkowanym użytkowaniem i równomiernym rozmieszczeniem elementów dekoracyjnych, świadomością niezależnego znaczenia wolnej płaszczyzny ściany. Tendencje te pojawiły się w świeckich budynkach Mansar.

Przyroda i sztuka krajobrazu stały się organiczną częścią architektury klasycystycznej. Natura działa jak materiał, z którego ludzki umysł może tworzyć prawidłowe formy, z wyglądu architektoniczne, w istocie matematyczne. Głównym przedstawicielem tych idei jest Le Nôtre.

W sztukach pięknych wartości i zasady klasycyzmu wyrażały się na zewnątrz w wymogu przejrzystości formy plastycznej i idealnej równowagi kompozycji. Ustaliło to priorytet perspektywy linearnej i rysunku jako głównego środka identyfikacji struktury i zawartej w niej „idei” dzieła.

Klasycyzm przeniknął nie tylko rzeźbę i architekturę Francji, ale także sztukę włoską.

Pomniki publiczne stały się powszechne w epoce klasycyzmu, dały rzeźbiarzom możliwość idealizowania waleczności wojskowej i mądrości mężów stanu. Wierność antycznemu modelowi wymagała od rzeźbiarzy przedstawiania modeli nago, co kłóciło się z przyjętymi normami moralnymi.

Klienci indywidualni epoki klasycznej woleli uwieczniać swoje nazwiska na nagrobkach. Popularności tej formy rzeźbiarskiej sprzyjała aranżacja cmentarzy publicznych w głównych miastach Europy. Zgodnie z ideałem klasycystycznym, postacie na nagrobkach zwykle znajdują się w stanie głębokiego spoczynku. Rzeźba klasycyzmu jest na ogół obca nagłym ruchom i zewnętrznym przejawom emocji, takich jak gniew.

Późny klasycyzm empirowy, reprezentowany przede wszystkim przez płodnego duńskiego rzeźbiarza Thorvaldsena, jest przesiąknięty suchym patosem. Szczególnie ceniona jest czystość linii, powściągliwość gestów i beznamiętny wyraz twarzy. Przy wyborze wzorców do naśladowania nacisk przesuwa się z hellenizmu na okres archaiczny. W modzie stają się obrazy religijne, które w interpretacji Thorvaldsena wywołują u widza nieco mrożące krew w żyłach wrażenie. Rzeźby nagrobne późnego klasycyzmu często noszą lekki akcent sentymentalizmu

4. Muzyka i klasycyzm

Klasycyzm w muzyce ukształtował się w XVIII wieku w oparciu o ten sam zestaw idei filozoficznych i estetycznych, co klasycyzm w literaturze, architekturze, rzeźbie i sztukach wizualnych. W muzyce nie zachowały się żadne starożytne obrazy, kształtowanie się klasycyzmu w muzyce nastąpiło bez żadnego wsparcia.

Najwybitniejszymi przedstawicielami klasycyzmu są kompozytorzy wiedeńskiej szkoły klasycznej Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven. W ich sztuce podziwia się doskonałość techniki kompozytorskiej, humanistyczną orientację kreatywności i pragnień, szczególnie zauważalną w muzyce V.A. Mozarta, aby pokazać doskonałe piękno poprzez muzykę. Sama koncepcja wiedeńskiej szkoły klasycznej zrodziła się wkrótce po śmierci L. Van Beethovena. Sztukę klasyczną wyróżnia delikatna równowaga między uczuciami i rozumem, formą i treścią. Muzyka renesansu odzwierciedlała ducha i oddech swojej epoki; w epoce baroku tematem przedstawienia w muzyce była kondycja ludzka; muzyka epoki klasycznej gloryfikuje działania i czyny człowieka, emocje i uczucia, których doświadcza, uważny i holistyczny ludzki umysł.

Rozwija się nowa mieszczańska kultura muzyczna z charakterystycznymi prywatnymi salonami, otwartymi dla każdej publiczności koncertami i przedstawieniami operowymi, beztwarzową publicznością, działalnością wydawniczą i krytyką muzyczną. W tej nowej kulturze muzyk musi utwierdzić swoją pozycję jako artysta niezależny.

Rozkwit klasycyzmu rozpoczął się w latach 80. XVIII wieku. W 1781 r. J. Haydn stworzył kilka nowatorskich dzieł, m.in. Kwartet smyczkowy op. 33; Odbywa się premiera opery V.A. „Uprowadzenie z Seraju” Mozarta; Ukazuje się dramat F. Schillera „Zbójcy” i „Krytyka czystego rozumu” I. Kanta.

W dobie klasycyzmu muzyka rozumiana jest jako sztuka ponadnarodowa, rodzaj uniwersalnego języka zrozumiałego dla każdego. Rodzi się nowa idea samowystarczalności muzyki, która nie tylko opisuje przyrodę, bawi i wychowuje, ale potrafi także wyrazić prawdziwe człowieczeństwo za pomocą prostego i zrozumiałego języka metaforycznego.

Ton języka muzycznego zmienia się z niezwykle poważnego, nieco ponurego, na bardziej optymistyczny i radosny. Po raz pierwszy podstawą kompozycji muzycznej jest pomysłowa melodia, wolna od pustej pompatyczności i dramatycznego kontrastowego rozwoju, ucieleśniona w formie sonatowej opartej na opozycji głównych tematów muzycznych. Forma sonatowa dominuje w wielu utworach tego okresu, m.in. w sonatach, triach, kwartetach, kwintetach, symfoniach, które początkowo nie miały ścisłych granic z muzyką kameralną, oraz w koncertach trójczęściowych, głównie na fortepian i skrzypce. Rozwijają się nowe gatunki - dywersyfikacja, serenada i kasacja.

Wniosek

klasycyzm sztuka literatura muzyka

W tej pracy zbadałem sztukę epoki klasycyzmu. Pisząc tę ​​pracę, przeczytałem wiele artykułów poruszających tematykę klasycyzmu, a także obejrzałem wiele fotografii przedstawiających obrazy, rzeźby i konstrukcje architektoniczne epoki klasycyzmu.

Uważam, że przesłany przeze mnie materiał jest wystarczający do ogólnego zrozumienia tego zagadnienia. Wydaje mi się, że aby poszerzyć wiedzę z zakresu klasycyzmu, trzeba odwiedzić muzea sztuk pięknych, posłuchać dzieł muzycznych tamtych czasów i zapoznać się z co najmniej 2-3 dziełami literackimi. Zwiedzanie muzeów pozwoli znacznie głębiej poczuć ducha epoki, doświadczyć tych uczuć i emocji, które starali się nam przekazać autorzy i zakończenia dzieł.

Korepetycje

Potrzebujesz pomocy w studiowaniu jakiegoś tematu?

Nasi specjaliści doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Prześlij swoją aplikację wskazując temat już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.