Znani malarze, rzeźbiarze, graficy. Mistrzowie radzieckiej grafiki sztalugowej Przykłady grafik i autorzy

Sztuka graficzna jest różnorodna. Obejmuje plakaty polityczne oraz rysunki w gazetach i czasopismach, ilustrację i karykaturę książkową, grafikę użytkową przemysłową i reklamę filmową. Dużą jej część stanowi grafika sztalugowa – rysunki i ryciny, wykonywane samodzielnie, poza konkretnym przeznaczeniem praktycznym. Nazywa się ją tak przez analogię z malarstwem sztalugowym, którego prace artysta tworzy na specjalnej maszynie – sztalugach; słowo „grafika” pochodzi od greckiego grapho (grafo) – piszę, rysuję. Oczywiście grafika sztalugowa nie jest całkowicie pozbawiona celu. Artysta chwytając za pędzel, ołówek czy dłuto grawerskie ma zawsze konkretny cel. Stara się przekazywać ludziom swoje myśli i uczucia, swoje rozumienie życia, utwierdzać w nim to, co wartościowe, a karać to, co negatywne, pokazywać niesamowite, ukryte piękno świata, który tylko on widzi. Ale jednocześnie autor rysunku lub ryciny sztalugowej nie zawsze realizuje swoją twórczością cel agitacyjny czy donosowy, jako mistrz plakatów i karykatur, nie realizuje zadań reklamowych ani użytkowych, jak artyści plakatu i przemysłu grafiki, jego obrazy wreszcie nie są powiązane z bohaterami i sytuacjami literackimi, jak w pracach ilustratorów.

W ten sam sposób mistrzowie malarstwa i rzeźby sztalugowej, w odróżnieniu od muralistów i dekoratorów, tworzą samodzielne dzieła, nie kojarzące się z żadnym zespołem artystycznym – budynkiem, pomieszczeniem, skwerem, parkiem itp.

Grafika sztalugowa ma wiele wspólnego z malarstwem sztalugowym. Choć ich wiodące środki artystyczne są różne, oba te rodzaje sztuki mają ogromne i pod wieloma względami podobne możliwości przedstawiania przyrody, ludzi i całego bogactwa świata materialnego. Różne aspekty życia ludzkiego, które zawsze były w centrum uwagi w sztuce, sugerowały dodanie do niej różnych gatunków - portretu, pejzażu, kompozycji codziennej lub bitewnej, martwej natury itp. Gatunki te istnieją zarówno w malarstwie sowieckim, jak i w Grafika radziecka. Ze szczególną głębią świat ludzkiej duszy ukazany jest w licznych dziełach malarstwa sztalugowego, rzeźby i grafiki. Za tę psychologię, za wielowątkową i wspaniałą rozmowę z widzem na temat człowieka, szczególnie cenimy sztukę sztalugową.

Mając wiele wspólnego z malarstwem, grafika sztalugowa, jednocześnie sposobem wykonania - głównie na papierze, jest bliska wszystkim innym rodzajom grafiki pod względem technik rysunkowych i grawerskich. Ona, podobnie jak cała rodzina grafik, wyróżnia się względną szybkością wykonania rzeczy, a także dobrymi możliwościami ich reprodukcji. Dzięki temu po pierwsze grafika posiada świetne dane, aby być sztuką aktualną, szybko reagującą na wydarzenia życia publicznego, sztuką żyjącą w rytmie nowoczesności. Te możliwości tkwiące w grafice, jak zobaczymy poniżej, nie raz zostały doskonale wykorzystane przez jej mistrzów. Po drugie, ponieważ arkusz graficzny powstaje z reguły szybciej niż obraz czy rzeźba (choć od grafika wymaga się nie mniej siły duchowej, talentu i umiejętności), zachowuje on szczególną bezpośredniość komunikacji z naturą, możliwość utrwalenia na żywo To. Jeśli dodamy do tego, że technika wykonywania dzieł graficznych jest bardzo różnorodna, oczywiste staje się bogactwo ideowe i estetyczne tej formy sztuki.

Na uważnego odbiorcę dzieł graficznych czeka wiele ciekawych rzeczy. Nie od razu, ale stopniowo ujawnia się przed nim oryginalność i piękno każdej techniki graficznej – srebrzysta klarowność rysunku grafitowym ołówkiem i aksamitna czerń włoskiego ołówka, precyzyjna płynność rysunków piórem tuszem lub tuszem, delikatność pastele i optymizm. Stopniowo uczymy się doceniać bogatą gamę szaro-czarnych odcieni dostępnych przy rysowaniu węglem, sosem, czarną akwarelą czy tuszem, przejrzystą lekkość kolorowej akwareli i cięższy, materialny język gwaszu. Podziwiamy różnorodny i elastyczny język drzeworytu, uogólnione i lakoniczne formy linorytu, wyrazistość światła i cienia oraz głębię koloru w akwafortie, swobodną, ​​bogatą w odcienie barwy, miękkość modelowania, rysunek litografią ołówek.

Często artyści pracują również z mediami mieszanymi, łącząc w swoich pracach na przykład węgiel drzewny, kredę i jakiś rodzaj ołówka lub akwarelę i pastel, akwarelę i gwasz itp.

Zarówno w technikach litograficznych, jak i grawerskich odbiorca widzi końcowy efekt pracy artysty – odbitkę lub odcisk, w przeciwnym wypadku – rycinę. Z jednej deski lub kamienia można uzyskać wiele takich odbitek, a wszystkie są równie oryginalnymi dziełami sztuki. Ta cecha druków – ich dość duży nakład przy zachowaniu wszelkich walorów artystycznych – jest dla nas szczególnie cenna.

Coraz więcej kręgów narodu radzieckiego przyłącza się do tej sztuki. Odnajdują w druku pełnię myśli i przeżyć estetycznych, jakie dostarcza prawdziwa wielka sztuka, a jednocześnie grafika nie jest odległym unikatem muzeum, które oglądamy tylko okazjonalnie, ale rzeczą, dzięki której piękno wkracza do naszego domu, w codzienne życie.

Radziecka grafika sztalugowa to rozległa dziedzina naszej sztuki, której niepisana jeszcze historia zawiera wspaniałe karty wielkich poszukiwań i dokonań artystycznych. Ma swoje wspaniałe tradycje zarówno w sztuce rosyjskiej, jak i w wielu innych narodowych szkołach artystycznych. Prawie wszyscy najwięksi malarze przeszłości byli także wielkimi mistrzami rysunku i akwareli. Akwarele Aleksandra Iwanowa i K. Bryulłowa, liczne rysunki i akwarele Repina, grafiki W. Serowa i Vrubela to arcydzieła naszej sztuki pełne wiecznego uroku. Jako sztuka demokratyczna, niosąca ludziom obrazy i myśli artystów, litografia pojawiła się w Rosji na początku XIX wieku. Kiprensky, Orlovsky, Venetsianov, później Perov, Shishkin, Vl. Makovsky, Lewitan i inni artyści. W latach czterdziestych XIX wieku Szczedrowski w albumie „Oto nasze” ukazuje widzowi handel, rzemieślników, typy ludowe. Było to pierwsze doświadczenie tworzenia litografii kolorowej w sztuce rosyjskiej. Czołowi artyści ostatniego stulecia cenią sztukę grawerowania za jej stosunkowo większą przystępność dla ludzi, gdyż przybliżają ich twórczość odbiorcy ludowej publiczności. Klasyk poezji ukraińskiej i artysta T. G. Szewczenko, zajmujący się akwafortą, napisał w 1857 r.: "Ze wszystkich sztuk pięknych, teraz najbardziej lubię grawerować. I nie bez powodu. społeczeństwo". Szyszkin był także entuzjastą akwaforty. I. E. Repin wielokrotnie sięgał po różne techniki grawerowania. Cała różnorodność gatunków - sceny domowe, historyczne, portret i pejzaż - rozwija się w litografii, akwafortie i rysunku ubiegłego wieku.

W grafice początku XX wieku, jak w całej sztuce, dochodzi do skomplikowanego splotu, czasem przeciwstawnych, tendencji. Wydarzenia rewolucji 1905 roku ze szczególną siłą uchwyciły grafiki czasopism, ale znalazły także oddźwięk w przedmiotach sztalugowych - akwafortach S. Iwanowa, w pastelach W. Serowa, zszokowanego świadka represji caratu na robotnikach. W tych pracach, a także w obrazach górników, kobiet pracujących, studentów Kasatkina, na rysunkach S. Korovina przedstawiających żołnierzy, w arkuszach Siergieja Iwanowa poświęconych biednym migrantom, zainteresowanie osobą pracującą charakterystyczne dla zaawansowanej sztuki rosyjskiej i współczucie dla jego trudnego i często tragicznego losu. Ale w grafice tych dekad widać także tendencję do odchodzenia od zawiłości i sprzeczności rzeczywistości społecznej. W niektórych przypadkach tendencja ta narzuca twórczości artystów rodzaj biernej kontemplacji, w innych prowadzi artystów w swojej twórczości do pałacowych sal i parków odległych i obcych szerokiej publiczności. Niemal wiodącym gatunkiem w grafice przedrewolucyjnej jest pejzaż. Zatrudnia tak wielkich mistrzów, jak A. Ostroumova-Lebiediew, V. Falileev, K. Yuon, I. Nivinsky, I. Pavlov, E. Lansere i inni. Subtelnie dostrzegają piękno wielostronnej przyrody, jej różnorodnych stanów, poezję architektury w jej związku z krajobrazem. Ten zachwyt nad pięknem świata jest główną, odwieczną treścią ich dzieł, która fascynuje nas do dziś. Czasami jednak w ich prześcieradłach można wyczuć nutę kontemplacji.

W przedrewolucyjnej rycinie, ilustracji czasopism i książek bardziej niż w innych formach sztuki odczuwalny był wpływ społeczeństwa World of Art, być może dlatego, że wielu jego członków było grafikami na wysokim poziomie zawodowym. Spośród tych artystów do tego stowarzyszenia należeli Ostroumova-Lebedeva i Lansere. Jednak to, co najlepsze w ich twórczości, ukształtowało się wbrew postawom estetycznym teoretyków „Świata Sztuki”, opowiadających się za „sztuką czystą” z dala od życia. Obrazy, akwarele i rysunki głównych postaci „Świata sztuki” A. Benoisa, K. Somowa i innych wskrzeszały szarmancki i nieożywiony świat życia dworskiego minionych epok, były wyrafinowaną i wyuczoną grą historyczną. Tak więc w grafice przedrewolucyjnej powstają dzieła przesiąknięte całym dramatyzmem społecznych sprzeczności, pojawia się masa kameralnych pejzaży lirycznych, a jednocześnie kwitnie retrospektywizm, czyli odejście od nowoczesności, estetyzmu świat sztuki.

W pierwszych latach po rewolucji wygląd grafiki sztalugowej niewiele się zmienił. Te trudne lata to czas bojowej, donośnej sztuki plakatu, agitacyjnej rzeźby monumentalnej i nowej sztuki zdobienia świąt masowych. Na tle szybkiego rozwoju tego typu sztuk grafika sztalugowa na pierwszy rzut oka wygląda szczególnie tradycyjnie. W zasadzie pracują tu ci sami mistrzowie, co w latach przedrewolucyjnych, a ich twórczość, która została już w dużej mierze zdeterminowana, nie ulega od razu i szybko złożonym zmianom związanym z wpływami nowej rzeczywistości. Pejzaż i portret stały się wiodącymi gatunkami grafiki sztalugowej. Artyści z miłością przedstawiają starożytne zakątki miast, niezwykłe zabytki architektury, wieczne piękno natury, niepodlegającej burzom społecznym. W ich pracach jest mnóstwo urzekającego kunsztu, spokojnego zachwytu nad pięknem świata. Jednak ten zamknięty świat retrospektywnego krajobrazu zwróconego w przeszłość zdaje się być chroniony niewidzialną ścianą przed wydarzeniami rozgrywającymi się w kraju.

Dzieła gatunku domowego, których powstało niewiele, przedstawiają to samo spokojne i skromne życie, nietknięte żadnymi wstrząsami społecznymi, proste prace domowe.

W grafice tych lat dominują ryciny i litografie; rysunek i akwarela nie są powszechne. Pejzaże i portrety publikowane są często w albumach rycinowych i są to wydania małonakładowe i drogie, przeznaczone dla nielicznych koneserów.

Intymność wyróżnia prace portretowe. Modelami portrecistów są zazwyczaj artyści, pisarze, artyści, czyli raczej wąski krąg osób duchowo bliskich autorowi. Ich wewnętrzny świat ujawnia się subtelnie i uważnie, ale jeszcze nie na poziomie wielkich uogólnień, jakie później będą dostępne sztuce radzieckiej.

I tylko w portretach N. A. Andreeva, w szczególności w jego obrazach V. I. Lenina, gatunek portretu w grafice natychmiast zyskuje nowe cechy, uogólniając siłę, dźwięk społeczny. Rysunki te słusznie zaliczają się do najlepszych osiągnięć sztuki radzieckiej, nadal nas zachwycają i uczestniczą w naszym życiu. Ale w latach powstania arkusze te były niejako genialnym wyjątkiem, potwierdzającym jedynie regułę - czyli ogólny kameralny charakter większości prac portretowych. Od rysunków Andriejewa, jakby wyprzedzając swoje czasy, zaczniemy naszą znajomość sowieckiej grafiki sztalugowej.

Dla N. A. Andreeva (1873–1932) – słynnego rzeźbiarza, autora moskiewskich pomników Gogola, Ostrowskiego, Pomnika Wolności, rysunek był nie tylko niezbędnym etapem przygotowawczym pracy, ale także niezależnym obszarem twórczości . Na początku lat dwudziestych wykonał wiele portretów graficznych - Dzierżyńskiego, Łunaczarskiego, Gorkiego, Stanisławskiego, artystów Teatru Artystycznego i innych.

Człowiek w całej integralności swojego charakteru – to właśnie zainteresowało portrecistę Andreeva. W jego arkuszach wewnętrzny świat modelki jest zarysowany wyraźnie, pewnie, szczegółowo, ale bez półtonów i bogactwa niuansów. Zapoznając się z portretami Andriejewa, uzyskujemy w pewnym sensie sumę bardzo dokładnej, zweryfikowanej wiedzy na temat przedstawionych na nich osób. Właśnie klarowność tej wiedzy jest swego rodzaju patosem twórczości Andreeva, a sposób wykonywania portretów również jest mu posłuszny.

Wiele z tego stylu wywodzi się z rzeźbiarskiej wizji formy artysty. To podkreślona plastyczność rysunku, obowiązkowe poszukiwanie wyrazistej linii sylwetki, ale także sztywność koloru, brak poczucia powietrza. Ale najważniejsze było tutaj pozytyw, który dał rzeźbiarski talent Andreeva - umiejętność widzenia modelu jako całości, najważniejszego w zarysie głowy, dostrzeżenia specyfiki wyglądu, oczyszczonego z przypadkowych linii i zakrętów. Ta integralność sylwetki w połączeniu z najbardziej szczegółowym opracowaniem twarzy, zwłaszcza oczu, stanowi o wyjątkowej manierze artysty. W rękach Andreeva dobrze służyły sangwiniczne, pastelowe, kolorowe ołówki, a także węgiel drzewny lub ołówek włoski, którymi obrysowano główne tomy.

W ten sam sposób Andreev wykonał kilka portretów V.I. Lenina, które są częścią jego słynnej Leniniany - dużego cyklu szkiców, rysunków, szkiców i rzeźb, których stworzenie było głównym dziełem życia Andreeva w latach władzy radzieckiej . Portrety Lenina Andriejewa są dla nas nie tylko dziełem utalentowanego artysty, ale także cenną rewelacją naocznego świadka, osoby, która wielokrotnie obserwowała Lenina na kongresach i kongresach oraz w jego kremlowskim biurze. W trakcie tej pracy Andreev wykonał wiele pobieżnych szkiców, ale istnieją tylko trzy ukończone portrety obrazkowe; artysta doskonale rozumiał złożoność i specyfikę swoich zadań, przy pozornie możliwej szybkości wykonania.

Na jednym z tych portretów lekkie zmrużenie oczu Lenina, ledwie dostrzegalny uśmiech tchnął życie w obraz, tworząc obraz pełen ludzkiego ciepła. Jednocześnie w portrecie żyje także poczucie społecznej doniosłości wizerunku wodza, dlatego też arkusz ten jest tak nowy pod względem treści dla sztuki portretu graficznego tamtych lat (il. 1).

Temat Lenina – przywódcy mas, z jeszcze większą siłą i wyrazem rozwija Andriejew na portrecie profilowym W. I. Lenina, datowanym często na początek lat dwudziestych XX wieku. Impuls i energia tego natchnionego obrazu, jego wysublimowany bohaterstwo podbija serca. Jednocześnie zrozumienie historycznej roli W. I. Lenina jest tu na tyle dojrzałe, że twórczość Andriejewa wydaje się znacznie wyprzedzać zakres sztuki początku lat dwudziestych XX wieku. Przy całym bogactwie i dorobku sztuki tych lat nie znajdziemy w niej takiego wyczucia skali czynów Lenina, zakresu myśli Lenina, takiego historycznego rozumienia jego wizerunku. I wydaje się słuszne niedawne założenie badaczki „Leniniany” L. Trifonowej, że portret, który stał się znany dopiero w latach trzydziestych XX wieku, powstał nie na początku lat dwudziestych XX wieku, ale później. Lakoniczny język i wewnętrzna treść nadają tej karcie prawdziwą monumentalność. Nie bez powodu portret ten jest obecnie znany szerokiej publiczności nie tylko z wielu reprodukcji: jest wykonany w mozaice, malowany w panelach H:t przy dekorowaniu świąt. Powiększony do ogromnych rozmiarów rysunek nie traci nic na swojej lakonicznej wyrazistości,

G. S. Vereisky (ur. 1886) zajmował się także portretem od pierwszych lat powstawania grafiki radzieckiej. Moment oceny społecznego znaczenia człowieka zajmie ważne miejsce później w jego życiu, ale droga artysty do tego, a zwłaszcza charakter jego pierwszych dzieł, była inna niż Andreeva. G. S. Vereisky pierwsze umiejętności artystyczne zdobywał w prywatnej pracowni w Charkowie, studiował na uniwersytecie, brał udział w studenckim kole rewolucyjnym i rewolucyjnych wydarzeniach 1905 roku, w związku z tym więzienie, a następnie kilkuletnia emigracja - to są niektóre momenty biografii artysty. Od 1918 roku przez kilka lat Vereisky pracował w dziale rycin Ermitażu. Przybył tam posiadając już istotne informacje z historii sztuki światowej, a wieloletnia praca w Ermitażu jeszcze bardziej go pod tym względem wzbogaciła. Nie książka, ale żywa wiedza o arcydziełach sztuki światowej odcisnęła piętno na twórczym wizerunku artysty; wielka kultura, szlachetność, prostota, za którą kryje się dokładność, wyróżniają jego liczne dzieła. Vereisky zaczynał od portretów litograficznych i choć znamy go obecnie jako znakomitego rysownika i rytownika, zajmował się przede wszystkim litografią.

Od samego początku swojej twórczości Vereisky charakteryzował się wiernością naturze, obserwacją. Być może dlatego długa droga tego artysty w sztuce wydaje się na pierwszy rzut oka gładka i spokojna. W rzeczywistości cechuje go ciągłych poszukiwań, doskonalenia umiejętności,

Pierwszy album Bereisky'ego „Russian Artists” ukazał się w 1922 roku. Widzimy tu w pełni reprezentowaną grupę artystów stowarzyszenia „Świat Sztuki” od założycieli do jego drugiego pokolenia. Vereisky doskonale zna swoje modele i dokładnie oddaje duchowy nastrój, charakter każdego z artystów - ponurą powagę i niewygodną samotność Benois, pozbawioną radości koncentrację Somowa, kłujący wyraz twarzy, intensywność życia wewnętrznego Mitrokhina itp. Z nich arkuszy, a także z portretów Andriejewa, możemy wiele dowiedzieć się o przedstawionych tutaj osobach, ale na portretach Vereisky'ego nie ma momentu oceniania ludzi, że tak powiem, z daleka, charakterystyka jest podana w komnacie , intymno-liryczny plan, a kwestia społecznego znaczenia ich działalności nie została dotychczas podniesiona. W kolejnych albumach z lat 1927–1928 Vereisky już dokładniej odnajduje naturalną i zrelaksowaną pozę modelki, rysuje pewniej i swobodniej. Udane portrety artystów Golovina, Zamirailra, architekta Shchuko, krytyka Yaremicha, Notgafta. Vereisky był w stanie dobrze przekazać kulturę wewnętrzną, żywotność umysłu, urok wspaniałej edukacji, nieodłącznie związany z przedstawionymi przez niego ludźmi.

W latach trzydziestych Vereisky dużo pracował nad portretami pilotów, podziwiając ich odwagę i odwagę, starając się podkreślić te cechy w ich opisie. A kiedy na początku Wielkiej Wojny Ojczyźnianej stworzył portrety odważnych uczestników bitew Fisanowicza, Mieczerskiego, Osipowa i innych, wyglądały one jak kontynuacja opowieści artysty o dzielnych żołnierzach radzieckich, rozpoczętej przez prace z lat trzydziestych XX wieku.

Ale głównym osiągnięciem Vereisky'ego w tym okresie i później były portrety postaci kulturowych. Ze szczególną wyrazistością artysta w latach wojny odczuwał, że tematem jego portretów jest twórczość, umiejętność, cenna i niezbywalna dla człowieka sztuki, umiejętność pracy z twórczym wglądem nawet w chwili poważnych trudności. Na tych arkuszach wydawało się, że wielkie umiejętności techniczne Vereisky'ego po raz pierwszy zostały oświetlone głębokim podekscytowaniem emocjonalnym, a jego zawsze poprawne i dokładne portrety nabrały żywej emocjonalności. Dyrektor Ermitażu, orientalista I. A. Orbeli i poeta N. Tichonow, zostali przez niego przyciągnięci w dniach oblężenia Leningradu; jej trudy odcisnęły piętno na wyglądzie tych ludzi, lecz mimo warunków, w jakich pracują, ich twórcza głębia zostaje oddana namacalnie i wyraźnie. Tę samą poezję natchnionych poszukiwań widać także w portretach artysty E. E. Lansere, dyrygenta E. A. Mrawińskiego, malarza T. N. Yablonskaya (il. 2). Po raz kolejny prezentowane są tu postacie kultury różnych zawodów, ale jak zmienił się ich świat wewnętrzny, ich żarliwe oddanie sztuce zostało naświetlone nowym znaczeniem. Znika dawna intymność prac Vereisky'ego, a kwestia społecznej roli sztuki wybrzmiewa z całą mocą w jego portretach z lat 1940-1950. Metody jego pisania psychologicznego nie zmieniły się, ale tylko dokładniejsze, ale ze zwykłej sumiennej prawdziwości jego cech, konturów wielkiej wewnętrznej bliskości przedstawionych przez niego ludzi, bliskości w najważniejszej kwestii - w zrozumieniu sens jego twórczości, jakby sam w sobie został wskazany.

Wypowiadając imię G. S. Vereisky'ego, często od razu przywołujemy na myśl twórczość M. S. Rodionova (1885 - 1956) - artysty, którego twórczość była pod wieloma względami wewnętrznie bliska G. S. Vereisky'emu. A główne obszary pracy - portret i krajobraz (które Vereisky również wiele zrobił), a także surowe piękno manier i troskliwość w badaniu natury były wspólne dla tych artystów. Wykonany przez M. S. Rodionowa w latach 1944 - 1946, także w technice litografii, seria portretów naukowców i artystów - Abrikosowa, Baranowa, Wiesnina i innych - przedstawia w naszych grafikach tę samą linię poważnej, pozbawionej zewnętrznej popisowości, mocnej wewnętrznej prawdziwość sztuki portretowej, którą zarysowują także prace G. S. Vereisky'ego.

Prace Vereisky'ego i Rodionowa zabrały nas daleko od pierwszych lat porewolucyjnych. Wracając do nich, musimy uzupełnić znany nam już zakres dzieł portretowych dziełami B. M. Kustodiewa (1878–1927). Kustodiew, główny malarz, dużo pracował nad grafiką. Ciekawy portret F. I. Chaliapina, wykonany przez niego w 1921 roku akwarelą i ołówkiem. Jeśli w pierwszej wersji tego portretu pieczęć codzienności niejako gasi wewnętrzne światło twarzy Chaliapina, to w dalszej części artysta tworzy obraz złożony, a jednocześnie przekonujący; wyczuwa się w nim talent, rozmach, elegancję i jakąś ukrytą myśl (il. 3).

Drugim szeroko rozpowszechnionym gatunkiem w grafice lat dwudziestych XX wieku był pejzaż. Jednym z jego największych mistrzów był A.P. Ostroumova-Lebiediew (1871–1955). Jej wcześnie rozbudzone zainteresowanie sztuką zaprowadziło ją do Szkoły Rysunku Technicznego Stieglitz, gdzie uczyła się pod okiem znakomitego nauczyciela i rytownika V. V. Mate, wielkiego mistrza reprodukcyjnego grawerowania tonowego. Profil twórczy Ostroumovej nie został od razu określony. Po przeprowadzce do Akademii Sztuk Pięknych studiowała tam u różnych nauczycieli, a następnie została przyjęta na studentkę I. E. Repina. Było to wydarzenie, które odcisnęło piętno na całej dalszej działalności artysty. „W głębi, w sercu naszej sztuki, wesoły, świeży i wiecznie żywy realizm Repińskiego jest kamieniem węgielnym każdego” – napisała później Ostroumova. Stopniowo zainteresowanie artysty grafiką, a zwłaszcza kolorowym drzeworytem, ​​staje się coraz bardziej zdeterminowane. Podczas swojej podróży do Paryża studiowała wspaniałe przykłady tej sztuki w różnych kolekcjach. Ze wszystkich technik grawerskich drzeworyty w Rosji na początku XX wieku miały najmniejszą samodzielną wartość artystyczną i istniały głównie jako sposób reprodukcji obrazów. Kolorowe drzeworyty zostały całkowicie zapomniane. Dlatego też, gdy Ostroumova-Lebiediew zgłosiła do Akademii na konkurs kilka swoich rycin, w tym kolorowy drzeworyt z obrazu flamandzkiego artysty Rubensa „Perseusz i Andromeda”, jury początkowo nawet odrzuciło ten arkusz, myląc go z akwarelą .

Przez całe swoje długie twórcze życie Ostroumova-Lebiediew poświęciła się drzeworytom i akwarelom. O pierwszym z nich sama artystka pisze z miłością i poezją:

„Doceniam w tej sztuce niesamowitą zwięzłość i zwięzłość przedstawienia, jego lakonizm, a przez to niezwykłą ostrość i wyrazistość. Doceniam bezlitosną pewność i klarowność jej linii w drzeworycie… Sama technika nie pozwala do poprawek i dlatego w drzeworycie nie ma miejsca na wątpliwości i wahania...

A jak piękna jest praca narzędzia na twardym drewnie! Deska jest tak wypolerowana, że ​​przypomina aksamit, a po tej błyszczącej złotej powierzchni szybko biegnie ostre dłuto, a cała praca artysty polega na tym, aby utrzymać go w granicach swojej woli!

Piękny moment jest wtedy, gdy po ciężkiej i powolnej pracy związanej z nieustanną, wzmożoną uwagą – nie popełnij błędu – wałkujesz farbę wałkiem, a wszystkie linie, które zostawiłeś na tablicy, zaczynają błyszczeć czarną farbą i nagle pojawia się rysunek pojawia się na tablicy.

Zawsze żałowałem, że po tak błyskotliwym rozkwicie grawerowania, jaki nastąpił w XVI i XVII wieku, sztuka ta zaczęła więdnąć, stała się usługą, rzemiosłem! A ja zawsze marzyłam o tym, żeby dać mu wolność!”

Nawet w latach przedrewolucyjnych Ostroumova stworzyła wiele wspaniałych dzieł - widoki Petersburga i okolic, pejzaże malowane podczas podróży po Włoszech, Hiszpanii, Francji,

Holandia. Niezmienna dokładność i wierność naturze łączą się już w nich z wielkim darem uogólniania. Artysta z Petersburga rysuje szczególnie przenikliwie i poetycko. Miasto wznosi się w swych płachtach majestatycznych, pełnych harmonii i piękna. Jej prace wyróżniają harmonia kompozycji, klarowność liniowa, czystość koloru.

Po rewolucji, która według jej wspomnień spowodowała u artystki przypływ twórczej energii i radosny przypływ, Ostroumova nadal działa przede wszystkim w gatunku pejzażu architektonicznego. W jej prześcieradłach miasto, jak poprzednio, to nie ruchliwe ulice kipiące aktywnym tłumem, ale przede wszystkim kraina pięknej architektury, jej nieprzemijającego piękna.

Jednocześnie artystka odkrywa nowe cechy w wyglądzie miasta, a powściągliwą emocjonalność jej obrazów czasami zastępuje bardziej burzliwe, impulsywne uczucie. W ramach jednego gatunku krajobrazu Ostroumova tworzy rzeczy bardzo różnorodne i zawsze wewnętrznie integralne. Przypomnijmy na przykład jej akwarelę „Piotrograd. Pole Marsowe” z 1918 roku. Ta płachta z szybkim ruchem chmur na wysokim niebie, przestrzenią placu i smukłą, wybiegającą w przyszłość figurą pomnika Suworowa jest pełna ukrytego napięcia i patosu. Postawa artystki jest tu odważna, wesoła, rytmy życia, które słyszy, są jasne, jak marsz i jak marsz, muzykalne. Ostroumova maluje lekkimi pociągnięciami, uogólnioną w formie, operując detalem z mądrym umiarem. Wydawać by się mogło, że ten arkusz jest narysowany dość prosto, ale za jego prostotą stoją umiejętności i wielki gust artystyczny. Przejawia się to także w szlachetności skromnej i pięknej palety tej rzeczy.

Drzeworyt „Smolny” przesiąknięty jest nietypową dla Ostroumowej burzliwą emocjonalnością. Nad tym krajobrazem unosi się powiew rewolucji, a budowanie spokojnych, klasycznych form zdaje się ożywać na nowo, jak wrzenia października 1917 roku. Zderzenie czerni i bieli zdaje się podwajać siłę każdego z tych kolorów. Kolumny Propyleje, które wyznaczają wejście do Smolnego, stają się groźnie czarne, ziemia lśni jasną bielą, uderzenia wirują w szybkim ruchu, wyznaczając w głębinach drogę do budynku, drzewo ugina się pod porywistym wiatrem i ukośne opadające linie delikatnie zarysowują niebo nad Smolnym. Powstaje obraz pełen impulsu, ruchu, romantycznego uniesienia. Jakże piękny i malowniczy jest ten czarny drzeworyt, jak wielkie są jego walory czysto dekoracyjne.

Dekoracyjnością wyróżnia się także cykl małych drzeworytów przedstawiających Pawłowsk. Dekoracyjność artysta upatrywał w zarysach kępy drzew, sylwetce posągu czy kraty, obserwowanej na żywo i przez to przekonującej.

Klasycznym przykładem wielkiego kunsztu Ostroumowej-Lebiediewej jest pejzaż „Ogród letni w szronie” (1929; il. 4).

Gdy spojrzysz na ten grawer, ogarnie Cię spokój opuszczonego ogrodu; wydaje się, że znajdujesz się na jego uliczce - w ten sposób autor wykorzystuje kompozycję arkusza. Ścieg śladów w głębokim śniegu i rytm pokrytej śniegiem czarnej kraty zarysowują ruch w głąb blachy, a tam delikatnie zaokrągla go lekka sylwetka mostu. Ruch i odległe postacie ludzi ożywiają całe prześcieradło, ale nie zakłócają jego śnieżnego uroku. To właśnie w połączeniu niesamowitego spokoju, ciszy z poczuciem życia wielkiego miasta, płynącego gdzieś bardzo blisko, rodzi się szczególny urok tego graweru. Poezję zimy, jej mgliste kolory, mroźne powietrze unoszące się nad koronami drzew w kruchym różowym szronie, artysta pięknie przekazuje tutaj.

Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Ostroumowa-Lebiediewa, która miała już ponad siedemdziesiąt lat, nie opuściła Leningradu. Dzieliła się ze wszystkimi mieszkańcami niesamowitymi trudami blokady i nie ustawała w pracy, ile tylko mogła. Karty jej wspomnień z tych lat są nie tylko kroniką trudów i duchowych niepokojów, ale także dowodem wiecznego twórczego zapału, niestrudzonej chęci do pracy. Taka miłość do sztuki, wielkie oddanie dla niej są nadal przykładem dla młodych artystów, a osiągnięcia Ostroumowej-Lebiediewej w grawerowaniu, a zwłaszcza odrodzenie jej artystycznych drzeworytów kolorowych, pozostają niewzruszonym wkładem wielkiego mistrza w nasz sztuka.

Twórczość V. D. Falileeva (1879–1948) pod wieloma względami jest bliska twórczości Ostroumowej-Lebiediewy pod względem postawy i stylistyki. Był także mistrzem drzeworytu czarnego i kolorowego, sięgając po akwafortę i linoryt w ciągłym poszukiwaniu nowych możliwości technicznych swojej twórczości, zwłaszcza koloru. Krajobrazy Falileeva, zarówno przedstawiające jego ojczysty kraj, jak i zagraniczne, przyciągają nas tą samą pełnią uczuć, umiejętnością dostrzegania piękna w zwykłych motywach natury, jak dzieła Ostroumowej-Lebiediewy, ale harmonia i klasyczna czystość linii są mniej powszechne w jego rycinach, sposób jego rysowania jest swobodniejszy i w jakiś sposób bardziej niespokojny, kolorystyka jest gorętsza i bardziej malownicza. Jednocześnie umiejętność uogólniania swoich wrażeń, tworzenia pojemnego obrazu artystycznego przy minimalnych środkach sprawia, że ​​Falileev jest powiązany z Ostroumową-Lebiediewą. Charakterystyczny w tym sensie jest na przykład album kolorowych linorytów Falileeva „Włochy”, w którym artysta, poświęcając temu czy innemu miastu tylko jedną kartkę, w niezwykle lakonicznych kompozycjach, czasami przedstawiających jedynie fragment budynku, zdaje się koncentrują się najbardziej charakterystyczne w wyglądzie włoskie miasta.

Artystę interesuje także burzliwa przyroda, tworzy cykl rycin „Deszcze”, w szeregu arkuszy różnicuje, badając zmienny wygląd morza, zarysy wzburzonej fali morskiej. W pejzażach z motywami burz i deszczu niektórzy badacze dostrzegają swego rodzaju graficzną reakcję na rewolucyjną burzę, jednak takie zbliżenie wciąż wydaje się zbyt proste. A w przypadku Falileeva nie odważymy się ustanowić podobnego związku między jego fabułami a wydarzeniami społecznymi. Ale w całości jego dzieł, w szczególnej intensywności ich wewnętrznej struktury, rzeczywiście istnieje poczucie złożoności świata społecznego, i jest to wyraźniejsze w jego arkuszach pejzażowych niż na przykład w linorycie „The Wojska”, ponieważ Falileev był przede wszystkim malarzem pejzażu.

Przedstawicielem gatunku pejzażowego w grafice był także I. N. Pawłow (1872 - 1951). Moskwa miała w swojej osobie poetę równie oddanego i niestrudzonego w jej śpiewaniu, jak Leningrad w osobie Ostroumowej-Lebiediewy. Pawłow był prawie w tym samym wieku co Ostroumowa, ale jego droga artystyczna rozpoczęła się w innych, trudniejszych warunkach życia. Syn sanitariusza więziennego, później stróż w katedrze Chrystusa Zbawiciela w Moskwie, musiał wcześnie „wyjść do ludu”, zapisując się na praktykanta do warsztatu rzemieślniczego grawerskiego. Pierwszą pracą, która przyniosła mu sukces, były reprodukcje rycin z obrazów V. Makowskiego. Następnie Pawłow studiował w Szkole Rysunku Technicznego Stieglitz oraz w warsztacie Mate, a także w szkole Towarzystwa Zachęty Sztuki, ale nie na długo ze względu na potrzebę pracy. W reprodukcji obrazów artysta osiąga duże umiejętności, a jego ryciny publikowane są w popularnych czasopismach tamtych lat, zapoznając czytelników z twórczością najważniejszych malarzy - od Repina po V. Makowskiego. Jednak fotomechanika dodatkowo wypiera ten sposób reprodukcji. W twórczości Pawłowa pojawia się główny temat jego twórczości - starożytne zakątki Moskwy i miast prowincjonalnych, odchodzący w przeszłość krajobraz Rosji.

Przejście do tworzenia oryginalnych rycin nie było dla artysty łatwe, ale jego pracowitość i miłość do tematu zdziałały wiele. Od 1914 roku zaczęły pojawiać się albumy z rycinami pejzażowymi I. N. Pawłowa. Sercem jego pejzaży były wrażenia z przyrody pod Moskwą, z wycieczek wzdłuż Wołgi i Oki. Kameralne postrzeganie natury, poszukiwanie w niej swego rodzaju intymności wyróżniało te pierwsze dzieła. "Dążyłam do doboru narożników i spodziewałam się, że moje ryciny będą postrzegane jako prawdziwie nastrojowe pejzaże. W dużej skali, na zdjęciu panoramicznym, wydawało mi się, że intymność i klarowność kompozycyjna, które próbowałam osiągnąć, mogą całkowicie zniknąć" - artysta wspominał później. Rozpoczynając duży cykl moskiewskich pejzaży, Pawłow i tutaj szuka przede wszystkim kameralnych motywów lirycznych, utrwalających starożytność. „Szukałem najrzadszych starych budynków, podwórek, ślepych zaułków, stuletnich drewnianych domów, kościołów dawnej architektury; nie pomijałem wielu wybitnych zabytków starożytności… Czasami stare przeplatało się z nowym, aby podkreślić typowość uchwyconego fragmentu miasta” – czytamy w jego wspomnieniach.

Z roku na rok gromadziły się moskiewskie ryciny I. N. Pawłowa, które złożyły się na jego liczne albumy. W Moskwie w stosunkowo krótkim czasie wiele się zmieniło, ciche zakątki, które namalował I. N. Pawłow w ogromnym nowoczesnym mieście, stały się nie do poznania. I jesteśmy wdzięczni artyście, który zachował dla nas skromny komfort cichych uliczek, życzliwość małych domków (il. 5). A w innych rosyjskich miastach - Kostromie, Ugliczu, Ryazan, Torzhoku - Pawłowa przyciąga starożytna architektura. Bardzo dobrze wyczuł jej ekspresję i oryginalność. Ale w sumie dzieła Pawłowa są nieporównywalnie mniej kunsztem i plastycznym pięknem niż na przykład w krajobrazach Ostroumowej-Lebiediewy czy Falilejewa. Dokumentalna dokładność jego prac często przeradza się w fotografię.

5. I. N. Pawłow. Arkusz z albumu „Stara Moskwa”. Na Varvarce. 1924

Cykl współczesnych krajobrazów Pawłowa został uzupełniony w latach 1920–1930, kiedy po przystąpieniu do Stowarzyszenia Artystów Rewolucyjnej Rosji, podobnie jak wielu mistrzów sztuki, odbywał twórcze podróże służbowe do przemysłowych ośrodków kraju. Kolorowy linoryt „Astrachań” z ciemnym stadem statków i światłami dużego budynku Ludowego Komisariatu Transportu Wodnego na brzegu, krajobraz „Nad Wołgą” z ostrymi czarnymi sylwetkami żaglówek i lekko drżącą wodą, „Baku” , „Bałachna” i kilka innych arkuszy wykonanych w tych latach należały do ​​najlepszych dzieł artysty. Arkusz „Zvenigorod. Przedmieścia”, stworzony przez 78-letniego mistrza w 1949 roku, zachwyca radosnym, pogodnym nastrojem.

Niewłaściwe pochwały twórczości Pawłowa przez krytyków na przełomie lat czterdziestych i pięćdziesiątych przesłaniały mankamenty jego dzieł i paradoksalnie utrudniały ustalenie ich prawdziwych wartości. Całkowite zaprzeczenie jego twórczości nie jest dziś rzadkością. Doceniamy jednak wspaniałą pracę artysty i jego bogate doświadczenie, którym hojnie dzielił się z wieloma mistrzami grafiki radzieckiej na początku ich kariery.

Zasługą Pawłowa – wraz z V. D. Falileevem – jest wprowadzenie linorytu do codziennego życia artystów radzieckich i wynalezienie nowej metody drukowania akwareli – akwareli.

Spośród uczniów I. N. Pawłowa M. V. Matorin, mistrz kolorowych drzeworytów i malarz pejzażu, owocnie pracuje jako artysta i nauczyciel.

W swoim odwoływaniu się do krajobrazu architektonicznego, do zabytków starożytności, IN Pavlov nie był w latach dwudziestych osamotniony. Wł. IV. Sokołow, uczeń Lewitana, którego ten sam I. N. Pawłow zainteresował się technikami grawerowania, wydał w latach 1917–1925 kilka albumów poświęconych Siergijewowi Posadowi, starej Moskwie, Rostowie. Wszystko to są dobre przykłady starego krajobrazu. W albumach z litografiami Yuona i Kustodiewa z lat dwudziestych XX wieku można zobaczyć także Siergijewa Posada, rosyjskie krajobrazy, zdjęcia nienaruszonego dawnego życia prowincji. Klasyczna zabudowa Petersburga widnieje w wyciętych liniach drzeworytów P. A. Schillingowskiego, którego album z krajobrazami, wydany w 1923 roku, choć zatytułowany „Petersburg. Ruiny i odrodzenie”, zawierał w zasadzie jedynie smutne zdjęcia ruin – zniszczenia wyrządzone Piotrogrodowi w wyniku zniszczeń wojskowych. Będąc w Armenii, weto Schillinga ponownie dostrzega jedynie cechy starożytności, wydając w 1927 roku album rycin „Old Erivan”. Zatem starożytny pejzaż w grafice pierwszej dekady nie jest przypadkowym hobby poszczególnych mistrzów, ale całym zjawiskiem.

Dopiero około 1927 roku zainteresowanie nim ustało i ten sam Schillingovsky, wielki miłośnik architektonicznej starożytności, w następnym roku, 1928, stworzył album „Nowa Armenia”, jakby odnotowując w swojej twórczości charakterystyczną zmianę, jaka zaszła w Harmonogram.

Nowe oczywiście rośnie w trzewiach starego, a prace poświęcone współczesnemu krajobrazowi pojawiły się w grafice, że tak powiem, w jej głębi, wśród rzeczy już nam znanych. Ich autorami byli artyści, którzy jeszcze wczoraj poświęcili swoją twórczość kontemplacji odwiecznego piękna architektury i natury. I tak na przykład I. I. Niwinski (1881-1933), największy mistrz sowieckiej akwaforty, w wydanym w 1925 roku albumie „Krym” artystycznie i łatwo, choć z nutą kontemplacji, oddaje codzienną uroczystość pięknej południowa przyroda. Do 10. rocznicy października na zlecenie Rady Komisarzy Ludowych Niwinski tworzy kilka dużych rycin „Zages”, w których przedstawiając elektrownię w Gruzji, nie tylko wprowadza do swoich krajobrazów nową fabułę, ale także aktywnie poszukuje nowych formy wyrazu dla niego.

Sukcesem okazała się akwaforta „Pomnik W. I. Lenina w Zagach” z jej starannym rysunkiem oraz pomnik W. I. Lenina, naturalnie dominujący w krajobrazie przemysłowym - dzieło rzeźbiarza I. D. Shadra (il. 6). Piękno tego pomnika, jego majestatycznie spektakularna sylwetka staje się tutaj głównym składnikiem obrazu krajobrazu. Przyroda jest obecnie postrzegana przez artystę nie tylko jako przedmiot zachwytu i kontemplacji, ale także jako pole wielkiej działalności człowieka. W graficznym pejzażu po raz pierwszy wyraźnie zabrzmiały nuty aktywnego podejścia do życia.

Nowe motywy pojawiają się w drugiej połowie lat dwudziestych XX wieku w twórczości artysty I. A. Sokołowa (ur. 1890). Od samego początku swojej twórczości I. A. Sokolov, uczeń i wielki wielbiciel V. D. Falileeva, przedstawia sceny pracy przy grawerowaniu. Na początku jest to ciężka i uciążliwa praca domowa kobiety w gospodarstwie domowym, praca rękodzielnicza – świat ciasny i ograniczony, ukazany z ciepłem i miłością. Szewc pochylony nad swoim dziełem, praczka, babcia z wnukami w wieczornym ciasnym niepozornym pokoju, smukła sylwetka koronkarki na tle jasnej tkaniny o misternym wzorze, w oczywisty sposób nią połączonym – to pierwsze prace Sokołowa (il. 7).

Ze swej natury są bardzo bliskie twórczości I. Pawłowa, Vl. Sokołowa i innych artystów, którzy pokazali nam nieoficjalne zakątki wielkich miast, ich nienaruszoną starożytność. „Wygląda więc na to, że życie odzwierciedlone na rycinach I. A. Sokołowa toczyło się za ścianami tych małych domów, które przedstawił I. N. Pawłow” – słusznie pisze biograf I. A. Sokolovej M. Z. Kholodovskaya.

Oczywiście, ponieważ obrazy pracy były zawsze bliskie artyście, to właśnie on jako jeden z pierwszych poszerzył wąski zakres swojego tematu i zaczął przedstawiać nowy świat pracy przemysłowej - pracę w dużym zakładzie metalurgicznym. Do 1925 roku należą do niego pierwsze arkusze przedstawiające moskiewską fabrykę „Młot i sierp”. W tym czasie artysta opanował już technikę kolorowego linorytu wielodeskowego, a rodzaje warsztatów, przeplatanie potężnych stalowych kratownic, skomplikowane oświetlenie scen olśniewającym, rozgrzanym do czerwoności metalem są przez niego dokładnie i dokładnie odtwarzane. Później, już jako dojrzały mistrz, Sokołow ponownie trafia do znanej mu fabryki i w 1949 roku tworzy serię mu poświęconych rycin. Tym razem wprowadza do serii arkusze portretowe; jeden z nich, przedstawiający hutnika F. I. Swiesznikowa, był dla artysty szczególnie udany. W przebraniu Sveshnikova, który uważnie obserwuje wytapianie, udało mu się przekazać skromność, prostotę, urok osoby z dużym doświadczeniem życiowym i zawodowym. Ale nawet pierwsze „fabryczne” arkusze Sokołowa zachowują dla nas swoje znaczenie; kryje się w nich sumienna trafność pierwszych kroków na nieznanej samemu autorowi i innym artystom drodze.

Przez całe życie I. Sokolov dużo pracował także w dziedzinie krajobrazu. Powszechnie znane stały się jego pejzaże z lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku; zimna świeżość wczesnej wiosny i ognisty strój jesieni są w nich zawsze odciśnięte wyraźnym, precyzyjnym wzorem, wyraźnymi, czystymi kolorami. Udoskonalając technikę kolorowego linorytu, osiągając swobodne przeniesienie bogatej gamy barw, artysta wykorzystuje dużą liczbę desek, a czasem na deskę toczy się nie jeden, jak zwykle, ale kilka kolorów. Jego znany rycin „Kuźminki, Jesień”, urzekający m.in. gorącymi, malowniczymi barwami, został wykonany na siedmiu planszach w dziewięciu kolorach.

Wydarzenia wojenne artysta odzwierciedlił w dużych cyklach „Moskwa w 1942 r.” i „Co zniszczył wróg”. W pierwszym z nich, malującym czołgi wyjeżdżające na front ulicami Moskwy, stada pędzone na tyły, ogrody warzywne na podwórkach itp., artysta nasyca swoje płótna motywami gatunkowymi, pozostając jednak w rozwiązywaniu przede wszystkim pejzażystą kompozycję jako całość. W drugim cyklu – pejzaż – celowo wysuwa się na pierwszy plan zadanie dokumentalne, ale smutek zabarwia także te kartki, przedstawiające bolesną destrukcję pięknych zespołów przedmieść Leningradu. To samo dokumentalne zadanie stoi przed artystą w cyklu „Lata powojenne”, w którym pieczołowicie i pieczołowicie reprodukował pamiętne miejsca związane z życiem i twórczością W. I. Lenina i A. M. Gorkiego.

Pierwsze dzieła o nowym życiu, jak płótna Niwińskiego czy Sokołowa, nie były liczne. Jednak ich liczba stopniowo rośnie. W latach pierwszego planu pięcioletniego organizowano wyjazdy służbowe malarzy i grafików do najważniejszych nowych budynków, gigantów przemysłowych i pierwszych kołchozów. Artyści z entuzjazmem podeszli do nowych, stojących przed nimi zadań. I choć wśród dzieł powstałych w wyniku tych podróży nie było jeszcze dzieł o wysokich walorach artystycznych, wraz z tym dziełem w grafikę wkracza nowy, świeży nurt, powiew wielkiego życia kraju.

Złożoność tej pracy polegała zarówno na niedostatecznej znajomości przez artystów codziennego życia budownictwa socjalistycznego, jak i na dyskusyjności wielu zagadnień charakterystycznej dla tamtych lat formy sztuki. Liczne środowiska artystyczne często wychodziły z przeciwstawnymi płaszczyznami teoretycznymi, a w powstałych wówczas sporach kwestionowano czasem samo prawo do istnienia sztuki sztalugowej. Nie można zapominać, że lata te były okresem sprzecznych poszukiwań na polu edukacji artystycznej. Często niewłaściwe kształcenie artystów na uniwersytetach pozbawiało ich mocnych podstaw umiejętności zawodowych, a młody grafik musiał nadrabiać dużo później. To prawda, że ​​dzieła wielu znakomitych mistrzów starszego pokolenia, a także rady, jakie udzielali młodym ludziom, często poza oficjalnymi murami uczelni, były dla niej bardzo pouczające. Były też takie pracownie, jak na przykład pracownia Kardowskiego, w której artyści przeszli owocną szkołę realistycznego rysunku i kompozycji. A jednak warunki pracy artystów były trudne. Poprawiły się dopiero po wyeliminowaniu ugrupowań artystycznych na początku lat trzydziestych XX wieku i zjednoczeniu wszystkich zdrowych sił twórczych na jednej realistycznej platformie.

Rysując grafikę na współczesne tematy, szybko rozwinęło się kilka głównych obszarów pracy artystów. Jednym z nich było, jak widzieliśmy na rycinach I. Sokołowa, dokładne, nieco opisowe, niemal dokumentalne odtworzenie widzianych, głównie przemysłowych, warunków pracy. W tego typu dziełach było wiele naiwnej i szczerej chęci autorów, aby jak najdokładniej i najpełniej opowiedzieć widzowi o nowych budynkach i fabrykach. Nie bez powodu artyści często nie ograniczają się do jednego arkusza, ale w całej serii utrwalają widoki fabryki, budowy itp.

Drugi kierunek można nazwać ocieplonym uczuciem lirycznym, lakonicznym, zachowującym żywotność szkicu, ale także jego powściągliwość, sztuką krajobrazu przemysłowego, którą stworzył na przełomie lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku N. N. Kupreyanov (1894 - 1933), uczeń tak różnych artystów, jak Kardovsky, Petrov-Vodkin, Ostroumova-Lebiediew, Kupreyanov przeszedł krótką, ale trudną drogę w sztuce, pełną ciągłych poszukiwań. Co ciekawe zajmował się nie tylko grafiką sztalugową, ale także ilustracją książkową. Jeden z pierwszych Kupreyanov poświęcił swoje rzeczy rewolucji, a jego drzeworyty „Samochód pancerny” (1918) i „Krążownik” Aurora ”(1923), nieco przemyślane w swojej podkreślonej kanciastości lub szybkim ruchu linii, niosły cząstkę prawdziwego duchowego podniesienie, żywa reakcja na wydarzenia października. Porzucając wkrótce drzeworyty, Kupreyanov pracuje głównie w manierze swobodnych, pełnych światła i tajemniczych przejść światła i cienia rysunków tuszem i akwarelą.Komnatowe pejzaże i sceny z „cyklu Selishchenskaya”, w którym panuje zarówno ciepło, jak i ścisła izolacja świata rodzinnego, stanowią jedną z stron jego twórczości. Ale sztuka Kupreyanova wcześnie wkracza także w przestrzenie rozległego kraju. W cyklu „Tory kolejowe” (1927) jego szybki pędzel zapełnia arkusz za arkuszem huczącym ruchem pociągów, a w jego pośpiesznym rytmie rozbrzmiewa echo biznesowego życia kraju, cykle „Bałtyk”, które zaczęto tworzyć w 1931 r., oraz „Rybactwo Morza Kaspijskiego”, które powstała w wyniku podróży artysty tam - ta sama lekkość pozornie beztroskiego szkicowego sposobu rysowania. Za nim można wyczuć dalekie od zakończenia poszukiwania obrazów nowoczesności, łączących w sobie ekspresję ulotności i pojemnej treści charakterystycznej.

Wczesna śmierć przerwała pracę artysty w środku.

Trzeci kierunek w twórczości grafików na tematy współczesne wyłonił się wraz z wczesnym nurtem romantycznie optymistycznego przedstawienia fabuły. Zmienia motywy industrialne w majestatyczny, czasem urzekający spektakl. Wydawać by się mogło, że takie prace charakteryzują się najbardziej twórczym, emocjonalnym podejściem do natury. I rzeczywiście, wśród nich rzeczy znaczące i bardzo piękne w wykonaniu nie są rzadkością. Jednak ich romantyczne uniesienia mają najczęściej charakter nieco abstrakcyjny i subiektywny, są one, podobnie jak trafność opisowa innych dzieł, efektem dopiero pierwszego kontaktu artysty z tematem. Nie bez powodu, uniesieni ogólnymi poglądami na budownictwo, warsztaty fabryczne itp., autorzy wszystkich wczesnych dzieł przemysłowych nadal dają w nich bardzo skromne miejsce ludziom. Przykładem dzieł o planie romantycznym może być arkusz N. I. Dormidontowa „Dnieprostroj” (1931; il. 8). Dormidontow (ur. 1898) jest także jednym z pierwszych twórców nurtu nowoczesnego w grafice. Już od połowy lat dwudziestych ukazywały się jego karty pracy poświęcone pracy – początkowo sztywnej, dokładnej i suchej, potem bardziej swobodnej i złożonej. Na rysunku „Dnieprostroj” artystę fascynuje ogromna skala budowli, urzekający obraz nocnej pracy, oświetlony ostrym światłem licznych żarówek. Na jego rysunku praca zamienia się w oddziałujący na wyobraźnię spektakl, tajemniczy, majestatyczny i nieco fantastyczny.

Podobną interpretację pracy można dostrzec w serii rycin AI Krawczenki (1889 - 1940), także poświęconych budowie Dnieprogów (1931). Został on stworzony przez artystę już w dojrzałym okresie twórczości i wyraźnie ujawnił się w nim jego spektakularny kunszt,

Na rycinach z tego cyklu ogromne konstrukcje tamy piętrzą się, wznosząc się w górę, wokół nich wznoszą się strzały żurawi, wysokie niebo wiruje od chmur, a słońce wysyła w górę swoje oślepiające promienie. Kontrasty czerni i bieli dają początek jasnej, niespokojnej gamie rycin. Spektakl budowy pod Krawczenką jest imponujący i imponujący. A ludzie, którzy w trudnych warunkach tworzą nowego przemysłowego giganta, dawani są jedynie jako rytmicznie powtarzające się grupy identycznych sylwetek, jako abstrakcyjne nośniki ruchu. Jednak wielu artystów w tamtym czasie przyciągała przede wszystkim ogólna panoramiczna ekspresja placu budowy, warsztatu itp. A na rycinach Krawczenki wyraża się to tylko najbardziej utalentowani.

Kreatywność Krawczenko generalnie zapisuje jasną i oryginalną kartę w historii naszej grafiki. Mistrz drzeworytu, akwaforty i rysunku, bardzo wrażliwy na tematykę ostrego kolorytu społecznego w sztalugach, pisarz science fiction i magik ilustracji, Krawczenko szybko zyskał szeroką popularność w kraju i za granicą. Pochodził z rodziny chłopskiej, kształcił się w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Jego nauczycielami byli znani rosyjscy malarze S. Iwanow, W. Sierow, K. Korovin, A. Arkhipow. Krawczenko rozpoczął karierę jako malarz, ale w dziedzinie rysunku i ryciny, do której zwrócił się w latach władzy radzieckiej, jego twórczość jest szczególnie interesująca. Liczne podróże do Indii, Francji, Włoch, Ameryki i Związku Radzieckiego uzupełniły edukację artystyczną Krawczenki i poszerzyły jego horyzonty. Krawczenko pracował bardzo ciężko. Stworzył przedziwny świat obrazów w ilustracjach książkowych, łącząc fantazję i groteskę, drżącą magię uczuć i energię obsesji. Stale pracował w dziedzinie krajobrazu, w jego różnych arkuszach uchwycono harmonię, piękno i skromną naturę regionu moskiewskiego i słynnych miast Europy. Jest jednym z pierwszych grafików, którzy stworzyli cykle opowiadań, odpowiadające na tematy publiczne. Cykl rycin poświęconych pogrzebowi W. I. Lenina, wykonany w tym samym roku 1924, był bolesną relacją naocznego świadka, a obecnie nabrał rangi dzieła historycznego. Następnie artysta ponownie powrócił do tematyki leninowskiej, wykonując w 1933 roku surową i uroczystą rycinę „Mauzoleum”. Wykonał także cykl rycin „Życie kobiety w przeszłości i teraźniejszości” dla pawilonu sowieckiego na Międzynarodowej Wystawie w Paryżu. Na kontrastujących obrazach artysta odtworzył losy kobiety-matki w Rosji carskiej i sowieckiej; wystąpił tu w roli gawędziarza, którego mowa jest emocjonalna i plastyczna, ale w jego obrazach nie było wielkiej wewnętrznej i plastycznej ekspresji. Po serii „Dnieprostroj” Krawczenko nie porzucił tematu przemysłowego i w 1938 roku, w oparciu o materiały z podróży twórczej, stworzył rysunki i ryciny poświęcone zakładowi Azovstal.

W rycinie przedstawiającej wylewanie stali (il. 9) artystę do dziś fascynuje siła potężnych konstrukcji technicznych, majestat obrazu pracy. Swobodnie komponuje złożoną scenę, efektownie oświetla ją strumieniami światła i iskier. Poza tym pojawia się tu prawdziwy rytm pracy, a wraz z nim celowość wszystkiego, co się dzieje, zamiast nieco abstrakcyjnego patosu Dnieproetroja. Oprócz widowiskowej rozrywki, arkusz zyskuje także świetną treść.

Ta monumentalna akwaforta została wykonana przez Krawczenkę na Ogólnounijną Wystawę „Przemysł Socjalizmu”. Ta wystawa sztuki radzieckiej wiąże się z masowym przyciąganiem artystów do współczesności. Prace dla niej powstawały przez kilka lat, począwszy od 1936 roku. Na krótko przed rozpoczęciem tych prac 1500 perkusistów z jednej z największych fabryk napisało na łamach „Prawdy” zwracając się do artystów:

"Oczekujemy od Was wspaniałych obrazów. Chcemy, żeby nie były to zwykłe fotografie. Chcemy, żeby była w nich pasja. Chcemy, żeby ekscytowały nas i nasze dzieci. Chcemy, żeby zaszczepiały w nas radość zmagań i pragnienia o nowe zwycięstwa. Chcemy, żebyście pokazali narodowi naszego kraju – bohaterów i zwykłych uczestników naszej budowy.”

Te żarliwe słowa nie tylko dobrze formułowały zadania naszej sztuki, ale także oddawały atmosferę wymagającej miłości ludzi do sztuki, tego wzniosłego zainteresowania nią człowieka pracującego, który pomagał artystom w ich pracy. Zorganizowana z inicjatywy Sergo Ordżonikidze i otwarta w dniach XVIII Zjazdu Partii wystawa szeroko omawiała życie Kraju Radzieckiego. Wystawiono tu ponad 1000 prac, z czego około 340 trafiło do działu graficznego (z wyjątkiem satyry). Niewiele z tych arkuszy było dziełami wielkiego kunsztu, niewiele z nich przetrwało do dziś. Jednak przyniesione przez nich nowe tematy, widziane przez artystów za życia - na rusztowaniach nowych budynków, w warsztatach fabryki - były wielkim podbojem sztuki graficznej. Dnieprostroj i praca w kopalniach potażu w Solikamsku, budowa metra i rozwój Arktyki, wydobycie złota w tajdze i praca górnika - jak różne są te tematy od błędnego koła zjawisk życiowych, do których świat grafika sztalugowa była wcześniej ograniczona, jak mało przywiązania do starożytności, fundamentalnego retrospektywizmu! Było tu jeszcze sporo krajobrazów przemysłowych. Ale oprócz nich pojawiają się także sceny porodu; a człowiek pracujący w fabryce, w polu, w laboratorium, w kopalni po raz pierwszy staje się bohaterem prac graficznych. Artyści wciąż nie znają dobrze jego wewnętrznego świata, początkowo tylko dobrze się czują i potrafią przekazać w pracy swój pewny siebie nawyk, plastyczność zawodowych ruchów. Dlatego gest pracy na rysunkach jest bardziej przekonujący niż wyraz twarzy, a niektóre dobre dzieła psują zewnętrzna niegrzeczność bohaterów.

Na przykład artysta A. Samokhvalov (ur. 1894) w serii akwareli dobrze pokazał wigor i optymizm „Metrostroy Girls”, ale także podkreślił ich niegrzeczność. Takie podkreślenie niejako ogranicza naszą wiedzę o bohaterkach Samochwałowa i zubaża jego twórczość, choć w samym jej tonie, w jego atmosferze są cechy, które prawidłowo widać w życiu. Człowieka pracy lepiej scharakteryzowano w akwareli S. M. Shora (ur. 1897) „Koza” z cyklu „Stare i nowe kwalifikacje Donbasu” (1936; il. 10). Tutaj tworzony jest obraz kobiety inteligentnej i energicznej, z wyczuciem odgaduje się jej duchowy magazyn, siłę moralną. Nie bez powodu S. Shor staje się mistrzynią portretu graficznego, wykonywanego najczęściej przez nią w technice akwaforty.

W latach przedwojennych ukazały się arkusze poświęcone robotnikom autorstwa I. A. Łukomskiego (ur. 1906). W sepiowym rysunku „Robotnik” (1941; il. 11) akcent zostaje przeniesiony z cech indywidualnych na typowe, podkreślone, jakby zbliżone. Wewnętrzną wolność, dumę ze swojej pracy można wyczytać z twarzy pracownika.

W latach trzydziestych ważnym wydarzeniem dla grafiki było przygotowanie wystawy ilustracji do historii partii. Skupiło zainteresowanie wielu artystów na tematyce historycznej, skłoniło ich do przemyślenia drogi, jaką przebyło nasze państwo. Temat historyczno-rewolucyjny rozpoczął swoje życie w grafice już na początku lat dwudziestych XX wieku. Były to jednak wówczas tylko odrębne dzieła, głównie ryciny, w których często jeszcze abstrakcyjna dekoracyjność i schematyzm uważano za integralną część techniki grawerskiej. Później, w 1927 roku, jako zupełne przeciwieństwo tych dzieł, pod dłutem ukraińskiego artysty W.I. Kasiyana pojawia się przesiąknięty rewolucyjnym patosem wizerunek bohatera walk pod Perekopem. V. I. Kasiyan (ur. 1896) – pochodzący z zachodniej Ukrainy, wykształcony w praskiej Akademii Sztuk Pięknych – artysta szukający duszy, o bystrym temperamencie. Jego lista jest jasna, emocjonalna, ale nadal pozostaje sam w harmonogramie tych lat.

Większość prac powstałych na wspomnianą wystawę nabrała raczej charakteru sztalugowego niż ilustracyjnego. Otwarta w 1941 roku, jeszcze przed wojną, nosiła nazwę „Wystawa Nowych Dzieł Grafiki Radzieckiej” i prezentowała szereg dobrych dzieł. Wiele z nich należało do mistrzów grafiki książkowej. Ilustratorzy wnieśli w dziedzinę rysunku sztalugowego psychologiczną naturę obrazów i trafność sytuacji historycznej, co było wówczas najnowszym i uderzającym osiągnięciem ich sztuki. Takie były arkusze kolektywu artystów Kukryniksy - „Na barykadach”, „Czkałow na wyspie Udd”, „Ślady polityczne”, Kibrik – „Khalturin i Obnorsky”, Szmarinow „Pogrzeb Baumana” i inni.

W latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku graficy interesowali się tematyką historyczną w innym aspekcie związanym z literaturą.

Inspirowane wizerunki Puszkina i Lermontowa przez wiele lat przyciągały twórczą uwagę artystów. N. P. Uljanow (1875–1949) włożył wiele pracy w swoją serię Puszkina. Uljanow, jeden z czołowych malarzy radzieckich starszego pokolenia, bliski uczeń V. A. Sierowa, był mistrzem malarstwa historycznego i portretu, a także artystą teatralnym.

Rysunki Uljanowa opowiadają o różnych okresach życia wielkiego poety – od czasów licealnych po ostatnie tragiczne miesiące; są one w różnym stopniu ukończone - niektóre są większe, inne wyglądają jak szkice, jak strony intensywnych i niedokończonych poszukiwań, ale we wszystkich najważniejsze dla artysty jest ogniste życie duszy Puszkina. Jednym z najlepszych jest rysunek wykonany w związku z obrazem „Puszkin i jego żona przed lustrem na balu sądowym”. Dumny, piękny wizerunek Puszkina pojawia się tutaj w lakonicznych liniach inspirowanego rysunku Sierowa.

Temat Puszkina otrzymuje w grafice inną interpretację - w krajobrazie niezapomnianych miejsc. W tym gatunku występuje artysta L. S. Khizhinsky (ur. 1896). W swoich zręcznie wykonanych drzeworytach jubilerskich, przedstawiających miejsca Puszkina i Lermontowa, osiąga trudne połączenie dokumentalnej dokładności i emocjonalnego poetyckiego początku. Bez tego połączenia sukces pejzażu pamięci, który zawsze budowany jest na subtelnych podtekstach, indywidualnych skojarzeniach, jest niemożliwy.

W latach trzydziestych XX wieku bardzo mocno odczuwalne są nowe momenty w rozwoju grafiki. Polegają one nie tylko na nowych kierunkach w twórczości artystów, które, jak widzieliśmy – wsparte działalnością wystawienniczą! – zyskują na dużą skalę, ale także na nowej treści tradycyjnych gatunków portretu i pejzażu oraz na pojawienie się znaczących dzieł artystów republik związkowych. Tak więc wspomniany już V. I. Kasiyan tworzy w tych latach ryciny poświęcone Szewczence, pełne poważnych myśli. Dużo duchowego ognia artysta włożył także w późniejszą pracę nad wielkim kobzarem, przedstawiając niezłomnego, wściekłego Szewczenko na tle epizodów walk ludowych (il. 12).

Do najważniejszych dzieł tych lat należą pejzaże i portrety ormiańskiego mistrza M. Abegyana, litografie poświęcone Mołdawii Ukraińca G. Pustovite, monumentalna rycina gruzińskiego artysty D. Kutateladze przedstawiająca S. Ordzhonikidze i S. M. Kirowa. W tym okresie znany azerbejdżański artysta A. Azimzade – rysownik, rysownik i plakacista – tworzył najciekawsze rzeczy w dziedzinie grafiki sztalugowej. Obrazy przeszłości reprodukowane są w jego arkuszach w sposób oryginalny, szczegółowy, z domieszką ozdobnego rysunku. Co nowego w portrecie i pejzażu lat 30. XX wieku? Zanika dawna intymność tych gatunków, a ich mistrzowie coraz śmielej wychodzą w życie, poznając nowych ludzi, poszerzając zasięg geograficzny prac pejzażowych. To ostatnie dotyczy nie tylko mistrzów industrialu, ale także zwykłego krajobrazu. Jeśli wcześniej tylko E. E. Lansere, który niestrudzenie badał naturę i życie narodów Kaukazu, oraz Schillingovsky, który malował Armenię, odeszli od ustalonej tradycji moskiewsko-leningradzkiej w krajobrazie, teraz cała plejada mistrzów tworzy swoje dzieła poza jej granicami wąskie granice. Artyści przedstawiają przyrodę centralnej Rosji, północy, Krymu, Kaukazu i Azji Środkowej. Krajobraz staje się obszarem genialnego zastosowania techniki akwareli. Prace grafików L. Bruni, A. Ostroumovej-Lebiediewej, malarzy S. Gerasimowa, A. Deineki, P. Konczałowskiego świadczą o prawdziwym rozkwicie krajobrazu akwareli. Nowością w tych dziełach jest aktywność światopoglądu autora. Być może ze szczególną wyrazistością widać to w pejzażach artystów, którzy w tych latach wyjechali za granicę.

Ostra wizja kontrastów obcej rzeczywistości jest wpisana na przykład w paryskie i rzymskie pejzaże A. A. Deineki (il. 13). Artysta nie może poddać się spokojnemu urokowi majestatycznej architektury i posągów, jak to miało miejsce niejeden raz w przedrewolucyjnych zagranicznych cyklach graficznych; na tym pięknym tle jego oko dostrzega zarówno postać bezrobotnego mężczyzny, jak i złowieszcze, pewne siebie sylwetki duchownych kościoła. W kręgu takich dzieł jak arkusze Deineki rodzi się dziennikarska pasja i polityczna bezkompromisowość, charakterystyczna dla grafiki radzieckiej.

Cechy te ujawniły się z wielką siłą także w „Serii hiszpańskiej” rysunków leningradera Yu.N. Petrowa (1904 - 1944). Cykl Pietrowa był wkładem grafiki sztalugowej w walkę z faszyzmem, którą w tamtych latach aktywnie prowadzili zarówno mistrzowie karykatury, jak i twórcy plakatu politycznego. Sztuka Yu Petrova, rysownika i ilustratora, była sztuką wielkiej kultury i głębokich uczuć. Petrov był uczestnikiem walki z faszyzmem w Hiszpanii, znał i kochał ten kraj, jego mieszkańców, wielkich pisarzy i artystów przeszłości, a ta miłość i szacunek znalazła odzwierciedlenie w jego rysunkach. Hiszpania, jej górzyste krajobrazy, domy zniszczone bombami, powściągliwi, dumni i żarliwi ludzie – żołnierze Armii Ludowej, kobiety i dzieci, które straciły domy, ujęte są w lakonicznych, nieco smutnych i odważnych kompozycjach. Niektóre strony serii Petrowa sprawiają wrażenie szkiców, ale delikatny rysunek z miękkim modelowaniem tak dokładnie zarysowuje plastyczność form i planów krajobrazu, że wypełnia je tak drżące życie, że wielka zamyślenie każdej kartki staje się namacalna. Ta seria nadal pozostaje jedną z najbardziej doświadczonych i szczerych rzeczy w naszym harmonogramie. Jej autor zginął później na służbie wojskowej podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, a jego sztuka, która wiele obiecywała, nie zdążyła osiągnąć apogeum.

Wielka Wojna Ojczyźniana, która rozpoczęła się w 1941 roku, radykalnie zmieniła charakter i tempo rozwoju wszystkich rodzajów sztuki. Spowodowała także duże zmiany w grafice sztalugowej. Wydajność grafiki, względna prostota jej technik stały się obecnie szczególnie cennymi cechami. Paląca potrzeba zabrania głosu w godzinie narodowych procesów, szybkiego zareagowania na gorycz i bohaterstwo nadchodzącego dnia, skłoniła wielu artystów do rysunku, akwareli, a czasem grawerowania. W grafice sztalugowej teraz, wraz z uznanymi mistrzami, zaczęli pracować niektórzy malarze, a także, z dużym powodzeniem, ilustratorzy.

Już od pierwszego roku wojny, obok plakatów i karykatur, grafika sztalugowa stała się jedną z najaktywniejszych form sztuki, głęboko poruszającą serca widzów. Mistrzowie rysunku i grawerowania stworzyli wiele pięknych rzeczy, zrodzonych z gniewu i inspiracji. W tym ciągu dzieł istnieją odrębne szczyty, wyróżniające się szczególnym kunsztem plastycznym. Ale ogólny poziom grafiki wojskowej jest wysoki. Artyści tworzyli swoje rysunki zarówno w szeregach Armii Czerwonej, jak i w oblężonym Leningradzie, w miastach, przez które przeszła ciężka fala odwrotu, na tyłach, gdzie wszystko było podporządkowane zadaniom frontu, oraz za granicą naszego kraju w ostatnim okresie walki z faszyzmem. Grafika pokazała nam różne strony wojny, różne oblicza życia w tym kluczowym okresie w historii naszej Ojczyzny – od przelotnej zamyślenia zmęczonej pielęgniarki po panoramę ogromnej bitwy. Jednocześnie wyraźnie wpłynęła na różnicę talentów, magazyn figuratywnego myślenia artystów. W twórczości jednego wojna jawi się jako długie wojskowe drogi, często nieprzyjemne, a czasem tak ostro przyjemne dla oka nieoczekiwanym pięknem ocalałego lasu. W kartach innej przechodzi przez serię prostych scen z życia wojska, naszkicowanych pospiesznie, ale trafnie. Na rysunkach trzeciego ma szczególny wyraz oczu wojownika lub partyzanta, który więcej niż raz spotkał się ze śmiercią. Odwaga i patriotyzm narodu radzieckiego, tak wyraźnie ujawnione w latach wojny, zostały wyśpiewane przez artystów w tych dziełach o różnym charakterze. Dzieła graficzne pełne są tego szczególnego poczucia piękna naszego sowieckiego życia, zaostrzonego przez wojnę, które naznaczyło to, co najlepsze we wszystkich formach sztuki.

Cechą charakterystyczną grafiki było pojawienie się dużej liczby szkiców. Artyści wykonywali je czasami w najtrudniejszej sytuacji bojowej, starając się dokładniej i pełniej opowiedzieć ludziom o wojnie, zebrać materiał do przyszłych kompozycji. We wstępie do albumu rysunków „Dziennik frontu” moskiewskiego grafika P. Ja. Kirpiczowa Bohater Związku Radzieckiego S. Borzenko pisze: „Przechodzą obrazy jeden po drugim, narysowane na świeżych śladach wojny, przechodzą takimi, jakimi widział je artysta w czasie wydarzeń... Żadne niebezpieczeństwa i trudności go nie powstrzymały. Do wybranych przez siebie obiektów udawał się wśród pól minowych i pracował tam od rana do wieczora, bojąc się przegapić chwilę, obawiając się, że pożary zgasną, a drużyny trofeów zabiorą zniszczone działa i czołgi. ” Ten opis twórczości artysty na froncie jest bardzo charakterystyczny, gdyż podobnie jak Kirpiczow, w czasie wojny pracowało wielu grafików sztalugowych. Szkice stanowią cenny zasób naszej sztuki, daleki od publikacji w całości. Ich autorami są N. A. Avvakums, O. G. Vereisky, M. G. Deregus, U. M. Dzhaparidze, N. N. Zhukov, P. Ya. E. K. Okas, U. Tansykbaev, S. S. Uranova i inni stworzyli całą kronikę trudnej wojskowej codzienności, wiersz o człowieku w wojnę, broniąc swojej ojczyzny przed faszyzmem.

Pomimo płynności, jaka wyróżnia szkice, wskazują one już na cechy talentu każdego artysty - i to nie tylko jego mistrza rysunku, ale także pewien zakres zjawisk, który dotyka go najbardziej.

Tak więc na przykład A. V. Kokorin (ur. 1908) nigdy nie przejdzie obojętnie obok malowniczej sceny, którą nagle zobaczył, naszkicuje w swoim graficznym dzienniku oba siodła zawieszone na broni i zepsutą ciężarówkę wystającą spod niej na trzech po bokach reperujące je żołnierze, bojownik konwoju spokojnie szyjący coś na maszynie do szycia tuż w polu oraz postać księdza z dużym plecakiem rozmawiającego z żołnierzem sowieckim. Ogólną charakterystykę wyglądu ludzi dokładnie uchwycił Kokorin, a za jego prostymi scenami zawsze czujesz lekki uśmiech, przywiązanie do swoich bohaterów. To właśnie w tych szkicach zgromadziło się doświadczenie Kokorina jako mistrza pejzażu architektonicznego, potrafiącego nakreślić wygląd miasta, główne kontury jego architektury i życie ulicy – ​​cechy, które rozwinęły się w post-artystyce artysty. wojenne rysunki indyjskie.

Ciepło i liryzm wyróżniają szkice i rysunki D. K. Mocalskiego. Nawet w najbardziej nieodpowiedniej do tego sytuacji, w zgiełku dróg frontowych prowadzących bezpośrednio do Berlina w ostatniej fazie wojny, lub już w Berlinie – cytadeli faszyzmu, którą właśnie zajęły nasze wojska – ciepło życie, jego radosny promień, w łagodnym wyglądzie, z pewnością zabłyśnie w pościeli Mochalskiego, kontrolerki ruchu drogowego, w wyglądzie bojownika, utkwionego w kobiecie z wózkiem dziecięcym.

N. N. Żukow (ur. 1908) pojawia się na szkicach wojskowych jako artysta fizjonomista, który wiele widzi w człowieku. Ciągłe zainteresowanie wewnętrznym światem człowieka nadaje sens nawet najbardziej pozornie pobieżnym jego rysunkom. Na jego prześcieradłach przeplatają się pejzaże, szkice żołnierzy, sceny rodzajowe. Pozbawiony jakiejkolwiek zewnętrznej pozorności maniery rysunku Żukowa ołówkiem odzwierciedla niejako zainteresowanie naturą tego artysty, przemyślane podejście do niej. Twórczość Żukowa zyskała sławę jeszcze przed wojną, kiedy ukończył serię ilustracji do biografii K. Marksa. Następnie Żukow nie porzucił pracy nad tym odpowiedzialnym tematem. Wiele pracy włożył w stworzenie serii rysunków „V.I. Lenin”. Jej najbardziej udane arkusze rozwiązywane są w formie lekkiego szkicu, utrwalającego krótki moment w łańcuchu innych, w formie swego rodzaju studium portretowego. Ale to właśnie podczas tworzenia szkiców wojskowych ugruntowały się umiejętności obserwacji artysty i umiejętność szybkiego szkicowania, które przydały mu się później - zarówno w obszernym, popularnym wśród widzów cyklu rysunków dedykowanych dzieciom, jak i w portretach . Przede wszystkim doświadczenia twórczości wojennej znalazły odzwierciedlenie w ilustracjach do „Opowieści o prawdziwym mężczyźnie” B. Polevoya, stworzonych przez Żukowa wkrótce po wojnie.

Trzeba powiedzieć, że doświadczenie pracy wojskowej odegrało rolę w twórczości ilustracyjnej innych artystów. To doświadczenie pomogło O. G. Vereisky'emu stworzyć rysunki do „Wasilija Terkina” A. Twardowskiego, przez długi czas sprowadzając A. V. Kokorina, późniejszego ilustratora „Opowieści sewastopolskich” L. N. Tołstoja, do tematu wojskowego. Logiczna była także droga A. P. Liwanowa od stworzonego przez niego wkrótce po wojnie cyklu „Partyzanci” do zilustrowania „Czapajewa” D. A. Furmanowa.

Kolejną cechą charakterystyczną grafiki lat wojny było odwołanie się artystów do formy serii, czyli serii arkuszy, połączonych jedną koncepcją i sposobem wykonania. Widzieliśmy, że cykle były tworzone przez artystów już wcześniej, ale w latach wojny stały się one wiodącym zjawiskiem w grafice. Seria jest dobra tylko wtedy, gdy widz z każdą jej stroną dowiaduje się czegoś nowego, gdy artysta ukierunkowuje swoje wrażenia, w określony sposób naprzemiennie układając kartki, czyli nadając serii wyraźną kompozycję. Analizując odrębne dzieło sztuki, zawsze spotykamy się z pojęciem „kompozycji”. Ale w rzeczywistości istnieje także kompozycja całej serii graficznej jako wewnętrzna prawidłowość naprzemienności jej arkuszy, pomiędzy którymi zachodzą rozmaite powiązania. Budując wyraźnie kompozycję cyklu, artysta odnajduje w nim nowy środek dużej wyrazistości. Autor cyklu w zasadzie wykonuje dzieło wielosylabowe, wieloaspektowe, którego każda strona powinna brzmieć pełnie i mocno, a jednocześnie stanowić integralną część całości tworzonej jakby jednym oddechem. Oczywiście to zadanie nie jest łatwe. Często też suma arkuszy, zwana przez artystę serią, w istocie serią nie jest.

Skład serii jest inny. Można zatem zbudować serię na kontrastowym zestawieniu arkuszy lub odwrotnie, na ich równym, identycznym brzmieniu. W innym przypadku autor może rozpocząć swoją opowieść seryjną, stopniowo zwiększając jej napięcie emocjonalne, tworząc swego rodzaju kulminację akcji i uczuć w jednej lub kilku kartach i zamykając ją zakończeniem.

W ten sposób ułożono na przykład duży cykl litografii A.F. Pachomowa „Leningrad w czasach blokady i wyzwolenia”, opublikowany wraz z tekstem poety N.S. Tichonowa w 1946 roku. Cykl ten był pierwszym większym występem w grafice sztalugowej A. F. Pachomowa (ur. 1900), mistrza książek dla dzieci, znanego z ilustracji do dzieł N. A. Niekrasowa i I. S. Turgieniewa. Litografie Pachomowa są relacjami naocznych świadków, dotykają nas prawdą tego, co widzimy, światłem wielkiej ludzkiej solidarności i odwagi.

Cykl otwiera arkusz „Widząc milicję ludową”, który od razu wprowadza nas w atmosferę niepokoju, zamętu zaburzonego szczęśliwego życia. Co więcej, wydarzenia rozwijają się szybko, życie miasta się zmienia, ostrzał i bombardowania stają się jego integralną częścią. Leningradczycy budują bunkry na ulicach, pełnią służbę podczas alarmu na dachach, ratując rannych ze zniszczonych domów. Wszystko to ukazane jest na litografiach, szybko zastępujących się nawzajem, szczegółowych, niczym opowieść, ale pełnych wewnętrznego napięcia. W nich czas jest zagęszczony i nasycony, ludzie działają nie marnując ani minuty, odważnie walczą z wrogiem.

Kolejna strona albumu – „Nad Newą po wodę” (il. 14) wyrywa nas z szybkiego rytmu tych epizodów. Tutaj czas płynie powoli – to ciężki krok zimnych i głodnych dni blokady Leningradu. Po schodach powoli wchodzi dziewczyna z nieznośnie ciężkim wiadrem. Ta bohaterka Pakhomov jest jednym z najmocniejszych obrazów nie tylko serii, ale całej grafiki wojskowej. Wzrok widza zatrzymuje się przede wszystkim na twarzy dziewczyny – tak budowana jest kompozycja litografii, tak dyktuje wyjątkowa wyrazistość tej twarzy. Artysta szczegółowo opracował mimikę twarzy - ciemne oczy wyrażające głębokie zmęczenie wydają się szczególnie duże na szczupłej twarzy, zmarszczone brwi łączą się ostrym ruchem, bezkrwawe wargi półotwartych ust są tak blade, że prawie nie wyróżniają się na twarzy, a artysta swoją linią delikatnie obrysowuje kontur. Wydawałoby się, że wizerunek tej dziewczyny będzie ucieleśnieniem zmęczenia i cierpienia. Ale najbardziej niezwykłą rzeczą w nim jest połączenie tych cech fizycznego zmęczenia i wyczerpania z duchową twardością.

Niezłomność, niesubordynacja bohaterki Pakhomowa jest najbardziej złożoną fuzją wielu aspektów jej życia duchowego, jej wewnętrznych cech, a jednocześnie jest to jej główna cecha, która przeważa nad wszystkimi innymi. Tutaj, wraz ze zwykłą prostotą Pakhomova i pomysłową klarownością obrazu, rodzi się jego wszechstronność i głębia. Pakhomov jest zawsze szczególnie bliski wizerunkom dzieci. I na tej litografii udało mu się wiele powiedzieć, pokazując, jak dziewczyna nalewa wodę z czajnika; dla niej jest to sprawa, którą jest całkowicie pochłonięta – zarówno konieczność, jak i gra. W tym połączeniu jest dojmujący ból, jest w nim prawdziwa blokada życia z nutami ostrej tragedii pośród codzienności. Zaśnieżone przestrzenie rzeki, mroźne, przejrzyste zimowe powietrze są dobrze oddane w litografiach. Ta kartka, jak i kolejny rysunek „Do szpitala” – najmocniejsze, przepełnione uczuciami. Stanowią one niejako zwieńczenie serii. Co więcej, historia artysty prowadzona jest spokojniej i zgodnie z tempem wydarzeń jego prześcieradła stają się jaśniejsze i radośniejsze: „Krovelolitsy”, „Sylwester” i inne. Cykl logicznie kończy się obrazem sztucznych ogni z 27 stycznia 1944 roku na cześć przełamania blokady miasta przez Armię Radziecką, fajerwerkiem, który tak głęboko i radośnie podnieca ludzi, przywołując cały ciąg wspomnień i nadziei. Pod fajerwerkami ludzie radują się na różne sposoby: zarówno głośno, poddając się do końca jasnemu triumfowi tej chwili, jak i w zamyśleniu, lekko oddalając się we wspomnieniach i głęboko, całym sercem, czując bezpieczeństwo swoich dzieci. Łączą je podekscytowanie i radość, a ścisła kompozycja prześcieradła sprawia, że ​​ta solidność jest widoczna i na własne oczy.

Wojskowy Leningrad poświęcony jest wielu dziełom innych artystów. Wymieńmy od nich serię linorytów S. B. Yudovina (1892 - 1954). Widzieliśmy, jak w cyklach Pakhomova technika litograficzna pozwoliła artyście szczegółowo przedstawić każdy wymyślony przez siebie obraz, zagłębiając się w szczegóły, łącząc ich liniową subtelność z malowniczością topniejących przestrzeni zimowego pejzażu. Cykl Yudovina wykonany jest w linorycie. Yudovin charakteryzuje się wzmożonymi uczuciami, w jego pościeli brzmią władczo tragiczne nuty. I cała figuratywna struktura jego arkuszy, i sposób wykonania poddawane są temu poczuciu tragizmu tego, co się dzieje. W jego rycinach króluje ciężki czarny kolor i zimny blask śniegu. W mroźnej ciszy miasta ludzie z trudem brną, uginając się pod ciężarem, pod ciężarem kłopotów blokady. Ich postacie, zwykle widziane jakby z góry, wyraźnie wyróżniają się na tle zaśnieżonych ulic. Kanciasty wzór, bezlitosne światło wyrywające sjeny z ciemności; życie, które stało się ramą tragedii – to ryciny Yudovina. Próżno zarzucać artystom surową prawdomówność, brak optymizmu. Charakter talentu Yudovina pozwolił mu ze szczególną wrażliwością wyrazić tragiczne aspekty walki Leningradczyków z wrogiem.

Ale grafika jako całość charakteryzowała się jaśniejszym spojrzeniem na świat, nawet jeśli przedstawiała procesy, jakie spotkały naród radziecki. Widzieliśmy to już w cyklu Pachomowa, a nowe potwierdzenie znajdziemy w zapoznawaniu się z serią rysunków D. A. Szmarinowa „Nie zapomnimy, nie wybaczymy!” Szmarinow (ur. 1907) należy do artystów, których wysiłki sprawiły, że radziecka ilustracja książkowa w latach trzydziestych XX wieku odniosła ogromny sukces. Odbył dobre przygotowanie zawodowe w pracowniach artystycznych Prachowa w Kijowie i Kardowskiego w Moskwie. Jego twórczość książkową wyróżniają talent psychologa i wielka kultura wewnętrzna. W latach wojny Szmarinow tworzył plakaty i rysunki sztalugowe. Seria „Nie zapomnimy, nie wybaczymy!” został przez niego zrealizowany w 1942 roku w krótkim czasie, jednak jego idea kształtowała się przez cały pierwszy rok wojny.

Historia artysty nie zaczyna się stopniowo, od początku - od razu szokuje nas wysoką tragedią rysunku „Egzekucja”. Obrazy prób i udręk wojny następują jeden po drugim, ale jasny motyw odwagi narodu radzieckiego, który pojawił się na pierwszej stronie serii, zwycięża nawet na najbardziej gorzkich stronach. Jednym z najlepszych rysunków tego cyklu jest arkusz „Powrót” (il. 15). Tysiące sowieckich kołchozów za życia znało pozycję, w której znajduje się kobieta przedstawiona przez artystę. Szmarinow namalował ją w chwili, gdy po raz pierwszy otworzył się przed jej oczami widok zdewastowanego, zniszczonego domu, zmuszając ją do zatrzymania się w swego rodzaju odrętwieniu bolesnej i oburzonej refleksji. Jej głębokie wzburzenie nie objawia się niemal na zewnątrz w niczym. To powściągliwość silnej osoby, która nie pozwala sobie na eksplozję uczuć, chwile rozpaczy. A ile krajobraz mówi tutaj widzowi! Przezroczysta czystość powietrza, jasność odbić słońca i cienie przesuwające się po rozmrożonej ziemi – ten piękny obraz wczesnej wiosny wnosi radość do złożonego podtekstu sceny. Arkusz zaczyna brzmieć jak liryczna opowieść, co jest bardzo charakterystyczne dla talentu Szmarinowa. Rysunki Szmarinowa, wykonane węglem i czarną akwarelą, przechodzą wiele etapów pracy. Ale szczęśliwie unikają suchej zewnętrznej kompletności, zachowując drżącą żywotność pociągnięć, jakby dopiero co je ułożył artysta.

Jedynie w dwóch ostatnich arkuszach cyklu – „Powrocie” i „Spotkaniu” – nie ma obrazu nazistów i choć do radości jeszcze bardzo daleko, atmosfera staje się lżejsza, bohaterom łatwiej oddychać. Surowe życie pierwszego roku wojny, której wydarzenia podsumował artysta, podsunęło mu kompozycję serii - nieubłagane tragiczne napięcie większości jej stron i jasne nuty ostatnich rysunków.

W latach wojny V. A. Favorsky (ur. 1886), jeden z najstarszych artystów radzieckich, wielki mistrz drzeworytu, zajął się także grafiką sztalugową. W całej jego karierze największą uwagę przykuwała ilustracja książkowa. A teraz widzowie radzieccy i zagraniczni podziwiają przede wszystkim harmonijny, epicki świat jego rycin do „Opowieści o kampanii Igora”, tragedię i głębię ilustracji do „Borysa Godunowa”, wielosylabowy, pełen filozoficznych uogólnień, a czasem surowy , czasem urzekające odcienie życia, cykl rycin do „Małych tragedii” Puszkina. Ale już pod koniec lat dwudziestych Favorsky stworzył także piękny portret F. M. Dostojewskiego – całkowicie niezależny, choć oczywiście ściśle powiązany z książkami pisarza. Światło i cień przeciwstawiają się na tym niepokojącym liściu; z czcią, mocno ukształtował obraz człowieka owładniętego wichrem bolesnych myśli. Mamy tu kontakt z życiem duchowym o wyjątkowej intensywności, domyślamy się świata wewnętrznego, pełnego sprzeczności i zmagań. W swobodnej różnorodności pociągnięć, w mądrym użyciu koloru odczuwa się wielką umiejętność.

W latach czterdziestych Favorsky stworzył arkusze „Minin i Pożarski”, „Kutuzow”. Artysta nie był osamotniony w swoim twórczym odwołaniu się do chwalebnych kart historii naszej Ojczyzny; w naturalny sposób przyciągały w latach wojny szczególną uwagę malarzy i grafików. W serii Samarkandy, wykonanych jednocześnie z rytmicznie cienkich linorytów, bieg życia codziennego przedstawiony jest z niespiesznym wdziękiem i lakonizmem. Białe tło, które odgrywa ważną rolę we wszystkich jej prześcieradłach, podkreśla elegancję sylwetek, muzykalność prostych, ale przemyślanych kompozycji.

Artysta później niejednokrotnie nawiązywał do grafiki sztalugowej (arkusz „Latające ptaki”, 1959; patrz okładka itp.), jednak w nieporównanie większym stopniu zajmuje go ilustracja książkowa.

Poczesne miejsce w grafice wojennej zajmuje twórczość L. V. Soyfertisa (ur. 1911). Soyfertis wcześniej zajmował się grafiką magazynów satyrycznych, a obecnie często pojawia się na łamach magazynu Krokodil. W latach wojny brał udział w bitwach w Sewastopolu, Noworosyjsku, Odessie. Soyfertis miał okazję zobaczyć wiele trudnych rzeczy na wojnie, nie raz śmierć była obok niego, ale jego jasny i jasny talent wydobywał z tych wściekłych scen bitewnych, nie tragedii i śmierci, ale uśmiechu życia, który pozostaje sobą nawet pod bombardowaniem. Przedstawione przez niego pozycje wyróżniają się swoistą ostrością, zabawnością. Marynarz spieszy na linię frontu w oblężonym Sewastopolu, a chłopcy – dla wspólnej prędkości – pilnie polerują mu buty. „Raz” to nazwa tego arkusza. Nad miastem na słonecznym niebie toczy się bitwa powietrzna, kobiety ją obserwują, a staruszka spokojnie coś szyje, siedząc właśnie na krześle przy bramie. Najświeższe wiadomości czytają marynarze przy oknie gazety, stojąc w zwartym gronie, najeżeni bagnetami karabinów (il. 16), w leju z bomby znajdują się marynarz i fotograf - zdjęcie potrzebne do dokumentu imprezy . Wszystko to oczywiście można nazwać epizodami codziennymi, ale jest to życie ustalone rzut kamieniem od linii frontu, a najbardziej bezpretensjonalne, nawet na pierwszy rzut oka zabawne, sceny tutaj podsycane są powiewem wielkiej odwagi i bohaterstwo. Prawdziwy wdzięk wyróżnia rysunki Soyfertisa. I o ile w „Serii Samarkandy” Favorsky’ego gonione linie i sylwetki linorytów były pełne wdzięku, o tyle pełne wdzięku i piękne Soyfertisa są lekkie, kruche, jakby niedbałe linie rysunku konturowego i żywe, oddychające, lekko zabarwione przezroczyste akwarelowe wypełnienie.

Soyfertis w swoich rysunkach z lat 50. pozostaje artystą przelotnego uśmiechu i wielkiej sympatii do ludzi. Jego cykl „Metro” – ciąg scen rodzajowych, dostrzeżonych w zgiełku moskiewskich podziemnych pałaców oraz rysunków i rycin poświęconych dzieciom, jest wciąż zaskakująco czujny, wciąż oświetlony wymagającym zainteresowaniem osobą. Czasem wzruszające i zabawne, czasem drwiące, a nawet nieco groteskowe, nabierające ostrości w porównaniach, te arkusze zawsze odkrywają przed nami jakieś nowe rysy życia, coś nowego w zwykłym toku codzienności.

Obszerny materiał zgromadzony w latach wojny nie zmieścił się łatwo w archiwach artystów. Wielu z nich po zakończeniu wojny kontynuowało prace nad tematyką wojskową. Szczególnie wiele rysunków i rycin przedstawiających wojnę pokazano na wystawach pierwszych spokojnych lat. Jednocześnie praca grafów w naturalny sposób podążała drogą uogólniania wiedzy i wrażeń wizualnych, drogą od szkicu i szkicu do arkusza sztalugowego i całego cyklu graficznego. I tak w latach 1946–1950 artysta V.V. Bogatkin (ur. 1922) wykonał kilka serii litografii opartych na materiałach jego szkiców wojskowych. W latach wojny Bogatkin dopiero rozpoczynał swoją twórczość. Dużo malował; jeden z jego rysunków, przedstawiający młodego żołnierza nad brzegiem Cisy (1945), zyskał znaczną sławę. Ale głównym obszarem jego twórczości był krajobraz. Cisza opustoszałych ulic oblężonego Leningradu, pogrążona w ciemności Moskwa, Berlin w czasach upadku faszyzmu, góry zepsutego sprzętu na ulicach, radzieckie czołgi pod Bramą Brandenburską uchwycił Bogatkin w swoich litografiach. Z biegiem lat trafność tego, co zobaczyliśmy, zawartego w tych arkuszach, powstałych w pogoni za wojną, jest przez nas coraz bardziej doceniana.

Na przełomie lat czterdziestych i pięćdziesiątych obraz rozwoju grafiki sztalugowej był złożony i pod wieloma względami sprzeczny. Artystom udało się dostrzec i przekazać pewne bardzo istotne aspekty naszego życia, a przede wszystkim pokazać człowiekowi, który przeżył wojnę, radość z powrotu do pracy, żarliwe pragnienie tworzenia. Było to szczególnie widoczne w niektórych pracach poświęconych kołchozowej pracy rolnej; piękno spokojnych pól naszej Ojczyzny odczuwało się w nich jako nowo nabytą, zdobytą własność. Jednocześnie w przepływie rysunków przedstawiających ludzi radzieckich i ich twórczość wyraźnie odzwierciedlono cechy ilustracji, ubóstwo myśli i uczuć. Proza dokumentalna nie pozwoliła wielu twórcom tych dzieł wznieść się do poziomu poetyckiego uogólnienia naszego życia. Pojawiło się wiele rysunków i rycin o tematyce historycznej i rewolucyjnej, artyści włożyli w swoje dzieło swoją siłę i talent, ale wpływ kultu jednostki był na nich szczególnie silny. Uniemożliwiało to artystom tworzenie dzieł o dużym bogactwie ideowym, w niektórych pracach prowadziło do błędnego ujęcia roli narodu jako twórcy historii.

Grafika z tych lat rozwinęła się jednostronnie pod względem technicznym. Rzadko stosowano wiele technik graficznych, dominował rysunek tuszem, węglem i czarną akwarelą. Tylko w dziedzinie pejzażu prawdziwe malarstwo akwarelowe i niektóre rodzaje rycin były dość powszechne. Jednak różnorodność technik często współistniała w krajobrazie z wewnętrzną biernością rzeczy.

Z drugiej strony, w tych latach powstały także dzieła o wielkich walorach artystycznych. Tak więc w tym okresie powstał oryginalny i silny talent B. I. Prorokova, obecnie jednego z czołowych mistrzów grafiki radzieckiej. Twórczość Prorokova jest żywo związana z latami wojny, z tym, co artysta wówczas widział i przeżył. Ale Prorokow nie tylko przez te wszystkie lata wrócił pamięcią serca do wojny, ale swoją sztuką udało mu się powiedzieć najpotrzebniejsze słowa o świecie.

B. I. Prorokov urodził się w 1911 roku w Iwanowie-Woźniesensku. Jego zdolności do rysowania ujawniły się już w szkole średniej. Jego szkolne rysunki, przesłane na konkurs gazety „Komsomolskaja Prawda”, otrzymały pierwszą nagrodę. Dało to autorowi prawo do otrzymania biletu do Wyższego Instytutu Artystyczno-Technicznego (Vkhutein). Jednak studia tam niewiele dały Prorokovowi i trwały niecałe dwa lata. Jedynie rady największego mistrza grafiki politycznej D. S. Moora, który uczył litografii, były dla Prorokowa bardzo cenne. Nie otrzymawszy specjalnego wykształcenia, Prorokow przeszedł dobrą szkołę – polityczną i artystyczną – pracując w „Komsomolskiej Prawdzie”, a później w czasopiśmie „Krokodil”. W ramach zleceń z gazety dużo podróżował po kraju, jako dziennikarz nauczył się robić duży zapas szkiców do wykorzystania w przyszłości, aby szybko wykonać każde zadanie. Większość przedwojennych dzieł Prorokova to karykatury na tematy krajowe i międzynarodowe. Już osobne plakaty, także jego autorstwa, a zwłaszcza arkusz obnażający zwierzęcy, antyhumanistyczny charakter faszyzmu, zapowiadały już dziennikarską intensywność, pasję i ostrość jego przyszłej twórczości.

Od pierwszych miesięcy wojny Prorokow pracował w gazecie garnizonu półwyspu Hanko, który bohatersko przetrwał oblężenie wroga.

„Czasami wstydzimy się mówić o wyczynie człowieka sztuki równie głośno, jak o wyczynie żołnierza lub dowódcy, dopóki nie zdarzy się, że pisarz lub artysta zastąpi poległego w bitwie dowódcę i poprowadzi obronę wysokości” – napisał uczestnik obrony Hanko, który opowiedział o tym w opowiadaniu „Ganguttsy” Vl. Rudny - I nie wyobrażam sobie zaciekłej walki marynarzy z Gangutu * ( * Półwysep Gangut nazywał się Hanko za czasów Piotra I) w czterdziestym pierwszym roku bez proroczego śmiechu i satyry, bez swoich codziennych felietonów obrazowych, rycin, portretów, rzeźbionych z braku cynku na klisze na linoleum, zdzieranym z podłóg w zniszczonych wojną domach. „Artysta opuścił Hanko z ostatnimi oddziałami „marynarzy”. Kronsztad i Leningrad pod blokadą, Malaya Zemlya pod Noworosyjskiem, Berlin i Port Arthur – to kamienie milowe na jego wojskowej drodze. I wszędzie, nawet w najtrudniejszych warunkach i na pierwszym planie, artysta malował dużo.

Pierwszy powojenny cykl Prorokowa „W Chinach Kuomintangu” stworzył on na podstawie tego, co zobaczył na Dalekim Wschodzie bezpośrednio po klęsce japońskich militarystów. Niewielka objętość, zarysowuje jedynie niektóre cechy życia Chińczyków, wciąż doświadczających ucisku kolonialnego i walczących o swoje wyzwolenie narodowe. Ale pasja podejścia autora do życia jest już tutaj w pełni odzwierciedlona. Z sympatią artysta rysuje chińskiego partyzanta – prostego, skromnego i odważnego młodego człowieka, z nienawiścią i kpiną – eleganckich Amerykanów, którzy organizowali nieludzkie wyścigi rikszami; podziela, jak nam się wydaje, zarówno szaleństwo szalonego mówcy na wiecu, jak i ciężkie zmęczenie rikszą przycupniętą pod palącym słońcem przy powozie. W kolejnych dziełach Prorokova poczujemy jakby głos jego autora, jego zawsze gorące oburzenie czy miłość, dlatego jego dzieła porwą nas ze szczególną siłą.

W kolejnych cyklach rysunków „Oto jest Ameryka!” i „O pokój!” głos publicysty Prorokova przybrał na sile. Życie w jego prześcieradłach nabiera gniewnej mocy politycznego zdemaskowania imperializmu. Na rysunku „Czołgi agresora na dno” artysta w ekscytującym, patetycznym obrazie ukazuje wolę robotników na rzecz pokoju, siłę ich solidarności. Podmuch oburzenia uwolnionych sił zebrał monolityczną grupę ludzi wrzucających zbiornik do wody. Arkusz jest lakoniczny w kompozycji, pełen patosu walki; z łatwością wytrzymuje duży wzrost i nieraz zwolennicy pokoju poza naszym krajem nosili go jako plakat na demonstracjach. Seria „Oto jest, Ameryka!” została wykonana przez Prorokowa jako ilustracja do zbioru broszur i esejów o Ameryce. Ale w zasadzie przekształcił się w cykl sztalugowy - treść jego arkuszy jest tak samodzielna, zrozumiała i pozbawiona tekstu. W ten sam sposób późniejsze ilustracje Prorokowa do książki „Majakowski o Ameryce” nabrały cech sztalugowych. Odwołanie do Majakowskiego było głęboko logiczne w dziełach Prorokowa. Artystce bardzo bliska jest żarliwa presja wierszy Majakowskiego, charakterystyczna dla nich naprzemienność gniewu i sarkazmu, odważne alegoryczne obrazy i obowiązkowa polityczna ocena zjawisk.

We wszystkich swoich dziełach powstałych po wojnie Prorokow walczy o pokój, obnaża imperializm, nieludzkość jego polityki kolonialnej, jego militarystyczne zamysły. Ale najpotężniejszym przemówieniem artysty dla świata był jego cykl „To nie może się więcej powtórzyć!”, w którym po raz pierwszy po wygasłych bitwach poruszył nie schodzące z serca wizje militarne.

W jego cyklu uwydatnione są dwa arkusze o przeciwstawnych nastrojach: na jednym – „Hiroshima” – skazana na zagładę twarz, wciąż patrząca na nas z piekła wybuchu atomowego, z drugiej – młoda matka z bronią w rękach chroniąca dziecko broniące jasnego życia na ziemi. Pomiędzy tymi dwoma arkuszami, niczym w ramce, znajduje się ciąg zdjęć z wojny. W nich ludzie zmagają się ze śmiercią, jaką niesie ze sobą faszyzm; a w godzinie śmierci gardzą wrogiem, tak jak młoda kobieta gardzi oprawcami, w których oczach pojawia się krwawa wizja Babiego Jaru (il. 17). Żadnych szczegółów rozpraszających wielkie napięcie, każda kartka to uczucie podjęte w najwyższym momencie, to ból, który nie ma jeszcze końca. Jako obowiązkowe techniki artystyczne wybrano tu ostrą sylwetkę i zbliżenie. Tylko artysta o wielkiej odwadze i gorącej wierze w ludzi mógł z tak zdumiewającą siłą powtórzyć nam okrutną prawdę o minionej wojnie. Jego strony pełne bólu, złości i cierpienia nie pozostawiają nikogo obojętnym. Testament czeskiego komunisty J. Fuchika „Ludzie, bądźcie czujni!” rozbrzmiewa dla nas w tej serii autorstwa radzieckiego artysty.

Wśród dzieł poświęconych W. I. Leninowi wyróżniają się rysunki największego mistrza ilustracji książkowej E. A. Kibrika (ur. 1906). W odrębnych arkuszach cyklu artysta, wnikliwie zapoznając się z materiałami związanymi z działalnością Lenina w roku rewolucji, nie tylko opanował pierwszą prawdę o podobieństwie zewnętrznym, ale także posunął się dalej, w głąb charakterystyki wewnętrznej.

Arkusz „V. I. Lenin w podziemiu” (il. 18) przedstawia lipcowe dni 1917 r., kiedy Lenin mieszkający w Piotrogrodzie zmuszony był ukrywać się przed ogarami Rządu Tymczasowego. Jak sam artysta wyobrażał sobie fabułę tego rysunku? Według niego chciał tu pokazać Lenina jako teoretyka, naukowca, myśliciela, który w tamtych czasach codziennie ukazywał się z artykułami uzbrajającymi partię w jej walce o dyktaturę proletariatu; konkretny moment, który należało ukazać, artysta opisał następująco: „...Lenin, zgodnie ze swą naturą, przechadzał się po sali, zastanawiając się nad ogromnym materiałem, jaki życie dostarcza każdego dnia i w którym musiał uchwycić to, co najważniejsze rzecz, po co celować imprezę kolejnym artykułem w „Prawdzie”. Po znalezieniu tej najważniejszej rzeczy szybko usiadł przy stole, od razu zapominając o wszystkim na świecie, pogrążył się w pracy. Co charakterystyczne, Kibrik wyobraża sobie obraz w ruchu i rysując pojedynczy moment z łańcucha innych, bierze pod uwagę także poprzedni. Cisza małego, samotnego pokoju przepełniona jest napięciem wielkiej pracy. Artysta był w stanie oddać zajęcie i zaabsorbowanie Levina swoją pracą skoncentrowanym wyrazem twarzy, postawą osoby szybko piszącej.

Obraz „V. I. Lenin w Razliwie” ma inny nastrój: ma wzburzenie, powściągliwy impuls. Strumień myśli Lenina jest oddalony od otoczenia, a połacie nadjeziornego krajobrazu także niejako poszerzają zakres arkusza. W cytowanej powyżej książce Kibrik szczegółowo opisuje proces swojej pracy nad tymi kompozycjami, a każdy, kto zna jego rysunki, będzie zainteresowany przeczytaniem tych stron,

W połowie lat pięćdziesiątych w grafice pojawiają się piękne rzeczy dotyczące naszych czasów. Artysta Yu I. Pimenov, malarz, grafik i dekorator teatralny, otworzył przed nami cały wielki świat pełen jasnej radości życia dzięki swojej dużej serii „Region moskiewski”. Pimenow ma rzadki dar poetyckiej codzienności, umiejętność dostrzegania piękna codzienności. A piękno dostrzeżone w zwyczajności zawsze znajduje swoją szczególnie bliską drogę do serca widza. Gorące powietrze upalnego dnia na przedmieściach i postać dziewczyny na deptaku, żarliwi robotnicy na budowie nowych domów i blask deszczu na placu pod Moskwą – to proste wątki rysunków i akwareli Pimenowa . „Wydaje mi się, że dla malarza gatunkowego” – pisał – „najcenniejszymi znaleziskami są te autentyczne fragmenty życia, w których w zwykłych, niewyobrażalnych, prawdziwych przypadkach dnia codziennego ujawnia się wielka prawda o kraju”. Porywający rytm pracy naszych czasów, ich szczególne, energetyczne i biznesowe piękno żyją w pracach artysty (patrz okładka). Być może główny urok obrazów Pimenowa, a zwłaszcza jego stałych bohaterek - kobiet pracujących na budowie, remontujących mieszkania, szycia, prac domowych, polega na aktywności, aktywności. Jasny, jasny kolor jego akwareli nadaje święto nawet najbardziej pozornie zwyczajnym scenom i rzeczom. Artysta wnosi także dużą malowniczość w technikę czarnej akwareli i węgla drzewnego. Dzięki stopniowaniu czerni jest w stanie oddać głębię cieni padających na wodę z drzew, przezroczysty chłód wczesnej wiosny i świeżość deszczu na peronie stacji oraz żywiczny komfort leśnej drogi . Pimenov jest artystą bardzo integralnym. Jego punkt widzenia na świat, zakres ulubionych tematów pozostaje taki sam w serii obrazów z lat 40. - 50. XX wieku - sceny rodzajowe, martwe natury, które w tak prosty i poetycki sposób opowiadają o współczesności, a także w jego grafice nawet prozą – w książce o regionie moskiewskim, napisanej z żarliwym entuzjazmem, szybko, z wdziękiem i lekkością, z czysto artystyczną wizją życia w jego naprawdę pięknej, wielobarwnej odsłonie.

Życie w ruchu, nowe i radosne, rodzące się każdego dnia, spieszy się, by uchwycić Pimenowa w jego późniejszym cyklu „Nowe kwartały”.

Pimenow, podróżując wielokrotnie za granicę w latach pięćdziesiątych, stworzył całą serię małych płócien i szkiców na podstawie wrażeń z tych podróży lub bezpośrednio podczas swoich podróży. Tutaj także jego spojrzenie pozostaje przede wszystkim spojrzeniem człowieka zakochanego w pięknie, dziennikarstwo nie jest mu charakterystyczne. Ale pełne smutku teksty niektórych jego zagranicznych dzieł mimowolnie brzmią jak kontrast z dźwięcznym szczęściem jego prześcieradeł poświęconych zwykłym dniom i sprawom naszego życia.

Zagraniczne dzieła Pimenowa nie były osamotnione w naszym harmonogramie. W latach pięćdziesiątych i później, kiedy rozszerzyły się międzynarodowe stosunki kulturalne naszego kraju i wielu artystów podróżowało do różnych krajów świata, pojawiła się cała grupa cykli opartych na wrażeniach z tych podróży. Zawierały zazwyczaj sceny z życia ulicznego, pejzaże, pojedyncze arkusze portretów. Artyści opowiadali o tym, co widzieli, pokazując malownicze zakątki przyrody, słynne zabytki architektury i rzeźby, cechy życia, ludzi spotykanych na wycieczkach. Większość tych dzieł charakteryzowała się wymuszoną płynnością. Ale w wyniku podróży powstały też zrealizowane cykle, w których reportaż, szkicowość zastąpiono prawdziwym artystycznym uogólnieniem. Dzięki zapoznaniu się z takimi cyklami widz otrzymał nie tylko ciąg żywych wrażeń turystycznych, ale także nową wiedzę o danym kraju i przyjemność estetyczną.

Jedną z takich rzeczy była seria N. A. Ponomareva (ur. 1918) „Wietnam Północny”, stworzona w 1957 roku. Obraz tego kraju widziany przez artystę jest pełen uroku: szaroniebieskie wysokie niebo, połacie spokojnych wód, pola ryżowe i łańcuch liliowych skał na horyzoncie, albo wyraźnie widocznych, albo topiących się w perłowej mgle . W tych prześcieradłach żyje spokojna, lekko kontemplacyjna poezja codzienności. Z głębokim współczuciem ukazani są ludzie – skromni, pracowici mieszkańcy Wietnamu – rybacy, górnicy, kobiety udające się na rynek (il. 19), czekające na przeprawę przez zatokę. Delikatna i subtelna kolorystyka nadaje wyrazistości rysunkom. Seria wietnamska była pod wieloma względami punktem zwrotnym dla jej autora. Artysta rozpoczynał swoją karierę od rysunków węglem i czarnym gwaszem poświęconych górnikom Donbasu (1949-1950). Mieli dużo sumienności i pracy, a mniej twórczych inspiracji. Rysując Wietnam, artysta odkrył w swojej twórczości nie tylko nowe nuty poetyckie, ale także umiejętność kolorysty, potrafiącego dostrzec harmonię i dekoracyjność techniki mieszanej gwaszu i pasteli.

Z serii opartych na impresjach zagranicznych interesująca była także twórczość O. G. Vereisky'ego (ur. 1915). O. Werejski, obecnie wybitny ilustrator książek pisarzy radzieckich i grafik sztalugowy, swoją pierwszą wiedzę artystyczną zawdzięcza ojcu G. S. Werejskiemu. Studiował także na Akademii Sztuk Pięknych w Leningradzie. Z równą swobodą O. Vereisky opanowuje zarówno delikatną malowniczość rysunku tonowego czarną akwarelą lub tuszem, jak i jasne kontrasty wyraźnej, zdecydowanej techniki rysowania piórem. W ostatnim czasie artysta zainteresował się niektórymi technikami rytowniczymi i powielił w grafikach część swoich rysunków, powstałych w wyniku podróży do Egiptu, Syrii i Libanu. Jedną z najlepszych jest kartka „Odpocznij w drodze. Syria” (il. 20). Ma piękny kolor i lakoniczną kompozycję, ale jego głównym urokiem jest wizerunek kobiety. Wyrafinowane piękno i lekki smutek twarzy, powściągliwa czułość gestu i naturalny wdzięk kobiety artysta oddaje z prawdziwą estetyczną przyjemnością. Arkusze „American Series” O. Vereisky'ego są również pełne precyzyjnych obserwacji, w których widział on nie tylko ceremonie, ale także podejrzane, codzienne cechy amerykańskiego życia.

Naszą wiedzę o tym kraju uzupełniają także pełne wdzięku, w swej liniowej szkicowości, rysunki piórem W. Goriajewa, artysty o ostrym, nieco sarkastycznym sposobie bycia, ilustratora Marka Twaina, stałego współpracownika magazynu Crocodile.

Grafika powojenna charakteryzuje się dużymi sukcesami artystów republik związkowych. Najsilniejsze zespoły grafików utworzyły się obecnie na Ukrainie, w Estonii, na Litwie i Łotwie. Zarówno rysunek, jak i akwarela mają w tych republikach swoich wielkich artystów, a sztuka grafiki rozwijała się tu i wtedy, gdy pod koniec lat czterdziestych i na początku pięćdziesiątych XX wieku w RFSRR podupadała.

Jako przykład ukraińskiej grafiki sztalugowej można przytoczyć cykl „Ukraińskie Myśli i Pieśni Ludowe” M. Deregusa. Szeroko pojęty, obejmujący arkusze o różnych nastrojach i tematyce, cykl ten charakteryzuje dojrzałość grafiki ukraińskiej, choć w twórczości samego Deregusa, pejzażysty i ilustratora par Excelle, wyróżnia się on nieco na tle innych. Smutek i nadzieja arkusza „Myśl Marusa Bogusławki” oraz tragedia samotności, zwodniczej wiary w ludzi w arkuszu „Myśl Trzech Braci Azowa” zostają zastąpione odważną poezją naszych dni w kompozycji „ Myśl partyzantów” z centralnym wizerunkiem Kovpaka. Młodzi ukraińscy artyści W. Panfiłow, który swoje ryciny zadedykował hutnikom, oraz I. Seliwanow, który tworzył arkusze o tematyce historycznej i rewolucyjnej, z powodzeniem pracują w grafice. Typowym gatunkiem grafiki ukraińskiej jest pejzaż industrialny, wykonywany najczęściej w technikach rytowniczych. Jego mistrzami są V. Mironenko, A. Paszczenko, N. Rodzin i inni.

W republikach bałtyckich grafika krajobrazowa jest bardzo różnorodna. Jest w nim silny nurt kameralnego pejzażu lirycznego, emocjonalnego, o wielkim uroku. Jej twórcami są artyści estońscy, mistrzowie ryciny R. Kaljo, A. Keerend, L. Ennosaar, akwarelista K. Burman (junior), graficy Łotwy – A. Junker, Litwini – N. Kuzminskis i inni. W ich twórczości pojawiają się liryczne refleksje i bliski kontakt z naturą, który wzbogaca duszę, a za każdym razem piękno rodzimych pól, malowniczego starożytnego Tallina itp. jest rozumiane w nowy sposób.

W twórczości najstarszego estońskiego rysownika G. Reindorfa obrazy krajobrazów nabierają bardziej filozoficznego zabarwienia. Trudno nam dziś w pełni wyobrazić sobie długą drogę twórczą tego artysty, gdyż prawie cała jego przedwojenna twórczość zginęła podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej. Ale powojenny okres jego działalności był także owocny. Reindorf urodził się w 1889 roku w Petersburgu. Po pomyślnym ukończeniu Szkoły Rysunku Technicznego Stieglitz otrzymał prawo do wyjazdu służbowego za granicę i wyjechał do Francji. Krótki okres zagranicznych emerytów przerwała I wojna światowa. Wracając do ojczyzny, Reindorf zajmuje się grafiką użytkową i krajobrazową oraz zajmuje się działalnością dydaktyczną. Jego główne zainteresowania twórcze w latach 40. - 50. XX w. pochłaniał pejzaż i w pewnym stopniu ilustracja książkowa. Swoje prace wykonuje w tych latach głównie w formie rysunków; wcześniej artysta tworzył także wyraziste arkusze grawerskie. Pragnienie obiektywnej dokładności obrazu czasami odbywa się ze szkodą dla emocjonalnego bogactwa jego arkuszy Reindorfa, ale w jego najlepszych dziełach te dwie zasady łączą się. Najbardziej charakterystyczne pod tym względem są jego arkusze „W upalne dni sierpnia” (1955). Rodzaj harmonii łączy wszystko, co żyje w tym wiejskim krajobrazie, a wirtuozowska technika rysowania ołówkiem grafitowym nadaje arkuszom bogactwo tonalne i szczególne filigranowe wykonanie.

W grafice krajów bałtyckich pojawia się także linia romantycznego pejzażu, przesiąknięta patosem burzliwych, niespokojnych ludzkich uczuć. W rycinach łotewskich artystów P. Upitisa, O. Abelite, w osobnych arkuszach M. Ozoliņša obrazy natury zabarwione są ostrą emocjonalnością, pełną wewnętrznego napięcia.

Na rycinach mieszkańca Rygi, E. Andersona, krajobraz staje się środowiskiem, w którym rozgrywa się majestatyczny czyn pracy.

Wielu bałtyckich artystów działa zarówno jako malarze pejzaży, jak i autorzy dzieł tematycznych, co tylko wzbogaca ich twórczość. W wszechstronnej twórczości estońskiego artysty E. K. Okasa (ur. 1915) można znaleźć np. arkusze pejzażowe, portrety i przedmioty tematyczne. Okas urodził się w Tallinie w rodzinie robotniczej i tam studiował – najpierw w Państwowej Szkole Artystyczno-Przemysłowej, a następnie w Państwowej Wyższej Szkole Artystycznej. W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej działał jako artysta frontowy. Okas jest zarówno malarzem, jak i mistrzem ilustracji książkowej. Jeśli jednak obrazy, które stworzył na strony książek, dzielą od nas czasami dziesięciolecia i stulecia, bohaterowie jego prac sztalugowych zawsze żyją w nowoczesności, oddychają jej bynajmniej nie pogodną atmosferą. Poczucie złożoności współczesnego świata z jego ostrymi sprzecznościami społecznymi wypełnia na przykład arkusze holenderskiej i włoskiej serii szkiców podróżniczych Okas, wykonanych zasadniczo przez niego w różnych technikach rytowniczych. Te ryciny, bystre i surowo prawdziwe, brzmią jak prawdziwe dziennikarstwo. Litewski artysta V. Yurkunas (ur. 1910) zajmuje się także grafiką książkową i sztalugową. Ukończył Szkołę Artystyczną w Kownie w 1935 roku i stale zajmuje się działalnością pedagogiczną. W jego rycinach ludzie zdają się być szczególnie blisko związani ze swoją rodzimą przyrodą, ojczyzną. Tacy są bohaterowie reprodukowanego przez niego wiersza Maironisa (1960; il. 21), taki mały kołchoźnik, który zdobył sympatię wielu widzów – obraz młodości przechadzającej się po pięknej krainie, banalnie prosty i prowokacyjny, zachwycający wyjątkową integralność uczuć („Będę dojarką”, 1960). Technika linorytu w arkuszach V. Yurkunasa ma zarówno zwięzłość, jak i elastyczność, w naturalny sposób służy tworzeniu jego jasnych, optymistycznych obrazów.

Ruch bałtycki w dziedzinie portretu z entuzjazmem, A jeśli wśród dzieł artystów RSFSR mamy teraz, oprócz niezmiennie udanych, ale już rzadkich występów G. S. Vereisky'ego, tylko niezwykle charakterystyczne portrety akwaforty M. Feigina , nad Bałtykiem będziemy zadowoleni z subtelnych i różnorodnych umiejętności wielu portrecistów.

Wiele w tym gatunku osiągnął estoński artysta E. Einmann (ur. 1913). Kształcił się w Państwowej Szkole Sztuk Użytkowych i Wyższej Szkole Artystycznej w Tallinie, a jego droga twórcza rozpoczęła się w czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej. Teraz w długim cyklu jego dzieł wyraźnie widać cechy jego talentu. Przemyślane i ostrożne podejście artysty do wewnętrznego świata swoich modeli. Cechą charakterystyczną jego twórczości jest szacunek do człowieka. Zawsze to widać, niezależnie od tego, czy artysta maluje starego rybaka, czy młodą uczennicę szkoły zawodowej, pielęgniarkę czy aktorkę. Jednocześnie bezpośrednie doświadczenie autora, ocena modelu pozostaje gdzieś na boku, najważniejsze jest powściągliwa i obiektywna opowieść na ten temat. Portrety Einmanna urzekają subtelnością maniery graficznej, obcą efektom zewnętrznym. Ta subtelność wyróżnia jego arkusze, wykonane grafitowym lub włoskim ołówkiem, akwarelą i litografią.

Emocjonalne i liryczne są portrety estońskiego artysty A. Bacha-Liimanda, który szczególnie dobrze radzi sobie z portretowaniem kobiet i dzieci. Portrety i autoportret litewskiego artysty A. Makunaite, zajmującego się linorytem, ​​są pełne poważnych przemyśleń. Portrety wykonane węglem autorstwa młodej łotewskiej rysowniczki F. Pauluk są wyraziste.

Grafika na Ukrainie i w krajach bałtyckich ma długą tradycję, dlatego jej sukces jest w dużej mierze naturalny. Ale nawet w takich republikach jak na przykład Kirgistan czy Kazachstan, gdzie grafika jest dość młoda, poczyniła już zauważalny postęp.

Czołowym mistrzem grafiki w Kirgistanie jest L. Ilyina (ur. 1915), absolwentka Moskiewskiego Instytutu Poligraficznego, która przez wiele lat pracowała w mieście Frunze. Monumentalność, duże formy, lakonizm to cechy charakterystyczne jej linorytów. W ostatnich latach Ilyina, odchodząc nieco od ilustracji książkowej, wykonuje wiele prac sztalugowych, a zwłaszcza cykl drzeworytów pejzażowych „Ojczyzna” (1957) oraz dużą serię kolorowych linorytów poświęconych kobiecie swojej republiki. Cechy nowego, które wyróżniają nasze życie, są chyba szczególnie widoczne w losach kobiet ukazanych przez kirgiską artystkę. Praca nie ugina już kobiet, a jedynie nadaje majestat i znaczenie postawie. Swobodną, ​​nieskrępowaną postawę wyróżnia zarówno plantatorka buraków (1956), jak i delegaci z odległego Tien Shan, uważnie słuchający mówcy (1960). Linoryty L. Ilyiny są plastyczne, objętość jest w nich swobodnie wpasowywana żywym, szorstkim pociągnięciem, dużymi plamami barwnymi. Jednocześnie zawsze zostaje zachowany efekt dekoracyjny sylwetki prześcieradła (ryc. 22).

W Azerbejdżanie artysta M. Rahman-zade (ur. 1916), przedstawiający przybrzeżne pola naftowe na Morzu Kaspijskim, ciekawie zajmuje się litografią kolorową. Wie, jak wprowadzić do swoich cykli różnorodne motywy, które wydają się podobne, a jednocześnie za każdym razem odsłaniają coś nowego w industrialnym pejzażu. Estakada z jej pracy z 1957 roku wyróżnia się m.in. smukłością kompozycji, dźwięcznym połączeniem jasnożółtej wody i czarnych ażurowych wzorów. Oto niektóre z osiągnięć republikańskich rytowników i rysowników.

Dzisiejsza grafika bardzo różni się od tej z pierwszej powojennej dekady. Co nowego, tak odmiennego od poprzedniego, pojawiło się w nim? O ile wcześniej nowoczesność uchwycona została w drodze autentycznego poetyckiego uogólnienia jedynie w pojedynczych rzeczach, o tyle obecnie jej żywe rysy rozproszone są w wielu dziełach graficznych. Masowy zwrot artystów ku współczesności daje swoje rezultaty. Nowoczesność ulega asymilacji w jej niezewnętrznych, głęboko zakorzenionych cechach, artyści odkrywają jakby nowe oblicze naszego kraju, człowieka radzieckiego. Grafika ostatnich lat ma pod wieloma względami coś wspólnego z malarstwem. Artyści tych sztuk widzą surowe i porywcze oblicze czasu, ich prace przenika szczególna aktywność postawy. A głód nowych, nieprzetestowanych form sztuki okazuje się być im także powszechny. W grafice to wszystko odnosi się przede wszystkim do grafiki. Jego rozwój rozpoczął się w połowie lat pięćdziesiątych XX wieku i obecnie możemy mówić o jego prawdziwym rozkwicie. Ten okres świetności wiąże się przede wszystkim z napływem nowych, młodych sił do grawerowania sztalugowego. Ale przyczynili się do tego także doświadczeni artyści. Na przykład w pejzażach A. Wiedernikowa Leningrad, obciążony wieloma tradycjami jego przedstawiania, nagle pojawia się w tak nowym wyglądzie, mieniącym się czystymi kolorami, że wydaje się, że widać go po raz pierwszy. Technika litografii barwnej Vedernikova nie imituje ani rysunku ołówkiem, ani szczegółowego malarstwa akwarelowego. Artysta operuje formami uogólnionymi, odważnymi zestawieniami kilku czystych tonów. Jego poszukiwania dekoracyjności w litografii kolorowej to jedna z wielu charakterystycznych dziś grafik.

Do sukcesów grafiki zaliczamy także drzeworyty F. D. Konstantinowa dotyczące pracy na wsi, a zwłaszcza jego arkusz krajobrazowy „Wiosna w kołchozie” (1957; il. 23) oraz pejzaże ormiańskiego artysty M. M. Abeghyana - „ Skalisty brzeg Zangi”, „W górach Bjni” (1959) i wiele innych dzieł artystów starszego i średniego pokolenia.

Ale nowość, która wyróżnia współczesną grafikę, jest szczególnie wyraźnie odczuwalna w rzeczach młodych. I. Golicyn, A. Uszyn, G. Zacharow, Ja. Manukhin, I. Resets, L. Tukaczow, K. Nazarow, W. Popkow, D. Nodia, I. Niekrasow, W. Wołkow – cała galaktyka młodych ludzi który świetnie radził sobie w prasie. Zwykłe podmiejskie pejzaże widzimy w „Aucie na drutach” A. Ushina (ur. 1927), absolwenta Leningradzkiej Szkoły Artystyczno-Pedagogicznej (il. 24). W jego arkuszach nie dzieją się żadne zdarzenia, tylko elektryczne pociągi pędzą w ciszy, a jednocześnie dzieje się tu wiele - wznoszą się stalowe kratownice, aby podeprzeć przewody, snopy światła z okna pociągu rozdzierają gęsty mrok nocy, białe błyskawice przecina ją deszcz, a chmury gromadzą się na czarnym niebie w olśniewającą kupę – życie toczy się dalej, wyjątkowe, żywe, odczuwalne bardzo ostro, w jego najbardziej aktywnym, napiętym stanie. To właśnie ostre, aktywne postrzeganie życia w jego nieustannej dynamice wyróżnia wiele dzieł młodych. Łączy ich dzieła. Ale poza tym młodzi ludzie są bardzo indywidualni w swojej pracy. Każdy z tych artystów ma już swoje oblicze w sztuce, własne zdanie na temat życia, własne rozumienie języka ryciny.

Przestrzenne pejzaże i sceny liryczne G. Zacharowa z podkreślonym rytmem dużych czarno-białych kresek i plam brzmią niepowtarzalnie. Przemyślane, nieco ironiczne powieści pejzażowe I. Golicyna są szczegółowe, gdzie każdy dom to cała opowieść o życiu wielkiego miasta, a skrzyżowanie ulic odsłania przed nami w błyskawicznej i nieco pesymistycznej wizji zwój ludzkiej codzienności. Elastyczna technika grawerowania srebra Golicyna powstała w dużej mierze pod wpływem Faworskiego. Subtelność drzeworytu, jego bogactwo tonalne, tak podporządkowane Faworskiemu, jakby poszerzały horyzonty Golicyna, twórcy większej, odważniejszej techniki linorytu (il. 25),

Życie płynie lekko surowo, znacząco i w najzwyklejszych przejawach 24. A. A. U Shin. Deszcz. Rok 1960 przedstawiający duże miasto na rycinach W. Wołkowa z Leningradu. Wolne od zgiełku drobiazgów jego płótna monumentalizują rzeczywistość, jakby odsłaniając jej odważny, majestatyczny rytm w strumieniu codzienności. A ludzie ukazani są przez artystę w jakimś, ale znaczącym aspekcie - są to surowi, lakoniczni ludzie pracy.

Gruziński artysta D. Nodia aktywnie widzi dynamikę krajobrazu przemysłowego i sceny pracy. Przejrzysty świat młodości, cudowne połączenie dziecięcej przejrzystości duszy i dorosłej subtelności ruchów duchowych, odkrywa Y. Manukhin w kruchym obrazie swojej popularnej Trawy trawy.

Ten sam artysta na rycinie poświęconej walce o pokój uzyskuje szczególny wyraz obrazu, który ucieleśnia gniew i ból Hiroszimy. Jednocześnie Manukhin wiele się nauczył dzięki bliskości arkusza sztalugowego ze sztuką plakatu (il. 26).

V. Popkov (il. 27) szczegółowo opowiada o pracy pracowników transportu w serii rycin i gwaszy, który w ostatnich latach ciekawie działał także jako malarz. We wszystkich tych pracach młodzi artyści odkrywają przed nami różne oblicza naszej nowoczesności, widzianej na swój sposób i bardzo świeżo.

Oczywiście nie wszyscy w grafice odnoszą teraz tylko sukcesy. Jest też drobne pisanie codzienne, ilustracyjność. Często spotykamy je w serialach poświęconych pracy, a także z nudnym protokołem w industrialnym krajobrazie. Są też rzeczy, których całe znaczenie wyczerpuje się w ich zewnętrznej dekoracyjności. Z kolei to, co w grafice ostatnich lat było nowością, zrodziło się w rysunku, choć tutaj nie pojawił się tak potężny oddział młodych ludzi. Orientacyjną w tym względzie jest ścieżka twórcza V. E. Tsigala (ur. 1916). Zaczęło się w pierwszych latach powojennych od serii rysunków tuszem i akwarelą, w których życie i twórczość narodu radzieckiego zostały ukazane autentycznie, często lirycznie i ciepło, ale wciąż bez wielkich odkryć artystycznych. Tsigalowi przeszkadzała częściowo nadmierna aktywność, chęć objęcia swoją sztuką zbyt szerokiego spektrum zjawisk życiowych. Tsigal pracował szybko, duże serie jego arkuszy pojawiały się na prawie wszystkich większych wystawach. Ale prawdziwa twórcza koncentracja przyszła do niego dopiero wtedy, gdy zaczął podróżować i studiować życie chłopów w górskich wioskach Dagestanu, przez stosunkowo długi czas zajmował go ten jeden temat, za co oczywiście był bardzo wdzięczny Artysta. Tak powstał jego cykl „Dagestan” (1959 – 1961), który był dla Tsigala dużym krokiem naprzód. W tym cyklu jest także niewyczerpany urok nowości góralskiego życia, które odsłoniło się przed artystą, oraz pewne cechy bardzo intymne, codzienne, dostrzegane przyjaznym spojrzeniem i swoistym poczuciem harmonii człowieka z naturą. Jego arkusze zbudowane są na subtelnym zestawieniu motywów wspólnych dla Dagestanu, ale nagle odkrywających przed nami zarówno specyfikę sposobu życia, jak i relacje międzyludzkie, odwieczne, a jednocześnie subtelnie nowoczesne (il. 28).

W obecnym rozwoju grafiki sztalugowej złożona / subtelna sztuka akwareli znalazła swoje miejsce. W akwareli szczególnie potrzebne jest pewne oko i szybka, precyzyjna ręka. Korekty są w nim prawie niemożliwe, a ruch pędzla z farbą i wodą jest zwodniczo łatwy i wymaga od artysty dużej dyscypliny. Ale możliwości kolorystyczne akwareli są bogate, a przeźroczystość papieru pod przezroczystą warstwą farby nadaje mu niepowtarzalną lekkość i wdzięk. "Akwarela to malarstwo, które skrycie pragnie stać się grafiką. Akwarela to grafika, która grzecznie i delikatnie staje się malarstwem, budując swoje osiągnięcia nie na zabijaniu papieru, ale na dziwacznym ujawnianiu jego elastycznej i niestabilnej powierzchni" - napisał kiedyś jeden z największych znawców malarstwa. Grafika radziecka A. A. Sidorov. Nawet teraz, podobnie jak w latach trzydziestych XX wieku, pejzażyści są w naszym kraju mistrzami akwareli. Prace S. Boyma, N. Wołkowa, G. Chrapaka, S. Semenowa, W. Alfiejewskiego, D. Genina, A. Mogilewskiego i wielu innych ukazują życie współczesnego miasta, naturę w bogactwie jej barw, w jego cudowna różnorodność. A coraz rzadziej pasywna opisowość znajduje schronienie w pejzażu.

To tylko niektóre cechy współczesnej grafiki radzieckiej. Jednak jej obraz jest tak złożony i bogaty, że oczywiście zasługuje na osobny opis. Naszym celem było jedynie zapoznanie się z twórczością najsłynniejszych mistrzów grafiki sztalugowej i poszczególnymi momentami jej historii.

Artysta Yu I. Pimenov, którego rysunki omówiono powyżej, napisał: "Ścieżka artysty to droga zachwytu życiem i droga jego ekspresji pełna rozczarowań i niepowodzeń. Ale w każdej szczerej rzeczy jest ziarno , mikrocząstka pożądanego, potem echo, gdzieś fala tego uczucia zostaje odebrana i rozkwita. W imię tego „ziarna pragnienia”, w imię wzajemnej fali uczuć, która jest absolutnie niezbędna artyście, wykonywana jest cała jego ciężka i radosna praca.

Sztuka- figuratywne rozumienie rzeczywistości; proces lub skutek wyrażania świata wewnętrznego lub zewnętrznego (w stosunku do twórcy) w obrazie artystycznym; kreatywność ukierunkowana w taki sposób, aby odzwierciedlała zainteresowania nie tylko samego autora, ale także innych ludzi.

Dziś krótko opowiemy o największych artystach i rzeźbiarzach z całego świata, a zaczniemy od artystów rosyjskich.

Aiwazowski Iwan Konstantinowicz(1817-1900), malarz morski. Członek akademii w Petersburgu, Amsterdamie, Rzymie, Florencji i Stuttgarcie. Stworzył około 6 tysięcy obrazów. Najbardziej znane: „Dziewiąta fala”, „Bitwa Chesme”.

Iwan Aiwazowski „Dziewiąta fala”

Antropow Aleksiej Pietrowicz(1716-1795), portrecista. Zasłynął szeroko z dekoracyjnego malarstwa pałaców w Petersburgu i na jego przedmieściach.

Antropow Aleksiej Pietrowicz – autoportret

Argunow Iwan Pietrowicz(1729-1802), portrecista. Malował portrety ceremonialne, które wyróżniały się dokładnym i wyraźnym rysunkiem, powściągliwą kolorystyką. Autor „Portretu nieznanej wieśniaczki w stroju rosyjskim” itp.

Argunow Iwan – Portret nieznanej wieśniaczki w stroju rosyjskim

Archipow Abram Efimowicz(1862-1930), mistrz malarstwa plenerowego, szkicu i malarstwa rodzajowego. Dużo pracował nad portretami, głównie chłopek, i tworzył afirmujące życie wizerunki swoich współczesnych.

Borysow-Musatow Wiktor Elpidiforowicz(1870-1905), artysta nowatorski. Obrazy: „Dziewczyna na balkonie”, „Nad stawem”.

Borysow-Musatow Wiktor Elpidiforowicz – obraz „Nad zbiornikiem”

Borovikovsky Władimir Łukicz(1757-1825), portrecista. Zamówiono mu portrety najwyższych osobistości tamtych czasów, członków rodziny cesarskiej. Najbardziej znane były portrety Arsenyevy, Lopukhiny, Kurakino.

Borovikovsky Władimir Łukicz – Portret A. i W. Gagarina 1802

Bruniego Fedora (Fidelio) Antonowicz(1799-1875). Obrazy: „Śmierć Camilli, siostry Horacego”, „Wąż z brązu” itp., obrazy katedry św. Izaaka w Petersburgu.

Bryulłow Karol Pawłowicz(1799-1852). Malował szkice i obrazy o tematyce historycznej i mitologicznej, ale większą sławę zyskał jako portrecista. Obrazy: „Jeździec”, „Yu. P. Samoilov z czarnym dzieckiem”, „Bathszeba”, „Włoskie południe” itp. Jednym z najlepszych jest portret Yu. P. Samoilovej z córką.

Najbardziej znanym obrazem Bryulłowa jest Yu.P. Samoilov z córką

Wasnetsow Wiktor Michajłowicz(1848-1926), wędrowiec, autor obrazów o tematyce historycznej i baśniowej. Najbardziej znane płótna to „Po bitwie Igora Światosławowicza z Połowcami”, „Alyonushka”. Najbardziej imponującym dziełem jest obraz „Bogatyrs”.

Wasnetsow Wiktor Michajłowicz – obraz „Bogatyry”

Wenecjanow Aleksiej Gawrilowicz(1780-1847), jeden z twórców gatunku codziennego w malarstwie rosyjskim. Namalował wiele portretów chłopów i scen z życia wsi. Obrazy: „Kłopot”, „Śpiący pasterz”, „Na gruntach ornych. Wiosna”, „Głowa starego chłopa”.

Obraz „Śpiący pasterz” – Venetsianov Aleksiej

Wierieszczagin Wasilij Wasiljewicz(1842-1904), mistrz gatunku bitewnego. Namalował serię obrazów o tematyce religijnej. Obrazy: „Apoteoza wojny”, „Na Shipce wszystko jest spokojne”.

„Apoteoza wojny” – obraz rosyjskiego artysty Wasilija Wierieszczagina

Wrubel Michaił Aleksandrowicz(1856-1910). Zajmował się malarstwem sztalugowym, monumentalnym malowaniem kościołów. Obrazy: „Siedzący demon”, „Wróżka”, „Pan”, „Liliowy”, „Demon pokonany” itp.

Wrubel Michaił Aleksandrowicz - Demon pokonany 1902

Ge Nikołaj Nikołajewicz(1831-1894), jeden z założycieli Towarzystwa Wędrowców, pejzażysta, portrecista. Obraz „Saul u czarodziejki z Endor”, „Tajne spotkanie”, „Piotr I przesłuchuje carewicza Aleksieja Pietrowicza w Peterhofie”.

Kramskoj Iwan Nikołajewicz(1837-1887), jeden z założycieli Towarzystwa Wędrowców. Obrazy: „Nieznany”, „Mina Moiseev”, „Stolarz”, „Kontemplator”.

Niestierow Michaił Wasiljewicz(1862-1942), portrecista, mistrz malarstwa monumentalnego i pejzażu lirycznego. Najsłynniejsze obrazy: „Ofiara przyjaciół”, „Ekspert”, „Peryfikatorzy przed władcą”, „Pustelnik”.

Niestierow Michaił Wasiljewicz – obraz „Ofiara przyjaciół”

Repin Ilja Efimowicz(1844-1930). Portrety współczesnych (Stasow, Pisemski, Tołstoj, Delvig). Wielką sławę zyskały obrazy „Nie czekali”, „Przewoźnicy barek na Wołdze”, „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana”, „Iwan Groźny i jego syn Iwan”.

Repin Ilya Efimovich – obraz „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana”

Surikow Wasilij Iwanowicz(1848-1916), mistrz malarstwa historycznego. Obrazy: „Bojar Morozowa”, „Poranek egzekucji Streltsy”, „Suworow przekraczający Alpy”, „Stepan Razin”.

Surikow Wasilij Iwanowicz – obraz „Poranek egzekucji łuczniczej”

Chagalla Marka(1887-1985), malarz i grafik. Tworzył prace surrealistyczne, często o tematyce folklorystycznej i biblijnej („Nad miastem”), witraże i ilustracje.

Szyszkin Iwan Iwanowicz(1832-1898), pejzażysta. Zdjęcia: „Południe. Na obrzeżach Moskwy”, „Żyto”, „Leśne odległości”, „Wśród płaskiej doliny”, „Poranek w sosnowym lesie”.

Szyszkin Iwan Iwanowicz – „Gaj okrętowy”

Artyści zagraniczni

Boscha (Bos van Aken) Hieronim(ok. 1460-1516), malarstwo niderlandzkie. Do najbardziej znanych należą: „Kuszenie św. Antonio”, tryptyki „Wóz z sianem” i „Ogród rozkoszy”.

Botticellego Sandro(1445-1510), włoski artysta, mistrz szkoły florenckiej. Kompozycje o tematyce religijnej i biblijnej: „Alegoria mocy”, „Powrót Judyty”, „Madonna z Dzieciątkiem i aniołami”. Kompozycje mitologiczne: „Wiosna”, „Narodziny Wenus”.

Sandro Botticelli „Madonna z Dzieciątkiem i aniołami”

Brueghela Pietera(w latach 1525-1535-1569), malarz niderlandzki. Obrazy: „Bitwa pod Maslenicą i Wielki Post”, „Szalona Greta”, „Taniec chłopski”.

Vincenta Van Gogha(1853-1890) holenderski malarz postimpresjonistyczny. Obrazy: „Wieśniaczka”, „Zjadacze ziemniaków”, „Wzgórza Montmartre”, „Pejzaż Auvers po deszczu”.

Vincent van Gogh – „Krajobraz Auvers po deszczu”

Van Dycka Anthony’ego(1599-1641), malarz flamandzki. Uroczyste portrety arystokratyczne i intymne („Karol I na polowaniu”), kompozycje religijno-mitologiczne w duchu baroku.

Velasquez (Rodrigueza de Silvy Velasqueza) Diego(1599-1660), malarz hiszpański. Obrazy: „Śniadanie”, „Śniadanie dwóch młodych mężczyzn”, „Chrystus w domu Marty i Marii”. Portrety rodu szczególnie królewskiego: infantka Maria Teresa, infantka Małgorzata.

Veronese Paolo(1528-1588), włoski malarz renesansu, przedstawiciel szkoły weneckiej. Ukończono freski w Willi Barbara-Volpi w Maser. Najbardziej znanym obrazem jest „Wesele w Kanie”.

Gauguin Paweł(1848-1903), malarz francuski, przedstawiciel postimpresjonizmu. Zdjęcia: „Dwie kobiety z Tahiti”, „Czy jesteś zazdrosny?”, „Żona króla”, Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?".

Paul Gauguin - Kobiety z Tahiti 1891.

Goja Franciszek(1746-1828), malarz hiszpański. Malował obrazy o tematyce codziennej i historycznej, mitologicznej i religijnej, portrety, wykonywał malowidła ścienne (freski). Zdjęcia: "Parasol", "Sprzedawca naczyń", Seria rycin "Caprichos".

Holbeina Hansa Młodszego(1497 lub 1498-1543), niemiecki malarz i grafik, przedstawiciel renesansu. Utwory: „Martwy Chrystus” i „Morette”.

Dali Salvador(1904-1989), malarz hiszpański, przedstawiciel surrealizmu. Najbardziej znane obrazy fantasmagorii to „Płonąca żyrafa” i „Trwałość pamięci”.

Dali Salvador – obraz „Sen”

Daumiera Honore(1808-1879), francuski grafik, malarz i rzeźbiarz, mistrz rysunku satyrycznego i litografii. Zasłynęły karykatury elity rządzącej i filistynizmu („Ulica Transnonen”, cykl „Dobry mieszczanin”).

Durera Albrechta(1471-1528), malarz niemiecki, przedstawiciel niemieckiego renesansu. Obrazy: „Dom nad stawem”, „Widok na Innsbruck”, „Portret Oswalda Krella”.

Konstabl John(1776-1837), angielski pejzażysta, przedstawiciel impresjonizmu. Obrazy; „Młyn w Flatford”, „Katedra w Salisbury z Ogrodu Biskupiego”, „Pole Zboża”.

Leonardo da Vinci(1452-1519), malarz włoski. Uniwersalnością swoich talentów przewyższył wszystkich swoich poprzedników i nauczycieli. Obrazy: „Ostatnia wieczerza”, „La Gioconda”, „Madonna Litta”, „Dama z gronostajem”, „Madonna w grocie” i wiele innych.

Leonardo da Vinci (1452-1519) - „Ostatnia wieczerza”

Masaccio(1401-1428), malarz włoski, przedstawiciel szkoły florenckiej, jeden z twórców sztuki renesansu. Jest autorem fresków w kaplicy Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji.

Maneta Edouarda(1832-1883), francuski malarz i grafik, twórca impresjonizmu. Obrazy: „Śniadanie na trawie”, Olympia, „Bar w Folies Bergère”.

Modiglianiego Amadeo(1840-1920), francuski malarz urodzony we Włoszech. Obrazy: „Pablo Picasso”, „Madam Pompadour”, „Dama z czarnym krawatem”, „Akt” itp.

Oscar Moneta-Claude'a(1840-1926), twórca francuskiego impresjonizmu. Obrazy: „Śniadanie na trawie”, „Bez w słońcu”, „Impresja. Wschód słońca”, „Stacja Saint-Lazare”.

Murillo Bartolome Esteban(1618-1682), malarz hiszpański, przedstawiciel malarstwa barokowego. Obrazy: „Święta Rodzina z ptakiem”, „Lot do Egiptu”, „Pokolenie pasterzy”, „Madonna z Dzieciątkiem” itp.

Picasso Pablo(1881-1973), jeden z najwybitniejszych artystów XX wieku. Obrazy: „Arlekin”, „Portret żony”, „Jacqueline z czarnym szalikiem”, „Stary gitarzysta”, „Kolacja dla niewidomego”, „Dziewczyna na balu”, Trzej muzycy” itp.

Poussin Nicolas(1594-1665), malarz francuski, przedstawiciel klasycyzmu. Obrazy: „Tancred i Erminia”, „Pasterze Arkadyjscy”.

Rafał Santi(1483-1665), artysta włoski, jeden z największych mistrzów wysokiego renesansu florencko-rzymskiego. Centralne miejsce w jego twórczości zajmuje temat Madonny: „Madonna Conestabile”, „Madonna Solli”, „Madonna Terranova”, „Madonna in the Green”, „Sistine Madonna”. itd.

Raphael Santi - Św. Hieronim wspierający dwóch straconych

Rembrandta Harmenszoona van Rijna(1606-1669), malarz holenderski. Obrazy; „Anatomia doktora Tulpa”, „Danae”, „Nocna straż”, „Święta Rodzina”, „Dziewczyna w oknie”.

Rembrandta – „Danae”.

Renoira Pierre’a Augustina(1841-1919), malarz francuski, przedstawiciel impresjonizmu. Obrazy: „Portret Alfreda Sisleya z żoną”, „Kąpiel w Sekwanie”, „Ścieżka w wysokiej trawie”, „Koniec śniadania”, Pierwszy wieczór w operze”, Portret aktorki Samary”.

Saryan Martiros Siergiejewicz(1880-1972), malarz ormiański. Obrazy: „Armenia”, „Dolina Ararat”, „Martwa natura jesienna”.

Cezanne'a Paula(1839-1906), malarz francuski, przedstawiciel postimpresjonizmu. Obrazy: „Dziewczyna przy fortepianie”, Droga w Pontoise”, „Bukiet kwiatów w wazonie”, „Pierrot i arlekin”, „Dama w błękicie” itp.

Zurbaran Francisco(1598-1664), malarz hiszpański. przedstawiciel szkoły sewilskiej. Zasłynął cyklem obrazów z życia św. Bonawentura.

Turnera Josepha Melorda Williama(1775-1851), malarz angielski, przedstawiciel impresjonizmu, mistrz romantycznego pejzażu. Jego płótna podejmują tematykę mitologiczną i historyczną („Hannibal przekraczający Alpy w śnieżycy”, „Ulisses i Polifem”). Obrazy: „Gwiazda Wieczorna”, „Deszcz, para i prędkość”, „Kret i Calais”.

Tintoretto Jacopo(1518-1594), malarz włoski, przedstawiciel szkoły weneckiej. Znany z dużych par kompozycji „Ostatnia wieczerza”, popularność przyniósł obraz „Cud św. Marka”. W cyklu scen biblijnych najważniejszymi obrazami są: „Stworzenie zwierząt”, „Stworzenie Adama i Ewy”, Salomon i królowa Saby” itp.

Tycjan Vecellio(ok. 1476/77 lub 1489/90 - 1576), malarz włoski, mistrz szkoły renesansu weneckiego. Zdjęcia: „Flora”, „Miłość ziemska i niebiańska”, „Madonna z wiśniami”, „Opłakiwanie Chrystusa”, „Porwanie Europy”.

Toulouse-Lautrec Henri Marie Raymond de(1864-1901), malarz francuski, przedstawiciel postimpresjonizmu. Obrazy: „Hrabina Toulouse-Lautrec na śniadaniu w Malrome”, „Praczka”, „W kawiarni”, Taniec w Moulin Rouge itp.

Halsa Franza(1581 lub 85-1666), malarz holenderski, główny reformator portretu żydowskiego. Obrazy: „Śpiewający flecista”, „Dzieci z kubkiem”, „Cygan”, „Uśmiechnięty pan”, „Wesoły towarzysz picia”.

El Greco Domenico(1541-1614), malarz hiszpański pochodzenia greckiego.

Ingres Jean Auguste Dominique(1780-1867), artysta francuski, jeden z najlepszych portrecistów XIX wieku, zwolennik tradycji klasycyzmu.

Najwięksi malarze, rzeźbiarze, graficy z całego świata aktualizacja: 18 lutego 2017 r. przez: strona internetowa

Grafika jest najstarszym rodzajem sztuki pięknej. Pierwszą grafiką są malowidła naskalne przedstawiające prymitywnego człowieka, odzwierciedlające jego pogląd na otaczający go świat. Księgi papirusowe starożytnych Egipcjan zawierały symbole graficzne (hieroglify) i ilustracje. Już od czasów starożytnych docierają do nas piękne przykłady grafik w postaci obrazów na wazonach i naczyniach ceramicznych.

Przez długi czas do grafiki zaliczano jedynie pismo i kaligrafię. W średniowieczu grafika książkowa stała się powszechna: ręcznie pisane książki ozdabiano wspaniałymi rysunkami i miniaturami, a tworzenie czcionek stało się odrębną dziedziną sztuki.

Wybitni graficy i ich wybitne dzieła

Największy mistrz zachodnioeuropejskiego renesansu, Albrecht Dürer, jest jednym z twórców grawerowania. Jego najsłynniejsze dzieła na miedzi to Rycerz, Śmierć i diabeł (1513), Św. Hieronim w celi” i „Melancholia” (1514).

Wielki włoski artysta renesansowy i naukowiec Leonardo da Vinci był niepowtarzalnym rysownikiem. Jego bogate dziedzictwo graficzne obejmuje: rysunki przygotowawcze do obrazów, wizerunki zwierząt i roślin, ilustracje do osiągnięć technicznych, rysunki do traktatów.

Technika i rodzaje grafiki

Podstawą wszelkich rodzajów grafiki jest rysunek. Zwykle obraz graficzny wykonywany jest na kartce papieru, która pełni rolę przestrzeni. Do stworzenia swojego dzieła artysta dysponuje całym arsenałem narzędzi: ołówkiem, długopisem, węglem drzewnym, tuszem, tuszem, sangwiną (czerwono-brązowe ołówki wykonane z kaolinu i tlenków żelaza), kolorową kredą, sosem (jeden z rodzajów pastele), akwarela, gwasz.

Głównym narzędziem rysunku europejskiego późnego gotyku i renesansu było pióro. Pod koniec XVII wieku do tworzenia rysunków, rysunków i szkiców zaczęto używać ołówków grafitowych. W grafice płótno praktycznie nie jest używane, ponieważ akwarele i gwasz nie pasują do niego dobrze. Kolor w obrazach graficznych jest używany znacznie rzadziej niż w obrazach. Głównymi środkami wizualnymi grafiki są linia, plamka, światłocień, obrys i kropka.

Grafika ma tę samą różnorodność gatunków, co malarstwo. Ale tutaj gatunki portretowe i krajobrazowe są bardziej powszechne, w mniejszym stopniu - martwe natury, historyczne, domowe i inne. Grafikę tradycyjnie dzieli się na monumentalną (plakat, grafika ścienna), sztalugową (rysunki i druki), grafikę książkową (ilustracje, pocztówki), a także grafikę komputerową, która jednak wyróżnia się tym, że nie wykorzystuje tradycyjnych materiałów.

Sztukę grafiki wyróżnia duża różnorodność technik, którymi artysta posługuje się w czystej postaci lub w różnych kombinacjach. Ze względu na technikę grafiki wyróżnia się dwa jej rodzaje: grafikę rysunkową i grafikę drukowaną (druk). Rysunek tworzony jest wyłącznie w jednym egzemplarzu. W starożytności artyści używali papirusu, pergaminu, a od XIV wieku zaczęli rysować na papierze.

Natomiast drukowane grafiki występują w wielu egzemplarzach. Do replikacji wykorzystuje się grawer – rysunek na solidnym materiale, który pokrywa się farbą, a następnie drukuje na kartce papieru. W zależności od materiału wyróżnia się różne rodzaje i techniki grawerowania: drzeworyt (drzeworyt), linoryt (rysunek wycinany na linoleum), akwaforta (rycowanie na metalu), litografia (rytowanie na kamieniu). Wraz z pojawieniem się grawerowania powstała książka drukowana i zaczęła się rozwijać grafika książkowa. Dziś rozwój grafiki nie kończy się, pojawiają się nowe gatunki i techniki, ale podobnie jak w czasach starożytnych grafika pozostaje ważnym składnikiem sztuk pięknych w naszym życiu.

„Malowanie grafiki”

Grafika to rodzaj sztuki pięknej, w której głównymi środkami wizualnymi są linie, obrysy, plamy i kropki.
Zdjęcia graficzne. Kolor można wykorzystać także w grafice, jednak w odróżnieniu od malarstwa, tutaj pełni rolę pomocniczą.

Zdjęcia graficzne. Rysując grafikę, zwykle używają nie więcej niż jednego koloru (z wyjątkiem głównej czerni), w rzadkich przypadkach - dwóch). Oprócz linii konturowej w grafice powszechnie stosuje się kreskę i plamę, kontrastującą także z białą (a w innych przypadkach także kolorową, czarną lub rzadziej teksturowaną) powierzchnią papieru - główną podstawą prac graficznych. Połączenie tych samych środków może stworzyć niuanse tonalne. Najczęstszą cechą wyróżniającą grafikę jest szczególny związek przedstawianego obiektu z przestrzenią, którego rolę w dużej mierze odgrywa tło papieru (według słów radzieckiego mistrza grafiki V. A. Favorsky’ego „powietrze białego arkusz").

Zdjęcia graficzne. Najstarszym i tradycyjnym rodzajem grafiki jest rysunek, którego korzenie można dopatrywać się w prymitywnych rzeźbach naskalnych oraz w starożytnym malarstwie wazowym, gdzie obraz opiera się na linii i sylwetce. Zadania rysunkowe mają wiele wspólnego z malarstwem, a granice między nimi są ruchome i w dużej mierze dowolne: akwarela, gwasz, pastel i tempera mogą być wykorzystywane zarówno do samodzielnego tworzenia prac graficznych, jak i obrazów utrzymanych w stylu i naturze.

Zdjęcia graficzne. Do grafiki artystycznej zalicza się zarówno sam rysunek, jak i dzieła sztuki drukowane (rytownictwo, litografia itp.), oparte na sztuce rysunku, posiadające jednak własne środki wizualne i możliwości wyrazowe.
Zdjęcia graficzne. W grafice wraz z gotowymi kompozycjami, szkicami z natury, szkicami do dzieł malarstwa, rzeźby, architektury (rysunki Michała Anioła, L. Berniniego we Włoszech, O. Rodina we Francji, Rembrandta w Holandii, V. I. Bazhenova w Rosji) posiadają niezależne artystyczne wartość. . Pozbawiona takiego ogromu pełni możliwości jak malarstwo, w tworzeniu przestrzennej iluzji realnego świata, grafika z dużą swobodą i elastycznością różnicuje stopień przestrzenności i płaskości; w przypadku prac graficznych charakterystyczna może być dokładność konstrukcji bryłowo-przestrzennej, dokładność w wypracowaniu najdrobniejszych elementów faktury i oddaniu struktury obiektu.

Dziedzictwo grafiki artystycznej jest różnorodne. Naznaczone są dziełami takich światowej sławy mistrzów jak Albrecht Dürer (1471-1528), Francisco Goya (1746-1828), Gustave Dore (1832-1883), artyści japońscy Kitagawa Utamaro (1753-1806), Hiroshige Ando (1797). -1858) oraz rytownik i rysownik Hokusai Katsushika (1760-1849), którego twórczość wywarła znaczący wpływ na sztukę europejską przełomu XIX i XX wieku.

Ze współczesnych mistrzów grafiki najbardziej znany jest holenderski artysta Maurice Escher, który jako jeden z pierwszych przedstawił fraktale, a zasłynął po opublikowaniu książki „Grafiek en Tekeningen”, w której sam skomentował 76 swoich najlepsze prace.
Przyjrzeliśmy się więc historycznym korzeniom grafiki i grafiki współczesnej.
Obrazy graficzne mogą stanowić samodzielny dział sztuk plastycznych.
Obrazy graficzne dały podstawę i rozwój tak pięknym rodzajom sztuk pięknych, jak również.

Zdjęcia graficzne. Rysunek graficzny. To jest kompletna sztuka. Grafika ma długą i bogatą historię. Grafika jest starożytną formą sztuki. Obrazy graficzne to nasza nowoczesność. Obrazy graficzne są szanowane i kochane.

Wiele osób interesuje się grafiką. Zbieraj grafiki. Grafika jest ciekawa i wciągająca.
Współczesnej sztuki dekoracyjnej również nie można sobie wyobrazić bez grafiki i obrazów graficznych. Szkice, szkice, rysunki pozwalają artyście myśleć w sposób ciekawy i oryginalny. Zdjęcia grafik i rysunków są podstawą kreatywności każdego profesjonalnego mistrza.
Grafika, rysunek, obraz graficzny, rysunek graficzny można wykonać na bazie różnych materiałów. Grafika na papierze. Grafika drewna. Grafika z metalu. Grafika na tkaninie. Grafika na szkle. Grafika piaskowa.

Umiejętny obraz graficzny chwyta i urzeka widza nie gorzej niż wielokolorowe obrazy malowane olejem lub akwarelą.
Zdjęcia graficzne. Grafika sama w sobie jest świetna. Grafika jest interesująca. Grafika jest ekscytująca. Rysunki graficzne takich mistrzów jak Michał Anioł uważane są za bezcenne dzieła sztuki rysunkowej, sztuki graficznej.

Zdjęcia graficzne. Nowoczesna grafika.
Nowoczesna grafika ma swoich mistrzów. Wielu specjalizuje się w kierunku rysunku graficznego i zajmuje się grafiką przez całe życie.
Nowoczesna grafika ma zarówno swoich fanów, jak i koneserów. Rysunki graficzne są chętnie zdobywane przez wielu amatorów i kolekcjonerów. Prace graficzne też potrafią być bardzo drogie. Obrazy graficzne nie są tanie i wykluczone w sztuce. Obrazy graficzne stanowią swój własny, piękny świat w sztukach wizualnych.

Zdjęcia graficzne. Nowoczesna grafika. Nasza galeria prezentuje ogromną różnorodność prac graficznych. Istnieją prace graficzne na każdy gust. Przyjrzyj się bliżej naszym pracom graficznym. Grafika to swoista magiczna wróżka sztuki współczesnej, ale grafika sama w sobie jest piękna. Dobry rysunek graficzny lub kompozycja graficzna może ozdobić każde wnętrze swoją wspaniałą aurą. Grafika jest świetna!
Grafika podbiła nie tylko artystów. Obrazy graficzne stały się muzą dla mistrzów współczesnej poezji.
Grafika wiersza jest szczególnym sposobem zapisu tekstu poetyckiego, w odróżnieniu od prozatorskiego.

„Zaczęła go całować, całego wysmarowanego marmoladą, w ogon i grzywę
oraz w witrynie sklepu spożywczego Eliseevsky i na komputerze Macintosh
I celowo zastąpił ją jedną lub drugą dyskietką (lanita).
nie zapominając o pocałowaniu jej w każdy ołówek Kohinoor.

We współczesnej poezji istnieje wiele terminów pochodzących od rdzenia - „obrazy graficzne”. Na przykład: specjalna grafika wersetowa, specjalna grafika wersetowa, specyficzna grafika wersetowa.
Grafika. Grafika przenika i przenika całe nasze życie. Uwielbiają grafikę. Podziwiaj grafikę. Uwielbiają grafikę. Niektórzy ludzie cierpią na grafikę.
Najpopularniejszym i najbardziej znanym rodzajem grafiki jest rysunek. Każdy artysta zaczyna od grafiki i dzieł graficznych.
Grafika. Papier. Ołówek. Co jeszcze jest potrzebne. Oczywiście kreatywność. Z pewnością inspiracja.

„Biorę ołówek grafitowy z literą „T”,
Zaczynam rysować uczucia.
I drżącą ręką na białym prześcieradle
Łamiąc prawa sztuki.”

Zdjęcia graficzne. Grafika przenika i przenika całe nasze życie. Uwielbiają grafikę. Podziwiaj grafikę. Uwielbiają grafikę. Wiele osób cierpi na grafikę.

„Rozrywam papier czubkiem do dziur
A uderzenia nie padają jak deszcz.
Eliksir wypity z duszy przez śmierć
Wraca ze zgrzytaniem pod zębami.

„Twarda grafika! Na strzępy - papier!
Palce już zaczynają mi drętwieć.
Kundel, który nie wierzył w swoje porzucenie,
Od melancholii nagle zdolnej do śmierci.

Zdjęcia graficzne. Grafika obrazkowa zdobi nasze życie. Uwielbiają grafikę. Podziwiaj grafikę. Uwielbiają grafikę. Wiele osób cierpi na grafikę.

„Ból, poczucie winy, żal, uraza, beznadzieja,
Nadzieja, złość, grzech, tęsknota...
A miłość, która nie przyjęła daru wolności,
Brak przebaczenia krążący po świątyni…”

Grafika. Grafika obrazkowa zdobi nasze życie. Uwielbiają grafikę. Podziwiaj grafikę. Uwielbiają grafikę. Wielu w harmonogramie widzi swoje szczęście.

"Co się stało? Jeszcze nie skończyłem pracy.
Z eklektyzmu uczuć okazał się kicz.
Spaliłbym te przeplatające się linie,
Ożywiwszy Feniksa z ognia…”

Grafika. Nowoczesna grafika.
Nowoczesna grafika ma swoich mistrzów. Wielu artystów specjalizuje się w kierunku rysunku graficznego i zajmuje się grafiką przez całe życie.
Nowoczesna grafika ma swoich fanów i koneserów. Rysunki graficzne są chętnie zdobywane przez wielu amatorów i kolekcjonerów. Prace graficzne też potrafią być bardzo drogie. Obrazy graficzne nie są tanie i wykluczone w sztuce. Grafika to odrębny, piękny świat w sztukach plastycznych!

Zdjęcia graficzne! Nowoczesna grafika! Nasza galeria prezentuje ogromną różnorodność prac graficznych artystów. Istnieją prace graficzne na każdy gust. Przyjrzyj się bliżej naszym pracom graficznym. Zdjęcia grafik są swoistą magiczną wróżką sztuki współczesnej, ale grafika sama w sobie jest piękna. Dobry rysunek graficzny lub kompozycja graficzna potrafi ozdobić swoją wspaniałą aurą każde wnętrze!
Zdjęcia graficzne! Grafika jest świetna!

Sztuka Banksy’ego 4

Sztuka Banksy'ego od 75 rubli

Architektura Drezna 28

Saykowska Ekaterina od 720 rubli

Saykovskaya Ekaterina - Architektura Drezna: Szkic architektoniczny powstał podczas spaceru po Dreźnie.

Róg Montmartre 21

Saykowska Ekaterina od 675 rubli

Saikovskaya Ekaterina - Róg Montmartre: Szkic architektoniczny twórczej atmosfery Montmartre. Wykonane z natury.

Jover Louis – 2156 13

Jover Louis od 120 rubli

Jover Louis - 2156: Louis Jover (Loui Jove) to utalentowany australijski artysta o unikalnym stylu malarskim. Atramentem posługuje się głównie na kartach starych książek i czasopism, tworząc atrakcyjne i naładowane emocjonalnie wizerunki kobiecych twarzy. Jego obrazy mogą przedstawiać pary znajdujące się w silnym napięciu emocjonalnym, bezpośrednio promieniujące energią. Twórczość Jovera została przez jednego z krytyków nazwana prawdziwie twórczą i pełną emocji. Louis zaczął rysować bardzo dawno temu, już w głębokim dzieciństwie, gdy dorósł, dużo podróżował po Europie i Azji, stopniowo stając się zapalonym artystą, który nie wyobrażał sobie siebie bez codziennego rysowania. Louis przeszedł na emeryturę w 1998 roku, ale jako pełnoetatowy artysta nadal przyciąga widzów do galerii w Queensland w Australii, gdzie mieszka z żoną Fi i córką Jazz.

Jover Louis – 2163 22

Jover Louis od 120 rubli

Jover Louis - 2163: Louis Jover (Loui Jove) to utalentowany australijski artysta o unikalnym stylu malarstwa. Atramentem posługuje się głównie na kartach starych książek i czasopism, tworząc atrakcyjne i naładowane emocjonalnie wizerunki kobiecych twarzy. Jego obrazy mogą przedstawiać pary znajdujące się w silnym napięciu emocjonalnym, bezpośrednio promieniujące energią. Twórczość Jovera została przez jednego z krytyków nazwana prawdziwie twórczą i pełną emocji. Louis zaczął rysować bardzo dawno temu, już w głębokim dzieciństwie, gdy dorósł, dużo podróżował po Europie i Azji, stopniowo stając się zapalonym artystą, który nie wyobrażał sobie siebie bez codziennego rysowania. Louis przeszedł na emeryturę w 1998 roku, ale jako pełnoetatowy artysta nadal przyciąga widzów do galerii w Queensland w Australii, gdzie mieszka z żoną Fi i córką Jazz.

Chińskie lampiony 3

Conover Kathleen od 120 rubli

Kathleen Conover - Chińskie latarnie: malarka akwareli. Malarstwo kolorowe, z głęboką obserwacją tematu i natury. Wizualne przejście od chaosu do porządku to najlepszy sposób na wyjaśnienie podejścia Kathleen do malarstwa. Działa spontanicznie, intuicyjnie, odważnie łącząc kolory w wielowarstwowym malarstwie. To początek chaosu, w którym pozwala przepływom farby i koloru mieszać się i oddziaływać na siebie. Dopiero po tym etapie rozpoczyna się twórczy etap malowania. Głębia rysunku, wygląd obrazów i zakończenie kompozycji.

Jover Louis - 2150 24

Jover Louis od 120 rubli

Jover Louis - 2150: Louis Jover (Loui Jove) to utalentowany australijski artysta o unikalnym stylu malarstwa. Atramentem posługuje się głównie na kartach starych książek i czasopism, tworząc atrakcyjne i naładowane emocjonalnie wizerunki kobiecych twarzy. Jego obrazy mogą przedstawiać pary znajdujące się w silnym napięciu emocjonalnym, bezpośrednio promieniujące energią. Twórczość Jovera została przez jednego z krytyków nazwana prawdziwie twórczą i pełną emocji. Louis zaczął rysować bardzo dawno temu, już w głębokim dzieciństwie, gdy dorósł, dużo podróżował po Europie i Azji, stopniowo stając się zapalonym artystą, który nie wyobrażał sobie siebie bez codziennego rysowania. Louis przeszedł na emeryturę w 1998 roku, ale jako pełnoetatowy artysta nadal przyciąga widzów do galerii w Queensland w Australii, gdzie mieszka z żoną Fi i córką Jazz.

Spójrz 14

Jover Louis od 120 rubli

Jover Louis - Spójrz: Louis Jover (Loui Jove) to utalentowany australijski artysta o unikalnym stylu malarstwa. Atramentem posługuje się głównie na kartach starych książek i czasopism, tworząc atrakcyjne i naładowane emocjonalnie wizerunki kobiecych twarzy. Jego obrazy mogą przedstawiać pary znajdujące się w silnym napięciu emocjonalnym, bezpośrednio promieniujące energią. Twórczość Jovera została przez jednego z krytyków nazwana prawdziwie twórczą i pełną emocji. Louis zaczął rysować bardzo dawno temu, już w głębokim dzieciństwie, gdy dorósł, dużo podróżował po Europie i Azji, stopniowo stając się zapalonym artystą, który nie wyobrażał sobie siebie bez codziennego rysowania. Louis przeszedł na emeryturę w 1998 roku, ale jako pełnoetatowy artysta nadal przyciąga widzów do galerii w Queensland w Australii, gdzie mieszka z żoną Fi i córką Jazz.

Iluzoryczny świat 7

Maria Susarenko od 4870 rubli

Maria Susarenko - Świat iluzji: Obraz przedstawia wyimaginowany świat, częściowo inspirowany przytulnymi, słonecznymi miasteczkami Włoch.

Bitwa pod Anghiari 2

Leonardo da Vinci od 75 rubli

Leonardo da Vinci - Bitwa pod Anghiari: - zaginiony fresk Leonarda da Vinci. Artysta pracował nad nim w latach 1503-1506. Fresk miał ozdobić jedną ze ścian Wielkiej Sali Rady (Salon Pięćsetki) Pałacu Signoria we Florencji. Zachowały się kartonowe kopie tego fresku. Jeden z najlepszych rysunków – autorstwa Rubensa – znajduje się w zbiorach Luwru.

Szkielet człowieka 8

Leonardo da Vinci od 120 rubli

Leonardo da Vinci - Szkielet Ludzki: Leonardo da Vinci (1452-1519) - włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz, muzyk, jeden z największych przedstawicieli sztuki Wysokiego Renesans, żywy przykład „człowieka uniwersalnego” Leonardo jest znany naszym współczesnym przede wszystkim jako artysta. Jednak sam da Vinci w różnych okresach swojego życia uważał się przede wszystkim za inżyniera lub naukowca. Sztukom pięknym nie poświęcał wiele czasu i pracował raczej powoli. Dlatego dziedzictwo artystyczne Leonarda nie jest ilościowe, a wiele jego dzieł zaginęło lub uległo poważnemu zniszczeniu. W ciągu swojego życia Leonardo da Vinci sporządził tysiące notatek i rysunków na temat anatomii, ale swojej pracy nie opublikował. Dokonując sekcji zwłok ludzi i zwierząt, dokładnie przekazał budowę szkieletu i narządów wewnętrznych, z uwzględnieniem drobnych szczegółów. Zdaniem profesora anatomii klinicznej Petera Abramsa prace naukowe da Vinci wyprzedzały swoje czasy o 300 lat i pod wieloma względami przewyższały słynną „Chirurdzy”.

Plac Pałacowy 4

Susanenko Maria od 3620 rub

Susarenko Maria - Plac Pałacowy: Obraz przedstawia Petersburg, wspaniałe miasto o pięknej architekturze.

Pociąg 2

Bułatow Anton od 620 rubli

Bulatov Anton - Pociąg: Praca graficzna wykonana techniką mieszaną (suchy pędzel, ołówek, kredka), przedstawiająca pędzący z pełną prędkością pociąg. Format pracy jest nieco większy niż A3.

Krajobraz architektoniczny 5

Susanenko Maria od 4670 rubli

Susarenko Maria - Pejzaż architektoniczny: Obraz należy do cyklu prac poświęconych miastom świata. Praca ta poświęcona jest Petersburgowi i jego niesamowitej architekturze.

Niewyraźna linia 5

Maria Susarenko od 4470 rub

Maria Susarenko - Blurred Lined: Obraz należy do cyklu prac poświęconych miastom świata. Praca przedstawia ciche, przytulne i niezwykle piękne miasto we Włoszech.

Artquadrum od 120 rubli

Koło pałacowe. Wejście do Pałacu Zimowego, Placu Pałacowego, Kolumny Aleksandryjskiej i Kwatery Głównej 21

N. Eila od 720 rubli

N. Eila – Koło pałacowe. Wejście do Pałacu Zimowego, Placu Pałacowego, Kolumny Aleksandryjskiej i Kwatery Głównej: Ołówek na papierze, 28x20

Ilustracja botaniczna z książki 7

Artquadrum od 120 rubli

Artquadrum - Ilustracja botaniczna z książki: Ilustracja botaniczna - sztuka ukazywania kształtu, koloru, szczegółów roślin. Ilustracje botaniczne są często drukowane obok botanicznych słownych opisów roślin w książkach, czasopismach i innych naukowych publikacjach botanicznych. Tworzenie takich ilustracji wymaga od autora-artysty zrozumienia morfologii roślin, dostępu do próbek pełnowymiarowych (żywych naturalnych) lub zielników (próbki suszone w celu konserwacji). Ilustracje botaniczne są często tworzone we współpracy ilustratora i konsultanta botanicznego.

Fantazja Praga / Kościół Tyn 2

Saykowska Ekaterina od 720 rubli

Saykovskaya Ekaterina - Fantazja Praga / Kościół Tyn: Fantazja na temat gotyku praskiego. Rysunek powstał podczas wyjazdu do Pragi.

Rzeka Rubinowa 5

Maria Susarenko od 4520 rub

Maria Susarenko - Rzeka Rubinowa: Zdjęcie przedstawia katedrę św. Izaaka - jedną z najpiękniejszych atrakcji Petersburga.

Sztuka Banksy'ego 0

Sztuka Banksy'ego od 120 rubli

Sztuka Banksy'ego - Sztuka Banksy'ego: Banksy to pseudonim angielskiego undergroundowego artysty ulicznego, działacza politycznego i filmowca, którego tożsamość od dawna jest nieznana. Wokół jego biografii narosło wiele kontrowersji. Według jednej wersji jego prawdziwe imię to Robert lub Robin Banks.

Rysunek 4

Leonardo da Vinci od 120 rubli

Leonardo da Vinci - Rysunek: Leonardo da Vinci (1452-1519) - włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz, muzyk, jeden z największych przedstawicieli sztuki wysokiego renesansu , żywy przykład „człowieka uniwersalnego”

Martwa natura w stylu japońskim 0

Antipyeva Natalia od 470 rubli