Historia powstania teatru w Rosji. Rosyjska sztuka teatralna

LITERATURA Książki pisane ręcznie odegrały znaczącą rolę w rozwoju kultury chrześcijańskiej na starożytnej Rusi. Wraz z chrześcijaństwem starożytna Ruś przyjęła istniejący system gatunków pisma kościelnego rozwinięty w Bizancjum. Były to przede wszystkim księgi biblijne Starego Testamentu, w skład których wchodziły: „Prawo”, „Prorocy”, „Pisma”, a także hymnografia i „słowa” związane z interpretacjami „Pisma” oraz modlitwami i śpiewami kościelnymi.

Gatunki historyczne opierały się na folklorze, ale rozwinęły książkowe formy opowiadania historii. Nie pozwalali na fikcję artystyczną; najczęściej zamieszczane w kronikach. Kronika to jeden z pierwszych oryginalnych gatunków literatury rosyjskiej. Są to historyczne relacje o współczesnych wydarzeniach, ułożone według lat. Dla kronikarza nie liczy się czas panowania, ale kolejność wydarzeń. Początek artykułu kronikarskiego jest tradycyjny: „W lecie…”, następnie wskazany jest rok od stworzenia świata i zarys wydarzeń tego roku. Gatunek kronikarski obejmuje różne gatunki, na przykład narrację hagiograficzną o Borysie i Glebie oraz historię wojenną. Różnorodność tematów, wydarzeń i gatunków pomaga kronikarzowi opowiadać o historii Rusi. gatunki historyczne kronika, opowiadanie, legenda, legenda

„Opowieść o minionych latach” to najważniejsze dzieło literatury rosyjskiej, opracowane przez mnicha z klasztoru Kijowsko-Peczerskiego Nestora. Kronikarz nie raz wygłasza kazanie nawołujące do miłości, pokoju i harmonii. Kronika ta określa miejsce Słowian, miejsce narodu rosyjskiego wśród narodów świata, przedstawia pochodzenie pisma słowiańskiego, powstanie państwa rosyjskiego, opowiada o wojnach, zwycięstwach i porażkach, świętach, tradycjach i rytuałach, i nawiązuje do podań i legend ludowych. Czytelnik pozna także umowy handlowe pomiędzy Rusią i Konstantynopolem.

Religijne i dydaktyczne gatunki nauczania, życia, uroczystych słów, spacerów często powstawały w związku z konkretnym wydarzeniem i spełniały ważną rolę edukacyjną. gatunek nauk służył jako ważny środek promowania nowej doktryny religijnej. Na przykład „Nauki Teodozjusza z Peczerska”. „Naukę” Włodzimierza Monomacha, spisaną przez niego na krótko przed śmiercią (około 1117 r.), kronikarze uważali za testament złożony jego dzieciom. Główną ideą „Instrukcji” jest ścisłe przestrzeganie interesów państwowych, a nie osobistych.

Autor życia (hagiograf) starał się stworzyć wizerunek idealnego bohatera kościelnego. Zwykle życie świętego rozpoczynało się od krótkiej wzmianki o rodzicach (święty urodzi się „z rodzica wiernego i pobożnego”); następnie rozmawiali o dzieciństwie świętego i jego zachowaniu. Cechowała go skromność, posłuszeństwo, kochał książki, stronił od zabaw z rówieśnikami, był przepojony pobożnością. Później jego ascetyczne życie rozpoczyna się w klasztornej lub pustynnej samotności. Ma zdolność czynienia cudów i komunikowania się z niebiańskimi mocami. Jego śmierć jest spokojna i cicha; jego ciało wydziela zapach po śmierci. W XIX wieku. w odrębnych spisach na Rusi znane były przekłady żywotów Mikołaja Cudotwórcy, Antoniego Wielkiego, Jana Chryzostoma, Aleksieja, męża Bożego oraz inne gatunki życia – opowieści o wyczynach świętych. Życie zależało od rodzaju świętości: męczennik, spowiednik, mnich, stylita, święty głupiec.

Przykładem starożytnego rosyjskiego życia książęcego jest „Opowieść o Borysie i Glebie”. Autor opowiadania (anonimowy), zachowując specyfikę historyczną, szczegółowo przedstawia fakty nikczemnego morderstwa Borysa i Gleba. Zmienia się jednak nieco schemat kompozycyjny życia, pokazany zostaje tylko jeden epizod z życia bohaterów – nikczemne morderstwo. Borys i Gleb są przedstawiani jako idealni chrześcijańscy bohaterowie-męczennicy.

Gatunek chodzenia W XI wieku. Rosjanie zaczynają podróżować na chrześcijański Wschód, do miejsc świętych. Dla tych, którym nie udało się odbyć pielgrzymki do Palestyny, swoistą rekompensatą są książki opisujące ich podróże. W XII wieku. Pojawia się „Wędrówka Hegumena Daniela do Ziemi Świętej”, w której szczegółowo opisane są święte miejsca. Interesuje się przyrodą, charakterem zabudowy Jerozolimy, rzeką Jordan itp. W obiegu krąży wiele legend, które Daniel słyszał podczas swoich podróży lub których nauczył się z książek.

Cechy literatury staroruskiej 1. Charakter pisma. 2. Anonimowość jako konsekwencja religijnie chrześcijańskiego stosunku do osoby: W społeczeństwie nie istniało pojęcie prawa autorskiego. Skrybowie książek często redagowali tekst, wprowadzali własne epizody, zmieniali orientację ideową kopiowanego tekstu i charakter jego stylu. Tak pojawiły się nowe edycje pomników. 3. Historyzm. Bohaterami starożytnej literatury rosyjskiej są głównie postacie historyczne. Praktycznie nie ma w nim fikcji. Wydarzenia historyczne są wyjaśniane z religijnego punktu widzenia. Bohaterami są książęta, władcy państwa. 4. Tematyka: piękno i wielkość ziemi rosyjskiej; moralne piękno Rosjanina. 5. Metoda artystyczna: symbolika, historyzm, rytualizm, dydaktyzm, wiodące zasady metody artystycznej, dwie strony: fotografia ścisła i idealny obraz rzeczywistości.

MUZYKA W epoce Rusi Kijowskiej kontynuowany był rozwój pieśni rytualnych, pieśni robotniczych, pieśni komiksowo-satyrycznych, kołysanek i powstała epopeja heroiczna. Epicka sztuka ludowa zachowała się w eposach, czyli starożytnościach. Epos jest dziełem syntetycznego gatunku słowno-muzycznego.

Najważniejszym zjawiskiem w kulturze muzycznej tego czasu były narodziny śpiewu znamennego jako pierwszej formy profesjonalnej sztuki muzycznej utrwalonej na piśmie. Chorał Znamenny, główny rodzaj rosyjskiego śpiewu kościelnego. Nazwa pochodzi od starosłowiańskiego słowa oznaczającego „sztandar”. Banery, czyli haczyki, były nieliniowymi znakami używanymi do nagrywania pieśni. haczyki

Golubchik, / kij, hak V i inne zostały umieszczone bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstały śpiewające alfabety." title=" W starożytnej Rusi nie było nut; znaki np. > kochanie, / kij, hak V i inne umieszczano bezpośrednio w teksty ksiąg liturgicznych.Wraz ze wzrostem liczby znaków powstały śpiewające alfabety ABC." class="link_thumb"> 14 !} Na starożytnej Rusi notatek nie było, znaki np. kochanie, kij, hak V i inne umieszczano bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstały śpiewające alfabety. kochanie, / kij, hak V i inne zostały umieszczone bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstał alfabet śpiewający."> kochanie, / kij, hak V i inne, umieszczano bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków stworzono alfabet śpiewający. "> kochanie, /patyk, hak V i inne, zostały umieszczone bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstały śpiewające alfabety." title=" W starożytnej Rusi nie było nut; znaki np. > kochanie, / kij, hak V i inne umieszczano bezpośrednio w teksty ksiąg liturgicznych.Wraz ze wzrostem liczby znaków powstały śpiewające alfabety ABC."> title="Na starożytnej Rusi notatek nie było, znaki np. kochanie, kij, hak V i inne umieszczano bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstały śpiewające alfabety."> !}

Twórczość starożytnych rosyjskich śpiewaków była bliska malowaniu ikon. Na początku pracował hymnograf. Dokonał rozbioru tekstu, dopasowując śpiew śpiewu (próbkę, wzór śpiewu) do tekstu śpiewu tak, aby liczba fragmentów tekstu odpowiadała liczbie linii muzycznych śpiewu. Następnie niczym banał nanosił muzyczną formułę na nowe teksty, tam gdzie było to konieczne, subtelnie różnicując szczegóły melodii. Specjalny muzyk-sztandar „podpisał” czystą kartkę papieru na przyszły rękopis muzyczny, podpisując w określonej kolejności miniatury, teksty pieśni, inicjały, znaki muzyczne, sztandary pod tekstem i wreszcie znaki cynobrowe pod sztandarami. Praca hymnografa w średniowieczu była wysoko ceniona, większość z nich została nawet kanonizowana: Roman Słodki Śpiewak, Jan Chryzostom, Andriej Kritsky, Jan z Damaszku itp.

Stara rosyjska muzyka kościelna wyrażała ideę jedności i jedności, dlatego była przeważnie monodyczna, to znaczy monofoniczna unisono, monodia. Kanoniczną cechą rosyjskiej muzyki prawosławnej jest także zasada sareli (bez towarzystwa), gdyż tylko głos ludzki uznano za jedyny doskonały instrument muzyczny, gdyż tylko głos może ucieleśnić słowo w dźwiękach muzycznych, stworzyć znaczącą melodię. Śpiew filarowy

Do najstarszych gatunków hymnografii należą: - psalmy kojarzone z imieniem biblijnego króla Dawida, psalmy są bardzo różnorodne: niektóre brzmią jak recytacja chóralna, przypominając śpiew, inne przypominają szeroką, śpiewaną pieśń liryczną. - troparion (greckie „odwracam się”, „pomnik zwycięstwa”, „trofeum”). Cechą charakterystyczną tekstów troparionowych, oprócz zwięzłości, jest częste stosowanie porównań i alegorii. I zasadniczo ich treść wiąże się z gloryfikacją celebrowanych wydarzeń Kościoła chrześcijańskiego, śpiewaniem wyczynów męczenników i ascetów. - kontakion (gr. „krótki”) krótka pieśń, utwór wielozwrotkowy, w którym wszystkie zwrotki zbudowane są według tego samego schematu i śpiewane na tę samą melodię, zmieniając się ze zwrotki na strofę. -stichera (gr. „wiele zwrotek”), często wyróżniały się dużą długością i bogactwem melodycznym. - kanon (gr. „norma”, „reguła”) duża kompozycja chóralna składająca się z dziewięciu części, z których każda zawierała kilka pieśni. Jeśli kontakion jest poetyckim kazaniem, nauką, to kanon jest uroczystym hymnem pochwalnym. Najważniejszymi zasadami organizacji starożytnej rosyjskiej sztuki śpiewu są cykliczność i zespół.
Należy zwrócić uwagę na szczególną rolę Nowogrodu, który wprowadził coś nowego do muzyki kościelnej. To tutaj rozwinęła się i utrwaliła wspaniała tradycja bicia dzwonów. Przejście od „taktu” do dzwonka o specyficznym, korzystnym akustycznie projekcie było wielkim osiągnięciem w wyrazistości barwy sztuki muzycznej. Po Nowogrodzie w Pskowie rozwinęła się sztuka bicia dzwonów. DŹWIĘKI DZWONKÓW

W repertuarze bufonów znalazły się pieśni komiczne, sceny dramatyczne, satyra społeczna „ponury”, wykonywana w maskach i „strojach bufonów” przy akompaniamencie domry, dud i tamburynu. Występując na ulicach i placach S. bezpośrednio komunikował się z publicznością i angażował ją w swój występ. Głównym bohaterem spektaklu jest wesoły i załamany człowiek o własnym rozumie, często posługujący się pozorem komicznej prostoty.

Pojawiły się nie później niż w połowie XI wieku. (obraz na freskach soboru św. Zofii w Kijowie, 1037 r.) bufonada osiągnęła swój szczyt w XVII i XVIII w. stopniowo zanikała, przenosząc na stoisko część tradycji swojej sztuki. Często byli prześladowani przez władze kościelne i cywilne. W latach 1648 i 1657 wydano dekrety zakazujące bufonady.

Teatr Rosyjski TEATR ROSYJSKI (TEATR ROSJI) przeszedł inną drogę formacji i rozwoju niż teatr europejski, wschodni czy amerykański. Etapy tej ścieżki związane są z wyjątkowością historii Rosji - jej gospodarki, zmian w formacjach społecznych, religii, szczególnej mentalności Rosjan itp. TEATR

Geneza i kształtowanie się teatru rosyjskiego w jego formach rytualnych i ceremonialnych, jak w każdej społeczności starożytnej, było na Rusi szeroko rozpowszechnione, istniało w formach misteryjnych. W tym przypadku mamy na myśli misterium nie jako gatunek średniowiecznego teatru europejskiego, ale jako zbiorową akcję związaną z celami codziennymi i sakralnymi, najczęściej – uzyskaniem pomocy bóstwa w sytuacjach ważnych dla funkcjonowania wspólnoty ludzkiej

Geneza i kształtowanie się teatru rosyjskiego. Były to etapy cyklu rolniczego – siew, zbiory, klęski żywiołowe – susza, epidemie i epizootie, wydarzenia o charakterze plemiennym i rodzinnym – ślub, narodziny dziecka, śmierć itp. Były to przedstawienia prateatralne oparte na starożytnej magii plemiennej i rolniczej, dlatego teatrem tego okresu zajmują się głównie folkloryści i etnografowie, a nie historycy teatru. Ale ten etap jest niezwykle ważny – jak każdy początek, który wyznacza wektor rozwoju.

Pochodzenie i powstanie teatru rosyjskiego Z takich rytualnych działań wyrosła linia rozwoju teatru rosyjskiego jako teatru ludowego, teatru ludowego, prezentowanego w wielu formach - teatru lalek (Pietruszka, szopka itp.), Budki (raek, bawić się itp.), podróżujący aktorzy (guslary, śpiewacy, gawędziarze, akrobaci itp.) itp. Aż do XVII wieku teatr w Rosji rozwijał się wyłącznie jako teatr ludowy, inne formy teatralne, w przeciwieństwie do Europy, nie istniały tutaj. Do X–XI wieku. Teatr rosyjski rozwijał się na charakterystycznej dla tradycyjnego teatru Wschodu czy Afryki ścieżce – rytualno-folklorystycznej, sakralnej, zbudowanej na oryginalnej mitologii

Geneza i kształtowanie się teatru rosyjskiego Około XI wieku. sytuacja zmienia się, początkowo stopniowo, potem coraz silniej, co doprowadziło do zasadniczej zmiany w rozwoju teatru rosyjskiego i jego dalszego kształtowania się pod wpływem kultury europejskiej.

Teatr profesjonalny Pierwszymi przedstawicielami teatru zawodowego byli bufony, zajmujący się niemal wszystkimi gatunkami przedstawień ulicznych. Pierwsze wzmianki o błaznach pochodzą z XI wieku, co pozwala zweryfikować, że sztuka bufonowska była zjawiskiem, które od dawna ukształtowało się i weszło w życie codzienne wszystkich warstw ówczesnego społeczeństwa. Na kształtowanie się oryginalnej rosyjskiej sztuki błazeńskiej, wywodzącej się z obrzędów i rytuałów, miały także wpływ „podróże” podróżujących komików europejskich i bizantyjskich - histrionów, trubadurów, włóczęgów

Teatr szkolno-kościelny „Stoglawy” Cerkwi Rosyjskiej Cerkwi Prawosławnej w 1551 roku odegrał zdecydowaną rolę w ugruntowaniu idei jedności religijno-państwowej i powierzył duchowieństwu odpowiedzialność za tworzenie religijnych instytucji edukacyjnych. W tym okresie pojawiły się przedstawienia szkolne i przedstawienia szkolno-kościelne, które wystawiano w teatrach tych placówek oświatowych (college, akademie). Na scenie, przeniesione z kart ksiąg, pojawiły się postacie uosabiające państwo, kościół, starożytny Olimp, mądrość, wiarę, nadzieję, miłość itp.

Teatr szkolno-kościelny Pochodzący z Kijowa szkolny teatr kościelny zaczął pojawiać się w innych miastach: Moskwie, Smoleńsku, Jarosławiu, Tobolsku, Połocku, Twerze, Rostowie, Czernigowie i in. Dorastając w murach szkoły teologicznej, dokonał teatralizacji obrzędów kościelnych: liturgii, nabożeństw Wielkiego Tygodnia, Bożego Narodzenia, Wielkanocy i innych. Powstały w warunkach rodzącego się życia mieszczańskiego teatr szkolny po raz pierwszy na naszej ziemi oddzielił aktora i scenę od widza i widowni i po raz pierwszy doprowadził do określonego obrazu scenicznego zarówno dla dramatopisarza, jak i teatru. aktor.

Teatr dworski Powstanie teatru dworskiego w Rosji wiąże się z imieniem cara Aleksieja Michajłowicza. Czas jego panowania wiąże się z ukształtowaniem się nowej ideologii nastawionej na poszerzanie stosunków dyplomatycznych z Europą. Orientacja na europejski styl życia doprowadziła do wielu zmian w życiu rosyjskiego dworu. I. Rozanow. Portret założyciela pierwszego teatru dworskiego Artamona Siergiejewicza Matwiejewa

Teatr dworski. Próba zorganizowania pierwszego teatru dworskiego przez Aleksieja Michajłowicza sięga 1660 r.: na „liście” zamówień i zakupów dla cara Aleksiej Michajłowicz wpisał angielskiego kupca Hebdon z zadaniem „Wezwać państwo moskiewskie z ziem niemieckich mistrzowie robienia komedii.” Jednak ta próba zakończyła się niepowodzeniem; Pierwsze przedstawienie rosyjskiego teatru dworskiego odbyło się dopiero w maju 1672 r. Car wydał dekret, w którym pułkownik Nikołaj von Staden (przyjaciel bojara Matwiejewa) otrzymał polecenie poszukiwania za granicą ludzi, którzy mogliby „grać komedie”.

Przedstawienia teatru dworskiego stały się jedną z ulubionych rozrywek na moskiewskim dworze. Było 26 rosyjskich aktorów. Chłopcy odgrywali role kobiece. W rolę Estery w przedstawieniu Artakserksesa wcielił się syn Blumentrosta. Zarówno obcokrajowcy, jak i aktorzy rosyjscy kształcili się w szkole specjalnej, którą otwarto 21 września 1672 roku na dziedzińcu domu Grzegorza w osadzie niemieckiej. Kształcenie studentów rosyjskich i cudzoziemskich okazało się trudne i w drugiej połowie 1675 roku zaczęły działać dwie szkoły teatralne: na dworze polskim – dla obcokrajowców, w Meszczańskiej Słobodzie – dla Rosjan.

Teatr Dworski Powstanie pierwszego teatru dworskiego zbiegło się z narodzinami Piotra I (1672), który jako dziecko oglądał ostatnie przedstawienia tego teatru. Po wstąpieniu na tron i rozpoczęciu ogromnego dzieła europeizacji Rosji Piotr I nie mógł powstrzymać się od zwrócenia się do teatru jako środka promującego swoje innowacyjne idee polityczne i społeczne.

Teatr Pietrowski Teatr Pietrowski Od końca XVII wieku. W Europie modne stały się maskarady, co spodobało się młodemu Piotrowi I. W 1698 roku ubrany w strój chłopa fryzyjskiego wziął udział w maskaradzie wiedeńskiej. Piotr postanowił spopularyzować swoje reformy i innowacje poprzez sztukę teatralną. Planował zbudować w Moskwie teatr, ale nie dla wybranych, ale otwarty dla wszystkich. W latach 1698–1699 w Moskwie działała trupa teatru lalek, na której czele stał Jan Spławski, do której Piotr w 1701 r. polecił zapraszać komediantów z zagranicy. W 1702 roku do Rosji przybyła trupa Johanna Kunsta.

Powstanie teatru publicznego (publicznego) Po wstąpieniu na tron Elżbiety Pietrowna w 1741 r. kontynuowano wprowadzanie teatru europejskiego. Na dworze gościły zagraniczne zespoły – włoskie, niemieckie, francuskie, a wśród nich dramat, opera i balet oraz komedia dell'arte. W tym samym okresie położono podwaliny pod narodowy rosyjski teatr zawodowy, to za panowania Elżbiety przyszły „ojciec teatru rosyjskiego” Fiodor Wołkow studiował w Moskwie, biorąc udział w przedstawieniach bożonarodzeniowych i chłonąc doświadczenia tournée Europejskie zespoły.

Teatry w placówkach oświatowych W połowie XVIII w. w placówkach oświatowych organizowano teatry (1749 - petersburski korpus szlachecki, 1756 - Uniwersytet Moskiewski), rosyjskie przedstawienia teatralne organizowano w Petersburgu (organizator I. Łukin), w Moskwie (organizatorzy K. Baykulov, urzędnicy na czele z Chalkowem i Głuszkow, „mistrz spraw atramentowych” Iwanow i inni), w Jarosławiu (organizatorzy N. Serow, F. Wołkow). W 1747 r. Miało miejsce kolejne ważne wydarzenie: napisano pierwszą tragedię poetycką - Khorev A. Sumarokovej.

Narodowy teatr publiczny Wszystko to stwarza warunki do powstania narodowego teatru publicznego. W tym celu w 1752 r. wezwano trupę Wołkowa z Jarosławia do Petersburga. Do korpusu szlacheckiego wybierani są utalentowani aktorzy amatorzy - A. Popow, I. Dmitrevsky, F. i G. Volkov, G. Emelyanov, P. Ivanov itp. Wśród nich są cztery kobiety: A. Musina-Puszkina, A. Michajłowa, siostry M. i O. Ananyev.

Teatr Pietrowski Teatr Pietrowski Pod rządami Piotra I początek przedstawień na Syberii rozpoczął metropolita tobolski Filofei Leshchinsky. W rękopiśmiennej kronice z 1727 roku czytamy: „Filofeusz był miłośnikiem przedstawień teatralnych, tworzył komedie wspaniałe i bogate, podczas gdy w komedii dla kolekcjonera powinien być widzem, wówczas on, pan, wykonał dzwony katedralne dla zbiór czci, a teatry znajdowały się pomiędzy Katedrą a kościołami św. Sergiusza i były transportowane, dokąd szli ludzie. Innowację metropolity Filoteusza kontynuowali jego następcy, niektórzy z nich byli studentami Akademii Kijowskiej.

Teatr pod rządami Anny Ioannovny Anna Ioannovna wydawała ogromne sumy na różne uroczystości, bale, maskarady, przyjęcia dla ambasadorów, sztuczne ognie, iluminacje i procesje teatralne. Na jej dworze odrodziła się kultura klaunów, kontynuując tradycje „siedzących” bufonów - miała gigantów i krasnoludów, błaznów i petard. Najbardziej znaną uroczystością teatralną był „ciekawy” ślub błazna księcia Golicyna z kałmucką petardą Buzheninovą w Lodowym Domu 6 lutego 1740 r.

Stały teatr publiczny Pierwszy rosyjski stały teatr publiczny został otwarty w 1756 roku w Petersburgu, w Domu Gołowkinów. Do aktorów przeszkolonych w Korpusie Gentry dodano wielu aktorów z jarosławskiej trupy F. Wołkowa, w tym aktora komiksowego Ya. Shumsky. Na czele teatru stał Sumarokow, którego tragedie klasycystyczne stanowiły podstawę repertuaru. Pierwsze miejsce w trupie zajął Wołkow, który zastąpił Sumarokowa na stanowisku dyrektora, i zajmował to miejsce aż do swojej śmierci w 1763 r. (teatr ten w 1832 r. otrzyma imię Aleksandryjskie – na cześć żony Mikołaja I.)

Utworzenie teatru dramatycznego Pierwsze publiczne przedstawienia w Moskwie datuje się na rok 1756, kiedy to studenci gimnazjum uniwersyteckiego pod kierunkiem swojego dyrektora, poety M. Cheraskowa, utworzyli w murach uniwersytetu trupę teatralną. Na występy zapraszani byli przedstawiciele najwyższych sfer Moskwy. W 1776 r. Na bazie dawnego zespołu uniwersyteckiego utworzono teatr dramatyczny, który otrzymał nazwę Pietrowski (znany również jako Teatr Medox). Teatry Bolszoj (opera i balet) i Mały (dramat) w Rosji wywodzą swoje korzenie z tego teatru.

Historia Teatru Małego Teatr Mały jest najstarszym teatrem w Rosji. Jego trupa powstała na Uniwersytecie Moskiewskim w 1756 roku, zaraz po słynnym dekrecie cesarzowej Elżbiety Pietrowna, który zapoczątkował narodziny teatru zawodowego w naszym kraju: Nakazaliśmy teraz utworzenie teatru rosyjskiego do wystawiania komedii i tragedii. Dom kupca Vargina, w którym w 1824 roku otwarto Teatr Mały

Historia Teatru Małego W 1824 roku Bove przebudował rezydencję kupca Vargina na teatr, a część dramatyczna moskiewskiej trupy Teatru Cesarskiego otrzymała własny budynek na placu Pietrowskiej (obecnie Teatralnaya) i własną nazwę - Mały Teatr. W 1824 r. Bove przebudował rezydencję kupca Vargina na teatr, a część dramatyczna moskiewskiej trupy Teatru Cesarskiego otrzymała własny budynek na placu Pietrowskiej (obecnie Teatralnaya) i własną nazwę - Teatr Mały. Budynek Moskiewskiego Teatru Małego, fotografia z lat 90. XIX wieku

Teatr epoki sentymentalizmu Okres klasycyzmu w Rosji nie trwał długo – kształtowanie się sentymentalizmu rozpoczęło się w połowie lat sześćdziesiątych XVIII wieku. Pojawiły się „Łzawe komedie” W. Łukińskiego, M. Wieriewkina, M. Kheraskowa, opera komiczna i dramat mieszczański. Umocnieniu tendencji demokratycznych w teatrze i dramacie sprzyjało zaostrzenie sprzeczności społecznych w okresie wojny chłopskiej 1773–1775 oraz tradycje teatru ludowego. Zatem, zdaniem współczesnych, Szumski stosował techniki gry zbliżone do technik bufonów. Opracowywana jest komedia satyryczna - Minor D. Fonvizina

Teatry forteczne Do końca XVIII wieku. teatry pańszczyźniane stają się powszechne. Na treningi z aktorami zapraszano tu specjalistów teatralnych – aktorów, choreografów, kompozytorów. Niektóre teatry pańszczyźniane (Szeremietiew w Kuskowie i Ostankinie, Jusupow w Archangielsku) bogactwem swoich przedstawień przewyższały teatry państwowe. Na początku XIX wieku. właściciele niektórych teatrów pańszczyźnianych zaczynają przekształcać je w przedsiębiorstwa komercyjne (Szachowski i in.). Z teatrów pańszczyźnianych wywodziło się wielu znanych rosyjskich aktorów, których często zwalniano za wypożyczenie do grania w teatrach „wolnych” – m.in. na scenie imperialnej (M. Szczepkin, L. Nikulina-Kositskaya i in.). Tancerz teatru twierdzy

Teatr na przełomie wieków Ogólnie proces powstawania teatru zawodowego w Rosji w XVIII wieku. zakończył się. Następny wiek XIX stał się okresem szybkiego rozwoju wszystkich kierunków teatru rosyjskiego. Teatr Ermitaż, zbudowany na zlecenie Katarzyny Wielkiej w r

Teatr rosyjski w XIX wieku Teatr rosyjski w XIX wieku Zagadnienia związane z rozwojem teatru na samym początku XIX wieku. omawiano na spotkaniach Wolnego Towarzystwa Miłośników Literatury, Nauki i Sztuki. Zwolennik Radiszczowa I. Pnin w książce Doświadczenie oświecenia w relacji do Rosji (1804) argumentował, że teatr powinien przyczyniać się do rozwoju społeczeństwa. Po drugie, aktualność dramatów patriotycznych wystawianych w tym okresie, pełnych nawiązań do sytuacji współczesnej (Edyp w Atenach i Dmitrij Donskoj W. Ozerowa, sztuki F. Schillera i W. Szekspira), przyczyniła się do powstania romantyzmu. Oznacza to, że ustanowiono nowe zasady gry aktorskiej, chęć zindywidualizowania postaci scenicznych, ujawnienia ich uczuć i psychologii.

W pierwszej ćwierci XIX wieku teatr został podzielony na dwa zespoły. Nastąpiło pierwsze oficjalne wydzielenie rosyjskiego teatru dramatycznego na odrębny kierunek (wcześniej zespół dramatyczny współpracował z zespołem operowo-baletowym, a ci sami aktorzy często występowali w przedstawieniach różnych gatunków). W 1824 roku dawny Teatr Medox został podzielony na dwa zespoły - trupę dramatyczną (Teatr Mały) i trupę operowo-baletową (Teatr Bolszoj). Teatr Mały otrzyma oddzielny budynek. (W Petersburgu trupa dramatyczna została oddzielona od trupy muzycznej w 1803 r., Ale przed przeniesieniem się do osobnego budynku Teatru Aleksandryjskiego w 1836 r. Nadal współpracowała z trupą operowo-baletową Teatru Maryjskiego.)

Teatr Aleksandryjski Dla Teatru Aleksandryjskiego, druga połowa XIX wieku. okazał się trudniejszym okresem. Pomimo indywidualnych inscenizacji sztuk Ostrowskiego, I. Turgieniewa, A. Sukhovo-Kobylina, A. Pisemskiego, z woli Dyrekcji Teatrów Cesarskich, główną podstawą repertuaru w tym czasie był wodewil i dramat pseudoludowy. W skład trupy wchodziło wielu utalentowanych artystów, których nazwiska zapisały się w historii rosyjskiego teatru: A. Martynow, P. Wasiliew, W. Asenkowa, E. Gusiewa, Ju. Linskaja, W. Samoiłow, a później do końca XIX w. wiek. – P. Strepetova, V. Komissarzhevskaya, M. Dalsky, K. Varlamov, M. Savina, V. Strelskaya, V. Dalmatov, V. Davydov itd. Jednak każdy z tych genialnych aktorów pojawił się jakby sam, grając gwiazdy nie utworzyły zespołu scenicznego. Ogólnie rzecz biorąc, stan Teatru Aleksandryjskiego w tamtym czasie nie był godny pozazdroszczenia: reżyserzy trupy ciągle się zmieniali, nie było silnego kierunku, wzrosła liczba premier, a czas prób został skrócony.

Największy teatr operowo-baletowy w Rosji, jeden z najstarszych teatrów muzycznych w naszym kraju. Pochodzi z Teatru Kamiennego (Bolszoj), otwartego w 1783 roku. W nowoczesnym budynku (odbudowanym po pożarze Teatru Cyrkowego) istnieje od 1860 roku i wtedy otrzymał nową nazwę – Teatr Maryjski.

Teatr na przełomie wieków Okresem szybkiego rozwoju i szybkiego rozkwitu teatru rosyjskiego był przełom XIX i XX wieku. Czas ten był punktem zwrotnym dla całego teatru światowego: pojawił się nowy zawód teatralny – reżyser, a w związku z tym ukształtowała się zasadniczo nowa estetyka teatru reżyserskiego. W Rosji tendencje te ujawniły się szczególnie wyraźnie. Był to okres bezprecedensowego rozwoju całej sztuki rosyjskiej, który później stał się znany jako srebrny wiek. A teatr dramatyczny – obok poezji, malarstwa, scenografii, baletu – pojawił się w ogromnej różnorodności kierunków estetycznych, skupiając uwagę światowej społeczności teatralnej.

Teatr rosyjski na przełomie XIX i XX wieku Teatr rosyjski na przełomie XIX i XX wieku Aby spojrzeć na Rosję na przełomie XIX i XX wieku. w centrum światowych osiągnięć teatralnych wystarczyłby sam K. Stanisławski ze swoimi oszałamiającymi nowatorskimi pomysłami i Moskiewski Teatr Artystyczny stworzony przez niego wraz z W. Niemirowiczem-Danczenką (1898). Mimo że Moskiewski Teatr Artystyczny otworzył sztukę Car Fiodor Ioannovich A.K. Tołstoja, sztandarem nowego teatru była tajemnicza, nie do końca ujawniona dramaturgia A. Czechowa. Nic dziwnego, że na kurtynie Moskiewskiego Teatru Artystycznego wisi mewa, która nawiązuje do tytułu jednej z najlepszych sztuk Czechowa i stała się symbolem teatru. Ale jedną z głównych zasług Stanisławskiego dla teatru światowego jest kształcenie utalentowanych studentów, którzy wchłonęli doświadczenie jego systemu teatralnego i rozwinęli je dalej w najbardziej nieoczekiwanych i paradoksalnych kierunkach (uderzającymi przykładami są V. Meyerhold, M. Czechow, E. Wachtangow).

WERA FEDOROVNA KOMissarzhevskaya W Petersburgu „kluczową postacią” tamtych czasów była W. Komissarzhevskaya. Po debiucie na scenie Teatru Aleksandryjskiego w 1896 roku (wcześniej grała w amatorskich przedstawieniach Stanisławskiego) aktorka niemal natychmiast zdobyła gorącą miłość publiczności. Jej własny teatr, który stworzyła w 1904 roku, odegrał ogromną rolę w ukształtowaniu się genialnej galaktyki rosyjskiej reżyserii. W Teatrze Komissarzhevskaya w latach 1906–1907 Meyerhold po raz pierwszy na stołecznej scenie ustanowił zasady teatru konwencjonalnego (później kontynuował swoje eksperymenty w teatrach cesarskich – Aleksandryńskim i Maryjskim, a także w szkole Teniszewskiego i w teatrze studio teatralne przy ulicy Borodińskiej)

Moskiewski Teatr Artystyczny Moskiewski Teatr Artystyczny W Moskwie centrum życia teatralnego stanowił Moskiewski Teatr Artystyczny. Zgromadziła się tam znakomita konstelacja aktorów, którzy grali w przedstawieniach, które przyciągały ogromną liczbę widzów: O. Knipper, I. Moskvin, M. Lilina, M. Andreeva, A. Artem, V. Kachałow, M. Czechow i in. Wielu ukształtowały się tu trendy nowoczesnej reżyserii: oprócz Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki były to dzieła L. Sulerżyckiego, K. Mardzhanova, Wachtangowa; Na produkcję przybył także światowej sławy G. Craig. Moskiewski Teatr Artystyczny położył podwaliny pod nowoczesną scenografię: w pracę nad jego spektaklami zaangażowani byli M. Dobuzhinsky, N. Roerich, A. Benois, B. Kustodiew i inni. Moskiewski Teatr Artystyczny w tamtym czasie faktycznie zdeterminował całe życie artystyczne Moskwa, m.in. – i rozwój małych form teatralnych; Najpopularniejszy moskiewski teatr kabaretowy „Nietoperz” powstaje na podstawie skeczy Moskiewskiego Teatru Artystycznego.

Teatr rosyjski po 1917 r. Nowy rząd zrozumiał wagę sztuki teatralnej: 9 listopada 1917 r. Rada Komisarzy Ludowych wydała dekret o przekazaniu wszystkich teatrów rosyjskich pod jurysdykcję wydziału artystycznego Państwowej Komisji Oświaty. A 26 sierpnia 1919 roku ukazał się dekret o nacjonalizacji teatrów, po raz pierwszy w historii Rosji teatr całkowicie stał się sprawą państwową (w starożytnej Grecji taką politykę państwa prowadzono już w V wieku p.n.e.) . Tytuły akademickie otrzymują czołowe teatry: w 1919 r. - Teatr Mały, w 1920 r. - Moskiewski Teatr Artystyczny i Teatr Aleksandryjski (przemianowany na Piotrogrodzki Państwowy Akademicki Teatr Dramatyczny). Otwierają się nowe teatry. W Moskwie – III Studio Moskiewskiego Teatru Artystycznego (1920, później Teatr Wachtangowa); Teatr Rewolucji (1922, później - Teatr Majakowskiego); Teatr MGSPS (1922, dziś – Teatr Mossovet); Moskiewski Teatr dla Dzieci (1921, od 1936 - Centralny Teatr Dziecięcy). W Piotrogrodzie – Teatr Dramatyczny Bolszoj (1919); GOSET (1919, od 1920 przenosi się do Moskwy); Teatr dla Młodej Widzów (1922).

Teatr im. Jewgienija Wachtangowa Historia Teatru im. Jewgienija Wachtangowa. Wachtangow zaczął na długo przed swoimi narodzinami. Pod koniec 1913 roku grupa bardzo młodych osiemnastu do dwudziestu moskiewskich studentów zorganizowała Studenckie Studio Dramatyczne, decydując się na studiowanie sztuki teatralnej według systemu Stanisławskiego.

Teatr lat 30. Nowy okres teatru rosyjskiego rozpoczął się w 1932 roku dekretem Komitetu Centralnego Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików „W sprawie restrukturyzacji organizacji literackich i artystycznych”. Główną metodę w sztuce uznano za metodę socrealizmu. Czas artystycznych eksperymentów dobiegł końca, choć nie oznacza to, że kolejne lata nie przyniosły nowych osiągnięć i sukcesów w rozwoju sztuki teatralnej. Tyle, że zawęziło się „terytorium” dozwolonej sztuki, zatwierdzono przedstawienia niektórych ruchów artystycznych – z reguły realistyczne. Pojawiło się także dodatkowe kryterium oceny: ideologiczne i tematyczne. I tak na przykład bezwarunkowym osiągnięciem teatru rosyjskiego od połowy lat trzydziestych XX wieku stały się przedstawienia tzw. „Leninianie”, w którym na scenę wprowadzono wizerunek W. Lenina (Człowiek z bronią w Teatrze Wachtangowa, w roli Lenina - B. Szczekina; Prawda w Teatrze Rewolucji, w roli Lenina - M. Strauch i inni). Wszelkie przedstawienia oparte na sztukach „twórcy socrealizmu” M. Gorkiego były praktycznie skazane na sukces. Nie oznacza to, że każde spójne ideowo przedstawienie było złe, po prostu kryteria artystyczne (a czasem sukces publiczności) w państwowej ocenie przedstawień przestały być decydujące.

Teatr lat 30. Dla wielu rosyjskich pracowników teatralnych lata 30. (i druga połowa lat 40., kiedy trwała polityka ideologiczna) stały się tragedią. Jednak teatr rosyjski nadal się rozwijał. Pojawiły się nowe nazwiska reżyserów: A. Popow, Y. Zavadsky, R. Simonov, B. Zakhava, A. Dikiy, N. Okhlopkov, L. Vivien, N. Akimov, N. Gerchakov, M. Kedrov, M. Knebel, V. Sachnowski, B. Suszkiewicz, I. Bersenew, A. Bryantsev, E. Radlov i in. Nazwiska te kojarzone były głównie z Moskwą i Leningradem oraz szkołą reżyserską czołowych teatrów w kraju. Jednak sławne są także dzieła wielu reżyserów w innych miastach Związku Radzieckiego: N. Sobolshchikov-Samarin (Gorky), N. Sinelnikov (Charków), I. Rostowcew (Jarosław), A. Kanin (Ryazan), V. Bityutsky (Swierdłowsk), N. Pokrowski (Smoleńsk, Gorki, Wołgograd) itp.
Teatr podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej rosyjskie teatry skupiały się głównie na tematyce patriotycznej. Napisane w tym okresie sztuki (Inwazja L. Leonowa, Front A. Kornejczuka, Facet z naszego miasta i Naród rosyjski K. Simonowa) oraz sztuki o tematyce historycznej i patriotycznej (Piotr I A.N. Tołstoja, feldmarszałek Kutuzow) wystawiane były na gradacja
Teatr w okresie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Lata 1941–1945 miały dla życia teatralnego Rosji i Związku Radzieckiego jeszcze jedną konsekwencję: znaczny wzrost poziomu artystycznego teatrów prowincjonalnych. Ewakuacja teatrów w Moskwie i Leningradzie oraz ich praca na peryferiach tchnęła nowe życie w lokalne teatry, przyczyniła się do integracji sztuk performatywnych i wymiany twórczych doświadczeń.

Teatr rosyjski w latach 1950–1980 Teatr rosyjski w latach 1950–1980 Wielu aktorów leningradzkich wniosło wielki wkład w powstanie rosyjskiej sztuki teatralnej: I. Gorbaczow, N. Simonow, Y. Tolubeev, N. Czerkasow, B. Freundlich, O. Lebzak , L. Shtykan, N. Burow i inni (Teatr Puszkina); D. Barkov, L. Dyachkov, G. Zhzhenov, A. Petrenko, A. Ravikovich, A. Freundlich, M. Boyarsky, S. Migitsko, I. Mazurkevich i inni (Teatr Lensovet); W. Jakowlew, R. Gromadski, E. Ziganszina, W. Tykke i inni (Teatr Lenina Komsomola); T. Abrosimova, N. Boyarsky, I. Krasko, S. Landgraf, Y. Ovsyanko, V. Osobik i inni (Teatr Komissarzhevskaya); E. Junger, S. Filippov, M. Svetin i inni (Teatr Komedia); L. Makariev, R. Lebedev, L. Sokolova, N. Ławrow, N. Iwanow, A. Khochinsky, A. Shuranova, O. Volkova i inni (Teatr Młodych Widzów); N. Akimova, N. Ławrow, T. Szestakowa, S. Bechteriew, I. Iwanow, W. Osipczuk, P. Semak, I. Sklyar i inni (MDT, znany także jako Teatr Europy). Teatr Armii Rosyjskiej TEATR ARMII ROSYJSKIEJ jest pierwszym profesjonalnym teatrem dramatycznym w systemie Ministerstwa Obrony Narodowej. Do 1946 roku nosił nazwę Teatru Armii Czerwonej, następnie przemianowano go na Teatr Armii Radzieckiej (później Centralny Akademicki Teatr Armii Radzieckiej). Od 1991 – Centralny Teatr Akademicki Armii Rosyjskiej. TEATR WOJSKA ROSYJSKIEGO jest pierwszym profesjonalnym teatrem dramatycznym w systemie Ministerstwa Obrony Narodowej. Do 1946 roku nosił nazwę Teatru Armii Czerwonej, następnie przemianowano go na Teatr Armii Radzieckiej (później Centralny Akademicki Teatr Armii Radzieckiej). Od 1991 – Centralny Teatr Akademicki Armii Rosyjskiej.

Teatr Armii Rosyjskiej W latach 1930–1931 Teatrem Armii Czerwonej kierował Yu.A. Zawadski. Tutaj wystawił jedno z najwybitniejszych przedstawień ówczesnej Moskwy, Mścisław Śmiały I. Prut. W teatrze istniała pracownia, jej absolwenci wstępowali do trupy. W 1935 roku teatrem kierował A.D. Popow, którego nazwa wiąże się z powstaniem Teatru Armii Czerwonej. Architekt K.S. Alabyan stworzył projekt wyjątkowego budynku teatralnego - w kształcie pięcioramiennej gwiazdy, z dwiema widowniami (Wielka Sala na 1800 miejsc), z obszerną sceną, charakteryzującą się niespotykaną dotychczas głębią, z wieloma zaadaptowanymi salami na warsztaty, obsługę teatrów, sale prób. Budynek został wybudowany do 1940 roku, do tego czasu teatr wystawiał przedstawienia w Sali Czerwonego Sztandaru Domu Armii Czerwonej i odbywał długie tournée.

Teatr rosyjski okresu poradzieckiego Teatr rosyjski okresu poradzieckiego Zmiana formacji politycznej na początku lat 90. i długi okres ruiny gospodarczej radykalnie zmieniły życie rosyjskiego teatru. Pierwszemu okresowi osłabienia (a potem i zniesienia) kontroli ideologicznej towarzyszyła euforia: teraz można wszystko zainscenizować i pokazać widzowi. Po zniesieniu centralizacji teatrów organizowano masowo nowe grupy teatralno-studiowe, przedsiębiorstwa itp. Niewiele z nich przetrwało jednak w nowych warunkach – okazało się, że oprócz dyktatu ideologicznego istnieje dyktat widza: publiczność będzie oglądać tylko to, co chce. A jeśli w warunkach państwowego finansowania teatru zapełnienie widowni nie jest zbyt ważne, to przy samowystarczalności pełna sala na sali jest najważniejszym warunkiem przetrwania.

Teatr dzisiaj Współczesny teatr rosyjski pod względem liczby i różnorodności nurtów estetycznych kojarzony jest z epoką srebrną. Reżyserzy tradycyjnych stylów teatralnych współistnieją z eksperymentatorami. Wraz z uznanymi mistrzami - P. Fomenko, V. Fokin, O. Tabakov, R. Viktyuk, M. Levitin, L. Dodin, A. Kalyagin, G. Volchek, K. Ginkas, G. Yanovskaya, G. Trostyanetsky odnoszą sukcesy pracujący I. Raikhelgauz, K. Raikin, S. Artsibashev, S. Prokhanov, S. Vragova, A. Galibin, V. Pazi, G. Kozlov, a także jeszcze młodsi i radykalni twórcy awangardy: B. Yukhananov, A. Praudin, A.Moguchiy, V.Kramer, Klim i inni.

Teatr dzisiaj W okresie poradzieckim zarysy reformy teatru zmieniły się radykalnie, przesunęły się głównie w obszar finansowania grup teatralnych, potrzeby wsparcia państwa dla kultury w ogóle, a teatrów w szczególności itp. Możliwa reforma budzi różnorodne opinie i gorącą debatę. Pierwszym etapem tej reformy był dekret rządu rosyjskiego z 2005 roku w sprawie dodatkowego finansowania szeregu teatrów i edukacyjnych instytucji teatralnych w Moskwie i Sankt Petersburgu. Jednak do systematycznego opracowania programu reformy teatru jeszcze daleka droga. Wciąż nie jest jasne, co to będzie.

Historia teatru rosyjskiego

Wstęp

Historia teatru rosyjskiego dzieli się na kilka głównych etapów. Początkowy, zabawny etap ma swój początek w społeczeństwie klanowym i kończy się w XVII wieku, kiedy wraz z nowym okresem w historii Rosji rozpoczyna się nowy, bardziej dojrzały etap rozwoju teatru, którego kulminacją jest utworzenie stałego państwowego profesjonalisty Teatr w 1756 r.

Terminy „teatr” i „dramat” weszły do słownika rosyjskiego dopiero w XVIII wieku. Pod koniec XVII w. w użyciu było określenie „komedia”, a przez całe stulecie – „zabawa” (Poteshny Chulan, Komnata Zabawna). Wśród mas termin „teatr” poprzedzał termin „hańba”, termin „dramat” - „gra”, „gra”. W rosyjskim średniowieczu powszechne były definicje z nimi równoznaczne - „demoniczne” lub „szatańskie” gry bufonów. Rozrywką nazywano także wszelkiego rodzaju cuda przywożone przez cudzoziemców w XVI – XVII wieku, a także sztuczne ognie. Zabawą nazywano także działalność militarną młodego cara Piotra I. Termin „gra” jest bliski określeniu „gra” („gry bufonowe”, „gry biesiadne”). W tym sensie zarówno wesela, jak i mumiki nazywano „grami”, „grami”. „Gra” ma zupełnie inne znaczenie w odniesieniu do instrumentów muzycznych: gra na tamburynach, pociąganie nosem itp. Terminy „gra” i „gra” w odniesieniu do dramatu ustnego przetrwały wśród ludzi aż do XIX – XX wieku.

Sztuka ludowa

Teatr rosyjski powstał w czasach starożytnych. Jej korzenie sięgają sztuki ludowej – rytuałów, świąt związanych z pracą. Z biegiem czasu rytuały straciły swoje magiczne znaczenie i zamieniły się w zabawę performatywną. Narodziły się w nich elementy teatru – akcja dramatyczna, gra aktorska, dialog. Następnie najprostsze zabawy zamieniły się w dramaty ludowe; powstały w procesie zbiorowej twórczości i utrwaliły się w pamięci ludzi, przechodząc z pokolenia na pokolenie.

W procesie swego rozwoju gry różnicowały się, rozbijając na pokrewne, a zarazem coraz bardziej oddalające się od siebie odmiany – na dramaty, rytuały, gry. Łączyło ich tylko to, że wszyscy odzwierciedlali rzeczywistość i stosowali podobne metody ekspresji - dialog, śpiew, taniec, muzyka, przebranie, aktorstwo, aktorstwo.

Gry zaszczepiły zamiłowanie do dramatycznej kreatywności.

Gry były pierwotnie bezpośrednim odzwierciedleniem organizacji społeczności klanowej: miały charakter tańca okrągłego i chóru. W okrągłych zabawach tanecznych twórczość chóralna i dramatyczna zostały organicznie połączone. Piosenki i dialogi zawarte w grach pomogły scharakteryzować obrazy gier. Uroczystości masowe miały także charakter zabawowy, przypadały na wiosnę i nazywano je „Rusaliami”. W XV w. treść pojęcia „Rusalii” definiowano następująco: demony w ludzkiej postaci. A moskiewski „Azbukovnik” z 1694 r. definiuje już rusalię jako „zabawy bufonów”.

Sztuka teatralna narodów naszej Ojczyzny ma swój początek w rytuałach i grach, działaniach rytualnych. W okresie feudalizmu sztukę teatralną uprawiały z jednej strony „masy ludowe”, z drugiej zaś feudalna szlachta i odpowiednio różnicowano bufonów.

W 957 r. wielka księżna Olga zapoznała się z teatrem w Konstantynopolu. Freski kijowskiej katedry św. Zofii z ostatniej tercji XI wieku przedstawiają występy na hipodromie. Pierwsza wzmianka o bufonach pojawia się w kronikach w roku 1068.

Ruś Kijowska słynęła z trzech typów teatrów: dworskiego, kościelnego i ludowego.

Bufonada

Najstarszym „teatrem” były zabawy aktorów ludowych – bufonów. Błazenada jest zjawiskiem złożonym. Bufony uważano za rodzaj czarowników, ale jest to błędne, ponieważ bufony, uczestnicząc w rytuałach, nie tylko nie wzmacniały swojego religijno-magicznego charakteru, ale wręcz przeciwnie, wprowadzały doczesne, świeckie treści.

Każdy mógł zażartować, czyli śpiewać, tańczyć, żartować, odgrywać skecze, grać na instrumentach muzycznych i odgrywać rolę, czyli portretować jakąś osobę lub stworzenie. Ale tylko ci, których sztuka wyróżniała się kunsztem ponad poziom sztuki mas, stali się i byli nazywani utalentowanymi bufonami.

Równolegle z teatrem ludowym rozwijała się profesjonalna sztuka teatralna, której nosicielami na starożytnej Rusi byli bufony. Pojawienie się teatru lalek na Rusi kojarzy się z błazeńskimi zabawami. Pierwsza kronikarska informacja o błaznach zbiega się z pojawieniem się na ścianach katedry kijowsko-zoficznej fresków przedstawiających występy błaznów. Kronikarz mnich nazywa bufony sługami diabłów, a artysta malujący ściany katedry uznał za możliwe umieszczenie ich wizerunku w dekoracjach kościołów wraz z ikonami. Błazny kojarzono z masami, a jednym z ich rodzajów sztuki była „ponura”, czyli satyra. Skomorochowie nazywani są „szydercami”, czyli szydercami. Kpina, kpina, satyra nadal będą mocno kojarzone z bufonami.

Światowa sztuka bufonów była wroga ideologii kościelnej i klerykalnej. O nienawiści duchowieństwa do sztuki bufonów świadczą przekazy kronikarskie („Opowieść o minionych latach”). Nauka Kościoła z XI-XII wieku głosi, że mumy, do których uciekają się błazny, są również grzechem. Bufony szczególnie dotkliwie prześladowano w latach jarzma tatarskiego, kiedy w Kościele zaczęto intensywnie głosić ascetyczny tryb życia. Żadne prześladowania nie wykorzeniły wśród ludu sztuki bufonady. Wręcz przeciwnie, rozwijał się pomyślnie, a jego satyryczne ukłucie stało się ostrzejsze.

Na starożytnej Rusi znane były rzemiosła związane ze sztuką: malarze ikon, jubilerzy, rzeźbiarze w drewnie i kościach, skrybowie książek. Do ich grona należeli błazny, będące „przebiegłymi”, „mistrzami” śpiewu, muzyki, tańca, poezji, dramatu. Ale uważano ich jedynie za artystów, miłośników rozrywki. Ich sztuka była ideologicznie związana z masami ludowymi, z rzemieślnikami, którzy zwykle byli przeciwni masom rządzącym. To czyniło ich umiejętności nie tylko bezużytecznymi, ale z punktu widzenia panów feudalnych i duchowieństwa ideologicznie szkodliwymi i niebezpiecznymi. Przedstawiciele Kościoła chrześcijańskiego umieszczali bufony obok mędrców i czarowników. W rytuałach i grach nadal nie ma podziału na wykonawców i widzów; brakuje im rozwiniętej fabuły i przekształcenia w obrazy. Pojawiają się w dramacie ludowym, przesiąkniętym dotkliwymi motywami społecznymi. Pojawienie się teatrów publicznych o tradycji ustnej wiąże się z dramatem ludowym. Aktorzy tych teatrów ludowych (błazny) wyśmiewali władzę, duchowieństwo, bogatych i ze współczuciem okazywali zwykłych ludzi. Przedstawienia teatru ludowego opierały się na improwizacji i obejmowały pantomimę, muzykę, śpiew, taniec i występy kościelne; performerzy używali masek, makijażu, kostiumów i rekwizytów.

Charakter występów bufonów początkowo nie wymagał łączenia ich w duże grupy. Do wykonania baśni, epopei, pieśni i gry na instrumencie wystarczył tylko jeden wykonawca. Skomorochowie opuszczają swoje rodzinne strony i wędrują po ziemi rosyjskiej w poszukiwaniu pracy, przenosząc się ze wsi do miast, gdzie służą nie tylko wsiom, ale także mieszczanom, a czasem nawet dworom książęcym.

Bufony angażowały się także w ludowe przedstawienia dworskie, które mnożyły się pod wpływem znajomości Bizancjum i jego życia dworskiego. Gdy na dworze moskiewskim urządzono Komnatę Zabawną (1571) i Izbę Zabawną (1613), błazny znalazły się w pozycji nadwornych błaznów.

Występy bufonów łączyły różne rodzaje sztuk: dramatyczną, kościelną i popową.

Kościół chrześcijański przeciwstawiał ludowe zabawy i sztukę bufonów sztuce rytualnej, nasyconej elementami religijnymi i mistycznymi.

Występy bufonów nie przekształciły się w teatr zawodowy. Nie było warunków do powstania trup teatralnych – wszak władze prześladowały błaznów. Kościół prześladował także bufonów, zwracając się o pomoc do władz świeckich. Przeciw błaznom wysłano Kartę Klasztoru Trójcy-Sergiusza z XV wieku i Kartę z początku XVI wieku. Kościół uparcie stawiał bufonów na równi z nosicielami pogańskiego światopoglądu (mędrcy, czarownicy). A mimo to występy bufonów nadal żyły, rozwijał się teatr ludowy.

Jednocześnie Kościół podjął wszelkie kroki, aby utwierdzić swoje wpływy. Znalazło to wyraz w rozwoju dramatu liturgicznego. Niektóre dramaty liturgiczne dotarły do nas wraz z chrześcijaństwem, inne - w XV wieku wraz z nowo przyjętym uroczystym statutem „wielkiego kościoła” („Procesja do zamiatania”, „Umywanie nóg”).

Pomimo stosowania form teatralnych i rozrywkowych, cerkiew rosyjska nie stworzyła własnego teatru.

W XVII wieku Symeon z Połocka (1629-1680) próbował stworzyć artystyczny dramat literacki na bazie dramatu liturgicznego, ale próba ta okazała się odosobniona i bezowocna.

XVII-wieczne teatry

W XVII wieku rozwinęły się pierwsze dramaty ustne, proste w fabule, odzwierciedlające powszechne nastroje. Komedia lalkowa o Pietruszce (początkowo nazywał się Vanka-Ratatouille) opowiadała o przygodach sprytnego, wesołego człowieka, który nie bał się niczego na świecie. Teatr prawdziwie pojawił się w XVII wieku – teatr dworski i szkolny.

Teatr Dworski

Powstanie teatru dworskiego spowodowane było zainteresowaniem szlachty dworskiej kulturą zachodnią. Teatr ten pojawił się w Moskwie za czasów cara Aleksieja Michajłowicza. Prawykonanie sztuki „Akt Artakserksesa” (historia biblijnej Estery) odbyło się 17 października 1672 r. Teatr dworski początkowo nie miał własnej siedziby, scenografię i kostiumy przenoszono z miejsca na miejsce. Pierwsze przedstawienia inscenizował pastor Grzegorz z Osiedla Niemieckiego, a aktorami byli także obcokrajowcy. Później zaczęto na siłę przyciągać i szkolić rosyjską „młodzież”. Otrzymywali nieregularne wynagrodzenie, ale nie szczędzili na dekoracjach i strojach. Występy odznaczały się wielką pompą, której czasami towarzyszyła gra na instrumentach muzycznych i taniec. Po śmierci cara Aleksieja Michajłowicza teatr dworski został zamknięty, a przedstawienia wznowiono dopiero pod okiem Piotra I.

Teatr szkolny

Oprócz teatru dworskiego, w Rosji w XVII w. rozwinął się także teatr szkolny przy Akademii Słowiańsko-Grecko-Łacińskiej, w seminariach i szkołach teologicznych we Lwowie, Tyflisie i Kijowie. Sztuki pisali nauczyciele, a uczniowie inscenizowali tragedie historyczne, dramaty alegoryczne bliskie cudom europejskim, sidehows – satyryczne sceny z życia codziennego, w których toczył się protest przeciwko ustrojowi społecznemu. Szkolne przedstawienia teatralne położyły podwaliny pod gatunek komedii w dramacie narodowym. Początkami teatru szkolnego był słynny działacz polityczny i dramaturg Symeon Połocki.

Pojawienie się teatrów szkół dworskich rozszerzyło sferę życia duchowego społeczeństwa rosyjskiego.

Teatr z początku XVIII wieku

Na rozkaz Piotra I w 1702 roku utworzono Teatr Publiczny, przeznaczony dla masowego społeczeństwa. Specjalnie dla niego na Placu Czerwonym w Moskwie zbudowano budynek - „Świątynię Komediową”. Występowała tam niemiecka trupa J. H. Kunsta. W repertuarze znajdowały się sztuki zagraniczne, które nie cieszyły się uznaniem publiczności, a teatr przestał istnieć w 1706 roku wraz z wygaśnięciem dotacji Piotra I.

Wniosek

Nową kartę w historii sztuk performatywnych narodów naszej Ojczyzny otworzyły teatry pańszczyźniane i amatorskie. Istniejące od końca XVIII wieku zespoły pańszczyźniane wystawiały wodewil, opery komiczne i balety. Na bazie teatrów pańszczyźnianych w wielu miastach powstały prywatne przedsiębiorstwa. Rosyjska sztuka teatralna miała korzystny wpływ na kształtowanie się profesjonalnego teatru narodów naszej Ojczyzny. W skład zespołów pierwszych teatrów zawodowych wchodzili utalentowani amatorzy – przedstawiciele demokratycznej inteligencji.

Teatr w Rosji w XVIII wieku zyskał ogromną popularność, stał się własnością szerokich mas, kolejną publicznie dostępną sferą duchowej aktywności ludzi.

Rosyjska twórczość teatralna wywodzi się z epoki prymitywnego ustroju komunalnego i w większym stopniu niż malarstwo i architektura kojarzona jest ze sztuką ludową. Gruntem, na którym pojawiły się jego początkowe elementy, była działalność produkcyjna Słowian, którzy w obrzędach ludowych i świętach przekształcili ją w złożony system sztuki dramatycznej.

W krajach słowiańskich teatr folklorystyczny istnieje do dziś. Wesela, pogrzeby, święta rolnicze to złożone rytuały, trwające czasem kilka dni i szeroko wykorzystujące takie elementy teatralne, jak akcja dramatyczna, śpiew, taniec, kostium, scenografia (ubieranie swata, panny młodej, tańce okrągłe, zabawy rytualne lub rozrywkowe itp.) . Starożytni Słowianie odzwierciedlali także święto zmartwychwstania martwej natury, charakterystyczne dla światowego pogaństwa.

Po przyjęciu chrześcijaństwa rola zabaw ludowych w życiu społeczeństwa znacznie spadła (kościół prześladował pogaństwo). Niemniej jednak teatralna sztuka ludowa przetrwała aż do XX wieku. Początkowo jego nosicielami byli bufony. Podczas zabaw ludowych odbywały się popularne „zabawy z mamą” i występy „umarłych” z „uczonym niedźwiedziem”. Teatr Ludowy dał Teatrowi Pietruszki.

Ulubionymi przedstawieniami lalkowymi na Rusi były szopki, później rajki (Ukraina), a na południu i zachodzie batleyki (Białoruś). Przedstawienia te odbywały się za pomocą drewnianej skrzynki podzielonej na górną i dolną kondygnację. Na ostatnim piętrze poważna część spektaklu została odegrana na temat biblijnej opowieści o narodzinach Chrystusa i króla Heroda. Na parterze pokazywano codzienne sceny komiczne i satyryczne, podobnie jak w Teatrze Pietruszka. Stopniowo zmniejszono część poważną szopki, a powiększono część drugą, uzupełnioną nowymi scenami komiksowymi oraz zmieniono szopkę z dwupoziomowej na jednopoziomową.

Do XVII wieku w Rosji teatralność była organicznym składnikiem rytuałów ludowych, świąt kalendarzowych i inscenizowanych tańców okrągłych. Jego elementy zostały włączone do nabożeństwa kościelnego i to tutaj, wraz z nasileniem się zasady świeckiej w społeczeństwie rosyjskim, zaczął powstawać profesjonalny teatr.

Początkowo powstały akcje liturgiczne. Są to dość złożone przedstawienia teatralne, których celem jest wzmocnienie oddziaływania nabożeństw i gloryfikowanie jedności państwa i władzy kościelnej. Powszechnie znane są „akt w jaskini” (inscenizacja masakry chrześcijan dokonanej przez króla Nabuchodonozora) i „jazda na osiołku” (rekonstrukcja fabuły biblijnej w Niedzielę Palmową).

Teatry dworskie i szkolne XVII wieku przyczyniły się do dalszego rozwoju teatru w Rosji. Już za cara Aleksieja Michajłowicza uroczystości dworskie, przyjęcia i ceremonie zaczęto dekorować z dużą dozą teatralności - wyraziście i wspaniale. Pierwszy rosyjski teatr zawodowy, Świątynia Komedii, był teatrem dworskim i należał do regulowanych przez cara „przedstawień rozrywkowych”. Na jej czele stanął w 1662 r. I. Grzegorz, magister teologii, proboszcz i kierownik szkoły przy luterańskim kościele oficerskim na niemieckiej osadzie moskiewskiej. Sam budynek został otwarty w 1672 roku we wsi Preobrażenskoje z przedstawieniem „Akcja Artakserksesa”.

Powstanie teatru szkolnego na Rusi wiąże się z rozwojem oświaty szkolnej. W Europie Zachodniej powstał w XII wieku w szkołach humanistycznych jako rodzaj techniki pedagogicznej i początkowo służył jedynie celom edukacyjnym. Pomagał uczniom opanować w formie gry różnorodne wiadomości: język łaciński i opowieści biblijne, poezję i oratorium. W XVI w. możliwości duchowego oddziaływania teatru szkolnego zaczęto wykorzystywać do celów religijnych i politycznych: Luter w walce z katolikami, jezuici – z luteranizmem i prawosławiem. W Rosji szkoła teatr był wykorzystywany przez prawosławie w walce z wpływami rzymskokatolickimi. Jego powstaniu ułatwił mnich, absolwent Akademii Kijowsko-Mohylańskiej, osoba wykształcona, polityk, pedagog i poeta Symeon z Połocka. W 1664 przybył do Moskwy i został nauczycielem dzieci królewskich na dworze. W zbiorze jego dzieł „Rytmologion” ukazały się dwie sztuki – „Komedia o królu Nowhudonosorze, o złotym ciele i o trzech młodzieńcach, którzy nie zostali spaleni w jaskini” oraz komedia „Przypowieść o synu marnotrawnym”.

Sztuki S. Połockiego ze swej natury przeznaczone są dla teatru dworskiego. Swoimi zasługami górują nad ówczesnymi przedstawieniami szkolnymi i antycypują rozwój teatru XVIII wieku. Zatem funkcjonowanie „świątyni komedii” i pojawienie się pierwszych profesjonalnych dzieł dramatycznych S. Połockiego było początkiem historycznie koniecznego i naturalnego procesu opanowywania dorobku światowej kultury teatralnej w Rosji.

Symeon z Połocka był nie tylko utalentowanym poetą i dramaturgiem. W światowej kulturze artystycznej odegrał znaczącą rolę jako największy słowiański teoretyk sztuki, rozważając problemy twórczości artystycznej – literatury, muzyki, malarstwa. Jako teolog zauważył, że sztuka reprezentuje najwyższą twórczość duchową. Zajmował się poezją, muzyką i malarstwem.

Interesujące są estetyczne i edukacyjne poglądy S. Połockiego na sztukę. Mnich argumentował, że sztuka piękna „przynosi ludziom korzyści duchowe i duchowe”. Według jego rozumowania nie ma poezji, malarstwa, muzyki bez harmonii, proporcji i rytmu. Bez sztuki nie ma edukacji, gdyż poprzez jej wpływ na ludzką duszę negatywne emocje zostają zastąpione uczuciami pozytywnymi. Dzięki pięknu muzyki i słów niezadowoleni stają się cierpliwi, leniwi stają się ciężko pracującymi, głupi stają się mądrymi, brudni stają się czystego serca.

S. Połocki stworzył pierwszą na Słowiańszczyźnie klasyfikację sztuk pięknych, podnosząc malarstwo do rangi Siedmiu Wolnych Sztuk. To samo tyczy się muzyki. Uzasadnił jego walory estetyczne i udowodnił konieczność w kościele śpiewu polifonicznego w harmonijnym połączeniu głosów. Trybowo-tonalna różnorodność muzyki, jak zauważył S. Połocki, podyktowana jest jej funkcją edukacyjną.

blog.site, przy kopiowaniu materiału w całości lub w części wymagany jest link do oryginalnego źródła.

Slajd 1

Od okrągłego tańca do stoiska Miejska placówka oświatowa Gimnazjum nr 8, wieś Siewieromorsk - 3, obwód murmański

Slajd 2

Slajd 3

W dawnych czasach taniec okrągły był popularną zabawą ludową na Rusi. Odzwierciedlał różnorodne zjawiska życiowe. Były tańce okrągłe: miłosne, wojskowe, rodzinne, zawodowe... Znamy trzy rodzaje tańców okrągłych:

Slajd 4

W okrągłych zabawach tanecznych zasady chóralne i dramatyczne zostały organicznie połączone. Takie zabawy rozpoczynały się zazwyczaj piosenkami „kompozytowymi”, a kończyły piosenkami „składanymi”, a utwory te wyróżniały się wyraźnym rytmem. Następnie, wraz ze zmianami w strukturze społeczności klanowej, zmieniły się także okrągłe zabawy taneczne. Pojawili się wokaliści (luminarze) i performerzy (aktorzy). Zwykle było nie więcej niż trzech aktorów. Podczas gdy chór śpiewał piosenkę, odgrywał jej treść. Istnieje opinia, że to właśnie ci aktorzy stali się założycielami pierwszych błaznów.

Slajd 5

Taniec rosyjski jest integralną częścią ludowych zabaw i uroczystości. Zawsze była związana z piosenką. To właśnie to połączenie było jednym z głównych środków wyrazu teatru ludowego. Od czasów starożytnych rosyjski taniec ludowy opierał się z jednej strony na śmiałości rywalizujących ze sobą partnerów, a z drugiej na jedności i płynności ruchów.

Slajd 6

Taniec rosyjski narodził się z pogańskich rytuałów. Po XI wieku, wraz z pojawieniem się zawodowych aktorów bufonów, zmienił się także charakter tańca. Bufony miały rozwiniętą technikę tańca; Powstały różne odmiany tancerzy bufonów. Nie zabrakło tancerzy bufonów, którzy nie tylko tańczyli, ale także wykonywali za pomocą tańca pantomimę, najczęściej o charakterze improwizowanym. Pojawiły się tancerki, najczęściej były to żony bufonów. Taniec rosyjski

Slajd 7

Taniec zajmował duże miejsce w różnych formach teatru. Brał udział nie tylko w zabawach i uroczystościach, ale także w przedstawieniach kukiełkowego Pietruszki i często wypełniał przerwy między aktami szkolnego dramatu. Wiele tradycji tańca rosyjskiego przetrwało do dziś.

Slajd 8

Przewodniki z niedźwiedziami wzmiankowane są w źródłach już od XVI w., choć możliwe, że pojawiły się znacznie wcześniej. Pełen szacunku stosunek do tej bestii powstał w czasach pogańskich. Niedźwiedź jest przodkiem. Jest symbolem zdrowia, płodności, dobrobytu, jest silniejszy od złych duchów.

Slajd 9

Wśród bufonów niedźwiedź był uważany za żywiciela rodziny, jej pełnoprawnego członka. Takich artystów nazywano po imieniu i patronimie: Michajło Potapych lub Matryona Iwanowna. Przewodnicy w swoich przedstawieniach przedstawiali zazwyczaj życie zwykłych ludzi, a przerywniki dotyczyły różnorodnych tematów codziennych. Właściciel pytał np.: „A jak, Misza, małe dzieci chodzą kraść groszek?” - lub: „Jak kobiety powoli wędrują do pracy swojego pana?” - i bestia pokazała wszystko. Na koniec występu niedźwiedź wykonał kilka zapamiętanych ruchów, a właściciel je skomentował.

Slajd 10

„Komedia o niedźwiedziu” w XIX wieku składała się z trzech głównych części: po pierwsze, tańca niedźwiedzia z „kozą” (kozę przedstawiał zwykle chłopiec, który zakładał na głowę worek; kij z głową kozła i rogi przekłuto przez worek od góry, do głowy przyczepiono drewniany język, którego trzepotanie wydawało straszny dźwięk), potem nastąpił występ zwierzęcia przy żartach przewodnika, a potem jego walka z „ koza” lub właściciel. Pierwsze opisy takich komedii pochodzą z XVIII wieku. Łowisko to istniało przez długi czas, aż do lat 30-tych ubiegłego wieku.

Slajd 11

Od czasów starożytnych w wielu krajach Europy na Boże Narodzenie zwyczajem było ustawianie pośrodku kościoła żłóbka z figurkami Matki Boskiej, Dzieciątka, pasterza, osła i byka. Stopniowo zwyczaj ten przekształcił się w rodzaj przedstawienia teatralnego, które za pomocą lalek opowiadało słynne legendy ewangelii o narodzinach Jezusa Chrystusa, kulcie Trzech Króli i okrutnym królu Herodzie. Przedstawienie bożonarodzeniowe rozprzestrzeniło się szeroko w krajach katolickich, zwłaszcza w Polsce, skąd rozprzestrzeniło się na Ukrainę, Białoruś, a następnie w nieco zmodyfikowanej formie do Willikorosii.

Slajd 12

Kiedy zwyczaj bożonarodzeniowy wyszedł poza kościół katolicki, zyskał nazwę szopki (starosłowiańskiej i staroruskiej – jaskinia). Był to teatr lalek. Wyobraź sobie pudełko podzielone wewnątrz na dwie kondygnacje. Pudełko kończyło się u góry dachem, otwartą stroną zwróconą w stronę publiczności. Na dachu znajduje się dzwonnica. Za szybą umieszczono na nim świecę, która paliła się w trakcie przedstawienia, nadając akcji magiczny, tajemniczy charakter. Lalki do szopki robiono z drewna lub szmat i mocowano na drążku. Dolna część pręta była trzymana przez lalkarza, dzięki czemu lalki poruszały się, a nawet obracały. Sam lalkarz był ukryty za pudłem. Na piętrze jaskini rozgrywały się sceny biblijne, na parterze - codzienne: codzienne, komediowe, czasem towarzyskie. A zestaw lalek na dolne piętro był zwyczajny: mężczyźni, kobiety, diabły, Cyganie, żandarmi i prosty człowiek zawsze okazywał się sprytniejszy i mądrzejszy od żandarma. To z szopki narodził się tak popularny wśród ludzi Teatr Pietruszki.

Slajd 13

Każdy będzie tańczył, ale nie jak błazen” – mówi rosyjskie przysłowie. Rzeczywiście, wielu ludzi umiało grać w gry, ale nie każdy mógł być zawodowym błaznem. Ulubionym zawodowym błaznem ludzi był aktor teatru lalek, a najpopularniejszą komedią o Pietruszce. Pietruszka to ulubiony bohater zarówno błaznów dających przedstawienie, jak i publiczności. Jest odważnym śmiałkiem i tyranem, który w każdej sytuacji zachowuje poczucie humoru i optymizm. Zawsze oszukiwał bogatych i urzędników państwowych, a jako protestujący cieszył się poparciem publiczności.

Slajd 14

W takim przedstawieniu teatralnym jednocześnie (według liczby rąk lalkarza) grało dwóch bohaterów: Pietruszka i lekarz, Pietruszka i policjant. Spiski były najczęstsze: Pietruszka wychodzi za mąż, kupuje konia itp. Zawsze brał udział w sytuacji konfliktowej, a represje Pietruszki były dość brutalne, ale opinia publiczna nigdy go za to nie potępiła. Pod koniec przedstawienia Pietruszkę często spotykała „kara niebiańska”. Najpopularniejszy teatr lalek w Pietruszce powstał w XVII wieku.

Slajd 15

Od końca XVIII w. na jarmarku często można było zobaczyć jaskrawo ubranego mężczyznę niosącego zdobioną szkatułkę (rayok) i głośno krzyczącego: „Chodźcie tu ze mną pisać, uczciwi ludzie, zarówno chłopcy, jak i dziewczęta, młodzi mężczyźni i kobiety, i kupcy, i kupczyki, i urzędnicy, i kościelni, i urzędnicy, i próżniacy biesiadujący. Pokażę Ci różne obrazki: zarówno panów, jak i panów w owczych skórach, a ty z uwagą słuchasz dowcipów i różnych dowcipów, jesz jabłka, obgryzasz orzechy, oglądasz zdjęcia i dbasz o kieszenie. Oszukają cię. Rayoka

Slajd 16

Rajek przyjechał do nas z Europy i wraca do wielkich panoram. Historyk sztuki D. Rovinsky w swojej książce „Russian Folk Pictures” opisuje to w następujący sposób: „Stojak to małe pudełko o wysokości łuku we wszystkich kierunkach, z dwoma szkłami powiększającymi z przodu. Wewnątrz długi pas z wizerunkami różnych miast, wspaniałych ludzi i wydarzeń przewija się od jednego lodowiska do drugiego. Widzowie „po groszu” patrzą w szybę. Rayoshnik przesuwa obrazy i opowiada historie o każdym nowym numerze, często bardzo skomplikowanym.

Slajd 17

Raek był bardzo popularny wśród ludzi. Można było w nim zobaczyć panoramę Konstantynopola i śmierci Napoleona, kościół św. Piotra w Rzymie i Adama z rodziną, bohaterami, krasnoludkami i dziwakami. Co więcej, raeshnik nie tylko pokazywał zdjęcia, ale komentował ukazane na nich wydarzenia, często krytykując władzę i istniejący porządek, jednym słowem dotykając najpilniejszych problemów. Rayek istniał jako jarmark do końca XIX wieku.

Slajd 18

Żaden jarmark w XVIII wieku nie odbył się bez stoiska. Ulubionymi spektaklami tamtej epoki stały się kabiny teatralne. Stawiane były tuż przy placu, a po sposobie udekorowania straganu od razu można było zrozumieć, czy jego właściciel był bogaty, czy biedny. Zwykle budowano je z desek, dach szyto z płótna lub lnu.

Slajd 19

Wewnątrz znajdowała się scena i kurtyna. Zwykli widzowie siedzieli na ławkach i podczas przedstawienia zajadali się różnymi słodyczami, naleśnikami, a nawet kapuśniakiem. Później w budkach pojawiła się prawdziwa widownia ze straganami, lożami i orkiestronem. Zewnętrzną stronę budek ozdobiono girlandami, szyldami, a gdy pojawiło się oświetlenie gazowe, lampami gazowymi. Trupa składała się zazwyczaj z aktorów zawodowych i podróżujących. Dawali sobie do pięciu przedstawień dziennie. W budce teatralnej można było zobaczyć arlekinadę, sztuczki magiczne i pokazy towarzyszące. Występowali tu piosenkarze, tancerze i po prostu „dziwaczni” ludzie. Popularny był mężczyzna pijący ognisty płyn czy „afrykański kanibal” zjadający gołębie. Kanibalem był zwykle artysta wysmarowany smołą, a gołąb był pluszowym zwierzęciem z torbą żurawin. Naturalnie zwykli ludzie zawsze z niecierpliwością czekali na jarmark z jego teatralną farsą.

Slajd 20

Odbywały się także przedstawienia cyrkowe, których aktorzy byli „prawdziwymi fachowcami”. Yu Dmitriev w książce „Cyrk w Rosji” przytacza wiadomość o przybyciu komików z Holandii, którzy „chodzą po linie, tańczą, skaczą w powietrzu, po schodach, nie trzymając się niczego, grają na skrzypcach, i podczas spaceru po schodach niesamowicie tańczą.” Skaczą wysoko i robią inne niesamowite rzeczy”. Przez długie lata swojego istnienia kabiny zmieniały się i pod koniec XIX wieku niemal na zawsze zniknęły z historii rosyjskiego teatru.

Slajd 21

1672 - rozpoczęły się występy nadwornej trupy cara Aleksieja Michajłowicza. Artamon Matwiejew rozkazał „wystawić komedię”, „i za tę akcję zorganizować chorominę”. 17 października we wsi Preobrażenskoje odbyło się pierwsze przedstawienie

Slajd 22