पश्चिमी संगीतकार. शास्त्रीय संगीत कलाकार

रूस प्रतिभाओं से समृद्ध है। लगभग सभी प्रकार की कलाओं में आप हमारे हमवतन लोगों के नाम पा सकते हैं, जो सर्वत्र जाने जाते हैं। शास्त्रीय संगीत के पहले रूसी संगीतकारों ने 19वीं शताब्दी में रचना शुरू की और ग्लिंका मिखाइल इवानोविच उनके पूर्वज बन गए। उसके साथ हम अपनी समीक्षा शुरू करेंगे।

ग्लिंका मिखाइल इवानोविच (20.05 (01.06) 1804 - 03 (15.02.1857)

मिखाइल ग्लिंका पोलिश कुलीन वर्ग के वंशज थे। उनके परदादा विक्टोरिन व्लादिस्लाव ग्लिंका, राष्ट्रमंडल में स्मोलेंस्क शहर (1654 में) हारने के बाद, रूढ़िवादी में परिवर्तित हो गए और रूसी नागरिकता के तहत चले गए, जबकि उनकी भूमि और सभी महान विशेषाधिकार बरकरार रहे। संगीतकार के पिता सेवानिवृत्त कप्तान इवान निकोलाइविच ग्लिंका थे, उनकी मां एवगेनिया एंड्रीवाना ग्लिंका-ज़ेमेल्का थीं। भावी संगीतकार अपनी दादी फ़ेक्ला एंड्रीवाना (पिता की माँ) से बहुत प्रभावित थे, जिन्होंने 6 साल की उम्र तक लड़के की परवरिश की जिम्मेदारी संभाली। जब मिखाइल 10 साल का था, तो राजधानी से एक शिक्षक वी.एफ. को उसके पास आमंत्रित किया गया था। क्लैमर, जिन्होंने उन्हें वायलिन और पियानो बजाना सिखाना शुरू किया। 13 साल की उम्र में, ग्लिंका ने राजधानी के नोबल बोर्डिंग स्कूल में पढ़ाई शुरू की, जहां उन्होंने कार्ल ज़ेनर और जॉन फील्ड जैसे शिक्षकों से निजी संगीत की शिक्षा लेना जारी रखा।

बोर्डिंग स्कूल से स्नातक होने के बाद, ग्लिंका ने संगीत का अध्ययन जारी रखा। उसी समय, वह अपनी पहली रचनाएँ लिखते हैं। इस अवधि के सबसे प्रसिद्ध रोमांस हैं "मुझे अनावश्यक रूप से मत ललचाओ", "गाओ मत, सौंदर्य, मेरे साथ", आदि। 1823 में काकेशस की यात्रा ने संगीतकार के काम पर अपनी छाप छोड़ी - "फ़ारसी कोरस", लिखा गया ओपेरा "रुस्लान और ल्यूडमिला" के लिए, अज़रबैजानी लोक गीतों में से एक के आधार पर बनाया गया था। इटली की एक और यात्रा (विशेष रूप से, संगीत संस्कृति का केंद्र मिलान) और वी. बेलिनी और जी. डोनिज़ेट्टी जैसे प्रसिद्ध संगीतकारों से परिचित होने से इतालवी शैली में संगीत कार्यों का निर्माण हुआ। मिखाइल ग्लिंका को पहली बड़ी सफलता 1836 में मिली, जब राजधानी के बोल्शोई थिएटर के मंच पर इवान सुसैनिन के पराक्रम का वर्णन करते हुए ओपेरा ए लाइफ फॉर द ज़ार का मंचन किया गया। उनकी न केवल जनता ने, बल्कि स्वयं सम्राट ने भी सराहना की। संगीतकार का बाद का रचनात्मक जीवन बहुत घटनापूर्ण था। उन्होंने सिम्फनी, ओवरचर, रोमांस, सोनाटा बनाए। एम.आई. की मृत्यु हो गई. 1857 में बर्लिन में ग्लिंका। रूसी शास्त्रीय संगीत के विकास में इस संगीतकार के योगदान को कम करके आंकना मुश्किल है। वी. स्टासोव के अनुसार, ग्लिंका ने संगीत में एक नई रूसी भाषा का निर्माण किया, जैसा कि पुश्किन ने कविता में किया था।

त्चैकोव्स्की प्योत्र इलिच (25.04 (07.05) 1840 - 25.10 (06.11) 1893)

प्योत्र त्चिकोवस्की का संगीत के प्रति प्रेम संयोग से प्रकट नहीं हुआ। युवावस्था में उनके पिता को बांसुरी बजाने का शौक था, और उनकी माँ वीणा, पियानो बजाना जानती थीं और इसके अलावा, अच्छा गाती थीं। जब पीटर 5 साल का था, तो उसे पियानो बजाना सिखाया गया और 12 साल की उम्र में लड़के ने स्कूल ऑफ लॉ में प्रवेश लिया। वह एक मेहनती छात्र थे और उन्होंने 1859 में अधिकांश विषयों में उत्कृष्ट अंकों के साथ स्नातक की उपाधि प्राप्त की। अध्ययन के वर्षों के दौरान, पीटर 1855-1858 में पियानो बजाने में भी लगे रहे। उनके शिक्षक रुडोल्फ कुंडिटर थे। स्नातक स्तर की पढ़ाई के वर्ष में, त्चिकोवस्की ने न्याय विभाग में सेवा करना शुरू किया, लेकिन बहुत लंबे समय तक वहां काम नहीं किया।

1861 में, उन्होंने रशियन म्यूज़िकल सोसाइटी के म्यूज़िकल क्लास में अपनी पढ़ाई शुरू की, और 1863 में ही उन्होंने खुद को पूरी तरह से अपनी पढ़ाई और संगीत करियर के लिए समर्पित करने के लिए विभाग में सेवा छोड़ दी। इस निर्णय में उन्हें उनके पिता का समर्थन प्राप्त था, जिसके लिए त्चिकोवस्की उनके बहुत आभारी थे। स्नातक स्तर की पढ़ाई के बाद, त्चिकोवस्की ने व्यापक रूप से यात्रा की और अपने कार्यों पर काम किया। उन्होंने विभिन्न शैलियों में संगीत की रचना की - ओपेरा, बैले, सिम्फनी, पियानो लघुचित्र, आदि। प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की की कृतियाँ, जिसने उन्हें पूरी दुनिया में प्रसिद्ध बना दिया:

• स्वान लेक बैले";
• बैले "स्लीपिंग ब्यूटी";
• ओपेरा "यूजीन वनगिन";
• ओपेरा "द नटक्रैकर";
• ओपेरा हुकुम की रानी।

रिमस्की-कोर्साकोव निकोलाई एंड्रीविच (06 (18). 03. 1844 - 08 (21. 06. 1908)

रिमस्की-कोर्साकोव की संगीत क्षमताएं बहुत पहले ही दिखने लगीं थीं। छह साल की उम्र में, उन्हें पियानो बजाना सिखाया गया और 11 साल की उम्र में उन्होंने अपनी पहली रचनाएँ लिखना शुरू कर दिया। लेकिन संगीत के प्रति उनकी रुचि के बावजूद, दस साल की उम्र में, निकोलाई को नौसेना कोर में अध्ययन के लिए भेजा गया, जहां से उन्होंने 1862 में सम्मान के साथ स्नातक की उपाधि प्राप्त की। अपनी पढ़ाई के दौरान, लड़के ने संगीत का अध्ययन जारी रखा और मई 1862 तक उसकी पहली सिम्फनी का पहला भाग लगभग पूरा हो गया था। आगे की सेवा, जो अल्माज़ क्लिपर जहाज (1862-1865) पर हुई, ने रिमस्की-कोर्साकोव को संगीत में गंभीरता से शामिल होने की अनुमति नहीं दी। लेकिन कई देशों की यात्रा के साथ इस तीन साल की यात्रा ने उन्हें छापों से भर दिया, जो बाद में कुछ कार्यों में शामिल हुईं। नौसेना सेवा छोड़कर, निकोलाई ने प्रसिद्ध संगीतकार एम.ए. के मंडली के साथ एक बाधित संपर्क स्थापित किया। बालाकिरेव, पी.आई. से मिलते हैं। त्चिकोवस्की और ए.पी. बोरोडिन।

बाद के वर्षों में, फर्स्ट सिम्फनी पर काम जारी रखते हुए, उन्होंने रूसी थीम्स पर ओवरचर, सर्बियाई फैंटेसी, सेकेंड सिम्फनी और कई रोमांस जैसे काम लिखे। रिमस्की-कोर्साकोव की प्रतिभा इतनी स्पष्ट थी कि, विशेष शिक्षा की कमी के बावजूद, उन्हें प्रोफेसर के रूप में सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी में आमंत्रित किया गया था, और 1874 में निकोलाई एंड्रीविच फ्री म्यूजिक स्कूल के प्रमुख बन गए। संगीत सिखाने और लिखने के अलावा, उन्होंने सिम्फनी संगीत कार्यक्रमों और ओपेरा प्रदर्शनों के संचालक के रूप में भी काम किया। रिमस्की-कोर्साकोव ने परियों की कहानियों को समर्पित कई रचनाएँ बनाईं। ये ओपेरा हैं द स्नो मेडेन, द नाइट बिफोर क्रिसमस, सैडको। उनके आखिरी ओपेरा, द गोल्डन कॉकरेल को दिखाने पर प्रतिबंध लगा दिया गया था और संगीतकार की मृत्यु के एक साल बाद ही इसका मंचन किया गया था।

राचमानिनोव सर्गेई वासिलीविच (20.03 (01.04) 1873 - 03/28/1943)

राचमानिनॉफ़ ने बचपन से ही संगीत में रुचि दिखाई। पहले से ही 4 साल की उम्र में, उन्होंने पियानो बजाना सीखना शुरू कर दिया था (पहली शिक्षिका संगीतकार की माँ थीं)। 9 साल की उम्र में, लड़के ने मॉस्को कंज़र्वेटरी (जूनियर विभाग) में प्रवेश किया, लेकिन तीन साल बाद उसके माता-पिता ने उसे मॉस्को बोर्डिंग स्कूल में स्थानांतरित करने का फैसला किया। उसी समय, राचमानिनोव ने तुरंत जूनियर विभाग के तीसरे वर्ष में मॉस्को कंज़र्वेटरी में प्रवेश किया। यहां प्रशिक्षण बहुत प्रभावी एवं सार्थक सिद्ध हुआ। इन वर्षों के दौरान, राचमानिनॉफ़ ने न केवल एक पियानोवादक के रूप में, बल्कि एक संगीतकार के रूप में भी प्रसिद्धि प्राप्त की। राचमानिनॉफ़ (ओपेरा "एलेको") के डिप्लोमा कार्य को पी.आई. द्वारा बहुत सराहा गया। त्चैकोव्स्की। बाद के वर्षों में, संगीतकार ने एक शिक्षक, कंडक्टर के रूप में काम किया और साथ ही संगीत भी लिखा। संगीतकार के जीवन में सब कुछ सहज नहीं था। 1897 में फर्स्ट सिम्फनी के प्रीमियर के बाद उन्हें पहली बड़ी असफलता मिली। यह काम जनता को समझ में नहीं आया और इसे संगीत समीक्षकों से सबसे कम रेटिंग मिली।

20वीं सदी के पहले दशक में, राचमानिनॉफ़ ने दूसरे और तीसरे पियानो कॉन्सर्टोस पर काम किया, यूरोप में बड़े पैमाने पर यात्रा की, अमेरिका और कनाडा का दौरा किया, एक पियानोवादक और कंडक्टर के रूप में स्थानीय दर्शकों के सामने प्रदर्शन किया। दुर्भाग्य से, रूस में सक्रिय रूप से सामने आए क्रांतिकारी आंदोलन के संबंध में, राचमानिनोव को अपनी मातृभूमि छोड़नी पड़ी। उन्होंने संगीत कार्यक्रम देकर पैसा कमाया। लगभग 1926 तक उन्होंने कोई गंभीर रचना नहीं लिखी। जाहिरा तौर पर, लंबा रचनात्मक संकट उनके देश के लिए एक मजबूत लालसा से जुड़ा था, जिसे उन्हें छोड़ना पड़ा। और केवल वर्षों बाद, चौथा कॉन्सर्टो और सिम्फोनिक नृत्य रचनाओं के खजाने में दिखाई दिए।

शोस्ताकोविच दिमित्री दिमित्रिच (12 (25)। 11.1906 - 08.09.1975)

सोवियत काल का यह संगीतकार बचपन से ही संगीत से परिचित था। उनकी माँ पहली पियानो शिक्षिका थीं। प्रसिद्ध संगीतकार एन.ए. द्वारा ओपेरा "द टेल ऑफ़ ज़ार साल्टन" देखने के बाद लड़के में संगीत कैरियर के लिए खुद को समर्पित करने के गंभीर इरादे दिखाई दिए। रिमस्की-कोर्साकोव। शोस्ताकोविच ने 1919 में पेत्रोग्राद कंज़र्वेटरी में अध्ययन शुरू किया, 1923 में एक पियानोवादक के रूप में और 1925 में एक संगीतकार के रूप में स्नातक की उपाधि प्राप्त की।

शोस्ताकोविच का रचनात्मक पथ सहज नहीं कहा जा सकता। समय-समय पर, उन्हें गलतफहमी का सामना करना पड़ा, और कभी-कभी अधिकारियों से उत्पीड़न का भी सामना करना पड़ा। लेकिन, इसके बावजूद, उन्हें कई उपाधियों और पुरस्कारों से सम्मानित किया गया, जिसका दावा शास्त्रीय संगीत के अन्य रूसी संगीतकार नहीं कर सकते। यह समाजवादी श्रम का नायक, आरएसएफएसआर का पीपुल्स आर्टिस्ट, लेनिन का आदेश, अक्टूबर क्रांति, श्रम का लाल बैनर और कई अन्य हैं।

हमने 19वीं और 20वीं सदी के शास्त्रीय संगीत के सबसे उत्कृष्ट रूसी संगीतकारों के बारे में बात की, जिन्होंने अपने पीछे सबसे बड़ी सांस्कृतिक विरासत छोड़ी।

1. "सिम्फनी नंबर 5", लुडविग वान बीथोवेन

किंवदंती के अनुसार, बीथोवेन (1770-1827) लंबे समय तक सिम्फनी नंबर 5 का परिचय नहीं दे सके। लेकिन जब वह झपकी लेने के लिए लेटे, तो उन्हें दरवाजे पर दस्तक सुनाई दी, और इसकी लय सुनाई दी दस्तक इस काम का परिचय बन गई। दिलचस्प बात यह है कि सिम्फनी के पहले नोट मोर्स कोड में संख्या 5 या वी से मेल खाते हैं।

2. ओ फोर्टुना, कार्ल ऑर्फ़

संगीतकार कार्ल ऑर्फ़ (1895-1982) इस नाटकीय स्वर कैंटाटा के लिए जाने जाते हैं। यह 13वीं सदी की कविता "कारमिना बुराना" पर आधारित है। यह दुनिया भर में सबसे अधिक बार प्रदर्शित होने वाली शास्त्रीय कृतियों में से एक है।

3. हेलेलुजाह कोरस, जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल

जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल (1685-1759) ने 24 दिनों में ओटोरियो मसीहा लिखा। "हेलेलुजाह" सहित कई धुनों को बाद में इस काम से उधार लिया गया और स्वतंत्र कार्यों के रूप में प्रदर्शित किया जाने लगा। किंवदंती के अनुसार, हैंडेल के दिमाग में स्वर्गदूतों द्वारा बजाया जाने वाला संगीत था। ओटोरियो का पाठ बाइबिल की कहानियों पर आधारित है, हैंडेल ने ईसा मसीह के जीवन, मृत्यु और पुनरुत्थान को दर्शाया है।

4. वाल्किरीज़ की सवारी, रिचर्ड वैगनर

यह रचना ओपेरा "वाल्किरी" से ली गई है, जो रिचर्ड वैगनर (1813-1883) के ओपेरा "रिंग ऑफ द निबेलुंगेन" की श्रृंखला का हिस्सा है। ओपेरा "वाल्किरी" भगवान ओडिन की बेटी को समर्पित है। वैगनर ने इस ओपेरा की रचना करने में 26 साल बिताए, और यह चार ओपेरा की भव्य कृति का केवल दूसरा भाग है।

5. डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू, जोहान सेबेस्टियन बाख

यह संभवतः बाख (1685-1750) का सबसे प्रसिद्ध काम है और अक्सर फिल्मों में नाटकीय दृश्यों के दौरान इसका उपयोग किया जाता है।

6. वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट द्वारा लिटिल नाइट म्यूजिक

क्या आप शास्त्रीय संगीत से परिचित हैं? या क्या आपको लगता है कि यह उबाऊ है? वैनेसा मॅई ने एक बार कहा था:

शास्त्रीय कार्य सरल होते हैं, और सभी सरल कार्य उबाऊ नहीं हो सकते।

और ये सच है..

जोहान सेबेस्टियन बाच

सबसे प्रतिभाशाली संगीतकार ने हार्पसीकोर्ड और ऑर्गन के लिए संगीत लिखा। संगीतकार ने संगीत में कोई नई शैली नहीं बनाई। लेकिन वह अपने समय की सभी शैलियों में पूर्णता लाने में सक्षम थे। वह 1000 से अधिक निबंधों के लेखक हैं। अपने कार्यों में, बाख ने विभिन्न संगीत शैलियों को जोड़ा जिससे वे जीवन भर परिचित रहे। अक्सर संगीतमय रूमानियत को बारोक शैली के साथ जोड़ा जाता था। अपने जीवनकाल के दौरान, जोहान बाख को एक संगीतकार के रूप में वह पहचान नहीं मिली जिसके वे हकदार थे; उनकी मृत्यु के लगभग 100 साल बाद उनके संगीत में रुचि पैदा हुई। आज उन्हें धरती पर अब तक के सबसे महान संगीतकारों में से एक कहा जाता है। एक व्यक्ति, शिक्षक और संगीतकार के रूप में उनकी विशिष्टता उनके संगीत में झलकती थी। बाख ने संगीत के इतिहास को बाख से पहले और बाख के बाद में विभाजित करते हुए आधुनिक और समकालीन संगीत की नींव रखी। एक राय है कि बाख का संगीत उदास और उदास है। उनका संगीत मौलिक और ठोस, संयमित और केंद्रित है। एक परिपक्व, बुद्धिमान व्यक्ति के प्रतिबिंब की तरह। बाख के काम ने कई संगीतकारों को प्रभावित किया है। उनमें से कुछ ने उनके कार्यों से एक उदाहरण लिया या उनसे विषयों का उपयोग किया। और दुनिया भर के संगीतकार बाख का संगीत बजाते हैं, इसकी सुंदरता और पूर्णता की प्रशंसा करते हैं। सबसे कुख्यात कार्यों में से एक "ब्रैंडेनबर्ग कॉन्सर्ट्स" -इस बात का उत्कृष्ट प्रमाण कि बाख के संगीत को बहुत गहरा नहीं माना जा सकता:

वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट

वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट को सही मायनों में एक प्रतिभाशाली व्यक्ति माना जाता है। 4 साल की उम्र में उन्होंने पहले से ही स्वतंत्र रूप से वायलिन और हार्पसीकोर्ड बजाया, 6 साल की उम्र में उन्होंने संगीत रचना शुरू कर दी, और 7 साल की उम्र में उन्होंने प्रसिद्ध संगीतकारों के साथ प्रतिस्पर्धा करते हुए पहले से ही कुशलतापूर्वक हार्पसीकोर्ड, वायलिन और ऑर्गन में सुधार किया। पहले से ही 14 साल की उम्र में, मोजार्ट एक मान्यता प्राप्त संगीतकार थे, और 15 साल की उम्र में वह बोलोग्ना और वेरोना की संगीत अकादमियों के सदस्य थे। स्वभाव से, उनके पास संगीत, स्मृति और सुधार करने की अद्भुत क्षमता थी। उन्होंने आश्चर्यजनक संख्या में कृतियाँ बनाईं - 23 ओपेरा, 18 सोनाटा, 23 पियानो संगीत कार्यक्रम, 41 सिम्फनी और भी बहुत कुछ। संगीतकार नकल नहीं करना चाहता था, उसने संगीत के नए व्यक्तित्व को दर्शाते हुए एक नया मॉडल बनाने की कोशिश की। यह कोई संयोग नहीं है कि जर्मनी में मोजार्ट के संगीत को "आत्मा का संगीत" कहा जाता है, संगीतकार ने अपने कार्यों में अपने ईमानदार, प्रेमपूर्ण स्वभाव की विशेषताएं दिखाईं। महानतम मेलोडिस्ट ने ओपेरा को विशेष महत्व दिया। मोजार्ट के ओपेरा इस प्रकार की संगीत कला के विकास में एक युग हैं। मोजार्ट को व्यापक रूप से सबसे महान संगीतकारों में से एक के रूप में पहचाना जाता है: उनकी विशिष्टता इस तथ्य में निहित है कि उन्होंने अपने समय के सभी संगीत रूपों में काम किया और सभी में सर्वोच्च सफलता हासिल की। सर्वाधिक पहचाने जाने वाले कार्यों में से एक "तुर्की मार्च":

लुडविग वान बीथोवेन

एक अन्य महान जर्मन, लुडविग वान बीथोवेन, रोमांटिक-शास्त्रीय काल की एक महत्वपूर्ण हस्ती थे। जो लोग शास्त्रीय संगीत के बारे में कुछ नहीं जानते वे भी उनके बारे में जानते हैं। बीथोवेन दुनिया में सबसे अधिक प्रदर्शन करने वाले और सम्मानित संगीतकारों में से एक हैं। महान संगीतकार ने यूरोप में हुई भव्य उथल-पुथल को देखा और उसका नक्शा फिर से बनाया। ये महान तख्तापलट, क्रांतियाँ और सैन्य टकराव संगीतकार के काम में, विशेषकर सिम्फनी में परिलक्षित होते हैं। उन्होंने संगीत में वीरतापूर्ण संघर्ष के चित्र उकेरे। बीथोवेन के अमर कार्यों में आप लोगों की स्वतंत्रता और भाईचारे के लिए संघर्ष, अंधेरे पर प्रकाश की जीत में अटूट विश्वास, साथ ही मानव जाति की स्वतंत्रता और खुशी के सपने सुनेंगे। उनके जीवन के सबसे प्रसिद्ध और आश्चर्यजनक तथ्यों में से एक - "एक कान की बीमारी विकसित होकर पूर्ण बहरेपन में बदल गई, लेकिन इसके बावजूद, संगीतकार ने संगीत लिखना जारी रखा। उन्हें सर्वश्रेष्ठ पियानोवादकों में से एक भी माना जाता था। बीथोवेन का संगीत आश्चर्यजनक रूप से सरल और श्रोताओं की व्यापक श्रेणी की समझ के लिए सुलभ है। पीढ़ियाँ बदल जाती हैं, यहाँ तक कि युग भी, लेकिन बीथोवेन का संगीत अभी भी लोगों के दिलों को उत्साहित और प्रसन्न करता है। उनके सर्वोत्तम कार्यों में से एक - "चांदनी सोनाटा":

रिचर्ड वैगनर

महान रिचर्ड वैगनर का नाम अक्सर उनकी उत्कृष्ट कृतियों "वेडिंग कोरस" या से जुड़ा होता है "वैलकिरीस की सवारी"।लेकिन उन्हें सिर्फ संगीतकार के तौर पर ही नहीं, बल्कि एक दार्शनिक के तौर पर भी जाना जाता है. वैगनर ने अपने संगीत कार्यों को एक निश्चित दार्शनिक अवधारणा को व्यक्त करने के तरीके के रूप में देखा। वैगनर के साथ, ओपेरा का एक नया संगीत युग शुरू हुआ। संगीतकार ने ओपेरा को जीवन के करीब लाने की कोशिश की, संगीत उनके लिए केवल एक साधन था। रिचर्ड वैगनर संगीत नाटक के निर्माता, ओपेरा और संचालन की कला के सुधारक, संगीत की हार्मोनिक और मधुर भाषा के प्रर्वतक, संगीत अभिव्यक्ति के नए रूपों के निर्माता हैं। वैगनर दुनिया के सबसे लंबे एकल अरिया के लेखक हैं ( 14 मिनट 46 सेकंड) और दुनिया का सबसे लंबा शास्त्रीय ओपेरा (5 घंटे और 15 मिनट)। अपने जीवनकाल के दौरान, रिचर्ड वैगनर को एक विवादास्पद व्यक्ति माना जाता था जिसे या तो प्यार किया जाता था या नफरत की जाती थी। और अक्सर दोनों एक ही समय में. रहस्यमय प्रतीकवाद और यहूदी-विरोध ने उन्हें हिटलर का पसंदीदा संगीतकार बना दिया, लेकिन उनके संगीत के लिए इज़राइल का रास्ता अवरुद्ध कर दिया। हालाँकि, न तो संगीतकार के समर्थक और न ही विरोधी एक संगीतकार के रूप में उनकी महानता से इनकार करते हैं। पहले नोट्स से, रिचर्ड वैगनर का अद्भुत संगीत आपको पूरी तरह से आत्मसात कर लेता है, विवादों और असहमति के लिए कोई जगह नहीं छोड़ता:

फ्रांज शूबर्ट

ऑस्ट्रियाई संगीतकार फ्रांज शूबर्ट एक संगीत प्रतिभा हैं, जो सर्वश्रेष्ठ गीत संगीतकारों में से एक हैं। जब उन्होंने अपना पहला गीत लिखा तब वह केवल 17 वर्ष के थे। एक दिन में वह 8 गाने लिख सकते थे। अपने रचनात्मक जीवन के दौरान, उन्होंने गोएथे, शिलर और शेक्सपियर सहित 100 से अधिक महान कवियों की कविताओं पर आधारित 600 से अधिक रचनाएँ बनाईं। इसलिए, फ्रांज शुबर्ट शीर्ष 10 में हैं। यद्यपि शूबर्ट का काम बहुत विविध है, शैलियों, विचारों और पुनर्जन्मों के उपयोग के संदर्भ में, उनके संगीत में स्वर-गीत के बोल प्रबल होते हैं और निर्धारित होते हैं। शूबर्ट से पहले, गीत को एक महत्वहीन शैली माना जाता था, और यह वह था जिसने इसे कलात्मक पूर्णता के स्तर तक उठाया था। इसके अलावा, उन्होंने प्रतीत होता है कि असंबद्ध गीत और चैम्बर-सिम्फोनिक संगीत को जोड़ा, जिसने गीतात्मक-रोमांटिक सिम्फनी की एक नई दिशा को जन्म दिया। स्वर-गीत के बोल - सरल और गहरे, सूक्ष्म और यहां तक ​​कि अंतरंग मानवीय अनुभवों की दुनिया है, जो शब्दों द्वारा नहीं, बल्कि ध्वनि द्वारा व्यक्त की जाती है। फ्रांज शूबर्ट ने बहुत छोटा जीवन जिया, केवल 31 वर्ष की उम्र में। संगीतकार के कार्यों का भाग्य उसके जीवन से कम दुखद नहीं है। शुबर्ट की मृत्यु के बाद, कई अप्रकाशित पांडुलिपियाँ रिश्तेदारों और दोस्तों की किताबों की अलमारियों और दराजों में संग्रहीत रहीं। यहां तक ​​कि उनके करीबी लोग भी उनके द्वारा लिखी गई हर बात नहीं जानते थे और कई वर्षों तक उन्हें मुख्य रूप से केवल गीत के राजा के रूप में पहचाना जाता था। संगीतकार की कुछ रचनाएँ उनकी मृत्यु के आधी सदी बाद ही प्रकाशित हुईं। फ्रांज शुबर्ट की सबसे प्रिय और प्रसिद्ध कृतियों में से एक - "शाम का सेरेनेड":

रॉबर्ट शुमान

कम दुखद भाग्य के साथ, जर्मन संगीतकार रॉबर्ट शुमान रोमांटिक युग के सर्वश्रेष्ठ संगीतकारों में से एक हैं। उन्होंने अद्भुत सुन्दर संगीत रचा। 19वीं सदी के जर्मन रूमानियतवाद का अंदाजा लगाने के लिए, बस सुनें "कार्निवल"रॉबर्ट शुमान. वह शास्त्रीय युग की संगीत परंपराओं से बाहर निकलकर रोमांटिक शैली की अपनी व्याख्या बनाने में सक्षम थे। रॉबर्ट शुमान कई प्रतिभाओं से संपन्न थे और लंबे समय तक वह संगीत, कविता, पत्रकारिता और भाषाशास्त्र के बीच निर्णय नहीं ले सके (वे बहुभाषी थे और अंग्रेजी, फ्रेंच और इतालवी से स्वतंत्र रूप से अनुवादित थे)। वह एक अद्भुत पियानोवादक भी थे। फिर भी शुमान का मुख्य व्यवसाय और जुनून संगीत था। उनका काव्यात्मक और गहरा मनोवैज्ञानिक संगीत काफी हद तक संगीतकार के स्वभाव के द्वंद्व, जुनून के विस्फोट और सपनों की दुनिया में वापसी, अश्लील वास्तविकता के बारे में जागरूकता और आदर्श के लिए प्रयास को दर्शाता है। रॉबर्ट शुमान की उत्कृष्ट कृतियों में से एक, जिसे हर किसी को अवश्य सुनना चाहिए:

फ़्रेडरिक चॉपिन

फ्रेडरिक चोपिन शायद संगीत की दुनिया में सबसे प्रसिद्ध ध्रुव हैं। संगीतकार के पहले या बाद में पोलैंड में इस स्तर की कोई संगीत प्रतिभा पैदा नहीं हुई। पोल्स को अपने महान हमवतन पर अविश्वसनीय रूप से गर्व है, और अपने काम में चोपिन अक्सर अपनी मातृभूमि के बारे में गाते हैं, परिदृश्यों की सुंदरता की प्रशंसा करते हैं, दुखद अतीत पर शोक मनाते हैं, एक महान भविष्य के सपने देखते हैं। फ्रेडरिक चोपिन उन कुछ संगीतकारों में से एक हैं जिन्होंने विशेष रूप से पियानो के लिए संगीत लिखा। उनकी रचनात्मक विरासत में कोई ओपेरा या सिम्फनी नहीं हैं, लेकिन पियानो के टुकड़े उनकी विविधता में प्रस्तुत किए गए हैं। चोपिन की कृतियाँ कई प्रसिद्ध पियानोवादकों के प्रदर्शनों की सूची का आधार हैं। फ्रेडरिक चोपिन एक पोलिश संगीतकार हैं जिन्हें एक प्रतिभाशाली पियानोवादक के रूप में भी जाना जाता है। वह केवल 39 वर्ष जीवित रहे, लेकिन कई उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण करने में कामयाब रहे: गाथागीत, प्रस्तावना, वाल्ट्ज, माजुर्कस, नॉक्टर्न, पोलोनाइज, एट्यूड्स, सोनाटा और भी बहुत कुछ। उन्हीं में से एक है - "गाथागीत नंबर 1":

फ्रांज लिस्ज़त

फ्रांज लिस्ज़त दुनिया के महानतम संगीतकारों में से एक हैं। उन्होंने अपेक्षाकृत लंबा और आश्चर्यजनक रूप से समृद्ध जीवन जीया, गरीबी और अमीरी को जाना, प्रेम से मिले और तिरस्कार का सामना किया। जन्म से प्रतिभा के अलावा उनमें काम करने की अद्भुत क्षमता थी। फ्रांज लिस्ज़त न केवल पारखी और संगीत प्रेमियों की प्रशंसा के पात्र थे। एक संगीतकार और एक पियानोवादक दोनों के रूप में, उन्हें 19वीं सदी के यूरोपीय आलोचकों से सार्वभौमिक स्वीकृति मिली। उन्होंने 1,300 से अधिक कृतियाँ बनाईं और फ्रेडरिक चोपिन की तरह, उन्होंने पियानो के लिए कृतियों को प्राथमिकता दी। एक शानदार पियानोवादक, फ्रांज लिस्ज़्ट पियानो पर पूरे ऑर्केस्ट्रा की आवाज़ को पुन: पेश करने में सक्षम थे, कुशलता से सुधार किया, संगीत रचनाओं की एक शानदार स्मृति थी, शीट संगीत पढ़ने में उनका कोई सानी नहीं था। उनके प्रदर्शन की दयनीय शैली थी, जो उनके संगीत में भी झलकती थी, वे भावनात्मक रूप से भावुक और वीरतापूर्ण रूप से उत्साहित थे, रंगीन संगीत चित्र बनाते थे और श्रोताओं पर एक अमिट छाप छोड़ते थे। संगीतकार की पहचान पियानो संगीत कार्यक्रम हैं। ऐसे कार्यों में से एक है "वर्षों की भटकन"। और लिस्केट के सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक - "प्यार के सपने":

जोहान्स ब्राह्म्स

संगीत के रोमांटिक काल में एक महत्वपूर्ण व्यक्ति जोहान्स ब्राह्म्स हैं। ब्रहम के संगीत को सुनना और उससे प्यार करना अच्छा स्वाद और रोमांटिक स्वभाव का एक विशिष्ट संकेत माना जाता है। ब्राह्म्स ने एक भी ओपेरा नहीं लिखा, लेकिन उन्होंने अन्य सभी शैलियों में रचनाएँ बनाईं। ब्राह्म्स अपनी सिम्फनी के लिए विशेष रूप से प्रसिद्ध थे। पहले कार्यों में ही, संगीतकार की मौलिकता प्रकट हो जाती है, जो अंततः उसकी अपनी शैली में बदल जाती है। यदि हम ब्रह्म के सभी कार्यों पर विचार करें, तो यह नहीं कहा जा सकता है कि संगीतकार अपने पूर्ववर्तियों या समकालीनों के काम से बहुत प्रभावित था। और ब्राह्म की रचनात्मकता के पैमाने के संदर्भ में, उनकी तुलना अक्सर बाख और बीथोवेन से की जाती है। शायद यह तुलना इस अर्थ में उचित है कि तीन महान जर्मनों का काम संगीत के इतिहास में एक पूरे युग की परिणति का प्रतिनिधित्व करता है। फ्रांज लिस्ट्ट के विपरीत, जोहान्स ब्राह्म्स का जीवन अशांत घटनाओं से रहित था। उन्होंने शांत रचनात्मकता को प्राथमिकता दी, अपने जीवनकाल के दौरान उन्होंने अपनी प्रतिभा की पहचान और सार्वभौमिक सम्मान अर्जित किया, और उन्हें काफी सम्मान से भी सम्मानित किया गया। सबसे उत्कृष्ट संगीत, जिसमें ब्रह्म की रचनात्मक शक्ति का विशेष रूप से उज्ज्वल और मौलिक प्रभाव था, वह उनका है "जर्मन Requiem", एक ऐसा काम जिसे लेखक ने 10 वर्षों तक बनाया और अपनी माँ को समर्पित किया। अपने संगीत में, ब्राह्म मानव जीवन के शाश्वत मूल्यों का गायन करते हैं, जो प्रकृति की सुंदरता, अतीत की महान प्रतिभाओं की कला, अपनी मातृभूमि की संस्कृति में निहित हैं।

ग्यूसेप वर्डी

इटालियन संगीतकार अपने ओपेरा के लिए सबसे ज्यादा जाने जाते हैं। वह इटली का राष्ट्रीय गौरव बन गया, उसका काम इतालवी ओपेरा के विकास की परिणति है। एक संगीतकार के रूप में उनकी उपलब्धियों और खूबियों को कम करके नहीं आंका जा सकता। अब तक, लेखक की मृत्यु के एक सदी बाद, उनकी रचनाएँ सबसे लोकप्रिय, व्यापक रूप से प्रदर्शित, शास्त्रीय संगीत के पारखी और प्रेमी दोनों के लिए जानी जाती हैं।

वर्डी के लिए, ओपेरा में सबसे महत्वपूर्ण चीज़ नाटक थी। संगीतकार द्वारा बनाई गई रिगोलेटो, ऐडा, वायलेट्टा, डेसडेमोना की संगीतमय छवियां उज्ज्वल माधुर्य और पात्रों की गहराई, लोकतांत्रिक और परिष्कृत संगीत विशेषताओं, हिंसक जुनून और उज्ज्वल सपनों को जोड़ती हैं। वर्डी मानवीय भावनाओं को समझने में एक वास्तविक मनोवैज्ञानिक थे। उनका संगीत बड़प्पन और शक्ति, अद्भुत सौंदर्य और सद्भाव, अवर्णनीय रूप से सुंदर धुन, अद्भुत अरिया और युगल है। जुनून उबलता है, कॉमेडी और त्रासदी आपस में जुड़ती हैं और एक साथ विलीन हो जाती हैं। वेर्डी के अनुसार, ओपेरा के कथानक "मौलिक, दिलचस्प और ... भावुक, बाकी सब से ऊपर जुनून के साथ" होने चाहिए। और उनके अधिकांश कार्य गंभीर और दुखद हैं, वे भावनात्मक नाटकीय स्थितियों को प्रदर्शित करते हैं, और महान वर्डी का संगीत जो हो रहा है उसे अभिव्यक्ति देता है और स्थिति के लहजे पर जोर देता है। इतालवी ओपेरा स्कूल द्वारा हासिल की गई सभी बेहतरीन चीजों को आत्मसात करने के बाद, वर्डी ने ऑपरेटिव परंपराओं से इनकार नहीं किया, बल्कि इतालवी ओपेरा में सुधार किया, इसे यथार्थवाद से भर दिया और इसे संपूर्ण की एकता प्रदान की। उसी समय, वर्डी ने अपने सुधार की घोषणा नहीं की, इसके बारे में लेख नहीं लिखे, उन्होंने बस एक नए तरीके से ओपेरा लिखा। वर्डी की उत्कृष्ट कृतियों में से एक - ओपेरा "आइडा" का विजयी जुलूस इतालवी दृश्यों के माध्यम से बह गया और यूरोप के साथ-साथ रूस और अमेरिका में भी जारी रहा, जिससे संशयवादियों को भी महान संगीतकार की प्रतिभा को पहचानने के लिए मजबूर होना पड़ा।

17-18 शताब्दियों के अंत में। नए संगीत सिद्धांत सामने आने लगे हैं, जिनका संगीतकार और संगीतकार लंबे समय तक अनुसरण करेंगे। इस सदी ने विश्व को संगीत दिया, जिसने विश्व सांस्कृतिक विरासत में अमूल्य योगदान दिया। 18वीं सदी के संगीतकार निम्नलिखित व्यक्तित्वों के लिए प्रसिद्ध हैं:

यह सबसे महान जर्मन संगीतकारों में से एक हैं, जिनकी व्यक्तित्व और रचनात्मकता में रुचि समय के साथ फीकी नहीं पड़ती, बल्कि, इसके विपरीत, बढ़ती जा रही है। लेकिन, दुर्भाग्य से, उनके जीवनकाल के दौरान उन्हें मान्यता नहीं मिली। जोहान के पास संगीत में अपना करियर बनाने के अलावा कोई अन्य विकल्प नहीं था, क्योंकि उनके पूर्वज अपनी संगीतमयता के लिए प्रसिद्ध थे।

भावी प्रतिभा का जन्म 1685 में ईसेनच शहर में हुआ था। संगीत में अपना पहला कदम रखने का श्रेय उनके पिता को जाता है, जिन्होंने उन्हें वायलिन बजाना सिखाया। बाख की आवाज़ अद्भुत थी और वह शहर के स्कूल गायक मंडली में गाते थे। आसपास के लोगों को इसमें कोई संदेह नहीं था कि लड़का एक उत्कृष्ट संगीतकार बनेगा।

15 साल की उम्र में अनाथ होने के बाद, जोहान ने एक स्वतंत्र जीवन शुरू किया। इस तथ्य के बावजूद कि युवा संगीतकार तंग परिस्थितियों में रहते थे और बार-बार आते-जाते रहते थे, बाख की संगीत में रुचि कभी कम नहीं हुई, उन्होंने लगातार स्व-शिक्षा के माध्यम से संगीत के बारे में अपने ज्ञान का विस्तार किया।

अपने साथी संगीतकारों के विपरीत, जिन्होंने हर चीज़ में विदेशी संगीतकारों की नकल करने की कोशिश की, बाख ने अपने कार्यों में सक्रिय रूप से जर्मन लोक गीतों और नृत्यों का इस्तेमाल किया। लेकिन जोहान न केवल एक प्रतिभाशाली संगीतकार थे, बल्कि ऑर्गन और हार्पसीकोर्ड पर एक उत्कृष्ट कलाकार भी थे। यदि वह एक संगीतकार के रूप में नहीं जाने जाते थे, तो इन वाद्ययंत्रों को बजाने में उनकी महारत को हर कोई पहचानता था।

लेकिन दरबारी समाज को संगीतकार का संगीत पसंद नहीं आया: इसे बहुत उज्ज्वल, भावनात्मक, मानवीय माना जाता था। लेकिन जनता द्वारा उनके कार्यों को अस्वीकार करने के बावजूद, उन्होंने कभी भी उनकी रुचि के अनुरूप तालमेल नहीं बिठाया। बाख ने अपनी सर्वश्रेष्ठ संगीत रचनाएँ लीपज़िग में लिखीं, जहाँ वे अपने परिवार के साथ चले गए और अपने जीवन के अंत तक वहीं रहे। वहां उन्होंने अधिकांश कैनटाटा बनाए, "जॉन के अनुसार जुनून", "मैथ्यू के अनुसार जुनून", मास इन बी माइनर।

संगीतकार के लिए सबसे बड़ी खुशी, समर्थन और सहारा उनका परिवार था। बाख के जीवनकाल में ही उनके बेटे भी प्रतिभाशाली संगीतकार बन गए और प्रसिद्धि प्राप्त की। उनकी दूसरी पत्नी और सबसे बड़ी बेटी की आवाज़ बहुत खूबसूरत थी। इसलिए, जोहान ने अपने परिवार के लिए संगीत रचनाएँ लिखना जारी रखा।

अपने जीवन के अंतिम वर्षों में, बाख को दृष्टि संबंधी गंभीर समस्याएँ होने लगीं और एक असफल ऑपरेशन के बाद, वह अंधे हो गए। लेकिन इसके बावजूद उन्होंने अपना काम नहीं छोड़ा और रिकॉर्डिंग के लिए निर्देश देकर रचनाएँ बनाना जारी रखा। संगीत समुदाय में उनकी मृत्यु पर किसी का ध्यान नहीं गया और जल्द ही उन्हें भुला दिया गया। उनके संगीत में रुचि केवल 100 साल बाद दिखाई दी, जब मेंडेलसोहन के निर्देशन में, उनकी सबसे खूबसूरत रचनाओं में से एक, द सेंट मैथ्यू पैशन का प्रदर्शन किया गया, और उसी समय उनकी संगीत रचनाओं का एक संग्रह जारी किया गया।

संगीत की इस प्रतिभा की उनके समकालीनों ने सराहना नहीं की, जो उनकी प्रतिभा की पूरी ताकत और गहराई का एहसास नहीं कर सके, उनके मजबूत और स्वतंत्र चरित्र के लिए उन्हें नापसंद किया, लेकिन सदियों बाद, उनके काम में उनकी प्रतिभा की दिलचस्पी और प्रशंसा हुई। वोल्फगैंग का जन्म 27 जनवरी 1756 को हुआ था। उनके पिता एक दरबारी संगीतकार थे और उन्होंने मोजार्ट की बहन में प्रारंभिक संगीत क्षमताओं को देखकर उसे संगीत सिखाना शुरू किया।

इससे वोल्फगैंग के काम की शुरुआत हुई। कम उम्र में, लड़के ने संगीत के लिए असाधारण क्षमताएँ दिखाईं: 5-6 साल की उम्र में, उसने संगीत के लिए एक अद्वितीय कान और एक अद्भुत स्मृति रखते हुए, पहले से ही अपना पहला संगीत कार्य बनाया। पिता, यह देखते हुए कि उनके बेटे में दुर्लभ संगीत प्रतिभा है, एक संगीत कार्यक्रम शुरू करने का फैसला करते हैं ताकि वोल्फगैंग को प्रसिद्धि मिले और वह दरबारी संगीतकार न बने।

लेकिन इस तथ्य के बावजूद कि हर कोई लड़के की प्रशंसा करता था और 12 साल की उम्र में उसका काम प्रसिद्ध हो गया, समाज युवा संगीतकार की पूरी क्षमता की पूरी तरह से सराहना नहीं कर सका। इसलिए, दौरे से लौटकर, वोल्फगैंग एक दरबारी संगीतकार बन गया और जिस स्थिति में उसने खुद को पाया, उससे उसे बहुत पीड़ा हुई। लेकिन इस तथ्य को स्वीकार न करते हुए कि उनका सम्मान नहीं किया गया और उनके साथ अनुचित व्यवहार किया गया, उन्होंने साल्ज़बर्ग से वियना के लिए प्रस्थान किया।

वियना प्रवास के दौरान ही उनकी प्रतिभा चरम पर पहुंची। जल्द ही उन्होंने कॉन्स्टेंटा वेबर नाम की एक खूबसूरत लड़की से शादी कर ली और यहां तक ​​कि उनके माता-पिता की अस्वीकृति भी उनकी खुशी में बाधा नहीं बन सकी। वियना में बिताए गए वर्षों को आसान नहीं कहा जा सकता, बल्कि इसके विपरीत। आवश्यकता पड़ने पर मोज़ार्ट को बहुत कड़ी मेहनत करनी पड़ी, जिसका प्रभाव उसके स्वास्थ्य पर पड़ा। इस तथ्य के बावजूद कि उनके ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो", "डॉन जियोवानी" सफल हैं, समाज अभी भी वोल्फगैंग की संपूर्ण प्रतिभा को समझने में असमर्थ है।

अपनी मृत्यु से कुछ समय पहले, मोजार्ट ने अपना सबसे बड़ा काम, ओपेरा द मैजिक फ्लूट लिखा था। इसके साथ ही, वह "Requiem" बनाता है, लेकिन उसके पास इसे पूरा करने का समय नहीं होता है। 4-5 दिसंबर, 1791 की रात को प्रतिभाशाली संगीतकार की मृत्यु हो गई। उनकी मृत्यु की परिस्थितियाँ अभी भी अज्ञात हैं, जो विशेषज्ञों के बीच कई विवादों को जन्म देती हैं। उनकी मृत्यु के बाद ही संगीत समाज और पूरी दुनिया ने मोजार्ट की प्रतिभा को पहचाना और उनके कार्यों को आज भी संगीत की उत्कृष्ट कृतियाँ माना जाता है।

कई शताब्दियों तक उनका "सीज़न्स" अन्य शानदार कार्यों के बराबर रहा है। एक गुणी वायलिन वादक, जिसने अपने जीवनकाल के दौरान पहचान प्राप्त की, बहुत यात्रा की, एक उत्कृष्ट शिक्षक - यह सब प्रसिद्ध इतालवी संगीतकार एंटोनियो विवाल्डी के बारे में है।

एंटोनियो का जन्म 4 मार्च 1678 को हुआ था और वह परिवार में एकमात्र ऐसे बच्चे बने जिन्होंने संगीत के क्षेत्र को चुना। उनकी संगीत प्रतिभा बहुत पहले ही प्रकट हो गई थी, और उनके पहले शिक्षक जियोवानी बतिस्ता थे, जिन्होंने उस समय तक एक गुणी व्यक्ति की प्रसिद्धि हासिल कर ली थी। उनके प्रदर्शन के तरीके के अध्ययन से पता चलता है कि लड़के ने अन्य प्रसिद्ध संगीतकारों से शिक्षा ली थी।

युवा एंटोनियो ने एक पुजारी के रूप में अपना करियर चुनने का फैसला किया और 18 दिसंबर, 1693 को उन्हें निचली चर्च उपाधि प्राप्त हुई। बाद में, उन्हें तीन और "निचली" और दो "उच्च" चर्च उपाधियाँ प्राप्त हुईं, जो पुरोहिती प्राप्त करने के लिए आवश्यक थीं। लेकिन आध्यात्मिक करियर के बावजूद, विवाल्डी ने बहुत सफलतापूर्वक संगीत बनाना जारी रखा।

और उनके गहन अध्ययन के परिणाम सामने आए: एंटोनियो को वेनिस में सर्वश्रेष्ठ "संरक्षकों" में से एक में शिक्षक नियुक्त किया गया। उनकी व्यापक और बहुमुखी संगीत गतिविधि ने "कंजर्वेटरी" को शहर में सबसे प्रमुख में से एक बना दिया है। अपने काम की शुरुआत में, संगीतकार वाद्य निर्देशन पर बहुत ध्यान देता है, जिसे इस तथ्य से समझाया जा सकता है कि इटली और वेनिस के उत्तरी भाग को सर्वश्रेष्ठ वाद्ययंत्र वादकों का केंद्र माना जाता था।

एंटोनियो विवाल्डी ने इटली के बाहर प्रसिद्धि प्राप्त की, उनके काम सफल रहे, और उनके साथ अध्ययन करना एक उच्च सम्मान माना जाता था। मंटुआ में, संगीतकार की मुलाकात अन्ना जिराउड और उसकी बहन पाओलिना से होती है। जल्द ही दोनों लड़कियाँ विवाल्डी हाउस की स्थायी निवासी बन गईं, जिससे चर्च नेतृत्व में असंतोष फैल गया, जिसे यह पसंद नहीं था कि एंटोनियो लगातार यात्राओं पर था।

16 नवंबर, 1737 को, कार्डिनल की ओर से, संगीतकार को फेरारा में प्रवेश करने से प्रतिबंधित कर दिया गया था, जिसे उन दिनों अपमानजनक माना जाता था। इसका मतलब यह हुआ कि अब विवाल्डी का पूरा आध्यात्मिक कैरियर नष्ट हो गया और काफी महत्वपूर्ण भौतिक क्षति हुई। "रूढ़िवादी" के नेतृत्व के साथ उनके संबंध और अधिक खराब हो गए। और यह केवल उनकी लगातार यात्राएं नहीं थीं - विवाल्डी का संगीत पहले से ही पुराने ज़माने का माना जाने लगा था।

1740 के अंत में, एंटोनियो ने "कंजर्वेटरी" से नाता तोड़ लिया, जिसके कारण उन्हें कई वर्षों तक प्रसिद्धि मिली। लंबी यात्रा पर जाने और वित्तीय कठिनाइयों का अनुभव करने के बाद, विवाल्डी कम कीमत पर अपने संगीत कार्यक्रमों की बिक्री की व्यवस्था करता है। 62 साल की उम्र में, संगीतकार ने इटली छोड़ने और दूसरे देशों में खुशी खोजने का फैसला किया। लेकिन, इस तथ्य के बावजूद कि एक बार उन्हें सभी ने स्वीकार कर लिया था, उनके कार्यों की प्रशंसा की गई थी, उनके जीवन के अंत में एंटोनियो विवाल्डी को सभी ने भुला दिया और त्याग दिया। प्रसिद्ध इतालवी गुणी व्यक्ति की मृत्यु 28 जुलाई, 1741 को वियना में हुई। वह उस समय के संगीतकारों के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक हैं, और उनकी वाद्य रचनाएँ विश्व संगीत विरासत में एक योग्य स्थान रखती हैं।

18वीं शताब्दी के संगीतकारों का संगीत के भविष्य के विकास पर बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा, हालाँकि उन्हें अपने जीवनकाल के दौरान हमेशा मान्यता नहीं मिली और वे प्रसिद्ध हो गए। बात सिर्फ इतनी है कि उस युग का समाज उनकी प्रतिभा की पूरी ताकत, उनकी सुंदरता और गहराई की सराहना नहीं कर सका। उन पर थोपा गया ढांचा उनकी प्रतिभा के लिए बहुत संकीर्ण था, उनके लिए संगीत ही जीवन का अर्थ था। लेकिन वंशज उनके काम की सराहना करने में सक्षम थे, और अब तक वे सभी संगीत समारोहों में अपने शानदार काम करना जारी रखते हैं।

रूसी, और इसकी निरंतरता के रूप में संगीतकारों का सोवियत और रूसी स्कूल, 18वीं शताब्दी में उत्पन्न हुआ। उस समय के सबसे महत्वपूर्ण पेशेवर संगीतकारों में से एक, जो रूसी संगीत के महान इतिहास में उल्लेख के योग्य हैं, डी.एस. बोर्तन्यांस्की थे।

हालाँकि, जैसा कि रूस के इतिहास में अक्सर होता है, पेशेवर रूसी संगीत की शुरुआत पश्चिम की नकल और अनुकरण से हुई। बोर्तन्यांस्की के मामले में, यह विवाल्डी के संगीत की एक "प्रतिलिपि" है।

19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध के रूसी संगीतकार, मिखाइल ग्लिंका (जिन्हें रूसी शास्त्रीय संगीत का संस्थापक माना जाता है) ने इस मुद्दे को निम्नलिखित तरीके से हल किया: संगीत में राष्ट्रीयता के लोक संगीत की स्वर-शैली और यहां तक ​​कि संपूर्ण धुनें शामिल होनी चाहिए। जो लेखक का है। उन्होंने वास्तव में सफलतापूर्वक और प्रतिभाशाली ढंग से प्रयोग किया जान-पहचानउनके संगीत में, रूसी-लोक स्वर और धुनें। उनका अद्भुत संगीत मूलतः रूसी और स्वरूप में यूरोपीय है।

ग्लिंका के शब्द "लोग संगीत बनाते हैं, हम केवल इसे व्यवस्थित करते हैं" अन्य संगीतकारों द्वारा उठाए गए थे। इस विचार को पसंद किया गया और यह एक आदर्श बन गया, एक अपरिवर्तनीय नियम जिसका कई संगीतकारों ने पालन करना शुरू कर दिया। इस विचार से एकजुट होकर, संगीतकारों के रूसी स्कूल ने आकार लेना शुरू कर दिया।

इतिहास में, हमेशा की तरह, केवल सबसे प्रतिभाशाली और मेधावी ही हैं

महान रूसी संगीतकारों की सूची