चित्रकला में विशेष शब्दों का शब्दकोश. पेंटिंग, शैलियों, शैलियों, विभिन्न तकनीकों और दिशाओं के उदाहरण

चित्रकला विभिन्न शैलियों और प्रकारों से भिन्न होती है। प्रत्येक शैली अपने विषयों की सीमा से सीमित होती है: एक व्यक्ति की छवि (चित्र), आसपास की दुनिया (परिदृश्य), आदि।
पेंटिंग की किस्में (प्रकार) उनके उद्देश्य में भिन्न होती हैं।

इस लिहाज़ से पेंटिंग कई प्रकार की होती है, जिनके बारे में हम आज बात करेंगे।

चित्रफलक पेंटिंग

पेंटिंग का सबसे लोकप्रिय और प्रसिद्ध प्रकार चित्रफलक पेंटिंग है। इसे इसलिए कहा जाता है क्योंकि यह एक मशीन - एक चित्रफलक - पर किया जाता है। आधार लकड़ी, कार्डबोर्ड, कागज है, लेकिन अक्सर स्ट्रेचर पर फैला हुआ कैनवास होता है। चित्रफलक पेंटिंग एक निश्चित शैली में किया गया एक स्वतंत्र कार्य है। उसके पास रंगों की प्रचुरता है।

तैलीय रंग

अक्सर चित्रफलक पेंटिंग को तेल पेंट से निष्पादित किया जाता है। ऑयल पेंट का उपयोग कैनवास, लकड़ी, कार्डबोर्ड, कागज, धातु पर किया जा सकता है।

तैलीय रंग
तेल पेंट वनस्पति तेलों को सुखाने या सुखाने वाले तेलों में या एल्केड रेजिन पर आधारित अकार्बनिक रंगद्रव्य और भराव के निलंबन हैं, कभी-कभी सहायक पदार्थों के अतिरिक्त के साथ। इनका उपयोग पेंटिंग में या लकड़ी, धातु और अन्य सतहों को पेंट करने के लिए किया जाता है।

वी. पेरोव "दोस्तोवस्की का चित्र" (1872)। कैनवास, तेल
लेकिन टेम्पेरा, गौचे, पेस्टल, वॉटर कलर की मदद से भी एक सुरम्य चित्र बनाया जा सकता है।

आबरंग

जलरंग पेंट्स

वॉटरकलर (फ़्रेंच एक्वेरेले - पानीदार; इटालियन एक्वेरेलो) विशेष वॉटरकलर पेंट का उपयोग करके एक पेंटिंग तकनीक है। पानी में घुलने पर ये महीन रंगद्रव्य का एक पारदर्शी निलंबन बनाते हैं, इससे हल्कापन, वायुहीनता और सूक्ष्म रंग संक्रमण का प्रभाव पैदा होता है।

जे. टर्नर "फ़िएरवाल्डस्टेड लेक" (1802)। जलरंग। टेट ब्रिटेन (लंदन)

गौचे

गौचे (फ्रेंच गौचे, इटालियन गुआज़ो वॉटर पेंट, स्प्लैश) एक प्रकार का चिपकने वाला पानी में घुलनशील पेंट है, जो वॉटर कलर की तुलना में अधिक घना और मैट होता है।

गौचे पेंट्स
गौचे पेंट सफेद रंग के साथ पिगमेंट और गोंद से बनाए जाते हैं। सफेद रंग का मिश्रण गौचे को एक मैट मखमली रंग देता है, लेकिन जब यह सूख जाता है, तो रंग कुछ हद तक प्रक्षालित (हल्के) हो जाते हैं, जिसे कलाकार को ड्राइंग की प्रक्रिया में ध्यान में रखना चाहिए। गौचे पेंट की मदद से आप गहरे रंगों को हल्के रंगों से ढक सकते हैं।

विंसेंट वैन गॉग "कॉरिडोर इन असुलम" (गुलाबी कागज पर काली चाक और गौचे)

पेस्टल [ई]

पेस्टल (लैटिन पास्ता से - आटा) - ग्राफिक्स और पेंटिंग में उपयोग की जाने वाली कलात्मक सामग्री। अक्सर क्रेयॉन या रिमलेस पेंसिल के रूप में उत्पादित किया जाता है, जिसमें गोल या चौकोर खंड के साथ बार का रूप होता है। पेस्टल तीन प्रकार के होते हैं: सूखा, तेल और मोम।

I. लेविटन "नदी घाटी" (पेस्टल)

टेम्पेरे

टेम्पेरा (इतालवी टेम्पेरा, लैटिन टेम्परेरे से - पेंट्स को मिश्रित करने के लिए) - सूखे पाउडर पिगमेंट के आधार पर तैयार किए गए जल-जनित पेंट। टेम्पेरा पेंट्स का बाइंडर पानी या पूरे अंडे से पतला चिकन अंडे की जर्दी है।
टेम्पेरा पेंट्स सबसे पुराने में से एक हैं। XV-XVII सदियों तक तेल पेंट के आविष्कार और वितरण से पहले। टेम्पेरा पेंट चित्रफलक पेंटिंग की मुख्य सामग्री थे। इनका उपयोग 3,000 से अधिक वर्षों से किया जा रहा है। प्राचीन मिस्र के फिरौन के ताबूत की प्रसिद्ध पेंटिंग टेम्पेरा पेंट से बनाई गई हैं। टेम्पेरा मुख्य रूप से बीजान्टिन मास्टर्स द्वारा बनाई गई चित्रफलक पेंटिंग थी। रूस में, 17वीं शताब्दी के अंत तक टेम्पेरा लेखन की तकनीक प्रमुख थी।

आर. स्ट्रेल्टसोव "डेज़ीज़ एंड वॉयलेट्स" (टेम्परा)

मटचिनिया

एन्कास्टिक (अन्य ग्रीक ἐγκαυστική से - जलाने की कला) एक पेंटिंग तकनीक है जिसमें मोम पेंट को बांधने वाली मशीन है। पेंटिंग पिघले हुए पेंट से की जाती है। कई प्रारंभिक ईसाई चिह्न इस तकनीक में चित्रित किए गए थे। प्राचीन ग्रीस में उत्पन्न हुआ।

"देवदूत"। एनकास्टिक तकनीक

हम इस तथ्य पर आपका ध्यान आकर्षित करते हैं कि आप एक और वर्गीकरण भी पा सकते हैं, जिसके अनुसार जल रंग, गौचे और कागज और पानी-आधारित पेंट का उपयोग करने वाली अन्य तकनीकों को ग्राफिक्स के रूप में वर्गीकृत किया गया है। वे पेंटिंग की विशेषताओं (स्वर की समृद्धि, रंग के साथ रूप और स्थान का निर्माण) और ग्राफिक्स (छवि के निर्माण में कागज की सक्रिय भूमिका, चित्रात्मक सतह की एक विशिष्ट राहत स्ट्रोक विशेषता की अनुपस्थिति) को जोड़ते हैं।

स्मारकीय पेंटिंग

स्मारकीय पेंटिंग - वास्तुशिल्प संरचनाओं या अन्य आधारों पर पेंटिंग। यह चित्रकला का सबसे पुराना प्रकार है, जिसे पुरापाषाण काल ​​से जाना जाता है। स्थिरता और स्थायित्व के कारण, विकसित वास्तुकला का निर्माण करने वाली लगभग सभी संस्कृतियों से इसके कई उदाहरण बचे हैं। स्मारकीय चित्रकला की मुख्य तकनीकें फ्रेस्को, और सेको, मोज़ेक, सना हुआ ग्लास हैं।

फ्रेस्को

फ़्रेस्को (इतालवी फ़्रेस्को से - ताज़ा) - पानी आधारित पेंट के साथ गीले प्लास्टर पर पेंटिंग, दीवार पेंटिंग तकनीकों में से एक। सूखने पर, प्लास्टर में मौजूद चूना एक पतली पारदर्शी कैल्शियम फिल्म बनाता है, जो फ्रेस्को को टिकाऊ बनाता है।
फ़्रेस्को की सतह सुखद मैट है और यह इनडोर परिस्थितियों में टिकाऊ है।

गेलती मठ (जॉर्जिया)। भगवान की पवित्र माँ का चर्च। आर्क डी ट्रायम्फ के शीर्ष और दक्षिण की ओर फ्रेस्को

एक सेको

और सेको (इतालवी से ए सेको - सूखा) - दीवार पेंटिंग, भित्तिचित्रों के विपरीत, कठोर, सूखे प्लास्टर पर, फिर से सिक्त किया गया। पेंट का उपयोग किया जाता है, वनस्पति गोंद, अंडे पर पीसकर या चूने के साथ मिलाया जाता है। सेको फ्रेस्को पेंटिंग की तुलना में एक कार्य दिवस में अधिक सतह क्षेत्र को चित्रित करने की अनुमति देता है, लेकिन यह तकनीक उतनी टिकाऊ नहीं है।
एसेको तकनीक मध्यकालीन चित्रकला में फ़्रेस्को के साथ विकसित हुई और 17वीं-18वीं शताब्दी में यूरोप में विशेष रूप से आम थी।

लियोनार्डो दा विंची द लास्ट सपर (1498)। एक सेको तकनीक

मौज़ेक

मोज़ेक (fr. मोज़ेक, इटालियन। लेट से मोज़ेको। (ओपस) मुसिवम - (म्यूज़ को समर्पित कार्य) - विभिन्न शैलियों की सजावटी, अनुप्रयुक्त और स्मारकीय कला। मोज़ेक में छवियां सतह पर बहुरंगी पत्थरों, स्माल्ट, सिरेमिक टाइलों और अन्य सामग्रियों को व्यवस्थित करने, सेट करने और फिक्स करने से बनती हैं।

मोज़ेक पैनल "बिल्ली"

रंगीन कांच

सना हुआ ग्लास खिड़की (फादर विट्रे - खिड़की का शीशा, लैट से। विट्रम - ग्लास) - रंगीन कांच का एक काम। सना हुआ ग्लास का उपयोग चर्चों में लंबे समय से किया जाता रहा है। पुनर्जागरण के दौरान, सना हुआ ग्लास कांच पर एक पेंटिंग के रूप में मौजूद था।

पैलेस ऑफ़ कल्चर "मेज़सोयुज़्नी" (मरमंस्क) की सना हुआ ग्लास खिड़की
डायोरमा और पैनोरमा भी पेंटिंग की किस्मों में से हैं।

चित्रावली

सेवस्तोपोल में डायरैमा "7 मई, 1944 को सैपुन पर्वत पर हमला" का निर्माण
डायोरमा एक रिबन के आकार की, अर्धवृत्ताकार घुमावदार पेंटिंग है जिसमें अग्रभूमि विषय योजना होती है। प्राकृतिक स्थान में दर्शक की उपस्थिति का भ्रम पैदा होता है, जो कलात्मक और तकनीकी साधनों के संश्लेषण से प्राप्त होता है।
डायोरमास कृत्रिम प्रकाश व्यवस्था के लिए डिज़ाइन किए गए हैं और मुख्य रूप से विशेष मंडपों में स्थित हैं। अधिकांश डियोरामा ऐतिहासिक लड़ाइयों को समर्पित हैं।
सबसे प्रसिद्ध डियोरामा हैं: "सैपुन पर्वत पर आक्रमण" (सेवस्तोपोल), "सेवस्तोपोल की रक्षा" (सेवस्तोपोल), "रेज़ेव के लिए लड़ाई" (रेज़ेव), "लेनिनग्राद की घेराबंदी का निर्णायक" (पीटर्सबर्ग), "तूफान का तूफान" बर्लिन" (मॉस्को), आदि।

चित्रमाला

पेंटिंग में, पैनोरमा एक गोलाकार दृश्य वाला चित्र होता है, जिसमें एक सपाट चित्रात्मक पृष्ठभूमि को त्रि-आयामी विषय अग्रभूमि के साथ जोड़ा जाता है। पैनोरमा क्षितिज के पूर्ण घेरे में दर्शक के चारों ओर वास्तविक स्थान का भ्रम पैदा करता है। पैनोरमा का उपयोग मुख्य रूप से एक बड़े क्षेत्र और बड़ी संख्या में प्रतिभागियों को कवर करने वाली घटनाओं को चित्रित करने के लिए किया जाता है।

संग्रहालय-चित्रमाला "बोरोडिनो की लड़ाई" (संग्रहालय भवन)
रूस में, सबसे प्रसिद्ध पैनोरमा बोरोडिनो पैनोरमा संग्रहालय की लड़ाई, वोलोचेव लड़ाई, स्टेलिनग्राद पैनोरमा संग्रहालय की लड़ाई में नाजी सैनिकों की हार, सेवस्तोपोल की रक्षा और ट्रांस-साइबेरियन रेलवे के पैनोरमा हैं।

फ्रांज रूबो. कैनवास पैनोरमा "बोरोडिनो की लड़ाई"

नाटकीय और सजावटी पेंटिंग

दृश्यावली, वेशभूषा, मेकअप, प्रॉप्स प्रदर्शन (फिल्म) की सामग्री को अधिक गहराई से प्रकट करने में मदद करते हैं। दृश्यावली क्रिया के स्थान और समय का अंदाजा देती है, मंच पर क्या हो रहा है, इसके बारे में दर्शकों की धारणा को सक्रिय करती है। थिएटर कलाकार पात्रों के व्यक्तिगत चरित्र, उनकी सामाजिक स्थिति, युग की शैली और वेशभूषा और मेकअप के रेखाचित्रों में बहुत कुछ व्यक्त करना चाहता है।
रूस में, नाटकीय और सजावटी कला का उत्कर्ष 19वीं-20वीं शताब्दी के मोड़ पर हुआ। इस समय, उत्कृष्ट कलाकार एम.ए. ने थिएटर में काम करना शुरू किया। व्रुबेल, वी.एम. वासनेत्सोव, ए.या. गोलोविन, एल.एस. बक्स्ट, एन.के. रोएरिच.

एम. व्रुबेल "सिटी लॉलीपॉप"। ओपेरा के लिए दृश्यों का स्केच एन.ए. द्वारा मॉस्को में रूसी निजी ओपेरा के लिए रिमस्की-कोर्साकोव "द टेल ऑफ़ ज़ार साल्टन"। (1900)

लघु

लघुचित्र छोटे-छोटे रूपों की एक सचित्र कृति है। चित्र लघुचित्र विशेष रूप से लोकप्रिय था - एक छोटे प्रारूप का चित्र (1.5 से 20 सेमी तक), जो लेखन की एक विशेष सूक्ष्मता, निष्पादन की एक अजीब तकनीक और केवल इस सचित्र रूप में निहित साधनों के उपयोग की विशेषता है।
लघुचित्रों के प्रकार और प्रारूप बहुत विविध हैं: उन्हें पानी के रंग, गौचे, विशेष कलात्मक एनामेल्स या तेल पेंट का उपयोग करके चर्मपत्र, कागज, कार्डबोर्ड, हाथी दांत, धातु और चीनी मिट्टी के बरतन पर चित्रित किया गया था। लेखक अपने निर्णय के अनुसार या ग्राहक के अनुरोध पर छवि को एक वृत्त, अंडाकार, समचतुर्भुज, अष्टकोण आदि में अंकित कर सकता है। एक क्लासिक पोर्ट्रेट लघुचित्र एक पतली हाथीदांत प्लेट पर बनाया गया लघुचित्र है।

सम्राट निकोलस प्रथम. जी. मोर्सेली द्वारा एक लघुचित्र का टुकड़ा
कई लघु तकनीकें हैं.

लाह लघुचित्र (फ़ेडोस्किनो)

राजकुमारी जिनेदा निकोलायेवना (यूसुपोव के गहने) के चित्र के साथ लघुचित्र

महान हस्ती, वैज्ञानिक और पुनर्जागरण कलाकार लियोनार्डो दा विंची ने कहा: "पेंटिंग वह कविता है जो देखी जाती है, और कविता वह पेंटिंग है जो सुनी जाती है।" और कोई भी उससे सहमत हुए बिना नहीं रह सकता। वास्तविक कला वास्तव में व्यापक रूप से समझी जाती है। हम देखते हैं, और चिंतन करते हैं, और सुनते हैं, और अपनी आत्मा में हम कला के उन कार्यों को रखते हैं जो हमें पसंद हैं। और विश्व की उत्कृष्ट कृतियाँ कई वर्षों तक हमारी स्मृति में बनी रहती हैं।

पेंटिंग की शैलियाँ और प्रकार

एक चित्र बनाकर गुरु उसे एक निश्चित अवस्था, एक विशेष चरित्र में प्रदर्शित करता है। यदि उस पर केवल रूप और रंग का ही चित्रण किया जाए तो वह कार्य संपूर्ण, प्रेम और ध्यान के योग्य नहीं बन पाएगा। कलाकार वस्तुओं को आत्मा, लोगों को करिश्मा, चिंगारी, शायद एक रहस्य, प्रकृति को अनोखी भावनाओं और घटनाओं को वास्तविक अनुभव प्रदान करने के लिए बाध्य है। और पेंटिंग की शैलियाँ और प्रकार इसमें निर्माता की मदद करते हैं। वे आपको एक युग, घटना, तथ्य के मूड को सही ढंग से व्यक्त करने की अनुमति देते हैं, मुख्य विचार, छवि, परिदृश्य को पकड़ना बेहतर होता है।

इनमें मुख्य हैं:

• ऐतिहासिक- विभिन्न देशों और युगों के इतिहास के तथ्यों, क्षणों का चित्रण।
• युद्ध- युद्ध के दृश्यों को प्रसारित करता है।
• घरेलू- रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्य.
• प्राकृतिक दृश्यये प्रकृति की पेंटिंग हैं. इसमें समुद्र, पहाड़, शानदार, गीतात्मक, ग्रामीण, शहरी, अंतरिक्ष परिदृश्य हैं।
• स्थिर वस्तु चित्रण- निर्जीव वस्तुओं का चित्रण करता है: रसोई के बर्तन, हथियार, सब्जियाँ, फल, पौधे, आदि।
• चित्र- यह एक व्यक्ति, लोगों के समूह की छवि है। अक्सर, कलाकार अपने प्रेमियों को दर्शाते हुए स्व-चित्र या कैनवस बनाना पसंद करते हैं।
• पाशविक- जानवरों के बारे में चित्र.

अलग से, कोई अन्य कथानक-विषयगत शैली को उजागर कर सकता है और यहां उन कार्यों को शामिल कर सकता है, जिनका विषय मिथक, किंवदंतियां, महाकाव्य, साथ ही रोजमर्रा की जिंदगी की पेंटिंग हैं।

पेंटिंग के प्रकारों का मतलब अलग-अलग भी होता है। वे कलाकार को कैनवास बनाते समय पूर्णता प्राप्त करने में मदद करते हैं, उसे बताते हैं कि किस दिशा में आगे बढ़ना है और काम करना है। निम्नलिखित विकल्प हैं:

- चित्रमाला- बड़े पैमाने पर प्रारूप में क्षेत्र की एक छवि, एक सामान्य दृश्य।

- चित्रावली- अर्धवृत्त में घुमावदार लड़ाइयों, शानदार घटनाओं की एक छवि।

- लघु- पांडुलिपियाँ, चित्र।

- स्मारकीय और सजावटी पेंटिंग-दीवारों, पैनलों, तख्तों आदि पर पेंटिंग।

- आइकन पेंटिंग- धार्मिक विषयों पर पेंटिंग।

- सजावटी पेंटिंग- सिनेमा और थिएटर में कलात्मक दृश्यों का निर्माण।

- चित्रफलक पेंटिंगदूसरे शब्दों में, चित्र.

- जीवन की रोजमर्रा की वस्तुओं की सजावटी पेंटिंग।

एक नियम के रूप में, ललित कला का प्रत्येक मास्टर अपने लिए एक विशेष शैली और पेंटिंग का प्रकार चुनता है जो आत्मा में उसके सबसे करीब है, और ज्यादातर उसी में काम करता है। उदाहरण के लिए, इवान कोन्स्टेंटिनोविच ऐवाज़ोव्स्की (होवनेस गेवाज़्यान) ने समुद्री परिदृश्य की शैली में काम किया। ऐसे कलाकारों को समुद्री चित्रकार भी कहा जाता है ("मरीना" से, जिसका लैटिन में अर्थ है "समुद्र")।

TECHNIQUES

पेंटिंग कथानक को क्रियान्वित करने, रंगों और स्ट्रोक की दुनिया के माध्यम से इसकी अनुभूति का एक निश्चित तरीका है। और निश्चित रूप से, ऐसा पुनरुत्पादन कुछ तकनीकों, पैटर्न और नियमों के उपयोग के बिना नहीं किया जा सकता है। दृश्य कला में "तकनीक" की अवधारणा को तकनीकों, मानदंडों और व्यावहारिक ज्ञान के एक सेट के रूप में परिभाषित किया जा सकता है, जिसकी मदद से लेखक चित्र के विचार और कथानक को वास्तविकता के करीब, सबसे सटीक रूप से बताता है।

पेंटिंग तकनीक का चुनाव इस बात पर निर्भर करता है कि किसी कार्य को बनाने के लिए किस प्रकार की सामग्री, किस प्रकार का कैनवास लिया जाएगा। कभी-कभी एक कलाकार अपने काम के लिए व्यक्तिगत दृष्टिकोण अपना सकता है, विभिन्न शैलियों और रुझानों के मिश्रण का लाभ उठा सकता है। इस लेखक का दृष्टिकोण आपको कला के वास्तव में अद्वितीय कार्यों - विश्व उत्कृष्ट कृतियों को बनाने की अनुमति देता है।

तकनीकी दृष्टि से पेंटिंग के कई विकल्प हैं। आइए उन पर अधिक विस्तार से विचार करें।

प्राचीन काल की चित्रकारी

चित्रकला का इतिहास आदिमानव की चट्टानों पर की गई नक्काशी से शुरू होता है। इस समय, चित्रों को कथानक की जीवंतता, रंगों के दंगे से अलग नहीं किया जाता है, लेकिन उनमें एक अजीब भावना थी। और उन वर्षों के कथानक हमें सुदूर अतीत में जीवन के अस्तित्व के बारे में स्पष्ट रूप से सूचित करते हैं। पंक्तियाँ अत्यंत सरल हैं, विषय पूर्वानुमेय है, दिशाएँ स्पष्ट हैं।

प्राचीन समय में, चित्रों की सामग्री अधिक विविध हो जाती है, अधिक बार वे जानवरों, विभिन्न चीजों को चित्रित करते हैं, पूरी दीवार पर पूरी जीवनी बनाते हैं, खासकर यदि चित्र फिरौन के लिए बनाए गए थे, जिसमें वे तब बहुत विश्वास करते थे। लगभग दो हजार वर्षों के बाद, दीवार चित्रों में रंग आना शुरू हो जाता है।

प्राचीन चित्रकला, विशेष रूप से, पुरानी रूसी, पुराने चिह्नों में अच्छी तरह से व्यक्त और संरक्षित है। वे एक तीर्थस्थल हैं और ईश्वर की ओर से कला की सुंदरता को व्यक्त करने वाले सर्वोत्तम उदाहरण हैं। उनका रंग अनोखा है, और उद्देश्य एकदम सही है। इस तरह की पेंटिंग अस्तित्व, छवियों की अवास्तविकता को व्यक्त करती है और एक व्यक्ति में एक दिव्य सिद्धांत, एक आदर्श कला के अस्तित्व का विचार पैदा करती है, जिसके बराबर होना चाहिए।

चित्रकला का विकास बिना किसी निशान के नहीं गुजरा। लंबे समय से, मानव जाति वास्तविक अवशेषों और कई शताब्दियों की आध्यात्मिक विरासत को संचित करने में कामयाब रही है।

आबरंग

जल रंग पेंटिंग को रंगों की चमक, रंग की शुद्धता और कागज पर लगाने की पारदर्शिता से अलग किया जाता है। हाँ, कागज़ की सतह पर इस ललित कला तकनीक में काम करना सबसे अच्छा है। ड्राइंग जल्दी सूख जाती है और परिणामस्वरूप हल्का और मैट बनावट प्राप्त कर लेती है।

गहरे, ठोस रंगों का उपयोग करते समय वॉटरकलर आपको दिलचस्प टिंट प्राप्त करने की अनुमति नहीं देता है, लेकिन जब परतें एक के ऊपर एक लगाई जाती हैं तो यह रंग को पूरी तरह से मॉडल कर देता है। इस मामले में, यह पूरी तरह से नए, असामान्य विकल्प खोजने के लिए निकलता है जो अन्य कलात्मक तकनीकों के साथ प्राप्त करना मुश्किल है।

जलरंग से कठिनाइयाँ

वॉटरकलर पेंटिंग जैसी तकनीक में काम करने की जटिलता इस तथ्य में निहित है कि यह गलतियों को माफ नहीं करती है, कार्डिनल परिवर्तनों के साथ सुधार की अनुमति नहीं देती है। यदि आपको लगाया गया टोन पसंद नहीं आया या आपको बिल्कुल अलग रंग मिल गया जो आप चाहते थे, तो यह संभावना नहीं है कि आप इसे ठीक कर पाएंगे। कोई भी प्रयास (पानी से धोना, खुरचना, अन्य रंगों के साथ मिलाना) अधिक दिलचस्प रंग और चित्र के पूर्ण संदूषण दोनों को जन्म दे सकता है।

इस तकनीक में किसी आकृति, वस्तु का स्थान बदलना, रचना में कोई सुधार करना अनिवार्य रूप से असंभव है। लेकिन पेंटिंग पर पेंट जल्दी सूखने के कारण यह रेखाचित्र बनाने के लिए आदर्श है। और पौधों, चित्रों, शहरी परिदृश्यों को चित्रित करने के मामले में, यह तेल चित्रों के साथ प्रतिस्पर्धा कर सकता है।

तेल

पेंटिंग की प्रत्येक तकनीकी किस्म की अपनी विशिष्टताएँ होती हैं। यह प्रदर्शन के तरीके और छवि के कलात्मक प्रसारण दोनों पर लागू होता है। ऑयल पेंटिंग कई कलाकारों की पसंदीदा तकनीकों में से एक है। इसमें काम करना कठिन है, क्योंकि इसके लिए एक निश्चित स्तर के ज्ञान और अनुभव की आवश्यकता होती है: आवश्यक वस्तुओं, सामग्रियों को तैयार करने से लेकर अंतिम चरण तक - परिणामी चित्र को वार्निश की एक सुरक्षात्मक परत के साथ कवर करना।

ऑयल पेंटिंग की पूरी प्रक्रिया काफी श्रमसाध्य है। भले ही आप कौन सा आधार चुनें: कैनवास, कार्डबोर्ड या हार्डबोर्ड (फाइबरबोर्ड), आपको पहले इसे प्राइमर से ढंकना होगा। यह पेंट को लेटने और अच्छी तरह से टिकने देगा, तेल से बाहर नहीं निकलने देगा। यह पृष्ठभूमि को वांछित बनावट और रंग भी देगा। विभिन्न मिट्टी के लिए बहुत सारे प्रकार और व्यंजन हैं। और प्रत्येक कलाकार अपने स्वयं के, विशिष्ट को पसंद करता है, जिसका वह आदी है और जिसे वह सबसे अच्छा विकल्प मानता है।

जैसा कि ऊपर उल्लेख किया गया है, काम कई चरणों में होता है, और अंत में वार्निश पदार्थों के साथ चित्र की कोटिंग होती है। यह कैनवास को नमी, दरारों (जाल) की उपस्थिति और अन्य यांत्रिक क्षति से बचाने के लिए किया जाता है। तेल चित्रकला कागज पर काम को बर्दाश्त नहीं करती है, लेकिन पेंट लगाने की पूरी तकनीक के लिए धन्यवाद, यह आपको कलाकृतियों को सदियों तक सुरक्षित रखने की अनुमति देती है।

चीन की ललित कलाएँ

मैं चीनी चित्रकला के युग पर विशेष ध्यान देना चाहूंगा, क्योंकि इसका इतिहास में एक विशेष पृष्ठ है। चित्रकला की पूर्वी दिशा छह हजार से अधिक वर्षों में विकसित हुई है। इसका गठन अन्य शिल्पों, सामाजिक परिवर्तनों और लोगों के जीवन में होने वाली स्थितियों से निकटता से जुड़ा था। उदाहरण के लिए, चीन में बौद्ध धर्म की शुरुआत के बाद, धार्मिक भित्तिचित्रों को बहुत महत्व मिला। समय (960-1127) में, ऐतिहासिक पेंटिंग लोकप्रिय हो गईं, जिनमें रोजमर्रा की जिंदगी के बारे में कहानियां भी शामिल थीं। लैंडस्केप पेंटिंग ने चौथी शताब्दी ईस्वी में ही खुद को एक स्वतंत्र दिशा के रूप में स्थापित कर लिया था। इ। प्रकृति की छवियाँ नीले-हरे रंगों और चीनी स्याही से बनाई गईं। और नौवीं शताब्दी में, कलाकारों ने तेजी से ऐसे चित्र बनाना शुरू कर दिया जो फूलों, पक्षियों, फलों, कीड़ों, मछलियों को चित्रित करते थे, जो उनके आदर्शों और उनमें युग की प्रकृति को दर्शाते थे।

चीनी चित्रकला की विशेषताएं

पारंपरिक चीनी चित्रकला अपनी विशिष्ट शैली के साथ-साथ पेंटिंग के लिए उपयोग की जाने वाली सामग्रियों के लिए उल्लेखनीय है, जो बदले में ओरिएंटल कला के तरीकों और रूपों को प्रभावित करती है। सबसे पहले, चीनी चित्रकार पेंटिंग बनाने के लिए एक विशेष ब्रश का उपयोग करते हैं। यह पानी के रंग जैसा दिखता है और इसकी नोक विशेष रूप से तेज़ होती है। ऐसा उपकरण आपको परिष्कृत कार्य बनाने की अनुमति देता है, और, जैसा कि आप जानते हैं, सुलेख की शैली अभी भी चीन में व्यापक रूप से उपयोग की जाती है। दूसरे, स्याही का उपयोग हर जगह पेंट के रूप में किया जाता है - चीनी स्याही (ऐसा होता है कि अन्य रंगों के साथ, लेकिन इसका उपयोग एक स्वतंत्र पेंट के रूप में भी किया जाता है)। ऐसा दो हजार साल से होता आ रहा है. यह भी ध्यान देने योग्य बात है कि कागज के आगमन से पहले चीन में लोग रेशम पर चित्रकारी करते थे। आज, कला के आधुनिक स्वामी कागज और रेशम की सतह दोनों पर अपना काम करते हैं।

यह पेंटिंग की सभी तकनीकी संभावनाएँ नहीं हैं। उपरोक्त के अलावा, कला के लिए लेखक के विकल्प सहित कई अन्य (गौचे, पेस्टल, टेम्परा, फ्रेस्को, ऐक्रेलिक, मोम, कांच पर पेंटिंग, चीनी मिट्टी के बरतन, आदि) भी हैं।

चित्रकला के युग

किसी भी कला की तरह, चित्रकला के निर्माण का अपना इतिहास है। और सबसे बढ़कर, यह विकास के विभिन्न चरणों, बहुआयामी शैलियों, दिलचस्प दिशाओं की विशेषता है। चित्रकला का युग यहां अंतिम भूमिका नहीं निभाता है। उनमें से प्रत्येक न केवल लोगों के जीवन के एक हिस्से को प्रभावित करता है और न केवल कुछ ऐतिहासिक घटनाओं के समय को, बल्कि पूरे जीवन को प्रभावित करता है! चित्रकला की कला में सबसे प्रसिद्ध अवधियों में से हैं: पुनर्जागरण और ज्ञानोदय, प्रभाववादी कलाकारों का काम, आधुनिक, अतियथार्थवाद और कई अन्य। दूसरे शब्दों में, पेंटिंग एक निश्चित युग का एक दृश्य चित्रण, जीवन की एक तस्वीर, एक कलाकार की आंखों के माध्यम से एक विश्वदृष्टि है।

"पेंटिंग" की अवधारणा का शाब्दिक अर्थ है "जीवन लिखना", वास्तविकता को स्पष्ट रूप से, निपुणतापूर्वक, आश्वस्त रूप से चित्रित करना। अपने कैनवास पर न केवल हर विवरण, हर छोटी चीज़, क्षण, बल्कि मूड, भावनाओं, इस या उस समय के रंग, कला के पूरे काम की शैली और शैली को व्यक्त करने के लिए।

चित्रकला की शैलियाँ(फ्रांसीसी शैली - जीनस, प्रजाति) - छवि के विषयों और वस्तुओं के अनुसार कला के कार्यों का एक ऐतिहासिक विभाजन। आधुनिक चित्रकला में निम्नलिखित शैलियाँ हैं: चित्रांकन, ऐतिहासिक, पौराणिक, युद्ध, रोजमर्रा की जिंदगी, परिदृश्य, स्थिर जीवन, पशुवत शैली।

यद्यपि पेंटिंग में "शैली" की अवधारणा अपेक्षाकृत हाल ही में दिखाई दी, कुछ शैली अंतर प्राचीन काल से मौजूद हैं: पुरापाषाण युग की गुफाओं में जानवरों की छवियां, 3000 ईसा पूर्व के प्राचीन मिस्र और मेसोपोटामिया के चित्र, हेलेनिस्टिक और रोमन में परिदृश्य और अभी भी जीवन मोज़ाइक और भित्तिचित्र। चित्रफलक चित्रकला में एक प्रणाली के रूप में शैली का गठन यूरोप में 15वीं और 16वीं शताब्दी में शुरू हुआ। और मुख्य रूप से 17वीं शताब्दी में समाप्त हुआ, जब ललित कला को शैलियों में विभाजित करने के अलावा, तथाकथित की अवधारणा भी शुरू हुई। छवि, विषय, कथानक के विषय के आधार पर "उच्च" और "निम्न" शैलियाँ। "उच्च" शैली में ऐतिहासिक और पौराणिक शैलियाँ शामिल थीं, जबकि "निम्न" शैली में चित्र, परिदृश्य और स्थिर जीवन शामिल थे। शैलियों का यह क्रम 19वीं शताब्दी तक चला। यद्यपि अपवादों के साथ.

तो, 17वीं शताब्दी में। हॉलैंड में, यह वास्तव में "निम्न" शैलियाँ (परिदृश्य, रोजमर्रा की शैली, स्थिर जीवन) थीं जो चित्रकला में अग्रणी बन गईं, और औपचारिक चित्र, जो औपचारिक रूप से चित्रांकन की "निम्न" शैली से संबंधित थे, ऐसे नहीं थे . जीवन के प्रतिबिंब का एक रूप बनने के बाद, चित्रकला की शैलियाँ, सामान्य विशेषताओं की सभी स्थिरता के साथ, अपरिवर्तनीय नहीं हैं, वे जीवन के साथ-साथ विकसित होती हैं, जैसे-जैसे कला विकसित होती है, बदलती रहती हैं। कुछ शैलियाँ समाप्त हो जाती हैं या एक नया अर्थ प्राप्त कर लेती हैं (उदाहरण के लिए, पौराणिक शैली), नई शैलियाँ उत्पन्न होती हैं, आमतौर पर पहले से मौजूद शैलियों के भीतर (उदाहरण के लिए, परिदृश्य शैली के भीतर, वास्तुशिल्प परिदृश्यऔर मरीना). ऐसे कार्य सामने आते हैं जो विभिन्न शैलियों को जोड़ते हैं (उदाहरण के लिए, एक परिदृश्य के साथ रोजमर्रा की शैली का संयोजन, एक ऐतिहासिक शैली के साथ एक समूह चित्र)।

ललित कला की वह शैली जो किसी व्यक्ति या लोगों के समूह के बाहरी और आंतरिक स्वरूप को दर्शाती है, कहलाती है चित्र. यह शैली न केवल चित्रकला में, बल्कि मूर्तिकला, ग्राफिक्स आदि में भी व्यापक है। एक चित्र के लिए मुख्य आवश्यकताएं बाहरी समानता का हस्तांतरण और आंतरिक दुनिया का खुलासा, किसी व्यक्ति के चरित्र का सार हैं। छवि की प्रकृति से, दो मुख्य समूह प्रतिष्ठित हैं: औपचारिक और कक्ष चित्र। औपचारिक चित्र में एक वास्तुशिल्प या परिदृश्य पृष्ठभूमि पर एक व्यक्ति को पूर्ण विकास (घोड़े पर, खड़े या बैठे) में दिखाया गया है। चैम्बर चित्र में, तटस्थ पृष्ठभूमि पर आधी लंबाई या छाती की छवि का उपयोग किया जाता है। दोहरे और समूह चित्र हैं। युग्मित चित्र अलग-अलग कैनवस पर चित्रित चित्र कहलाते हैं, लेकिन रचना, प्रारूप और रंग में आपस में समन्वित होते हैं। पोर्ट्रेट समूह बना सकते हैं - पेशेवर, पारिवारिक और अन्य विशेषताओं (निगम, गिल्ड, रेजिमेंटल अधिकारियों, आदि के सदस्यों के चित्रों की गैलरी) के अनुसार एकजुट पोर्ट्रेट गैलरी। एक विशेष समूह में एक स्व-चित्र सामने आता है - कलाकार द्वारा स्वयं की एक छवि।

चित्र ललित कला की सबसे पुरानी शैलियों में से एक है, मूल रूप से इसका एक पंथ उद्देश्य था, इसकी पहचान मृतक की आत्मा से की गई थी। प्राचीन दुनिया में, चित्र मूर्तिकला के साथ-साथ सचित्र चित्रों में भी अधिक विकसित हुआ - पहली-तीसरी शताब्दी के फ़य्यूम चित्र। मध्य युग में, चित्र की अवधारणा को सामान्यीकृत छवियों द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था, हालांकि भित्तिचित्रों, मोज़ेक, आइकन और लघुचित्रों पर ऐतिहासिक आंकड़ों के चित्रण में कुछ व्यक्तिगत विशेषताएं हैं। स्वर्गीय गोथिक और पुनर्जागरण चित्र के विकास में एक अशांत अवधि है, जब चित्र शैली उभर रही है, मनुष्य में मानवतावादी विश्वास और उसके आध्यात्मिक जीवन की समझ की ऊंचाइयों तक पहुंच रही है। 16वीं सदी में निम्नलिखित प्रकार के चित्र दिखाई देते हैं: पारंपरिक (आधा-लंबाई या पूर्ण-लंबाई), रूपक (परमात्मा के गुणों के साथ), प्रतीकात्मक (साहित्यिक कार्य पर आधारित), स्व-चित्र और समूह चित्र: गियट्टो एनरिको स्क्रोवेग्नि(सी. 1305, पडुआ), जान वैन आइक अर्नोल्फिनी जोड़े का पोर्ट्रेट(1434, लंदन, नेशनल गैलरी), लियोनार्डो दा विंची मोना लीसा(सी. 1508, पेरिस, लौवर), राफेल घूंघट वाली महिला(सी. 1516, फ्लोरेंस, पिट्टी गैलरी), टिटियन दस्ताने पहने एक युवक का चित्र(1515-1520, पेरिस, लौवर), ए. ड्यूरर एक युवा का चित्र इंसान(1500, म्यूनिख, अल्टे पिनाकोथेक), एच. होल्बिन दूत(लंदन, नेशनल गैलरी), रेम्ब्रांट रात का पहरा(1642, एम्स्टर्डम, रिज्क्सम्यूजियम), स्व-चित्र के साथ सास्किया अपने घुटनों पर(सी. 1636, ड्रेसडेन, आर्ट गैलरी)। वैन डाइक, रूबेन्स और वेलाज़क्वेज़ के लिए धन्यवाद, एक प्रकार का शाही, दरबारी चित्र दिखाई देता है: मॉडल को चिलमन, परिदृश्य, वास्तुशिल्प रूपांकन (वान डाइक) की पृष्ठभूमि के खिलाफ पूरी लंबाई में दिखाया गया है चार्ल्स प्रथम का पोर्ट्रेट, ठीक है। 1653, पेरिस, लौवर)।

समानांतर में, मनोवैज्ञानिक चित्र, चित्र-चरित्र, समूह चित्र की एक पंक्ति है: एफ. हेल्स सेंट का समूह चित्र. एड्रियाना(1633, हार्लेम, फ्रैंस हेल्स संग्रहालय), रेम्ब्रांट सिंडिक्स(1662, एम्स्टर्डम, रिज्क्सम्यूजियम), एल ग्रीको नीनो डी ग्वेरा का पोर्ट्रेट(1601, न्यूयॉर्क, मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट), डी. वेलास्केज़ फिलिप चतुर्थ का पोर्ट्रेट(1628, मैड्रिड, प्राडो), एफ. गोया बोर्डो से मिल्कमेड(1827, मैड्रिड, प्राडो), टी. गेन्सबोरो अभिनेत्री सारा सिडन्स का पोर्ट्रेट(1784-1785, लंदन, नेशनल गैलरी), एफ.एस. रोकोतोव माईकोव का चित्र(सी. 1765, मॉस्को, ट्रेटीकोव गैलरी), डी. जी. लेवित्स्की एम.ए. का पोर्ट्रेट डायकोवा(1778, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी)। 19वीं-20वीं सदी का एक दिलचस्प और विविध चित्र: डी. इंग्रेस मैडम रिकैमियर का पोर्ट्रेट(1800, पेरिस, लौवर), ई. मानेट मुरली बजानेवाला(1866, पेरिस, लौवर), ओ. रेनॉयर जीन सैमरी का पोर्ट्रेट(1877, मॉस्को, पुश्किन स्टेट म्यूजियम ऑफ फाइन आर्ट्स), वी. वान गाग कान पर पट्टी बाँधे हुए स्व चित्र(1889, शिकागो, ब्लॉक संग्रह), ओ.ए. किप्रेंस्की एक कवि का चित्रण पुश्किन(1827, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी), आई.एन. क्राम्स्कोय लेखक लियो टॉल्स्टॉय का पोर्ट्रेट(1873, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी), आई.ई. रेपिन Mussorgsky(1881, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी)।

ऐतिहासिक घटनाओं एवं पात्रों को समर्पित ललित कला की शैली कहलाती है ऐतिहासिक शैली.ऐतिहासिक शैली, जो स्मारकीयता की विशेषता है, दीवार पेंटिंग में लंबे समय से विकसित हुई है। पुनर्जागरण से 19वीं सदी तक. कलाकारों ने प्राचीन पौराणिक कथाओं, ईसाई किंवदंतियों के कथानकों का उपयोग किया। अक्सर चित्र में चित्रित वास्तविक ऐतिहासिक घटनाएं पौराणिक या बाइबिल के रूपक पात्रों से संतृप्त होती थीं। ऐतिहासिक शैली दूसरों के साथ जुड़ी हुई है - रोजमर्रा की शैली (ऐतिहासिक और रोजमर्रा के दृश्य), चित्र (अतीत के ऐतिहासिक आंकड़ों की छवि, चित्र-ऐतिहासिक रचनाएं), परिदृश्य ("ऐतिहासिक परिदृश्य"), युद्ध शैली के साथ विलीन हो जाती है।

ऐतिहासिक शैली चित्रफलक और स्मारकीय रूपों में, लघुचित्रों और चित्रों में सन्निहित है। पुरातनता में उत्पन्न, ऐतिहासिक शैली ने वास्तविक ऐतिहासिक घटनाओं को मिथकों के साथ जोड़ा। प्राचीन पूर्व के देशों में, यहां तक ​​कि प्रतीकात्मक रचनाएं भी थीं (सम्राट की सैन्य जीत की एपोथेसिस, एक देवता द्वारा उसे सत्ता का हस्तांतरण) और भित्तिचित्रों और राहतों के कथा चक्र।

प्राचीन ग्रीस में, ऐतिहासिक नायकों की मूर्तिकला छवियां थीं ( अत्याचारनाशक, 477 ईसा पूर्व), प्राचीन रोम में सैन्य अभियानों और विजय के दृश्यों के साथ राहतें बनाई गईं ( ट्रोजन का स्तंभरोम में, लगभग. 111-114). यूरोप में मध्य युग में, ऐतिहासिक घटनाओं को इतिहास के लघुचित्रों, प्रतीकों में प्रतिबिंबित किया गया था। चित्रफलक चित्रकला में ऐतिहासिक शैली 17वीं और 18वीं शताब्दी में पुनर्जागरण के दौरान यूरोप में आकार लेना शुरू हुई। इसे एक "उच्च" शैली के रूप में माना जाता था, जो सामने लाती थी (धार्मिक, पौराणिक, रूपक, वास्तव में ऐतिहासिक कथानक)। प्रथम यथार्थवादी चित्रफलक चित्रों में से एक था ब्रेडा का समर्पणवेलाज़क्वेज़ (1629-1631, मैड्रिड, प्राडो)। नाटकीय सामग्री, उच्च सौंदर्य आदर्शों, मानवीय संबंधों की गहराई से भरी ऐतिहासिक शैली की तस्वीरें: टिंटोरेटो ज़ारा की लड़ाई(सी. 1585, वेनिस, डोगे का महल), एन. पॉसिन स्किपियो की उदारता(1643, मॉस्को, पुश्किन स्टेट म्यूजियम ऑफ फाइन आर्ट्स), जे. एल. डेविड होराती की शपथ(1784, पेरिस, लौवर), ई. मानेट कार्यान्वयन सम्राट मैक्सिमिलियन(1871, बुडापेस्ट, ललित कला संग्रहालय)। 19वीं सदी की शुरुआत - ऐतिहासिक शैली के विकास में एक नया चरण, जो रूमानियत के उद्भव, यूटोपियन अपेक्षाओं के उदय के साथ शुरू हुआ: ई. डेलाक्रोइक्स क्रुसेडर्स द्वारा कॉन्स्टेंटिनोपल पर कब्ज़ा(1840, पेरिस, लौवर), के. ब्रायलोव पोम्पेई का आखिरी दिन(1830-1833, सेंट पीटर्सबर्ग, रूसी संग्रहालय), ए.ए. इवानोव लोगों के सामने मसीह का प्रकट होना(1837-1857, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी)। 19वीं सदी के दूसरे भाग का यथार्थवाद। लोगों और व्यक्तियों की ऐतिहासिक त्रासदियों की समझ को संदर्भित करता है: आई.ई. रेपिन इवान ग्रोज़नी और उनका बेटा इवान(1885, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी), वी.आई. सुरिकोव मेन्शिकोव में बेरेज़ोव(1883, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी)। 20वीं सदी की कला में सौंदर्य और कविता के स्रोत के रूप में पुरातनता में रुचि है: वी.ए. सेरोव पीटर आई(1907, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी), "वर्ल्ड ऑफ़ आर्ट" एसोसिएशन के कलाकार। ऐतिहासिक-क्रांतिकारी रचना ने सोवियत कला में अग्रणी स्थान हासिल किया: बी.एम. कुस्तोडीव बोल्शेविक(1920, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी)।

नायकों और घटनाओं को समर्पित ललित कला की वह शैली जिसके बारे में प्राचीन लोगों के मिथक बताते हैं, कहलाती है पौराणिक शैली(ग्रीक से। मिथोस - परंपरा)। पौराणिक शैली ऐतिहासिक के संपर्क में आती है और पुनर्जागरण में आकार लेती है, जब प्राचीन किंवदंतियों ने जटिल नैतिक, अक्सर प्रतीकात्मक अर्थ वाली कहानियों और पात्रों के अवतार के लिए सबसे समृद्ध अवसर प्रदान किए: एस बोटिसेली शुक्र का जन्म(सी. 1484, फ़्लोरेंस, उफ़ीज़ी), ए. मेन्तेग्ना कविता(1497, पेरिस, लौवर), जियोर्जियोन सोना शुक्र(सी. 1508-1510, ड्रेसडेन, आर्ट गैलरी), राफेल एथेनियन स्कूल(1509-1510, रोम, वेटिकन)। 17वीं सदी में - जल्दी 19 वीं सदी पौराणिक शैली के कार्यों में, नैतिक, सौंदर्य संबंधी समस्याओं की सीमा का विस्तार होता है, जो उच्च कलात्मक आदर्शों में सन्निहित हैं और या तो जीवन के करीब आते हैं, या उत्सव का तमाशा बनाते हैं: एन. पॉसिन सोया हुआ शुक्र(1620, ड्रेसडेन, आर्ट गैलरी), पी.पी. रूबेन्स पीना पिलाना(1619-1620, मॉस्को, पुश्किन स्टेट म्यूजियम ऑफ फाइन आर्ट्स), डी. वेलास्केज़ Bacchus (मतवाले) (1628-1629, मैड्रिड, प्राडो), रेम्ब्रांट दाने(1636, सेंट पीटर्सबर्ग, हर्मिटेज), जी.बी. टाईपोलो एम्फीट्राइट की विजय(सी. 1740, ड्रेसडेन, आर्ट गैलरी)। 19वीं-20वीं शताब्दी से जर्मनिक, सेल्टिक, भारतीय, स्लाविक मिथकों के विषय लोकप्रिय हो गए।

युद्ध शैली(फ्रेंच बटैले से - लड़ाई) पेंटिंग की एक शैली है जो ऐतिहासिक, पौराणिक शैली का हिस्सा है और लड़ाई, सैन्य कारनामे, सैन्य संचालन, सैन्य कौशल का महिमामंडन, युद्ध का क्रोध, जीत की विजय को चित्रित करने में माहिर है। युद्ध चित्रकला में अन्य शैलियों के तत्व शामिल हो सकते हैं - घरेलू, चित्र, परिदृश्य, पशुवत, स्थिर जीवन। कलाकारों ने नियमित रूप से युद्ध शैली की ओर रुख किया: लियोनार्डो दा विंची अंघियारी की लड़ाई(संरक्षित नहीं), माइकल एंजेलो काशीन की लड़ाई(संरक्षित नहीं), टिंटोरेटो ज़ारा की लड़ाई(सी. 1585, वेनिस, डोगे का महल), एन. पॉसिन, ए. वट्टू युद्ध की कठिनाइयाँ(सी. 1716, सेंट पीटर्सबर्ग, हर्मिटेज), एफ. गोया युद्ध की आपदाएँ(1810-1820), टी. गेरिकॉल्ट घायल कुइरासिएर(1814, पेरिस, लौवर), ई. डेलाक्रोइक्स चिओस में नरसंहार(1824, पेरिस, लौवर), वी.एम. वासनेत्सोव इगोर सियावेटोस्लावोविच की लड़ाई के बाद क्यूमन्स(1880, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी)।

ललित कला की एक शैली जो किसी व्यक्ति के रोजमर्रा, निजी जीवन, किसान और शहरी जीवन से लेकर रोजमर्रा के जीवन के दृश्य दिखाती है, कहलाती है रोजमर्रा की शैली. लोगों के जीवन और रीति-रिवाजों के प्रति आकर्षण पहले से ही प्राचीन पूर्व के भित्तिचित्रों और राहतों में, प्राचीन फूलदान पेंटिंग और मूर्तिकला में, मध्ययुगीन चिह्नों और घंटे की किताबों में पाया जाता है। लेकिन रोजमर्रा की शैली सामने आई और धर्मनिरपेक्ष चित्रफलक कला की एक घटना के रूप में ही विशिष्ट रूप प्राप्त किया। इसकी मुख्य विशेषताएं 14वीं-15वीं शताब्दी में आकार लेना शुरू हुईं। नीदरलैंड, जर्मनी, फ्रांस में वेदी पेंटिंग, राहत, टेपेस्ट्री, लघुचित्र में। 16वीं सदी में नीदरलैंड में, घरेलू शैली तेजी से विकसित होने लगी और अलग-थलग पड़ गई। इसके संस्थापकों में से एक आई. बॉश थे ( सात घातक पाप, मैड्रिड, प्राडो)। यूरोप में रोजमर्रा की शैली का विकास पी. ब्रूघेल के काम से काफी प्रभावित था: वह शुद्ध रोजमर्रा की शैली की ओर बढ़ते हैं, दिखाते हैं कि रोजमर्रा की जिंदगी अध्ययन की वस्तु और सुंदरता का स्रोत हो सकती है ( किसान नृत्य, किसान विवाह- ठीक है। 1568, वियना, कुन्थिस्टोरिसचेस संग्रहालय)। सत्रवहीं शताब्दी यूरोप में चित्रकला के सभी स्कूलों में "शैली" का युग कहा जा सकता है: माइकल एंजेलो दा कारवागियो ज्योतिषी(पेरिस, लौवर), पी.पी. रूबेन्स किसान नृत्य(1636-1640, मैड्रिड, प्राडो), जे. जॉर्डन बीन किंग महोत्सव(सी. 1638, सेंट पीटर्सबर्ग, हर्मिटेज), ए. वैन ओस्टेड मुरली बजानेवाला(सी. 1660, मॉस्को, पुश्किन स्टेट म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स), जान स्टीन मरीज़ और डॉक्टर(सी. 1660, एम्स्टर्डम, रिज्क्सम्यूजियम), एफ. हेल्स जिप्सी(सी. 1630, पेरिस, लौवर), डेल्फ़्ट के जन वर्मीर एक पत्र वाली लड़की(1650 के दशक के अंत में, ड्रेसडेन, आर्ट गैलरी)। 18वीं सदी में फ़्रांस में, शैली चित्रकला वीरतापूर्ण दृश्यों, "देहाती" की छवि से जुड़ी है, परिष्कृत और सुंदर, विडंबनापूर्ण बन जाती है: ए. वट्टू पड़ाव(सी. 1710, मॉस्को, पुश्किन स्टेट म्यूजियम ऑफ फाइन आर्ट्स), जे.बी. चार्डिन रात के खाने से पहले प्रार्थना(सी. 1737, सेंट पीटर्सबर्ग, हर्मिटेज)। रोजमर्रा की शैली के कार्य विविध हैं: उन्होंने घरेलू जीवन की गर्माहट और दूर देशों की विदेशीता, भावुक अनुभव और रोमांटिक जुनून दिखाया। 19वीं सदी में घरेलू शैली। पेंटिंग में, उन्होंने लोकतांत्रिक आदर्शों पर जोर दिया, अक्सर आलोचनात्मक स्वरों के साथ: ओ. ड्यूमियर धोबिन(1863, पेरिस, लौवर), जी. कौरबेट कलाकार की कार्यशाला(1855, पेरिस, मुसी डी'ऑर्से)। किसान जीवन और शहरवासियों के जीवन को दिखाने पर केंद्रित रोजमर्रा की शैली, 19वीं सदी की रूसी चित्रकला में स्पष्ट रूप से विकसित हुई: ए.जी. वेनेत्सियानोव कृषि योग्य भूमि पर. वसंत(1820, मॉस्को, ट्रेटीकोव गैलरी), पी.ए. फेडोटोव मेजर की मंगनी(1848, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी), वी.जी. पेरोव चौकी पर आखिरी शराबखाना(1868, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी), आई.ई. रेपिन इंतज़ार नहीं किया(1884, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी)।

ललित कला की शैली, जहां मुख्य चीज प्रकृति, पर्यावरण, ग्रामीण इलाकों के दृश्य, शहरों, ऐतिहासिक स्मारकों की छवि है, परिदृश्य (fr। भुगतान) कहलाती है। इसमें ग्रामीण, शहरी परिदृश्य (वेदुता सहित), वास्तुशिल्प, औद्योगिक, जल तत्व की छवियां - समुद्र (मरीना) और नदी परिदृश्य हैं

प्राचीन काल और मध्य युग में, परिदृश्य मंदिरों, महलों, चिह्नों और लघुचित्रों के चित्रों में दिखाई देता है। यूरोपीय कला में, पुनर्जागरण के वेनिस के चित्रकार (ए. कैनेलेटो) प्रकृति की छवि की ओर रुख करने वाले पहले व्यक्ति थे। 16वीं सदी से परिदृश्य एक स्वतंत्र शैली बन जाता है, इसकी किस्में और दिशाएँ बनती हैं: गीतात्मक, वीर, वृत्तचित्र परिदृश्य: पी. ब्रूघेल यह एक बुरा दिन है (वसंत की पूर्वसंध्या) (1565, वियना, कुन्थिस्टोरिसचेस संग्रहालय), पी.पी. रूबेन्स शेर का शिकार(सी. 1615, म्यूनिख, अल्टे पिनाकोथेक), रेम्ब्रांट एक तालाब और एक धनुषाकार पुल के साथ परिदृश्य(1638, बर्लिन-डाहलेम), जे. वैन रुइसडेल वन दलदल(1660 के दशक, ड्रेसडेन, आर्ट गैलरी), एन. पॉसिन पॉलीपेमस के साथ लैंडस्केप(1649, मॉस्को, पुश्किन स्टेट म्यूजियम ऑफ फाइन आर्ट्स), सी. लोरेन दोपहर(1651, सेंट पीटर्सबर्ग, हर्मिटेज), एफ. गार्डी पियाज़ा सैन मार्को, बेसिलिका का दृश्य(सी. 1760-1765, लंदन, नेशनल गैलरी)। 19 वीं सदी में परिदृश्य के उस्तादों की रचनात्मक खोजें, सामाजिक मुद्दों के साथ इसकी संतृप्ति, प्लेन एयर (प्राकृतिक पर्यावरण की छवि) का विकास प्रभाववाद की उपलब्धियों में परिणत हुआ, जिसने स्थानिक गहराई, परिवर्तनशीलता के सुरम्य संचरण में नए अवसर दिए। प्रकाश और वायु पर्यावरण, रंगों की जटिलता: बारबिजॉन, सी. कोरोट वेनिस में सुबह(सी. 1834, मॉस्को, पुश्किन स्टेट म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स), ए.के. सावरसोव रूक्स आ गए हैं(1871, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी), आई.आई. शिश्किन राईवी.डी. पोलेनोव मास्को प्रांगण(1878, मॉस्को, ट्रेटीकोव गैलरी), आई.आई. लेविटन सुनहरी शरद ऋतु(1895, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी), ई. मानेट घास पर नाश्ता(1863, पेरिस, लौवर), सी. मोनेट बुलेवार्ड पेरिस में कैपुचिन(1873, मॉस्को, पुश्किन स्टेट म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स), ओ. रेनॉयर पतवार पूल(1869, स्टॉकहोम, राष्ट्रीय संग्रहालय)।

मरीना(यह। मरीना, लैट से। मैरिनस - समुद्र) - परिदृश्य के प्रकारों में से एक, जिसका उद्देश्य समुद्र है। मरीना का गठन 17वीं शताब्दी की शुरुआत में हॉलैंड में एक स्वतंत्र शैली के रूप में किया गया था: जे. पोर्सेलिस, एस. डी व्लीगर, वी. वैन डी वेले, जे. वर्नेट, डब्ल्यू. टर्नर समुद्र में अंतिम संस्कार(1842, लंदन, टेट गैलरी), सी. मोनेट छाप, सूर्योदय सूरज(1873, पेरिस, मर्मोटन संग्रहालय), एस.एफ. शेड्रिन सोरेंटो में छोटा बंदरगाह(1826, मॉस्को, ट्रीटीकोव गैलरी)।

वास्तुशिल्प परिदृश्य- एक प्रकार का परिदृश्य, परिप्रेक्ष्य चित्रकला के प्रकारों में से एक, प्राकृतिक वातावरण में वास्तविक या काल्पनिक वास्तुकला की एक छवि। वास्तुशिल्प परिदृश्य में एक बड़ी भूमिका रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य द्वारा निभाई जाती है, जो प्रकृति और वास्तुकला को जोड़ती है। वास्तुशिल्प परिदृश्य में, शहरी परिप्रेक्ष्य दृश्य प्रतिष्ठित हैं, जिन्हें 18 वीं शताब्दी में कहा जाता था। वेदुतामी (ए. कैनालेटो, बी. बेलोटो, वेनिस में एफ. गार्डी), संपदा के दृश्य, इमारतों के साथ पार्क समूह, प्राचीन या मध्ययुगीन खंडहरों के साथ परिदृश्य (जे. रॉबर्ट; के. डी. फ्रेडरिक) ओक में अभय कुंज, 1809-1810, बर्लिन, राज्य संग्रहालय; एस.एफ. शेड्रिन), काल्पनिक इमारतों और खंडहरों के साथ परिदृश्य (डी.बी. पिरानेसी, डी. पन्निनी)।

वेदुता(यह वेदुता, शाब्दिक अर्थ - देखा गया) - एक परिदृश्य जो क्षेत्र, शहर, पैनोरमा कला की उत्पत्ति में से एक के दस्तावेजी दृश्य को सटीक रूप से दर्शाता है। यह शब्द 18वीं शताब्दी में सामने आया, जब दृश्यों को पुन: प्रस्तुत करने के लिए कैमरा ऑब्स्कुरा का उपयोग किया गया था। इस शैली में काम करने वाले प्रमुख कलाकार ए. कैनालेटो थे: पियाज़ा सैन मार्को(1727-1728, वाशिंगटन, नेशनल गैलरी)।

ललित कला की एक शैली जो घरेलू वस्तुओं, श्रम, रचनात्मकता, फूल, फल, वध किए गए खेल, पकड़ी गई मछली, वास्तविक घरेलू वातावरण में रखी जाती है, को स्थिर जीवन कहा जाता है (फादर प्रकृति मोर्टे - मृत प्रकृति)। फिर भी जीवन एक जटिल प्रतीकात्मक अर्थ से संपन्न हो सकता है, एक सजावटी पैनल की भूमिका निभा सकता है, तथाकथित हो सकता है। "छल", जो वास्तविक वस्तुओं या आकृतियों का भ्रामक पुनरुत्पादन देता है, जिससे वास्तविक प्रकृति की उपस्थिति का प्रभाव उत्पन्न होता है।

वस्तुओं की छवि पुरातनता और मध्य युग की कला में जानी जाती है। लेकिन चित्रफलक पेंटिंग में पहला स्थिर जीवन वेनिस के कलाकार जैकोपो डी बारबरी की पेंटिंग माना जाता है तीर और दस्तानों के साथ तीतर(1504, म्यूनिख, अल्टे पिनाकोथेक)। पहले से ही 16वीं शताब्दी में। स्थिर जीवन को कई प्रकारों में विभाजित किया गया है: लोगों के साथ या उनके बिना रसोई का आंतरिक भाग, ग्रामीण सेटिंग में एक रखी हुई मेज, प्रतीकात्मक वस्तुओं के साथ "वनिता" (फूलों का फूलदान, एक बुझी हुई मोमबत्ती, संगीत वाद्ययंत्र)। 17वीं सदी में स्थिर जीवन की शैली फल-फूल रही है: एफ. स्नाइडर्स द्वारा चित्रों की स्मारकीयता ( फिर भी हंस के साथ जीवन, मॉस्को, पुश्किन स्टेट म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स), एफ. ज़ुर्बरन, जिन्होंने कुछ वस्तुओं से सरल रचनाएँ बनाईं ( चार जहाजों के साथ फिर भी जीवन, 1632-1634, मैड्रिड, प्राडो)। डचों का स्थिर जीवन विशेष रूप से समृद्ध था, रंग और चित्रित चीजों में मामूली, लेकिन वस्तुओं की अभिव्यंजक बनावट, रंग और प्रकाश के खेल में उत्तम (पी. क्लास, वी. हेडा, वी. काल्फ, ए. बेयरेन) . 18वीं सदी में जे.बी. चार्डिन का संक्षिप्त स्थिर जीवन रोजमर्रा की जिंदगी में छिपे मूल्य और गरिमा की पुष्टि करता है: कला गुण(1766, सेंट पीटर्सबर्ग, हर्मिटेज)। 19वीं सदी के स्थिर जीवन विविध हैं: ओ. ड्यूमियर के कैनवस में सामाजिक निहितार्थ; ई. मैनेट के चित्रों में पारदर्शिता, वायुहीनता; पी. सीज़ेन द्वारा स्मारकीयता, रचनात्मकता, रंग के साथ रूप की सटीक ढलाई। 20 वीं सदी में स्थिर जीवन की नई संभावनाएँ खुलती हैं: पी. पिकासो, जे. ब्रैक ने इस विषय को एक कलात्मक प्रयोग का मुख्य उद्देश्य बनाया, इसकी ज्यामितीय संरचना का अध्ययन और विच्छेदन किया।

जानवरों को चित्रित करने वाली ललित कला की एक शैली कहलाती है पशु शैली(अक्षांश से। पशु - जानवर)। पशु कलाकार जानवर की कलात्मक और आलंकारिक विशेषताओं, उसकी आदतों, आकृति की सजावटी अभिव्यक्ति, सिल्हूट पर ध्यान देता है। अक्सर जानवर लोगों, कार्यों और अनुभवों में निहित गुणों से संपन्न होते हैं। जानवरों की छवियां अक्सर प्राचीन मूर्तिकला, फूलदान पेंटिंग में पाई जाती हैं।

नीना बेयोर

साहित्य:

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- यह ललित कला के मुख्य प्रकारों में से एक है; सतह पर रंगीन रंगों के साथ वस्तुगत दुनिया का एक कलात्मक प्रतिनिधित्व है। पेंटिंग को विभाजित किया गया है: चित्रफलक, स्मारकीय और सजावटी।

- मुख्य रूप से कैनवास (कार्डबोर्ड, लकड़ी के बोर्ड या नंगे) पर तेल पेंट के साथ किए गए कार्यों द्वारा दर्शाया गया है। यह चित्रकला का सबसे लोकप्रिय रूप है। यह वह रूप है जो आमतौर पर "शब्द" पर लागू होता है। चित्रकारी".

इमारतों के डिजाइन में दीवारों पर और इमारतों में वास्तुशिल्प तत्वों को चित्रित करने की एक तकनीक है। यूरोप में विशेष रूप से आम है फ्रेस्को - पानी में घुलनशील पेंट के साथ गीले प्लास्टर पर स्मारकीय पेंटिंग। यह ड्राइंग तकनीक प्राचीन काल से ही प्रसिद्ध रही है। बाद में, इस तकनीक का उपयोग कई ईसाई धार्मिक मंदिरों और उनके तहखानों के डिजाइन में किया गया।

सजावटी पेंटिंग - (लैटिन शब्द डेकोरो से - सजाने के लिए) वस्तुओं और आंतरिक विवरणों, दीवारों, फर्नीचर और अन्य सजावटी वस्तुओं पर चित्र बनाने और लगाने का एक तरीका है। कला और शिल्प को संदर्भित करता है।

चित्रात्मक कला की संभावनाएं विशेष रूप से 15वीं शताब्दी से तेल पेंट के बड़े पैमाने पर उपयोग के क्षण से चित्रफलक पेंटिंग द्वारा स्पष्ट रूप से प्रकट होती हैं। इसमें विशेष प्रकार की सामग्री और स्वरूप का गहन विस्तार उपलब्ध है। सचित्र कलात्मक साधनों के केंद्र में रंग (रंगों की संभावनाएँ) हैं, काइरोस्कोरो और रेखा के साथ अविभाज्य एकता में; रंग और काइरोस्कोरो को अन्य कला रूपों के लिए दुर्गम पूर्णता और चमक के साथ पेंटिंग तकनीकों द्वारा विकसित और विकसित किया जाता है। यह यथार्थवादी चित्रकला में निहित वॉल्यूमेट्रिक और स्थानिक मॉडलिंग की पूर्णता, वास्तविकता का जीवंत और सटीक संचरण, कलाकार द्वारा कल्पना की गई भूखंडों (और रचनाओं के निर्माण के तरीकों), और अन्य चित्रात्मक गुणों को साकार करने की संभावना का कारण है।

पेंटिंग के प्रकारों में अंतर का एक और अंतर पेंट के प्रकार के अनुसार निष्पादन की तकनीक है। यह निर्धारित करने के लिए हमेशा पर्याप्त सामान्य विशेषताएं नहीं होती हैं। प्रत्येक व्यक्तिगत मामले में पेंटिंग और ग्राफिक्स के बीच की सीमा: उदाहरण के लिए, पानी के रंग या पेस्टल में किए गए कार्य कलाकार के दृष्टिकोण और उसे सौंपे गए कार्यों के आधार पर दोनों क्षेत्रों से संबंधित हो सकते हैं। यद्यपि कागज पर चित्र ग्राफिक्स से संबंधित हैं, विभिन्न पेंटिंग तकनीकों का उपयोग कभी-कभी पेंटिंग और ग्राफिक्स के बीच अंतर को धुंधला कर देता है।

यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि शब्दार्थ शब्द "पेंटिंग" स्वयं रूसी भाषा का एक शब्द है। इसे बारोक युग के दौरान रूस में ललित कला के निर्माण के दौरान एक शब्द के रूप में उपयोग के लिए लिया गया था। उस समय "पेंटिंग" शब्द का उपयोग केवल पेंट के साथ एक निश्चित प्रकार के यथार्थवादी चित्रण के लिए किया जाता था। लेकिन मूल रूप से यह चर्च आइकन पेंटिंग तकनीक से आता है, जिसमें "लिखना" (लिखने का संदर्भ) शब्द का उपयोग किया जाता है क्योंकि यह शब्द ग्रीक ग्रंथों में अर्थ का अनुवाद है (यहां ऐसी "अनुवाद कठिनाइयां" हैं)। रूस में अपने स्वयं के कला विद्यालय के विकास और कला के क्षेत्र में यूरोपीय अकादमिक ज्ञान की विरासत ने रूसी शब्द "पेंटिंग" का दायरा विकसित किया, इसे शैक्षिक शब्दावली और साहित्यिक भाषा में अंकित किया। लेकिन रूसी भाषा में, लिखने और चित्र बनाने के संबंध में क्रिया "लिखें" के अर्थ की एक विशेषता बनाई गई थी।

चित्रकला की शैलियाँ

ललित कलाओं के विकास के क्रम में, चित्रकला की कई शास्त्रीय शैलियों का निर्माण हुआ, जिन्होंने अपनी विशेषताओं और नियमों को प्राप्त किया।

चित्र- यह एक व्यक्ति की यथार्थवादी छवि है जिसमें कलाकार मूल से समानता हासिल करने की कोशिश करता है। चित्रकला की सबसे लोकप्रिय शैलियों में से एक। अधिकांश ग्राहकों ने कलाकारों की प्रतिभा का उपयोग अपनी छवि बनाए रखने के लिए किया या, किसी प्रियजन, रिश्तेदार आदि की छवि पाने की चाहत में किया। ग्राहकों ने इतिहास में एक दृश्य अवतार छोड़कर एक चित्र समानता प्राप्त करने (या यहां तक ​​कि इसे सुशोभित करने) की मांग की। विभिन्न शैलियों के चित्र अधिकांश कला संग्रहालयों और निजी संग्रहों की प्रदर्शनी का सबसे बड़ा हिस्सा हैं। इस शैली में इस प्रकार के चित्र भी शामिल हैं आत्म चित्र - स्वयं कलाकार की एक छवि, स्वयं द्वारा लिखी गई।

प्राकृतिक दृश्य- लोकप्रिय चित्रात्मक शैलियों में से एक जिसमें कलाकार प्रकृति, उसकी सुंदरता या विशिष्टता को प्रदर्शित करना चाहता है। विभिन्न प्रकार की प्रकृति (मौसम और मौसम का मिजाज) किसी भी दर्शक पर गहरा भावनात्मक प्रभाव डालती है - यह व्यक्ति की मनोवैज्ञानिक विशेषता है। परिदृश्यों से भावनात्मक प्रभाव प्राप्त करने की इच्छा ने इस शैली को कलात्मक सृजन में सबसे लोकप्रिय में से एक बना दिया है।

- यह शैली कई मायनों में परिदृश्य के समान है, लेकिन इसकी एक प्रमुख विशेषता है: पेंटिंग वास्तुशिल्प वस्तुओं, इमारतों या शहरों की भागीदारी के साथ परिदृश्य दर्शाती हैं। एक विशेष दिशा शहरों के सड़क दृश्य हैं जो उस स्थान के वातावरण को व्यक्त करते हैं। इस शैली की एक अन्य दिशा किसी विशेष इमारत की वास्तुकला की सुंदरता की छवि है - इसकी उपस्थिति या इसके अंदरूनी हिस्सों की छवि।

- एक शैली जिसमें चित्रों का मुख्य कथानक एक ऐतिहासिक घटना या कलाकार द्वारा उसकी व्याख्या है। दिलचस्प बात यह है कि इस शैली में बाइबिल विषय पर बड़ी संख्या में पेंटिंग शामिल हैं। चूँकि मध्य युग में, बाइबिल के दृश्यों को "ऐतिहासिक" घटनाएँ माना जाता था और चर्च इन चित्रों का मुख्य ग्राहक था। अधिकांश कलाकारों के काम में "ऐतिहासिक" बाइबिल के दृश्य मौजूद हैं। ऐतिहासिक चित्रकला का पुनर्जन्म नवशास्त्रवाद के दौरान होता है, जब कलाकार प्रसिद्ध ऐतिहासिक कथानकों, प्राचीन काल की घटनाओं या राष्ट्रीय किंवदंतियों की ओर रुख करते हैं।

- युद्धों और लड़ाइयों के दृश्यों को दर्शाता है। एक विशेषता न केवल एक ऐतिहासिक घटना को प्रतिबिंबित करने की इच्छा है, बल्कि दर्शकों को पराक्रम और वीरता के भावनात्मक उत्थान से अवगत कराना भी है। इसके बाद, यह शैली राजनीतिक भी हो जाती है, जिससे कलाकार को जो कुछ हो रहा है उस पर दर्शक को अपना दृष्टिकोण (अपना दृष्टिकोण) बताने की अनुमति मिलती है। हम वी. वीरेशचागिन के काम में राजनीतिक लहजे और कलाकार की प्रतिभा की ताकत का समान प्रभाव देख सकते हैं।

- यह फूलों, उत्पादों, व्यंजनों का उपयोग करके निर्जीव वस्तुओं की रचनाओं के साथ पेंटिंग की एक शैली है। यह शैली नवीनतम में से एक है और इसका गठन डच स्कूल ऑफ़ पेंटिंग में हुआ था। शायद इसका स्वरूप डच स्कूल की ख़ासियत के कारण है। हॉलैंड में 17वीं सदी के आर्थिक उत्थान के दौर में आबादी के एक बड़े हिस्से में किफायती विलासिता (पेंटिंग) की चाहत पैदा हुई। इस स्थिति ने बड़ी संख्या में कलाकारों को हॉलैंड की ओर आकर्षित किया, जिससे उनके बीच तीव्र प्रतिस्पर्धा पैदा हो गई। गरीब कलाकारों के लिए मॉडल और वर्कशॉप (उपयुक्त कपड़ों में लोग) उपलब्ध नहीं थे। बिक्री के लिए पेंटिंग बनाते हुए, उन्होंने पेंटिंग बनाने के लिए तात्कालिक साधनों (वस्तुओं) का उपयोग किया। डच स्कूल के इतिहास में यह स्थिति शैली चित्रकला के विकास का कारण है।

शैली पेंटिग - चित्रों का कथानक रोजमर्रा की जिंदगी या छुट्टियों के रोजमर्रा के दृश्य हैं, आमतौर पर आम लोगों की भागीदारी के साथ। स्थिर जीवन के साथ-साथ, यह 17वीं शताब्दी में हॉलैंड के कलाकारों के बीच व्यापक हो गया। रूमानियत और नवशास्त्रवाद की अवधि के दौरान, यह शैली एक नया जन्म लेती है, पेंटिंग रोजमर्रा की जिंदगी को प्रतिबिंबित करने के लिए इतना अधिक नहीं होती है जितना कि इसे रोमांटिक बनाने के लिए, कथानक में एक निश्चित अर्थ या नैतिकता पेश करने के लिए।

मरीना- एक प्रकार का परिदृश्य जो समुद्र के दृश्य, समुद्र की ओर देखने वाले तटीय परिदृश्य, समुद्र पर सूर्योदय और सूर्यास्त, जहाजों या यहां तक ​​कि नौसैनिक युद्धों को दर्शाता है। हालाँकि युद्ध की एक अलग शैली है, लेकिन नौसैनिक युद्ध अभी भी मरीना शैली से संबंधित हैं। इस शैली के विकास और लोकप्रियता का श्रेय 17वीं शताब्दी के डच स्कूल को भी दिया जा सकता है। ऐवाज़ोव्स्की के काम की बदौलत वह रूस में लोकप्रिय थे।

- इस शैली की एक विशेषता जानवरों और पक्षियों की सुंदरता को दर्शाने वाले यथार्थवादी चित्रों का निर्माण है। इस शैली की दिलचस्प विशेषताओं में से एक गैर-मौजूद या पौराणिक जानवरों को चित्रित करने वाले चित्रों की उपस्थिति है। जानवरों के चित्र बनाने में माहिर कलाकारों को बुलाया जाता है पशुपालक.

चित्रकला का इतिहास

यथार्थवादी छवि की आवश्यकता प्राचीन काल से ही रही है, लेकिन प्रौद्योगिकी, व्यवस्थित स्कूल और शिक्षा की कमी के कारण इसके कई नुकसान थे। प्राचीन काल में, आप अक्सर प्लास्टर पर पेंटिंग की तकनीक के साथ लागू और स्मारकीय पेंटिंग के उदाहरण पा सकते हैं। प्राचीन काल में, कलाकार की प्रतिभा को अधिक महत्व दिया जाता था, कलाकारों के पास पेंट बनाने की तकनीक और व्यवस्थित शिक्षा प्राप्त करने का अवसर सीमित था। लेकिन पहले से ही प्राचीन काल में, विशेष ज्ञान और कार्य (विट्रुवियस) का गठन किया गया था, जो पुनर्जागरण में यूरोपीय कला के एक नए फूल का आधार होगा। सजावटी चित्रकला को ग्रीक और रोमन पुरातनता (मध्य युग में स्कूल खो गया था) के दौरान महत्वपूर्ण विकास प्राप्त हुआ, जिसका स्तर 15 वीं शताब्दी के बाद ही पहुंचा था।

रोमन फ़्रेस्को की पेंटिंग (पोम्पेई, पहली शताब्दी ईसा पूर्व), प्राचीन चित्रकला की कला की स्थिति का एक उदाहरण:

मध्य युग के "अंधकार युग", उग्रवादी ईसाई धर्म और धर्माधिकरण ने पुरातनता की कलात्मक विरासत के अध्ययन पर प्रतिबंध लगा दिया। प्राचीन गुरुओं के विशाल अनुभव, अनुपात, रचना, वास्तुकला और मूर्तिकला के क्षेत्र में ज्ञान पर प्रतिबंध लगा दिया गया है, और प्राचीन देवताओं के प्रति समर्पण के कारण कई कलात्मक खजाने नष्ट हो गए हैं। यूरोप में कला और विज्ञान के मूल्यों की वापसी पुनर्जागरण (पुनरुद्धार) के दौरान ही होती है।

प्रारंभिक पुनर्जागरण (पुनरुद्धार) के कलाकारों को प्राचीन कलाकारों की उपलब्धियों और स्तर को पकड़ना और पुनर्जीवित करना होगा। आरंभिक पुनर्जागरण कलाकारों के काम में हम जिस चीज़ की प्रशंसा करते हैं वह रोम के उस्तादों का स्तर था। मध्य युग के "अंधकार युग", उग्रवादी ईसाई धर्म और धर्माधिकरण के दौरान यूरोपीय कला (और सभ्यता) के विकास की कई शताब्दियों के नुकसान का एक स्पष्ट उदाहरण - 14 शताब्दियों की इन पेंटिंगों के बीच का अंतर!

15वीं शताब्दी में तेल पेंट बनाने की तकनीक और उनके साथ चित्र बनाने की तकनीक के उद्भव और प्रसार ने चित्रफलक पेंटिंग और एक विशेष प्रकार के कलाकार के उत्पादन - प्राइमेड कैनवास या लकड़ी पर रंगीन तेल चित्रों के विकास को जन्म दिया।

पुनर्जागरण में चित्रकला को गुणात्मक विकास में एक बड़ी छलांग मिली, जिसका मुख्य कारण लियोन बैटिस्टा अल्बर्टी (1404-1472) का काम था। उन्होंने सबसे पहले चित्रकला में परिप्रेक्ष्य की नींव रखी (1436 में ग्रंथ "ऑन पेंटिंग")। उनके लिए (वैज्ञानिक ज्ञान के व्यवस्थितकरण पर उनका काम) यूरोपीय कला विद्यालय कलाकारों के चित्रों में यथार्थवादी परिप्रेक्ष्य और प्राकृतिक अनुपात की उपस्थिति (पुनरुद्धार) का श्रेय देता है। लियोनार्डो दा विंची का प्रसिद्ध और परिचित चित्र "विट्रुवियन पुरुष"(मानव अनुपात) 1493, विट्रुवियस के अनुपात और संरचना के प्राचीन ज्ञान के व्यवस्थितकरण के लिए समर्पित, अल्बर्टी के ग्रंथ "ऑन पेंटिंग" की तुलना में आधी सदी बाद लियोनार्डो द्वारा बनाया गया था। और लियोनार्डो का काम पुनर्जागरण के यूरोपीय (इतालवी) कला विद्यालय के विकास की निरंतरता है।

लेकिन पेंटिंग को 16-17 शताब्दियों से शुरू होकर एक उज्ज्वल और बड़े पैमाने पर विकास प्राप्त हुआ, जब तेल चित्रकला की तकनीक व्यापक हो गई, पेंट बनाने की विभिन्न प्रौद्योगिकियां सामने आईं और पेंटिंग के स्कूलों का गठन हुआ। यह ज्ञान और कला शिक्षा (ड्राइंग तकनीक) की प्रणाली है, जो अभिजात वर्ग और राजाओं से कला के कार्यों की मांग के साथ मिलकर यूरोप (बैरोक काल) में ललित कलाओं के तेजी से विकास की ओर ले जाती है।

यूरोपीय राजशाही, अभिजात वर्ग और उद्यमियों की असीमित वित्तीय संभावनाएं 17वीं-19वीं शताब्दी में चित्रकला के आगे विकास के लिए उत्कृष्ट आधार बन गईं। और चर्च और धर्मनिरपेक्ष जीवन शैली (प्रोटेस्टेंटवाद के विकास से गुणा) के प्रभाव के कमजोर होने से चित्रकला (बारोक और रोकोको) में कई विषयों, शैलियों और प्रवृत्तियों का जन्म हुआ।

ललित कलाओं के विकास के क्रम में, कलाकारों ने कई शैलियों और तकनीकों का निर्माण किया है जो कार्यों में यथार्थवाद के उच्चतम स्तर तक ले जाती हैं। 19वीं सदी के अंत तक (आधुनिकतावादी प्रवृत्तियों के आगमन के साथ), चित्रकला में दिलचस्प परिवर्तन शुरू हो गए। कला शिक्षा की उपलब्धता, भारी प्रतिस्पर्धा और जनता (और खरीदारों) की ओर से कलाकारों के कौशल पर उच्च मांग अभिव्यक्ति के तरीकों में नई दिशाओं को जन्म देती है। ललित कला अब केवल प्रदर्शन तकनीक के स्तर तक ही सीमित नहीं है, कलाकार कार्यों में विशेष अर्थ, "देखने" के तरीके और दर्शन लाने का प्रयास करते हैं। जो बात अक्सर प्रदर्शन के स्तर को नुकसान पहुंचाती है, वह अटकलें या अपमानजनक तरीका बन जाती है। उभरती हुई शैलियों की विविधता, जीवंत चर्चाएँ और यहाँ तक कि घोटाले भी चित्रकला के नए रूपों में रुचि के विकास को जन्म देते हैं।

आधुनिक कंप्यूटर (डिजिटल) ड्राइंग प्रौद्योगिकियां ग्राफिक्स से संबंधित हैं और इन्हें पेंटिंग नहीं कहा जा सकता है, हालांकि कई कंप्यूटर प्रोग्राम और उपकरण आपको पेंट के साथ किसी भी पेंटिंग तकनीक को पूरी तरह से दोहराने की अनुमति देते हैं।

चित्रकारी

(रूसी जीवंत और लेखन से) - एक प्रकार की ललित कला, जिसमें पेंटिंग, पेंटिंग बनाना शामिल है जो पूरी तरह से और जीवंत रूप से वास्तविकता को दर्शाती हैं।

किसी कठोर सतह पर पेंट (तेल, टेम्परा, वॉटर कलर, गौचे आदि) से बनाई गई कलाकृति को पेंटिंग कहा जाता है। पेंटिंग का मुख्य अभिव्यंजक साधन रंग है, इसकी विभिन्न भावनाओं, जुड़ावों को जगाने की क्षमता, छवि की भावनात्मकता को बढ़ाती है। कलाकार आम तौर पर एक पैलेट पर पेंटिंग के लिए आवश्यक रंग खींचता है, और फिर चित्र के तल पर पेंट को रंग में बदल देता है, जिससे रंग क्रम - रंग बनता है। रंग संयोजन की प्रकृति से, यह गर्म और ठंडा, हर्षित और उदास, शांत और तनावपूर्ण, हल्का और अंधेरा हो सकता है।

पेंटिंग के चित्र बहुत स्पष्ट और आश्वस्त करने वाले हैं। पेंटिंग मात्रा और स्थान, प्रकृति को एक समतल पर व्यक्त करने, मानवीय भावनाओं और पात्रों की जटिल दुनिया को प्रकट करने, सार्वभौमिक विचारों, ऐतिहासिक अतीत की घटनाओं, पौराणिक छवियों और कल्पना की उड़ान को मूर्त रूप देने में सक्षम है।

पेंटिंग को चित्रफलक और स्मारकीय में विभाजित किया गया है। कलाकार कैनवास पर चित्र बनाता है, उसे स्ट्रेचर पर फैलाया जाता है और चित्रफलक पर रखा जाता है, जिसे चित्रफलक भी कहा जा सकता है। इसलिए इसका नाम "चित्रफलक पेंटिंग" पड़ा।

और "स्मारकीय" शब्द ही किसी बड़ी और महत्वपूर्ण चीज़ की बात करता है। स्मारकीय पेंटिंग - ये इमारतों की आंतरिक या बाहरी दीवारों (भित्तिचित्र, पैनल, आदि) पर बड़ी पेंटिंग हैं। स्मारकीय पेंटिंग के किसी कार्य को उसके आधार (दीवार, समर्थन, छत, आदि) से अलग नहीं किया जा सकता है। स्मारकीय चित्रों के लिए महत्वपूर्ण विषयों को भी चुना जाता है: ऐतिहासिक घटनाएँ, वीरतापूर्ण कार्य, लोक कथाएँ, आदि। मोज़ेक और सना हुआ ग्लास, जिसे सजावटी कला के लिए भी जिम्मेदार ठहराया जा सकता है, सीधे स्मारकीय चित्रकला के साथ विलीन हो जाते हैं। यहां स्मारकीय चित्रकला और वास्तुकला की शैलीगत और आलंकारिक एकता, कला के संश्लेषण को प्राप्त करना महत्वपूर्ण है।

इस प्रकार की पेंटिंग को सजावटी पेंटिंग, आइकन पेंटिंग, लघु, नाटकीय और सजावटी पेंटिंग के रूप में अलग करना आवश्यक है। पेंटिंग की प्रत्येक किस्म तकनीकी निष्पादन की बारीकियों और कलात्मक और कल्पनाशील कार्यों के समाधान से भिन्न होती है।

एक स्वतंत्र प्रकार की ललित कला के रूप में पेंटिंग के विपरीत, चित्रात्मक दृष्टिकोण (विधि) का उपयोग इसके अन्य प्रकारों में भी किया जा सकता है: ड्राइंग, ग्राफिक्स और यहां तक ​​​​कि मूर्तिकला में भी। सचित्र दृष्टिकोण का सार किसी वस्तु के आसपास के स्थानिक प्रकाश और वायु वातावरण के संबंध में, तानवाला संक्रमण के एक अच्छे क्रम में चित्रण में निहित है।

आसपास की दुनिया की वस्तुओं और घटनाओं की विविधता, उनमें कलाकारों की गहरी रुचि के कारण XVII-XX शताब्दियों के दौरान उद्भव हुआ। चित्रकला की शैलियाँ: चित्र, स्थिर जीवन, परिदृश्य, पशुवत, रोजमर्रा (शैली चित्रकला), पौराणिक, ऐतिहासिक, युद्ध शैलियाँ। चित्रकला के कार्यों में शैलियों या उनके तत्वों का संयोजन पाया जा सकता है। उदाहरण के लिए, एक स्थिर जीवन या परिदृश्य एक चित्र छवि को सफलतापूर्वक पूरक कर सकता है।

उपयोग की जाने वाली तकनीकों और सामग्रियों के अनुसार, पेंटिंग को निम्नलिखित प्रकारों में विभाजित किया जा सकता है: तेल, टेम्परा, मोम (एनास्टिक), इनेमल, गोंद, गीले प्लास्टर पर पानी आधारित पेंट (फ्रेस्को), आदि। कुछ मामलों में, यह मुश्किल है पेंटिंग को ग्राफ़िक्स से अलग करने के लिए. जल रंग, गौचे, पेस्टल में बनाई गई कृतियाँ पेंटिंग और ग्राफिक्स दोनों को संदर्भित कर सकती हैं।

पेंटिंग सिंगल-लेयर हो सकती है, तुरंत की जा सकती है, और मल्टी-लेयर हो सकती है, जिसमें अंडरपेंटिंग और ग्लेज़िंग, सूखे पेंट परत पर लागू पेंट की पारदर्शी और पारभासी परतें शामिल हैं। इससे रंग की बेहतरीन बारीकियाँ और शेड्स प्राप्त होते हैं।

पेंटिंग में कलात्मक अभिव्यक्ति के महत्वपूर्ण साधन हैं, रंग [रंग], स्थान और स्ट्रोक की प्रकृति के अलावा, रंगीन सतह (बनावट) का उपचार, वेलेरे, प्रकाश के आधार पर स्वर में सूक्ष्मतम परिवर्तन दिखाना, आसन्न रंगों की परस्पर क्रिया से प्रकट होने वाली सजगताएँ।

पेंटिंग में आयतन और स्थान का निर्माण रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य, गर्म और ठंडे रंगों के स्थानिक गुणों, रूप के प्रकाश और छाया मॉडलिंग और कैनवास के सामान्य रंग टोन के हस्तांतरण से जुड़ा हुआ है। एक चित्र बनाने के लिए, रंग के अलावा, आपको एक अच्छी ड्राइंग और अभिव्यंजक रचना की आवश्यकता होती है। कलाकार, एक नियम के रूप में, रेखाचित्रों में सबसे सफल समाधान की खोज करके कैनवास पर काम शुरू करता है। फिर, प्रकृति के कई सचित्र रेखाचित्रों में, उन्होंने रचना के आवश्यक तत्वों पर काम किया। किसी पेंटिंग पर काम ब्रश से किसी रचना को चित्रित करने, अंडरपेंटिंग करने और एक या किसी अन्य सचित्र साधन से सीधे कैनवास पर पेंटिंग करने से शुरू हो सकता है। इसके अलावा, यहां तक ​​कि प्रारंभिक रेखाचित्रों और रेखाचित्रों का भी कभी-कभी एक स्वतंत्र कलात्मक मूल्य होता है, खासकर यदि वे किसी प्रसिद्ध चित्रकार के ब्रश से संबंधित हों।

चित्रकारी एक अत्यंत प्राचीन कला है जो पुरापाषाणकालीन शैल चित्रों से लेकर 20वीं सदी की चित्रकला की नवीनतम प्रवृत्तियों तक कई शताब्दियों में विकसित हुई है। चित्रकला में यथार्थवाद से लेकर अमूर्ततावाद तक किसी विचार को मूर्त रूप देने की व्यापक संभावनाएं हैं। इसके विकास के दौरान विशाल आध्यात्मिक ख़ज़ाना जमा किया गया है।

प्राचीन काल में, वास्तविक दुनिया को उसी तरह से पुन: पेश करने की इच्छा होती थी जैसे कोई व्यक्ति उसे देखता है। इससे काइरोस्कोरो के सिद्धांतों, परिप्रेक्ष्य के तत्वों, त्रि-आयामी चित्रात्मक छवियों का उदय हुआ। सचित्र माध्यमों से वास्तविकता को चित्रित करने की नई विषयगत संभावनाएँ सामने आईं। चित्रकारी का उपयोग मंदिरों, आवासों, कब्रों और अन्य संरचनाओं को सजाने के लिए किया जाता था, जो वास्तुकला और मूर्तिकला के साथ कलात्मक एकता में थी।

मध्यकालीन चित्रकला की विषय-वस्तु मुख्यतः धार्मिक थी। यह ध्वनिमय, अधिकतर स्थानीय रंगों, अभिव्यंजक आकृतियों की अभिव्यक्ति से प्रतिष्ठित था।

भित्तिचित्रों और चित्रों की पृष्ठभूमि, एक नियम के रूप में, सशर्त, अमूर्त या सुनहरी होती थी, जो अपनी रहस्यमय चमक में दिव्य विचार को मूर्त रूप देती थी। रंग प्रतीकवाद ने एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

पुनर्जागरण में, ब्रह्मांड के सामंजस्य की भावना, मानवकेंद्रितवाद (शुद्ध रंगों के मिश्रण के केंद्र में एक व्यक्ति, और बनावट को स्थानांतरित करने के प्रभाव। कलाकार खुली हवा में अपनी पेंटिंग बनाने के लिए बाहर गए।

XIX-XX सदियों के अंत में। चित्रकला का विकास विशेष रूप से जटिल और विरोधाभासी हो जाता है। विभिन्न यथार्थवादी और आधुनिकतावादी आंदोलन अस्तित्व का अधिकार प्राप्त कर रहे हैं।

अमूर्त पेंटिंग प्रकट होती है (अवंत-गार्डे, अमूर्ततावाद, भूमिगत देखें), जिसने आलंकारिकता की अस्वीकृति और दुनिया के प्रति कलाकार के व्यक्तिगत दृष्टिकोण की सक्रिय अभिव्यक्ति, रंग की भावुकता और पारंपरिकता, रूपों की अतिशयोक्ति और ज्यामितीयकरण, सजावट और रचनात्मक समाधानों की संबद्धता।

XX सदी में. पेंटिंग बनाने के लिए नए रंगों और तकनीकी साधनों की खोज जारी है, जिससे निस्संदेह पेंटिंग में नई शैलियों का उदय होगा, लेकिन तेल चित्रकला अभी भी कलाकारों की सबसे प्रिय तकनीकों में से एक बनी हुई है।

XVII-XVIII सदियों में यूरोपीय चित्रकला के विकास की प्रक्रिया। अधिक जटिल हो जाता है, राष्ट्रीय विद्यालय बनते हैं, प्रत्येक की अपनी परंपराएँ और विशेषताएँ होती हैं। चित्रकला ने नए सामाजिक और नागरिक आदर्शों की घोषणा की, मनोवैज्ञानिक समस्याएं गहरी हुईं, व्यक्ति और उसके आसपास की दुनिया के बीच परस्पर विरोधी संबंधों की भावना पैदा हुई। वास्तविक जीवन की विविधता की अपील, विशेष रूप से किसी व्यक्ति के रोजमर्रा के वातावरण के लिए, शैलियों की एक प्रणाली का स्पष्ट गठन हुआ: परिदृश्य, स्थिर जीवन, चित्र, रोजमर्रा की शैली, आदि। विभिन्न चित्रात्मक प्रणालियाँ बनाई गईं: गतिशील बारोक पेंटिंग इसकी विशिष्ट खुली, सर्पिल संरचना के साथ; रंग, हल्के रंगों की उत्कृष्ट बारीकियों के खेल के साथ रोकोको पेंटिंग; एक स्पष्ट, सख्त और स्पष्ट पैटर्न के साथ क्लासिकिज्म की पेंटिंग।

19 वीं सदी में चित्रकला ने सार्वजनिक जीवन में सक्रिय भूमिका निभाई। रूमानियत की पेंटिंग इतिहास और आधुनिकता की नाटकीय घटनाओं, प्रकाश और छाया के विपरीत और रंग की संतृप्ति में सक्रिय रुचि से प्रतिष्ठित थी।