Wietnamskie obrazy. Malowanie szpachelką Feng Tchu Trang (Phan Thu Trang)

Wietnamczycy to ludzie kreatywni, mający własne podejście do sztuki. Na wietnamskich obrazach wykonanych z różnorodnych materiałów jest wiele niezwykłych i kolorowych rzeczy. O niektórych z nich chcemy Wam opowiedzieć, bo być może nawet nie podejrzewaliście, że z tak improwizowanych materiałów można stworzyć dzieła sztuki. Jednocześnie poruszymy zarówno starożytne sposoby wyrażania siebie artystów, jak i te najnowocześniejsze.

Obrazy haftowane jedwabiem

Ogromna liczba odcieni używanych przy tworzeniu obrazów i delikatna, żmudna praca wykwalifikowanych rzemieślników sprawiły, że wietnamskie obrazy haftowane jedwabiem stały się sławne na całym świecie. Na obrazach ożywają naturalne krajobrazy i portrety ludzi. Szczególnie zaskakujące są dwustronne obrazy. A wszystkie prace wyróżniają się efektem trójwymiarowych obrazów. Obrazy przedstawiające rzemieślniczki można zobaczyć w fabryce jedwabiu w Dalat. To nie tylko fabryka, ale piękna sala wystawowa, w której można podziwiać wspaniałe dzieła hafciarzy, a jeśli chcesz, kupić swój ulubiony obraz. Ponadto zwiedzający mogą zobaczyć, jak dziewczyny pracują nad stworzeniem tych niesamowitych obrazów bezpośrednio w korytarzach.

Obrazy lakierowane

Lakier jest trwałym, wodoodpornym materiałem i Wietnamczycy używają go do tworzenia pięknych obrazów, ozdabiania trumien, tac, parawanów i innych przedmiotów obrazami z lakieru. Praca z lakierem wymaga pewnych umiejętności, ponieważ materiał ten szybko twardnieje. Mistrzowie muszą działać szybko i dokładnie. Malowidła lakierowe można zobaczyć w warsztacie w Ho Chi Minh City, udając się tam na wycieczkę krajoznawczą. W warsztacie można znaleźć różnorodne przedmioty, od dużych komód po małe pudełka, które można kupić na pamiątkę.

Obrazy z kurzych piór

Takie wyjątkowe dzieła można zobaczyć w starej dzielnicy Hoi An, a ich twórcą jest artysta o imieniu Dinh Thong. Od dzieciństwa lubił plastykę, rysował tradycyjnymi farbami i ołówkami, robił kolaże z papieru, a potem postanowił dodać do swojej twórczości coś zupełnie nowego i niezwykłego i wykonał swój pierwszy obraz z kurzych piór. Zwykle artysta wykorzystuje pióra wietnamskich ptaków, które występują w czterech kolorach: czarnym, białym, brązowym i szarym. Dinh Thong przykleja pióra na tekturę, tworząc w ten sposób pejzaże, portrety lub abstrakcyjne kompozycje. Te niezwykłe obrazy charakteryzują się trwałością, trwałością kolorów i co najważniejsze - oryginalnością.

Płaskorzeźba grawerowana na szkle SOWA

Ten rodzaj sztuki nie jest starożytny. Pojawił się po sprowadzeniu do Wietnamu z Europy szklanej mozaiki. Obrazy na szkle SOVA powstały dzięki Phan Hong Vinhowi. To on opracował nową technikę grawerowania płaskorzeźb na szkle. Dzięki tej technice mistrz zamienia zwykłe szklane płytki w dzieła sztuki. Vinh wynalazł specjalną maszynę do piaskowania, która służy do obróbki matowego szkła, a także wymyślił metodę zmętnienia produktów kryształowych. Grawerowanie służy nie tylko do tworzenia zwykłych obrazów, ale także do produkcji różnych elementów wystroju pomieszczeń: drzwi, ścian, ścianek działowych. Piękny efekt uzyskuje się, gdy światło pada na szybę: przestrzeń nabiera blasku! Obrazy przedstawiają kwiaty i rośliny, zwierzęta, ludzi czy naturalne krajobrazy.

Rysunki z ryżu

Jak wiadomo, ryż dla Wietnamczyków jest najważniejszym zbożem i produktem na stole. Wietnamczycy cenią ryż i szanują go. Nic dziwnego, że ryż wszedł także do sfery sztuk pięknych. Przy pomocy ziaren ryżu artyści pracujący w pracowni Huu Cuong Nguyen tworzą niepowtarzalne obrazy przedstawiające przyrodę Wietnamu oraz ludzi żyjących i pracujących na terenie kraju. Do pracy mistrz wybiera mocne ziarna tej samej wielkości. Aby nadać ziarnom różne odcienie, smaży się je w różnych temperaturach. Doświadczeni profesjonaliści mogą uzyskać więcej niż dziesięć odcieni ryżu. Do przyklejenia ryżu na spodzie stosuje się lepki, mleczny klej. Gotowe obrazy suszy się na słońcu. Na produkcję jednego obrazu mistrzowie spędzają od sześciu do dwunastu dni.

Obrazy ze skrzydłami motyla

Obrazy ze skrzydłami motyli są dziełem wietnamskiego profesora Bui Kong Hiena. Zajął się tym po odejściu z nauczania na Wydziale Biologii Instytutu w Hanoi. Razem z inżynierem Dang Ngoc Anhem zaczęli hodować motyle, aby tworzyć obrazy. W procesie pracy stosuje się specjalny, specjalnie zaprojektowany rodzaj kleju, który zachowuje naturalną delikatność skrzydeł motyla. Teraz profesor i inżynier wpadają na pomysł, aby nauczyć chłopów hodować motyle i tworzyć niesamowite i niezwykłe obrazy, aby mogli zwiększyć swoje dochody.

Zdjęcia z różnych materiałów naturalnych

W niektórych luksusowych wietnamskich sklepach wnętrzarskich można zobaczyć oryginalne obrazy stworzone przez grupę studentów Ourway. Wykonane są z naturalnych materiałów i nie od razu można się domyślić, że mistrzowie do swoich prac używali skorupek jaj, korzeni roślin, siana, trocin i słomy. Co ciekawe, uczniowie starają się nie kolorować materiałów do swoich obrazów. Znajdują wielokolorowe trociny, wykorzystują skorupy nie tylko kurczaków, ale także jaj kaczych i przepiórczych. W początkowej fazie szkic nakłada się na podstawę ołówkiem, następnie przyszły obraz pokrywa się klejem, na który nakładają się różne materiały. Wszystkie obrazy są oryginalne i niepodobne do siebie, co stanowi ich szczególną wartość.

Tradycyjne malarstwo w Wietnamie

Tradycyjne malarstwo wietnamskie można podzielić na kilka typów: są to portrety, pejzaże, obrazy rodzajowe i religijne. Obrazy malowane były na papierze jedwabnym lub ryżowym farbami wodnymi i tuszem.

portrety

Malownicze portrety, podobnie jak rzeźbiarskie, powstawały z pamięci lub z opisów i wspomnień. Niewielka liczba portretów cesarzy, dostojników, przedstawicieli szlachty zachowała się w pagodach, świątyniach grobowych rodzin królewskich i grobowcach rodzinnych wielkich panów feudalnych. Do najstarszych dzieł tego typu należą portret Nguyen Chai z XV w., portret uczonego Fung Khak Khoana (XVII w.), portrety dwóch książąt Nguyen Quy Duc i Nguyen Quy Kan (poł. XVIII w. wiek). Artysta starannie rysował rysy twarzy, szczegóły ubioru, opierając się na opisach bliskich lub własnych wspomnieniach, więc podobieństwo zewnętrzne było bardzo przybliżone. Nowe trendy w gatunku portretu, które dopiero później (w twórczości wietnamskich artystów lat 30. XX wieku) ujawnią się w większym stopniu, po raz pierwszy znalazły odzwierciedlenie w twórczości artysty Le Van Mien.

krajobrazy

Jednym z ulubionych rodzajów malarstwa wśród wietnamskich artystów jest tradycyjnie pejzaż gloryfikujący piękno rodzimej przyrody. Jedwabne zwoje, które do nas dotarły (XVIII-XIX w.), to seria pejzaży wykonanych w tradycyjny chiński sposób, z zachowaniem zasad scenicznej konstrukcji przestrzeni i subtelnych niuansów kolorystycznych. Najbardziej charakterystyczną cechą wietnamskiego malarstwa pejzażowego jest to, że obraz natury jest postrzegany jako wyidealizowany, abstrakcyjny i bardziej wyraża nastrój artysty niż otaczająca go rzeczywistość. W przyszłości, zwłaszcza od początków XX wieku, wraz z zaznajomieniem się z malarstwem europejskim, malarstwo pejzażowe ulegnie znaczącym zmianom.

Obrazy rodzajowe

Tematyka dzieł tego rodzaju była bardzo ograniczona, a obrazy miały głównie charakter dekoracyjny. Głównymi bohaterami dzieł sztuki tamtych czasów, oprócz elementów naturalnych, są ludzie: „naukowiec, chłop, rzemieślnik, szanowany starzec, rybak, drwal, oracz, pasterz”. Klasycznym przykładem takiego malarstwa gatunkowego jest obraz „Rybak łowiący ryby”. Malarstwo wietnamskie tego okresu charakteryzuje się statycznym, dwuwymiarowym obrazem.

Zdjęcia treści kultowych

Obrazy religijne malowano także akwarelami na jedwabiu, papierze ryżowym lub drewnie. Wyróżniają się doskonałą i staranną techniką pisma, wyjątkowo starannie odwzorowanymi najdrobniejszymi szczegółami ubiorów i wyposażenia. Można to w szczególności wytłumaczyć faktem, że to właśnie określone stroje i różne atrybuty pomagały poruszać się po złożonej hierarchii kultowych postaci. Ponadto każdy mistrz starał się podkreślić niezwykle cenioną staranność wykonania, subtelność rysunku i elegancję pociągnięcia pędzla.

Lubok - malarstwo ludowe

Szczególne miejsce w sztukach wizualnych Wietnamu zajmują popularne grafiki. Wietnamskie malarstwo ludowe jest odmianą rosyjskiego luboka. Obraz jest wycinany na drewnianej desce (klisz), następnie malowany, a na koniec drukowany na specjalnym włóknistym papierze „kei zo”. Farby wykonano z popiołów ze spalania liści bambusa, słomy (czarna), kory drzewa dipowego (biała), żółtego kamienia (czerwona), kwiatów sophora (żółta), indygo (niebieskiego), rdzy miedzianej (zielona). Cechą charakterystyczną luboków Dongho było kolorowe tło, uzyskane przez dodanie do barwnika wywaru z kleistego ryżu zmieszanego z proszkiem z rozdrobnionych muszli morskich. Dzięki temu rodzajowi powłoki papier stał się trwalszy, a proszek z masy perłowej nadawał obrazowi lekki połysk. Tak zwane luboki z Hanoi to długie zwoje obrazkowe. Tradycyjnie na zwojach umieszczano hieroglify i rysunki. Zwykle Wietnamczycy tworzyli cykle obrazów: „Cztery pory roku”, „Kwiaty i ptaki”, „Podróż na Zachód”. Czasami na jednym obrazie przedstawiono kilka połączonych ze sobą rysunków jednocześnie („Dwadzieścia cztery przykłady synów pobożności”).

Luboki robiono zazwyczaj z okazji różnych świąt, ale głównie z okazji Nowego Roku (według kalendarza księżycowego) święta Tet, które jest jednocześnie wiosennym i głównym świętem w roku. Istnieje znacząca różnica między popularnymi drukami powstałymi przed podbojem francuskim i później, kiedy upowszechnił się papier innej jakości i formatu oraz nowa kolorystyka. Imię mistrza nigdy nie było umieszczane na wczesnych lubokach, a dopiero od XX wieku. znamy nazwiska najsłynniejszych mistrzów: Nguyen Thé Thuk, Vuong Ngoc Long, Thuong Manh Tung i innych.Zajęciem tym zajmowały się z reguły całe rodziny, przekazując swoje umiejętności z pokolenia na pokolenie. Wśród wątków popularnych druków znajdują się różnorodne życzenia z okazji Tet, tradycyjnie wyrażane za pomocą wizerunków różnych kwiatów, owoców, zwierząt, przedmiotów symbolizujących dobrobyt, liczne cnoty: brzoskwinia - długowieczność, granat - liczne potomstwo, paw - pokój i dobrobyt, świnia - obfitość itp. Ponadto popularne były grafiki budujące, historyczne, religijne (przedstawiające Buddę i satwy ciała, różne duchy), grafiki przedstawiające krajobrazy, cztery pory roku.

Lakoniczny i wyrazisty styl popularnych druków ludowych, ich szczególna struktura figuratywna, wrodzony optymizm i swoisty humor, niewątpliwie stały się wyrazem pewnych cech charakteru narodowego. A już w pierwszych dekadach XX wieku, kiedy pojawiło się zainteresowanie studiowaniem własnych tradycji artystycznych, lubokom ludowym słusznie przyznano godne miejsce w dziedzictwie narodowym.

Malowanie lakieru

O niezwykłym wietnamskim malarstwie lakowym Europa dowiedziała się w 1931 roku, kiedy zwiedzający Wystawę Światową w Paryżu zobaczyli prace studentów i absolwentów Wyższej Szkoły Sztuk Pięknych Indochin. Od wielu stuleci sok drzewa lakowego, który rośnie wszędzie w Wietnamie, był wykorzystywany jako materiał do tworzenia dzieł tego typu malarstwa. Parawany lakierowe, wazony, tace, szkatułki i inne przedmioty pokrywano błyszczącą warstwą lakieru. Kolorystyka lakieru została ograniczona do czerni, czerwieni i brązu, dlatego jako dodatki dekoracyjne wykorzystano proszki złote i srebrne, inkrustacje z masy perłowej i skorupki jaja oraz grawerowanie. Artyści-malarze, którzy w latach dwudziestych studiowali w Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych, położyli podwaliny pod próby przeniesienia uroku malarstwa lakowego na grunt malarstwa sztalugowego. A ograniczenie możliwości kolorystycznych lakieru było jedną z najtrudniejszych przeszkód. Jednak stopniowo problem ten został rozwiązany. W palecie pojawiły się odcienie błękitu, żółci i zieleni, a zestawienia barwników wzbogaciły malarstwo lakierowe o barwy fioletu, bzu, różu i szkarłatu. Niemniej jednak technologia malowania lakierem pozostaje nadal bardzo pracochłonna.

Wietnamscy historycy sztuki uważają, że chęć artystów wykazania się w tworzeniu malarstwa sztalugowego z laki była możliwa dopiero po rewolucji sierpniowej 1945 roku. Patriotyczni twórcy ludowi odzwierciedlili w swojej twórczości nową socjalistyczną rzeczywistość. Jednym z pierwszych eksperymentatorów pracujących z farbami lakierowymi był Chan Wan Kang, obecnie znany artysta zajmujący się zarówno malarstwem olejnym, jak i laką. Jego wczesne obrazy lakierowane odniosły sukces na wystawie w Hanoi w 1935 roku. Będąc wielkim mistrzem europejskiej techniki malarstwa olejnego, Chan Van Kang w swoich lakowych pracach dał się poznać jako artysta głęboko narodowy. Na wystawie w Hanoi w 1958 roku malarstwo lakowe po raz pierwszy dało się poznać jako nowa, wschodząca forma sztuki.

Konsekwentny realista i subtelny autor tekstów Fan Ke An buduje swój obraz „Wspomnienia wieczoru w północno-zachodnim Wietnamie” (1955) na kontrastowym połączeniu półprzezroczystych niebiesko-zielonych odcieni z jasnożółtym nieprzezroczystym złoceniem. Ten obraz jest znaczący w koncepcji i romantyczny w wykonaniu. Na tle gór zalanych wieczornym słońcem wyraźnie wyróżnia się łańcuch żołnierzy w niebieskich mundurach, schodzący z przełęczy na dno górskiego wąwozu. Idą w stronę słońca, łapiąc jego ostatnie promienie przed wyjściem w ciemność nocy. Trzy podstawowe kolory: żółty, niebieski, zielony (nie licząc niewielkiej ilości czarnego lakieru) oddają bogactwo emocjonalnej intencji artysty dzięki szczególnej grze faktur i różnej głębi odbitego koloru.

Złocisty blask ciemnej lakierowanej powierzchni najorganiczniej objawił się w kompozycji jednego z najpotężniejszych mistrzów malarstwa lakowego Le Quoc Lok „Przez znajomą wioskę” (obraz pokazywany był w Moskwie na międzynarodowej wystawie sztuk pięknych okresu socjalistycznego krajach w 1958 r.). Obraz „Nocny kemping” autorstwa artysty Nguyena Hiema ukazuje możliwości malowania laką w tworzeniu poczucia tajemniczości i romantyzmu. Zastosowanie inkrustacji w celu wzmocnienia efektu dekoracyjnego można zobaczyć w „Ceramic Craft” Nguyena Kim Donga (1958), przedstawiającym dwóch garncarzy przy pracy. Naprzemienność szerokich płaszczyzn inkrustacji skorupek jaj (biała ściana pieca i białe ubrania garncarzy) z najprostszymi kolorowymi sylwetkami sprawia, że kompozycja jest tak uogólniona, że obraz wygląda niemal jak mozaika lub relief.

Opis wietnamskiego malarstwa lakowego byłby niepełny bez wspomnienia techniki lakieru rzeźbionego (grawerowanego), która była szczególnie popularna wśród mistrzów lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku. Zwykle używano go do tworzenia paneli dekoracyjnych, ekranów i innych detali wnętrz. Technika ta jest stosowana do dziś. Na czarnym lub czerwonym tle powłoki lakierowej wycina się (do samej ziemi) wzór, który wypełnia się różnymi barwnikami. Przykładem jest obraz Guina Van Thuana „Wioska Vinhmok”. Wyraźny grawer, podkreślony delikatnymi, jasnymi tonami, tworzy ostry kontrast z błyszczącym i gładkim czarnym tłem. Kompozycja obrazu z wysokim horyzontem pozwala poszerzyć całą panoramę życia wioski rybackiej.

Zwiększona dekoracyjność faktury farb lakierowych, umożliwiająca intarsję innymi materiałami, nadaje temu obrazowi szczególną wyrazistość. Wietnamskie malarstwo lakowe przeszło od malarstwa dekoracyjnego do sztalugowych kompozycji tematycznych. Stały się dla niej dostępne wszystkie gatunki i wszystkie tematy malarstwa olejnego. Pejzaż morski, obraz kampanii wojskowej w dżungli, obraz kopalni węgla, scena wiejska, obraz huty stali lub fermy świń, a nawet martwa natura i portret. Malarstwo, które powstało w trudnych latach wojny, odzwierciedlając marzenie ludzi o szczęściu i pokoju, żyje i rozwija się w dzisiejszym socjalistycznym Wietnamie jako estetyczny wyraz wzniosłego ludzkiego ducha.

Wietnamska sztuka wizualna zawsze uwzględniała materiał jako integralny element piękna dzieła. To nie przypadek, że w tradycyjnych wietnamskich sztukach pięknych zawód rzemieślnika-mistrza był szczególnie rozwinięty i każdy mistrz był specjalistą w swojej dziedzinie: byli mistrzowie w wytwarzaniu wyrobów lakierowych, wyrobów z masy perłowej, mistrzowie w obróbce metali szlachetnych, pereł, miedzi, drewna, jedwabiu.

Malowanie akwarelami na jedwabiu

Wietnamscy artyści stworzyli wiele dzieł sztuki opartych na jedwabiu. Wśród odnoszących sukcesy mistrzów pracujących z jedwabiem i żywo odzwierciedlających prawdziwe życie warto zwrócić uwagę: Chan Wan Kang „Dziecko czyta matce” (1954); Nguyen Fan Chan „Dziewczyna się myje”, „Po walce”, „Opieka nad dziećmi” (1962, 1970), „Napij się herbaty” (1967); Nguyen Chong Kiem „Wizyta” (1958); Nguyen Van De „Letnie popołudnie”; Fan Hong „Spacer w deszczu” (1958); Nguyen Van Trung Światło księżyca na piasku (1976); Chan Dong Lyon „Dziewczyny z Partii Roboczej” (1958); Ta Thuk Bin „Zbiory ryżu” (1960); Nguyen Thi Hang „Córki wietnamskie” (1963); Wu Giang Hyon „Ryba” (1960); Nguyen Thu „Wizyta na wsi” (1970), „Deszcz” (1972), „Tkanie” (1977); Kim Bak „Owoce ojczyzny” itp.

Innowacja polegała na tym, że przekazywały prawdziwe życie za pomocą uogólnionych metod ucieleśnionych na jedwabiu. Artyści głęboko i skutecznie zgłębiali temat pracy produkcyjnej. Najbardziej uderzające dzieła tego okresu należą do Nguyena Phan Chana: w swoich pracach tworzy nowe życie duchowe, przedstawia szczęśliwe kobiety, dzieci, rodziny w dniach pokoju itp. W pracy „Portret Cy Dong Ty” (1962 ), Nguyen Phan Tran pokazuje piękno kobiecego ciała na miękkim jedwabiu, demonstrując swoje głębokie poszukiwania w sztuce.Kolejnym mistrzem tego nurtu w malarstwie jest Nguyen Hu (ur. 1930). W swojej twórczości przekazuje przejrzystość górskiego powietrza, przestrzeń i przestrzeń swojego rodzinnego kraju. Głównymi bohaterami jego obrazów są natura i człowiek. Nguyen Hu wniósł znaczący wkład w rozwój współczesnej grafiki jedwabnej.

Opublikowano: 4 marca 2011

Paleta szczęścia- Malarstwo Wietnamu, lata 50. XX wieku

(Muzeum Sztuk Pięknych w Hanoi).

Dokonując krótkiego przeglądu twórczości wietnamskich mistrzów lat 50. XX wieku, nieustannie zdumiewa się, jak nowoczesne wydają się obrazy powstałe w tych trudnych czasach. Również sama kolorystyka obrazów jest świeża, jakby odzwierciedlała różnorodność odcieni natury Wietnamu, z gęstą zielenią tropikalnych roślin i lazurowymi odcieniami fal zatoki Ha Long, ze złotym blaskiem piasku na wybrzeże oceanu i skąpane w słońcu pola ryżowe, z różnorodnością gwarnych targów kwiatowych...

Od czasów starożytnych kultura artystyczna Wietnamu wchłaniała wszystkie najlepsze osiągnięcia i wpływy z zewnątrz. Na kształtowanie się wietnamskiej tradycji wizualnej duży wpływ miała filozofia konfucjańska i kultura buddyjska Chin, złożone formy i obrazy sztuki hinduskiej, a później style i nurty sztuki francuskiej. Oczywiście, w latach pięćdziesiątych, jakkolwiek trudno to zgadnąć, ogromny wpływ miała sztuka socrealizmu. Ale przy tym wszystkim historia malarstwa wietnamskiego jawi się jako kula jasnej i mocnej nici, która nigdy nie została przerwana, tworząc tkaninę o wzorach wyrażających duszę Wietnamu. I dlatego prawdopodobnie nie zobaczymy w sztuce Wietnamu lat pięćdziesiątych ani pouczających intonacji tradycji konfucjańskiej, ani dystansu buddyjskiego, ani nieco dumnego wyrafinowania szkoły francuskiej, ani cienia otwartej „grzeczności”. agitacja”, ani socrealistyczny nacisk na ideologię. Malarstwo wietnamskie, jeśli spróbować je scharakteryzować dosłownie „w pigułce”, wyraża sekretny zachwyt nad najprostszą codziennością, jest uczuciem szczęścia zamrożonym w kolorach i jednocześnie marzeniem o szczęściu. W ogóle, po pobieżnym spojrzeniu na obrazy z lat 50. XX wieku ze zbiorów Muzeum w Hanoi, zwiedzający ma dziwne poczucie pewności, że odpowiedź na „przeklęte” pytanie „Czym jest szczęście i jak je znaleźć” ?” odnaleziony w końcu w głębi własnego serca, wytopiony z lodu codzienności przez ciepłą paletę wietnamskich mistrzów.

Obraz Chang Donga Lyona „Szczęście”, 1956, obraz na jedwabiu

Obraz Chan Dong Lyona, powstały w 1956 roku, nosi tytuł „Szczęście”. Obrazy tego obrazu, namalowanego na cienkim jedwabiu, zdają się wyłaniać z mgły porannej mgły w górach północnego Wietnamu, skąd pochodzi artysta. Jedwabne płótno zmiękcza odcienie, podkreśla miękkość półtonów i grę światła i cienia, nasyca wszystkie kolory dzieła złotym blaskiem. Odwieczna idea szczęśliwej rodziny, harmonijnych relacji rozwijających się w harmonii ze światem zewnętrznym, z naturą, artysta wyraża tak prosto i wyraźnie, z wdziękiem i szczerze. Harmonijne połączenie świata ludzi i świata natury wyraża się nie tylko fabułą, ale także kolorystyką: wyblakły niebiesko-szary kostium wieśniaczki nawiązuje do srebrzystoniebieskich, częściowo popielatych półtonów góry w oddali, stanowiące zresztą obiecujące tło dla sceny rodzajowej. Życie biednego chłopa nie wygląda żałośnie, nie wiąże się z „wielkim obciążeniem” ludu, jak można przeczytać w starych podręcznikach. Podkreślona skromność ubioru, powściągliwość i spokój gestów, prostota werandy chaty skupiają naszą uwagę na wewnętrznej harmonii panującej w sercach przedstawionych postaci. Być może ktoś jest skłonny sądzić, że to wszystko jest jedynie przejawem „prymitywizmu” i „zacofanej gospodarki”, albo komunistycznej „propagandy” robotniczo-chłopskiego stylu życia… Nie spiesz się z wnioskami. Przejdźmy do wielowiekowej legendy o szczęściu bohatera o imieniu Chu Dong Tuai. Ten biedny rybak spotkał kiedyś piękną królewską córkę Tien, która była przyzwyczajona do ubrań haftowanych złotem. Młodzi ludzie się w sobie zakochali, a Tien uciekła z pałacu, aby zamieszkać w prostej chatce ze swoim kochankiem, uznając za swoje główne bogactwo przyrodę ojczystego kraju, żywe, szczere uczucia i uśmiechy dzieci. Od tego czasu uważa się, że miłość Chu Donga i Tiena patronuje młodym parom, aby mogły przetrwać wszystkie trudy życia i zachować swoje uczucia i relacje. A na tym zdjęciu - jakby echo starej legendy, przypominającej nam, pochłoniętym wichrem wielkich miast, jak otworzyć drzwi szczęścia. Ale nawet wietnamski i wcale nie „komunistyczny” filozof Soren Kierkegaard nie powiedział, że „drzwi szczęścia nie otwierają się do wewnątrz, ale od wewnątrz”. Malarstwo wietnamskie jest zatem zarazem wyznaniem i filozofią w kolorach.

obraz Tho Ngoca Wanga „Buffalo podarowany po reformie rolnej”, 1955, akwarela.

Ale o obrazie To Ngoca Wanga o wymownym tytule „Buffalo podarowane po reformie rolnej” z pewnością można powiedzieć „propaganda”, „porządek polityczny”… i położyć temu kres. Cóż ja nie!!! A to wszystko nie jest takie proste! W sposobie myślenia Wietnamczyków uderza przede wszystkim ich niezależność i umiejętność dostosowania wszelkich pomysłów do własnego duchowego magazynu. Obraz graficzny w swym artystycznym rozwiązaniu bardziej przypomina studium, szkic, a taki szkicowy charakter jest wyrazem poezji i wewnętrznej dynamiki obrazu. Wrażenie gwałtownego ruchu osiąga się poprzez rozwój dynamiki wzdłuż przekątnej kompozycji. Wydaje się, że bawół ze zdziwieniem patrzy na swoją nową kochankę. Na twarzy kobiety powściągliwy uśmiech wyraża spokój, pewność siebie i radość. W starożytnej mitologii wietnamskiej bawół symbolizuje strażnika słońca. Jak powiadają legendy i baśnie, w czasie stwarzania świata przez mitycznych bohaterów, niebiański bawół niósł na rogach dysk słoneczny i zaczął się nim bawić, podrzucając go do góry - gdy wskoczy do niego słońce wysokość, potem nadchodzi dzień, gdy spada na rogi niebiańskiego bawołu, potem spokojnie przychodzi noc. A ten bawół podarowany młodej wieśniaczce jest metaforą nadziei na światło słońca nowego życia, wolnego i szczęśliwego, obraz uchwycony bystrym pędzlem artysty, który zatrzymał się nie tylko na chwilę w historii Wietnamu w XX w., ale także motywy starożytnych legend i mitów.

obraz „Dwie dziewczyny z bratem” Tho Ngoc Wan, 1954, obraz olejny

W swoim obrazie „Dwie dziewczyny z bratem” To Ngoc Wan przekazuje radość z duchowej bliskości ludzi, poczucie szczęścia z samego życia i komunikacji. Białe ubrania młodej dziewczyny siedzącej na podłodze nawiązują do śnieżnobiałych kwiatów w tle, jej postać symbolizuje czystość rozkwitu młodości. Postać starszej siostry wygląda przepięknie, jej twarz rozświetla wewnętrzny spokój i jasność myślenia. Lekkie migotanie odbić światła na twarzach i ubraniach dziewcząt zwiększa wyrazistość kolorystyki obrazu. Rozwiązanie kompozycyjne podkreśla spokojny, kontemplacyjny charakter sceny. Postacie dwóch dziewczynek i dziecka wpisane są w owal, co sprawia, że dynamika kompozycji sprawia wrażenie zamkniętej w malowniczej przestrzeni, tworzy wewnątrz obrazu szczególny świat, tchnący spokojem i życzliwością. Mistrzowsko zrealizowany klasyczny schemat kompozycyjny nie wydaje się jednak kanoniczny i zamrożony. Uduchowienie twarzy i bogactwo obrazu światłem, postać dziecka ubranego w jaskrawoczerwony sweter, dziecinnie naiwnie jasna w stosunku do koloru obrazu jako całości - wszystko to nadaje witalności i szczególnego smaku przedstawiona scena z życia codziennego.

Malarstwo Nguyen Duc Nun<Прядильная нить>, 1956, malowanie lakierem

„Spinning Thread” Nguyen Duc Nuna to coś więcej niż tylko przedstawienie rutynowej pracy przędzarek podczas ustanawiania niepodległego państwa Wietnam, kiedy kobiety musiały pracować codziennie przez 10–12 godzin, aby zrealizować plan. W tradycyjnym światopoglądzie Wietnamczyków praca to nie tylko sposób na przetrwanie, zarobek, nie jest to żmudny obowiązek, ale coś na kształt kultu, posługi religijnej, a także sposobu na podtrzymanie świętych tradycji, komunikacji i ciągłości pokoleń. A na zdjęciu widoczne ucieleśnienie tej idei filozoficzno-religijnej, która jest głęboko tradycyjna dla Wietnamu. Co ciekawe, w przeciwieństwie do rewolucjonistów w Rosji, rewolucjoniści wietnamscy wcale nie starali się narzucić ideologii ateistycznej, dążyli jedynie do wolności narodowej, niezależności politycznej. Pozwoliło to Wietnamczykom zachować oryginalne ludowe wartości duchowe i starożytne zabytki sztuki oraz, co najważniejsze, tradycyjny sposób myślenia, nieskalany żadnymi suchymi schematami ideologicznymi. Kompozycja obrazu zbudowana jest na porównaniu trzech planów, perspektywicznie kurczących się i zagłębiających się w malowniczą przestrzeń. Na pierwszym planie młoda dziewczyna skupiona na wykonywaniu swojej pracy. Jasnożółty kolor jej marynarki jest symboliczny – w buddyzmie jest to kolor ścieżki duchowej, gdyż szaty Buddy Siakjamuniego, kiedy wkraczał na ścieżkę tułaczki w poszukiwaniu prawdy, opuszczając dom swego bogatego ojca, były dokładnie żółte . To także kolor młodości, promieni słońca dających życie wszystkim żywym istotom. Pracowitość w pracy to także asceza, osobista droga duchowa, którą rozpoczyna ta młoda dziewczyna. W tle widać starszą kobietę ubraną w ziemiste ubrania. Jej żywiołem jest ziemia, jej wizerunek kojarzy się z żyznością gleby, jej praca jest w imię dobrobytu ojczyzny. A trzeci plan to rzeczywisty obraz natury, wieczny, zachowujący życie, dający siłę i wiarę. Czytając obraz jak otwartą księgę, od planu do planu, od linijki do linijki, zdajemy sobie sprawę, że artysta barwami opowiada nam o duchowym związku pokoleń, o ciągłości życiowej nici ludzkiej kultury, wiecznej i nieprzerwanej. jak życie samej natury.

Chang Ding To, „Drewniany most”, 1956, akwarela

Shi Ngoc, „Drewniany most”, 1956, obraz wodny na kleju

Często wizerunek mostu pełni rolę symbolu połączenia i ciągłości pokoleń, będącej podstawą szczęścia. Symbolicznie i nie tylko wizualnie, łącząc brzegi, most ma charakter metaforyczny, wskazuje na potrzebę więzi między ludźmi - przyjaźni, rodziny, współpracy, więzi duchowej, wzajemnego zrozumienia różnych pokoleń. Shi Ngoc, przedstawiając chwiejny drewniany most, pokazuje, jak silny jest on na wietrze - silny jak drzewa, połączone korzeniami z ojczystą ziemią i potrafiące być elastyczne, ale nie łamać się pod podmuchami wiatru. Na obrazie innego artysty, Chana Ding To, namalowanym w tym samym 1956 roku, co obraz Shi Ngoka, motyw mostu również stał się centralny.

Kompozycyjnie obraz jest podzielony pionowo na trzy części. Poniżej rzeka, symbol nietrwałości i zmiany, ruchliwość bytu, powyżej niebo, wieczne, połączone świadomością ze wszystkim, co wzniosłe i duchowe. Bez względu na to, jaką religię wyznaje współczesny wietnamski chłop (a w Wietnamie zawsze panował wysoki stopień wolności religijnej, niektórzy są nie tylko buddystami lub wyznawcami nauk Konfucjusza i Lao Tzu, ale chrześcijanami lub muzułmanami), niezmiennie wierzy on w starożytną mądrość, że płodność ziemia jest świętym darem nieba, który ludzie muszą strzec, chronić, chronić i czcić, pracować na ziemi, niezmiennie podziwiając ten dar. I nieprzypadkowo most pełni tutaj także rolę metafory połączenia nieba z ziemią, zasad duchowych i doczesnych w życiu człowieka. Ideę jedności życia duchowego i doczesnego zdaje się podkreślać kolor obrazu - kolor nieba nawiązuje do koloru błotnistych wód rzeki, niosącej żyzny muł na pola.

zdjęcie Fang Ke Any<Уборка урожая во Вьетбаке>, 1953, malowanie lakierem

Pragnienie wyśpiewywania płodności pól, piękna ojczyzny i ponętnej, mistycznej przestrzeni wysokiego nieba znalazło odzwierciedlenie w obrazie Fan Ke An „Żniwa w Viet Bac”. Artysta pracował w tradycyjnej dla Azji Południowo-Wschodniej technice malarstwa lakowego, jednak system artystyczny i wizualny opiera się w tym dziele na zasadach europejskiego malarstwa realistycznego. Phan Ke An wolał, podobnie jak wielu innych rzemieślników w Wietnamie, wytwarzać własne farby do swoich prac. Oto sekret nieuchwytnego piękna i oryginalności odcieni, wyjątkowości półtonów, melodyjności zestawień kolorystycznych. Mieszając pokruszone pędy i gałązki sophora w różnych proporcjach, aby stworzyć żółtą farbę, artysta uzyskuje różnorodne odcienie żółci, które realistycznie oddają bogactwo świeżych zbiorów i wypełniają malarską przestrzeń poczuciem radości życia. Zielonkawy kolor uzyskujemy za pomocą tlenku miedzi i żywicy sosnowej, efekt wewnętrznego blasku uzyskujemy dodając do warstwy lakieru drobno pokruszoną macicę perłową. Pierwotnie rozwiązano kompozycję wielofigurową w redukcji perspektywy. Postacie pracujących chłopów w gwałtownym ruchu stopniowo oddalają się od widza w głębiny przestrzeni, stając się ledwo zauważalnymi punktami bliżej podnóża wysokich gór, gdzie kończy się żyzne pole, i jakby zlewając się w jeden strumień z rytm życia przyrody, stanowiąc z nią jedność i tym samym ucieleśniając prawdziwą harmonię bytu. Twarze chłopów nie są widoczne dla widza, indywidualizm jest na ogół obcy Wietnamczykom, ale widza przekazuje potężna energia tych ludzi, których wyraziste postacie przepojone są poczuciem szczęścia z pracy twórczej i poczuciem jedność i bliskość ich rodzimej natury.

Wan Bin, malarstwo<Единство народов севера и юга>, 1956, malowanie akwarelami na kleju

Obraz jedności i przyjaźni między narodami Wietnamu ucieleśnia obraz Wang Bin „Przyjaźń narodów północy i południa”. Obraz wykonany jest w złożonej technice, łączącej w sobie tradycje wietnamskiego malarstwa lakowego i akwareli zachodnioeuropejskiej. Farby wodorozcieńczalne artysta nakłada na specjalnie przygotowaną bazę klejową lakieru. Po wyschnięciu akwareli artysta nałożył na wierzch nowe warstwy przezroczystego kleju, który nadaje kolorowi obrazu subtelny blask i szczególną elegancję odcieni. Wizerunki dwóch dziewcząt, symbolizujące jedność Północy i Południa, kojarzą się także nie tylko z historycznymi wstrząsami lat 50. XX wieku, ale także z legendami starożytności. Dla tych, którzy znają starożytną historię i legendy Wietnamu, wizerunki tych dziewcząt są jak echo legend o legendarnych siostrach Chung, które w I wieku naszej ery zebrały potężną armię i pokonały chińskich władców, osiągając: choć na krótki czas, niepodległość dla swojego narodu. . Wang Bin przekazuje na tym obrazie bardzo obrazową metaforę - wezwanie Północy i Południa, niczym dwie legendarne siostry, do zjednoczenia się i osiągnięcia całkowitego wyzwolenia terytorium Wietnamu. Aby lepiej zrozumieć o czym tu mowa, przypomnijmy pokrótce historię podziału Wietnamu. Idea braterstwa i jedności narodów Wietnamu nabrała szczególnego znaczenia w latach pięćdziesiątych XX wieku, ponieważ w 1954 roku terytorium Wietnamu zostało podzielone wzdłuż XVII równoleżnika na dwie części – Wietnam północny, który uzyskał niepodległość, i południowy, gdzie pro -Wzmocnienie amerykańskiego rządu „marionetkowego”. W Waszyngtonie zdecydowano się zaufać powiązanemu z CIA Ngo Dinh Diemowi, który oczywiście nie bez wsparcia amerykańskich agencji wywiadowczych został nominowany na stanowisko premiera marionetkowego rządu w południowym Wietnamie, gdyż Stany Zjednoczone Państwa chciały zamienić Wietnam Południowy w kolonię nowego typu. W październiku 1955 r. Diem odsunął od władzy cesarza Bao Dai, przeprowadzając sfałszowane wybory, po których proklamował utworzenie suwerennej Republiki Wietnamu, co stanowiło obiektywne naruszenie Porozumień Genewskich. Tym samym perspektywa zjednoczenia Wietnamu została celowo odroczona na czas nieokreślony. Poważnym strategicznym błędem Diem było zniesienie samorządu wiejskiego na południu, co pogwałciło wielowiekowe tradycje wietnamskie, zwłaszcza tradycje południowowietnamskiego stylu życia na wsi. W rezultacie chłopstwo, stanowiące większość ludności Wietnamu Południowego, okazało się przeciwne rządowi Diema, który rozpoczął m.in. represje wobec komunistycznego podziemia pozostającego w kraju po 1954 r., choć był słaby i nie stwarzał dla niego realnego zagrożenia. Bez względu na to, jak bardzo środowiska proamerykańskie próbowały podzielić naród Wietnamu, nie było to możliwe i w grudniu 1960 roku siły patriotyczne Wietnamu Południowego utworzyły Front Wyzwolenia Narodowego, aby walczyć o niepodległość i zjednoczenie kraju (przypomnijmy że północ i południe Wietnamu ostatecznie zjednoczyły się w 1976 r.). Zatem malarstwo Wang Bin’a było, jak się teraz mówi, „na temat dnia”, pozostając jednocześnie w ścisłym związku z tradycyjnymi obrazami, w których odbijają się legendy i wielowiekowa historia Wietnamu.

Liryczne, nasycone blaskiem światła i różnorodnością barw są obrazy Luong Xuan Ni. Kontemplacyjny spokój wypełnia krajobraz przedstawiający prostą wioskę nad brzegiem rzeki. Na pierwszy rzut oka obraz wydaje się opuszczony, postacie ludzi są jedynie warunkowo zaznaczone w tle. Jednak sama natura wydaje się być obdarzona człowieczeństwem, duchowością, poczuciem szczęścia. Luong Xuan Ni maluje olejami, nawiązując do tradycji szkoły francuskiej, dlatego jego kolory przypominają czasem paletę Cezanne’a czy Renoira.

Subtelność wyczucia koloru jest dla artysty równie ważna, jak dokładność słuchu dla muzyka. I jakby wyrafinowana piękna melodia, od nuty do nuty, od akordu do akordu, przekazująca ruchy duszy, brzmi kolorystyka krajobrazu. Albo żółte refleksy migają na wodzie i liściach, potem delikatne zielone zielenie łączą wszystkie kolory szmaragdowym blaskiem i relaksują nasze oczy, a następnie gęste zielenie i brązowawe pnie drzew podkreślają kolor tropikalnej flory.

Kolejny obraz Luong Xuan Ni to martwa natura. Kwiaty w wazonie są jak ucieleśnienie marzenia o rozkwicie ojczystego kraju lub po prostu marzenie o szczęściu.

Wzory obrusu nawiązują do naiwnych i dynamicznych wzorów z malarstwa Henriego Matisse’a, jednak nie chodzi tu o naśladownictwo, a raczej o ciągłość tradycji. Wietnamscy artyści nigdy nie kopiowali francuskich mistrzów, a jedynie zapożyczali i przyjmowali cechy, które im się podobały, rozumiejąc je na podstawie własnego światopoglądu. Kwiaty w wazonie są tak proste i zachwycające, a jednocześnie poetyckie i wykwintne. Przychodzą mi na myśl wersety wietnamskiego poety Mana Ziaka z XI wieku: „Wiosna mijają, opadają setki kwiatów, setki kwiatów rozkwitają nową wiosną”. Kwiaty są symbolem zmienności i przemijania życia, a jednocześnie nadzieją na odrodzenie w wirze bytu.

Mai Long, który dopiero zaczynał swoją karierę artystyczną w latach pięćdziesiątych XX wieku, przedstawił w swojej pracy scenę z życia w Narodowym Regionie Autonomicznym Tai Meo w północno-zachodnim Wietnamie. Region ten jest praktycznie odcięty od głównych ośrodków handlowych i kulturalnych Wietnamu wysokimi górami i lasami, dzięki czemu lud Tai Meo zachował swoją własną, oryginalną kulturę. Zakochany młody mężczyzna dedykuje swojej dziewczynie melodię bambusowego fletu khen. Jasne ubrania dziewczyny w swoim wewnętrznym blasku nawiązują do koloru pełni księżyca, co przywołuje na myśl obrazy z wietnamskiej poezji ludowej, kiedy piękno kobiety często porównywane jest do twarzy księżyca rozświetlającego ciemność nocy. Tak jak księżyc rozświetla nocny krajobraz, tak piękność dziewczyny rozświetla swoim błogosławionym światłem życie młodego mężczyzny. Uczucie nocnego chłodu wyrażają się w połyskujących, niebieskawych refleksach i wydaje się, że cały świat, szczyty odległych gór i cienkie pnie drzew wsłuchują się w melodię, która przebija ciszę nocy, ogrzewając powietrze noc i serce dziewczyny.

„Gdyby nie było złej zimy, świat zapomniałby o wiośnie…”. Tymi słowami możemy zakończyć nasze opowiadanie o malarstwie wietnamskim lat 50. XX wieku, które na tle trudów wojny stało się niejako barwnym ucieleśnieniem samej idei szczęścia . Są to wersety ze słynnego „Dziennika więziennego” Ho Chi Minha, napisanego w latach ciężkiej walki o niepodległość narodu wietnamskiego. To wtedy, w latach 40. XX w., uwięziony za swoją walkę Nguyen Ai Quoc (w tłumaczeniu Nguyen Patriot, tak naprawdę Nguyen Tat Thanh), przyszły przywódca wolnego Wietnamu, przyjął pseudonim, pod którym zyskał światową sławę. W tłumaczeniu imię Ho Chi Minh oznacza obdarzony mądrością. Mądrość, jako połączenie doświadczenia życiowego i obserwacji, przejaw wrodzonego talentu i prawdziwego człowieczeństwa, ucieleśnienie duchowości, życzliwości i współczucia, jest właśnie mądrością, która prowadzi do szczęścia i wolności, w filozoficznym, a nie tylko politycznym rozumieniu . Przyjmując tak dźwięczny pseudonim, skromny i inteligentny, ale jednocześnie mocny i nieubłagany w walce, przywódca ruchu narodowowyzwoleńczego w Wietnamie zdaje się potwierdzać pogląd, że mądrością należy się kierować nie tylko w spraw rządowych, ale także pokonywania gwałtownych zwrotów losu. Mądrość Wietnamczyków w dążeniu do szczęścia zawsze znajdowała odzwierciedlenie w sztukach pięknych. Malarstwo lat 50. XX wieku swoją kolorystyką zdawało się zwiastować nadejście „wiosny” – odrodzenia niepodległego Wietnamu po ostrej „zimie” wojen i trudów.

Podsumowując krótki przegląd dzieł malarstwa wietnamskiego lat 50. XX w. ze zbiorów Muzeum w Hanoi, można powiedzieć, jaką rolę odegrały one w historii sztuki wietnamskiej w szczególności i w ogóle w światowej kulturze artystycznej lub jak bliskie są one obrazom są, stworzone przez artystów, z wydarzeniami historycznymi tamtych lat oraz z historyczną i kulturową tradycją narodową. Ale chyba wystarczy zajrzeć we własną duszę – a to efekt znajomości sztuki Wietnamu z tamtych, już stosunkowo odległych od nas lat. Wydaje się, że staliśmy się kimś bogatszym i mądrzejszym, zanurzając nasze oczy i uczucia w palecie szczęścia.

Lukashevskaya Yana Naumovna, krytyk sztuki, niezależny krytyk sztuki, kurator wystaw.

Od: Biryukova Irina, Opublikowano: 15 czerwca 2006

O kierunkach rozwoju malarstwa pejzażowego we współczesnym Wietnamie. Cechy życia artystycznego kraju we współczesnych warunkach gospodarczych i politycznych.

Jesienna mgła na górze We-lin
otacza drzewa.
Wielobarwne zioła, niezliczone kwiaty
udekoruj świat śmiertelników.

Nguyen Zy „Rozmowa w Kim-hoa o poezji” XVI wiek.

Współczesne malarstwo w Wietnamie uderza różnorodnością nurtów artystycznych. Jednocześnie nie ma wyraźnego podziału na style i gatunki - maniera każdego artysty jest wyjątkowa w swojej indywidualności, ale jednocześnie wszyscy mistrzowie starają się znaleźć i precyzyjnie wyrazić narodowy ideał wietnamski. Od czasów starożytnych Wietnamczycy czują się integralną częścią natury, przestrzegając jej rytmów i podziwiając jej siłę i piękno. Osiągnięcie harmonii z naturą jest dla Wietnamczyków nie tylko koncepcją kontemplacyjno-filozoficzną, ale także pilną potrzebą. Geografowie czasami nazywają Wietnam „balkonem Pacyfiku”. Wilgotny klimat i ciągłe powodzie zmuszały mieszkańców tych ziem do szukania możliwości przystosowania się do tak trudnych warunków. Ciężka praca i odpowiedzialność Wietnamczyków pomogła im zagospodarować te ziemie, które pierwotnie nie nadawały się do uprawy. Wietnamczycy są z tego faktu nie bez powodu dumni. Mają takie powiedzenie: „W Kambodży je się ryż, w Laosie go sprzedają, a w Wietnamie go uprawiają”. Obecnie ryż uprawiany w Wietnamie posiada najcenniejsze właściwości odżywcze, dlatego jest tak samo ważnym czynnikiem dla gospodarki tego kraju, jak ropa i gaz dla wielu innych krajów.

Nguyen Thi Tam, Scena wiejska, Muzeum w Hanoi, jedwab, akwarela, 60x45, lata 90.

Każdy Wietnamczyk jest prawdziwym patriotą swojej ziemi, zna nazwy niemal każdej góry czy rzeki, każdego pięknego kwiatu. Malując przyrodę, wietnamscy artyści starają się nie kopiować żadnego pejzażu z natury, ale przekazać osobiste doświadczenia z kontemplacji piękna ojczystego kraju, wyrazić swoją szczerą miłość do nieskończonej wielkości i różnorodności natury. Malarstwo pejzażowe na jedwabiu wyróżnia się najwspanialszymi walorami obrazowymi. Sam materiał pozwala pokazać najdrobniejsze niuanse koloru, oddać zmiany zachodzące w krajobrazie pod wpływem zjawisk pogodowych. Nguyen Thi Tam w swojej „Scenie wiejskiej” przedstawia poranny krajobraz po deszczu. Drzewa odbijają się w mętnej, gliniastej wodzie zatoki, a linia horyzontu jest zakryta mglistą mgłą. Na pierwszym planie malowidła przedstawiają rozchwiane drewniane kładki prowadzące do skromnych wiejskich domów. Przed nami poetycki obraz krnąbrnej natury, z którą Wietnamczycy są przyzwyczajeni do życia w harmonii. Domy są niemal zalane wodą, a dzieci beztrosko się bawią, huśtając się na chodnikach.

Chu Thi Thanh, „Festiwal folklorystyczny w północno-zachodnim Wietnamie”, Muzeum w Hanoi, jedwab, akwarela, 70x65 cm.

Charakterystycznym dziełem malarstwa pejzażowego na jedwabiu z lat 90. XX wieku jest Festiwal Folklorystyczny w północno-zachodnim Wietnamie. Artysta Chu Thi Thanh dokonuje tutaj prawdziwej organicznej syntezy malarstwa pejzażowego i gatunkowego. Święto narodowe mistrz koreluje z elementami natury. Wydaje się, że w święcie bierze udział sama natura: uginane przez wiatr gałęzie drzew odzwierciedlają płynne ruchy wiejskich tancerzy, a góry stanowią naturalną scenerię tej radosnej sceny. W kolorystyce obrazu nie ma lokalnych kolorów. Jasne odcienie zieleni, szarawego błękitu i cytrynowożółtego tworzą wyjątkową jedność kolorów.

Le Kim Mi, „Wietnam Północny”, Muzeum w Hanoi, jedwab, akwarela, 60x45 cm.

Artysta Le Kim Mi również inspiruje się północnowietnamskim wyglądem, jednak pociąga go nie świąteczna zabawa, ale codzienna praca. W pejzażu „Wietnam Północny” przedstawia dziewczyny spacerujące skrajem pola ryżowego i niosące za plecami wiklinowe kosze. Pnie drzew zostały przez mistrza namalowane graficznie, co budzi skojarzenia z tradycyjnym malarstwem Chin i Korei. W kolorystyce dominują odcienie zieleni, oddające świeżość nasyconych wilgocią liści. Malarstwo olejne pejzażowe stało się popularne na początku XXI wieku, ale ma raczej charakter dekoracyjny niż prawdziwie malowniczy. Jedwab dla wietnamskich malarzy jest materiałem znajomym, którego lekkość, gładkość i przezroczystość pozwalają w pełni ukazać bogactwo ich palety. Wietnamscy artyści zaczęli malować olejem na płótnie dopiero w połowie XX wieku. Praca w tej technice przez długi czas nie wykraczała poza studenckie próby opanowania nowej metody obrazowej. Dopiero teraz artyści zajmujący się malarstwem olejnym zaczęli aktywnie poszukiwać środków wizualnych, aby ucieleśnić właściwe wietnamskie ideały artystyczne. Dla każdego wietnamskiego artysty ważne jest podkreślenie szczególnego blasku, który wyróżnia naturę jego rodzinnego kraju. Jeśli w malarstwie na jedwabiu mistrzowie tworzą różnorodność kolorów dzięki wyrafinowanym subtelnym połączeniom nieco stonowanych kolorów, to w malarstwie olejnym artyści z reguły ujawniają malarskie i dekoracyjne właściwości lokalnych jasnych kolorów.

Le Thanh, Drzewa jesienią, galeria prywatna w Hanoi, olej na płótnie, 60x75 cm.

Nieskazitelne piękno żółci i błękitu możemy podziwiać na obrazie „Drzewa jesienią”, namalowanym farbą olejną przez artystę Le Thanha. Niektórzy współcześni wietnamscy artyści tak bardzo pasjonują się pięknem lokalnych kwiatów, że tworzą całe sezonowe cykle krajobrazów. Takim jest na przykład Lam Dak Manh, który stworzył cykl ponad dwudziestu obrazów przedstawiających centralną ulicę w Hanoi o różnych porach dnia i roku. Kolor pozwala scharakteryzować kolory określonej pory roku, przekazać widzowi wrażenie gorącego lata lub chłodnej zimy. Takie dzieła cieszą się dużym zainteresowaniem wśród europejskich i amerykańskich kolekcjonerów oraz przedsiębiorców, dlatego prawie każda galeria w Hanoi ma mistrza, który może wykonać na zamówienie dowolny widok, który zainteresuje klienta, w określonej kolorystyce. Niestety, nie zawsze tak wykonany obraz ma cechy naprawdę wysokiej sztuki. Warto jednak przyznać, że zarówno klient, jak i artysta są zazwyczaj obdarzeni dobrym gustem, dlatego branża artystyczna w Wietnamie rzadko zniża się do poziomu rękodzieła. Nabywcami wietnamskiej sztuki są głównie europejscy intelektualiści i wielcy francuscy przedsiębiorcy, potomkowie arystokratycznych rodzin wpływowych osobistości, które robiły interesy w azjatyckiej kolonii. Może wydawać się bardzo dziwne, że byli agresorzy i okupanci inwestują znaczne środki w wietnamską gospodarkę i okazują Wietnamowi bardziej przyjazną uwagę niż byli podobnie myślący ludzie i partnerzy. Na przykład we Francji niemal co roku odbywają się wystawy i jarmarki wietnamskich artystów.

Lam Dak Manh, Ulica w Hanoi, Hanoi, galeria artystyczna, 60x65 cm.

Współczesne malarstwo wietnamskie, które zachowało niepowtarzalny urok tradycji orientalnych i pochłonęło szczególne poczucie nowoczesności, jest ważną częścią kultury światowej. Niesamowita wewnętrzna harmonia charakterystyczna dla tego silnego i szlachetnego ludu, który z godnością przetrwał okropności niszczycielskich wojen, dała początek jasnej i oryginalnej sztuce, pełnej wysokich poetyckich obrazów.

Od: Oleg Volkov,