Dress code dla „kamiennych gości”. Rzeźba jest mostem łączącym przeszłość z przyszłością

Związek rzeźby z architekturą i środowiskiem

Rzeźby sztalugowe są zwykle wystawiane w muzeach. Ogląda się ją niezależnie od innych prac czy wystroju wnętrza. Można go przenosić z pokoju do pokoju, przewieźć do innego miasta, jest stosunkowo lekki i mobilny. Rzeźba monumentalna i monumentalno-dekoracyjna jest silnie kojarzona z konkretnym miejscem. I choć znane są przykłady przebudowy pomników (w Moskwie przeniesiono pomnik A.S. Puszkina), przypadki te są niezwykle rzadkie. Rzeźba monumentalna jest bardzo ciężka, jej wagę mierzy się w tonach i dziesiątkach ton, a jej przestawianie jest skomplikowane i czasochłonne. Poza tym takie ruchy rzadko kiedy mają sens: monumentalną rzeźbę wznosi się w plenerze – na placach i ulicach – a jej otoczenie jest z góry uwzględniane przez artystów i architektów. Rzeźba monumentalno-dekoracyjna jest lżejsza, ale jeszcze mocniejsza, „zakorzeniona” w otoczeniu: z zielenią alei, w której stoi, z niszą, w której się ukrywa, z budynkiem, który ją podtrzymuje lub wieńczy .

Włączenie rzeźby w tło architektoniczne i przyrodnicze nadaje jej największej wyrazistości. Monumentalna rzeźba wzniesiona na placu staje się jego centrum semantycznym i kompozycyjnym: wznosząca się ku górze pionowa lub naprzemienna bryła pomnika tworzy wokół siebie rytmicznie zorganizowaną przestrzeń, która łącząc się lub kontrastując z rytmami domów otaczających plac i ulicami wpadającymi do to, nadaje mu pełnię.

Często rzeźba decyduje o „dźwięku” placu, zabarwia go romantycznie, czyni uroczystym, radosnym lub surowym. Tym samym ponura moc pomnika konnego Bartolomeo Colleoniego, wyniesionego na bardzo wysoki i nieproporcjonalnie wąski cokół, tworzy wokół siebie tak surowe, intensywnie zamknięte środowisko, które nie jest charakterystyczne dla żadnego innego placu w Wenecji.

Rzeźba monumentalna oddziałuje na widza znacznie silniej niż rzeźba sztalugowa i nie chodzi tu o jej wielkość, ale o jej zaangażowanie w aktualne życie. Otoczona przestrzenią powietrzną, pięknie i wyraźnie zarysowana na tle nieba, współgra z bielą śniegu i zielenią drzew, jaśnieje pod promieniami słońca, wieczorami przygasa, a w księżycowe noce tajemniczo migocze. Prace sztalugowe w muzeach i na wystawach często są inscenizowane w taki sposób, że obejście ich jest trudne, jeśli nie całkowicie niemożliwe.

Dzisiejsze zespoły miejskie są nie do pomyślenia bez uroczystej monumentalnej rzeźby. Ale nie mniej ważna jest rzeźba monumentalna i dekoracyjna (często nazywana po prostu dekoracyjną), która dodaje zespołowi elegancji i radości. Pomniki są instalowane osobno. Plac organizuje jeden monumentalny pomnik; dwa - natychmiast wdaj się w kłótnię. Rzeźby dekoracyjne nie kolidują ze sobą, a jedynie zyskują na bliskości podobnych dzieł. Dwadzieścia pomników na nasypie lub alei – lubił powtarzać Mukhina – zabije każdy pomysł; dwadzieścia ozdobnych rzeźb utworzy świąteczny okrągły taniec.

Rzeźba dekoracyjna obejmuje posągi i płaskorzeźby, które nie są pozbawione samodzielnego znaczenia, ale wchodzą w skład zespołów architektonicznych lub mają służyć do dekoracji placów i ulic miejskich, wnętrz budynków i parków. Obejmuje także wszelkiego rodzaju zdobnictwo rzeźbiarskie na budynkach - dekoracje sztukatorskie, odlewane i rzeźbione, herby bramne, maszkarony, czyli płaskorzeźby w postaci fantastycznych masek ludzi i zwierząt oraz posągi pełniące funkcję pomocniczych elementów architektonicznych. Są to Atlantydzi i Kariatydy – postacie męskie i żeńskie, które w architekturze pełnią rolę kolumn lub pilastrów.

Obydwa te słowa – „Atlantydzi” i „kariatydy” – przyszły do ​​nas ze starożytnej Grecji: „kariatyda” pochodzi od słowa „kora”, czyli dziewczyna. W mitach Atlas był imieniem olbrzyma podtrzymującego sklepienie ziemi. Starożytna Grecja również pozostawiła nam jeden z najlepszych przykładów użycia tych półposągów, półkolumn. Jeden z portyków ateńskiej świątyni Erechtejon (421-460 p.n.e.) podtrzymują rzeźbiarskie wizerunki dziewcząt w długich szatach – opadające fałdy przypominają żebra kolumn. Te wysokie, silne postacie stoją spokojnie i majestatycznie; Ani w ich pozach, ani w dumnie uniesionych głowach, ani w spokojnym spokoju ich twarzy nie widać ciężaru, który dźwigają. Przeciwnie, rzeźbiarze przedstawiając Atlantydów najczęściej podkreślają, jak ogromny ciężar spoczywa na ich ramionach; Na obrazach Atlantydów wychwalana jest męska siła i wytrzymałość.

Zwyczajowo wieńczy się mosty dekoracyjną rzeźbą (przypomnijmy przynajmniej znane już grupy „Pogromców koni” na moście Aniczkowa w Leningradzie), ciągi ceremonialnych schodów, które powoli wznoszą się na szczyt. Można go zobaczyć na portalach i wejściach, na dachach pałaców, łukach, teatrach: na budynku Teatru Dramatycznego. A. S. Puszkina w Leningradzie – cztery konie kontrolowane przez Apolla, boga poezji; na budynku opery we Lwowie - alegoryczne postacie Zwycięstwa, Chwały i Miłości. Umieszczenie figurek na dachach wymaga szczególnego przemyślenia. Podniesiona na wysokość sylwetka wizualnie zmienia swoje proporcje – wydaje się szersza i przysadzista, niż jest w rzeczywistości. Dlatego nie byle jaki posąg można wznieść na dużą wysokość, ale tylko posąg specjalnie wykonany w tym celu. Poza tym należy wziąć pod uwagę możliwości ludzkiego wzroku: jeśli sylwetka rzeźbiarska straci swą wyrazistość i „rozmyje się”, będzie to równie katastrofalne zarówno dla rzeźby, jak i budynku, który ma ozdobić.

Czasami rzeźba jest instalowana w niszach przed budynkiem. Wydaje się zatem, że wchodzi w ścianę, a jednocześnie otrzymuje jedynie przydzieloną jej przestrzeń, w której gra światło i cień. Taka rzeźba wygląda tylko od przodu, a mimo to jej położenie jest dość wygodne i korzystne: pojawienie się cienia we wnęce daje wyraźniejsze poczucie objętości, a przebłyski światła sprawiają wrażenie pojawiającego się w niej wyrazistego ruchu.

Główną rolę w urbanistyce odgrywa architektura, jednak rzeźba, zarówno monumentalna, jak i dekoracyjna, w dużym stopniu dopełnia wygląd miasta. W Paryżu, Florencji, Leningradzie, Dreźnie, Krakowie znajdują się znane na całym świecie zespoły architektoniczne i rzeźbiarskie. Są starannie konserwowane, same w sobie są pomnikami sztuki. Starożytny Rynek we Lwowie przetrwał w niezmienionym stanie przez ponad sto lat. Cztery duże dekoracyjne rzeźby, ustawione na regularnym kwadracie w równych odległościach od siebie, podkreślają jego nieskazitelny czworokątny kształt; ich odświętna elegancja jest szczególnie widoczna w zestawieniu z surową imponującą wielkością ratusza znajdującego się pośrodku placu, z powagą heraldycznych lwów strzegących jego wejścia. Plac otaczają domy z XVI-XVII w., bogato zdobione posągami starożytnych bogów, królów i rycerzy, skrzydlatymi lwami, śmiejącymi się maszkaronami, ozdobnymi płaskorzeźbami z bawiącymi się delfinami, głowami dzieci i girlandami kwiatów. Surowa, nieco ponura architektura placu tchnie ukrytą energią i siłą; rzeźba łagodzi jej surowość i nadaje jej donośny dźwięk. Trzeba powoli spacerować po Rynku, uważnie przyglądając się każdemu gzymsowi, każdemu posągowi - każdy krok przynosi nowe wrażenie, uczy rozumieć, jak wielkie i różnorodne są możliwości łączenia architektury i rzeźby.

Prawdziwa synteza sztuk, połączenie dwóch lub więcej rodzajów sztuki, wzajemne powiązanie wszystkich ich części i typów w nową, harmonijną jedność i uogólnienie stylistyczne osiąga się w przypadkach, gdy elementy różnych rodzajów sztuki są połączone przez wspólną koncepcję ideologiczną i stylistyczną i tworzą organiczną całość. Efekt ten można osiągnąć poprzez interakcję rzeźby monumentalnej z zespołem miejskim, rzeźby dekoracyjnej z otoczeniem architektonicznym. To synteza decyduje o artystycznej wyrazistości takich leningradzkich zespołów, jak Plac Dekabrysta z dominującym na nim Jeźdźcem Brązowym oraz takie budynki jak Sztab Generalny, Giełda czy Admiralicja.

Konie Klodta pędzą
Idziemy wzdłuż Newskiego
Tak, boją się, że się potkną:
Mercedes już w drodze...))))

A Most Niczkowa to jeden z najpiękniejszych mostów na świecie.
Różni się od innych mostów rzeźbami. Chociaż Petersburg słynie z mostów zwodzonych, most ten nie jest już mostem zwodzonym, ale jest jednym z najsłynniejszych i najczęściej odwiedzanych przez turystów mostów w Petersburgu.

Istnieje kilka wersji tego, dlaczego most otrzymał tak niezwykłą nazwę. Oficjalna i najważniejsza wersja głosi, że most zawdzięcza swoją nazwę podpułkownikowi inżynierowi Michaiłowi Aniczkowowi (podkreślenie I), którego batalion za czasów Piotra Wielkiego stacjonował za Fontanką w tzw. Aniczkowej Słobodzie.

W 1715 r. Cesarz Piotr I wydał dekret: „Zbuduj most przez Bolszaję Newę na rzece Fontannaja”. Do maja 1716 roku prace zakończono i przez Fontankę zbudowano wieloprzęsłowy drewniany most belkowy na podporach palowych, blokując zarówno sam kanał, jak i bagnistą równinę zalewową.
Most był dość długi, gdyż sama Fontanka była wówczas imponującą barierą wodną i miała szerokość około 200 metrów.

w 1721 roku przeprawę rozbudowano, most zyskał osiemnaście przęseł. Środkową część umożliwiono podniesienie, ponieważ do tego czasu Fontanka została już oczyszczona i pogłębiona, a statki zaczęły po niej pływać.

Most przeszedł generalny remont w latach 1726 i 1742, a w 1749 roku architekt Siemion Wołkow zbudował nowy most drewniany, który niewiele różnił się od standardowych mostów tamtych czasów. Według jednej wersji przeprawę wykonano bez mostu zwodzonego i wzmocniono w celu dostarczenia królowi prezentu od szacha Iranu – słoni.

Do końca XVIII wieku Fontanka stanowiła granicę miasta, dlatego most pełnił funkcję swego rodzaju punktu kontrolnego. Niedaleko mostu znajdowało się przejście graniczne.

W 1785 roku przez Fontankę przerzucono stały kamienny most na linii Newskiego Prospektu. Wyglądał tak...

Niemal wierna kopia Mostu Łomonosowa (również tego samego Mostu Staro-Kalinkina), która przetrwała do dziś i o której będzie następny post. Przęsło środkowe zostało wykonane z drewna i otwarte, aby umożliwić przepływ małych statków i barek. Pomiędzy czterema granitowymi nadbudówkami wież, które wsparte były na podporach rzecznych, rozciągnięto ciężkie łańcuchy, które służyły do ​​podnoszenia płótna części regulowanej.

W 1841 roku rozebrano stary most i w ciągu siedmiu miesięcy postawiono nowy. W styczniu 1842 roku odbyło się uroczyste otwarcie nowej przeprawy. Trzy przęsła, nakryte łagodnymi łukami, ułożono z cegły, podpory i przęsła mostu wyłożono granitem, pojawiły się żeliwne balustrady z naprzemiennie sparowanymi wizerunkami hipokampów (fantastycznych koników morskich) i dziwnych syren według rysunku berlińskiego architekta Karol Schinkel.

Uwaga – jest to rzadki, nieznany wcześniej gatunek syreny. Mają tylne nogi - kopyta i ogon. W przypadku takich syren żeglarze nie mają klasycznych pytań… ale jak…

Pojawiły się także granitowe cokoły pod posągi, na których postawiono rzeźby „Pogromców koni”, wykonane na zamówienie rzeźbiarza P.K. Klodta do dekoracji Nabrzeża Admiralicji. Oryginalny projekt przewidywał także montaż waz z brązu na środku mostu (nad każdą z podpór). Z tego punktu projektu zrezygnowano, pozostawiając cokoły na pamiątkę dla potomków.

Pierwsze dwie rzeźby odlane z brązu: „Koń z idącym młodzieńcem” i „Młody człowiek trzymający konia za uzdę” pojawiły się po zachodniej stronie w 1841 roku. Rzeźby na wschodnim brzegu powtarzały zachodnie, ale miały charakter tymczasowy , wykonany z gipsu malowanego na brąz. Jedynie konie brązowe, odlane przez niego na zamienniki i ledwie wystygnięte prosto z odlewni, Mikołaj I podarował królowi pruskiemu Fryderykowi Wilhelmowi IV. Nadal są w Berlinie.

W 1844 roku orientalne rzeźby gipsowe zastąpiono ostatecznie rzeźbami z brązu, lecz nie przetrwały one długo; dwa lata później Mikołaj I podarował je królowi Obojga Sycylii za gościnność okazaną cesarzowej rosyjskiej podczas podróży do Włoch, a w 1846 roku trafili do Neapolu.

„Poskramiacze koni” przed Pałacem Królewskim w Neapolu.

Następnie kopie koni Klodta trafiły do ​​Peterhofu, Strelnej i moskiewskiej posiadłości Golicynów – Kuźminek.

Cesarz nie lubił Klodta. Ale talent go rozpoznał. Istnieje dobrze znana legenda, że ​​Mikołaj I powiedział: „No cóż, Klodt, robisz lepsze konie niż ogier”.

I dlatego cesarz nie lubił Klodta. Klodt miał bardzo dobre konie i woźnicę-tyrana bez wieży. On, łajdak, miał zwyczaj wyprzedzać wszystkie powozy na ulicy.

Któregoś dnia Klodt w swoim powozie wyprzedził załogę samego cesarza. A wyprzedzenie samego cara to nie żart. Można było trafić na wygnanie. Nie wolno było nawet zbliżyć się do króla...

Cesarz rozpoznał Klodta i żartobliwie pogroził mu palcem. Klodt ostro zbeształ woźnicę i kazał mu nawet nie przejeżdżać obok pałacu.

Ale nie wziął pod uwagę dumy carskiego woźnicy, a woźnicy Klodta powiedział, mówią, poczekaj, nie byłem gotowy, następnym razem zobaczymy, kto to przyjmie... jednym słowem wyzwanie został wystawiony na konkurs.

I los chciał, że wkrótce nadarzyła się okazja. Klodt jechał Placem Senackim, a przy Morskiej był tłum. „Hurra!” A więc - król.

Klodt krzyczy na woźnicę i szturcha go kijem w plecy, żeby go zatrzymać – nic nie pomaga! I tak woźnica cara, widząc swego rywala, napierał na konie, a woźnica Klodta, nie słuchając właściciela, rzucił wodze... i rozpoczął się wyścig, ku przerażeniu towarzyszącej carowi warty i policji, która nie wiedziałem co myśleć.

Najbardziej niesamowite jest to, że tym razem zwyciężyły konie Klodta. A cesarz zdawał się pokazywać mu pięść przez okno.

Historia skończyłaby się źle dla Klodta, ale te same konie, tylko miedziane, uchroniły go od kłopotów. W tym czasie ukończył szkołę i już rzucił konie na most Aniczkowa.

Król przyszedł, spojrzał i był całkowicie zachwycony.
- To oni? – zapytał król, subtelnie nawiązując do żywych koni Klodt, które go wyprzedziły. Rzeczywiście Klodt rzeźbił właśnie z nich.
„Za te” – powiedział król, wskazując na miedziane – „przebaczam...))))

Mimo to cesarz nieustannie rozdawał za granicę te konie, które kochał. I za każdym razem usuwano je z mostu i zastępowano gipsowymi kopiami.

Wreszcie w 1851 roku most został ostatecznie „ukończony”. Klodt nie powtarzał poprzednich rzeźb, lecz stworzył dwie nowe kompozycje, w efekcie posągi zaczęły przedstawiać cztery różne etapy zdobywania konia.

Pomniki jeszcze dwukrotnie opuściły most: w 1941 r., podczas blokady, wyjęto je i zakopano w ogrodzie Pałacu Aniczkowa, a w 2000 r. wywieziono je do renowacji i wróciły na pierwotne miejsce z okazji 300. rocznicy powstania. miasto.

Koń jest opanowany...

Posągi koni, które „patrzą” w stronę Admiralicji, mają na kopytach podkowy, natomiast posągi koni, które patrzą w stronę placu Wosstanija, nie mają podków. Wcześniej w Kuznechnym Lane byli (co dziwne) kowale))) i prawie wszystkie konie w mieście były tam podkuwane. Dlatego konie podkute „idą” z kuźni na początek alei, a konie niepodkute wręcz przeciwnie, zwrócone są w stronę Kuznechnego Lane.

Porównaj sam))) Zrobiłem specjalne zdjęcie)))

Jest jeszcze jedna interesująca znana legenda. Z jakiegoś powodu w Rosji wszystko, co dotyczy genitaliów, szybko zyskuje sławę...)))
Jakby żona zdradziła Klodta, a jemu udało się zobrazować wygląd swojego przestępcy pomiędzy nogami jednego konia. Klodt ma generalnie ciekawą historię małżeńską godną osobnego wpisu. Nie chcieli dać mu za mąż dziewczyny, którą lubił. Jej rodzice uważali go za biedaka. Mówią, że umie tylko rzeźbić konie...

Według innej wersji jest to sam Napoleon Bonaparte.

Rysy twarzy kochanka żony Klodta zniknęły w odbycie konia historii, ale sylwetkę twarzy Napoleona naprawdę można odgadnąć.

Barona i jego konie wychwalano nawet w ludowych przyśpiewkach:

Baron von Klodt przybity do krzyża
Za bycie na moście Aniczkowa
Ku zaskoczeniu całej Europy
Odsłonił 4 nagie tyłki.

Wśród ludzi krążyła legenda, że ​​Klodt zmarł w wyniku choroby, ponieważ... jak odkryto, że dwa konie na moście nie miały języków w pyskach.

Nie sprawdzałem jakich))) jest dość wysoka, więc nie mogę potwierdzić ani zaprzeczyć)))

Podczas oblężenia Leningradu most został uszkodzony w wyniku ataków artyleryjskich. Uszkodzone zostały granitowe balustrady i fragmenty balustrad. Przeprawa stała się pomnikiem blokady: na granitowym cokole koni nie przywrócono celowo śladu pozostawionego przez fragmenty niemieckiego pocisku artyleryjskiego.

Widok na Fontankę.

Widok na Fontankę z drugiej strony mostu)))

Kilka żartów o moście i Klodcie))))

Policjant przyłapał pijanego pracownika sikającego z mostu do Fontanki. Zabrał go do rzeźb i powiedział.... zobacz co tu jest napisane! To miejsce kulturalne! nawet wyrzeźbione w kamieniu... odlane przez barona Klodta! A robotnik... o co oni walczyli!? Czyli baron może przyjąć gips, a robotnik nie?

Most Aniczkowa nazywał się wcześniej „Mostem 18 Jaj”… ludzie, konie… i policjant, który tam zawsze był)))) Teraz nazywa się Most 16 Jajek – nie ma już policjantów i nie ma już jeden pilnuje rzeźby)))

I wreszcie...))) Podczas walki z alkoholizmem w Petersburgu powiedzieli, że w Petersburgu tylko 4 osoby nie piją - ci na moście Aniczkowa))) mówią, że nie mają czasu, trzymają się konie.

(C) moja głowa, Wikipedia i inne miejsca w Internecie.

Rzeźba jako forma sztuki

Pojęcie rzeźby

Rzeźba(z łac. sculptura, od sculpo – rzeźbić, wycinać) – rzeźba, plastyka – rodzaj sztuki, której dzieła odzwierciedlają otaczającą rzeczywistość w trójwymiarowych, fizycznie trójwymiarowych obrazach przy użyciu różnych materiałów plastycznych.

Przez długi czas pojęcia „rzeźba” i „plastik” uważano za synonimy, jednak ich ładunek semantyczny jest inny. Rzeźba to szersze pojęcie. Sztuka plastyczna z jednej strony jest techniką rzeźbienia z materiałów miękkich (glina, plastelina, wosk, eglin), z drugiej zaś środkiem artystycznym i wizualnym, pozwalającym nadać rzeźbie figuratywność. W odróżnieniu od malarstwa i grafiki rzeźba obejmuje mniejszy zakres obiektów i zjawisk, które mogłyby stać się obiektami do przedstawienia. Środki wyrazu w rzeźbie są opracowywane z większą starannością. Pod wieloma względami rzeźba ma coś wspólnego z architekturą. Ponieważ oba rodzaje sztuki zajmują się objętością i przestrzenią oraz podlegają prawom tektoniki1, mają charakter materialny i często się uzupełniają. Istnieje jednak znacząca różnica. Architektura ma cel funkcjonalny, w pewien sposób organizuje przestrzeń życia człowieka, czego nie można powiedzieć o rzeźbie. Główną cechą tej sztuki jest realna, a nie obrazowa trójwymiarowość, fizyczność.

Rzeźbiarze są najbardziej wrażliwi na objętość i kształt. Zdolność ta jest niezbędnym składnikiem twórczości plastycznej, podobnie jak „poczucie koloru” u malarza czy „słuch absolutny” u muzyka. Rozumienie objętości zachodzi nie tylko u rzeźbiarza, ale także u widza. Aby zrozumieć istotę dzieła rzeźbiarskiego, trzeba umieć zrozumieć „grę” powierzchni, poczuć formację, jej obrazowość, gdyż rzeźba nie jest eteryczną bryłą, ale obrazem wyrażonym w pewnym materiale, wykonanym w pewnym technikę i ujawnienie pewnego pomysłu. Pełne „odczytanie” rzeźby możliwe jest po zrozumieniu istoty materiału – jego właściwości i możliwości fizycznych, piękna i różnorodności faktury.

1. Tektonika (od greckiego tektonik6s – związana z budownictwem).

Chłód i delikatność porcelany nie jest w stanie w pełni oddać męskości, szybkości, determinacji, odwagi, tak jak ciepło i prostota drewna nie nadają się do kreowania wizerunku tego, co majestatyczne, ważne, królewskie i ambitne. Jak powiedział Lao Tzu: „garnki są zrobione z gliny, ale glina przestaje być gliną, gdy staje się garnkiem”. To właśnie ta cecha sprawia, że ​​materiał staje się materialnym nośnikiem obrazu i czyni rzeźbę sztuką lakoniczną. Lakonizm polega na umiejętności uogólnienia formy i skupienia treści obrazu artystycznego. Jest to jeden z głównych paradoksów rzeźby: z jednej strony jest łatwa do dostrzeżenia, ponieważ jej formy są uogólnione i skonkretyzowane, z drugiej strony jest złożona, ponieważ jej uogólnienie wynika z symboliki, co komplikuje jej zrozumienie. Bardzo często proste zestawienia form zawierają w sobie najgłębszą myśl i odwrotnie, dekoracyjne ekscesy podkreślają pustkę i bezsens.

Rzeźba jako forma sztuki jest ciekawa, ponieważ jak w prawdziwej sztuce jest w niej wiele niedopowiedzeń, co sprzyja rozwojowi twórczego myślenia widza i zachęca go do współtworzenia. Aby jednak wziąć udział w tym procesie, konieczne jest opanowanie przynajmniej minimum wiedzy, która ujawnia pewne prawa i zasady rzeźby. Znajomość tych wzorów i cech wyrazu rzeźby jest potrzebna zarówno dzieciom, jak i nauczycielom (obecnym i przyszłym). W związku z tym istotne wydaje się rozważenie szeregu pytań, które pomogą zrozumieć specyfikę rzeźby.

Rodzaje rzeźby

Rzeźba należy do rodzaju sztuki, która coraz częściej niezauważalnie wkracza w codzienne życie człowieka. Często nawet nie zauważamy, że otaczają nas rzeczy będące częścią rzeźby. Na przykład breloczki z talizmanami, medaliony, monety, figurki na półki, kamee itp. Wszystko to mówi o różnorodności rzeźby i jednocześnie o jej integralności.

Wyraziste środki i materiały użyte w pracy pozwalają rzeźbiarzowi stworzyć zarówno majestatyczny pomnik bohatera, jak i niewielką reliefową zawieszkę. Pomiędzy nimi znajduje się wiele dzieł rzeźbiarskich różnych typów i gatunków.

Na podstawie objętości trójwymiarowej:

- okrągła rzeźba, których prace są swobodnie umiejscowione w przestrzeni, tj. sugerują widok kołowy, grę objętości i przestrzeni. Okrągła rzeźba ma kilka odmiany:

statua(figurka ustawiona na pełnej wysokości);

grupa rzeźbiarska(dwie lub więcej postaci ujawniających jedną ideę i tworzących jedną całość);

statuetka(figurka rzeźbiarska niewielkich rozmiarów, znacznie mniejsza od jej rzeczywistych rozmiarów);

tułów(rzeźbiarski wizerunek ludzkiego tułowia);

biust(obraz klatki piersiowej osoby);

głowa(rzeźbiarski portret osoby, ograniczony do wizerunku głowy).

Pojawił się inny rodzaj okrągłej rzeźby - kinestetyczny, który nie wymaga chodzenia, demonstruje się dzięki wykonywanym ruchom;

- ulga (obraz znajduje się na płaszczyźnie stanowiącej tło, tłumaczone jako „uniesiony”, „wypukły”). Główna różnica między płaskorzeźbą a okrągłą rzeźbą polega na tym, że postrzegana jest w niej tylko przednia część bryły, ponieważ jest ona połączona ze ścianą. Ulga ma kilka odmiany, różnią się one w zależności od przeznaczenia i położenia na płaszczyźnie architektonicznej ( kompozycja frontalna, fryz, abażur, płytki, ułożone fragmentarycznie).

Położenie reliefu wpływa na jego wysokość:

płaskorzeźba- płaskorzeźba o małej wysokości, wystaje mniej niż połowa całkowitej objętości. Rzeczywista objętość płaskorzeźby jest mało wyraźna, zawarta jest w płytkiej strefie pomiędzy tłem a równoległą do niej płaszczyzną czołową;

duża ulga - płaskorzeźba o dużej wysokości, wystaje ponad powierzchnię o ponad połowę objętości. Płaskorzeźbione postacie przypominają posągi przysunięte blisko ściany. Wysoki relief można oglądać z trzech stron, zdaje się obejmować formę rzeźbiarską, swobodnie przenikając aż do samego tła;

kontrulga- głęboki relief, który nie wystaje na powierzchnię, ale usuwa objętość z powierzchni;

teren mieszany posiada elementy kilku rodzajów reliefu. Na przykład na płycie znajduje się wypukły obraz reliefowy, którego kontur wykonany jest za pomocą wgłębionych rowków.

-monumentalne i dekoracyjne, bezpośrednio związane z konkretnym środowiskiem architektonicznym, przestrzennym lub przyrodniczym. Główną różnicą od innych typów rzeźby jest jej wspólne, nierozerwalne istnienie z konstrukcją architektoniczną, np. reliefowe frontony, fryzy, posągi na frontonach, balustrady, portale, w niszach, kolumny w formie rzeźb (kariatydy, atlanty);

- dekoracyjny, przeznaczony do dekoracji parków, ogrodów, ulic, placów, bulwarów, fontann. Wraz z architekturą tworzy pewien wygląd miasta, nie jest kojarzony z odrębną strukturą, a koncentruje się na krajobrazie lub zespole architektonicznym. W rzeźbie dekoracyjnej można wyróżnić następujące elementy rodzaje:

prace ogrodowe- zlokalizowane na terenach rekreacyjnych (placów, parków, ogrodów, alejek, domów wypoczynkowych, sanatoriów itp.);

miejski- zlokalizowane na ulicach miasta, dzięki czemu ulice są czasem pozbawione twarzy, uroczyste, ciekawe, a czasem zabawne.

W rzeźbie miejskiej jest ich kilka kierunki:

pomniki, poświęcony różnym postaciom kultury, bohaterom, mężom stanu;

prace plastyczne, związane z biografią konkretnej postaci (np. rzeźba znajdująca się w pobliżu moskiewskiego cyrku imienia Yu. V. Nikulina; grupa rzeźbiarska „Natalie i A.S. Puszkin”, zlokalizowana na Arbacie w Moskwie);

rzeźba alegoryczna, przekazując abstrakcyjną ideę poprzez obraz. Dzieła rzeźby poświęcone postaciom baśniowym i wydarzeniom historycznym mogą mieć charakter alegoryczny (na przykład grupa rzeźbiarska „Samson rozrywający szczęki lwa” w Peterhofie, uosabiająca zwycięstwo Rosji nad Szwecją w wojnie północnej; fabuła z ustnej sztuki ludowej „Permyak „Słone Uszy” w Permie, „Czyżyk-Pyżik” w Petersburgu);

rzeźba przedstawiająca obraz zbiorowy dowolny zawód lub zjawisko społeczne (np. pomnik psa brutalnie zamordowanego w metrze, rzeźba „Hydraulik” znajdująca się na chodniku, rzeźba „Pocałunek” C. Brancausiego; rzeźba „Włamywacz” umieszczona na oknie budynek mieszkalny);

- sztaluga, posiadające niezależne znaczenie i bardziej kameralny charakter, niezwiązany bezpośrednio z architekturą i krajobrazem. Nie jest przeznaczony do konkretnego miejsca, na jego postrzeganie nie ma wpływu miejsce, w którym się znajduje.

Nazwa pochodzi od słowa „maszyna” – obrotowego stojaka, na którym mistrz podczas pracy ustawia rzeźbę. Dlatego też rzeźba sztalugowa ma rozmiary zbliżone do naturalnej wielkości przedstawianych obiektów (ludzi, przedmiotów, zwierząt). Najczęściej lokuje się go w salach muzealnych, wnętrzach mieszkalnych i wystawach, które stanowią jego zwykłe otoczenie;

- mała rzeźba, wieloaspektowa w swej istocie i obejmująca szeroką gamę dzieł o różnym charakterze, funkcji i gatunkach. Rzeźbą drobnoformalną nazywa się zwykle dzieła małoformatowe o tematyce gatunkowej, przeznaczone do wnętrz mieszkalnych i miejsc kultu;

- mały plastik(dzieła o niewielkich, „miniaturowych” rozmiarach). Za sztukę uważa się najstarszy rodzaj małej sztuki plastycznej. gliptyka (rzeźba wykonana na twardych minerałach półszlachetnych). Niektóre z tych dzieł posiadały liczne wcięcia, co umożliwiało wykorzystanie ich jako pieczęci. Same obrazy zostały nazwane wklęsłość , które w różnych okresach kulturowych i historycznych przybierały różne formy. Inny rodzaj małej chirurgii plastycznej - rzeźbienie w kościach (słoń, mors), którego prace również są niewielkich rozmiarów. Pomimo tego, że handel ten był praktykowany w różnych częściach świata, tylko nieliczni stali się najbardziej znani. Należą do nich figurki mistrzów Północnych Kholmogorów oraz miniatury japońskie – netsuke.

Różnorodność dzieł małej sztuki plastycznej jest ogromna. Obejmują one małe figurki z kamieni półszlachetnych, drewna, brązu, porcelany, ceramiki, szkła; tablice z reliefowym wizerunkiem, pełniące funkcje broszek (zapięć), broszek, amuletów, kamei, monet, medali itp. Z jednej strony dzieła małej sztuki plastycznej mają charakter użytkowy i nie mają większego znaczenia w życiu człowieka (breloczki wykonane w formie reliefowych obrazów), z drugiej strony niosą ze sobą poważne idee religijne i obywatelskie. Przykładowo medalem jest płaskorzeźba przedstawiająca określone symbole umieszczone po obu stronach talerza lub figurki bożków czczonych w pogaństwie, krzyż z wizerunkiem ukrzyżowanego Chrystusa.

Według stopnia przybliżenia rzeźby do prawdziwe obiekty Wyróżnia się następujące typy otaczającej rzeczywistości:

- realistyczny- odzwierciedla przedmioty i zjawiska faktycznie istniejącej rzeczywistości poprzez obrazy plastyczne;

- alegoryczny- przypomina prostą obrazkową łamigłówkę, która zawiera system znaków identyfikacyjnych pozwalających na jej ułożenie. Alegoria zawiera pewne cechy, które czynią rzeźbę łatwo rozpoznawalną. Na przykład rzeźba przedstawiająca kobietę z zawiązanymi oczami i wagą w dłoniach reprezentuje sprawiedliwość.

Rodzaj alegorii - uosobienie, oznaczający ucieleśnienie abstrakcyjnej koncepcji w postaci postaci ludzkiej. Na przykład Nike, uosabiająca zwycięstwo; Fortuna, oznaczająca los; Libertas, charakteryzujący wolność.

W ramach personalizowanych dzieł rzeźbiarskich bardzo często pojawiają się personifikacje geograficzne, w których kreowany jest obraz rzek, gór, miast, a nawet krajów. Aby istota tych dzieł była jasna w odbiorze, należy do nich dołączyć notę ​​wyjaśniającą wyjaśniającą istotę symboliki;

- abstrakcyjny- polega na stworzeniu zbiorowego obrazu plastycznego, który odsłania jedynie wewnętrzną istotę przedstawianego przedmiotu, przedmiotu, zjawiska lub pojęcia. Podobieństwo zewnętrzne nie jest istotne. Niektóre poszczególne elementy mogą niejasno przypominać rzeczywistą formę, w przeciwnym razie niezwykle trudno byłoby „odczytać” ideę rzeźby. Ogólnie rzecz biorąc, plastikowy obraz jest wypełniony symbolami i atrybutami, które pozwalają inaczej spojrzeć na znane rzeczy. W rzeźbie abstrakcyjnej zasadnicze momenty konkretnego zjawiska są wyraźniej, wyraźniej i subtelniej zaznaczone (np. „Kobieta czesająca włosy” A. Archipenko; „Leżąca figura” G. Moore’a; „Wariacje” N. Gabo, „Ptak” K. Brancusi).

Na podstawie kształtu Wyróżnia się następujące typy rzeźb:

- pomnik- najpowszechniejsza forma rzeźby, której głównym zadaniem jest utrwalenie w „wiecznym” materiale pamiątki po postaci historycznej lub znaczącym wydarzeniu. Dzięki pomnikom przez wiele lat pamiętamy o zmarłych ludziach i wydarzeniach z przeszłości. W tym przypadku pomnik nie jest echem przeszłości, jest istotny dla każdego pokolenia, gdyż w każdym okresie kulturowym i historycznym symbolizuje coś innego;

- pomnik bardzo blisko pomnika. Ma także przypominać ludziom o ważnych wydarzeniach. Na pierwszy rzut oka bardzo trudno jest wyznaczyć granicę pomiędzy pomnikiem a pomnikiem. Jednak każdy z nich ma swoją specyfikę. Po pierwsze, pomnik ma bardziej intymne formy wyrazu, a pomnik jest zawsze majestatyczny. Po drugie, pomnik jest wykonany tak, aby przedstawiony obiekt był rozpoznawalny, wykorzystano w tym celu realia epoki i atrybuty charakterystyczne dla konkretnej osoby. Pomnik nie potrzebuje takich szczegółów, gdyż atrybuty kryją się za nimi głębokie znaczenie, zrozumiałe poza czasem i przestrzenią (np. pomnik „Ojczyzny” w Wołgogradzie, Statua Wolności w Nowym Jorku, pomnik O. Zadkine’a pomnik „Zrujnowane Miasto”, przypominający bombardowanie holenderskiego miasta Rotterdam w 1940 r.).

Jest jeszcze jedna różnica między pomnikiem a pomnikiem: o jego lokalizacji zawsze decyduje środowisko architektoniczne miasta. Pomnik wymaga starannego doboru lokalizacji, pełni bowiem funkcję miastotwórczą, zajmując jedną z centralnych części krajobrazu miejskiego, wyznaczając styl otaczającej go przestrzeni. Pomnik wymaga dystansu między nim a widzem, aby można było odczuć jego wielkość. Efekt uniesienia uzyskuje się poprzez cokół (podporę, stojak), który zdaje się przenosić pomnik w inną przestrzeń, oddzielając go od podłoża i czyniąc z niego identyfikujący znak oddzielenia od codziennej rzeczywistości.

Pojęcie „cokół” oznacza także pewnego rodzaju podparcie, a raczej „stopę”. Cokół kojarzy się jednak z pomnikiem, a pomnik z cokołem. Cokół wprawdzie wyznacza dystans pomiędzy pomnikiem a widzem, jednak nie jest on tak wyraźny jak w pomniku. Cokół pomnika ma swój własny język wizualny w postaci posągów i płaskorzeźb, które ujawniają treść całego obrazu.

Cokół pomnika, cokół pomnika, stojak pod rzeźbę sztalugową, podstawa popiersia mają jedną wspólną cechę; wyznaczają granicę między obrazem artystycznym a widzem, między światem rzeczywistości a światem sztuki;

- nagrobek- rodzaj rzeźby bardzo zbliżony funkcją do pomnika, a pomnik kojarzony jest także z motywem wieczności. W przeciwieństwie do pomnika i pomnika, nagrobek porusza kwestie życia i śmierci, nieśmiertelności i umierania;

- rzeźba gatunkowa różni się od wszystkich poprzednich typów. Nie wiąże się z tematem wiecznej pamięci, odzwierciedla różne sytuacje życiowe i zjawiska w całej ich różnorodności. Forma może być realistyczna, alegoryczna, a nawet abstrakcyjna. Jej specyfika polega na odzwierciedleniu życia w obrazie plastycznym, przy wykorzystaniu różnych gatunków sztuki.

Gatunki rzeźby

Gatunek zwierzęcy. Prace tego gatunku odsłaniają obraz zwierzęcia poprzez plastyczność.

Pomimo tego, że ludzie przedstawiali zwierzęta od czasów starożytnych, gatunek ten ukształtował się na początku XIX wieku, kiedy istniało już kilka kierunków.

Pierwszy kierunek wiąże się z zachowaniem naturalizmu w wizerunkach zwierząt, drugi charakteryzuje się dziełami, w których zwierzęta stają się uosobieniem cech ludzkich. Forma obrazu jest różna – od stylizacji po abstrakcję, od typizacji po alegorię.

Portret- kreowanie wizerunku osoby w ogóle lub konkretnej jednostki. Gatunek jest jednocześnie prosty i trudny, gdyż rzeźba ma ograniczone środki wyrazu, co komplikuje proces plastycznego kształtowania.

Niektórzy rzeźbiarze dążą do naturalizmu (osoba jest przedstawiana taką, jaka jest); inni idealizują model (osoba jest przedstawiana taką, jaką chciałaby widzieć siebie w oczach innych).

Rozwój gatunku portretu w różnych okresach kulturowych i historycznych miał swoją własną charakterystykę (powstał wizerunek przedstawiciela ludu, klasy, epoki), co doprowadziło do zidentyfikowania kilku odmiany:

- izba portret wyróżnia się zewnętrzną prostotą, która skrywa wewnętrzny świat modelki. Najwyraźniej ujawnia to nieformalny stosunek autora do modela;

- drzwi wejściowe portret wygląda bardziej uroczyście, a jednocześnie oderwany od widza, jakby wznosił się ponad zwyczajność i codzienność dzięki ogromnej liczbie elementów dekoracyjnych (elementy kostiumu, dodatki, atrybuty itp.);

- gatunek portretowy - nie tylko portret osoby, ale realizacja pewnej idei portretu w oparciu o syntezę z innym gatunkiem. Na przykład wizerunek postaci historycznej łączy w sobie dwa gatunki: portret i gatunek historyczny, posąg Apolla - portret i gatunek mitologiczny.

Mniej powszechne w rzeźbie są gatunki codzienne, mitologiczne i historyczne.

Gatunek codzienny polega na odsłonięciu w rzeźbie tematów życia codziennego, zapoznaniu się z realiami życia codziennego. Treść dzieł gatunku codziennego porusza tematy bardzo głębokie, o korzeniach filozoficznych, zachęcając widza do refleksji nad złożonymi problemami życiowymi.

Gatunki historyczne i mitologiczne mają dłuższą historię rozwoju. Tematyka historyczna, mitologiczna i religijna interesuje rzeźbiarzy od bardzo dawna, gdyż każda epoka charakteryzuje się własną interpretacją wydarzeń historycznych, tematów mitologicznych czy religijnych.

Martwa natura i pejzaż. Początkowo używano ich wyłącznie w połączeniu z innym wiodącym gatunkiem. Jednak ostatnio, gdy temat i natura stały się odrębnym tematem dzieł sztuki plastycznej, pojawiły się rzeźby, które dają widzowi możliwość spojrzenia na otaczający go świat jak na żywy organizm. Warunkiem rozwoju tych gatunków były eksperymenty z formą rzeźbiarską, które pozwalały uwolnić się od realności tego, co jest przedstawiane i uniknąć efektu odlewu.

Gatunek fragment. W nim poszczególne elementy ludzkiego ciała, fragmenty obiektów naturalnych i przedmioty istnieją niezależnie.

Artystycznym bodźcem do rozwoju tego gatunku były znalezione podczas badań archeologicznych fragmenty rzeźb antycznych, które mimo swojej niekompletności zachowały wyrazistość i ciekawość. To właśnie ze względu na ich nietypowość stały się przedmiotami kolekcjonerskimi. Stopniowo fragmenty uzyskały niezależność w rzeźbie.

Za wybitnych przedstawicieli tego gatunku uważa się słusznie O. Rodina, który zwrócił uwagę innych na niesamowite plastycznie plastyczne brzmienie części ludzkiego ciała oraz W. Boccioniego, który futurystycznie spoglądał na rzeczy, badając je od środka.

Rzeźby nie tylko cieszą oko, ale także edukują, tworzą atmosferę przestrzeni i w pewnym stopniu decydują o przyszłości ludzi. Tak uważa Tatiana Cholujowa, profesor, Czczona Artystka Federacji Rosyjskiej, autorka wielu pomników ustawionych w Niżnym Nowogrodzie i regionie.

Piękno i Harmonia

Albina Makarowa, AiF-NN: Tatyana Georgievna nie ma wątpliwości, że rzeźby wpływają na otaczającą je przestrzeń. Ale jak pomnik może edukować?

Tatiana Cholujewa

Tatiana Cholujewa: Nawet gdy studiowaliśmy w Leningradzkiej Akademii Sztuki i Przemysłu nazwanej imieniem. Stieglitzowi powiedziano nam, przyszłym rzeźbiarzom, że mamy w rękach potężną broń, przypominającą skalpel chirurgiczny, za pomocą której możemy wykonać skomplikowaną operację i uratować życie lub możemy dźgnąć i odebrać życie. Człowiek otrzymuje 95% informacji o tym świecie oczami. Dlatego na każdym mistrzu tworzącym rzeźby ciąży odpowiedzialność.

Na przykład we Włoszech jest wiele pięknych zabytków, ludzie z całego świata przyjeżdżają, żeby je zobaczyć. W tej harmonii i pięknie żyje niejedno pokolenie Włochów. Być może dlatego jest tu tak wielu znanych projektantów i projektantów mody...

Każda rzeźba musi mieć trzy zasady: moralną, estetyczną, emocjonalną. Psychologowie twierdzą, że dźwięk i muzyka mają największy wpływ na człowieka, a zaraz za nim kolor. Rzeźby nie mają tak potężnego działania, ale żyją długo i działają stale, nie można ich „wyłączyć”. Ludzie nawet nie zauważają tego wpływu. W pewnym stopniu każda sztuka jest bronią, może być dobra lub może powodować negatywne konsekwencje.

- Jak rzeźby Niżnego Nowogrodu wpływają na ludzi? Czy wszystkie nasze pomniki są „poprawne”?

Jakiś czas po uzyskaniu dyplomu wysłano mnie z misją do Gorkiego. Miasto bardzo mi się podobało, podobnie jak mój rodzinny Torzhok, położone jest na dwóch brzegach rzeki, równie starożytne, z bogatą historią. Ale zasmuciło mnie, że w mieście jest mało sztuk plastycznych. Kiedy w przestrzeni nie ma wystarczającej ilości rzeźb, oko mieszkańca miasta nie jest „wykształcone”, nieprzyzwyczajone do piękna. Mieszkam tu całe życie, Niżny jest teraz moim domem i to podwójnie obraźliwe, że wciąż jest tu za mało rzeźb.

Moim zdaniem najbardziej harmonijnym i potężnym pomnikiem jest obelisk ku czci Minina i Pożarskiego na Kremlu w Niżnym Nowogrodzie, dzieło Iwana Martosa i architekta Abrahama Mielnikowa. Idealnie wpisuje się w przestrzeń wysokiego brzegu nad szeroką Wołgą. Piękny jest także pomnik Maksyma Gorkiego na placu o tej samej nazwie - dzieło rzeźbiarki Very Mukhiny, architektów Wiktora Lebiediewa i Pawła Stellera.

Pomnik Gorkiego w Niżnym Nowogrodzie. Foto: AiF-Niżny Nowogród

Ludzie w większości przyciągają piękno, piękno, wybaczają mistrzowi wiele błędów. A to zaufanie podwaja odpowiedzialność rzeźbiarza za to, co wnosi do miasta.

17-metrowy pomnik Lenina na placu imienia wodza już w dniu jego otwarcia w 1970 r. wywołał odrzucenie wśród mieszczan. I nie jest to kwestia ideologii - mieszkańcy Gorkiego poszli na wspólne sprzątanie i przekazali pieniądze na stworzenie tej rzeźby. Dobrze pamiętam dzień otwarcia, całe Kanavino było wypełnione kolumnami ludzi, więc poszli tylko na demonstrację. Pomnik znajdował się pod kocem. Widzieliśmy to już wcześniej i jako profesjonaliści zrozumieliśmy, że robiono to w biegu, w myśl zasady „na prowincji sobie poradzą”.

Obok nas szła kolumna robotników i inżynierów z jakiejś fabryki. Po zdjęciu okładki wielu pracowników fabryki nie mogło powstrzymać się od przekleństw. A jeden głośno powiedział: „Zorganizujmy kolejny dzień sprzątania, zaróbmy pieniądze na koparkę, przywieźmy ją tutaj, zwiążmy tego potwora za nogę, oderwijmy i wrzućmy do rzeki”.

Nie chcę wchodzić w aspekt polityczny i odwracać faktów, mówiąc, że ludzie chcieli zburzyć pomnik Lenina. Nie, mieszczanie chcieli, żeby tu stanął pomnik Iljicza, ale chcieli zobaczyć prawdziwe dzieło sztuki. Ale mistrz się spieszył. Być może miał pracę w innych miastach – w latach 70. nastąpił prawdziwy rozkwit otwierania pomników przywódcy rewolucji.

Dress code dla „kamiennych gości”

Teraz prawie co roku na głównej ulicy Niżnego Nowogrodu pojawiają się nowe rzeźby. Ale stale są ofiarami ataków chuliganów. Skrzypek skrzypka był wielokrotnie kradziony. Niedawno „Listonoszowi” „odebrano” koło od roweru, a pewnej nocy „Parze Szlacheckiej” odpiłowano ręce. Niedawno „Wesołą Kozę” oblano zieloną farbą. Jak chronić rzeźby?

To wandalizm, kpina, zniszczenie, to chuligaństwo. Trzeba edukować obywateli – zarówno młodych, jak i starszych. Jest to złożony proces, który zależy od wielu czynników.

To smutne, ale „uzupełnienie” rodziny rzeźb na Bolszai Pokrowskiej nie przyczynia się do edukacji mieszczan. Mam dwuznaczny stosunek do tych dzieł. Ludzie robią zdjęcia obok nich, a turyści zabierają te zdjęcia do innych miast. Ale czy te rzeźby są oryginalne?! Są takie niemal w każdym mieście i wypełniliśmy nimi całą główną ulicę.

Wciąż pamiętamy zmarłego głównego architekta naszego miasta, Aleksandra Kharitonowa. Powiedział, że Bolszaja Pokrowka to reliktowy, chroniony obszar miasta, należy z nim obchodzić się ostrożnie, „nie wpuścił” takich rzeźb na główną ulicę.

Nie twierdzę, że takie dzieła nie mają prawa do życia – to rzeźba parkowa. Ale w prawdziwych pomnikach oprócz treści zewnętrznych musi istnieć treść wewnętrzna. Dłonie, nogi, rysy twarzy – to ważne. Ale jeśli mistrz nie przekazał charakteru danej osoby, to jest to tania lalka, a nie pomnik!

Skrzypek skrzypka był wielokrotnie kradziony. Foto: AiF-Niżny Nowogród

Pracując nad popiersiem Puszkina (a bardzo kocham tego poetę) nie tyle recenzowałem jego portrety za życia, co czytałem zeskanowane rękopisy poety. Wyobraź sobie stronę. Było popisane, połowa tekstu została przekreślona i przepisana, i tak dalej kilka razy. Próbowałem sobie wyobrazić, jak to się stało, jak pisał za każdym razem, gdy było białe i wracał do początku. Czytam też wspomnienia współczesnych. Niektórzy pisali, że Puszkin był „straszną małpą”, inni, że był czarujący i czarujący. Tylko przepuszczając to wszystko przez siebie, artysta może odtworzyć obraz osoby.

Ze wszystkich rzeźb, które obecnie znajdują się na głównej ulicy, „Policjant” jest moim zdaniem najbardziej organiczną w tej przestrzeni.

- Po co w ogóle stawiają rzeźby?

Ale na pytanie „Dlaczego?” musisz odpowiedzieć za każdym razem, gdy zdecydujesz się dodać coś do przestrzeni miejskiej. Dawno, dawno temu miało tu miejsce jakieś wydarzenie, mieszkał tu człowiek, ten moment już minął, ale pozostawił po sobie ślad. Ludzie chcą powrotu tego emocjonalnego, estetycznego i historycznego elementu kroniki miasta i stawiają pomnik.

Artysta zawsze wyraża swój czas. Oznacza to, że pomniki nawet tej samej osoby, powstałe w różnym czasie, będą różne. Jednak wyrażając swój czas, rzeźbiarz musi pamiętać, że wiek pomnika jest długi, dlatego dzieło musi powstać na najwyższym poziomie swojego stulecia.