Znane postacie kultury rosyjskiej XIX wieku. Zagraniczni artyści XIX wieku: najwybitniejsze postacie sztuk pięknych i ich dziedzictwo

Sztuka rosyjska pierwszej połowy XIX wiek. Powstanie narodowe związane z Wojną Ojczyźnianą 1812 r. Wojna i powstanie dekabrystów w kulturze rosyjskiej pierwszej tercji w. Ostre sprzeczności czasu lat 40. XX w. Motywy romantyczne w literaturze i sztuce są czymś naturalnym dla Rosji, która od ponad stulecia uczestniczy w ogólnoeuropejskim procesie kulturowym. Droga od klasycyzmu do realizmu krytycznego poprzez romantyzm.

Zwiększona rola społeczna artysty, znaczenie jego osobowości, prawo do wolności twórczej, w której coraz częściej poruszane są problemy społeczne i moralne; tworzenie stowarzyszeń artystycznych i czasopism specjalnych („Wolne Towarzystwo Miłośników Literatury, Nauki i Sztuki”, „Dziennik Sztuk Pięknych”, „Towarzystwo Zachęty Artystów”, „Muzeum Rosyjskie”, „Galeria Rosyjska”), prowincjonalne szkoły artystyczne Dominującym stylem tego czasu jest dojrzały lub wysoki klasycyzm (Imperium Rosyjskie).

Architektura pierwszej tercji stulecia jest rozwiązaniem dużych problemów urbanistycznych. W Petersburgu dobiega końca układ głównych placów stolicy: Pałacu i Senatu. Szczególnie intensywnie budowano Moskwę po pożarze w 1812 roku. Ideałem staje się antyk w swojej greckiej (a nawet archaicznej) wersji. Stosowany jest porządek dorycki (lub toskański), surowy i zwięzły. Ogromną rolę w ogólnym wyglądzie budynku odgrywa rzeźba, która ma pewne znaczenie semantyczne. Kolor dużo decyduje, zwykle architektura wysokiego klasycyzmu jest dwukolorowa: kolumny i stiukowe posągi są białe, tło jest żółte lub kolczyki. Wśród budynków główne miejsce zajmują budynki użyteczności publicznej: znacznie rzadziej budowane są teatry, wydziały, instytucje oświatowe, pałace i świątynie.

A. Woronikin - największy architekt tamtych czasów (Katedra Kazańska). A.Zacharow od 1805 r. - „główny architekt Admiralicji” (Admiralicja jako główny zespół Petersburga). C.Rossi - czołowy architekt petersburski pierwszej tercji XIX wieku. („Imperium Rosyjskie”), „myślenie zbiorowe”: zamienił pałac lub teatr w urbanistyczne centrum placów i nowych ulic (Pałac Michajłowski, obecnie Muzeum Rosyjskie; budynek Teatru Aleksandryjskiego; budynek Teatru Aleksandryjskiego; Senatu na słynnym Placu Senackim). „Najbardziej rygorystyczny” ze wszystkich architektów późnego klasycyzmu V. Staso V(Koszary Pawłowskiego na Polu Marsowym, Oddział Stajni na nabrzeżu Moika, katedra pułkowa pułku Izmailowskiego, triumfalna brama Narwy i Moskwy, wnętrza Pałacu Zimowego po pożarze), co wszędzie podkreśla masę, jej ciężkość plastyczna, statyka, efektowność i ciężkość. Katedra św. Izaaka w Petersburgu (O.Montferrand) to jeden z ostatnich wybitnych zabytków architektury kultowej w Europie XIX w., skupiający najlepsze siły architektów, rzeźbiarzy, malarzy, murarzy i odlewników, będący przykładem klasycyzm traci swą harmonię, wagę, komplikację.

Związek rzeźby pierwszej połowy stulecia z rozwojem architektury: posągi Barclaya de Tolly'ego i Kutuzowa w katedrze kazańskiej (B. Orłowski), które nadały symbolom bohaterskiego oporu piękną oprawę architektoniczną. („Facet grający na pieniądze” N. Pimenowa, „Guy grający w stos” A. Loganowskiego). drugi ujawnia chęć bardziej bezpośredniego i wielostronnego odzwierciedlenia rzeczywistości, upowszechnia się w drugiej połowie stulecia, jednak oba kierunki stopniowo tracą cechy stylu monumentalnego.

Prawdziwe sukcesy malarstwa w romantyzmie. W gatunku portretów wiodące miejsce zajmuje O. Kiprensky (obraz „Dmitrij Donskoj o zwycięstwie nad Mamai”, który dawał prawo do wyjazdu emeryta za granicę; portrety E. Rostopchina, D. Chwostowa, chłopca Czeliszczewa, pułkownika Huzarów Życia E. Davydowa – zbiorowy obraz bohater wojny 1812 roku).

Romantyzm znajduje swój wyraz w pejzażu. S. Szczedrin („Widok Neapolu w księżycową noc”) jako pierwszy otworzył plenery malarskie w Rosji: malował szkice w plenerze, a obraz („dekorował”) dokończył w pracowni. W ostatnich pracach Szczedrina zainteresowanie efektami światła i cienia stawało się coraz wyraźniejsze. Podobnie jak portrecista Kiprensky i malarz batalistyczny Orłowski, pejzażysta Szczedrin często malował sceny rodzajowe.

Odbicie gatunku codziennego w portretach V. Tropinina (portret jego syna Arseny'ego, portret Bułachowa), artysty, który uwolnił się z pańszczyzny dopiero w wieku 45 lat. Najlepsze portrety Tropinina charakteryzują się wysoką doskonałością artystyczną, szczerością obrazów, żywotnością i bezpośredniością, które podkreśla umiejętne oświetlenie.

Tropinin wprowadził do portretu jedynie element gatunkowy. „Ojciec rosyjskiego gatunku domowego” - A. Venetsianov („Żniwiarze”, „Wiosna. Na polach uprawnych”, „Chłopka z chabrami”, „Poranek ziemianina”), który łączył w swojej twórczości elementy klasycyzmu, romantyzmu, sentymentalizmu i naturalizmu, tj. wszystkich „żywych” ruchów artystycznych początku XIX w. Nie ujawniał ostrych zderzeń życia chłopskiego, nie poruszał „chorych pytań” naszych czasów. Namalował patriarchalny sposób życia, ale nie wprowadził do niego poezji z zewnątrz, nie wymyślił jej, ale zaczerpnął ją z samego życia ludu.

Rozwój rosyjskiego malarstwa historycznego w latach 30. i 40. XX wieku pod znakiem romantyzmu. „Geniusz kompromisu” pomiędzy ideałami klasycyzmu i innowacjami romantyzmu – K. Bryullowa („Narcyz” to szkic, który stał się obrazem; „Ostatni dzień Pompejów” to główne dzieło artysty, ukazujące wielkość i godność człowieka w obliczu śmierci). Centralna postać malarstwa jest połowa stulecia A. Iwanow (obraz „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, który odzwierciedlał żarliwą wiarę artysty w moralną przemianę człowieka, w doskonałość człowieka poszukującego wolności i prawdy).

Główne źródła malarstwa gatunkowego drugiej połowy stulecia znajdują się w twórczości P. Fedotowa , któremu udało się oddać ducha Rosji lat 40. Droga od prostego, codziennego pisma do realizacji w obrazach problemów rosyjskiego życia: „Majorskie swatanie” (eksponowanie małżeństw zubożałej szlachty z kupieckimi „workami pieniędzy”) , „Wybredna panna młoda” (satyra na małżeństwo dla pozoru), „Śniadanie arystokraty” (potępienie pustki świeckiego kolesia rzucającego kurz w oczy), „Kotwica, więcej kotwicy!” (tragiczne poczucie bezsensu istnienia), „Świeży kawaler”… Sztuka Fiedotowa kończy rozwój malarstwa w pierwszej połowie XIX wieku. i otwiera nowy etap – sztukę krytycznego (demokratycznego) realizmu.

Sztuka rosyjska drugiej połowy XIX wiek . Rzeźba i architektura rozwijały się w tym okresie wolniej. Środki wyrazu artystycznego klasycyzmu stoją w sprzeczności z zadaniami stawianymi przez architekturę drugiej połowy XIX wieku. Historyzm (stylizacja retrospektywna, eklektyzm) jako reakcja na kanoniczność stylu klasycznego. Nowe typy budynków okresu kapitalizmu wymagały nowych i różnorodnych rozwiązań kompozycyjnych, których architekci zaczęli poszukiwać w formach zdobniczych przeszłości, wykorzystując motywy gotyckie, renesansowe, barokowe i rokokowe.

Lata 40. XIX w.: fascynacja renesansem, barokiem, rokokiem. W duchu neobaroku i neorenesansu wykonano niektóre wnętrza, Pałac Nikołajewski. W latach 70. i 80. zanikły klasyczne tradycje w architekturze. Wprowadzenie powłok metalowych i metalowych konstrukcji ramowych ożywiło racjonalną architekturę dzięki nowym koncepcjom funkcjonalnym i konstrukcyjnym. Celowość techniczna i funkcjonalna przy budowie nowych typów budynków: przemysłowych i administracyjnych, dworców, pasaży, rynków, szpitali, banków, mostów, obiektów teatralnych i rozrywkowych.

Kryzys monumentalizmu dotknął także rozwój rzeźby monumentalnej. Pomniki stają się zbyt patetyczne, ułamkowe w sylwetce, szczegółowe (pomnik Katarzyny II w Petersburgu) lub komnatowe w duchu (pomnik Puszkina w Moskwie) W drugiej połowie XIX wieku. rozwija się rzeźba sztalugowa, głównie gatunkowa, narracyjna, wygląda jak malarstwo gatunkowe przełożone na rzeźbę (M. Chizhov „Chłop w tarapatach”, V. Beklemishev „Village Love”). Rozwija się gatunek zwierzęcy (E. Lansere i A. Aubert), który odegrał dużą rolę w rozwoju rosyjskiej realistycznej rzeźby małych form.

W drugiej połowie XIX w. krytyczny stosunek do rzeczywistości, wyraźne stanowiska obywatelskie i moralne oraz wyraźna orientacja społeczna były także charakterystyczne dla malarstwa, w którym ukształtował się nowy artystyczny system widzenia, wyrażający się w realizmie krytycznym. związek malarstwa z literaturą. Artyści jako ilustratorzy, bezpośredni interpretatorzy palących problemów społecznych społeczeństwa rosyjskiego.

Dusza krytycznego kierunku w malarstwie V. Perow , który podjął sprawę Fiedotowa i w prosty i przenikliwy sposób pokazał strony prostej codzienności: brzydki wygląd duchowieństwa („Wielkanocna procesja wiejska”), beznadziejne życie rosyjskich chłopów („Widząc umarłych”), życie biedoty miejskiej („Trojki”) i inteligencji („Przyjazd guwernantki do domu kupieckiego”).

Walka o prawo sztuki do powrotu do prawdziwego, prawdziwego życia w petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych („bunt 14”). Stowarzyszenie absolwentów Akademii, którzy odmówili napisania programowego obrazu na jeden temat epopei skandynawskiej (tyle problemów współczesności wokół!), Stowarzyszenie Objazdowych Wystaw Artystycznych (1870-1923). Wystawy te nazwano mobilnymi, bo organizowano je w Petersburgu, Moskwie, na prowincji („wychodząc do ludu”).Każda wystawa „Wędrowców” jest jak wielkie wydarzenie. Program ideowy Partnerstwa: odbicie życia ze wszystkimi jego dotkliwymi problemami społecznymi, w całej jego aktualności Sztuka Wędrowców jako wyraz rewolucyjnych idei demokratycznych w kulturze artystycznej drugiej połowy XIX w. Partnerstwo powstał z inicjatywy Myasoedova, wspieranego przez Perova, Ge, Kramskoya, Savrasova, Shishkina, braci Makovsky. Później dołączyli do nich młodzi artyści; Repin, Surikow, Wasniecow, Jaroszenko. Serow, Lewitan, Polenow biorą udział w wystawach od połowy lat 80-tych. Lider i teoretyk Wędrowców I. Kramskoy.

Gatunek bitewny z lat 70-80. W. Wiereszchagin („Apoteoza wojny”) jako bliskiego Wędrowcom (organizacyjnie do nich nie należał). Organizował swoje wystawy w różnych częściach świata i realizował ideę wędrowania bardzo szeroko.

Demokracja w gatunku pejzażu. Trochę spektakularny na zewnątrz krajobraz środkowo-rosyjski, surowa północna przyroda jako główny temat malarzy. A. Savrasow („Przybyły gawrony”, „Żyto”, „Wiejska droga”) - „król powietrza”, który w najprostszych potrafił znaleźć te głęboko przejmujące, często smutne cechy, tak mocno odczuwalne w rodzimym krajobrazie i tak nieodparcie oddziałują na duszę.... Kolejna koncepcja pejzażu w sztuce F. Wasilijewa („Po deszczu”, „Odwilż”, „Mokra łąka”) – „genialny chłopak”, który odkrył „żywe niebo” dla malarstwa pejzażowego, pokazując swoim „mozartowskim” losem, że życia nie liczy się na przeżyte lata, ale jak gotowy jest człowiek do patrzenia, tworzenia, kochania i bycia zaskoczonym. W. Polenow („Moscow Yard”, „Chrystus i grzesznik”) zajmował się głównie gatunkami krajowymi i historycznymi, w których krajobraz odegrał ogromną rolę. Polenow to prawdziwy reformator malarstwa rosyjskiego, który rozwinął je na ścieżce pleneru. Jego rozumienie szkicu jako samodzielnego dzieła sztuki wywarło ogromny wpływ na malarzy późniejszych czasów. I. Lewitan jako następca tradycji Savrasowa i Wasiljewa („Brzozowy gaj”, „Wieczorne dzwonienie”, „Na basenie”, „Marzec”, „Złota jesień”), „ogromny, oryginalny, oryginalny talent”, „najlepszy Rosyjski pejzażysta”.

Szczyt realizmu demokratycznego w malarstwie rosyjskim drugiej połowy XIX wieku. słusznie uważał dzieło Repina i Surikowa, z których każdy na swój sposób stworzył monumentalny bohaterski obraz ludu. I. Repin („Przewoźnicy barek na Wołdze”, „Procesja w obwodzie kurskim”, „Aresztowanie propagandysty”, „Odmowa spowiedzi”, „Nie spodziewali się”) - „wielki realista”, który pracował w różnorodne gatunki, od folkloru po portret, którym udało się wyrazić narodowe cechy rosyjskiego życia, są jaśniejsze niż inni malarze. Jego artystyczny świat jest całością, bo jest „przejrzysty” z jedną myślą, jedną miłością – miłością do Rosji.W twórczości W. Surikow („Poranek egzekucji Streltsy”, „Mienszykow w Bieriezowie”, „Bojar Morozowa”, „Podbój Syberii przez Jermaka”, „Zdobycie śnieżnego miasta”) malarstwo historyczne zyskało współczesne zrozumienie. Surikowowi, jako „świadkowi przeszłości”, udało się pokazać „straszne rzeczy z przeszłości, przedstawiając ludzkości w swoich obrazach bohaterską duszę swego ludu”. XIX wiek. pracowali także inni artyści. W kreatywności V. Vasnetsova dominuje bajka, folklor lub legendarny obraz („Alyonushka”, „Rycerz na rozdrożu”, „Bogatyrs”).

Rosyjska sztuka końca XIX -początek XX wiek . Wraz z kryzysem ruchu populistycznego w latach 90. „analityczna metoda dziewiętnastowiecznego realizmu” stała się przestarzała. Twórczy upadek Wędrowców, którzy weszli w „mały temat” zabawnego obrazu gatunkowego. Tradycje Perowa zostały zachowane w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Wszystkie rodzaje sztuki – malarstwo, teatr, muzyka, architektura – oznaczają odnowę języka artystycznego, wysoki profesjonalizm.

Dla malarzy przełomu wieków charakterystyczne są inne niż Wędrowcy sposoby ekspresji, inne formy twórczości artystycznej - w obrazach sprzecznych, skomplikowanych i odzwierciedlających nowoczesność pozbawioną ilustracyjności i narracji. Artyści boleśnie poszukują harmonii i piękna w świecie zasadniczo obcym zarówno harmonii, jak i pięknu. Dlatego wiele osób widziało swoją misję w kultywowaniu poczucia piękna. Ten czas „wigilii”, oczekiwania zmian w życiu publicznym, dał początek wielu ruchom, stowarzyszeniom, ugrupowaniom.

Rola artystów stowarzyszeniowych „Świat sztuki” w popularyzację sztuki krajowej i zachodnioeuropejskiej. „Świat sztuki” (Benoit, Somov, Bakst, Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, Korovin, Levitan, Nesterov, Bilibin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin) przyczynił się do konsolidacji sił artystycznych, utworzenie „Związku Artystów Rosyjskich”. Znaczenie dla ukształtowania się zjednoczenia osobowości Diagilewa, mecenasa, organizatora wystaw, impresario rosyjskich tournée baletowych i operowych za granicą („Rosyjskie sezony”). Główne postanowienia „Świat sztuki”: autonomia sztuki, problemy formy artystycznej, głównym zadaniem sztuki jest edukacja gustów estetycznych społeczeństwa rosyjskiego poprzez zapoznawanie się z dziełami sztuki światowej.

Narodziny stylu secesyjnego, który dotknął wszystkie sztuki plastyczne, od architektury po grafikę, nie są zjawiskiem jednoznacznym, zawierają w sobie także dekadencką pretensjonalność, pretensjonalność, dostosowaną do mieszczańskich gustów, ale jest też dążenie do jedności stylu, które jest samo w sobie znaczące. Cechy secesji: w rzeźbie - płynność form, szczególna wyrazistość sylwetki, dynamika kompozycji; w malarstwie – symbolika obrazów, uzależnienie od alegorii.

Pojawienie się secesji nie oznaczało upadku idei wędrówki, która rozwija się inaczej: wątek chłopski zostaje ujawniony w nowy sposób (S. Korovin, A. Arkhipov). M. Niestierow , ale obraz Rusi pojawia się w jego obrazach jako idealny, zaczarowany świat, w zgodzie z naturą, ale znika jak legendarne miasto Kiteż („Wizja młodego Bartłomieja”).

Inne spojrzenie na świat K. Korowina , który wcześnie zaczął pisać w plenerze, jego francuskie pejzaże („Paryskie światła”) są już pisarstwem dość impresjonistycznym. Ostre, natychmiastowe wrażenia z życia dużego miasta: ciche ulice o różnych porach dnia, obiekty rozpuszczone w środowisku światła - cechy przypominające krajobrazy Maneta, Pissarro. Etiuda impresjonistyczna, maesterium malarskie, kunszt utrwalają Korovina w portrecie i martwej naturze, w panelach dekoracyjnych, w scenerii teatralnej.

Innowator malarstwa rosyjskiego przełomu wieków W.Sierow („Dziewczyna z brzoskwiniami”, „Dziewczyna oświetlona przez słońce”) to cały etap w malarstwie rosyjskim. Portret, pejzaż, martwa natura, malarstwo domowe, historyczne; olej, gwasz, tempera, węgiel drzewny - trudno znaleźć gatunki, w których nie sprawdziłby się Sierow.Szczególnym tematem w jego twórczości jest chłop, w którym nie ma wędrownej ostrości społecznej, ale jest poczucie piękna i harmonii chłopskie życie, podziw dla zdrowego piękna narodu rosyjskiego.

„Zwiastun innych światów” M. Vrubel , co wywołało dezorientację jako osobę i oburzenie jako artystę („Pan”, „Księżniczka łabędzi”, „Siedzący demon”, „Wróżka”, „Liliowy”). Pierwszy symbolista (?), „uniwersalny w sztuce”, którego poszukiwania porównuje się z metodą Leonarda da Vinci, Vrubel bardzo szybko „wypada” z „tradycyjnego” malarstwa, uderza oryginałem, pełnym tajemniczości i niemal demoniczna siła w malarstwie, która okazała się prorocza dla nowych kierunków artystycznych XX wieku…

„Miriskussnik” N. Roericha . Znawca filozofii i etnografii Wschodu, archeolog-naukowiec Roerich, zamiłował się do retrospekcji, do pogańskiej słowiańskiej i skandynawskiej starożytności („Messenger”, „The Elders Converge”, „Sinister”) z „Światem Sztuki”. Najbliżej Roerichowi była filozofia i estetyka symboliki rosyjskiej, jednak jego sztuka nie wpisywała się w istniejące trendy, gdyż zgodnie ze światopoglądem artysty apelował do całej ludzkości apelem o przyjazne zjednoczenie wszystkich narodów. Później wątki historyczne ustępują miejsca legendom religijnym („Niebiańska bitwa”). Jego panel dekoracyjny „Bitwa pod Kierżentem” został wystawiony podczas wykonania fragmentu o tym samym tytule z opery Rimskiego-Korsakowa „Legenda o niewidzialnym mieście Kiteż i dziewica Fevronia” w paryskim „Pory roku rosyjskim”.

W drugim pokoleniu „Świata Sztuki” był jednym z najzdolniejszych artystów B. Kustodiew , uczeń Repina, którego charakteryzuje stylizacja, ale jest to stylizacja popularnego popularnego druku („Jarmarki”, „Zapusty”, „Balagany”, „Kupiec herbaty”).

1903, powstanie stowarzyszenia „Związek Artystów Rosyjskich” , w którym znajdują się postacie ze „Świata sztuki” - Benois, Bakst, Somow, Dobuzhinsky, Serov, a uczestnikami pierwszych wystaw byli Vrubel, Borysow-Musatow. Inicjatorami powstania stowarzyszenia byli moskiewscy artyści związani ze „Światem Sztuki”, ale obciążeni programową estetyką petersburczyków. Za przywódcę „Unii” uważano K. Korovina.

1910, utworzenie stowarzyszenia „Walet Diamentów” (P. Konczałowski, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, M. Larionov), który wypowiadał się przeciwko niejasności, nieprzekładalności, niuansom symbolicznego języka „Błękitnej Róży” i estetycznej stylistyce „Świata Sztuka". „Knaves of Diamonds” wyznawali klarowną konstrukcję obrazu, podkreślali obiektywność formy, intensywność, pełnię brzmiącego koloru. Martwa natura jako ulubiony gatunek „jacków”.

Twórczość „samotna i wyjątkowa”. P.Filonova , który za cel postawił sobie zrozumienie metafizyki wszechświata za pomocą malarstwa, tworząc formy kryształowe jako pierwotne elementy wszechświata („Święto Królów”, „Święta Rodzina”). Witalność tradycji narodowych, wielka starożytna Rosja malowanie w kreatywności K. Petrova-Vodkina , artysta-myśliciel („Kąpiel czerwonego konia” jako metafora obrazkowa, „Dziewczyny nad Wołgą” - orientacja na tradycje sztuki rosyjskiej).

Era wysoko rozwiniętego kapitalizmu przemysłowego i zmian w architekturze miasta. Nowe typy budynków: fabryki, dworce, sklepy, banki, kina. Nowe materiały budowlane - konstrukcje żelbetowe i metalowe, które pozwalają pokryć gigantyczne przestrzenie, tworząc ogromne witryny sklepowe.

Sztukę lat przedrewolucyjnych w Rosji cechuje niezwykła złożoność i niekonsekwencja poszukiwań artystycznych, stąd też zastępowanie się ugrupowań własnymi programami i sympatiami stylistycznymi. Ale wraz z eksperymentatorami w dziedzinie form abstrakcyjnych w sztuce rosyjskiej tamtych czasów, „Świata sztuki” i „Niebieskich nosicieli”, „sojuszników”, „Waleta diamentów”, artyści nurtu neoklasycznego jednocześnie kontynuowali pracę .

Kultura rosyjska dostrzegała najlepsze osiągnięcia kultur innych krajów i narodów, nie tracąc przy tym swojej oryginalności, a tym samym wpływając na rozwój innych kultur. Znaczący ślad w historii narodów europejskich pozostawiła na przykład rosyjska myśl religijna. Rosyjska filozofia i teologia wywarły wpływ na kulturę zachodnioeuropejską pierwszej połowy XX wieku. dzięki pracom W. Sołowjowa, S. Bułhakowa, P. Florenskiego, N. Bierdiajewa, M. Bakunina i wielu innych. Wreszcie najważniejszym czynnikiem, który dał silny impuls do rozwoju kultury rosyjskiej, była „burza dwunastego roku”. Powstanie „patriotyzmu w związku z Wojną Ojczyźnianą 1812 r. przyczyniło się nie tylko do wzrostu samoświadomości narodowej i powstania dekabryzmu, ale także do rozwoju rosyjskiej kultury narodowej, W. Bieliński napisał:” 1812, wstrząśnięty całej Rosji, wzbudziło świadomość i dumę ludową. -Proces historyczny w Rosji XIX - początków XX wieku ma swoją specyfikę.

Inteligencja, składająca się pierwotnie z wykształconych ludzi dwóch klas uprzywilejowanych – duchowieństwa i szlachty, coraz aktywniej uczestniczy w kształtowaniu rosyjskiej kultury narodowej. W pierwszej połowie XVIIIw. Pojawiają się raznoczyńscy intelektualiści, a w drugiej połowie tego stulecia wyróżnia się szczególna grupa społeczna - inteligencja pańszczyźniana (aktorzy, malarze, architekci, muzycy, poeci). Jeśli w XVIII - pierwszej połowie XIX wieku. wiodącą rolę w kulturze przypadła inteligencji szlacheckiej, następnie w drugiej połowie XIX wieku. - raznochintsy. Skład raznochinckiej inteligencji (zwłaszcza po zniesieniu pańszczyzny) wywodzi się od chłopów. W ogóle raznochintowie obejmowali wykształconych przedstawicieli burżuazji liberalnej i demokratycznej, którzy nie należeli do szlachty, ale do biurokracji, burżuazji, klasy kupieckiej i chłopstwa. To wyjaśnia tak ważną cechę kultury Rosji w XIX wieku, jak rozpoczęty proces jej demokratyzacji. To także się objawia. że postacie kultury stopniowo stają się nie tylko przedstawicielami klas uprzywilejowanych, choć nadal zajmują wiodącą pozycję. Wzrasta liczba pisarzy, poetów, artystów, kompozytorów, naukowców z klas nieuprzywilejowanych, zwłaszcza chłopów pańszczyźnianych, ale głównie z raznoczyńców.

W 19-stym wieku literatura staje się wiodącym obszarem kultury rosyjskiej, czemu sprzyjało przede wszystkim jej ścisłe powiązanie z ideologią postępowego wyzwolenia. Oda Puszkina „Wolność”, jego „Przesłanie na Syberię” do dekabrystów i „Odpowiedź” na to przesłanie dekabrysta Odojewskiego, satyra Rylejewa „Do pracownika tymczasowego” (Arakcheev), wiersz Lermontowa „O śmierci poety”, Listy Bielińskiego do Gogola były w rzeczywistości broszurami politycznymi, bojowymi, rewolucyjnymi apelami, które inspirowały postępową młodzież. Duch sprzeciwu i walki nieodłączny od twórczości postępowych pisarzy rosyjskich uczynił literaturę rosyjską tamtych czasów jedną z aktywnych sił społecznych.

Jedną z najbardziej znanych postaci kultury XIX wieku jest Aleksander Siergiejewicz Puszkin.

Pierwszy rosyjski poeta narodowy, przodek całej późniejszej literatury rosyjskiej, początek wszystkich jej początków – takie jest słusznie i precyzyjnie rozpoznane miejsce i znaczenie Aleksandra Siergiejewicza Puszkina w rozwoju narodowej sztuki słowa. Puszkin także po raz pierwszy – na najwyższym poziomie estetycznym, jaki osiągnął, podniósł swoją twórczość na zaawansowany poziom oświecenia stulecia, europejskiego życia duchowego XIX wieku, i tym samym słusznie wprowadził literaturę rosyjską jako kolejną i najbardziej znaczącą narodowość – literaturę oryginalną do rodziny najbardziej rozwiniętych wówczas literatur zachodnich.

Wielkim odkryciem Puszkina było przyswojenie rzeczywistości w całej jej różnorodności jako źródła i materiału twórczości poetyckiej. Mówią, że Puszkin otworzył w literaturze okno na świat. Nie, to okno otworzyło się przed nim w poezji rosyjskiej. Zniszczył także wszystkie przegrody, wszystkie śródpiersia oddzielające poezję od życia; od tego czasu nie ma nic na świecie, w społeczeństwie, w przyrodzie, w życiu ludzkiej duszy, co nie stałoby się przedmiotem sztuki. Odkrył także metodę twórczości poetyckiej, która pozwoliła poecie nie być „echem”, powtarzającym każdy dźwięk (nie ma nic bardziej złego niż tak płaskie zrozumienie głębokiej i natchnionej deklaracji Puszkina). Sfera poezji za Puszkina stała się najważniejszą rzeczą w życiu człowieka - czyny obywatelskie i patriotyczne, marzenia, smutek ludu, teksty natury i miłości. Wszystko zostało oświetlone przez poetę wielką myślą. Dlatego poezję Puszkina postrzegamy jako integralną jedność życia, jako wyjątkowy i wspaniały artystyczny obraz świata.

Poezja Puszkina odzwierciedlała wszystkie „wrażenia bytu”. Odzwierciedlały jego bohaterskie i tragiczne czasy, refleksje na temat bitew wojny narodowo-wyzwoleńczej, dążenia powstańców na Placu Senackim. Duch rewolucji europejskich, zamieszek chłopskich – jednym słowem epoka

Obecne podejście do interpretacji wizerunku poety uwzględnia całe doświadczenie badania i interpretacji jego osobowości i dziedzictwa. Co więcej, doświadczenie to nie ogranicza się do naszego kraju. Rozwijają się badania nad międzynarodowym postrzeganiem i interpretacjami Puszkina. Zachodnich naukowców, biografów i czytelników poety coraz bardziej przyciągają osobliwości myślenia historycznego Puszkina, filozoficzne motywy jego twórczości, niewyczerpaność geniuszu, jego niesamowity proteizm. Pomimo jednoznaczności i kontrowersji szeregu interpretacji zachodnich badaczy i komentatorów twórczości, pociąga ich tajemnica ducha Puszkina. Dbałość o dziedzictwo artystyczne, o poszczególne dzieła łączy się z coraz wyraźniejszą skłonnością do pojmowania poety jako osoby. W wyjątkowości geniuszu świat zachodni ujawnia cechy charakteru rosyjskiego, przykład doskonałości twórczej i moralnej.

„... przez dwa stulecia Puszkin nie stał się przeszłością, wczorajszy poeta nie stał się „dziedzictwem literackim” Według Yu. M. Łotmana Puszkin zachowuje właściwości żywego rozmówcy: odpowiada na pytania tych którzy się z nim stykają, wielcy artyści – zauważa naukowiec – są jak cień ojca Hamleta: „idą dalej i ich wzywają. Puszkin jest zawsze taki, jakiego potrzebuje nowe pokolenie czytelników, ale nie ogranicza się do tego, pozostaje czymś więcej, mającym swoje tajemnice, czymś tajemniczym i zachęcającym.

Puszkin żył i tworzył w XIX wieku, a w XX wieku działało kilku najwybitniejszych autorów, na przykład Szołochow Michaił Aleksamndrowicz.

Świat literacki M. Szołochowa, wytępiony przez „krytyków demokratycznych” jako zbrodnia „notorycznego socrealizmu”, jest znacznie bogatszy niż ideologia socjalistyczna i więcej.

Stosunek do Szołochowa i literatury sowieckiej w dużej mierze determinował obiegowy pogląd, że w nowej Rosji zniszczona została sama gleba, na której wyrastają wielcy artyści, a pod rządami bolszewików jedynie „potomek Demyana Bednego, „czołowej postaci” kultury proletariackiej”, beztwarzową przeciętność, adaptację i redukcję literatury pięknej do idei propagandowych i prymitywnej propagandy popularnego druku. „Niefortunny kraj… który nie wyróżnił, jeśli nie Tołstoja i Turgieniewa, to przynajmniej uczciwych ludzi, którzy odważyli się mieć własne zdanie” – uskarżała się E. Kuskova. „Nawet ich wielki pisarz Szołochow nie chce tego mieć. Stado. Wciąż październikowe stado... Co za żal. A jaka szkoda dla wielkiego kraju…”

Imię Szołochowa, który wzniósł się z dołu i uosabiał dno, wraz ze swoją ludową Rosją, „z definicji” pozbawioną nie tylko umiejętności demokratycznego życia i wolnego myślenia, ale także wszelkich znaków i podstaw kultury, staje się punktem zwrotnym w kręgach emigracyjnej elity politycznej i artystycznej. Jego przybycie jest odczuwalne przez wszystkich i wszystkich, ale nie jako korzyść dla siebie, ale jako niedogodność, a nawet zagrożenie dla własnej egzystencji, gdyż „Cichy przepływ Don” to nie tylko głębokie zwątpienie w nienaruszalność prawa istniejącą hierarchię preferencji i priorytetów społecznych, ale także ich zdecydowaną, rzeczywistą rewizję. Dlatego też Szołochow powinien albo zostać uciszony, albo mówić o nim od niechcenia i od niechcenia, jakby to była irytująca przeszkoda, niegodna szczególnej uwagi, lub wreszcie spróbować wyprzeć się jego wyglądu, odwołując się do błędu „percepcji wzrokowej” - to nie jest ten, dla którego to akceptujemy, bo skąd to przyszło, nie może być. „...Czy można spodziewać się takiego arcydzieła po prostym Kozaku, który młodość spędził na wsi, a nawet w czasie wojny domowej” – niejaki I.S.G. z patosem zapytał biały świat, nie wątpiąc w odpowiedź. „Drugorzędna jednostka bojowa” naszej tragicznej epoki Y. Terapiano mówił o Szołochowie z przekonaniem o wzajemnej odpowiedzialności.

W 1965 roku Szołochow otrzymał Nagrodę Nobla, ale nigdy nie zyskał uznania w Rosji Sowieckiej. Mówiono, że Szołochow „w żaden sposób” nie może reprezentować rosyjskiej inteligencji, narodu i Rosji przed „twarzą” Komitetu Noblowskiego i Fundacji. Co więcej, jak zapewniała „wspólnota światowa” Graniego, autor „Cichego Donu” „przywiązuje się do wielkości i szlachetności narodu rosyjskiego” i w ten sposób „hańbi zarówno jego wielkość, jak i szlachetność” oraz, oczywiście, z tego powodu „współczesna inteligencja rosyjska” „nigdy nie wybaczy kulturze zachodniej przyznania Szołochowowi Nagrody Nobla…”

Postacie kultury rosyjskiej XIX wieku. Wymień dowolną osobę

Ważnym czynnikiem, który przyczynił się do intensywnego rozwoju kultury rosyjskiej, była jej ścisła komunikacja i interakcja z innymi kulturami. Światowy proces rewolucyjny i zaawansowana zachodnioeuropejska myśl społeczna wywarły silny wpływ na kulturę Rosji. Był to okres rozkwitu niemieckiej filozofii klasycznej i francuskiego utopijnego socjalizmu, których idee były szeroko popularne w Rosji. Nie należy zapominać o wpływie dziedzictwa Rusi Moskiewskiej na kulturę XIX wieku. : asymilacja starych tradycji umożliwiła kiełkowanie nowych pędów twórczości w literaturze, poezji, malarstwie i innych obszarach kultury. N. Gogol, N. Leskov, P. Melnikov-Pechersky, F. Dostojewski i inni tworzyli swoje dzieła w tradycjach starożytnej rosyjskiej kultury religijnej. Ale twórczość innych geniuszy literatury rosyjskiej, których stosunek do kultury prawosławnej jest bardziej sprzeczny, od A. Puszkina i L. Tołstoja po A. Bloka, nosi niezatarte piętno, świadczące o prawosławnych korzeniach. Nawet sceptyczny I. Turgieniew dał obraz rosyjskiej świętości ludowej w opowiadaniu Living Relics. Dużym zainteresowaniem cieszą się obrazy M. Niestierowa, M. Vrubela, K. Pietrowa-Wodkina, których początki sięgają ikonografii prawosławnej. Żywymi zjawiskami w historii kultury muzycznej był starożytny śpiew kościelny (słynny śpiew), a także późniejsze eksperymenty D. Bortnyanskiego, P. Czajkowskiego i S. Rachmaninowa.
W XIX początkach XX w. Nauka rosyjska odniosła znaczący sukces: w matematyce, fizyce, chemii, medycynie, agronomii, biologii, astronomii, geografii oraz w dziedzinie badań humanitarnych. Świadczy o tym nawet proste wyliczenie nazwisk genialnych i wybitnych naukowców, którzy wnieśli znaczący wkład w naukę krajową i światową: S. M. Solovyov, T. N. Granovsky, I. I. Sreznevsky, F. I. Buslaev, N. I. Pirogov , I. I. Mechnikov, I. M. Sechenov, I. P. Pavlov, P. L. Chebyshev, M. V. Ostrogradsky, N. I. Lobachevsky, N. N. Zinin, A. M. Butlerov, D I. Mendeleev, E. Kh. Lenz, B. S. Jacobi, V. V. Petrov, K. M. Baer, V. V. Dokuchaev, K. A. Timiryazev, V. I. Vernadsky itp.
W historii kultury rosyjskiej koniec XIX - początek XX wieku. nazwano srebrnym wiekiem kultury rosyjskiej, który zaczyna się od świata sztuki, a kończy na akmeizmie. Świat Sztuki to organizacja, która powstała w 1898 roku i zrzeszała mistrzów najwyższej kultury artystycznej, elitę artystyczną ówczesnej Rosji. Prawie wszyscy znani artyści A. Benois, K. Somov, L. Bakst, E. Lansere, A. Golovin, M. Dobuzhinsky, M. Vrubel, V. Serov, K. Korovin, I. Levitan, M. Nesterov, N. Roericha, B. Kustodiewa, K. Petrov-Vodkina, F. Malyavina, M. Larionova, N. Gonczarowej i in. Duże znaczenie miała osobowość S. Diagilewa, mecenasa sztuki i organizatora wystaw, a później impresario za utworzenie World of Arts tournée rosyjskiego baletu i opery za granicą, tzw. Sezony Rosyjskie.
Literatura: Gogol, Puszkin, Lermontow, Niekrasow i inni.
Malarstwo: Aiwazowski i inni.
Przejdź do wyszukiwarek.
brakuje wymaganych informacji!
Orientacja artystyczna Świata Sztuki kojarzona była z secesją
i symbolika. W przeciwieństwie do idei Wędrowców, artyści
Świat sztuki ogłosił pierwszeństwo zasady estetycznej w
sztuka. Członkowie Art World twierdzili, że art
przede wszystkim wyraz osobowości artysty. W jednym z pierwszych pokoi
czasopismo S. Diagilew napisał: Dzieło sztuki jest ważne nie samo w sobie
sam w sobie, lecz jedynie jako wyraz osobowości twórcy. Biorąc pod uwagę, że nowoczesny
cywilizacja jest antagonistyczna wobec kultury, w której świat sztuki szukał ideału
sztuka przeszłości. Artyści i pisarze w swoich obrazach i nie tylko
strony magazynu, wówczas mało otwarte dla społeczeństwa rosyjskiego
docenił piękno architektury średniowiecznej i rosyjskiej starożytności
malarstwo ikon, wdzięk klasycznego Petersburga i okolic
pałace, sprawiły, że pomyśleliśmy o nowoczesnym brzmieniu starożytności
cywilizacyjnych i przewartościowania własnej twórczości i
dziedzictwo literackie.
Wystawy sztuki organizowane przez Świat Sztuki cieszyły się dużym zainteresowaniem
spektakularny sukces. W 1899 r. Diagilew rzeczywiście zorganizował się w Petersburgu
międzynarodowa wystawa, na której zaprezentowano dzieła rosyjskie
artyści wystawili obrazy 42 artystów europejskich, w
w tym Bklin, Moreau, Whistler, Puvis de Chavannes, Degas i Monet. W 1901 r
Cesarskiej Akademii Sztuk w Petersburgu i Stroganowa
Instytut w Moskwie organizował wystawy, w których m.in. brał udział
Najbliżsi przyjaciele Diagilewa – Bakst, Benois i Somow. Wystawy zbiorowe
Organizowano także Świat Sztuki w Petersburgu i Moskwie
Listopad 1903
Stopniowo nieporozumienia panujące w grupie doprowadziły do upadku i
ruchu i czasopisma, które z końcem 1904 roku przestały istnieć.
S. Diagilewa, dwa lata po zaprzestaniu wydawania czasopisma, w przeddzień
wyjazdu do Paryża zorganizował kolejną pożegnalną wystawę
Świat Sztuki, która odbyła się w Petersburgu w lutym-marcu 1906 r.,
prezentując na niej najlepsze przykłady tej sztuki, dla której rozkwitu
dotychczasowe działania Art World stworzyły bardzo korzystne
klimat. Zaprezentowane zostały prace wszystkich filarów grupy
wybrane dzieła M. Vrubela, V. Borysowa-Musatowa, P. Kuzniecowa,
N. Sapunova, N. Milioti. N. Feofilaktov, M. Saryan i
M. Larionow.
W latach 1910., mimo że idee ówczesnego świata sztuki
stowarzyszenie w dużej mierze straciło na znaczeniu
Świat sztuki odrodził się, a jego wystawy trwały do czasu
aż do lat dwudziestych XX wieku
Aktorzy, pisarze, poeci, kompozytorzy, artyści.
Gogola
Dziękuję
Czechow!

Fiodor Michajłowicz Dostojewski (1821-1881)

Pomimo dużej popularności Fiodora Dostojewskiego w Rosji, światowe uznanie i zainteresowanie jego twórczością przyszło po jego śmierci. Wszyscy zauważyli jego głęboki psychologizm, pasję w przedstawianiu „upokorzonych i obrażonych”. Niemiecki filozof Fryderyk Nietzsche napisał, że Dostojewski był jedynym psychologiem, od którego czegokolwiek się nauczył. Twórczość Fiodora Michajłowicza wywarła zauważalny wpływ na pisarzy: Austriaka Stefana Zweiga, Francuza Marcela Prousta, Anglika Oscara Wilde'a, Niemców Thomasa i Heinricha Mannów.

Na przełomie XIX i XX wieku imię Karola Marksa stało się symbolem walki o wyzwolenie klasy robotniczej. Wypracował zasady dialektycznego i materialistycznego rozumienia biegu historii, mówił o konieczności wyeliminowania własności prywatnej, wysunął tezę, że śmierć kapitalizmu i zwycięstwo komunizmu są nieuniknione. Jego główne dzieło – „Kapitał” – i teoria wartości dodatkowej wywarły wpływ na wewnętrzne życie polityczne wielu krajów Europy i świata. Jednak dalszy rozwój polityczny, gospodarczy, naukowy i technologiczny społeczeństwa pokazał błędność i daremność wielu jego idei i koncepcji.

Nagłówek: |

Nikołaj Iwanowicz Pirogow godzinami pracował w teatrze anatomicznym, wycinając tkanki miękkie, badając chore narządy, piłując kości, szukając zamienników uszkodzonych stawów. Anatomia stała się dla niego praktyczną szkołą, która położyła podwaliny pod jego dalszą udaną działalność chirurgiczną. Pirogov jako pierwszy wpadł na pomysł chirurgii plastycznej, zastosował znieczulenie w wojskowej chirurgii polowej, po raz pierwszy zastosował opatrunek gipsowy w terenie, zasugerował istnienie patogenów powodujących ropienie ran. Jego prace, różne atlasy medyczne, stawiają rosyjską chirurgię na jednym z pierwszych miejsc na świecie.

Nagłówek: |

Słynny angielski podróżnik, przyrodnik, odkrywca Karol Darwin był jednym z pierwszych, którzy wysunął teorię ewolucji organizmów żywych. Twierdził, że wszystkie istoty żywe mają wspólnych przodków, od których dziedziczą pewne właściwości, które zmieniają się w procesie rozwoju. W 1859 roku opublikował książkę O pochodzeniu gatunków, w której na wielu przykładach wykazał, że siłą napędową ewolucji jest dobór naturalny i zmienność. Jego idee i odkrycia w dużej mierze posłużyły za podstawę współczesnej teorii ewolucji, choć nie wszyscy uznają ją za fundamentalną.

Nagłówek: |

Wybitny niemiecki profesor chemii organicznej Justus Liebig całe życie poświęcił badaniom nad metodami żywienia roślin i rozwiązywaniem zagadnień racjonalnego stosowania nawozów. Zrobił wiele, aby zwiększyć plony. Rosja przyznała naukowcowi dwa Ordery św. Anny za pomoc udzieloną jej w rozwoju rolnictwa, Anglia uczyniła go honorowym obywatelem, w Niemczech otrzymał tytuł barona. Przypisuje mu się tworzenie koncentratów spożywczych. Opracował technologię produkcji ekstraktu mięsnego, który dziś nazywany jest „kostką bulionową”. Niemieckie Towarzystwo Chemiczne postawiło mu pomnik w Monachium.

Nagłówek: |

Alexandre Dumas nazywany był pisarzem kursywnym, w ciągu swojego życia napisał 647 dzieł na różne tematy. Interesowało go wszystko: historia, zbrodnie, wybitni ludzie, a nawet przepisy na obcą kuchnię. Starał się być w centrum najważniejszych wydarzeń, podróżował po różnych krajach Europy, wychodził z rebeliantami na ulice Paryża, gdzie omal nie zginął. Wracając do domu, usiadł przy stole i pisał, pisał, zapominając o wszystkim. Jego powieści przygodowe zostały przetłumaczone na wiele języków świata, stały się podstawą licznych przedstawień teatralnych i filmów fabularnych. Zainteresowanie jego twórczością nie osłabło w XXI wieku.

Klasycyzm, styl artystyczny w sztuce europejskiej XVII-początku XIX wieku, którego jedną z najważniejszych cech było odwoływanie się do form sztuki starożytnej jako idealnego standardu estetycznego i etycznego. Klasycyzm, który rozwinął się w ostrej polemicznej interakcji z barokiem, rozwinął się w integralny system stylistyczny francuskiej kultury artystycznej XVII wieku.

Klasycyzm XVIII – początków XIX w. (w zagranicznej historii sztuki nazywany często neoklasycyzmem), który stał się stylem paneuropejskim, ukształtował się także głównie w łonie kultury francuskiej, pod silnym wpływem idei Oświecenie. W architekturze zdeterminowano nowe typy wykwintnej rezydencji, okazałego budynku użyteczności publicznej, otwartego placu miejskiego (Gabriel Jacques Ange i Souflo Jacques Germain), poszukiwanie nowych, nieuporządkowanych form architektury, dążenie do surowej prostoty w twórczości Ledoux Claude Nicolas antycypował architekturę późnej fazy klasycyzmu – Empire. Obywatelski patos i liryzm połączone w plastiku (Pigalle Jean Baptiste i Houdon Jean Antoine), dekoracyjnych pejzażach (Robert Hubert). Odważny dramat obrazów historycznych i portretowych jest nieodłącznym elementem twórczości szefa francuskiego klasycyzmu, malarza Jacques'a Louisa Davida. W XIX wieku malarstwo klasycystyczne, mimo działalności poszczególnych wielkich mistrzów, jak Jean Auguste Dominique Ingres, przeradza się w oficjalną apologetyczną lub pretensjonalnie erotyczną sztukę salonową. Rzym stał się międzynarodowym centrum europejskiego klasycyzmu w XVIII – początkach XIX wieku, gdzie dominowały tradycje akademizmu, z charakterystycznym dla nich połączeniem szlachetności form i zimnej idealizacji (niemiecki malarz Anton Raphael Mengs, rzeźbiarze: Włoch Canova Antonio i Dane Thorvaldsen Bertel ). Architekturę niemieckiego klasycyzmu charakteryzuje surowa monumentalność budynków Karla Friedricha Schinkla, dla kontemplacyjno-elegijnego nastroju malarstwa i sztuki plastycznej - portrety Augusta i Wilhelma Tischbeinów, rzeźba Johanna Gottfrieda Schadowa. W klasycyzmie angielskim wyróżniają się antyki Roberta Adama, palladiańskie posiadłości parkowe Williama Chambersa, niezwykle surowe rysunki J. Flaxmana i ceramika J. Wedgwooda. Własne odmiany klasycyzmu rozwinięte w kulturze artystycznej Włoch, Hiszpanii, Belgii, krajów skandynawskich, USA; wybitne miejsce w historii sztuki światowej zajmuje rosyjski klasycyzm z lat 60. i 40. XIX wieku.

Pod koniec pierwszej tercji XIX w. wiodąca rola klasycyzmu niemal powszechnie zanikała, zastępowano ją różnymi formami architektonicznego eklektyzmu. Tradycja artystyczna klasycyzmu ożywa w neoklasycyzmie końca XIX i początku XX wieku.

Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) – artysta francuski, powszechnie uznawany za przywódcę europejskiego akademizmu XIX wieku.
W twórczości Ingresa - poszukiwanie czystej harmonii.
Studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Tuluzie. Po ukończeniu akademii przeniósł się do Paryża, gdzie w 1797 roku został uczniem Jacques’a-Louisa Davida. W latach 1806-1820 studiował i pracował w Rzymie, następnie przeniósł się do Florencji, gdzie spędził kolejne cztery lata. W 1824 powrócił do Paryża i otworzył szkołę malarską. W 1835 powrócił do Rzymu jako dyrektor Akademii Francuskiej. Od 1841 roku do końca życia mieszkał w Paryżu.

Akademizm (fr. academisme) to nurt w malarstwie europejskim XVII-XIX wieku. Malarstwo akademickie powstało w okresie rozwoju akademii artystycznych w Europie. Podstawą stylistyczną malarstwa akademickiego na początku XIX wieku był klasycyzm, w drugiej połowie XIX wieku – eklektyzm.
Akademictwo wyrosło na zewnętrznych formach sztuki klasycznej. Zwolennicy scharakteryzowali ten styl jako refleksję nad formą sztuki starożytnej starożytności i renesansu.

Ingres. Portrety rodziny Riviere. 1804-05

Romantyzm

Romantyzm- zjawisko generowane przez system burżuazyjny. Jako światopogląd i styl twórczości artystycznej odzwierciedla swoje sprzeczności: przepaść między tym, co właściwe, a realnością, ideałem a rzeczywistością. Świadomość nierealizacji humanistycznych ideałów i wartości Oświecenia dała początek dwóm alternatywnym stanowiskom światopoglądowym. Istotą pierwszego jest pogarda dla rzeczywistości podstawowej i zamknięcie się w skorupie czystych ideałów. Istotą drugiego jest uznanie rzeczywistości empirycznej i odrzucenie wszelkiego rozumowania o ideale. Punktem wyjścia romantycznego światopoglądu jest otwarte odrzucenie rzeczywistości, uznanie nieprzekraczalnej przepaści między ideałami a bytem realnym, nieracjonalności świata rzeczy.

Cechuje ją negatywny stosunek do rzeczywistości, pesymizm, interpretacja sił historycznych jako znajdujących się poza realną codzienną rzeczywistością, mistyfikacja i mitologizacja. Wszystko to skłoniło do poszukiwania rozwiązania sprzeczności nie w świecie rzeczywistym, ale w świecie fantazji.

Romantyczny światopogląd obejmował wszystkie sfery życia duchowego – naukę, filozofię, sztukę, religię. Występował w dwóch wersjach:

Pierwsza – w niej świat pojawił się jako nieskończona, pozbawiona twarzy, kosmiczna podmiotowość. Twórcza energia ducha działa tu jako początek tworzący światową harmonię. Tę wersję romantycznego światopoglądu cechuje panteistyczny obraz świata, optymizm i wzniosłe uczucia.

Po drugie, podmiotowość ludzka jest w nim rozpatrywana indywidualnie i osobowo, rozumiana jako wewnętrzny, głęboki świat osoby, która jest w konflikcie ze światem zewnętrznym. Postawę tę cechuje pesymizm, lirycznie smutny stosunek do świata.

Początkową zasadą romantyzmu były „dwa światy”: porównanie i przeciwstawienie świata rzeczywistego i wyobrażonego. Symbolika była sposobem wyrażania tego dualnego świata.

Symbolika romantyczna stanowiła organiczne połączenie świata iluzorycznego i realnego, co objawiało się pojawieniem się metafor, hiperboli i porównań poetyckich. Romantyzm, mimo ścisłego związku z religią, charakteryzował się humorem, ironią, marzycielstwem. Romantyzm uznawał muzykę za wzór i normę dla wszystkich dziedzin sztuki, w której według romantyków wybrzmiewał sam pierwiastek życia, pierwiastek wolności i triumfu uczuć.

Na pojawienie się romantyzmu złożyło się wiele czynników. Po pierwsze, społeczno-polityczne: rewolucja francuska 1769-1793, wojny napoleońskie, wojna o niepodległość Ameryki Łacińskiej. Po drugie, gospodarcze: rewolucja przemysłowa, rozwój kapitalizmu. Po trzecie, ukształtował się pod wpływem klasycznej filozofii niemieckiej. Po czwarte, powstał na bazie i w ramach istniejących stylów literackich: oświecenia, sentymentalizmu.

Rozkwit romantyzmu przypada na lata 1795-1830. - okres rewolucji europejskich i ruchów narodowowyzwoleńczych, a romantyzm był szczególnie wyraźny w kulturze Niemiec, Anglii, Rosji, Włoch, Francji, Hiszpanii.

Nurt romantyczny wywarł duży wpływ na polu humanitarnym, a pozytywistyczny na naukach przyrodniczych, technicznych i praktycznych.

Jean Louis Andre Theodore Géricault (1791-1824).
Przez krótki czas uczeń C. Verneta (1808-1810), a następnie P. Guerina (1810-1811), którego zmartwiły jego metody przekazywania natury niezgodne z zasadami szkoły Jacques-Louis Davida i uzależnienie od Rubensa, ale później uznał racjonalność aspiracji Gericaulta.
Służąc w królewskich muszkieterach, Gericault pisał głównie sceny batalistyczne, ale po podróży do Włoch w latach 1817-19. namalował duży i złożony obraz „Tratwa Meduzy” (znajdujący się w Luwrze w Paryżu), który stał się całkowitym zaprzeczeniem nurtu Dawida i wymownym kazaniem o realizmie. Nowatorstwo fabuły, głęboki dramatyzm kompozycji i prawdziwość życia tego mistrzowsko napisanego dzieła nie zostały od razu docenione, ale wkrótce zostały dostrzeżone nawet przez zwolenników stylu akademickiego i przyniosły artyście sławę jako utalentowanego i odważnego innowatora .

Tragiczne napięcie i dramat.W 1818 roku Gericault pracował nad obrazem Tratwa Meduzy, który zapoczątkował francuski romantyzm. Delacroix, który pozował swojemu przyjacielowi, był świadkiem narodzin kompozycji, która przełamuje wszelkie utarte wyobrażenia o malarstwie. Delacroix wspominał później, że kiedy zobaczył ukończony obraz, „z zachwytu rzucił się do ucieczki jak szaleniec i nie mógł się zatrzymać aż do domu”.
Fabuła obrazu oparta jest na prawdziwym wydarzeniu, które miało miejsce 2 lipca 1816 roku u wybrzeży Senegalu. Następnie na płyciznach Argen, 40 mil od wybrzeża Afryki, fregata Medusa została rozbita. 140 pasażerów i członków załogi próbowało uciec wchodząc na tratwę. Przeżyło ich tylko 15 i dwunastego dnia wędrówki zostali zabrani przez bryg Argus. Szczegóły podróży rozbitków zszokowały współczesną opinię publiczną, a sam wrak stał się skandalem w rządzie francuskim z powodu niekompetencji kapitana statku i niewystarczających prób ratowania ofiar.

rozwiązanie obrazowe
Gigantyczne płótno zachwyca siłą wyrazu. Gericaultowi udało się stworzyć żywy obraz, łączący w jednym obrazie umarłych i żywych, nadzieję i rozpacz. Obraz poprzedziła ogromna praca przygotowawcza. Gericault wykonał liczne szkice przedstawiające umierających w szpitalach i zwłoki rozstrzelanych. Tratwa Meduzy była ostatnim z ukończonych dzieł Géricaulta.
W 1818 roku, kiedy Gericault pracował nad obrazem „Tratwa Meduzy”, który zapoczątkował francuski romantyzm, Eugene Delacroix, pozując swojemu przyjacielowi, był świadkiem narodzin kompozycji, która przełamuje wszelkie utarte wyobrażenia o malarstwie. Delacroix wspominał później, że kiedy zobaczył ukończony obraz, „z zachwytu rzucił się do ucieczki jak szaleniec i nie mógł się zatrzymać aż do domu”.

Reakcja publiczna
Kiedy w 1819 roku Géricault wystawił na Salonie Tratwę Meduzy, obraz wywołał oburzenie opinii publicznej, gdyż artysta, wbrew ówczesnym normom akademickim, nie posługiwał się tak dużym formatem do przedstawienia tematu heroicznego, moralizującego czy klasycznego.
Obraz został zakupiony w 1824 roku i obecnie znajduje się w sali 77 na pierwszym piętrze Galerii Denon w Luwrze.

Eugeniusza Delacroix(1798 - 1863) - francuski malarz i grafik, przywódca nurtu romantycznego w malarstwie europejskim.
Ale Luwr i komunikacja z młodym malarzem Theodorem Gericaultem stały się prawdziwymi uniwersytetami dla Delacroix. W Luwrze fascynowały go dzieła dawnych mistrzów. Można było tam wówczas zobaczyć wiele obrazów, zdobytych w czasie wojen napoleońskich i nie zwróconych jeszcze właścicielom. Przede wszystkim początkującego artystę przyciągnęli wielcy koloryści - Rubens, Veronese i Tycjan. Jednak największy wpływ na Delacroix wywarł Theodore Géricault.

W lipcu 1830 roku Paryż zbuntował się przeciwko monarchii Burbonów. Delacroix sympatyzował z rebeliantami, co znalazło odzwierciedlenie w jego „Wolności wiodącej lud” (znamy to dzieło także jako „Wolność na barykadach”). Wystawione na Salonie w 1831 roku płótno wywołało burzę akceptacji społecznej. Nowy rząd kupił obraz, ale jednocześnie nakazał jego usunięcie, jego patos wydawał się zbyt niebezpieczny.