महान संगीतकार. दुनिया के सबसे मशहूर संगीतकार

इन धुनों में किसी भी मूड के लिए एक मकसद होता है: रोमांटिक, सकारात्मक या नीरस, आराम करना और किसी भी चीज़ के बारे में न सोचना, या, इसके विपरीत, अपने विचारों को इकट्ठा करना।

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इतालवी संगीतकार और पियानोवादक अतिसूक्ष्मवाद की दिशा में काम करते हैं, अक्सर परिवेश में बदल जाते हैं और कुशलतापूर्वक शास्त्रीय संगीत को अन्य संगीत शैलियों के साथ जोड़ते हैं। उन्हें व्यापक स्तर पर वायुमंडलीय रचनाओं के लिए जाना जाता है जो फिल्मों के लिए साउंडट्रैक बन गए हैं। उदाहरण के लिए, आप निश्चित रूप से ईनाउडी द्वारा लिखित फ्रेंच टेप "1 + 1" के संगीत को पहचान लेंगे।

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ग्लास आधुनिक क्लासिक्स की दुनिया में सबसे विवादास्पद व्यक्तित्वों में से एक है, जिसकी या तो बहुत प्रशंसा की जाती है या बहुत कम आलोचना की जाती है। वह आधी सदी से अपने फिलिप ग्लास एन्सेम्बल के साथ हैं और उन्होंने 50 से अधिक फिल्मों के लिए संगीत लिखा है, जिनमें द ट्रूमैन शो, द इल्यूजनिस्ट, टेस्ट ऑफ लाइफ और द फैंटास्टिक फोर शामिल हैं। अमेरिकी न्यूनतम संगीतकार की धुनें शास्त्रीय और लोकप्रिय संगीत के बीच की रेखा को धुंधला कर देती हैं।

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कई साउंडट्रैक के लेखक, यूरोपीय फ़िल्म अकादमी के अनुसार 2008 के सर्वश्रेष्ठ फ़िल्म संगीतकार और पोस्ट-मिनिमलिस्ट। पहले एल्बम मेमोरीहाउस से आलोचकों को मंत्रमुग्ध कर दिया, जिसमें रिक्टर के संगीत को कविता पाठ पर आरोपित किया गया था, और बाद के एल्बमों में काल्पनिक गद्य का भी उपयोग किया गया था। अपनी स्वयं की परिवेशीय रचनाएँ लिखने के अलावा, वह शास्त्रीय कार्यों की व्यवस्था करते हैं: विवाल्डी के द फोर सीज़न्स ने उनकी व्यवस्था में आईट्यून्स शास्त्रीय संगीत चार्ट में शीर्ष स्थान हासिल किया।

इटली के वाद्य संगीत का यह निर्माता सनसनीखेज सिनेमा से जुड़ा नहीं है, लेकिन पहले से ही एक संगीतकार, गुणी और अनुभवी पियानो शिक्षक के रूप में जाना जाता है। यदि आप मार्राडी के संगीत को दो शब्दों में वर्णित करें तो ये शब्द होंगे "कामुक" और "जादुई"। जो लोग रेट्रो क्लासिक्स को पसंद करते हैं उन्हें उनकी रचनाएं और कवर पसंद आएंगे: उद्देश्यों में पिछली शताब्दी के नोट्स दिखाई देते हैं।

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प्रसिद्ध फिल्म संगीतकार ने ग्लेडिएटर, पर्ल हार्बर, इंसेप्शन, शर्लक होम्स, इंटरस्टेलर, मेडागास्कर, द लायन किंग सहित कई उच्च कमाई वाली फिल्मों और कार्टून के लिए संगीत संगत तैयार की है। उनका सितारा हॉलीवुड वॉक ऑफ फेम पर फहराता है, और उनके शेल्फ पर ऑस्कर, ग्रैमी और गोल्डन ग्लोब हैं। ज़िमर का संगीत इन फ़िल्मों की तरह ही विविध है, लेकिन स्वर कोई भी हो, वह असर करता है।

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हिसैशी सबसे प्रसिद्ध जापानी संगीतकारों में से एक हैं, जिन्होंने सर्वश्रेष्ठ फिल्म स्कोर के लिए चार जापानी अकादमी फिल्म पुरस्कार जीते हैं। वह हयाओ मियाज़ाकी के एनीमे नौसिका ऑफ़ द वैली ऑफ़ द विंड के लिए साउंडट्रैक लिखने के लिए प्रसिद्ध हुए। यदि आप स्टूडियो घिबली या ताकेशी किटानो के टेप के प्रशंसक हैं, तो आप निश्चित रूप से हिसैशी के संगीत की प्रशंसा करेंगे। यह अधिकतर हल्का और हल्का होता है।

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यह आइसलैंडिक मल्टी-इंस्ट्रूमेंटलिस्ट सूचीबद्ध मास्टर्स की तुलना में सिर्फ एक लड़का है, लेकिन 30 साल की उम्र तक वह एक मान्यता प्राप्त नियोक्लासिसिस्ट बनने में कामयाब रहा। उन्होंने एक बैले के लिए संगत रिकॉर्ड किया, ब्रिटिश टीवी श्रृंखला "मर्डर ऑन द बीच" के साउंडट्रैक के लिए बाफ्टा पुरस्कार जीता और 10 स्टूडियो एल्बम जारी किए। अर्नाल्ड्स का संगीत सुनसान समुद्र तट पर तेज़ हवा की याद दिलाता है।

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ली रु मा की सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ किस द रेन और रिवर फ्लोज़ इन यू हैं। कोरियाई न्यू एज संगीतकार और पियानोवादक लोकप्रिय क्लासिक्स लिखते हैं जो किसी भी महाद्वीप के श्रोताओं, किसी भी संगीत स्वाद और शिक्षा के साथ समझ सकते हैं। उनकी हल्की और कामुक धुनें कई लोगों के लिए पियानो संगीत के प्रति प्रेम की शुरुआत बन गईं।

डस्टिन ओ'हैलोरन

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अमेरिकी संगीतकार इस मायने में दिलचस्प है कि उनके पास संगीत की शिक्षा नहीं है, लेकिन साथ ही वह सबसे सुखद और काफी लोकप्रिय संगीत लिखते हैं। ओ'हैलोरन की धुनों का उपयोग टॉप गियर और कई फिल्मों में किया गया है। शायद सबसे सफल साउंडट्रैक एल्बम मेलोड्रामा लाइक क्रेज़ी के लिए था। यह संगीतकार और पियानोवादक संचालन की कला और इलेक्ट्रॉनिक संगीत बनाने के तरीके के बारे में बहुत कुछ जानता है। लेकिन उनका मुख्य क्षेत्र आधुनिक क्लासिक्स है। कैचापल्ला ने कई एल्बम रिकॉर्ड किए हैं, जिनमें से तीन रॉयल फिलहारमोनिक ऑर्केस्ट्रा के साथ हैं। उनका संगीत पानी की तरह बहता है, इसके नीचे आराम करना बहुत अच्छा है।

अन्य आधुनिक संगीतकार क्या सुनने लायक हैं?

यदि आपको महाकाव्य पसंद है, तो क्लाउस बैडेल्ट को अपनी प्लेलिस्ट में जोड़ें, जिन्होंने पाइरेट्स ऑफ द कैरेबियन में ज़िमर के साथ काम किया था। इसके अलावा, जान काकज़मारेक, एलेक्जेंडर डेसप्लेट, हॉवर्ड शोर और जॉन विलियम्स को भी नहीं भूलना चाहिए - आपको उनके सभी कार्यों, खूबियों और पुरस्कारों को सूचीबद्ध करने के लिए एक अलग लेख लिखना होगा।

यदि आप अधिक स्वादिष्ट नवशास्त्रवाद चाहते हैं, तो नील्स फ्रैम और सिल्वेन चौवेउ पर ध्यान दें।

यदि आपका मन नहीं भरता है, तो "एमेली" के साउंडट्रैक के निर्माता जान टीयरसन को याद करें या जापानी संगीतकार टैमन को खोजें: वह हवादार, स्वप्न जैसी धुनें लिखते हैं।

आपको किस संगीतकार का संगीत पसंद है और किसका नहीं? आप इस सूची में और किसे जोड़ना चाहेंगे?

19वीं सदी के उत्तरार्ध - 20वीं सदी के पूर्वार्द्ध के रूसी संगीतकारों का काम रूसी स्कूल की परंपराओं की समग्र निरंतरता है। साथ ही, इस या उस संगीत के "राष्ट्रीय" संबद्धता के दृष्टिकोण की अवधारणा को व्यावहारिक रूप से लोक धुनों का कोई प्रत्यक्ष उद्धरण नहीं दिया गया है, लेकिन रूसी स्वर आधार, रूसी आत्मा बनी हुई है।

6. अलेक्जेंडर निकोलाइविच स्क्रीबिन (1872 - 1915)

अलेक्जेंडर निकोलाइविच स्क्रीबिन एक रूसी संगीतकार और पियानोवादक हैं, जो रूसी और विश्व संगीत संस्कृति की सबसे प्रतिभाशाली हस्तियों में से एक हैं। 20वीं सदी के अंत में सार्वजनिक जीवन में बदलावों से जुड़ी कला में कई नई प्रवृत्तियों के जन्म की पृष्ठभूमि के खिलाफ भी स्क्रिबिन का मूल और गहरा काव्यात्मक कार्य अपने नवाचार के लिए खड़ा था।
मॉस्को में जन्मे, उनकी माँ की मृत्यु जल्दी हो गई, उनके पिता अपने बेटे पर ध्यान नहीं दे सके, क्योंकि उन्होंने फारस में राजदूत के रूप में कार्य किया था। स्क्रिपियन का पालन-पोषण उनकी चाची और दादा ने किया था, बचपन से ही उन्होंने संगीत की क्षमताएँ दिखाईं। सबसे पहले उन्होंने कैडेट कोर में अध्ययन किया, निजी पियानो की शिक्षा ली, कोर से स्नातक होने के बाद उन्होंने मॉस्को कंज़र्वेटरी में प्रवेश किया, उनके सहपाठी एस.वी. राचमानिनोव थे। कंज़र्वेटरी से स्नातक होने के बाद, स्क्रिपियन ने खुद को पूरी तरह से संगीत के लिए समर्पित कर दिया - एक कॉन्सर्ट पियानोवादक-संगीतकार के रूप में, उन्होंने यूरोप और रूस का दौरा किया, अपना अधिकांश समय विदेश में बिताया।
स्क्रिपियन के रचना कार्य का चरम वर्ष 1903-1908 था, जब तीसरी सिम्फनी ("दिव्य कविता"), सिम्फोनिक "एक्स्टसी की कविता", "दुखद" और "शैतानी" पियानो कविताएं, चौथी और पांचवीं सोनाटा और अन्य रचनाएँ थीं। मुक्त। "द पोएम ऑफ एक्स्टसी", जिसमें कई थीम-छवियां शामिल हैं, श्रियाबिन के रचनात्मक विचारों को केंद्रित करती हैं और उनकी उज्ज्वल कृति है। इसने एक बड़े ऑर्केस्ट्रा की शक्ति और एकल वाद्ययंत्रों की गीतात्मक, हवादार ध्वनि के प्रति संगीतकार के प्रेम को सामंजस्यपूर्ण ढंग से संयोजित किया। "एक्स्टसी की कविता" में सन्निहित विशाल महत्वपूर्ण ऊर्जा, उग्र जुनून, दृढ़ इच्छाशक्ति श्रोता पर एक अनूठा प्रभाव डालती है और आज तक अपने प्रभाव की ताकत को बरकरार रखती है।
स्क्रिपियन की एक और उत्कृष्ट कृति "प्रोमेथियस" ("आग की कविता") है, जिसमें लेखक ने पारंपरिक टोनल प्रणाली से हटकर अपनी हार्मोनिक भाषा को पूरी तरह से अद्यतन किया है, और इतिहास में पहली बार, यह काम रंग के साथ होना चाहिए था संगीत, लेकिन तकनीकी कारणों से प्रीमियर पर कोई प्रकाश प्रभाव नहीं पड़ा।
आखिरी अधूरा "रहस्य" स्क्रिपबिन का विचार था, जो एक स्वप्नद्रष्टा, रोमांटिक, दार्शनिक था, जो सभी मानव जाति को आकर्षित करता था और उसे एक नई शानदार विश्व व्यवस्था बनाने के लिए प्रेरित करता था, पदार्थ के साथ सार्वभौमिक आत्मा का मिलन।

ए.एन. स्क्रिबिन का उद्धरण: "मैं उन्हें (लोगों को) बताने जा रहा हूं कि वे... जीवन से कुछ भी उम्मीद नहीं करते हैं सिवाय इसके कि वे अपने लिए क्या बना सकते हैं... मैं उन्हें बताने जा रहा हूं कि शोक करने की कोई बात नहीं है इसके बारे में, कि कोई नुकसान न हो "ताकि वे निराशा से न डरें, जो अकेले ही वास्तविक विजय को जन्म दे सकती है। मजबूत और शक्तिशाली वह है जिसने निराशा का अनुभव किया है और उस पर विजय प्राप्त की है।"

ए.एन. स्क्रिबिन के बारे में उद्धरण: "स्क्रिबिन का काम उनका समय था, जो ध्वनियों में व्यक्त किया गया था। लेकिन जब अस्थायी, क्षणभंगुर एक महान कलाकार के काम में अपनी अभिव्यक्ति पाता है, तो यह एक स्थायी अर्थ प्राप्त कर लेता है और स्थायी बन जाता है।" जी. वी. प्लेखानोव

ए.एन. स्क्रिबिन "प्रोमेथियस"

7. सर्गेई वासिलीविच रहमानिनोव (1873 - 1943)

सर्गेई वासिलीविच राचमानिनोव 20वीं सदी की शुरुआत के सबसे महान विश्व संगीतकार, एक प्रतिभाशाली पियानोवादक और कंडक्टर हैं। एक संगीतकार के रूप में राचमानिनॉफ की रचनात्मक छवि को अक्सर "सबसे रूसी संगीतकार" विशेषण द्वारा परिभाषित किया जाता है, इस संक्षिप्त सूत्रीकरण में मॉस्को और सेंट पीटर्सबर्ग संगीतकार स्कूलों की संगीत परंपराओं को एकजुट करने और अपनी अनूठी शैली बनाने में उनकी खूबियों पर जोर दिया गया है। जो विश्व संगीत संस्कृति में अलगाव में खड़ा है।
नोवगोरोड प्रांत में जन्मे, उन्होंने चार साल की उम्र से अपनी माँ के मार्गदर्शन में संगीत का अध्ययन करना शुरू कर दिया था। उन्होंने सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी में अध्ययन किया, 3 साल के अध्ययन के बाद वह मॉस्को कंज़र्वेटरी में स्थानांतरित हो गए और एक बड़े स्वर्ण पदक के साथ स्नातक हुए। वह जल्द ही संगीत रचना करते हुए एक कंडक्टर और पियानोवादक के रूप में जाने जाने लगे। सेंट पीटर्सबर्ग में ज़बरदस्त फर्स्ट सिम्फनी (1897) के विनाशकारी प्रीमियर ने एक रचनात्मक संगीतकार के संकट को जन्म दिया, जिससे राचमानिनॉफ़ 1900 के दशक की शुरुआत में एक परिपक्व शैली के साथ उभरे, जिसमें रूसी चर्च गीत लेखन, निवर्तमान यूरोपीय रोमांटिकतावाद, आधुनिक प्रभाववाद और नवशास्त्रवाद, सभी संतृप्त थे। जटिल प्रतीकवाद के साथ. इस रचनात्मक अवधि के दौरान, उनके सर्वश्रेष्ठ कार्यों का जन्म हुआ, जिनमें 2 और 3 पियानो कॉन्सर्टो, दूसरा सिम्फनी और उनका पसंदीदा काम - गाना बजानेवालों, एकल कलाकारों और ऑर्केस्ट्रा के लिए कविता "द बेल्स" शामिल थे।
1917 में, राचमानिनोव और उनके परिवार को हमारा देश छोड़कर संयुक्त राज्य अमेरिका में बसने के लिए मजबूर होना पड़ा। अपने प्रस्थान के बाद लगभग दस वर्षों तक, उन्होंने कुछ भी रचना नहीं की, लेकिन अमेरिका और यूरोप में बड़े पैमाने पर दौरा किया और उन्हें उस युग के सबसे महान पियानोवादक और सबसे महान कंडक्टर के रूप में पहचाना गया। सभी तूफानी गतिविधियों के दौरान, राचमानिनॉफ़ एक कमजोर और असुरक्षित व्यक्ति बना रहा, जो जनता के घुसपैठ के ध्यान से बचते हुए, एकांत और यहाँ तक कि अकेलेपन के लिए प्रयास कर रहा था। वह ईमानदारी से अपनी मातृभूमि से प्यार करता था और उसके लिए तरसता था, सोचता था कि क्या उसने इसे छोड़कर कोई गलती की है। वह रूस में होने वाली सभी घटनाओं में लगातार रुचि रखते थे, किताबें, समाचार पत्र और पत्रिकाएँ पढ़ते थे, आर्थिक मदद करते थे। उनकी अंतिम रचनाएँ - सिम्फनी नंबर 3 (1937) और "सिम्फोनिक डांस" (1940) उनके रचनात्मक पथ का परिणाम बन गईं, जिसमें उनकी अनूठी शैली और अपूरणीय क्षति और घर की याद की शोकपूर्ण भावना को समाहित किया गया।

एस.वी. राचमानिनोव का उद्धरण:
"मैं एक भूत की तरह महसूस करता हूँ जो उस दुनिया में अकेला भटक रहा है जो उसके लिए पराई है।"
"किसी भी कला का उच्चतम गुण उसकी ईमानदारी है।"
"महान संगीतकारों ने हमेशा और सबसे ऊपर संगीत में प्रमुख सिद्धांत के रूप में माधुर्य पर ध्यान दिया है। मेलोडी संगीत है, सभी संगीत का मुख्य आधार ... मेलोडिक सरलता, शब्द के उच्चतम अर्थ में, संगीतकार का मुख्य जीवन लक्ष्य है। ... इसी कारण से, अतीत के महान संगीतकारों ने अपने देशों की लोक धुनों में इतनी रुचि दिखाई।

एस.वी. राचमानिनोव के बारे में उद्धरण:
"राचमानिनोव स्टील और सोने से बने थे: उनके हाथों में स्टील, दिल में सोना। मैं आंसुओं के बिना उनके बारे में सोच भी नहीं सकता। मैं न केवल महान कलाकार के सामने झुका, बल्कि मैं उनके अंदर के इंसान से प्यार करता था।" मैं हॉफमैन
"राखमानिनोव का संगीत महासागर है। इसकी लहरें - संगीतमय - क्षितिज से इतनी दूर शुरू होती हैं, और आपको इतना ऊपर उठाती हैं और आपको इतनी धीरे-धीरे नीचे गिराती हैं ... कि आप इस शक्ति और सांस को महसूस करते हैं।" ए. कोंचलोव्स्की

एक दिलचस्प तथ्य: महान देशभक्तिपूर्ण युद्ध के दौरान, राचमानिनोव ने कई चैरिटी संगीत कार्यक्रम दिए, जिससे एकत्रित धन उन्होंने नाजी आक्रमणकारियों से लड़ने के लिए लाल सेना कोष में भेज दिया।

एस.वी.राखमानिनोव। पियानो कॉन्सर्टो नंबर 2

8. इगोर फ्योडोरोविच स्ट्राविंस्की (1882-1971)

इगोर फ्योडोरोविच स्ट्राविंस्की 20वीं सदी के सबसे प्रभावशाली विश्व संगीतकारों में से एक हैं, जो नवशास्त्रवाद के नेता हैं। स्ट्राविंस्की संगीत युग का "दर्पण" बन गया, उसका काम शैलियों की बहुलता को दर्शाता है, लगातार प्रतिच्छेद करता है और वर्गीकृत करना मुश्किल है। वह स्वतंत्र रूप से शैलियों, रूपों, शैलियों को जोड़ता है, उन्हें सदियों के संगीत इतिहास से चुनता है और उन्हें अपने नियमों के अधीन करता है।
सेंट पीटर्सबर्ग के निकट जन्मे, सेंट पीटर्सबर्ग विश्वविद्यालय के विधि संकाय में अध्ययन किया, स्वतंत्र रूप से संगीत विषयों का अध्ययन किया, एन. उन्होंने व्यावसायिक रूप से अपेक्षाकृत देर से रचना करना शुरू किया, लेकिन वृद्धि तेजी से हुई - तीन बैले की एक श्रृंखला: द फायरबर्ड (1910), पेत्रुस्का (1911) और द राइट ऑफ स्प्रिंग (1913) ने उन्हें तुरंत प्रथम श्रेणी के संगीतकारों की संख्या में ला दिया। .
1914 में उन्होंने रूस छोड़ दिया, क्योंकि यह लगभग हमेशा के लिए निकला (1962 में यूएसएसआर में दौरे हुए)। स्ट्राविंस्की एक सर्वदेशीय व्यक्ति हैं, उन्हें कई देशों - रूस, स्विट्जरलैंड, फ्रांस - को बदलना पड़ा और अंततः संयुक्त राज्य अमेरिका में रहना पड़ा। उनके काम को तीन अवधियों में विभाजित किया गया है - "रूसी", "नियोक्लासिकल", अमेरिकी "सीरियल प्रोडक्शन", अवधियों को विभिन्न देशों में जीवन के समय से नहीं, बल्कि लेखक की "हस्तलेख" से विभाजित किया गया है।
स्ट्राविंस्की एक बहुत ही उच्च शिक्षित, मिलनसार व्यक्ति थे और उनका हास्यबोध अद्भुत था। उनके परिचितों और संवाददाताओं में संगीतकार, कवि, कलाकार, वैज्ञानिक, व्यवसायी, राजनेता शामिल थे।
स्ट्राविंस्की की अंतिम सर्वोच्च उपलब्धि - "रेक्विम" (चांट्स फॉर द डेड) (1966) ने संगीतकार के पिछले कलात्मक अनुभव को अवशोषित और संयोजित किया, जो मास्टर के काम का एक सच्चा प्रतीक बन गया।
स्टाविंस्की के काम में, एक अनूठी विशेषता सामने आती है - "अद्वितीयता", यह कुछ भी नहीं था कि उन्हें "एक हजार और एक शैलियों का संगीतकार" कहा जाता था, शैली, शैली, कथानक दिशा का निरंतर परिवर्तन - उनका प्रत्येक कार्य है अद्वितीय, लेकिन वह लगातार उन डिज़ाइनों की ओर लौटे जिनमें रूसी मूल दिखाई देता है, रूसी जड़ें सुनीं।

आई.एफ. स्ट्राविंस्की का उद्धरण: "मैं अपने पूरे जीवन में रूसी बोलता रहा हूं, मेरी रूसी शैली है। शायद मेरे संगीत में यह तुरंत दिखाई नहीं देता है, लेकिन यह इसमें अंतर्निहित है, यह इसकी छिपी प्रकृति में है"

आई.एफ. स्ट्राविंस्की के बारे में उद्धरण: "स्ट्राविंस्की वास्तव में एक रूसी संगीतकार हैं ... रूसी भावना इस महान, बहुमुखी प्रतिभा के दिल में अविनाशी है, जो रूसी भूमि से पैदा हुई है और इसके साथ महत्वपूर्ण रूप से जुड़ी हुई है ..." डी. शोस्ताकोविच

रोचक तथ्य (बाइक):
एक बार न्यूयॉर्क में स्ट्राविंस्की ने टैक्सी ली और साइन पर अपना नाम पढ़कर आश्चर्यचकित रह गए।
- आप संगीतकार के रिश्तेदार नहीं हैं? उसने ड्राइवर से पूछा.
- क्या ऐसे उपनाम वाला कोई संगीतकार है? - ड्राइवर हैरान रह गया। - इसे पहली बार सुनें। हालाँकि, स्ट्राविंस्की टैक्सी मालिक का नाम है। मेरा संगीत से कोई लेना-देना नहीं है - मेरा नाम रॉसिनी है...

आई.एफ. स्ट्राविंस्की। सुइट "फ़ायरबर्ड"

9. सर्गेई सर्गेइविच प्रोकोफ़िएव (1891-1953)

सर्गेई सर्गेइविच प्रोकोफ़िएव - 20वीं सदी के महानतम रूसी संगीतकारों में से एक, पियानोवादक, कंडक्टर।
डोनेट्स्क क्षेत्र में जन्मे, बचपन से ही संगीत से जुड़ गए। प्रोकोफ़िएव को कुछ (यदि एकमात्र नहीं) रूसी संगीतमय "वंडरकिंड्स" में से एक माना जा सकता है, 5 साल की उम्र से वह रचना में लगे हुए थे, 9 साल की उम्र में उन्होंने दो ओपेरा लिखे (बेशक, ये रचनाएँ अभी भी अपरिपक्व हैं, लेकिन वे सृजन की इच्छा दिखाते हैं), 13 साल की उम्र में उन्होंने सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी में परीक्षा उत्तीर्ण की, उनके शिक्षकों में एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव थे। उनके पेशेवर करियर की शुरुआत ने आलोचना का तूफान पैदा कर दिया और उनकी व्यक्तिगत मौलिक रूप से एंटी-रोमांटिक और बेहद आधुनिकतावादी शैली की गलतफहमी पैदा कर दी, विरोधाभास यह है कि अकादमिक सिद्धांतों के बावजूद, उनकी रचनाओं की संरचना शास्त्रीय सिद्धांतों के प्रति सच्ची रही और बाद में एक बन गई। आधुनिकतावादी सर्व-अस्वीकार संशयवाद की निरोधक शक्ति। अपने करियर की शुरुआत से ही, प्रोकोफ़िएव ने बहुत प्रदर्शन किया और दौरा किया। 1918 में, वह अंतर्राष्ट्रीय दौरे पर गए, जिसमें यूएसएसआर का दौरा भी शामिल था, और अंततः 1936 में अपनी मातृभूमि लौट आए।
देश बदल गया है और प्रोकोफिव की "मुक्त" रचनात्मकता को नई मांगों की वास्तविकताओं के सामने झुकने के लिए मजबूर होना पड़ा है। प्रोकोफिव की प्रतिभा नए जोश के साथ निखरी - वह ओपेरा, बैले, फिल्मों के लिए संगीत लिखते हैं - नई छवियों और विचारों के साथ तेज, मजबूत इरादों वाला, बेहद सटीक संगीत, सोवियत शास्त्रीय संगीत और ओपेरा की नींव रखी। 1948 में, तीन दुखद घटनाएँ लगभग एक साथ घटीं: जासूसी के संदेह में, उनकी पहली स्पेनिश पत्नी को गिरफ्तार कर लिया गया और शिविरों में निर्वासित कर दिया गया; बोल्शेविकों की ऑल-यूनियन कम्युनिस्ट पार्टी की केंद्रीय समिति के पोलिबुरो का फरमान जारी किया गया था जिसमें प्रोकोफिव, शोस्ताकोविच और अन्य पर हमला किया गया था और "औपचारिकता" और उनके संगीत के खतरों का आरोप लगाया गया था; संगीतकार के स्वास्थ्य में भारी गिरावट आई, वह देश से सेवानिवृत्त हो गए और व्यावहारिक रूप से इसे नहीं छोड़ा, लेकिन रचना करना जारी रखा।
सोवियत काल की कुछ सबसे चमकदार कृतियाँ ओपेरा "वॉर एंड पीस", "द टेल ऑफ़ ए रियल मैन" थीं; बैले "रोमियो एंड जूलियट", "सिंड्रेला", जो विश्व बैले संगीत का एक नया मानक बन गए हैं; ओटोरियो "दुनिया की रखवाली पर"; फ़िल्म "अलेक्जेंडर नेवस्की" और "इवान द टेरिबल" के लिए संगीत; सिम्फनीज़ नंबर 5,6,7; पियानो का काम.
प्रोकोफ़िएव का काम अपनी बहुमुखी प्रतिभा और विषयों की व्यापकता में अद्भुत है, उनकी संगीत सोच की मौलिकता, ताजगी और मौलिकता ने 20 वीं शताब्दी की विश्व संगीत संस्कृति में एक पूरे युग का निर्माण किया और कई सोवियत और विदेशी संगीतकारों पर एक शक्तिशाली प्रभाव डाला।

एस.एस. प्रोकोफ़िएव का उद्धरण:
"क्या कोई कलाकार जीवन से अलग रह सकता है?.. मेरा मानना ​​है कि एक संगीतकार, जैसे कवि, मूर्तिकार, चित्रकार, को मनुष्य और लोगों की सेवा करने के लिए कहा जाता है... सबसे पहले, उसे एक नागरिक होना चाहिए उनकी कला, मानव जीवन का गायन करती है और मनुष्य को उज्जवल भविष्य की ओर ले जाती है...
"मैं जीवन की अभिव्यक्ति हूं, जो मुझे सभी गैर-आध्यात्मिक का विरोध करने की शक्ति देता है"

एस.एस. प्रोकोफिव के बारे में उद्धरण: "... उनके संगीत के सभी पहलू सुंदर हैं। लेकिन यहां एक पूरी तरह से असामान्य बात है। जाहिर है, हम सभी में कुछ प्रकार की असफलताएं, संदेह, बस एक बुरा मूड है। और ऐसे क्षणों में, भले ही मैं प्रोकोफ़िएव को नहीं खेलता और न ही सुनता हूं, लेकिन बस उसके बारे में सोचता हूं, मुझे ऊर्जा का एक अविश्वसनीय बढ़ावा मिलता है, मुझे जीने, अभिनय करने की एक बड़ी इच्छा महसूस होती है" ई. किसिन

एक दिलचस्प तथ्य: प्रोकोफ़िएव को शतरंज का बहुत शौक था, और उन्होंने अपने विचारों और उपलब्धियों से खेल को समृद्ध किया, जिसमें उनके द्वारा आविष्कार किया गया "नौ" शतरंज भी शामिल था - एक 24x24 बोर्ड जिस पर मोहरों के नौ सेट रखे गए थे।

एस.एस. प्रोकोफिव। पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए कॉन्सर्टो नंबर 3

10. दिमित्री दिमित्रिच शोस्ताकोविच (1906 - 1975)

दिमित्री दिमित्रिच शोस्ताकोविच दुनिया के सबसे महत्वपूर्ण और प्रसिद्ध संगीतकारों में से एक हैं, आधुनिक शास्त्रीय संगीत पर उनका प्रभाव अतुलनीय है। उनकी रचनाएँ आंतरिक मानव नाटक और 20वीं सदी की कठिन घटनाओं की सच्ची अभिव्यक्ति हैं, जहाँ गहराई से व्यक्तिगतता मनुष्य और मानव जाति की त्रासदी के साथ, उसके मूल देश के भाग्य के साथ जुड़ी हुई है।
सेंट पीटर्सबर्ग में जन्मे, उन्होंने अपनी पहली संगीत शिक्षा अपनी मां से प्राप्त की, सेंट पीटर्सबर्ग कंजर्वेटरी से स्नातक की उपाधि प्राप्त की, जिसमें प्रवेश करने पर इसके रेक्टर अलेक्जेंडर ग्लेज़ुनोव ने उनकी तुलना मोजार्ट से की - उन्होंने अपनी उत्कृष्ट संगीत स्मृति, गहरी कान और संगीतकार के उपहार से सभी को प्रभावित किया। . पहले से ही 1920 के दशक की शुरुआत में, कंज़र्वेटरी के अंत तक, शोस्ताकोविच के पास अपने स्वयं के कार्यों का बोझ था और वह देश के सर्वश्रेष्ठ संगीतकारों में से एक बन गए। 1927 में पहली अंतर्राष्ट्रीय चोपिन प्रतियोगिता जीतने के बाद शोस्ताकोविच को विश्व प्रसिद्धि मिली।
एक निश्चित अवधि तक, अर्थात् ओपेरा "मत्सेंस्क जिले की लेडी मैकबेथ" के निर्माण से पहले, शोस्ताकोविच ने एक स्वतंत्र कलाकार - "अवंत-गार्डे" के रूप में काम किया, शैलियों और शैलियों के साथ प्रयोग किया। 1936 में इस ओपेरा की कठोर निंदा और 1937 के दमन ने राज्य द्वारा कला में रुझान थोपे जाने के विरोध में अपने विचारों को अपने तरीकों से व्यक्त करने की इच्छा के लिए शोस्ताकोविच के बाद के निरंतर आंतरिक संघर्ष की नींव रखी। उनके जीवन में, राजनीति और रचनात्मकता बहुत बारीकी से जुड़ी हुई हैं, उन्हें अधिकारियों द्वारा प्रशंसा मिली और उनके द्वारा सताया गया, उच्च पदों पर रहे और उन्हें हटा दिया गया, सम्मानित किया गया और खुद और उनके रिश्तेदारों की गिरफ्तारी के कगार पर थे।
एक नरम, बुद्धिमान, नाजुक व्यक्ति, उन्होंने सिम्फनी में रचनात्मक सिद्धांतों की अभिव्यक्ति का अपना रूप पाया, जहां वह समय के बारे में सच्चाई को यथासंभव खुले तौर पर बता सकते थे। सभी शैलियों में शोस्ताकोविच के सभी विशाल कार्यों में से, यह सिम्फनीज़ (15 कार्य) हैं जो केंद्रीय स्थान पर हैं, सबसे नाटकीय सिम्फनीज़ 5,7,8,10,15 हैं, जो सोवियत सिम्फोनिक संगीत का शिखर बन गए। चैम्बर संगीत में एक बिल्कुल अलग शोस्ताकोविच खुलता है।
इस तथ्य के बावजूद कि शोस्ताकोविच स्वयं एक "घरेलू" संगीतकार थे और व्यावहारिक रूप से विदेश यात्रा नहीं करते थे, उनका संगीत, सार में मानवतावादी और वास्तव में कलात्मक रूप में, सर्वश्रेष्ठ कंडक्टरों द्वारा प्रदर्शित, जल्दी और व्यापक रूप से दुनिया भर में फैल गया। शोस्ताकोविच की प्रतिभा का परिमाण इतना विशाल है कि विश्व कला की इस अनूठी घटना की पूरी समझ अभी बाकी है।

डी.डी. शोस्ताकोविच का उद्धरण: "असली संगीत केवल मानवीय भावनाओं, केवल उन्नत मानवीय विचारों को व्यक्त करने में सक्षम है।"

डी. शोस्ताकोविच। सिम्फनी नंबर 7 "लेनिनग्रादस्काया"

XIX-XX सदियों के मोड़ पर, यूरोपीय संस्कृति में विभिन्न कलात्मक रुझान सह-अस्तित्व में थे। कुछ ने 19वीं शताब्दी की परंपराओं को विकसित किया, अन्य आधुनिक स्वामी की रचनात्मक खोजों के परिणामस्वरूप उत्पन्न हुए। संगीत कला की सबसे महत्वपूर्ण घटना देर से रूमानियत थी। इसके प्रतिनिधि सिम्फोनिक संगीत में बढ़ती रुचि और रचनाओं के भव्य पैमाने से प्रतिष्ठित थे। संगीतकारों ने अपने कार्यों के लिए जटिल दार्शनिक कार्यक्रम बनाए। कई संगीतकारों ने अपने काम में अतीत की रोमांटिक परंपराओं को जारी रखने की कोशिश की, उदाहरण के लिए, एस.वी. राचमानिनोव (1873-1943), रिचर्ड स्ट्रॉस (1864-1949)। मैं स्वर्गीय रूमानियत की शैली के इन दो प्रतिनिधियों पर ध्यान देना चाहूंगा।

सर्गेई वासिलीविच रहमानिनोव

सर्गेई वासिलीविच राचमानिनोव एक रूसी संगीतकार, पियानोवादक और कंडक्टर हैं।

4 संगीत कार्यक्रम, पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए "रैप्सोडी ऑन ए थीम ऑफ पगनिनी" (1934), प्रस्तावना, पियानो के लिए रेखाचित्र-चित्र, 3 सिम्फनी (1895-1936), फंतासी "क्लिफ" (1893), कविता "आइल ऑफ द डेड" (1909), ऑर्केस्ट्रा के लिए सिम्फोनिक डांस (1940), कैंटटा स्प्रिंग (1902), गाना बजानेवालों और ऑर्केस्ट्रा के लिए कविता बेल्स (1913), ओपेरा अलेको (1892), द मिजर्ली नाइट, फ्रांसेस्का दा रिमिनी (दोनों 1904), रोमांस।

संगीतकार और गुणी पियानोवादक सर्गेई वासिलीविच राचमानिनोव के काम ने रूसी और यूरोपीय कला की परंपराओं को सामंजस्यपूर्ण रूप से जोड़ा। अधिकांश संगीतकारों और श्रोताओं के लिए, राचमानिनॉफ़ की रचनाएँ रूस का एक कलात्मक प्रतीक हैं। मातृभूमि का विषय सर्गेई राचमानिनोव के काम में विशेष बल के साथ सन्निहित है। उनके संगीत में रोमांटिक पाथोस को गीतात्मक-चिंतनशील मनोदशाओं, अटूट मधुर समृद्धि, चौड़ाई और सांस की स्वतंत्रता - लयबद्ध ऊर्जा के साथ जोड़ा गया है। राचमानिनोव का संगीत यूरोप के स्वर्गीय रूमानियतवाद का एक महत्वपूर्ण हिस्सा है। 1917 के बाद, राचमानिनॉफ को विदेश में - स्विट्जरलैंड और संयुक्त राज्य अमेरिका में रहने के लिए मजबूर होना पड़ा। उनकी रचना और विशेष रूप से प्रदर्शन गतिविधियाँ एक ऐसी घटना बन गईं जिसके बिना 20-40 के दशक में पश्चिम के सांस्कृतिक जीवन की कल्पना करना असंभव है। XX सदी।

राचमानिनॉफ़ की विरासत में ओपेरा और सिम्फनी, चैम्बर वोकल और कोरल संगीत शामिल हैं, लेकिन अधिकांश संगीतकार ने पियानो के लिए लिखा। उन्होंने एक शक्तिशाली, स्मारकीय सद्गुण की ओर रुख किया, पियानो की तुलना सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के रंगों की समृद्धि से करने की कोशिश की।

राचमानिनोव का काम विभिन्न युगों और संस्कृतियों को जोड़ता है। यह रूसी संगीतकारों को यूरोपीय परंपराओं के साथ अपने गहरे संबंध को महसूस करने की अनुमति देता है, और पश्चिमी संगीतकारों के लिए, राचमानिनॉफ रूस को खोलता है - उसे वास्तविक आध्यात्मिक धन दिखाता है।

रिचर्ड स्ट्रॉस

रिचर्ड स्ट्रॉस स्वर्गीय रोमांटिक युग के एक जर्मन संगीतकार हैं, जो विशेष रूप से अपनी सिम्फोनिक कविताओं और ओपेरा के लिए प्रसिद्ध हैं। वह एक उत्कृष्ट संवाहक भी थे।

रिचर्ड स्ट्रॉस की शैली चोपिन, शुमान, मेंडेलसोहन के कार्यों से गंभीर रूप से प्रभावित थी। रिचर्ड वैगनर के संगीत से प्रभावित होकर स्ट्रॉस ने ओपेरा की ओर रुख किया। इस प्रकार की पहली कृति गुंट्रम (1893) है। यह एक रोमांटिक टुकड़ा है; उनकी संगीत भाषा सरल है, धुन सुंदर और मधुर हैं।

1900 के बाद से, रिचर्ड स्ट्रॉस के काम में ओपेरा अग्रणी शैली बन गया है। संगीतकार की कृतियाँ संगीत की भाषा की सरलता और स्पष्टता से प्रतिष्ठित हैं, जिसमें लेखक ने रोजमर्रा की नृत्य शैलियों का उपयोग किया है।

स्ट्रॉस की रचनात्मक गतिविधि सत्तर वर्षों से अधिक समय तक चली। संगीतकार ने देर से रोमांटिक के रूप में शुरुआत की, फिर अभिव्यक्तिवाद की ओर आए और अंत में, नवशास्त्रवाद की ओर मुड़ गए।

अलेक्जेंडर निकोलाइविच स्क्रीबिन

बचपन से ही वह पियानो की आवाज़ की ओर आकर्षित थे। और तीन साल की उम्र में वह पहले से ही उपकरण पर घंटों बैठा रहता था, इसे एक जीवित प्राणी की तरह मानता था। मॉस्को कंज़र्वेटरी से स्नातक होने के बाद, अलेक्जेंडर ने संगीत कार्यक्रम देना और पढ़ाना शुरू किया, लेकिन रचना करने की इच्छा अधिक प्रबल थी। वह रचना करना शुरू कर देता है और उसकी रचनाएँ तुरंत अन्य पियानोवादकों के प्रदर्शनों की सूची में शामिल हो जाती हैं।

उन्होंने कहा, "कला को उत्सवपूर्ण होना चाहिए, उत्थान करना चाहिए, मंत्रमुग्ध करना चाहिए।" लेकिन वास्तव में, उनका संगीत इतना बोल्ड, नया और असामान्य निकला कि 21 मार्च, 1903 को मॉस्को में उनकी "दूसरी सिम्फनी" का प्रदर्शन एक प्राकृतिक घोटाले में बदल गया। किसी ने प्रशंसा की, किसी ने पेट भरा और सीटी बजाई... लेकिन स्क्रिपियन शर्मिंदा नहीं थे: उन्हें एक मसीहा की तरह महसूस हुआ, एक नए धर्म - कला का अग्रदूत। वह इसकी परिवर्तनकारी शक्ति में विश्वास करते थे। तब वह ग्रहों के पैमाने पर फैशनेबल सोचता था। स्क्रिपियन का रहस्यमय दर्शन उनकी संगीत भाषा में, विशेष रूप से नवीन सामंजस्य में, पारंपरिक स्वर की सीमाओं से परे परिलक्षित होता था।

स्क्रिपियन ने एक नई सिंथेटिक शैली का सपना देखा, जहां न केवल ध्वनियां और रंग विलीन हो जाएंगे, बल्कि नृत्य की गंध और प्लास्टिसिटी भी विलीन हो जाएगी। लेकिन यह विचार अधूरा रह गया. स्क्रिबिन की मृत्यु 14 अप्रैल (27), 1915 को मास्को में हुई। उनका जीवन, एक प्रतिभाशाली व्यक्ति का जीवन, छोटा और उज्ज्वल था।

सर्गेई प्रोकोफ़िएव

सर्गेई प्रोकोफ़िएव एक रूसी और सोवियत संगीतकार हैं, जो 20वीं सदी के सबसे प्रसिद्ध संगीतकारों में से एक हैं।

प्रोकोफ़िएव के लिए "संगीतकार" की परिभाषा "मनुष्य" जितनी ही स्वाभाविक थी।

प्रोकोफ़िएव के संगीत में, कोई विशेष रूप से प्रोकोफ़िएव की तीव्र असंगत सद्भाव, स्प्रिंगदार लय, जानबूझकर शुष्क, उद्दंड गतिशीलता को सुन सकता है। आलोचना ने तुरंत प्रतिक्रिया व्यक्त की: "युवा लेखक, जिसने अभी तक अपनी कला की शिक्षा पूरी नहीं की है, आधुनिकतावादियों की चरम दिशा से संबंधित है, आधुनिक फ्रांसीसी की तुलना में अपने साहस में बहुत आगे निकल जाता है।"

युवा प्रोकोफ़िएव के कई समकालीनों और यहां तक ​​कि उनके काम के शोधकर्ताओं ने उनके संगीत में एक "गीतात्मक धारा" देखी, जो जानबूझकर कठोर, भारी लय के माध्यम से तीव्र व्यंग्यात्मक, विचित्र, व्यंग्यात्मक छवियों के माध्यम से अपना रास्ता बनाती थी। और उनमें से कई हैं, ये गीतात्मक, शर्मीले स्वर पियानो चक्र "फ्लीटिंग" और "सरकस्म" में, दूसरे सोनाटा के पहले भाग के साइड थीम में, बाल्मोंट, अपुख्तिन, अख्मातोवा की कविताओं पर आधारित रोमांस में हैं।

प्रोकोफ़िएव के बारे में कोई कह सकता है: महान संगीतकार ने जीवन के महान परिवर्तकों में अपना स्थान पाया।

माइली बालाकिरेव

माइली बालाकिरेव - रूसी संगीतकार, पियानोवादक, कंडक्टर (1836/37-1910)

एक "माइटी हैंडफुल" का गठन किया गया - समान विचारधारा वाले लोगों का एक समुदाय जिन्होंने रूसी संगीत को बहुत कुछ अद्भुत दिया।

सर्कल में बालाकिरेव का नेतृत्व उनके त्रुटिहीन स्वाद, स्पष्ट विश्लेषणात्मक दिमाग और बड़ी मात्रा में संगीत सामग्री के ज्ञान से सुगम हुआ। सर्कल में मनोदशा राज करती थी, जिसे उस समय के आलोचकों में से एक ने व्यक्त किया था: "संगीत पहाड़ों को हिला सकता है।" बालाकिरेव का स्वभाव बहुत ऊर्जावान और आकर्षक था। मंडली में, उन्होंने तुरंत ही आयोजक की भूमिका निभा ली।

उन्होंने सर्कल को एक तरह की रचनात्मकता के रूप में माना: उन्होंने युवा संगीतकारों को "प्रभावित" किया। उनसे उन्होंने रूस के भविष्य के संगीत पैलेट की रचना की।

धीरे-धीरे बालाकिरेव के मन में एक निःशुल्क संगीत विद्यालय का विचार आया।

1862 में फ्री स्कूल ऑफ़ म्यूज़िक खुला और अपना पहला संगीत कार्यक्रम दिया। बालाकिरेव ने एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के कंडक्टर के रूप में प्रदर्शन किया।

उन्होंने स्वयं बहुत कुछ लिखा, लेकिन उन्होंने जो कुछ भी रचा उससे उन्हें रचनात्मक संतुष्टि का अनुभव नहीं हुआ। जैसा कि सीज़र कुई ने लिखा, "अपनी मृत्यु तक उन्होंने कहा कि केवल वही अच्छा था जो हमने उनके नेतृत्व में लिखा था।"

ग्लेज़ुनोव अलेक्जेंडर कोन्स्टेंटिनोविच

अलेक्जेंडर ग्लेज़ुनोव - रूसी और सोवियत संगीतकार (1865-1936)

ग्लेज़ुनोव 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत के सबसे महान रूसी संगीतकारों में से एक हैं। माइटी हैंडफुल और त्चिकोवस्की की परंपराओं के उत्तराधिकारी, उन्होंने अपने काम में रूसी संगीत की गीतात्मक-महाकाव्य और गीत-नाटकीय शाखाओं को जोड़ा। ग्लेज़ुनोव की रचनात्मक विरासत में, मुख्य स्थानों में से एक विभिन्न शैलियों के सिम्फोनिक संगीत का है। यह रूसी महाकाव्य की वीर छवियों, मूल प्रकृति की तस्वीरें, रूसी वास्तविकता, स्लाव और पूर्वी लोगों के गीत को दर्शाता है। ग्लेज़ुनोव की कृतियाँ संगीत विषयों की राहत, ऑर्केस्ट्रा की पूर्ण और स्पष्ट ध्वनि, पॉलीफोनिक तकनीक के व्यापक उपयोग (उन्होंने विभिन्न विषयों की एक साथ ध्वनि, नकल और परिवर्तनशील विकास के संयोजन का उपयोग किया) द्वारा प्रतिष्ठित हैं। ग्लेज़ुनोव के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में वायलिन और ऑर्केस्ट्रा (1904) के लिए एक संगीत कार्यक्रम भी है।

ग्लेज़ुनोव ने चैम्बर वाद्य संगीत के साथ-साथ बैले शैली (रेमोंडा, 1897, आदि) में महत्वपूर्ण योगदान दिया। त्चिकोवस्की की परंपराओं का पालन करते हुए, ग्लेज़ुनोव ने बैले में संगीत की भूमिका को गहरा किया, इसकी सामग्री को समृद्ध किया। ग्लेज़ुनोव रूसी, चेक, ग्रीक भजनों और गीतों की व्यवस्था का मालिक है। रिमस्की-कोर्साकोव के साथ मिलकर उन्होंने ओपेरा "प्रिंस इगोर" पूरा किया, स्मृति से उन्होंने बोरोडिन की तीसरी सिम्फनी का पहला भाग रिकॉर्ड किया। एम. आई. ग्लिंका के कार्यों के प्रकाशन की तैयारी में भाग लिया। रूसी और विदेशी संगीतकारों की कई रचनाएँ मार्सिलेज़ (1917) का आर्केस्ट्रा प्रस्तुत किया।

निकोलाई याकोवलेविच मायस्कॉव्स्की

निकोलाई मायस्कॉव्स्की - रूसी और सोवियत संगीतकार (1881-1950)।

प्रोकोफ़िएव और स्ट्राविंस्की के साथ, निकोलाई याकोवलेविच मायस्कॉव्स्की उन संगीतकारों में से थे जिन्होंने पूर्व-क्रांतिकारी काल में रूस के रचनात्मक बुद्धिजीवियों के मूड को प्रतिबिंबित किया। वे पुराने विशेषज्ञों के रूप में अक्टूबर के बाद के रूस में दाखिल हुए और, अपने चारों ओर अपनी तरह के खिलाफ निर्देशित आतंक को देखकर, वे जटिलताओं की भावना से छुटकारा नहीं पा सके। फिर भी, उन्होंने ईमानदारी से (या लगभग ईमानदारी से) अपने आस-पास की वास्तविकता को प्रतिबिंबित करते हुए रचना की।

उस समय के प्रेस ने लिखा: “सत्ताईसवीं सिम्फनी एक सोवियत कलाकार का काम है। इसके बारे में एक मिनट के लिए भी मत भूलना।" उन्हें सोवियत सिम्फनी स्कूल का प्रमुख माना जाता है। मायस्कॉव्स्की की संगीत रचनाएँ उनके समय को दर्शाती हैं; कुल मिलाकर, उन्होंने 27 सिम्फनी, 13 चौकड़ी, 9 पियानो सोनाटा और अन्य रचनाएँ लिखीं, जिनमें से कई सोवियत संगीत में मील का पत्थर बन गईं। संगीतकार की विशेषता बौद्धिक और भावनात्मक सिद्धांतों का मिश्रण था। मायस्कॉव्स्की का संगीत अद्वितीय है, जो विचार की एकाग्रता और साथ ही जुनून की तीव्रता से चिह्नित है। हमारे समय में, कोई भी एन मायस्कॉव्स्की के काम से अलग तरह से जुड़ सकता है, लेकिन, निस्संदेह, उनकी सत्ताईस सिम्फनी पूरी तरह से सोवियत काल के जीवन को दर्शाती है।

निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव

निकोलाई रिमस्की-कोर्साकोव - रूसी संगीतकार (1844-1908)

महान संगीतकार एन. रिमस्की-कोर्साकोव का काम, जो लगभग पूरी तरह से 19वीं सदी का था, 20वीं सदी में सुई की नोक की तरह चिपक जाता है: वह आठ साल तक इस सदी में रहे और काम किया। संगीतकार एक पुल की तरह विश्व संगीत की दो शताब्दियों को जोड़ता है। रिमस्की-कोर्साकोव का चित्र इसलिए भी दिलचस्प है क्योंकि वह मूलतः स्व-सिखाया गया था।

जॉर्जी वासिलिविच स्विरिडोव

जॉर्जी वासिलिविच स्विरिडोव - सोवियत संगीतकार, पियानोवादक (1915-1998)।

जॉर्जी स्विरिडोव का संगीत, अपनी सादगी के कारण, अन्य संगीतकारों के कार्यों से अलग होना आसान है। लेकिन यह सरलता कुछ हद तक संक्षिप्तता के समान है। स्विरिडोव के संगीत में एक स्पष्ट अभिव्यक्ति है, लेकिन यह सार में अभिव्यंजक है, रूप में नहीं, सभी प्रकार के तामझाम से रंगा हुआ है। उसके पास एक समृद्ध आंतरिक दुनिया है, उसकी वास्तविक भावनाएं संयमित हैं ... स्विरिडोव का संगीत समझना आसान है, जिसका अर्थ है कि यह अंतरराष्ट्रीय है, लेकिन साथ ही साथ गहरी देशभक्ति भी है, क्योंकि मातृभूमि का विषय लाल धागे की तरह इसमें चलता है। जी. स्विरिडोव, उनके शिक्षक डी. शोस्ताकोविच के अनुसार, "नए दृश्य साधनों" की तलाश में, "एक नई संगीत भाषा का आविष्कार करने से नहीं थके"। इसलिए उन्हें 20वीं सदी के सबसे दिलचस्प लेखकों में से एक माना जाता है।

अक्सर जी. स्विरिडोव को एक ऐसे संगीतकार के रूप में जाना जाता था जिनके गायन कार्यों को प्रस्तुत करना कठिन होता है। उनकी रचनात्मक तिजोरी में, संगीत दशकों से जमा हो रहा है, अपने कलाकारों की प्रतीक्षा में। स्विरिडोव के संगीत के लिए पारंपरिक प्रदर्शन शैली अक्सर उपयुक्त नहीं थी; संगीतकार ने स्वयं कहा कि उनके गायन संगीत की नवीनता और जटिलता इस तथ्य के कारण है कि भाषण में लगातार सुधार हो रहा है। इस संबंध में, उन्होंने पुराने, एक समय के प्रसिद्ध और फैशनेबल अभिनेताओं और कवियों को याद किया। "आज," स्विरिडोव ने तर्क दिया, "वे हम पर इतना गहरा प्रभाव नहीं डालेंगे। उनकी वाणी हमें कभी शालीन, कभी मधुर, कभी अति सरल प्रतीत होगी। कवि इगोर सेवेरिनिन कल्पना और शब्दावली दोनों के मामले में आधुनिक थे और अब उन्हें एक संग्रहालय के रूप में देखा जाता है। भाषण की नई विशेषताएं अक्सर गायकों के साथ हस्तक्षेप करती हैं, लेकिन स्विरिडोव के अनुसार, इसी दिशा में काम करना चाहिए।

शायद, स्विरिडोव से पहले किसी ने भी मुखर शैलियों के विकास और संवर्धन के लिए इतना कुछ नहीं किया - ऑरेटोरियो, कैंटाटा, गाना बजानेवालों, रोमांस ... यह जी. स्विरिडोव को न केवल रूस में, बल्कि वैश्विक स्तर पर भी अग्रणी संगीतकारों में रखता है।

स्ट्राविंस्की इगोर फेडोरोविच

स्ट्राविंस्की इगोर फेडोरोविच - रूसी संगीतकार, कंडक्टर (1882-1971)।

स्ट्राविंस्की ने अपना अधिकांश जीवन रूस के बाहर बिताया, लेकिन उन्होंने रूसी संगीतकार बनना कभी नहीं छोड़ा। उन्होंने रूसी संस्कृति और रूसी भाषा से प्रेरणा ली। और उन्होंने वास्तव में विश्वव्यापी प्रसिद्धि प्राप्त की। स्ट्राविंस्की का नाम उन लोगों के लिए भी जाना जाता था जिनकी संगीत में बहुत कम रुचि है। उन्होंने 20वीं सदी की संगीत संस्कृति के विश्व इतिहास में आधुनिकता और पुरातनता की संगीत परंपराओं के संयोजन के एक महान गुरु के रूप में प्रवेश किया।

स्ट्राविंस्की के कार्यों ने स्थापित ढांचे को तोड़ दिया, लोककथाओं के प्रति दृष्टिकोण बदल दिया। उन्होंने यह समझने में मदद की कि आधुनिकता के चश्मे से देखा जाने वाला एक लोक गीत संगीतकार के हाथों में कैसे जीवंत हो उठता है। स्ट्राविंस्की जैसे संगीतकारों की बदौलत 20वीं सदी के अंत में लोकगीत की प्रतिष्ठा बढ़ी और जातीय-संगीत का विकास हुआ।

कुल मिलाकर, संगीतकार ने बैले थियेटर के लिए आठ आर्केस्ट्रा स्कोर लिखे: "द फायरबर्ड", "पेत्रुस्का", "द राइट ऑफ स्प्रिंग", "अपोलो मुसागेट", "किस ऑफ द फेयरी", "प्लेइंग कार्ड्स", "ऑर्फ़ियस" , "अगॉन"। उन्होंने गायन के साथ तीन बैले रचनाएँ भी बनाईं: "बाइका", "पुल्सिनेला", "वेडिंग"।

तनीव सर्गेई इवानोविच

रूमानियतवाद संगीत प्रभाववाद

तनीव सर्गेई इवानोविच - रूसी संगीतकार, पियानोवादक, शिक्षक (1856-1915)।

इस महान संगीतकार और शिक्षक का नाम अब शायद ही कभी उल्लेख किया जाता है, लेकिन करीब से जांच करने पर यह वास्तविक सम्मान का कारण बनता है। वह एक संगीतकार के रूप में प्रसिद्ध नहीं हुए, लेकिन उन्होंने अपना पूरा जीवन मॉस्को कंज़र्वेटरी को समर्पित कर दिया, एस. राचमानिनोव, ए. स्क्रिबिन, एन. मेडटनर, आर. ग्लियर, के. इगुम्नोव और अन्य जैसे निर्विवाद रूप से उत्कृष्ट संगीतकारों को शिक्षित किया। पी. त्चैकोव्स्की के एक छात्र, एस. तनयेव ने एक पूरा स्कूल बनाया जिसने रूसी और सोवियत संगीतकारों को दुनिया भर के संगीतकारों से अलग किया। उनके सभी छात्रों ने तनयेव की सिम्फनी की परंपराओं को जारी रखा। 19वीं और 20वीं सदी के कई प्रसिद्ध लोग, जैसे लियो टॉल्स्टॉय, उन्हें अपना मित्र कहते थे और उनके साथ संवाद करना सम्मान की बात मानते थे।

तनयेव की तुलना सुकरात से की जा सकती है, जिन्होंने गंभीर दार्शनिक रचनाएँ लिखे बिना, कई छात्रों को पीछे छोड़ दिया।

तनयेव ने कई संगीत सिद्धांत विकसित किए, एक अनोखा काम "सख्त लेखन का मोबाइल काउंटरपॉइंट" (1889-1906) और इसकी निरंतरता "टीचिंग अबाउट द कैनन" (90 के दशक के अंत-1915) का निर्माण किया। कला को अपना जीवन देने वाले प्रत्येक कलाकार का सपना होता है कि आने वाली पीढ़ी उसका नाम न भूले। अपने जीवन के अंतिम वर्षों में, तनयेव बहुत चिंतित थे कि उन्होंने कुछ ऐसी रचनाएँ लिखीं जो प्रेरणा के रूप में जन्म लेंगी, हालाँकि उन्होंने बहुत कुछ और गहनता से लिखा। 1905 से 1915 तक उन्होंने कई कोरल और स्वर चक्र, चैम्बर और वाद्य रचनाएँ लिखीं।

दिमित्री दिमित्रिच शोस्ताकोविच

दिमित्री दिमित्रिच शोस्ताकोविच - सोवियत संगीतकार, पियानोवादक (1906-1975)।

इसमें कोई संदेह नहीं कि शोस्ताकोविच 20वीं सदी के महानतम संगीतकार थे। उन्हें करीब से जानने वाले समकालीनों ने दावा किया कि उन्होंने कुछ इस तरह तर्क दिया: अगर वंशज अभी भी संगीत कार्यों से आपके बारे में जानेंगे तो हंगामा क्यों करें? शोस्ताकोविच ने अधिकारियों के साथ संबंध नहीं बिगाड़े। लेकिन संगीत में उन्होंने व्यक्ति के विरुद्ध हिंसा का विरोध किया।

उन्होंने सिम्फनी नंबर 7 (लेनिनग्राद की घेराबंदी को समर्पित) लिखा।

शोस्ताकोविच ने अपनी आँखों से देखा: लोग कैसे मरते हैं, विमान, बम कैसे उड़ते हैं, उन्होंने अपने काम "सिम्फनी नंबर 7" में उन सभी घटनाओं को प्रतिबिंबित करने की कोशिश की जो लोगों ने अनुभव कीं।

सिम्फनी का प्रदर्शन लेनिनग्राद रेडियो समिति के बड़े सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा द्वारा किया गया था। नाकाबंदी के दिनों में, कई संगीतकार भूख से मर गए। दिसंबर में रिहर्सल रद्द कर दी गई। जब वे मार्च में फिर से शुरू हुए, तो केवल 15 कमजोर संगीतकार ही बजा सकते थे। इसके बावजूद, संगीत कार्यक्रम अप्रैल में ही शुरू हो गए। मई में, विमान ने घिरे शहर में सिम्फनी का स्कोर पहुंचाया। ऑर्केस्ट्रा के आकार को फिर से भरने के लिए, लापता संगीतकारों को सामने से भेजा गया था।

शोस्ताकोविच ने लेनिनग्राद शहर को समर्पित सिम्फनी नंबर 7 (1941) के साथ फासीवादी आक्रमण का जवाब दिया और फासीवाद के खिलाफ संघर्ष के प्रतीक के रूप में दुनिया भर में मान्यता प्राप्त की।

प्रभाववाद

19वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे में, एक नई प्रवृत्ति सामने आई - प्रभाववाद (फ़्रेंच इंप्रेशनिज़्म, इंप्रेशन से - "इंप्रेशन"), यह मूल रूप से फ्रांसीसी चित्रकला में दिखाई दिया। प्रभाववादी संगीतकारों ने सूक्ष्म और जटिल संवेदनाओं को व्यक्त करने की कोशिश की, ध्वनि के परिष्कार और परिष्कार की तलाश की। इसीलिए वे साहित्यिक प्रतीकवाद (19वीं सदी के 70 के दशक - 20वीं सदी के 10 के दशक) के करीब थे, जिसकी उत्पत्ति भी फ्रांस में हुई थी।

प्रतीकवादियों ने अज्ञात और रहस्यमय क्षेत्रों की खोज की, वास्तविकता की आड़ में छिपी "आदर्श दुनिया" को जानने की कोशिश की। प्रभाववादी संगीतकारों ने अक्सर प्रतीकवाद की कविता और नाटकीयता की ओर रुख किया।

संगीत प्रभाववाद के संस्थापक फ्रांसीसी संगीतकार, पियानोवादक और कंडक्टर क्लाउड डेब्यूसी (1862-1918) हैं। उनके काम में, सद्भाव (माधुर्य के बजाय) सामने आया, ऑर्केस्ट्रा की रंगीन ध्वनि को एक महत्वपूर्ण भूमिका सौंपी गई। ध्वनि की बारीकियाँ मुख्य बन गईं, जो पेंटिंग की तरह, मूड, भावनाओं और छापों के रंगों को प्रतिबिंबित करती हैं।

संगीतकारों ने सामंजस्य की स्पष्टता, धुनों और रूपों की सरलता, संगीत भाषा की सुंदरता और पहुंच की ओर लौटने की मांग की। उन्होंने पॉलीफोनी की ओर रुख किया, हार्पसीकोर्ड संगीत को पुनर्जीवित किया।

मैक्स रेगर

जर्मन संगीतकार और कंडक्टर मैक्स रेगर के काम में देर से रोमांटिकतावाद और नवशास्त्रवाद की विशेषताएं संयुक्त थीं। उन्होंने ऑर्गन, ऑर्केस्ट्रा, पियानो, वायलिन, वायोला, चैम्बर पहनावा के लिए लिखा। रेगर ने 18वीं शताब्दी की विरासत को समझने की कोशिश की, विशेष रूप से जोहान सेबेस्टियन बाख के अनुभव को, और अपने कार्यों में उन्होंने बीते युग की संगीतमय छवियों की ओर रुख किया। हालाँकि, 19वीं-20वीं शताब्दी के मोड़ पर एक व्यक्ति होने के नाते, रेगर ने संगीत को मूल सामंजस्य और असामान्य समय के साथ संतृप्त किया।

नियोक्लासिज्म

नवशास्त्रवाद 19वीं शताब्दी की रोमांटिक परंपरा के साथ-साथ उससे जुड़ी धाराओं (प्रभाववाद, अभिव्यक्तिवाद, वेरिस्मो, आदि) के विरोधों में से एक बन गया। इसके अलावा, लोककथाओं में रुचि बढ़ी, जिससे एक संपूर्ण अनुशासन - नृवंशविज्ञान का निर्माण हुआ, जो संगीत लोककथाओं के विकास का अध्ययन करता है और दुनिया के विभिन्न लोगों के बीच संगीत और सांस्कृतिक प्रक्रियाओं की तुलना करता है। कुछ लोग प्राचीन संस्कृतियों (कार्ल ओर्फ़) की उत्पत्ति की ओर रुख करते हैं या पूरी तरह से लोक कला (लियोस जानसेक, बेला बार्टोक, ज़ोल्टन कोडाली) पर भरोसा करते हैं। साथ ही, संगीतकार सक्रिय रूप से अपनी रचनाओं में प्रयोग करना जारी रखते हैं और हार्मोनिक भाषा, छवियों और संरचनाओं के नए पहलुओं और संभावनाओं की खोज करते हैं।

19वीं सदी के सौंदर्य सिद्धांतों के पतन, नई सदी की शुरुआत के राजनीतिक और आर्थिक संकट ने, अजीब तरह से, एक नए संश्लेषण के निर्माण में योगदान दिया, जिसके कारण अन्य प्रकार की कलाओं का संगीत में प्रवेश हुआ: पेंटिंग , ग्राफिक्स, वास्तुकला, साहित्य और यहां तक ​​कि छायांकन भी। हालाँकि, सामान्य कानून जो आई.एस. के समय से संगीतकार अभ्यास पर हावी रहे हैं। बाख, टूट गए और बदल गए।

19वीं-20वीं शताब्दी के मोड़ पर, रूसी संगीतकारों द्वारा यूरोपीय संस्कृति की परंपराओं, शैलियों और शैलियों में महारत हासिल करने की एक लंबी और जटिल प्रक्रिया समाप्त हो गई। XIX सदी के अंत तक. सेंट पीटर्सबर्ग और मॉस्को कंज़र्वेटरीज़ ठोस शैक्षणिक संस्थान बन गए हैं। उस युग के सभी उत्कृष्ट संगीतकार और कई उत्कृष्ट कलाकार उनकी दीवारों से बाहर आए। वाद्ययंत्रवादकों, गायकों और नर्तकों के विद्यालय थे। रूसी ओपेरा और बैले कला ने यूरोपीय जनता को जीत लिया। संगीत थिएटर के विकास में एक महत्वपूर्ण भूमिका सेंट पीटर्सबर्ग में इंपीरियल मरिंस्की थिएटर और रूसी उद्योगपति और परोपकारी सव्वा इवानोविच मैमोंटोव (1841 - 1918) द्वारा निर्मित मॉस्को प्राइवेट रूसी ओपेरा द्वारा निभाई गई थी।

सदी की शुरुआत के रूसी संगीत में देर से रूमानियत और प्रभाववाद की विशेषताएं आपस में जुड़ी हुई थीं। साहित्यिक और कलात्मक प्रवृत्तियों और सबसे ऊपर प्रतीकवाद का प्रभाव महान था। हालाँकि, महान गुरुओं ने अपनी शैलियाँ विकसित कीं। उनके काम को किसी विशेष प्रवृत्ति से जोड़ना मुश्किल है, और यह रूसी संगीत संस्कृति की परिपक्वता का प्रमाण है।

जब कोई 20वीं शताब्दी के संगीत से परिचित होता है तो पहली धारणा यह होती है कि आधुनिक समय की संगीत कला और पिछली सभी शताब्दियों के बीच एक खाई है - कार्यों की ध्वनि छवि में अंतर बहुत महत्वपूर्ण हैं।

यहां तक ​​कि 10-30 साल के काम भी. 20वीं सदी अत्यधिक तनावपूर्ण और ध्वनि में कठोर प्रतीत होती है। वास्तव में, 20वीं सदी का संगीत, पिछली शताब्दियों की तरह, लोगों की आध्यात्मिक और भावनात्मक दुनिया को प्रतिबिंबित करता है, क्योंकि मानव जीवन की गति तेज हो गई है, अधिक कठोर और तीव्र हो गई है।

दुखद घटनाओं और विरोधाभासों - युद्धों, क्रांतियों, वैज्ञानिक और तकनीकी प्रगति, अधिनायकवाद और लोकतंत्र ने न केवल लोगों में निहित भावनात्मक अनुभवों को बढ़ाया, बल्कि मानवता को विनाश के कगार पर भी खड़ा कर दिया। यही कारण है कि जीवन और मृत्यु के बीच टकराव का विषय 20वीं सदी के संगीत में एक महत्वपूर्ण विषय बन गया है। कला के लिए व्यक्ति के आत्म-ज्ञान का विषय भी कम महत्वपूर्ण नहीं था।

बीसवीं सदी कला और साहित्य में कई नवाचारों से चिह्नित थी, जो क्रांतियों और विश्व युद्धों के दौरान जनता के दिमाग में विनाशकारी परिवर्तनों से जुड़े थे। 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत में, और विशेष रूप से अक्टूबर से पहले के दशक में, पुराने, अन्यायपूर्ण सामाजिक व्यवस्था को दूर करने वाले महान परिवर्तनों की उम्मीद का विषय सभी रूसी कला और संगीत के माध्यम से चलता है। विशिष्ट। सभी संगीतकार क्रांति की अनिवार्यता, आवश्यकता के बारे में नहीं जानते थे और इसके प्रति सहानुभूति नहीं रखते थे, लेकिन सभी या लगभग सभी ने तूफान-पूर्व तनाव महसूस किया।

नई सामग्री के लिए, हमेशा की तरह, नए रूपों की आवश्यकता होती है, और कई संगीतकार संगीत भाषा के आमूल-चूल नवीनीकरण के विचार के साथ आए। सबसे पहले, उन्होंने मोड और कुंजियों की पारंपरिक यूरोपीय प्रणाली को त्याग दिया। एटोनल संगीत की अवधारणा प्रकट हुई। यह वह संगीत है जिसमें कुंजियों की एक स्पष्ट प्रणाली कान से निर्धारित नहीं होती है, और सख्त नियमों का पालन किए बिना, कॉर्ड हारमोनियाँ (सामंजस्य) एक दूसरे के साथ स्वतंत्र रूप से जुड़ी होती हैं। 20वीं सदी की संगीत भाषा की एक और महत्वपूर्ण विशेषता असामान्य ध्वनियाँ थीं। आधुनिक जीवन की छवियों को व्यक्त करने के लिए, उन्होंने असामान्य ध्वनि प्रभावों (धातु का बजना और पीसना, मशीन टूल्स की गर्जना और अन्य "औद्योगिक" ध्वनियाँ) का उपयोग किया, नए उपकरणों का आविष्कार किया। हालाँकि, दूसरे तरीके से अधिक दिलचस्प परिणाम मिले। संगीतकारों ने पारंपरिक वाद्ययंत्रों के साथ प्रयोग किया: उन्होंने लकड़ी को मिश्रित किया, असामान्य रजिस्टरों में बजाया, तकनीकों को बदल दिया। और यह पता चला कि एक शास्त्रीय सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा या ओपेरा फॉर्म ध्वनियों और शोर की जटिल प्रणाली के साथ एक शहर के जीवन को पूरी तरह से दिखा सकते हैं, और सबसे महत्वपूर्ण बात, विचार के अप्रत्याशित मोड़ और अंत में मानव मानस में "टूटना" दूसरी सहस्राब्दी.

हालाँकि, नवीन खोजों से परंपराओं की अस्वीकृति बिल्कुल नहीं हुई। यह 20वीं सदी थी जिसने बीते युग की संगीत विरासत को पुनर्जीवित किया। दो सौ तीन सौ वर्षों के विस्मरण के बाद, 17वीं सदी के जर्मन और फ्रांसीसी उस्तादों मोंटेवेर्डी, कोरेली और विवाल्डी की कृतियाँ फिर से सुनाई देने लगीं।

लोककथाओं के प्रति दृष्टिकोण मौलिक रूप से बदल गया। 20वीं सदी में, एक नई प्रवृत्ति सामने आई - नव-लोकगीतवाद (ग्रीक "नियोस" से - "नया" और "लोकगीत")। इसके समर्थकों ने गहरे ग्रामीण क्षेत्रों में रिकॉर्ड की गई लोक धुनों के उपयोग का आह्वान किया, न कि शहरी तरीके से "सुचारू" किया। सिम्फनी, सोनाटा या ओपेरा के जटिल ताने-बाने में प्रवेश करने के बाद, ऐसा गीत संगीत में एक अभूतपूर्व जुनून, रंगों और स्वरों की समृद्धि लेकर आया।

19वीं-20वीं शताब्दी के मोड़ पर, यूरोपीय संस्कृति में एक नई कलात्मक दिशा उभरी - अभिव्यक्तिवाद (लैटिन एक्सप्रेसियो से - "अभिव्यक्ति")। इसके प्रतिनिधियों ने अपने कार्यों में प्रथम विश्व युद्ध के युग के एक व्यक्ति के दुखद रवैये को दर्शाया - निराशा, दर्द, अकेलेपन का डर। संगीत में अभिव्यक्तिवाद के संस्थापक अर्नोल्ड स्कोनबर्ग (1874-1951) ने लिखा, "कला उन लोगों की मदद के लिए पुकार है जो अपने आप में मानवता के भाग्य का अनुभव करते हैं।"

अर्नोल्ड स्कोनबर्ग

संगीत अभिव्यक्तिवाद ऑस्ट्रिया में, अधिक सटीक रूप से, इसकी राजधानी वियना में विकसित हुआ। इसके निर्माता अर्नोल्ड स्कोनबर्ग, अल्बान बर्ग और एंटोन वेबरन हैं। संगीतकारों के रचनात्मक समुदाय ने न्यू विनीज़ (न्यू विनीज़) स्कूल के नाम से संगीत के इतिहास में प्रवेश किया। प्रत्येक उस्तादों ने कला में अपना-अपना रास्ता अपनाया, लेकिन उनके कार्यों में बहुत कुछ समानता है। सबसे पहले - संगीत की दुखद भावना, तीव्र अनुभवों और गहरे झटकों की इच्छा। इसके पीछे - एक गहन आध्यात्मिक खोज, हर कीमत पर उन धार्मिक और नैतिक आदर्शों को खोजने की इच्छा जो अधिकांश आधुनिक लोगों द्वारा खो दिए गए हैं। अंत में, तीनों संगीतकारों ने संगीत रचना की एक एकीकृत विधि विकसित की - डोडेकेफोनिक प्रणाली, जिसने किसी काम की मोडल और हार्मोनिक संरचना के बारे में पारंपरिक विचारों को काफी हद तक बदल दिया।

स्कोनबर्ग का काम एक मुख्य समस्या का समाधान करता है - यह संगीत के माध्यम से मानवीय पीड़ा को व्यक्त करता है। भारी, सुस्त पूर्वाभास, नीरस भय की भावना पहले से ही प्रारंभिक कार्य - फाइव पीसेज फॉर ऑर्केस्ट्रा (1909) में पूरी तरह से व्यक्त की गई है। मनोदशा और रूप के संदर्भ में, ये चैम्बर प्रस्तावनाएं हैं, लेकिन वे एक बड़े सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के लिए लिखे गए थे, और उनमें हवा के उपकरणों के शक्तिशाली "चिल्लाने" और टिमपनी की धड़कन के साथ पतली, पारदर्शी ध्वनि रिकॉर्डिंग वैकल्पिक होती है।

द्वितीय विश्व युद्ध की घटनाओं पर स्कोनबर्ग के चिंतन का परिणाम एक पाठक, गायक मंडल और ऑर्केस्ट्रा के लिए कैंटाना "सर्वाइवर फ्रॉम वारसॉ" (1947) था। यह पाठ वारसॉ में यहूदी यहूदी बस्ती के निवासियों के नाजी नरसंहार के प्रामाणिक प्रत्यक्षदर्शी खातों पर आधारित है। एक श्रृंखला पर निर्मित इस बड़े पैमाने की रचना का संगीत, अभिव्यक्तिवाद की सर्वोत्तम परंपराओं में कायम है - यह जटिल, दुखद और भावनात्मक रूप से उत्तेजित है। ऐसा प्रतीत होता है कि संगीतकार अपने नायकों को ईश्वर और अनंत काल के सामने प्रस्तुत करने का प्रयास कर रहा है और इस तरह यह दर्शाता है कि उनकी पीड़ा व्यर्थ नहीं थी। कैंटाटा एक प्रार्थना के गायन के साथ समाप्त होता है, और इसका संगीत, उसी श्रृंखला की ध्वनियों पर आधारित, पिछले भागों के दुखद अंधेरे से स्वाभाविक रूप से विकसित होता है।

हरावल

सामाजिक वास्तविकता की नई परिस्थितियों ने संपूर्ण कलात्मक संस्कृति पर प्रभाव डाला, एक ओर, शास्त्रीय परंपरा को एक नई सांस दी, और दूसरी ओर, एक नई कला को जन्म दिया - अवंत-गार्डे (से) फ्रांसीसी "अवंत-गार्डे" - आगे बढ़ते हुए), या आधुनिकतावाद (लैटिन "मॉडर्नस" से - नया, आधुनिक), पूरी तरह से समय के चेहरे को दर्शाता है। संक्षेप में, "आधुनिकतावाद" शब्द बीसवीं सदी के व्यक्तिगत उस्तादों की कलात्मक प्रवृत्तियों, धाराओं, स्कूलों और गतिविधियों को संदर्भित करता है, जिन्होंने अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता को अपनी रचनात्मक पद्धति के आधार के रूप में घोषित किया।

संगीतमय अवंत-गार्डे आंदोलन 50-90 के दशक को कवर करता है। XX सदी। यह द्वितीय विश्व युद्ध के बाद किसी भी तरह से संयोग से उत्पन्न हुआ: युद्ध के समय की उथल-पुथल, और फिर जीवन के तरीके में तेज बदलाव ने पिछले युगों के नैतिक और सांस्कृतिक मूल्यों में निराशा पैदा की। 50-60 के दशक की पीढ़ी के प्रतिनिधि। मैं परंपराओं से मुक्त महसूस करना चाहता था, अपनी खुद की कलात्मक भाषा बनाना चाहता था।

म्यूजिकल अवांट-गार्डिज्म आमतौर पर तथाकथित ठोस संगीत को संदर्भित करता है, जो टोनल व्यंजन की स्वतंत्रता पर आधारित है, न कि हार्मोनिक श्रृंखला पर: सोनोरिज्म आधुनिक रचना तकनीक के प्रकारों में से एक है जो मुख्य रूप से रंगीन ध्वनियों (लैटिन "सोनोरस") का उपयोग करता है - सुरीला, शोरगुल वाला) और व्यावहारिक रूप से सटीक पिच संचार, इलेक्ट्रॉनिक संगीत की उपेक्षा करता है। अवंत-गार्डे की दिशा में पहली खोज 20वीं सदी की शुरुआत में रूसी संगीतकार ए.एन. द्वारा की गई थी। स्क्रिपबिन। कुछ श्रोता उसकी प्रेरित शक्ति से मोहित हो गए, जबकि अन्य उसकी असामान्यता से क्रोधित हो गए।

एक। स्क्रिपबिन

रचनात्मकता के नए तरीकों की खोज ने कई असामान्य शैलियों को जीवंत कर दिया। "शास्त्रीय" उपकरणों के रूप में संगीतकार इलेक्ट्रॉनिक ध्वनि रिकॉर्डिंग और पुनरुत्पादन उपकरण का उपयोग करते हैं - एक टेप रिकॉर्डर, एक सिंथेसाइज़र, और हाल के वर्षों में - एक कंप्यूटर। इलेक्ट्रॉनिक संगीत का उद्भव लाखों पॉप और रॉक प्रेमियों (जहां इलेक्ट्रॉनिक उपकरणों का प्रमुख स्थान है) के "क्लासिक्स" की ओर ध्यान आकर्षित करने की इच्छा के कारण हुआ था। हालाँकि, इस क्षेत्र में काम करने वाले संगीतकार एक अन्य लक्ष्य भी रखते हैं। वे प्रौद्योगिकी की दुनिया के साथ मनुष्य के जटिल संबंधों का पता लगाने की कोशिश कर रहे हैं, जो तेजी से लोगों की चेतना को अधीन कर रहा है। सबसे प्रतिभाशाली कार्यों में अपने इलेक्ट्रॉनिक "डबल" के साथ संगीतकार का "लाइव" संवाद एक गहरा प्रतीकात्मक अर्थ प्राप्त करता है।

हो रहा

50 के दशक से. संगीत में, अन्य प्रकार की कलाओं की तरह (उदाहरण के लिए, थिएटर में), घटित होने जैसी एक दिशा होती है (अंग्रेजी से, घटित होना - "हो रहा है", "हो रहा है")। इसका स्रोत अमेरिकी संगीतकार जॉन केज (1912 में जन्म) की रचना "4" 33 "(1954) माना जा सकता है। एक पियानोवादक मंच पर प्रवेश करता है, जो चार मिनट और तैंतीस सेकंड के लिए पियानो पर चुपचाप बैठता है, फिर मिलता है ऊपर और बाहर प्रीमियर एक घोटाले के साथ हुआ: प्रबुद्ध जनता ने फैसला किया कि वे बस इसका मजाक उड़ा रहे थे, और आम आदमी को कृपालु टिप्पणी करने का अवसर मिला: "तो मैं भी कर सकता हूं।" जनता को चौंका देने का इरादा, निश्चित रूप से, हिस्सा था लेखक की योजनाएँ, लेकिन यह अपने आप में अंत नहीं था। शोधकर्ताओं के अनुसार, केज ने आसपास की वास्तविकता की घटनाओं को एक संगीत कार्य में बदल दिया: खेल की शुरुआत की प्रत्याशा में मौन, श्रोताओं द्वारा उत्पन्न ध्वनियाँ (खाँसी, फुसफुसाहट) , कुर्सियों की चरमराहट, आदि) दर्शकों और संगीतकार ने इस प्रकार कलाकार और सहज लेखक दोनों के रूप में काम किया, संगीत एक श्रवण छवि से एक दृश्य छवि में बदल गया, और यह बाद में घटित होने की एक पहचान बन गया: एक काम का प्रदर्शन बन जाता है, वास्तव में, एक मूक मूकाभिनय। जॉन केज

20वीं सदी की संगीत कला नवीन विचारों से भरी हुई है। यह संगीत की भाषा के सभी पहलुओं में एक मूलभूत परिवर्तन का प्रतीक है। 20वीं शताब्दी में, संगीत अक्सर भयानक युगीन ऐतिहासिक घटनाओं के प्रतिबिंब के स्रोत के रूप में कार्य करता था, जिसके गवाह और समकालीन इस युग के अधिकांश महान संगीतकार थे, जो प्रर्वतक और सुधारक बन गए।

निष्कर्ष

इस प्रकार, 20वीं सदी संगीत में विविधता की सदी थी। 20वीं सदी का संगीत, पिछली शताब्दियों की तरह, लोगों की आध्यात्मिक और भावनात्मक दुनिया को प्रतिबिंबित करता है, क्योंकि मानव जीवन की गति तेज हो गई है, अधिक कठोर और तीव्र हो गई है।

दुखद घटनाओं और विरोधाभासों - युद्धों, क्रांतियों, वैज्ञानिक और तकनीकी प्रगति, अधिनायकवाद और लोकतंत्र ने न केवल लोगों में निहित भावनात्मक अनुभवों को बढ़ाया, बल्कि मानवता को विनाश के कगार पर भी खड़ा कर दिया। यही कारण है कि जीवन और मृत्यु के बीच टकराव का विषय 20वीं सदी के संगीत में एक महत्वपूर्ण विषय बन गया है।

कला के लिए व्यक्ति के आत्म-ज्ञान का विषय भी कम महत्वपूर्ण नहीं था। नई पीढ़ियों के प्रतिनिधि परंपराओं से मुक्त महसूस करना चाहते थे, अपनी कलात्मक भाषा बनाना चाहते थे।

20वीं सदी की संगीत कला असामान्य रूप से विशाल है। शायद एक भी ऐतिहासिक संगीत शैली ऐसी नहीं है जो 20वीं सदी के रंगीन संगीत बहुरूपदर्शक में किसी न किसी रूप में प्रतिबिंबित न हो। इस दृष्टि से यह सदी एक मील का पत्थर बन गई है। संगीत के विकास की पिछली शताब्दियों में जो कुछ भी जमा हुआ था, और राष्ट्रीय संगीत संस्कृतियों की सारी मौलिकता अचानक सार्वजनिक संपत्ति बन गई।

हर बार युग ने हमें अपनी प्रतिभाएँ दी हैं। चाहे वे 19वीं या 20वीं शताब्दी के संगीतकार हों, उनके कार्यों ने पहले ही मानव जाति के इतिहास में अपना मील का पत्थर ले लिया है और न केवल संगीत में बल्कि सभी पीढ़ियों के लिए एक मॉडल बन गए हैं, और सृजन की उम्र के बावजूद, उन्हें सेवा करने के लिए कहा जाता है। लोगों की खुशी.

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संगीतकारों का रूसी स्कूल, जिनकी परंपराओं को सोवियत और आज के रूसी स्कूलों द्वारा जारी रखा गया था, 19वीं शताब्दी में उन संगीतकारों के साथ शुरू हुआ जिन्होंने यूरोपीय संगीत कला को रूसी लोक धुनों के साथ जोड़ा, यूरोपीय रूप और रूसी भावना को एक साथ जोड़ा।

इन प्रसिद्ध लोगों में से प्रत्येक के बारे में बहुत कुछ कहा जा सकता है, उन सभी का भाग्य सरल और कभी-कभी दुखद नहीं होता है, लेकिन इस समीक्षा में हमने संगीतकारों के जीवन और कार्य का केवल एक संक्षिप्त विवरण देने का प्रयास किया है।

1. मिखाइल इवानोविच ग्लिंका

(1804-1857)

ओपेरा रुस्लान और ल्यूडमिला की रचना करते समय मिखाइल इवानोविच ग्लिंका। 1887, कलाकार इल्या एफिमोविच रेपिन

"सुंदरता पैदा करने के लिए व्यक्ति को आत्मा में शुद्ध होना चाहिए।"

मिखाइल इवानोविच ग्लिंका रूसी शास्त्रीय संगीत के संस्थापक और विश्व प्रसिद्धि हासिल करने वाले पहले घरेलू शास्त्रीय संगीतकार हैं। रूसी लोक संगीत की सदियों पुरानी परंपराओं पर आधारित उनकी रचनाएँ, हमारे देश की संगीत कला में एक नया शब्द थीं।

स्मोलेंस्क प्रांत में जन्मे, सेंट पीटर्सबर्ग में शिक्षा प्राप्त की। विश्वदृष्टि का गठन और मिखाइल ग्लिंका के काम का मुख्य विचार ए.एस. पुश्किन, वी.ए. ज़ुकोवस्की, ए.एस. ग्रिबॉयडोव, ए.ए. डेलविग जैसे व्यक्तित्वों के साथ सीधे संचार द्वारा सुगम बनाया गया था। उनके काम में रचनात्मक प्रेरणा 1830 के दशक की शुरुआत में यूरोप की दीर्घकालिक यात्रा और उस समय के प्रमुख संगीतकारों - वी. बेलिनी, जी. डोनिज़ेट्टी, एफ. मेंडेलसोहन और बाद में जी. बर्लियोज़, जे. के साथ मुलाकात से मिली। मेयरबीर.

1836 में ओपेरा "इवान सुसैनिन" ("लाइफ फॉर द ज़ार") के मंचन के बाद एम.आई. ग्लिंका को सफलता मिली, जिसे सभी ने उत्साहपूर्वक प्राप्त किया, विश्व संगीत में पहली बार, रूसी कोरल कला और यूरोपीय सिम्फोनिक और ओपेरा अभ्यास शामिल थे। व्यवस्थित रूप से संयुक्त, और सुसैनिन के समान एक नायक भी सामने आया, जिसकी छवि राष्ट्रीय चरित्र की सर्वोत्तम विशेषताओं का सारांश प्रस्तुत करती है।

वीएफ ओडोव्स्की ने ओपेरा को "कला में एक नया तत्व, और इसके इतिहास में एक नया काल शुरू होता है - रूसी संगीत की अवधि" के रूप में वर्णित किया।

दूसरा ओपेरा, महाकाव्य रुसलान और ल्यूडमिला (1842), जिस पर पुश्किन की मृत्यु की पृष्ठभूमि और संगीतकार की कठिन जीवन स्थितियों में काम की गहन नवीन प्रकृति के कारण काम किया गया था, दर्शकों द्वारा अस्पष्ट रूप से प्राप्त किया गया था और अधिकारी, और एम.आई. ग्लिंका को भारी अनुभव लाए। उसके बाद, उन्होंने रचना करना बंद किए बिना, रूस और विदेशों में बारी-बारी से रहते हुए, बहुत यात्रा की। रोमांस, सिम्फोनिक और चैम्बर कार्य उनकी विरासत में बने रहे। 1990 के दशक में, मिखाइल ग्लिंका का "देशभक्ति गीत" रूसी संघ का आधिकारिक गान था।

एम.आई. ग्लिंका के बारे में उद्धरण:"संपूर्ण रूसी सिम्फोनिक स्कूल, एक बलूत के फल में पूरे ओक की तरह, सिम्फोनिक फंतासी "कामारिंस्काया" में निहित है। पी.आई. त्चिकोवस्की

दिलचस्प तथ्य:मिखाइल इवानोविच ग्लिंका अच्छे स्वास्थ्य से प्रतिष्ठित नहीं थे, इसके बावजूद वह बहुत सहज थे और भूगोल को अच्छी तरह से जानते थे, शायद अगर वह संगीतकार नहीं बनते, तो एक यात्री बन जाते। वह फ़ारसी सहित छह विदेशी भाषाएँ जानते थे।

2. अलेक्जेंडर पोर्फिरिविच बोरोडिन

(1833-1887)

19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के प्रमुख रूसी संगीतकारों में से एक, अलेक्जेंडर पोर्फिरीविच बोरोडिन, एक संगीतकार के रूप में अपनी प्रतिभा के अलावा, एक रसायनज्ञ, डॉक्टर, शिक्षक, आलोचक और साहित्यिक प्रतिभा वाले थे।

सेंट पीटर्सबर्ग में जन्मे, बचपन से ही उनके आस-पास के सभी लोगों ने विभिन्न दिशाओं में, मुख्य रूप से संगीत और रसायन विज्ञान में उनकी असामान्य गतिविधि, उत्साह और क्षमताओं पर ध्यान दिया।

ए.पी. बोरोडिन एक रूसी नगेट संगीतकार हैं, उनके पास पेशेवर संगीतकार शिक्षक नहीं थे, संगीत में उनकी सभी उपलब्धियाँ रचना की तकनीक में महारत हासिल करने पर स्वतंत्र काम के कारण हैं।

ए.पी. बोरोडिन का गठन एम.आई. के कार्य से प्रभावित था। ग्लिंका (साथ ही 19वीं शताब्दी के सभी रूसी संगीतकार), और दो घटनाओं ने 1860 के दशक की शुरुआत में रचना के गहन कब्जे को प्रोत्साहन दिया - पहला, प्रतिभाशाली पियानोवादक ई.एस. प्रोटोपोपोवा के साथ परिचित और विवाह, और दूसरा, एम.ए. के साथ मुलाकात। बालाकिरेव और रूसी संगीतकारों के रचनात्मक समुदाय में शामिल हो गए, जिन्हें "माइटी हैंडफुल" के नाम से जाना जाता है।

1870 और 1880 के दशक के अंत में, ए.पी. बोरोडिन ने यूरोप और अमेरिका में बड़े पैमाने पर यात्रा की और दौरा किया, अपने समय के प्रमुख संगीतकारों से मुलाकात की, उनकी प्रसिद्धि बढ़ी, 19वीं सदी के अंत में वह यूरोप में सबसे प्रसिद्ध और लोकप्रिय रूसी संगीतकारों में से एक बन गए। सदी.वीं सदी.

ए.पी. बोरोडिन के काम में केंद्रीय स्थान पर ओपेरा "प्रिंस इगोर" (1869-1890) का कब्जा है, जो संगीत में राष्ट्रीय वीर महाकाव्य का एक उदाहरण है और जिसे खत्म करने के लिए उनके पास खुद समय नहीं था (इसे पूरा किया गया था) उनके दोस्त ए.ए. ग्लेज़ुनोव और एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव)। "प्रिंस इगोर" में, ऐतिहासिक घटनाओं की राजसी तस्वीरों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, संगीतकार के पूरे काम का मुख्य विचार प्रतिबिंबित हुआ - साहस, शांत भव्यता, सर्वश्रेष्ठ रूसी लोगों की आध्यात्मिक बड़प्पन और शक्तिशाली ताकत संपूर्ण रूसी लोग, मातृभूमि की रक्षा में प्रकट हुए।

इस तथ्य के बावजूद कि ए.पी. बोरोडिन ने अपेक्षाकृत कम संख्या में काम छोड़े, उनका काम बहुत विविध है और उन्हें रूसी सिम्फोनिक संगीत के पिताओं में से एक माना जाता है, जिन्होंने रूसी और विदेशी संगीतकारों की कई पीढ़ियों को प्रभावित किया।

ए.पी. बोरोडिन के बारे में उद्धरण:“बोरोडिन की प्रतिभा सिम्फनी, ओपेरा और रोमांस दोनों में समान रूप से शक्तिशाली और अद्भुत है। इसके मुख्य गुण हैं विशाल ताकत और चौड़ाई, विशाल दायरा, तेज़ी और उत्साह, अद्भुत जुनून, कोमलता और सुंदरता के साथ। वी.वी. स्टासोव

दिलचस्प तथ्य:हैलोजन के साथ कार्बोक्जिलिक एसिड के सिल्वर लवण की रासायनिक प्रतिक्रिया, जिसके परिणामस्वरूप हैलोजेनेटेड हाइड्रोकार्बन बनता है, का नाम बोरोडिन के नाम पर रखा गया था, जिसकी जांच वह 1861 में करने वाले पहले व्यक्ति थे।

3. मामूली पेत्रोविच मुसॉर्स्की

(1839-1881)

"मानव भाषण की ध्वनियाँ, विचार और भावना की बाहरी अभिव्यक्तियों के रूप में, अतिशयोक्ति और बलात्कार के बिना, सच्चा, सटीक संगीत, लेकिन कलात्मक, अत्यधिक कलात्मक बनना चाहिए।"

मॉडेस्ट पेत्रोविच मुसॉर्स्की 19वीं सदी के सबसे शानदार रूसी संगीतकारों में से एक हैं, जो माइटी हैंडफुल के सदस्य हैं। मुसॉर्स्की का नवोन्वेषी कार्य अपने समय से बहुत आगे था।

पस्कोव प्रांत में पैदा हुए। कई प्रतिभाशाली लोगों की तरह, बचपन से ही उन्होंने संगीत में प्रतिभा दिखाई, सेंट पीटर्सबर्ग में अध्ययन किया, पारिवारिक परंपरा के अनुसार, एक सैन्य व्यक्ति थे। निर्णायक घटना जिसने यह निर्धारित किया कि मुसॉर्स्की का जन्म सैन्य सेवा के लिए नहीं, बल्कि संगीत के लिए हुआ था, एम.ए. बालाकिरेव के साथ उनकी मुलाकात और माइटी हैंडफुल में शामिल होना था।

मुसॉर्स्की महान हैं क्योंकि उनके भव्य कार्यों में - ओपेरा "बोरिस गोडुनोव" और "खोवांशीना" - उन्होंने संगीत में रूसी इतिहास के नाटकीय मील के पत्थर को एक मौलिक नवीनता के साथ कैद किया, जो रूसी संगीत उनसे पहले नहीं जानता था, उनमें द्रव्यमान का संयोजन दिखाया गया था लोक दृश्य और प्रकारों की विविध समृद्धि, रूसी लोगों का अद्वितीय चरित्र। ये ओपेरा, लेखक और अन्य संगीतकारों दोनों द्वारा कई संस्करणों में, दुनिया में सबसे लोकप्रिय रूसी ओपेरा में से एक हैं।

मुसॉर्स्की का एक और उत्कृष्ट काम पियानो के टुकड़ों का चक्र "एक प्रदर्शनी में चित्र" है, रंगीन और आविष्कारशील लघुचित्र रूसी परहेज विषय और रूढ़िवादी विश्वास के साथ व्याप्त हैं।

मुसॉर्स्की के जीवन में सब कुछ था - महानता और त्रासदी दोनों, लेकिन वह हमेशा वास्तविक आध्यात्मिक शुद्धता और उदासीनता से प्रतिष्ठित थे।

उनके अंतिम वर्ष कठिन थे - जीवन की अव्यवस्था, रचनात्मकता की गैर-मान्यता, अकेलापन, शराब की लत, इन सभी ने 42 वर्ष की आयु में उनकी प्रारंभिक मृत्यु को निर्धारित किया, उन्होंने अपेक्षाकृत कम रचनाएँ छोड़ीं, जिनमें से कुछ अन्य संगीतकारों द्वारा पूरी की गईं।

मुसॉर्स्की की विशिष्ट धुन और अभिनव सामंजस्य ने 20 वीं शताब्दी के संगीत विकास की कुछ विशेषताओं का अनुमान लगाया और कई विश्व संगीतकारों की शैलियों के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

एम.पी. मुसॉर्स्की के बारे में उद्धरण:"मुसॉर्स्की ने जो कुछ भी किया उसमें मूल रूप से रूसी ध्वनियाँ लगती हैं" एन.के. रोएरिच

दिलचस्प तथ्य:अपने जीवन के अंत में, मुसॉर्स्की ने, अपने "दोस्तों" स्टासोव और रिमस्की-कोर्साकोव के दबाव में, अपने कार्यों के कॉपीराइट को त्याग दिया और उन्हें टर्टी फ़िलिपोव को प्रस्तुत किया।

4. प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की

(1840-1893)

“मैं एक कलाकार हूं जो अपनी मातृभूमि का सम्मान कर सकता हूं और उसे ऐसा करना ही चाहिए। मैं अपने अंदर एक महान कलात्मक शक्ति महसूस करता हूं, मैं जितना कर सकता हूं उसका दसवां हिस्सा भी अभी तक नहीं कर पाया हूं। और मैं इसे अपनी आत्मा की पूरी ताकत से करना चाहता हूं।

प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की, शायद 19वीं सदी के सबसे महान रूसी संगीतकार, ने रूसी संगीत कला को अभूतपूर्व ऊंचाइयों तक पहुंचाया। वह विश्व शास्त्रीय संगीत के सबसे महत्वपूर्ण संगीतकारों में से एक हैं।

व्याटका प्रांत के मूल निवासी, हालांकि उनकी पैतृक जड़ें यूक्रेन में हैं, त्चिकोवस्की ने बचपन से ही संगीत की क्षमता दिखाई, लेकिन उनकी पहली शिक्षा और काम कानून के क्षेत्र में था।

त्चिकोवस्की पहले रूसी "पेशेवर" संगीतकारों में से एक हैं - उन्होंने नए सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी में संगीत सिद्धांत और रचना का अध्ययन किया।

त्चिकोवस्की को "माइटी हैंडफुल" के लोक हस्तियों के विपरीत "पश्चिमी" संगीतकार माना जाता था, जिनके साथ उनके अच्छे रचनात्मक और मैत्रीपूर्ण संबंध थे, हालांकि, उनका काम रूसी भावना से कम नहीं था, वह विशिष्ट रूप से संयोजन करने में कामयाब रहे रूसी परंपराओं के साथ मोजार्ट, बीथोवेन और शुमान की पश्चिमी सिम्फोनिक विरासत मिखाइल ग्लिंका से विरासत में मिली।

संगीतकार ने एक सक्रिय जीवन व्यतीत किया - वह एक शिक्षक, कंडक्टर, आलोचक, सार्वजनिक व्यक्ति थे, उन्होंने दो राजधानियों में काम किया, यूरोप और अमेरिका का दौरा किया।

त्चिकोवस्की एक भावनात्मक रूप से अस्थिर व्यक्ति था, उत्साह, निराशा, उदासीनता, चिड़चिड़ापन, हिंसक क्रोध - ये सभी मनोदशाएँ उसके अंदर अक्सर बदलती रहती थीं, एक बहुत ही मिलनसार व्यक्ति होने के नाते, वह हमेशा अकेलेपन के लिए प्रयास करता था।

त्चिकोवस्की के काम में से कुछ सर्वश्रेष्ठ को उजागर करना एक कठिन काम है, उनके पास लगभग सभी संगीत शैलियों - ओपेरा, बैले, सिम्फनी, चैम्बर संगीत में समान आकार के कई काम हैं। और त्चिकोवस्की के संगीत की सामग्री सार्वभौमिक है: अद्वितीय माधुर्य के साथ, यह जीवन और मृत्यु, प्रेम, प्रकृति, बचपन की छवियों को गले लगाता है, रूसी और विश्व साहित्य के कार्यों को एक नए तरीके से प्रकट किया जाता है, आध्यात्मिक जीवन की गहरी प्रक्रियाएं इसमें परिलक्षित होती हैं। .

संगीतकार उद्धरण:"जीवन में तभी आकर्षण है जब इसमें खुशियों और दुखों का विकल्प, अच्छे और बुरे के बीच संघर्ष, प्रकाश और छाया, एक शब्द में, एकता में विविधता शामिल हो।"

"महान प्रतिभा के लिए बहुत कड़ी मेहनत की आवश्यकता होती है।"

संगीतकार उद्धरण: "मैं उस घर के बरामदे पर गार्ड ऑफ ऑनर के रूप में खड़े होने के लिए दिन-रात तैयार हूं जहां प्योत्र इलिच रहता है - इस हद तक मैं उसका सम्मान करता हूं" ए.पी. चेखव

दिलचस्प तथ्य:कैम्ब्रिज विश्वविद्यालय ने अनुपस्थिति में और एक शोध प्रबंध का बचाव किए बिना त्चिकोवस्की को डॉक्टर ऑफ म्यूजिक की उपाधि से सम्मानित किया, साथ ही पेरिस एकेडमी ऑफ फाइन आर्ट्स ने उन्हें एक संबंधित सदस्य चुना।

5. निकोलाई एंड्रीविच रिमस्की-कोर्साकोव

(1844-1908)

एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव और ए.के. ग्लेज़ुनोव अपने छात्रों एम.एम. चेर्नोव और वी.ए. सेनिलोव के साथ। फोटो 1906

निकोलाई एंड्रीविच रिमस्की-कोर्साकोव एक प्रतिभाशाली रूसी संगीतकार हैं, जो एक अमूल्य घरेलू संगीत विरासत के निर्माण में सबसे महत्वपूर्ण शख्सियतों में से एक हैं। उनकी अनोखी दुनिया और ब्रह्मांड की शाश्वत सर्वव्यापी सुंदरता की पूजा, होने के चमत्कार की प्रशंसा, प्रकृति के साथ एकता का संगीत के इतिहास में कोई एनालॉग नहीं है।

नोवगोरोड प्रांत में जन्मे, पारिवारिक परंपरा के अनुसार, वह एक नौसेना अधिकारी बन गए, एक युद्धपोत पर उन्होंने यूरोप और दो अमेरिका के कई देशों की यात्रा की। उन्होंने संगीत की शिक्षा पहले अपनी माँ से प्राप्त की, फिर पियानोवादक एफ. कैनिले से निजी शिक्षा ली। और फिर, माइटी हैंडफुल के आयोजक एम.ए. बालाकिरेव को धन्यवाद, जिन्होंने रिमस्की-कोर्साकोव को संगीत समुदाय में पेश किया और उनके काम को प्रभावित किया, दुनिया ने प्रतिभाशाली संगीतकार को नहीं खोया।

रिमस्की-कोर्साकोव की विरासत में केंद्रीय स्थान पर ओपेरा का कब्जा है - संगीतकार की शैली, शैलीगत, नाटकीय और रचनात्मक निर्णयों की विविधता का प्रदर्शन करने वाले 15 काम, फिर भी एक विशेष शैली है - ऑर्केस्ट्रा घटक की सभी समृद्धि, मधुर स्वर पंक्तियों के साथ प्रमुख हैं.

दो मुख्य दिशाएँ संगीतकार के काम को अलग करती हैं: पहला रूसी इतिहास है, दूसरा परियों की कहानियों और महाकाव्यों की दुनिया है, जिसके लिए उन्हें "कहानीकार" उपनाम मिला।

प्रत्यक्ष स्वतंत्र रचनात्मक गतिविधि के अलावा, एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव को एक प्रचारक, लोक गीतों के संग्रह के संकलनकर्ता के रूप में जाना जाता है, जिसमें उन्होंने बहुत रुचि दिखाई, और अपने दोस्तों - डार्गोमीज़्स्की, मुसॉर्स्की और बोरोडिन के कार्यों के फाइनलिस्ट के रूप में भी जाना जाता है। रिमस्की-कोर्साकोव संगीतकार स्कूल के संस्थापक थे, एक शिक्षक और सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी के प्रमुख के रूप में, उन्होंने प्रोकोफ़िएव और स्ट्राविंस्की सहित लगभग दो सौ संगीतकार, कंडक्टर, संगीतज्ञ तैयार किए।

संगीतकार उद्धरण:“रिम्स्की-कोर्साकोव एक बहुत ही रूसी व्यक्ति और एक बहुत ही रूसी संगीतकार थे। मेरा मानना ​​है कि उनके इस मौलिक रूसी सार, उनके गहरे लोकगीत-रूसी आधार की आज विशेष रूप से सराहना की जानी चाहिए। मस्टीस्लाव रोस्ट्रोपोविच

संगीतकार के बारे में तथ्य:निकोलाई एंड्रीविच ने काउंटरपॉइंट में अपना पहला पाठ इस तरह शुरू किया:

अब मैं खूब बातें करूंगा और तुम बहुत ध्यान से सुनोगे. तब मैं कम बोलूंगा, और आप सुनेंगे और सोचेंगे, और अंततः, मैं बिल्कुल नहीं बोलूंगा, और आप अपने दिमाग से सोचेंगे और स्वतंत्र रूप से काम करेंगे, क्योंकि एक शिक्षक के रूप में मेरा काम आपके लिए अनावश्यक बनना है.. .

संगीत के बिना हमारा जीवन कैसा होगा? वर्षों से, लोग स्वयं से यह प्रश्न पूछते रहे हैं और इस निष्कर्ष पर पहुंचे हैं कि संगीत की सुंदर ध्वनियों के बिना, दुनिया एक बहुत ही अलग जगह होगी। संगीत हमें पूरी तरह से आनंद का अनुभव करने, अपने भीतर की आत्मा को खोजने और कठिनाइयों से निपटने में मदद करता है। संगीतकार, अपने कार्यों पर काम करते हुए, विभिन्न चीजों से प्रेरित थे: प्रेम, प्रकृति, युद्ध, खुशी, दुख और कई अन्य। उनके द्वारा बनाई गई कुछ संगीत रचनाएँ हमेशा लोगों के दिलों और यादों में बनी रहेंगी। यहां सभी समय के दस महानतम और सबसे प्रतिभाशाली संगीतकारों की सूची दी गई है। प्रत्येक संगीतकार के अंतर्गत आपको उनके सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक का लिंक मिलेगा।

10 तस्वीरें (वीडियो)

फ्रांज पीटर शुबर्ट एक ऑस्ट्रियाई संगीतकार हैं जो केवल 32 वर्ष जीवित रहे, लेकिन उनका संगीत बहुत लंबे समय तक जीवित रहेगा। शुबर्ट ने नौ सिम्फनी, लगभग 600 मुखर रचनाएँ, साथ ही बड़ी संख्या में चैम्बर और एकल पियानो संगीत लिखा।

"शाम का सेरेनेड"

जर्मन संगीतकार और पियानोवादक, दो सेरेनेड, चार सिम्फनी और वायलिन, पियानो और सेलो के लिए संगीत कार्यक्रम के लेखक। उन्होंने दस साल की उम्र से संगीत कार्यक्रमों में प्रदर्शन किया, पहली बार उन्होंने 14 साल की उम्र में एकल संगीत कार्यक्रम प्रस्तुत किया। अपने जीवनकाल के दौरान, उन्होंने मुख्य रूप से अपने द्वारा लिखे गए वाल्ट्ज़ और हंगेरियन नृत्यों की बदौलत लोकप्रियता हासिल की।

"हंगेरियन डांस नंबर 5"।

जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल बारोक युग के एक जर्मन और अंग्रेजी संगीतकार हैं, उन्होंने लगभग 40 ओपेरा, कई अंग संगीत कार्यक्रम, साथ ही चैम्बर संगीत भी लिखा। हैंडेल का संगीत 973 से अंग्रेजी राजाओं के राज्याभिषेक पर बजाया जाता रहा है, इसे शाही विवाह समारोहों में भी सुना जाता है और यहां तक ​​कि इसे यूईएफए चैंपियंस लीग के गान के रूप में भी इस्तेमाल किया जाता है (थोड़ी सी व्यवस्था के साथ)।

"पानी पर संगीत"

जोसेफ हेडन शास्त्रीय युग के एक प्रसिद्ध और विपुल ऑस्ट्रियाई संगीतकार हैं, उन्हें सिम्फनी का जनक कहा जाता है, क्योंकि उन्होंने इस संगीत शैली के विकास में महत्वपूर्ण योगदान दिया था। जोसेफ हेडन 104 सिम्फनी, 50 पियानो सोनाटा, 24 ओपेरा और 36 कॉन्सर्टो के लेखक हैं

"सिम्फनी नंबर 45"।

प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की सबसे प्रसिद्ध रूसी संगीतकार हैं, जो 10 ओपेरा, 3 बैले और 7 सिम्फनी सहित 80 से अधिक कार्यों के लेखक हैं। वह अपने जीवनकाल में एक संगीतकार के रूप में बहुत लोकप्रिय और जाने जाते थे, उन्होंने एक कंडक्टर के रूप में रूस और विदेशों में प्रदर्शन किया।

बैले "द नटक्रैकर" से "वाल्ट्ज ऑफ द फ्लावर्स"।

फ्रेडरिक फ्रेंकोइस चोपिन एक पोलिश संगीतकार हैं जिन्हें सर्वकालिक सर्वश्रेष्ठ पियानोवादकों में से एक माना जाता है। उन्होंने 3 सोनाटा और 17 वाल्ट्ज सहित कई पियानो रचनाएँ लिखीं।

"रेन वाल्ट्ज"।

वेनिस के संगीतकार और कलाप्रवीण वायलिन वादक एंटोनियो लुसियो विवाल्डी 500 से अधिक संगीत कार्यक्रमों और 90 ओपेरा के लेखक हैं। इतालवी और विश्व वायलिन कला के विकास पर उनका बहुत प्रभाव था।

"एल्वेन सॉन्ग"

वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट एक ऑस्ट्रियाई संगीतकार हैं जिन्होंने बचपन से ही अपनी प्रतिभा से दुनिया को चकित कर दिया था। पहले से ही पाँच साल की उम्र में, मोजार्ट छोटे टुकड़ों की रचना कर रहा था। कुल मिलाकर, उन्होंने 626 रचनाएँ लिखीं, जिनमें 50 सिम्फनी और 55 संगीत कार्यक्रम शामिल हैं। 9.बीथोवेन 10.बाख

जोहान सेबेस्टियन बाख - बारोक युग के जर्मन संगीतकार और ऑर्गेनिस्ट, जिन्हें पॉलीफोनी के मास्टर के रूप में जाना जाता है। वह 1000 से अधिक रचनाओं के लेखक हैं, जिनमें उस समय की लगभग सभी महत्वपूर्ण शैलियाँ शामिल हैं।

"संगीतमय मजाक"