Prezentacja do lekcji muzyki „kompozytorzy zagraniczni”. Wielcy kompozytorzy świata

Każdego z kompozytorów omówionych w tym artykule można z łatwością nazwać największym kompozytorem muzyki klasycznej, jaki kiedykolwiek istniał.

Choć nie da się porównywać muzyki powstałej na przestrzeni kilku wieków, wszyscy ci kompozytorzy bardzo wyraźnie wyróżniają się na tle współczesnych. W swoich utworach starali się poszerzyć granice muzyki klasycznej, osiągnąć w niej nowe wyżyny, wcześniej nieosiągalne.

Wszyscy wymienieni poniżej wielcy kompozytorzy muzyki klasycznej zasługują na pierwsze miejsce, dlatego lista nie jest przedstawiana według znaczenia kompozytora, ale w formie informacji do przeglądu.

Dla światowych klasyków Beethoven jest postacią bardzo znaczącą. Jeden z najczęściej wykonywanych kompozytorów na świecie. Komponował swoje utwory w absolutnie wszystkich istniejących gatunkach swoich czasów. Jest zwiastunem okresu romantyzmu w muzyce. Dzieła instrumentalne są uznawane za najbardziej znaczące ze spuścizny pozostawionej przez Ludwiga van Beethovena.

Największy kompozytor i organista w historii muzyki światowej. jest przedstawicielem epoki baroku. W całym swoim życiu napisał ponad tysiąc dzieł, jednak za jego życia ukazało się zaledwie kilkanaście. Pracował we wszystkich gatunkach swoich czasów z wyjątkiem opery. Jest przodkiem najsłynniejszej w muzyce dynastii Bacha.

Kompozytor i dyrygent, wirtuoz skrzypiec i organista z Austrii, miał niesamowitą pamięć muzyczną i niesamowity słuch. Zaczął tworzyć od najmłodszych lat i celował we wszystkich gatunkach muzycznych, za co słusznie uznawany jest za jednego z największych kompozytorów muzyki klasycznej w historii.

Najbardziej tajemnicze i tajemnicze dzieło Mozarta – „Requiem”, nigdy nie zostało ukończone przez autora. Powodem tego była nagła śmierć w wieku trzydziestu pięciu lat. Requiem ukończył jego uczeń Franz Süsmeier.

Wielki niemiecki kompozytor, dramaturg, dyrygent i filozof. Wywarł ogromny wpływ na modernizm iw ogóle na całą kulturę europejską przełomu XIX i XX wieku.

Z rozkazu Ludwika II Bawarskiego zbudowano w Bayreuth gmach opery według pomysłu Wagnera. Przeznaczony był wyłącznie do dzieł kompozytora. Muzyczne dramaty Wagnera trwają do dziś.

Rosyjski kompozytor, dyrygent i krytyk muzyczny jest jednym z najlepszych melodystów na świecie. Jego praca wniosła ogromny wkład w rozwój światowej klasyki. Wśród melomanów muzyki klasycznej jest bardzo popularnym kompozytorem. W swojej twórczości Piotr Czajkowski z powodzeniem łączył styl zachodnich symfonii z tradycjami rosyjskimi.

Wielki austriacki kompozytor, dyrygent i skrzypek, uznawany przez wszystkie narody świata za „króla walca”. Jego twórczość była poświęcona lekkiej muzyce tanecznej i operetce. Jego spuścizna obejmuje ponad pięćset walców, kadryli, polek, a także kilka operetek i baletów. W XIX wieku, dzięki Straussowi, walc zyskał w Wiedniu niesamowitą popularność.

Włoski kompozytor, wirtuoz gitarzysty i skrzypek. Bardzo błyskotliwa i niezwykła osobowość w historii muzyki, jest uznanym geniuszem światowej sztuki muzycznej. Cała twórczość tego wielkiego człowieka była owiana pewną tajemnicą, dzięki samemu Paganiniemu. Odkrył w swoich utworach nowe, nieznane dotąd rodzaje techniki skrzypcowej. Jest także jednym z twórców romantyzmu w muzyce.

Wszyscy ci wielcy kompozytorzy muzyki klasycznej mieli bardzo duży wpływ na jej rozwój i promocję. Ich muzyka, sprawdzona przez czas i pokolenia, jest poszukiwana do dziś, być może nawet w znacznie większym stopniu niż za ich życia. Stworzyli nieśmiertelne dzieła, które nadal żyją i przekazują kolejnym pokoleniom, niosąc w sobie emocje i uczucia, które każą myśleć o wieczności.

Tak więc od trzeciego wieku Ludwig van Beethoven jest uznawany za jednego z największych kompozytorów. Jego twórczość pozostawia głęboki ślad w duszach i umysłach najbardziej wyrafinowanych słuchaczy. Prawdziwym sukcesem było wówczas prawykonanie IX Symfonii d-moll kompozytora, na zakończenie której rozbrzmiewa słynna chóralna „Oda do radości” do tekstu Schillera. Jeden ze współczesnych filmów przedstawia dobry montaż całej symfonii. Sprawdź koniecznie!

L. van Beethoven IX Symfonia d-moll (montaż wideo)

Światowa muzyka klasyczna jest nie do pomyślenia bez dzieł rosyjskich kompozytorów. Rosja, wspaniały kraj z utalentowanymi ludźmi i swoim dziedzictwem kulturowym, zawsze była jedną z wiodących lokomotyw światowego postępu i sztuki, w tym muzyki. Rosyjska szkoła kompozytorska, której tradycje kontynuowała radziecka i dzisiejsza szkoła rosyjska, rozpoczęła się w XIX wieku od kompozytorów, którzy połączyli europejską sztukę muzyczną z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę z rosyjskim duchem.

O każdym z tych sławnych ludzi można wiele powiedzieć, każdy z nich ma niełatwe, a czasem tragiczne losy, ale w tym przeglądzie staraliśmy się przedstawić tylko krótki opis życia i twórczości kompozytorów.

1.Michaił Iwanowicz GLINKA (1804—1857)

Michaił Iwanowicz Glinka jest założycielem rosyjskiej muzyki klasycznej i pierwszym rodzimym kompozytorem klasycznym, który osiągnął światową sławę. Jego twórczość, oparta na wielowiekowych tradycjach rosyjskiej muzyki ludowej, była nowym słowem w sztuce muzycznej naszego kraju.
Urodzony w guberni smoleńskiej, wykształcony w Petersburgu. Kształtowaniu światopoglądu i głównej idei twórczości Michaiła Glinki sprzyjała bezpośrednia komunikacja z takimi osobistościami jak A.S. Puszkin, W.A. Żukowski, A.S. Gribojedow, A.A. Delvig. Impulsu twórczego nadała mu wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX wieku i spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów - V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeer. Sukces odniósł MI Glinka po wystawieniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”) (1836), która została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich, po raz pierwszy w muzyce światowej rosyjska sztuka chóralna i europejska praktyka symfoniczno-operowa zostały organicznie połączone, a także pojawił się bohater, podobny do Susanin, którego wizerunek podsumowuje najlepsze cechy charakteru narodowego. VF Odoevsky opisał operę jako „nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii - okres muzyki rosyjskiej”.
Druga opera - epopeja „Rusłan i Ludmiła” (1842), nad którą praca została wykonana na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życiowych kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, była niejednoznaczna przyjęty przez publiczność i władze i wzbudził urazę MI Glinka. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. W jego spuściźnie pozostały romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki była oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej.

Cytat M.I. Glinki: „Aby tworzyć piękno, trzeba być czystym w duszy”.

Cytat o MI Glinka: „Cała rosyjska szkoła symfoniczna, jak cały dąb w żołędziu, zawarta jest w symfonicznej fantazji„ Kamarinskaya ”. PI Czajkowski

Ciekawostka: Michaił Iwanowicz Glinka nie wyróżniał się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię, być może gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem. Znał sześć języków obcych, w tym perski.

2. Aleksander Porfiriewicz BORODIN (1833—1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych rosyjskich kompozytorów drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego był chemikiem, lekarzem, nauczycielem, krytykiem i miał talent literacki.
Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół zwracali uwagę na jego niezwykłą aktywność, zapał i zdolności w różnych kierunkach, przede wszystkim w muzyce i chemii. A.P. Borodin jest rosyjskim kompozytorem bryłek, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyków, wszystkie swoje osiągnięcia w muzyce zawdzięcza samodzielnej pracy nad opanowaniem techniki komponowania. Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła praca M.I. Glinki (podobnie jak wszyscy kompozytorzy rosyjscy XIX wieku), a dwa wydarzenia dały impuls do ścisłego zajęcia się kompozycją na początku lat 60. XIX wieku - po pierwsze znajomość i małżeństwo z utalentowaną pianistką E.S. M.A. Bałakiriewa i dołączenie do twórczej społeczności kompozytorów rosyjskich, znanej jako „Potężna garstka”. Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin intensywnie podróżował i koncertował po Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, pod koniec XIX wieku stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych kompozytorów rosyjskich w Europie wiek XX wiek.
Centralne miejsce w twórczości A.P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869–1890), która jest przykładem narodowej epopei heroicznej w muzyce i której on sam nie miał czasu ukończyć (ukończył ją jego przyjaciele AA Głazunow i NA Rimski-Korsakow). W „Księciu Igorze”, na tle majestatycznych obrazów wydarzeń historycznych, odzwierciedlona została główna idea całej twórczości kompozytora - odwaga, spokojna wielkość, duchowa szlachetność najlepszego narodu rosyjskiego i potężna siła całego narodu rosyjskiego, przejawiającego się w obronie ojczyzny. Pomimo faktu, że A.P. Borodin pozostawił stosunkowo niewielką liczbę dzieł, jego twórczość jest bardzo różnorodna i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiej muzyki symfonicznej, który wywarł wpływ na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Cytat o AP Borodinie: „Talent Borodina jest równie potężny i niesamowity zarówno w symfonii, jak iw operze i romansie. Jego główne cechy to gigantyczna siła i szerokość, kolosalny zakres, szybkość i porywczość, połączone z niesamowitą pasją, delikatnością i pięknem”. VV Stasov

Ciekawostka: reakcja chemiczna soli srebra kwasów karboksylowych z halogenami, w wyniku której powstają węglowodory podstawione halogenami, którą po raz pierwszy zbadał w 1861 r., nosi imię Borodina.

3. Modest Pietrowicz MUSSORGSKI (1839—1881)

Modest Pietrowicz Musorgski - jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek „Potężnej Garstki”. Innowacyjna praca Musorgskiego znacznie wyprzedzała swoje czasy.
Urodzony w obwodzie pskowskim. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny, studiował w Petersburgu, był, zgodnie z rodzinną tradycją, wojskowym. Decydującym wydarzeniem, które zdecydowało, że Musorgski urodził się nie do służby wojskowej, ale do muzyki, było spotkanie z MA Bałakiriewem i dołączenie do „Potężnej Garstki”. Musorgski jest wielki, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach - operach „Borys Godunow” i „Khovanshchina” - uchwycił w muzyce dramatyczne kamienie milowe rosyjskiej historii z radykalną nowością, której rosyjska muzyka nie znała przed nim, pokazując w nich połączenie masy sceny ludowe i różnorodne bogactwo typów, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach zarówno autora, jak i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie. Innym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utworów fortepianowych „Obrazki z wystawy”, w których barwne i pomysłowe miniatury przesiąknięte są motywem rosyjskiego refrenu i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniała go prawdziwa duchowa czystość i bezinteresowność. Ostatnie lata jego życia były trudne – nieuporządkowane życie, nieuznawanie twórczości, samotność, uzależnienie od alkoholu, wszystko to zadecydowało o przedwczesnej śmierci w wieku 42 lat, pozostawił po sobie stosunkowo niewiele kompozycji, z których część została dokończona przez innych kompozytorów. Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego antycypowały pewne cechy rozwoju muzycznego XX wieku i odegrały ważną rolę w rozwoju stylów wielu światowych kompozytorów.

Cytat posła Musorgskiego: „Dźwięki mowy ludzkiej, jako zewnętrzne przejawy myśli i uczuć, muszą bez przesady i gwałtu stać się muzyką prawdziwą, dokładną, ale artystyczną, wysoce artystyczną”.

Cytat o MP Musorgskim: „Aborygeńskie rosyjskie dźwięki we wszystkim, co zrobił Musorgski” NK Roerich

Ciekawostka: pod koniec życia Musorgski pod naciskiem „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich utworów i przekazał je Tertijowi Filippowowi

4. Piotra Iljicza Czajkowskiego (1840—1893)

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, wyniósł rosyjską sztukę muzyczną na niespotykane dotąd wyżyny. Jest jednym z najważniejszych kompozytorów światowej muzyki klasycznej.
Pochodzący z guberni wiackiej, choć jego ojcowskie korzenie sięgają Ukrainy, Czajkowski wykazywał zdolności muzyczne od dzieciństwa, jednak pierwsze wykształcenie i pracę związał z prawem. Czajkowski jest jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych” – studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium Petersburskim. Czajkowskiego uważano za kompozytora „zachodniego”, w przeciwieństwie do ludowych postaci „Potężnej garstki”, z którymi miał dobre twórcze i przyjacielskie stosunki, ale jego twórczość nie mniej przesiąknięta jest rosyjskim duchem, udało mu się w unikalny sposób połączyć Zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z rosyjskimi tradycjami odziedziczonymi po Michaile Glince.
Kompozytor prowadził aktywne życie – był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osobą publiczną, pracował w dwóch stolicach, koncertował w Europie i Ameryce. Czajkowski był raczej osobą niestabilną emocjonalnie, entuzjazm, przygnębienie, apatia, irytacja, gwałtowny gniew - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często, będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.
Trudno jest wyróżnić coś najlepszego z twórczości Czajkowskiego, ma on kilka dzieł o równej wielkości w prawie wszystkich gatunkach muzycznych - operze, balecie, symfonii, muzyce kameralnej. Treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, dzieła literatury rosyjskiej i światowej ujawniają się w niej w nowy sposób, odzwierciedlają głębokie procesy życia duchowego.

Cytat kompozytora:
„Jestem artystą, który może i musi przynosić cześć swojej Ojczyźnie. Czuję w sobie wielką siłę artystyczną, nie zrobiłem jeszcze ani jednej dziesiątej tego, co mogę. A chcę to zrobić z całych sił dusza."
„Życie ma urok tylko wtedy, gdy składa się z przemian radości i smutków, walki dobra ze złem, światła i cienia, jednym słowem różnorodności w jedności”.
„Wielki talent wymaga wielkiej ciężkiej pracy”.

Cytat o kompozytorze: „Jestem gotów dzień i noc stać na straży honorowej na ganku domu, w którym mieszka Piotr Iljicz - do tego stopnia go szanuję” AP Czechow

Ciekawostka: Uniwersytet Cambridge zaocznie i bez obrony pracy nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki, a paryska Akademia Sztuk Pięknych wybrała go członkiem korespondentem.

5. Nikołaj Andriejewicz RIMSKY-KORSAKOW (1844—1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego krajowego dziedzictwa muzycznego. Jego osobliwy świat i uwielbienie dla wiecznego wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedności z naturą nie mają sobie równych w historii muzyki.
Urodzony w guberni nowogrodzkiej, zgodnie z rodzinną tradycją, został oficerem marynarki wojennej, na okręcie wojennym podróżował po wielu krajach Europy i obu Ameryk. Edukację muzyczną pobierał najpierw od matki, następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille'a. I znowu, dzięki M.A. Bałakiriewowi, organizatorowi „Potężnej garstki”, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do społeczności muzycznej i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.
Centralne miejsce w dziedzictwie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 utworów, które ukazują różnorodność gatunkową, stylistyczną, dramatyczną, kompozytorską decyzji kompozytora, a mimo to odznaczają się szczególnym stylem - przy całym bogactwie składu orkiestrowego, melodyczne linie wokalne są główne. Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za który otrzymał przydomek „gawędziarz”.
Oprócz bezpośredniej niezależnej działalności twórczej NA Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako finalista dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina. Rimski-Korsakow był założycielem szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i kierownik Konserwatorium Petersburskiego wydał około dwustu kompozytorów, dyrygentów, muzykologów, wśród nich Prokofiewa i Strawińskiego.

Cytat o kompozytorze: „Rimski-Korsakow był bardzo rosyjskim człowiekiem i bardzo rosyjskim kompozytorem. Uważam, że ta jego pierwotnie rosyjska esencja, jego głęboka folklorystyczno-rosyjska podstawa, powinna być dziś szczególnie doceniona”. Mścisław Rostropowicz

Twórczość kompozytorów rosyjskich przełomu XIX i XX wieku jest holistyczną kontynuacją tradycji szkoły rosyjskiej. Jednocześnie nazwano koncepcję podejścia do „narodowej” przynależności tej lub innej muzyki, praktycznie nie ma bezpośredniego cytowania melodii ludowych, ale pozostała rosyjska podstawa intonacji, rosyjska dusza.

6. Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Skryabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najjaśniejszych osobowości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych z przemianami życia publicznego przełomu XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, jego ojciec nie mógł zwrócić uwagi na syna, ponieważ służył jako ambasador w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S.V. Rachmaninow. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin całkowicie poświęcił się muzyce – jako koncertujący pianista-kompozytor odbył tournée po Europie i Rosji, większość czasu spędzając za granicą.
Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypada na lata 1903-1908, kiedy III Symfonia („Boski poemat”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, „Tragiczne” i „Szatańskie” poematy fortepianowe, IV i V sonaty oraz inne utwory wydany. „Poemat ekstazy”, składający się z kilku motywów-obrazów, skoncentrował twórcze pomysły Sryabina i jest jego jasnym arcydziełem. Harmonijnie połączył zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i liryczne, zwiewne brzmienie instrumentów solowych. Ogromna energia życiowa, ognista namiętność, silna wola zawarta w „Poemacie ekstazy” robi na słuchaczu nieodparte wrażenie i do dziś zachowuje siłę oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego, i po raz pierwszy w historii utworowi temu miał towarzyszyć kolor muzyka, ale premiera, z przyczyn technicznych, nie przeszła bez efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był pomysł Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby zaapelować do całej ludzkości i zainspirować go do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Cytat AN Skriabina: „Powiem im (ludziom), że… nie oczekują od życia niczego poza tym, co sami mogą stworzyć… Powiem im, że nie ma czego opłakiwać o tym, że nie ma straty "Aby nie bali się rozpaczy, która jako jedyna może dać początek prawdziwemu tryumfowi. Silny i potężny jest ten, kto przeżył rozpacz i ją pokonał."

Cytat o A.N. Skriabinie: „Dzieło Skriabina było jego czasem, wyrażonym w dźwiękach. Ale kiedy to, co tymczasowe, przemijające, znajduje swój wyraz w dziele wielkiego artysty, nabiera trwałego znaczenia i staje się trwałe”. GV Plechanow

7. Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow (1873 - 1943)

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow to największy światowy kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy obraz Rachmaninowa jako kompozytora określany jest często epitetem „kompozytor najbardziej rosyjski”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w łączeniu tradycji muzycznych moskiewskiej i petersburskiej szkoły kompozytorskiej oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który wyróżnia się w odosobnieniu w światowej kulturze muzycznej.
Urodzony w guberni nowogrodzkiej, od czwartego roku życia zaczął uczyć się muzyki pod kierunkiem matki. Studiował w Konserwatorium Petersburskim, po 3 latach przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego, które ukończył z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista, komponujący muzykę. Katastrofalna premiera przełomowej I Symfonii (1897) w Petersburgu zapoczątkowała kryzys twórczości kompozytorskiej, z którego Rachmaninow wyszedł na początku XX wieku z dojrzałym stylem, łączącym rosyjskie pieśni kościelne, ustępujący europejski romantyzm, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm, wszystkie nasycone ze złożoną symboliką. W tym okresie twórczości powstały jego najlepsze dzieła, w tym 2 i 3 koncerty fortepianowe, II Symfonia oraz jego ulubione dzieło - poemat "Dzwony" na chór, solistów i orkiestrę.
W 1917 r. Rachmaninow i jego rodzina zostali zmuszeni do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w Stanach Zjednoczonych. Przez prawie dziesięć lat po odejściu nic nie komponował, ale intensywnie koncertował w Ameryce i Europie, uznawany za jednego z najwybitniejszych pianistów epoki i najwybitniejszego dyrygenta. Mimo całej burzliwej działalności Rachmaninow pozostał osobą wrażliwą i niepewną siebie, dążącą do samotności, a nawet samotności, unikając natrętnej uwagi opinii publicznej. Szczerze kochał i tęsknił za ojczyzną, zastanawiając się, czy nie popełnił błędu opuszczając ją. Stale interesował się wszystkimi wydarzeniami mającymi miejsce w Rosji, czytał książki, gazety i czasopisma, pomagał finansowo. Jego ostatnie kompozycje - III Symfonia (1937) i "Tańce symfoniczne" (1940) stały się wynikiem drogi twórczej, chłonąc wszystko, co najlepsze z jego niepowtarzalnego stylu oraz żałobne poczucie nieodwracalnej straty i tęsknoty za domem.

Cytat SV Rachmaninowa:
„Czuję się jak duch błąkający się samotnie po świecie, który jest mu obcy”.
„Najwyższą cechą każdej sztuki jest jej szczerość”.
„Wielcy kompozytorzy zawsze i przede wszystkim zwracali uwagę na melodię jako naczelną zasadę w muzyce. Melodia jest muzyką, główną podstawą wszelkiej muzyki… Pomysłowość melodyczna w najwyższym tego słowa znaczeniu jest głównym celem życiowym kompozytora. ... Przez Z tego powodu wielcy kompozytorzy z przeszłości wykazywali tak duże zainteresowanie melodiami ludowymi swoich krajów.

Cytat o SV Rachmaninowie:
„Rachmaninow był zrobiony ze stali i złota: stal w dłoniach, złoto w sercu. Nie mogę myśleć o nim bez łez. Nie tylko skłoniłem się przed wielkim artystą, ale kochałem w nim człowieka”. I. Hoffmana
„Muzyka Rachmaninowa to Ocean. Jego fale – muzyczne – zaczynają się tak daleko za horyzontem i unoszą cię tak wysoko i opuszczają tak powoli… że czujesz tę Moc i Oddech”. A. Konczałowski

Ciekawostka: podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncertów charytatywnych, z których zebrane pieniądze przesłał na fundusz Armii Czerwonej do walki z nazistowskimi najeźdźcami.

8. Igor Fiodorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971)

Igor Fiodorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych światowych kompozytorów XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „zwierciadłem” epoki muzycznej, jego twórczość odzwierciedla wielość stylów, nieustannie się krzyżujących i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej historii muzyki i podporządkowując je własnym regułom.
Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu Petersburskiego, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozytorska Strawińskiego, dzięki której opanował do perfekcji technikę kompozytorską. Zawodowo komponować zaczął stosunkowo późno, ale jego kariera była szybka – seria trzech baletów: Ognisty ptak (1910), Pietruszka (1911) i Święto wiosny (1913) od razu przyniosła go do grona kompozytorów pierwszej rangi .
W 1914 opuścił Rosję, jak się okazało prawie na zawsze (w 1962 odbyły się tournee po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, który musiał zmienić kilka krajów - Rosję, Szwajcarię, Francję i ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość dzieli się na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „produkcja seryjna”, okresy te dzieli nie czas życia w różnych krajach, ale „pismo odręczne” autora.
Strawiński był bardzo wykształconą, towarzyską osobą o wspaniałym poczuciu humoru. W kręgu jego znajomych i korespondentów znajdowali się muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni, mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego - "Requiem" (1966) pochłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą twórczości mistrza.
W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „wyjątkowość”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągłą zmianą gatunku, stylu, kierunku fabuły - każde z jego dzieł jest wyjątkowy, ale ciągle powracał do projektów, w których widać rosyjskie pochodzenie, słychać rosyjskie korzenie.

Cytat IF Strawińskiego : „Całe życie mówię po rosyjsku, mam rosyjski styl. Może w mojej muzyce nie jest to od razu widoczne, ale jest w niej nieodłączne, tkwi w jej ukrytej naturze”

Cytat o I.F. Strawińskim: „Strawiński jest prawdziwie rosyjskim kompozytorem… Rosyjski duch jest niezniszczalny w sercu tego naprawdę wielkiego, wielopłaszczyznowego talentu, zrodzonego z rosyjskiej ziemi i żywotnie z nią związanego…” D. Szostakowicz

Ciekawostka (rower):
Będąc w Nowym Jorku, Strawiński wziął taksówkę i ze zdziwieniem przeczytał swoje nazwisko na szyldzie.
- Nie jesteś krewnym kompozytora? — zapytał kierowcę.
- Czy jest kompozytor o takim nazwisku? – zdziwił się kierowca. - Słyszę to po raz pierwszy. Jednak Strawiński to nazwisko właściciela taksówki. Z muzyką nie mam nic wspólnego - nazywam się Rossini...

9. Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891—1953)

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew - jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista, dyrygent.
Urodzony w obwodzie donieckim, od dzieciństwa związany z muzyką. Prokofiewa można uznać za jedno z nielicznych (jeśli nie jedyne) rosyjskich muzycznych „cudownych dzieci”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazują chęć tworzenia), w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium Petersburskim, wśród jego nauczycieli był N.A. Rimski-Korsakow. Początek jego kariery zawodowej wywołał burzę krytyki i niezrozumienie jego indywidualnego z gruntu antyromantycznego i skrajnie modernistycznego stylu, paradoks polega na tym, że łamiąc akademickie kanony, struktura jego kompozycji pozostała wierna klasycznym zasadom, a następnie stała się hamującą siłę modernistycznego, zaprzeczającego wszystkim sceptycyzmu. Od samego początku swojej kariery Prokofiew dużo koncertował i koncertował. W 1918 odbył międzynarodowe tournée, m.in. odwiedzając ZSRR, by wreszcie w 1936 wrócić do ojczyzny.
Kraj się zmienił, a „swobodna” twórczość Prokofiewa została zmuszona do ustąpienia realiom nowych wymagań. Talent Prokofiewa rozkwitł z nową energią - pisze opery, balety, muzykę do filmów - ostra, silna wola, niezwykle dokładna muzyka z nowymi obrazami i pomysłami położyła podwaliny pod radziecką muzykę klasyczną i operę. W 1948 roku nastąpiły niemal jednocześnie trzy tragiczne wydarzenia: aresztowano i zesłano do obozów jego pierwszą żonę Hiszpankę pod zarzutem szpiegostwa; wydano dekret Biura Politycznego KC WKPB, w którym Prokofiew, Szostakowicz i inni zostali zaatakowani i oskarżeni o „formalizm” i niebezpieczeństwa związane z ich muzyką; nastąpiło gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia kompozytora, przeszedł na emeryturę do kraju i praktycznie go nie opuścił, ale nadal komponował.
Jednymi z najjaśniejszych dzieł okresu sowieckiego były opery „Wojna i pokój”, „Opowieść o prawdziwym człowieku”; balety „Romeo i Julia”, „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; oratorium „Na straży świata”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; praca na fortepianie.
Twórczość Prokofiewa uderza swoją wszechstronnością i rozpiętością tematów, oryginalnością jego muzycznego myślenia, świeżością i oryginalnością złożyły się na całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarły ogromny wpływ na wielu kompozytorów radzieckich i zagranicznych.

Cytat SS Prokofiewa:
„Czy artysta może stać z dala od życia?.. Jestem przekonany, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służby człowiekowi i ludowi… Przede wszystkim musi być obywatelem w jego sztukę, śpiewaj o ludzkim życiu i prowadź człowieka ku lepszej przyszłości...
„Jestem przejawem życia, które daje mi siłę do przeciwstawiania się wszelkim nieduchowym”

Cytat o S.S. Prokofiewie: "...wszystkie oblicza jego muzyki są piękne. Ale jest tu jedna rzecz zupełnie niezwykła. Podobno wszyscy mamy jakieś wpadki, wątpliwości, po prostu zły humor. I w takich chwilach, nawet jeśli Nie gram i nie słucham Prokofiewa, tylko pomyśl o nim, dostaję niesamowitego zastrzyku energii, czuję wielką chęć do życia, do działania” E. Kissin

Ciekawostka: Prokofiew bardzo lubił szachy, wzbogacając grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, w tym wynalezioną przez siebie „dziewiątką” szachów - planszą 24x24, na której umieszczono dziewięć zestawów pionków.

10. Dmitrij Dmitrijewicz SZOSTAKOWICZ (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz jest jednym z najbardziej znaczących i koncertujących kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego twórczość jest prawdziwym wyrazem wewnętrznego ludzkiego dramatu i annałów trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, przeplata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losem jego rodzinnego kraju.
Urodzony w Petersburgu, pierwsze lekcje muzyki pobierał u matki, ukończył Konserwatorium Petersburskie, po wstąpieniu do którego jego rektor Aleksander Głazunow porównał go z Mozartem - imponował wszystkim doskonałą pamięcią muzyczną, bystrym słuchem i talentem kompozytorskim . Już na początku lat 20., pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnej twórczości i stał się jednym z najlepszych kompozytorów w kraju. Światowa sława przyszła do Szostakowicza po zwycięstwie w I Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w 1927 roku.
Do pewnego okresu, a mianowicie przed produkcją opery „Lady Makbet z mceńskiego powiatu”, Szostakowicz pracował jako niezależny artysta - „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Ostre potępienie tej opery w 1936 roku i represje z 1937 roku położyły podwaliny pod późniejszą nieustanną wewnętrzną walkę Szostakowicza o chęć wyrażania własnych poglądów w obliczu narzucanych przez państwo trendów w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość są ze sobą bardzo ściśle powiązane, był chwalony przez władze i prześladowany przez nie, piastował wysokie stanowiska i był z nich usuwany, nagradzany i bliski aresztowania siebie i najbliższych.
Miękki, inteligentny, delikatny człowiek, formę wyrazu zasad twórczych znalazł w symfoniach, w których mógł w jak najbardziej otwarty sposób mówić prawdę o czasie. Ze wszystkich obszernych dzieł Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 utworów), najbardziej dramatyczne są symfonie 5,7,8,10,15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz otwiera się w muzyce kameralnej.
Mimo że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nie wyjeżdżał za granicę, jego muzyka, humanistyczna w swej istocie i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozprzestrzeniła się po całym świecie, wykonywana przez najlepszych dyrygentów. Ogrom talentu Szostakowicza jest tak ogromny, że pełne zrozumienie tego wyjątkowego fenomenu sztuki światowej dopiero nadejdzie.

Cytat D.D. Szostakowicza: „Prawdziwa muzyka jest w stanie wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko zaawansowane humanistyczne idee”.

Wśród tych melodii jest motyw na każdy nastrój: romantyczny, pozytywny lub ponury, aby się zrelaksować i nie myśleć o niczym lub odwrotnie, zebrać myśli.

twitter.com/ludovicoeinaud

Włoski kompozytor i pianista porusza się w kierunku minimalizmu, często zwraca się ku ambientowi i umiejętnie łączy muzykę klasyczną z innymi stylami muzycznymi. Szerokim kręgom znany jest z nastrojowych kompozycji, które stały się ścieżkami dźwiękowymi do filmów. Na przykład z pewnością rozpoznasz muzykę z francuskiej taśmy „1 + 1” autorstwa Einaudi.

themagger.net

Glass to jedna z najbardziej kontrowersyjnych osobowości w świecie współczesnej klasyki, która jest albo chwalona pod niebiosa, albo krytykowana do dziewiątek. Ze swoim Philip Glass Ensemble jest związany od pół wieku i napisał muzykę do ponad 50 filmów, w tym Truman Show, Iluzjonista, Smak życia i Fantastyczna Czwórka. Melodie amerykańskiego kompozytora minimalistycznego zacierają granicę między muzyką klasyczną a popularną.

Latimes.com

Autor wielu ścieżek dźwiękowych, najlepszy kompozytor filmowy 2008 roku według Europejskiej Akademii Filmowej i post-minimalista. Urzekł krytyków od pierwszego albumu Memoryhouse, w którym muzyka Richtera została nałożona na odczyty poezji, a kolejne albumy również wykorzystywały fikcyjną prozę. Oprócz pisania własnych kompozycji ambientowych, aranżuje utwory klasyczne: The Four Seasons Vivaldiego znalazł się na szczycie list przebojów muzyki klasycznej iTunes w jego aranżacji.

Ten twórca muzyki instrumentalnej z Włoch nie jest kojarzony z kinem sensacyjnym, ale dał się już poznać jako kompozytor, wirtuoz i doświadczony pedagog gry na fortepianie. Jeśli opisać muzykę Marradi w dwóch słowach, to będą to słowa „zmysłowy” i „magiczny”. Miłośnikom klasyki retro przypadną do gustu jego kreacje i okładki: w motywach widać nuty minionego stulecia.

twitter.com/coslive

Słynny kompozytor filmowy stworzył akompaniament muzyczny do wielu kasowych filmów i kreskówek, w tym Gladiator, Pearl Harbor, Incepcja, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagaskar, Król Lew. Jego gwiazda pyszni się na Hollywood Walk of Fame, a na jego półce są Oscary, Grammy i Złote Globy. Muzyka Zimmera jest tak różnorodna jak te filmy, ale bez względu na ton, uderza w akord.

musicaludi.fr

Hisaishi jest jednym z najsłynniejszych japońskich kompozytorów, zdobywcą czterech Nagród Japońskiej Akademii Filmowej za najlepszą muzykę filmową. Zasłynął z napisania ścieżki dźwiękowej do anime Nausicaä z Doliny Wiatru Hayao Miyazakiego. Jeśli jesteś fanem taśm Studia Ghibli czy Takeshiego Kitano, z pewnością zachwycisz się muzyką Hisaishiego. Jest to głównie światło i światło.

twitter.com/theipaper

Ten islandzki multiinstrumentalista jest tylko chłopcem w porównaniu z wymienionymi mistrzami, ale przed trzydziestką zdążył już zostać uznanym neoklasykiem. Nagrał akompaniament do baletu, zdobył nagrodę BAFTA za ścieżkę dźwiękową do brytyjskiego serialu „Morderstwo na plaży” i wydał 10 albumów studyjnych. Muzyka Arnaldsa przypomina ostry wiatr na opustoszałym wybrzeżu.

yiruma.manifo.com

Najbardziej znane dzieła Lee Ru Ma to Kiss the Rain i River Flows in You. Koreański kompozytor i pianista New Age pisze popularne klasyki, które są zrozumiałe dla słuchaczy na każdym kontynencie, niezależnie od gustu muzycznego i wykształcenia. Jego lekkie i zmysłowe melodie stały się dla wielu początkiem miłości do muzyki fortepianowej.

Dustina O'Hallorana

złamaniedair.com

Amerykański kompozytor jest interesujący, ponieważ nie ma wykształcenia muzycznego, ale jednocześnie pisze najprzyjemniejszą i dość popularną muzykę. Melodie O'Hallorana zostały wykorzystane w Top Gear i kilku filmach. Chyba najbardziej udanym albumem ze ścieżką dźwiękową był melodramat Like Crazy.Ten kompozytor i pianista wie dużo o sztuce dyrygowania i tworzeniu muzyki elektronicznej. Ale jego główną dziedziną jest nowoczesna klasyka. Cacchapalla nagrał wiele albumów, w tym trzy z Royal Philharmonic Orchestra. Jego muzyka płynie jak woda, pod nią wspaniale się relaksuje.

Jakich innych współczesnych kompozytorów warto posłuchać

Jeśli lubisz epopeję, dodaj Klausa Badelta, który pracował z Zimmerem przy Piratach z Karaibów, do swojej playlisty. Nie można też pominąć Jana Kaczmarka, Alexandre'a Desplata, Howarda Shore'a i Johna Williamsa - trzeba by napisać osobny artykuł, żeby wymienić wszystkie ich prace, zasługi i nagrody.

Jeśli chcesz więcej pysznego neoklasycyzmu, zwróć uwagę na Nielsa Frama i Sylvaina Chauveau.

Jeśli nie masz dość, przypomnij sobie twórcę ścieżki dźwiękowej do „Amelie” Jana Tiersena lub odkryj japońskiego kompozytora Tammona: pisze zwiewne, oniryczne melodie.

Muzykę jakich kompozytorów lubisz, a których nie? Kogo jeszcze dodalibyście do tej listy?

Franciszka Schuberta pisał muzykę w okresie przejściowym od klasycyzmu wiedeńskiego do romantyzmu. Jego utwory są bardzo ekspresyjne, emocjonalne, pisane przy użyciu idiomów wiedeńskiego stylu klasycznego. Schubert właśnie przekroczył 30-lecie, kiedy zmarł, ale udało mu się pozostawić ogromną muzyczną spuściznę dla przyszłych pokoleń. Dzisiaj muzyka klasyczna bez dzieł Schuberta nie jest możliwa. Wciąż nie wiadomo, dlaczego Schubert zmarł – na początku XX wieku niemieccy lekarze byli pewni, że zmarł na tyfus, chorobę biedoty. Dziś niektórzy lekarze uważają, że zmarł na zaawansowaną kiłę. Można argumentować, że sam Schubert wiedział o swojej nieuleczalnej chorobie już w 1823 roku. Ponadto w ostatnich dniach cierpiał również na gorączkę, ale dziś opinia o syfilisie jest bardziej ugruntowana.

Osobiście uważamy, że trzeba się liczyć z tym, że Schubert żył w niehigienicznych warunkach, że w ostatnich dniach życia bardzo mało jadł i pił - a to jest typowe dla chorób przewodu pokarmowego.

Fryderyk Chopin Zainteresowanie tym, jak i jakie kompozycje pisał Chopin, rodzi się naturalnie – jego twórczość jest dobra nie tylko z estetycznego punktu widzenia, ale również z technicznego punktu widzenia. Rzut oka na notatki Chopina od razu wyjaśnia całą jego ekscentryczność – rękopisy jego dzieł roją się od przekreśleń, wstawek itp. Rzadko zdarza się znaleźć kilka identycznych wersji jednego dzieła. Nuty wydawane „w tym samym czasie” w różnych krajach są różne – nawet po wydaniu utworu Chopin znalazł sposób, aby to poprawić. Generalnie Chopin uważał, że twórczość kompozytora powinna być twórcza, nieograniczona ani limitami wydawniczymi, ani innymi względami. Być może właśnie to doprowadziło do tego, że muzyka Chopina znalazła się na dużej liście zwanej „muzyką klasyczną”.

Wolfgang Amadeusz Mozart jeden z najciekawszych kompozytorów, cudowne dziecko, wyjątkowe dziecko, które wykazało się niesamowitymi talentami muzycznymi. Mozart już w wieku 3-4 lat dobrze grał na klawesynie i wymyślał własne kompozycje. Wielu przypisywało mu zdolności magiczne - a według znanej opowieści jego rywal Salieri nie mógł znieść zazdrości i otruł Wolfganga. Mozart miał doskonały słuch, świetne wyczucie muzyki iz łatwością tworzył najbardziej złożone partytury. Większość utworów Mozarta została napisana dla rozrywki dworzan, są więc lekkie, zwiewne, choć z punktu widzenia pianisty całkiem poważne. Być może Mozart jest muzyką klasyczną.

Georga Friedricha Haendla(ur. 23 lutego 1685 w Hull, zm. 14 kwietnia 1759 w Londynie) był kompozytorem epoki baroku. Zasłynął przede wszystkim z licznych oper. Jego dorobek obejmuje około 40 oper i 25 oratoriów. Haendel pozostawił po sobie kompozycje we wszystkich ówczesnych gatunkach muzycznych. Ojciec Haendla, Georg (1622-1697), był cyrulikiem i chirurgiem wyznania luterańskiego i służył jako nadworny chirurg księcia Saksonii Weissenfels.

Georg Handel zabrał ze sobą syna, zanim skończył 8 lat, do Weissenfels. W ten sposób dziecko spotkało muzyków nadwornych i grało na organach w obecności księcia. Od razu rozpoznał talent chłopca i odbył poważną rozmowę z ojcem, który wysłuchał jego argumentów, choć sam nie interesował się muzyką.

Po powrocie Haendel został uczniem Friedricha Wilhelma Zachowa, organisty kościoła Madonny. U niego studiował kompozycję, nauczył się grać, oprócz instrumentów klawiszowych, także na oboju i skrzypcach. Co tydzień trzeba było też komponować motety. Handel w wieku dwunastu lat zostaje wysłany na dwór w Berlinie, gdzie robi ogromne wrażenie swoimi zdolnościami muzycznymi. Elektor brandenburski (późniejszy król pruski Fryderyk I) proponuje wysłanie chłopca na szkolenie do Włoch, a następnie ustalenie go na dworze w Berlinie.

W październiku 1712 Handel wrócił do Londynu, gdzie spędził resztę życia. Najpierw mieszkał przez rok z bogatym melomanem, Barnem Elmesem, w Surrey. Przez następne 3 lata mieszkał u Earla Burlingtona pod Londynem.

Franciszek Liszt urodził się 22 października 1811 r. w Raidingu, wówczas Królestwie Węgier, dziś – Austrii (Burgenlandzie). Był jednym z najbardziej znanych i odnoszących największe sukcesy pianistów-wirtuozów XIX wieku, a także genialnym kompozytorem. Każdy, kto kształcił się w szkole muzycznej, musiał zetknąć się z jego nazwiskiem i twórczością. Urodził się w pierwszej połowie XIX wieku, w październiku. Od dzieciństwa kompozytor zaczął pisać muzykę i koncertować. F. Liszt pisał szkice, komunikował się z takimi kompozytorami jak Chopin, Salieri i Paganini. Utwory fortepianowe przekształcił w muzykę rozrywkową, zmieniając postrzeganie fortepianu z instrumentu kameralnego, salonowego na instrument przeznaczony dla szerokiej publiczności. Franciszek Liszt dokonał aranżacji innych utworów muzycznych, nadając im nowe brzmienie. Tworzył wariacje i fantazje na znane motywy. Franz Liszt odwiedził także Rosję i komunikował się z rosyjskimi kompozytorami i muzykami, w szczególności z Glinką.

Był zaangażowany w pracę symfoniczną i często pisał sztuki oparte na wydarzeniach historycznych lub fikcyjnych. W jego pracach można znaleźć również wizerunki znanych pisarzy, w szczególności Fausta i Mefistofelesa.

Franciszek Liszt odegrał dużą rolę w rozwoju gatunku muzycznego w swojej ojczyźnie - na Węgrzech.

F. Liszt zmarł w 1886 roku w wieku 75 lat. Miejscem jego śmierci było miasto Bayreuth.

Jana Sebastiana Bacha(ur. 21 marca 1685 w Eisenach, zm. 28 lipca 1750 w Lipsku) – niemiecki kompozytor epoki baroku. Dziś uważany jest za jednego z najwybitniejszych twórców muzycznych wszechczasów, który znacząco wpłynął na późniejszą muzykę i którego dzieła wykonywane są na całym świecie zarówno w oryginale, jak iw niezliczonych adaptacjach.

Zaraz po wstąpieniu do nabożeństwa Bach zaczął komponować lub przerabiać kantaty do odpowiednich wykonań. Podczas tej systematycznej pracy przez pierwsze lata powstawało średnio około jednej pracy tygodniowo, potem tempo zwolniło. Na początku 1725 roku Bach spotkał się z poetą Christianem Friedrichem Heinrichem Aliensem Picanderem, który ostatecznie dostarczył tekst do Pasji według Mateusza, którą po raz pierwszy pokazano w 1727 lub 1729 roku. W 1729 roku Bach przejął kierownictwo założonej przez Telemanna w 1701 roku kolegium muzycznego, którym kierował do 1741, prawdopodobnie nawet do 1746. Wraz z nauczaniem reprezentował niemiecką i włoską muzykę instrumentalną i wokalną, ponadto napisał kilka jego świeckie kantaty, takie jak Herkules na rozdrożu , które nazwał „Dramma per la Musica” lub „Dramma per Musica” i które mają strukturę podobną do opery. W kantacie chłopsko-kawowej widać, że potrafił pisać także w gatunku humorystycznym. Ten ostatni najprawdopodobniej był wykonywany w Kawiarni Zimerman, kiedy koncertował z kolegium muzycznym.

Ludwiga van Beethovena(ur. 16 grudnia 1770 w Bonn, Niemcy, zm. 26 marca 1827 w Wiedniu) – wiedeński kompozytor muzyki klasycznej. Uważany jest za kompozytora, który doprowadził muzykę tamtej epoki do szczytu rozwoju. Ludwig van Beethoven urodził się w rodzinie muzyków. Ojciec Beethovena był pod wrażeniem małego Wolfganga Mozarta, który występował jako kompozytor w wieku 6 lat i był znany jako cudowne dziecko. Mając na celu uczynienie syna cudownym dzieckiem, zaczął udzielać mu lekcji gry na fortepianie. Młody Beethoven uczył się także gry na organach i klarnecie. Jednak surowa postawa ojca utrudniała rozwój chłopca, którego wstawano w środku nocy z łóżka, aby zademonstrować kolegom ojca swoje umiejętności gry na pianinie. Doprowadziło to do tego, że Beethoven był często zmęczony w szkole i cierpiał na brak koncentracji. W wieku 11 lat został zmuszony do opuszczenia szkoły, poza tym dzieciństwo Beethovena nie było bezproblemowe. Jego ojciec był alkoholikiem, matka była ciężko chora, a z 6 braci i sióstr przeżyło tylko dwóch. Tak, kiedy w wieku 5 lat również zachorował na zapalenie ucha środkowego, jego rodzice tego nie zauważyli, a to jest uważane za jedną z przyczyn głuchoty, która powstała później. Podczas gdy Beethoven miał napięty i powściągliwy stosunek do swojego ojca, bardzo lubił swoją matkę. Koledzy ojca Beethovena na dworze w Bonn dostrzegli talent Ludwiga i zadbali o to, by ojciec ostatecznie zdecydował się przekazać dalszą muzyczną edukację syna w ręce innych muzyków. Do najsłynniejszych mecenasów i nauczycieli Beethovena w Bonn w następnych latach należeli Christian Gottlob Näfe (fortepian, organy i kompozycja) i Franz Anton Ries (skrzypce). 9 symfonii, 5 koncertów fortepianowych, uwertury (Prometeusz, Koriolan, Eleonora), utwory wokalne, opera Fidelio, utwory fortepianowe, 32 sonaty fortepianowe, balety i muzyka sceniczna, muzyka kameralna, kwartety, sonaty wiolonczelowe.

Nicolo Poganiniego ur. 27 października 1782 w Genui, włoski skrzypek, gitarzysta i kompozytor. W tym czasie był czołowym i najbardziej wirtuozowskim skrzypkiem. Wygląd (był szczupły, miał kruczoczarne włosy i brązowe oczy) oraz znakomitą technikę gry sprawiły, że za życia stał się legendą. Paganini otrzymał pierwsze lekcje gry na skrzypcach w młodym wieku, m.in. od ojca (Antonio Paganini), który zmusił go do regularnych lekcji. Jeśli w opinii ojca nie był wystarczająco pracowity, mały Nicolò nie otrzymywał jedzenia, często dochodziło do bicia. Zarabiał na życie podróżując po Włoszech jako wirtuoz skrzypiec. W latach 1805-1809 miał stabilną pozycję u księżniczki Elisy Baciotti Lucca, siostry Napoleona. To była jego jedyna stała pozycja. Od 1813 roku Paganini nieustannie odbywał trasy koncertowe, podczas których oczarowywał słuchaczy „magiczną sztuką skrzypka”. Wiedeń, Londyn, Paryż, znowu Wiedeń i tak bez końca W Paryżu w 1833 roku poznał Hectora Berlioza, u którego pobierał lekcje kompozycji. Zmarł w 1840 roku w Nicei podczas wakacji.

P Z jego 8 koncertów skrzypcowych 6 zachowało się do dziś.

· Dziś jego 24 kaprysy należą do standardowego repertuaru najlepszych skrzypków. Są tak trudne, że dopiero 50 lat po jego śmierci można było je zagrać bez uproszczeń.

· 12 sonat na wiolonczelę i gitarę.

· 6 kwartetów na wiolonczelę, skrzypce i gitarę.

В· 60 etiud w wariacjach na wiolonczelę i gitarę.