Najdroższy ukraiński artysta Anatolij Krywolap opowiada o życiu i cenach malarstwa. Anatolij Kriwolap - najdroższy ukraiński artysta Czy wojna na Ukrainie wpłynęła na twoją twórczość?

Światowy rynek sztuki jest coraz bardziej zainteresowany ukraińskimi artystami. Ich obrazy nie znajdują się jeszcze na liście najdroższych, ale eksperci twierdzą, że potencjał jest ogromny. Zapraszamy do zapoznania się z najdroższymi dziełami współczesnych artystów ukraińskich.

Artysta: Anatolij Kriwołap
Zdjęcie: „Koń. Wieczór"
Koszt: 186 200 USD

Prace ukraińskiego artysty w 2013 roku trafiły pod młotek aukcji Phillipsa. Wywoławcza cena za obraz „Koń. Wieczór „wyniósł 76 tysięcy dolarów. Według wyników aukcji stał się drugim najdroższym spośród sprzedanych, po pracy Amerykanina Keitha Haringa. Płótna Anatolija Kriwolapa są rozpoznawalne dzięki ich monochromatycznym i jasnym kolorom. „Rozwinąwszy przez lata żywe wyczucie koloru, artysta zasłynął ze swoich ostatnich nostalgicznych przemyśleń na temat spichlerza Europy” — czytamy w katalogu aukcyjnym Phillipsa. Płótno zostało namalowane we wsi Zasupojewka. Według artysty szczególnie trudno było wybrać odcienie. Chociaż Krzywa Łapa powiedział, że opanował ponad 50 odcieni czerwieni, to wyzwanie było wyjątkowe. Koń miał nie wyróżniać się zbytnio z tła i jednocześnie nie wtapiać się w tło. Na sprzedaż na aukcji obraz znajdował się w prywatnej kolekcji w Europie, a także był wystawiany w Mystetsky Arsenal w 2012 roku. Obraz jest częścią otwartego cyklu prac rozpoczętego w 2005 roku. Ma jeszcze 14 obrazów.

Artysta: Wasilij Tsagolov
Zdjęcie: „Kogo się boi Hurst”
Koszt: 100 000 USD

Wasilij Tsagolov to kijowski artysta, dobrze znany za granicą. Aktywnie odpowiada na wiele trendów w społeczeństwie iw sztuce. Nie zignorował Hirsta jako jednego z najbardziej znanych, odnoszących sukcesy komercyjne artystów na świecie. Głównym tematem twórczości Hirsta jest śmierć, aplikacja do jej filozoficznego i religijnego rozumienia. Tsagolov subtelnie, ironicznie odtwarza ten moment w filmie „Kogo się boi Hurst”. W 2009 roku PinchukArtCentre gościło wystawę Damiena Hirsta. Równocześnie z nim Wasilij Cagołow w kijowskiej galerii „Kolekcja” wystawił ten swój obraz. Na płótnie kowboj z pistoletami w obu rękach idzie naprzód, strzelając w prawo i lewo, zostawiając za sobą cmentarne krzyże. Zajmujący całą przestrzeń obrazu gangster, namalowany z niższego kąta, dominuje w odbiorze do tego stopnia, że odbierany jest jako alegoria sztuki komercyjnej, narzucającej nam swoje upodobania, sposób myślenia i styl życia. Dzieło nabył ukraiński kolekcjoner.

Artysta Aleksander Roitburd
Obraz: „Żegnaj, Caravaggio”
Koszt: 97 179 USD

Odessa Alexander Roitburd jest jednym z założycieli ukraińskiego postmodernizmu. Jego prace są wystawiane w nowojorskim Museum of Modern Art. Żegnaj Caravaggio został sprzedany w 2009 roku. Obraz powstał pod wpływem porwania z Odeskiego Muzeum Sztuki Zachodniej i Wschodniej słynnego obrazu Caravaggia „Pocałunek Judasza, czyli uwięzienie Chrystusa”. Płótno było początkiem serii monumentalnych dzieł „Roitburd kontra Caravaggio”. Wystawa o tej samej nazwie odbyła się w kwietniu-maju 2010 roku w kijowskiej galerii „Collection”. Według artysty taka gra z arcydziełami klasyki pomaga odkryć w nich nowe znaczenie.

Artysta Ilya Chichkan
Malarstwo: „To”
Koszt: 79 500 USD

Przedstawiciel Nowej Fali w sztuce ukraińskiej Ilya Chichkan jest znany na całym świecie. Jego najbardziej rozpoznawalne prace związane są z przedstawieniami znanych osób w postaci małp. Latem 2008 roku obraz Ilyi Chichkan „To” został sprzedany w Londynie. Aukcja odbyła się w Phillips de Pury, trzecim najważniejszym domu aukcyjnym po Christie's i Sotheby's. Była to sprzedaż wtórna: obraz został wystawiony na aukcję przez kolekcjonera, a nie przez samego artystę. „Nic z tego nie dostałem” – powiedział Chichkan. Właściwie zyskał reputację. Jeśli obraz jest wystawiany przez kolekcjonera i jest sprzedawany, to jego autor ma potencjał komercyjny.

Artysta Oleg Tistol
Zdjęcie: „Kolorowanie”
Koszt: 53 900 USD

Twórczość artysty Olega Tistola zalicza się do neobaroku. Jego obraz „Kolorowanie” trafił pod młotek w Phillips w 2012 roku. Kupujący chciał pozostać anonimowy. Zdjęcie powstało podczas ukraińskiego Tygodnia Mody. Podczas zbezczeszczenia projektantki mody Anastazji Iwanowej goście rysowali na płótnie kolorowymi flamastrami.

KONSULTANT DS. UKRAIŃSKIEJ SZTUKI WSPÓŁCZESNEJ

„Anatolij Kriwolap to malarz o niezwykłym i niesamowitym talencie. Umiejętnie łączy jaskrawość barw z pastelem fabuły, a miękkość koloru z głęboką treścią płótna. Jest uznanym mistrzem w pracy z bogatymi, głębokimi, czasem desperackimi i nieskrępowanymi, a czasem niesamowicie cichymi odcieniami, które oddają nastrój pół chwili. Jego twórczość dziedzicznie ucieleśnia narodową tradycję kolorystyczną, która zdeterminowała sławę malarzy z Ukrainy na całym świecie.
Twórczość tego artysty jest bliska i zrozumiała dla każdego – od profesjonalnego konesera po zwykłego obserwatora, bo taka właśnie jest prawdziwa, szczera i ponadczasowa sztuka. Jednocześnie płótna Anatolija nie są proste, zmuszają widza do poświęcenia czasu na ich kontemplację, do myślenia, do uruchomienia wewnętrznych mechanizmów wyobraźni, analizy systemu powiązanych ze sobą znaków, symboli i elementów, którymi wypełnia artysta jego prace pełne wyrazu i wyrazistości. To właśnie ta jasna, odważna, głęboka sztuka określi kulturę nie tylko jutra, ale także przyszłości”. – Igor Abramowicz, marzec 2015, Kijów

Denis Belkiewicz

DYREKTOR ZARZĄDZAJĄCY, GALERIE RED ART

„Anatolij Kriwolap to niesamowity, potężny, oryginalny artysta. Nazwałbym go „Ukraińcem” z dużym zastrzeżeniem: jego twórczość jest światowej klasy i powinna należeć do światowej historii sztuki. Dziś dużo się mówi o tym, jak Ukraina powinna być prezentowana na zewnętrznym rynku sztuki, jaki wizerunek kraj powinien otrzymać w świadomości informacyjnej. Moim zdaniem znakiem rozpoznawczym Ukrainy powinien być kolor – jako nośnik idei kraju o długiej historii i zróżnicowanym terytorium. Pod tym względem niefiguratywne malarstwo Anatolija Krywołapa, które potrafi przykuć wzrok kombinacją dwóch lub trzech kolorów, lepiej niż inne oddaje przesłanie, które powinno wnieść Ukrainę na arenę międzynarodową.
Zapotrzebowanie na artystę o takim poziomie i przekazie potwierdzają tylko jego wyniki rynkowe: Krivolap jest rekordzistą zarówno w oficjalnej sprzedaży międzynarodowej (Philips, 186 000 $ za The Horse. Evening, 2011), jak i w sprzedaży dla obcokrajowców w kraju (organizacja charytatywna aukcja Red Art Galleries, 41 tys. dolarów za pracę „Marcowy wieczór”, 2013). Trzecim progiem, który artysta osiągnął jako pierwszy, była pierwsza publiczna odsprzedaż wśród ukraińskich autorów, która miała miejsce w firmie Philips w 2014 roku (rok po sprzedaży w Sotheby's za 61 tys. Phillipsa za 108 000 dolarów). Anatolij ma też najniższy odsetek niesprzedanych dzieł – tylko 5%, przekraczając szacunkowe pejzaże osiągające 300% za uderzeniem młotka. W tym „portfolio marketingowym” brakuje tylko indywidualnej wystawy za granicą, która zapoczątkuje kolejne, oraz kontraktu z dużą międzynarodową galerią.
Anatolija Kriwolapa często porównuje się z Gerhardem Richterem - niefiguratywnym fenomenem naszego pokolenia - mogę powiedzieć jedno: był czas, kiedy praca Niemca kosztowała mniej niż obecny Kriwolap, był czas, kiedy dokładnie To samo. To właśnie na tym etapie poważnie podjęto ich za granicą, a dziś dziesiątki milionów dla Richtera nikogo nie dziwią. Potencjał Anatolija, w opinii wielu osób, którym pokazaliśmy go na Zachodzie, jest jeszcze większy, ponieważ Niemiec „wyciąga” krajobrazy z siebie, a Kriwolap – z natury. I jest nieskończony i nieograniczony. – Denis Belkevich, kwiecień 2015, Kijów

Eduard Dymshits

Kandydat historii sztuki, zasłużony działacz sztuki Ukrainy, kolekcjoner

„Prace Anatolija Krywołapa są cenne zarówno z artystycznego, jak i inwestycyjnego punktu widzenia. Jako krytyk sztuki i koneser piękna mogę śmiało powiedzieć, że dziś jest najlepszym ukraińskim kolorystą. A obrazy słynnych mistrzów koloru, od Tycjana i Rembrandta po Rothko, zawsze były wysoko cenione na światowym rynku sztuki.
Jako kolekcjoner i profesjonalista mogę podkreślić, że Kryvolap śmiało ma status „najdroższego współczesnego ukraińskiego artysty”. Jego prace są z powodzeniem sprzedawane na czołowych światowych aukcjach za duże pieniądze. W związku z tym artysta nie ma powodu, aby wyrzucać i obniżać koszty własnej pracy, ponieważ zawsze znajdą się kolekcjonerzy, którzy będą chcieli kupić jego obrazy.
W rezultacie inwestycja w obraz Krywolapa jest krokiem uzasadnionym pod względem artystycznym i finansowym. W końcu, jeśli masz szczęście stać się właścicielem obrazu Anatolija Kriwolapa, to w przyszłości twoje artystyczne nabytki tylko wzrosną. – Eduard Dymshits, styczeń 2015, Kijów

Jennifer Kahn

Krytyk sztuki, niezależny kurator

„Krivolap jest niewątpliwie przedstawicielem zarówno lokalnej, jak i międzynarodowej sceny artystycznej, opierając się w swojej pracy na lokalnych i kolorystycznych tradycjach malarskich, dzięki czemu z powodzeniem reprezentuje swój kraj przed zagraniczną publicznością. Dzięki efektownemu, absolutnie nowoczesnemu kolorowi udało mu się wynieść swój kraj na nowy, nieosiągalny wcześniej poziom. Jasne i mocne, choć sielankowe i spokojne, jego obrazy mogłyby stać się narodowym symbolem ukraińskiej teraźniejszości, także utkanej z kontrastów i sprzeczności. Płótna Krywołapa, wyróżniające się długimi liniami horyzontu i ogromnymi tomami świetlistego i skrzącego się nieba, tworzą nowe tradycje, określając miejsce Ukrainy w XXI wieku.
Najnowsze prace Krivolapa stały się dla niego jako artysty prawdziwym przełomem. Według samego artysty przez pierwsze piętnaście lat pracował w sposób liryczny z motywami figuratywnymi, a następnie przez kolejne dziesięć lat próbował odnaleźć harmonię kolorów w abstrakcyjnych kompozycjach. Dopiero w 1990 roku odnalazł swój emocjonalny głos, osiągając coś, co nazywa rodzajem medytacji. To jest nirwana dojrzałego artysty – po dziesięcioleciach poszukiwań, kiedy szlifował swój wygląd, umiejętność posługiwania się pędzlem i kompozycją, teraz Krzywa Łapa jest w ponadczasowym stanie swojego trzeciego etapu twórczego, który jest dla niego równoznaczny z poczuciem uniwersalna harmonia. – Jennifer Kahn, grudzień 2014, Brownsville, Teksas

Olga Palniczenko

Krytyk sztuki

„Malarstwo pejzażowe Krivolapa balansuje na granicy figuratywnego i abstrakcyjnego, co pod względem kolorystycznym pozwala porównać autora z przedstawicielami amerykańskiego abstrakcyjnego ekspresjonizmu (Mark Rothko, Willem de Kooning) i francuskiego stylu Informel (Serge Polyakov), ale echa realistycznej percepcji wiążą go z ukraińską szkołą pejzażową (Adalbert Erdeli).
Jego krajobraz związany jest geograficznie jedynie z nazwą, autor nie podaje nam konkretnego punktu topograficznego. Kriwolap, demonstrując holistyczne spojrzenie na świat i naturę, od prawie 20 lat pozostaje wierny swoim motywom, więc serialność w jego twórczości wydaje się całkiem naturalna i zrozumiała.
Płótna Krivolapa są dokumentalnym dowodem wieczności natury i jej kolosalnej mocy. Dlatego obecność człowieka w jego pejzażach jest bardzo inteligentna i dyskretna. Historia kształtowania przez mistrza relacji między człowiekiem a przyrodą wciąż ma pozytywny wydźwięk – przyroda dominuje w swojej sile. A dla artysty jest to jedyna niezachwiana prawda.
Głównym środkiem komunikacji między artystą a odbiorcą jest kolor, ale dialog zapośredniczony kolorem nie może początkowo przebiegać bezboleśnie. W końcu dopiero wtedy, gdy emocjonalne postrzeganie płótna zamienia się w medytacyjne, powstaje interakcja pola barwnego ze światem zewnętrznym, w której widz staje się pośrednikiem. - Olga Palniczenko, kwiecień 2015, Wiedeń

W marcu 2016 roku odnoszący największe sukcesy ukraiński artysta Anatolij Krywolap otworzył dużą wystawę malarstwa „Kolekcja muzealna” w ramach projektu CultprostirHub. „Mistrz pędzla” zaprezentował ponad 60 obrazów. Wśród nich są te, które znajdują się w zbiorach prywatnych, oraz zupełnie nowe - pejzaże ukraińskich Karpat. Jednym z ważnych wydarzeń w ramach wystawy było wręczenie Nagrody im. Anatolija Krywolapa, którą artysta ustanawia dla wspierania utalentowanej młodzieży. Anatolij Kryvolap zajmuje pierwsze miejsce w rankingu najbardziej utytułowanych ukraińskich artystów. W latach 2010-2015 na aukcjach krajowych i międzynarodowych zakupiono 18 obrazów jego autorstwa za kwotę 771 180 USD.

Anatolij Kriwolap na otwarciu wystawy malarstwa „Kolekcja muzealna”

Rozmawialiśmy z Anatolijem Dmitriewiczem o powstaniu Muzeum Sztuki Nowoczesnej na Ukrainie, o misji sztuki na Ukrainie w czasie wojny na Wschodzie, wspieraniu młodych artystów, a także o marzeniach najdroższego rodzimego malarza.

Otwarcie wystawy Anatolija Kriwolapa „Kolekcja muzealna”

Anatolij Dmitriewicz, czy martwisz się o otwarcie nowego projektu dla ciebie?

Przed wystawą zawsze się martwię. W końcu ekspozycja „Kolekcja muzealna” jest dla mnie rodzajem wdzięczności dla ukraińskich kolekcjonerów. Od XV wieku, kiedy sztuka była tylko sakralna. Kolekcjonerzy stali się wielbicielami popularyzacji wielu nieznanych artystów. Od 25 lat ani jedno muzeum na Ukrainie nie dokonało zakupu obrazów. Ponadto w naszym kraju nadal nie ma Muzeum Sztuki Nowoczesnej. W rzeczywistości sztuka ukraińska opiera się wyłącznie na kolekcjonerach. Dlatego moja wystawa zachęca nas wszystkich do zjednoczenia się w klubie w celu rozwiązania globalnego problemu w przyszłości - stworzenia w naszym kraju nowoczesnej platformy, muzeum prywatnych kolekcji. Pomimo tego, że Ukraina przeżywa obecnie trudne czasy, uważam, że teraz jest na to czas.

Teraz oprócz obrazów z prywatnych kolekcji prezentujecie również nowe prace. Opowiedz o nich.

Tak, są nowe miejsca pracy. Niedawno wróciłem z Karpat. Mieszkał tam przez miesiąc, przeglądał wszystkie stany natury: od zimy do wiosny i prawie do lata. Po raz pierwszy mieszkałem tam dłużej niż miesiąc, mogłem pracować nad nowym dla mnie tematem. Generalnie prezentuję teraz prace kolekcjonerskie. Oczywiście jest to minimalna część, którą zawierała ta przestrzeń. Mam nadzieję, że kiedy powstanie muzeum kolekcji prywatnych, będzie można pokazać cały zakres prac. Zastanawiam się też jak to wszystko wygląda w ramkach, których nigdy nie robiłam. Dopiero teraz zainteresowałem się tym zagadnieniem. W końcu obraz po sprzedaży kontynuuje życie kolekcjonera, a to już inny gust, wnętrze, miejsce, kadr.

Nazywają cię „Maestro koloru”. Czy zgadzasz się z tym stwierdzeniem?

Wiesz, trudno jest siebie osądzać. Całe życie pracowałam z kolorem. Trudno nawet wytłumaczyć, jak nieprzewidywalny jest dla mnie. Kolor to kwestia życia, a jak dobrze się okaże, nie mam zamiaru oceniać.

Czy po sprzedaży obrazów na aukcjach musiałeś podnieść ceny na Ukrainie?

Faktem jest, że taka sytuacja rozwinęła się w 1992 roku. Obrazy kupowano za granicą, ale na Ukrainie nikt nie był gotowy na takie ceny. Sytuacja zmieniła się od 2005 roku. Teraz ukraińscy kolekcjonerzy mają wiele moich obrazów. Oczywiście nie ustalam najwyższych cen, ponieważ sprzedaję obrazy za adekwatną cenę, powiedziałbym, że bardziej na luzie.

Opowiedz nam o procesie powstawania nowego dzieła.

Wiesz, kreatywność to taka nierozwiązana tajemnica. Nikt nigdy nie jest w stanie tego określić. Najpierw obraz pojawia się przed tobą, a następnie następuje proces jego ucieleśnienia. Czasami wręcz przeciwnie, zaczynasz po prostu pisać. Długo pracujesz. A potem nagle to, co sobie wcześniej wyobrażałeś, widzisz w zupełnie innym stanie, w którym nawet nie mogłeś sobie tego wyobrazić. Nazywam to szczególnym stanem. Mam też stan po prostu zawodowy, kiedy maluję normalny, zwyczajny obraz. Ale te szczęśliwe okazje, kiedy są jakieś specjalne prace, są dla mnie nieoczekiwane.

Czy są jakieś zdjęcia, których osobiście nie lubisz?

Jeśli coś mi się nie podoba, od razu to przerabiam. Tam są lepsze prace. Często do nich wracam, jeśli widzę poprawę. Ale nie pozwalam na zdjęcia, których sam bym nie zaakceptował. Jestem własną radą artystyczną.

Czy zastanawiałeś się, czym jeszcze możesz uderzyć w Ukrainę, w świat? Czy będzie coś bardziej pomysłowego niż to, co już napisano?

Powtarzam, to jest fenomen kreatywności. Przychodzi albo nie. Nie da się tego zaplanować. Można zaplanować profesjonalną serię prac, ale fenomen nie. Będę pisał tak, jak pisałem całe życie. Narysuję, a potem jak Bóg zechce.

Jak i czym się inspirujesz?

Najważniejszą rzeczą dla mnie przez całe życie jest farba. Po raz pierwszy zobaczyłem farby olejne, kiedy miałem chyba z dziesięć lat. Urzekł mnie ich zapach, był jak narkotyk. Siedziałem na lekcjach rysunku, wąchałem, wdychałem. To było we mnie. Teraz wystarczy, że zobaczę farbę i już jestem włączona w pracę. Nie potrzebuję żadnych używek, dopingu. Patrząc na farbę, już coś widzę, mam przeczucie. Paleta kolorów jest tak bogata, że jest w niej tak wiele rzeczy. Wystarczy go dotknąć - już pobudza do kreatywności, do pracy. To jest fantastyczne.

Jak szukacie wątków pod przyszłe obrazy?

Przechodzę przez siebie stan, który zapisany jest w mojej podświadomości. Jest to totalny system relaksacyjny. A kiedy zaczynam pisać, nagle czuję, że znajduję się w tym znanym mi stanie, który przeżyłem, czułem. Dlatego pozostaje tylko ułożyć uczucia już w kompozycjach kolorystycznych.

Opowiedz nam o nagrodzie dla młodych artystów, którą teraz organizujesz?

Pamiętając o historii sztuki: utalentowana młodzież, która studiowała na uczelniach artystycznych, bardzo często była biedna. Czasami studenci nie mieli nawet gdzie mieszkać. Profesorowie zabierali ich do swoich domów. Na uczelniach artystycznych zawsze były nagrody. Najbardziej utalentowani artyści zostali wysłani na studia do Włoch, Paryża - to taka światowa praktyka. Na Ukrainie niestety nie ma takiej nagrody. Chciałem stymulować akademickie uczenie się studentów. Na tym polega sztuka – wyłonić najlepsze produkcje lub ciekawe dzieła. Będzie nad tym pracował zespół specjalistów, a ja przeznaczę środki. Aby ukraińscy artyści mogli zobaczyć także muzea paryskie i monachijskie. W końcu sama wiem, że to marzenie każdego ucznia. Mam nadzieję, że uda mi się przekonać kolekcjonerów do podwyższenia premii finansowej. Na projekt przeznaczę 5 tys. dolarów. Zwycięzca otrzyma ode mnie bilet do muzeum, opłacony zostanie również hotel.

Anatolij Kriwolap na otwarciu swojej wystawy „Kolekcja muzealna”

Którego z młodych artystów śledzisz? Czy są ludzie, którzy naprawdę zasługują na uwagę?

Oczywiście przyglądam się uważnie... Jednak nadal uważam, że to wszystko nie moja sprawa. Artysta jest zawsze subiektywny, więc nie chcę na niego wpływać. Od tego są historycy sztuki, profesorowie, ludzie, którzy zajmują się tym zawodowo. Nie chcę podświadomie narzucać swoich stereotypów w tej kwestii.

Czy wojna na Ukrainie wpłynęła na twoją twórczość?

Sztuka dzieli się na społeczną i prostą. Współczesność to sztuka społeczna, która reaguje na wszystkie wydarzenia w społeczeństwie. I jest sztuka, w którą artysta się angażuje, jakby nie wchodząc w ten temat. Oczywiście, jako osoba, jako artysta, martwię się. Widzę, jak wszystko, co dzieje się w naszym kraju, odbija się już w moich nowych pracach. Można porównać te prace, które były przed wojną i po wojnie... To ma bardzo silny wpływ, bo człowiek to nie maszyna. Zwłaszcza osoba kreatywna.

Jaką misję w tym trudnym czasie powinna spełniać sztuka?

Swoją... Tę samą misję, którą spełnia od samego początku ludzkości, od pojawienia się malowideł naskalnych. Czasy się zmieniają, wszystko się zmienia. Sztuka to nie polityka. Sztuka jest czymś, co zbliża ludzi, pozwala lepiej się zrozumieć i poczuć. Agresja nie dotyka ludzi dobrze zorientowanych w sztuce.

Jak opisałbyś swój własny styl? Jak do niego przyszedłeś?

Było ciężko i długo. Krajobraz jako styl jest minimalistyczny. A krajobraz, który przekazuje naturę, jest kontemplacyjny, medytacyjny. Po prostu biorę plamy koloru, łączę je w sposób minimalizujący obrazy. Robię tylko aluzję, aby rozpuścić się w tym kolorze i doświadczyć uczuć, które on wywołuje. Tak mniej więcej można to wytłumaczyć.

Wielu ukraińskich artystów wyjeżdża na Zachód. Dlaczego zostajesz na Ukrainie?

Nie wyobrażam sobie życia bez Ukrainy. Nostalgia jest wrodzona. Kiedy pracuję za granicą, po prostu nie mogę wytrzymać dłużej niż trzy dni. Oczywiście stać mnie na mieszkanie w innym kraju, ale po co? Myślę, że nasz kraj jest najlepszy, ale niektóre momenty nie są zbyt udane. Ukraina nigdy nie miała szczęścia do władzy. W każdym momencie. Mamy wszystko: ziemię, ludzi, ale niestety rząd nie wychodzi. Kiedy ta bariera zostanie pokonana, wtedy Ukraina będzie zupełnie inna. Powstanie udane państwo. Chcę, żeby tu mieszkały moje dzieci i wnuki. I nie winię tych, którzy przyjeżdżają z Ukrainy, ale też nie rozumiem. Mimo wszystko jestem pewien, że nasz kraj jest bardzo ciekawy. Wszystko jest już martwe za granicą i wcale mnie to nie interesuje. Nie mógłbym tam pracować. Swoją twórczość kojarzę wyłącznie z Ukrainą.

Co Ci nie pasuje na Ukrainie?

To, co jest teraz, to ruch, który nie wie, dokąd zaprowadzi. Decyduje ruch. Tylko czas pokaże w jakim kierunku pójdziemy. Tak samo jest w sztuce.

Mówiłeś, że pracowałeś w Karpatach przez miesiąc. Czy udało Ci się rozwikłać kod kolorystyczny Karpat?

Wciąż jestem w drodze do tego. Poczuję, kiedy układanka będzie w pełni ułożona. Myślę, że wkrótce wybiorę się tam ponownie. Czasami przyzwyczajenie się do właściwego stanu zajmuje dużo czasu. Wielokrotnie podróżowałem do Egiptu. Byłem tam dwa razy w roku. Dopiero na czwartym roku wszystko zaczęło nabierać kształtu. W podświadomości pojawił się impuls. Zacząłem pisać. Nagle dotarło do mnie, że istnieje niebo i woda, które nigdy nie znały śniegu i mrozu. Zrozumiałem, że nie można ich pisać na niebiesko, tak jak piszemy tutaj. Zaczął pisać niebo jak piasek. Wyszedłem z dobrym serialem, który nie miał nic wspólnego z ukraińskimi krajobrazami. Karpaty powinny być dla mnie stepem znanym od dzieciństwa.

Wiem, że nadal malujesz świątynię.

Tak! Dla mnie to było nieoczekiwane przeżycie. Zgodziłem się pod warunkiem, że będzie to pełna swoboda twórcza. Inaczej bym na to nie poszedł. Tutaj jestem niekontrolowany i niebezpieczny. Przynieśli mi ikonę. przepisałem to. Oczywiście nie odbiegał od kanonów, ale wszystko oprawił w czysty kolor.

Mistrzu, jakie jest Twoje hobby?

Kocham samochody… Jeżdżę 200 i więcej kilometrów. Mogę tak jeździć w nocy, a nawet w dzień, jeśli jest miejsce lub się spieszę. Mój samochód to Porsche. To jest bestia. Samochód stworzony do latania. Dostaję tę samą adrenalinę, kiedy maluję obrazy.

Publikowanie w gazecie reprodukcji prac Krivolapa jest niemożliwe. Druk nie odda gry kolorów, która już urzekła miłośników sztuki na całym świecie i uczyniła ich autora najlepiej sprzedającym się ukraińskim artystą. 29 maja w Sotheby's w Londynie jego pejzaż „Noc” został sprzedany za 83 700 dolarów.Nabywcą jest Anglik, jego nazwisko nie jest znane.

A w zeszłym roku za „Księżyc nad rzeką” i „Step” zapłacili odpowiednio 48 i 98 tysięcy dolarów. A za pracę "Koń. Noc" - artysta uważa ją za najbardziej mistyczną - w Nowym Jorku nie oszczędzili 124 tysięcy dolarów.

Jaki jest sekret sukcesu? Handlarz dziełami sztuki Igor Abramowicz uważa, że \u200b\u200bto dusza jest ukryta w obrazach Kriwołapa.

- „Nowy pejzaż ukraiński”, jak nazwano dzieło Krywołapa, jest hipnotyzujący! Przede wszystkim jasne nasycone barwy, gdzie nawet głęboki niebieski kolor wprowadzony w „zimno” wydaje się niesamowicie ciepły. Autor nie od razu doszedł do tego stylu pisania, ponieważ w młodości otrzymał klasyczne wykształcenie. Zaczął jednak szukać siebie, przeżywając, jak wszyscy ludzie kreatywni, etapy rozczarowania, po których następowały wzloty. Spokojna wieś Zasupojewka w obwodzie kijowskim, która od 2000 roku stała się dla niego źródłem inspiracji, pomogła Krywolapowi przetrwać jeden z najtrudniejszych momentów w jego życiu. W swoim warsztacie w tej wiosce Krivolap spędza teraz cały swój wolny czas. Nie chodzi na świeckie imprezy, nie komunikuje się z prasą. To prawda, że zrobił wyjątek dla KP.

Najtrudniejszy okres przeszedłem od 1976 do 1989 roku” – powiedział nam artysta. - Lata poszukiwań i przemyśleń... Potem wszystko poszło względnie dobrze. Licytacje są dobre, ale w tym roku zostałem laureatem Nagrody Ogólnopolskiej. Szewczenko. Te ostatnie lata były dla mnie najbardziej udane.

Anatolij Dmitriewicz, twoje obrazy są zdominowane przez niebieski, fioletowy, jasny pomarańczowy. Dlaczego wybrałeś ten zakres?

To raczej ja nie wybrałam koloru. A kolor wybrał mnie. Ale tak na poważnie, to intuicyjne...

Co oznacza dla ciebie imię najdroższego ukraińskiego artysty: uznanie, sława, dobrobyt materialny?

Myślę, że dla każdej kreatywnej osoby najważniejsza jest samorealizacja. Wszystko inne jest drugorzędne.

Na co wydajesz pieniądze ze sprzedaży?

Większość moich obrazów wystawianych na aukcjach, w tym ukraińskich, jest mojego autorstwa, ale nie należy do mnie. Podobnie jak opłaty. (Artysta sugeruje, że obrazy, za które zapłacono duże sumy, zostały wystawione na aukcję nie przez niego, ale przez sprzedawcę. - ok. red.) Praca artysty jest kosztowna finansowo. Zakup płócien, farb i opłata za warsztaty. Rodzina… Sprzedaż obrazów jest właściwie niestabilna, okresowa.

Masz zdjęcie, którego jeszcze nie stworzyłeś?

Wiadomo, że artysta przeżywa „romans” z każdym obrazem. A kiedy się kończy, zawsze ma się nadzieję, że nowy będzie pełniejszy, ciekawszy. Inaczej dalsza praca po prostu nie miałaby sensu.

Do momentu

W maju tego roku Sotheby's sprzedał obraz norweskiego artysty Edvarda Muncha „Krzyk” za 119,9 mln dol. To największa kwota, jaką kiedykolwiek zapłacono za dzieło sztuki na aukcji.

Przy okazji

TOP-5 najdroższych artystów Ukrainy

Aleksander ROYTBURD. W czerwcu 2009 roku na londyńskiej aukcji jego obraz „Żegnaj, Caravaggio!” został sprzedany za 97 tys.

Wasilij TSAGOŁOW. Latem 2009 roku w Londynie jego praca z serii "Office Love-2" trafiła w ręce zachodniego kolekcjonera za 53 600 dolarów.

Oleg TISTOL. Na aukcji Phillips de Pury & Co kupiono „Sea” Tistola z projektu South Coast za 28 750 dolarów.

Aleksander KLIMENK. Latem 2011 roku jego „India. Goa” stał się najdroższym ukraińskim przedmiotem aukcji Phillips de Pury & Co i został sprzedany za 25 000 dolarów.

Igor Gusiew. Na tej samej aukcji „Powrót Elvisa” z kolekcji „Cosmo” został sprzedany za 16 000 dolarów.

Dla porównania, w 2008 roku na tej samej londyńskiej aukcji Phillips de Pury & Co obraz „Żuk” rosyjskiego artysty Ilji Kabakowa został sprzedany za 6 milionów dolarów.

Kategoria TEMAT EMISJI

Przyszliśmy do artysty w upalny letni dzień i od razu poczuliśmy kontrast z rozpalonym do czerwoności zgiełkiem wielkiego miasta. Sto kilometrów od Kijowa, magiczny krajobraz, ptaki krążące nad jeziorem, przytulny salon i niespieszny tok ciekawych rozmów... Oto ekosystem, w którym rodzą się prace Krywołapa i to tutaj powstają główne motywy najnowsze serie artystki stają się jasne. To okno, z którego obserwuje zachód słońca nad jeziorem, to domy, bydło i inne elementy wiejskiej sielanki pojawiające się na jego płótnach z ostatnich lat.

Krivolap otrzymał wykształcenie akademickie, ale przez długi czas zajmował się wyłącznie sztuką abstrakcyjną. Kilka lat temu artysta zaczął aktywnie wprowadzać do swoich prac elementy realistyczne, a dziś umiejętnie balansując na granicy abstrakcji tworzy medytacyjne pejzaże w rozpoznawalnych gorących kolorach.

Anatolij Kriwolap. Zdjęcie: Maksym Biełousow

Odważne użycie aktywnych, często otwartych kolorów jest jedną z charakterystycznych technik Anatolija Kriwolapa. Jego wyczucie koloru jest bliskie ludowi — widzimy te same śmiałe kombinacje na tradycyjnych ukraińskich strojach, dekoracjach szalików i sztuce użytkowej. W pracowni artysty, obok dziesiątek gotowych i niedokończonych prac z różnych lat, stoi kilka rzędów: w kontrastujących ze sobą wielobarwnych pasach tych kreacji wiejskiego geniusza drzemie siła, której tak bardzo potrzebuje współczesny artysta, by nie gubić się pośród licznych zapożyczonych „-izmów”. Modernizm, abstrakcjonizm itp. – współczesny artysta nie może wyrwać się z „brandingu”, który jest niezwykle potrzebny w świecie przesyconym informacjami. Ale poza zwykłymi oznaczeniami leży koncepcja kodu genetycznego - i to właśnie ten kod znalazł swój żywy wyraz w pracach Anatolija Kriwolapa.

O zachodzie słońca

Jest jednym z odnoszących największe sukcesy ukraińskich artystów, ma ogromną liczbę fanów i kolekcjonerów, którzy zbierają artystę „dogłębnie”. Prace Kryvolapa są sprzedawane po rekordowych cenach na wiodących światowych aukcjach i targach sztuki, wystawiane we wszystkich prestiżowych ukraińskich muzeach. A w artyście uderza jego skromność - nie tylko w życiu codziennym, gdzie daleki jest od „nowego rosyjskiego” pragnienia nadmiernego luksusu, ale także w kreatywności. Anatolij Kriwolap nie należy do twórców, którzy równolegle z główną działalnością aktywnie zajmują się PR dla siebie. Rzadko widuje się go na spotkaniach towarzyskich. Nawet na kreatywnych wydarzeniach nie jest często. Daleko w tyle jest gwałtowny początek lat 90., kiedy to artysta wraz z innymi mistrzami krajowej niefiguratywnej – Tibery Silvashi, Aleksandrem Żiwotkowem, Nikołajem Babakiem, Nikołajem Krivenko i Markiem Geiko, był członkiem modernistycznego ruchu „Rezerwat Krajobrazowy ”, kłócił się o sposoby rozwoju sztuki współczesnej itp. Teraz Krivolap nadal przyjaźni się z ludźmi z „Rezerwatu”, jednak wybrał indywidualną drogę w swojej pracy. Jednak zainteresowanie artysty problematyką ewolucji sztuki i aktualnym procesem rodzimym nie słabnie. W marcu 2011 roku Kryvolap opublikował swój manifest na stronie internetowej magazynu ART UKRAINE, w którym krótko wyraził niezadowolenie z obecnego stanu sztuki współczesnej. Ta publikacja stała się jednym z najczęściej odwiedzanych artykułów w naszej wersji online i wyraźnie wzbudziła duże zainteresowanie opinii publicznej. Proponujemy więc kontynuację naszego dialogu z żywym klasykiem.

Marsz

— Dziś słusznie nazywa się cię klasykiem ukraińskich sztuk pięknych. Ale jak zaczęła się Twoja pasja do malarstwa?

– To musiało się stać przypadkiem. Urodziłem się w Jagotyniu, to były czasy powojenne, bez dróg, bez radia, bez telewizji. Kiedy nadeszła jesień, noc zapadała już o piątej, nie było co robić, a my, dzieci, jeszcze nie spaliśmy. I zacząłem rysować. Zawsze myślałem, że rysuję odkąd skończyłem dziesięć lat, ale wtedy mama powiedziała mi, że rysuję konie od wczesnego dzieciństwa. I tak mnie to wciągnęło, że nie interesowało mnie nic innego.

- Zaczynałeś od malarstwa figuratywnego, uczęszczałeś do szkoły w czasach sowieckich, studiowałeś w college'u, a później w instytucie artystycznym. Kiedy pojawiło się zainteresowanie abstrakcją?

— To dość długa historia. Gdzieś w wieku 20 lat po raz pierwszy usłyszałem, że w sztuce światowej istnieje taki kierunek jak abstrakcja, a jakieś zdjęcie z katalogu po prostu mnie spaliło. Wcześniej planowałem sobie, że będę wyrafinowanym kolorystą, takim jak Serow. W instytucie specjalnie poprosiłem o spotkanie z Puzyrkowem, był jedynym prawdziwie akademickim nauczycielem. To znaczy robiłem wszystko, by uniknąć pasji do sztuki abstrakcyjnej. Ale nie możesz uciec od siebie.

wieczorne pole

Kiedy zacząłeś zajmować się malarstwem niefiguratywnym?

- Można powiedzieć, że równolegle cały czas się tym zajmowałem.

Moja poważna znajomość ze sztuką miała miejsce w Rydze, w latach 1965-67, kiedy służyłem w wojsku, ale miałem okazję chodzić na wystawy. W krajach bałtyckich nie było takiej cenzury jak na Ukrainie, tam było wszystko, łącznie z abstrakcją. Dlatego kiedy wróciłem do Kijowa, studiowałem z myślą o eksperymentowaniu z kolorem. Ale nawet kiedy zajmowałem się pracą naukową, byłem niezadowolony z tego, co zrobiłem, aż do furii – nie wiedziałem, jaki był tego powód, ale rozumiałem, że robię coś źle.

Odnalezienie siebie zajęło mi prawie 20 lat. Pracowałem jak w laboratorium, prowadziłem pamiętniki, eksperymentowałem. Był poważny problem - zharmonizować jasne kolory i próbowałem go rozwiązać. Istnieje wiele praw w malarstwie, na przykład główne prawo akademii: „Więcej brudu - więcej połączenia”, wtedy wszystko można zharmonizować wybielaniem. Ale aby wziąć czyste kolory, krzykliwe i idealnie do siebie pasować - w tym celu konieczne było znalezienie niestandardowych podejść. Zawsze fascynowały mnie jasne kolory, ale na początku nie umiałam ich ze sobą zharmonizować. I zdałem sobie sprawę, że muszę podjąć wysiłek, aby poradzić sobie z takim zadaniem.

Zachód słońca nad jeziorem

- To trudna ścieżka, najwyraźniej wymagała od ciebie niezwykłej odwagi ...

„Nie sądzę, żeby to była odwaga, po prostu nie miałem wyboru. Zawsze wiedziałam, że praca twórcza to lot, a dopóki nie znalazłam swojej drogi, lotu nie było. Znaczenie koloru jest intuicyjnie odczuwane przez sztukę ludową, w szczególności sztukę ukraińską, która bardzo często łączy otwarte jasne kolory. Zawsze dziwiło mnie, że przy takiej różnorodności barw w sztuce ludowej paleta rosyjskich mistrzów akademickich starej szkoły zawsze była tak uboga.

— Mimo tak namacalnego związku z tradycją ludową jest Pani jednym z pionierów sztuki współczesnej na Ukrainie; Na początku lat 90. stowarzyszenie „Rezerwat Malowniczy”, którego byłeś członkiem, było wizytówką sztuki współczesnej, która zastąpiła socrealizm. Jak to się stało, że wybrałeś tę drogę?

- Nigdy go nie opuściłem, nigdy nie byłem sowieckim artystą. Ukończyłem instytut, w ciągu dwóch lat wypracowałem normę dla Związku Artystów Plastyków, aw tym czasie to był rzadki przypadek, żeby zrobić trzy wystawy republikańskie w takim okresie. Mogłem wstąpić do sekcji młodzieżowej Związku Artystów Plastyków, ale tam nie poszedłem.

Jezioro. Poranek

- A co robiłeś przez cały ten czas?

— Eksperymentowany. Malowniczy materiał doprowadził do poszukiwań i nowych kroków. W mojej pracy nie było rewolucji, była to po prostu ewolucja.

– Zainteresowanie sztuką niefiguratywną było raczej wpisane w epokę modernizmu, a potem sztuka światowa poszła dalej. Kiedy aktywnie zajmowałeś się abstrakcją, w Europie istniały już zupełnie inne, postmodernistyczne punkty orientacyjne. Czy po rozpadzie ZSRR przeżył pan traumę wszechwiedzy, typową dla rodzimej inteligencji humanitarnej?

- Uważam, że sztuka jest egoistyczna i każdy powinien żyć własnym losem takim, jakim jest. Zawsze byłam tak pogrążona we własnych związkach z kolorem, że nawet nie interesowały mnie specjalnie te wszystkie nurty. Zobacz, ile razy obraz był zakopywany, ale żyje. I dopóki istnieją farby, dopóki istnieją ludzie urodzeni z darem komunikowania się poprzez farby, do tego czasu będzie malarstwo. Nawet nasi rodzimi artyści, którzy w latach 90. szybko porzucili pędzle na rzecz zabawy zdjęciami i filmami, później wrócili do malarstwa.

blisko jeziora

— Czy byłeś zainteresowany eksperymentowaniem z najnowszymi mediami?

„Przez dwadzieścia lat bardzo uważnie przyglądałem się nowym mediom, chodziłem na wystawy, ale ta sztuka mnie nie poruszała i nie dotyka. Myślę, że artyści dzielą się na grupy: jedni mają bardzo bogatą wyobraźnię, zwykle „wymyślają światy”, piszą skomplikowane figury kompozycyjne, ktoś chyba ma większe zdolności aktorskie, autopromocyjne, inny widzi ciekawe technologicznie rzeczy, a jeszcze ktoś inny potem dużo zabawy. A jeśli ktoś ma najlepszy język, jaki posiada z natury - malarstwo, to nie ma sensu z nim zrywać. Inna sprawa, że rzeczywiście nowy czas wymaga nowej formy.

— Czy jesteś aktywnym turystą kulturalnym: często wyjeżdżasz za granicę, odwiedzasz czołowe wystawy sztuki?

- Umiarkowany. Po prostu nie mam takiej potrzeby. Myślę, że w młodości ważne jest, aby uzyskać maksymalną ilość informacji, a następnie ścieżka prowadzi do siebie.

Jezioro. Wschód słońca miesiąca

— Niedawno zostałeś najdroższym artystą na Ukrainie, twoje prace znajdują się w Narodowym Muzeum Sztuki i innych wiodących kolekcjach, czyli rozwinęła się kariera twórcza. Czujesz się jak metr?

- Jestem osobą, która zawsze wątpi, więc nie ma takiego uczucia. A co do tego, że jestem droga… Ja byłam najdroższa na początku, czyli od 1990 roku. Od tego czasu cały czas podnoszę ceny. Miałem kontrakt w Niemczech iw 1992 roku moja praca została sprzedana za 11 000 marek (87 x 105). Kiedy przyjechałem do Kijowa, wszyscy rozdawali prace po 200 dolarów, a moje prace były już warte tysiące.

- A dzisiaj, gdzie kupujesz więcej - pracujesz dla kolekcjonera krajowego czy zachodniego?

— Przez pierwsze 15 lat w ogóle nie miałem klientów na Ukrainie, aw ciągu ostatnich 5 lat prawie wszyscy moi kolekcjonerzy są z Ukrainy.

wieczorny brzeg

— Czy jesteś zmęczony obecnością na wszystkich wydarzeniach, w których biorą udział twoje prace?

— Nigdy nawet nie byłem na wernisażu własnych wystaw. Przeżycie odkrycia to dla mnie tortura. Właściwie moje stanowisko zawsze było takie: artysta powinien być znany ze swojej pracy, a nie z widzenia.

- Jak szybko pracujesz? Czy jesteś w stanie zaspokoić zapotrzebowanie na Ciebie? Na przykład dla wielu artystów wchodzących na światowy rynek jest to bardzo istotny problem, ponieważ ich tempo produkcji nie nadąża za szalejącym na nich popytem, a kolejka po ich prace potrafi ciągnąć się nawet kilka lat.

— Myślę, że to kwestia technologii. W takich przypadkach z reguły powstaje sztuczna sytuacja, podniecenie. Ale to nie znaczy, że artysta nie ma prac. Znam takie przypadki, kiedy artyście zabroniono malować, żeby więcej kosztował.

Jeśli chodzi o mnie, czasami płótna stoją latami, a czasami duże płótno może pojawić się w ciągu godziny. To nie zależy od mojego pragnienia, ani od konieczności, ani od niczego - to czysty przypadek.

ukraiński motyw. Chata

— Czy śledzi Pan wydarzenia we współczesnej sztuce ukraińskiej, jej rozwój i kolejne pokolenia?

- Z pewnością. Ale jestem bardziej obserwatorem i czekam.

- Więc nadal nie znalazłeś swoich podobnie myślących ludzi wśród swoich młodych kolegów?

Z chęcią, ale jeszcze nie widziałem. Sztuka współczesna ma niezwykle szerokie spektrum i do tej pory nie widziałem żadnych ciekawych rozwiązań w tym spektrum. Jeśli chodzi o wystawy, sztuka współczesna nadal powinna być bardzo wyraźnie powiązana z życiem, a gdy nie ma takiego związku, wygląda to bardziej jak gra.

Połonina Karpat

— Czy kolektywny model artystycznej refleksji i rozumienia rzeczywistości jest dla Ciebie istotny?

Nie, te czasy są już za nami. Na poziomie ludzkim mam wiele dobrych relacji, ale na poziomie twórczym... Na początku lat 90. był okres, kiedy my, artyści z kręgu "Rezerwatu Krajobrazowego", bardzo wzbogaciliśmy się kreatywną komunikacją. Ale potem się rozstaliśmy, każdy poszedł swoją drogą. Jest okej.

- Zachodni system sztuki jest tak zorganizowany, że artysta, osiągając pewien stopień sukcesu, w pewnym wieku, zaczyna uczyć następne pokolenie. Uczysz się gdzieś?

Próbowałem uczyć. Przygotowałem nawet kilku artystów i łatwo ich rozpoznać po kolorystyce. Okazało się, że to jakieś klonowanie. I wtedy ogólnie poczułem, że sam nie zaczynam robić tego, co bym chciał, i zdałem sobie sprawę, że te eksperymenty powinny być zatuszowane.

Wieczór nad jeziorem

Ale ktoś musi ludzi uczyć!

- Artyści mierni powinni uczyć... Dają fundament, bazę, a potem człowiek powinien podążać za sobą. Oczywiście łatwiej jest przyjąć i zaadaptować czyjąś wizję, ale w ten sposób nie staniesz się dobrym artystą. Więc nie widzę sensu w nauce. Silni przetrwają na własną rękę i znajdą swój własny język. Język artystyczny to kod. Artysta koduje obrazami, poeta słowami, ale kodowane są uczucia i myśli, a nie idee. Uważam, że to bardzo zabawne, kiedy ludzie rozmawiają o ideach w sztuce. Pomysł może być w nauce, filozofii, ponieważ istnieje odkrycie. Nie znam ani jednego filozofa wśród artystów.

— Jak bardzo interesujesz się historią sztuki, z którym z artystów możesz prowadzić dialog w czasie lub w przestrzeni?

- To standardowa sytuacja dla wszystkich artystów: każdy przechodzi przez prawie całą historię sztuki, żeby się opamiętać. Na każdym etapie miałam swojego własnego modela, z którym mogłam porozmawiać.

- Jakimi myślami, uczuciami żyjesz dzisiaj, czym oddycha twoja sztuka?

- Wróciłem do takiego outsidera w sztuce jak pejzaż. Krajobraz, który tak naprawdę dokonał rewolucji i ewolucji wszelkiej sztuki, od początku XX wieku został praktycznie wyrzucony poza swoje granice. Zawsze pisałem szkice, pejzaże na podporę, na odbiór, a ostatnio zdałem sobie sprawę, że stało się to dla mnie interesujące jako duży projekt.

Jak długo trwa ten powrót?

Całe życie maluję pejzaże. Kiedy zajmowałem się abstrakcjami, równolegle tworzyłem również pejzaże, nawet w latach 90. Wtedy zobaczyłem, że nie podniosę sobie poprzeczki wyżej niż chata, motyw ukraiński, więc poszedłem w abstrakcję, która otworzyła zupełnie inne horyzonty, nowe doznania. Ale kiedy przeprowadziłem się tutaj, na Zasupojewkę, chciałem czegoś naprawdę ukraińskiego, może nawet Gogolskiego. I znacząco wróciłem do malarstwa pejzażowego.

– Twój pejzaż graniczy z abstrakcją, czasem nie możesz się domyślić, czy to abstrakcja, czy figuratywność.

Tak, pozostaję wierny abstrakcji, ponieważ uważam, że w tej chwili abstrakcja jest najciekawszą rzeczą, jaką ludzkość stworzyła w sztuce.

— Cechą charakterystyczną Twoich prac jest bardzo żywy, swoisty fiolet, na pograniczu czerwono-niebiesko-liliowego... Czy to tylko hołd złożony pięknu zachodu słońca, czy manifestacja jakiegoś szczególnego stanu wewnętrznego?

- To jest stan wewnętrzny. W końcu nie rysuję samego pejzażu, ale tworzę emocjonalną przestrzeń.

Co oznacza dla Ciebie ten kolor?

„Prawdopodobnie jest to ponadczasowość. Jakoś od dzieciństwa nie czułem czasu, nigdy nie postrzegałem rzeczywistości taką, jaka jest, widziałem wszystko własnymi uczuciami.

- Nie boisz się nie nadążać za duchem czasu? Brakuje Ci jakiegoś ważnego aspektu teraźniejszości?

— Współczesny kierunek przypomina mi maraton — ludzie z całego świata przyjeżdżają, biegną, ale to wszystko jest chwilowe, dziś maraton w Sydney, jutro w Niemczech. Zobacz, jak szybko zmieniają się wszystkie te trendy. Sztuka jest takim statkiem, wielkim i cichym, który płynie ściśle własnym kursem, a wokół pływają łodzie i łodzie. W sztuce musisz żyć z własnymi uczuciami, myślami i własnym światem, inaczej po prostu weźmiesz udział w jakimś śmiesznym maratonie. Kogo to obchodzi - on biegnie. Nie jestem zainteresowany takim życiem.

Co zostaje, gdy czas się zatrzymuje?

— Napisałem w jednym katalogu, że cisza jest spotkaniem wieczności z codziennością, myślę, że to zdanie może być Twoją odpowiedzią. W zasadzie to samo słońce, ta sama zieleń istniały na Ziemi dwa i trzy tysiące lat temu, a artyści wtedy coś robili, ale zawsze widzieli to samo. Wszystko na świecie jest stabilne, ale następuje tylko zmiana zainteresowań, percepcji i postaw. Każdy musi znaleźć swoją drogę.

Masz takie introwertyczne spojrzenie na sztukę. Czy jest to spowodowane wpływem religii? Czy jesteś wierzący?

— Nie zagłębiałem się zbytnio w te kwestie, takie rzeczy się odczuwa intuicyjnie. Przez całe życie pracowałem z farbami, a to, co się z nimi robi, naprawdę potrafi zrobić z niewierzącego wierzącego. Kiedy zaczynałem, byłem bardzo pewny siebie, myślałem, że łatwo będzie robić to, co chcę. Ale bez względu na to, jak bardzo się starał, nic się nie działo. Trwało to bardzo długo, aż intuicyjnie podskoczyłem. A pracując tam, gdzie trzeba było brać szarość, zacząłem brać żółć, albo błękit, albo czerwień, a potem zastanawiałem się, jak to może być. Nauczę koloru, harmonii, nawet misia, ale to nie znaczy urodzić artystę… Jestem tylko fajką – coś przeze mnie przechodzi, a ja to ucieleśniam. I ten stan jest chyba najszczęśliwszy, ale takie momenty w twórczym życiu niestety zdarzają się rzadko.

- Osiedliłeś się w cudownym miejscu, na łonie natury, robiąc to, co kochasz. Co jeszcze Cię interesuje, jak żyjesz poza malowaniem? Interesujesz się na przykład polityką?

- Jako zwykły człowiek widzę wszystko, ale mimo mojego szalonego temperamentu nie pozwalam sobie na takie rzeczy, inaczej po prostu nie będę w stanie normalnie pracować. Uważam, że dobre wykonywanie swojej pracy jest najlepszą pozycją polityczną.

- „Świat mnie złapał, ale nie złapał”, jak napisał Skoworoda? ..

- W pewnym stopniu tak. Żyłem tylko pracą i zawsze interesowałem się nią. Wszystko poza nią to może 10% mojego życia. Nawet nie zauważyłem, jak dzieci dorastały, jak żyłem tym razem.

— Czy twoi potomkowie zostali artystami?

- Córka. Mój syn jest maszynistą, tak jak mój ojciec, bo pochodzę z rodziny kolejarza. Moja córka zaczęła rysować od dzieciństwa, ma niezwykły dar kolorystyczny, to co ja wzięłam z pracy, eksperymentów, eksperymentów, ona ma z natury. Czy to dobrze, czy źle, czas pokaże. Ponieważ to przeszkody robią swoje, w tym sensie, że człowiek albo się wycofuje, albo odwrotnie, staje się silny i rozwija charakter niezbędny artyście, pozycje i wszystko inne.