Menu
domWypoczynek i rekreacja

Rysunek jest sztuką. Jak nauczyć się rysować? Rysunek dla początkujących

Czy zawsze marzyłeś o nauce rysowania, ale nie wiesz od czego zacząć? Lubisz rysować, ale nie jesteś zadowolony z efektu? A może jesteś już dobrym rysownikiem, ale szukasz inspiracji lub chcesz spróbować nowych lekcji rysunku? Pomoże Ci w tym nasz wybór zasobów z bezpłatnymi lekcjami rysunku i malarstwa.

Tutaj każdy znajdzie coś przydatnego i interesującego dla siebie: lekcje rysunku dla początkujących i bardziej doświadczonych, kursy mistrzowskie z malarstwa i grafiki, artykuły i tłumaczenia, książki o sztuce i wiele więcej. Dowiesz się o różne techniki akwarele, malarstwo olejne, akryl lub gwasz. Naucz się pracować z węglem drzewnym, sangwiną, sepią, pastelami i innymi miękkimi materiałami. Zainspiruj się dziełami wielkich mistrzów w dziale galeria.

Jeśli chcesz szybko nauczyć się rysować, darmowy kurs Mili Naumowej pomoże Ci w lekcjach rysunku metodą jednego z najwybitniejszych rysowników, Albrechta Durera, działającego na przełomie XV i XVI wieku. Nawet jeśli w ogóle nie umiesz rysować.

A jeśli jesteś już dobrym rysownikiem, dzięki kursowi udoskonalisz swoją technikę i zrozumiesz, że z życia można narysować wszystko - każdą martwą naturę, pejzaż, a nawet portret. Dowiesz się wiele na temat podstawowych zasad rysunku, które są potrzebne zarówno grafikom, jak i malarzom.

Lekcje rysunku krok po kroku są tym, czego potrzebujesz! PURmix to strona zaprojektowana specjalnie w celu nauczania początkujących artystów i rozwijania umiejętności rysowania dla dzieci, które mają już doświadczenie w tej dziedzinie sztuki.

Dzięki lekcjom na tej stronie nauczysz się krok po kroku rysować ołówkiem na papierze dowolną postać z kreskówek, zwierzęta, postacie z anime, rysunki 3D, ludzi, portrety, graffiti, tatuaże, przyrodę i inne obiekty, które Cię interesują.

Ponadto nauczysz się poprawnie dopasowywać cienie, umieszczać akcenty, przestrzegać symetrii i niezbędnych parametrów obrazu, a także poprawnie przekazywać stan emocjonalny postaci, co jest jednym z najważniejszych wskaźników wysokiego poziomu umiejętności każdy artysta.

Na tej stronie znajdziesz lekcje rysunku online napisane przez uznanych mistrzów grafiki. Zajęcia przeznaczone są zarówno dla początkujących, jak i zaawansowanych artystów. Dla ułatwienia wszystkie lekcje zostały podzielone na sekcje. Na stronie znajduje się również forum, na którym możesz zadać wszystkie swoje pytania i uzyskać wyczerpujące odpowiedzi.

Projekt powstał na podstawie książki Marka Kistlera „Możesz rysować w 30 dni”. Krok po kroku, w ciągu zaledwie 20 minut dziennie, nauczysz się rysować ołówkiem, zaczynając od najprostszych kształtów geometrycznych, takich jak kula i sześcian, a kończąc na bardziej skomplikowanych obiektach, takich jak budynki i portrety.

Na tej stronie znajdziesz różnorodne lekcje rysunku. Według autora „będzie tu tyle lekcji, że kości Da Vinci będą nerwowo tańczyć, a Tycjan i Botticelli nerwowo będą na nas patrzeć z nieba”. Więc nie przechodź obok, sam ten widok jest wiele wart :)

To jest blog Jurija Sinczukowa. Na stronach jego witryny znajdziesz lekcje rysunku, które pomogą Ci poprawić umiejętność przekazywania świat za pomocą ołówków, długopisu i papieru. Yuri oferuje również różne prawa autorskie płatne kursy na rysunku.

Bezpłatny kurs wideo na temat rysowania prawej półkuli „Dodaj kolorów do swojego życia!” Natasha Erofeeva została stworzona specjalnie dla Ciebie, aby pomóc Ci stać się artystą - nie tylko na papierze, ale także w życiu! Rysowanie pomoże aktywować prawą półkulę, aby „przełączyć” mózg w tryb kreatywny. Kurs oferuje proste, kreatywne klucze aktywacyjne, z których możesz samodzielnie korzystać zarówno w domu, jak i w pracy. W wyniku szkolenia stworzysz 2 pełnoprawne obrazy.

Gry rysunkowe są przeznaczone dla osób z na różnych poziomach umiejętności artystyczne i przy całkowitym ich braku! Co więcej, na kursie najwięcej zyskają ci, którzy obecnie nie widzą w sobie talentu i wątpią, czy w ogóle potrafią nauczyć się rysować.

To jest forum dla osób rysujących komiksy lub chcących nauczyć się je rysować. Tutaj znajdziesz bezpłatne tutoriale dotyczące rysowania komiksów, aktualności, recenzje, dyskusje o komiksach, serie komiksów i wiele więcej. Jeśli jesteś fanem komiksów i chcesz nauczyć się samodzielnie je tworzyć, to ta strona jest zdecydowanie dla Ciebie.

Ta strona oferuje bezpłatne lekcje rysunku dla początkujących i dzieci.
Dzięki tym lekcjom nawet najmłodsze dzieci zrozumieją, jak rysować. Do ćwiczeń będziesz potrzebować jedynie zwykłego szkicownika, zaostrzonych ołówków i gumki.

Serwis „Grafika” jest źródłem informacji poświęconym grafice klasycznej, współczesnej, rosyjskiej i zagranicznej. Na tej stronie znajdziesz artykuły o sztuce, prace współczesnych grafików, a także próbki anatomii dla artystów, lekcje perspektywy, różne filmy rysunkowe, tutoriale, lekcje akwareli i wybór książek do nauki rysowania.

Na mojej osobistej stronie internetowej artysta ludowy W Rosji autorstwa Siergieja Andriyaki można znaleźć samouczki dotyczące rysowania wideo i wiele więcej. Biografia artysty, jego prace, książki, wystawy i artykuły.

Lekcje rysunku ołówkiem dla osób w każdym wieku i na każdym poziomie. Ponad 1500 dostępnych lekcji dla dorosłych i dzieci.

W wirtualnej szkole artystycznej Mistrz rysowania znajdziesz wiele bezpłatnych lekcji rysunku w języku rosyjskim! Pomogą Ci poznać podstawy i techniki rysowania, nauczą się rysować ludzi, zwierzęta, kwiaty, pejzaże, różne śmieszne obrazki i karykatury.

Na tej stronie znajdziesz około 400 lekcji rysowania ołówkiem krok po kroku dla dzieci i dorosłych.

Ta strona zawiera lekcje rysunku ołówkiem, akwarelą, olejem, gwaszem, farbami akrylowymi, tuszem, pastelami i wieloma innymi.

Na tej stronie znajdują się szczegółowe lekcje rysunku i malarstwa, przydatne informacje o sztuce i malarstwie oraz zalecenia dotyczące wyboru skutecznego kursu rysunku.

Grupy na VKontakte z bezpłatnymi lekcjami rysunku i malarstwa.

Sztuka rysunku i malarstwa 1

Pierwszy numer serii czasopism poświęconych rysunkowi

Liczba załączników: paleta, 4 farby, pędzel, 3 kartki papieru.

W 2013 roku ukazała się seria czasopism poświęconych rysunkom DeAgostiniego – Sztuka rysunku i malarstwa. Artykuł zawiera recenzję pierwszego numeru magazynu oraz wszystkie rozkładówki z pierwszego numeru magazynu.

Sztuka rysunku i malarstwa nr 1- farby akwarelowe (4 kolory, nazwa farby zapisana z boku każdej kuwety), biała plastikowa paleta w kształcie kwiatka, pędzel do malowania, biały papier kredowy do rysowania (3 arkusze, gruby, wysoki jakość)..

Oficjalna data premiery pierwszego numeru serii to 15.01.2013. A w sumie obiecują aż 100 pokoi!

W dzienniku znajdują się zszywki, więc teczka prawdopodobnie będzie posiadała pierścienie. Do folderu dołączony jest drugi numer (dodatkowo wraz z drugim numerem będzie 5 kolorowych kartek do rysowania).

Sztaluga (wersja mini) i szkicownik sprzedawane są osobno - cena wynosi odpowiednio 299 i 699 rubli.

Nakład emisji wynosi 350 tys.

Farby w pokoju są takiej jakości. Jeśli naprawdę zamierzasz rysować, kup normalne. Ale ogólnie rzecz biorąc, najważniejsza jest tu inspiracja, której magazyn naprawdę dostarcza.

Do sprzedania - oto numer 1
A oto ogólna część serii.

Dla porównania zobacz także recenzję 1. numeru starej serii Fabbri o rysunku - Wesoły artysta.

Sztuka rysunku i malarstwa, numer 1

Sztuka rysunku i malarstwa 1 - karton demonstracyjny (duży format).

tylna strona karton demonstracyjny.

Odwrotna strona opakowania z załącznikami w numerze.

Papier rysunkowy, paleta, farby, pędzel.

Okładka pierwszego numeru magazynu serii.

Łatwe do narysowania. Pierwsza lekcja - narysuj jabłko ołówkiem.

Pierwsza lekcja rysunku.

Kończymy rysowanie jabłka.

Letni krajobraz - praca z farbami.

Lekcja pracy nad krajobrazem.

Koniec lekcji (pejzaż).

Obraz farby akwarelowe.

Martwa natura z owocami.

Lekcja - rysowanie martwej natury.

Wykończenia (martwa natura).

Moc koloru.

Wazon kolażowy z kwiatami.

Kolaż, słownik.

Na odwrotnej stronie magazynu znajduje się OGŁOSZENIE II numeru.

Wstaw z datami wydania.

Paleta, 4 farby w kuwetach, pędzel.

Zapowiedź II numeru - będzie teczka na czasopisma i 5 kolorowych kartek do rysowania.

  • Wesoły artysta
  • Sztuka rysunku i malarstwa
  • Niemieckie przybory rysunkowe: farby i ołówki, pisaki, kredki
  • Zestaw do rysowania
  • Schipper
  • Sztuka kaligrafii
  • Malarstwo Smesharikiego
  • Kolorowy karton z wzorami
  • Kręcone nożyczki i zestawy kreatywne
  • Żel i klej do dekoracji
  • Farby akrylowe
  • Owady i ich przyjaciele Recenzja nr 10
  • Owady i ich przyjaciele Recenzja nr 9
  • Sztuka rysunku i malarstwa (seria testowa)
  • Drewniana sztaluga stołowa
  • Rysunek: DUŻO papieru, farby i pędzli

    Zebraliśmy cykl Wesoły Artysta – tam magazyn był o rysowaniu dla dzieci, był prostszy, tutaj był bardziej dla dorosłych, lub dla nastolatków, było bardziej skomplikowane. I nie ma tu rozmaitych „sztuczek i gagów”, których w „Wesołej artystce” było mnóstwo.
    Generalnie ciągle się zastanawiamy... liczb jest za dużo - aż 100! Będziesz musiał malować przez całe 2 lata. :-))

    Rysowałem zdjęcia z tego magazynu. Jutro zrobię zdjęcie i pokażę.

    Czekamy na zdjęcia!

    Czy to było malowane farbami z magazynu czy innymi?..
    Jaka jest jakość papieru w porównaniu ze zwykłym papierem akwarelowym lub rysunkowym?..
    Ogólnie rzecz biorąc, jest świetnie - i to prawda, wygląda na to, że całkiem możliwe jest nauczenie się rysowania.

    Podróżniku, wyszło dobrze!!!

    Dziękuję!
    Jakość papieru BARDZO DOBRA, jabłko narysowałam na zwykłym papierze. Malowałem farbami z gazety.

    Przepraszam, gdzie mogę kupić numer 1, byłem zbyt leniwy, żeby go kupić?

    jest jeszcze trochę
    Ale prawdopodobnie wkrótce się to skończy; pierwsze numery nie będą dostępne w sprzedaży zbyt długo.

    Bardzo interesujące. Chciałbym nauczyć się dobrze rysować, ale gdzie mogę kupić brakujące cyfry?
    Marina Władimirowna

    Oto jest

    Ale nie należy zwlekać z zakupem - stare numery znikają ze sprzedaży i bardzo trudno je później znaleźć!

    Spojrzałem na cenę: w Rosji kosztuje 139 rubli, a na Ukrainie będzie kosztować 100 rubli, czyli 25 UAH. Myślę, że serial ukaże się we wrześniu, kiedy zacznie się sezon szkolny, chociaż rozumiem, że serial skierowany jest bardziej do dorosłych. Myślę, że cena za pierwszy numer jest w porządku. Myślę, że na Ukrainie pierwszy numer będzie kosztował 10 hrywien, czyli 40 rubli, w Rosji 59.
    Widziałam 6 farb (swoją drogą, tubki są dość duże), akwarele plus podobna lub taka sama paleta plus pędzelek cena 6 UAH czyli 24 ruble. Ale tutaj cena dotyczy również magazynu i 3 kartek papieru, więc 40 lub 59 za tak niską cenę.

    Zdecydowanie uważam, że ta seria jest całkowicie nieadekwatna.
    Materiały do ​​​​rysowania nie kosztują tak dużo; do kupienia w dowolnej jakości - teraz nie ma z tym problemów;
    Nie można nauczyć się rysować z czasopism – mówię jako osoba, która ukończyła szkołę plastyczną u zdolnego nauczyciela. Talent do rysowania jest nadawany od urodzenia, tak jak ucho do muzyki- niektórzy to mają, niektórzy nie - w różnym stopniu. Ci, którzy to mają, rysują od urodzenia i nie mogą powstrzymać się od rysowania - myślą obrazami, wyobrażają sobie w głowie i próbują tłumaczyć na papierze - moja półtoraroczna córka narysowała wieloryba, nie mogąc tak naprawdę mówić . W sztuce widziałem tych, którzy studiują w pobliżu - uwierz mi, od razu jest jasne - komu to jest dane, komu nie (nie uważam się za szczególnie utalentowanego, rysuję - ale nie jestem artystą, raczej projektantem )
    Ci, którym Bóg nie dał talentu, nie będą potrafili rysować – żadne czasopismo nie pomoże. Wszelkie próby powtórzenia tego, co przeczytasz, zakończą się niepowodzeniem.

    Tak, tak naprawdę nie można nauczyć się rysować z czasopism, ale można po prostu nauczyć się rysować (szczególnie dla dzieci). To prawda, że ​​​​to czasopismo nadal nie jest zbyt interesujące dla dzieci, jest bardziej dla dorosłych, a dorosły może uczyć się zarówno z dobrych książek, jak i kursów.

    Piszę o dorosłych, o odbiorcy, dla którego przeznaczony jest magazyn.
    Z moich obserwacji wynika, że ​​rysowania dzieci powinna uczyć osoba dorosła, ktokolwiek – mama, tata, babcia, czy nauczyciel w kręgu. Ci, których matka przyjaźni się z ołówkiem, potrafią dobrze rysować w wieku 5 lat. Ci, którzy nie widzą w życiu procesu przekładania obrazu na czystą kartkę papieru - w wieku 7 lat okazuje się, że jest to trzylatek - oceniam po moich dzieciach i moich przedszkolakach.
    A po prawdziwą technikę artystyczną udaj się do mistrza - w pracowni lub szkole artystycznej. Bardzo lubiłam zajęcia plastyczne, przez 4 lata, 3 razy w tygodniu, po 3 pełne godziny – i nie znudziło mi się – latałam biegając.

    Ukończyłam też plastykę - chociaż studiowałam przez 6 lat i pod koniec nie mogłam tego znieść. Absolutnie każdy miał tam wpływ na wzrok - z roku na rok coraz więcej osób nosiło okulary, do 6 roku życia wszyscy nosili okulary, a silni nosili okulary. Nazywa się to szkoleniem zawodowym. Oczywiście jest w tym plus - z łatwością mogę nauczyć dzieci rysować. :-) I tak, jeśli ktoś z moich bliskich uczy dzieci (na co dzień) - nawet nie uczy, ale po prostu pokazuje, jak i co - dzieci rysują. łatwo i cudownie. I uwielbiają rysować :-) Farby, ołówki, albumy i markery kupuję w paczkach.

    Skończyłam też pracę plastyczną, ale nie uważam, że magazyn jest bezużyteczny. Talent oczywiście nie pojawi się po przeczytaniu magazynu, ale dla ogólnej erudycji – czemu nie? Jeśli ktoś ma potrzebę rysowania i robi to dla siebie i sprawia mu to przyjemność, to kogo obchodzi, że jest to słabe? Miłośnicy karaoke również nie zawsze mają głos i słuch (znowu talent do karaoke na nic się nie przyda). A ktoś na przykład uczy się tańczyć walca (lub taniec brzucha) - dla siebie, a nie po to, aby zostać zawodowym tancerzem i występować na konkursach.

    Tak, niewiele osób musi osiągnąć poziom zawodowy, ale dla ogólnego rozwoju można uczyć się z książek i czasopism.
    Jak wersja dla dzieci Bardziej podobała mi się Wesoła Artystka – było więcej ciekawych zadań dla dzieci. To propozycja dla starszych dzieci, młodzieży i dorosłych.

    Jeśli potraktujemy go jedynie jako magazyn do czytania – 13 000 – 14 000 za komplet – to nie dużo? Jest tak wiele książek do ogólnego rozwoju, w tym do rysowania!
    Publikacja ta nie posiada moim zdaniem odpowiedniego połączenia ceny i korzyści. Dla mnie to spekulacja oparta na fałszywych nadziejach. Stracił zysk dla wydawcy, ale nie umiał rysować i nigdy się nie nauczył, po prostu czytał o rysowaniu (ale za duże pieniądze).

    Cóż, całkowicie się z tym zgadzam - za te pieniądze można kupić całość półka na książki zbieraj świetne książki o rysunku i kupuj potrzebne materiały (a nie zbieraj 2-3 tubki przez cały rok - jakiś nonsens)... A co do rysunku - WSZYSTKO jest na wyprzedaży, bierz i ucz się. Magazyn jest dla tych, którzy mają nadzieję, że go nauczą... To nie tak, cuda się nie zdarzają, trzeba się uczyć samemu. I jest to łatwiejsze - z książek, a nie z czasopism. Według magazynu wygląda to na jakąś rozrywkę.

    Zamiast zbierać cały zestaw, lepsza jest oczywiście jedna dobra książka o rysowaniu. Ale ta rozmowa przypomniała mi, że lepiej kupić jedną porcelanową lalkę kolekcjonerską niż 80 pań z tamtej epoki. Ale kupujemy :)

    :-)) Zgadzać się. Podobnie jest z czasopismami dla dzieci – są setki świetnych książek, a dzieci nadal kochają głupie czasopisma dla dzieci i czekają na nowe numery.
    Rzeczy dobre to jedno, a masowe i regularne to drugie :-)) Rzeczy dobre i kolekcjonerskie są na całe życie; Może po kilku latach będziesz chciał wyrzucić wszystkie te bzdury, ale... Może nie będziesz chciał :-)

    Magazyn mi się podobał

    A jednak przybory plastyczne zawarte w magazynie wcale nie zaszkodzą i nie widzę w tym magazynie nic złego. Oczywiście trzeba nauczyć się poważniej rysować od specjalisty, np Szkoła Artystyczna- Możesz ukończyć Akademię Sztuk Pięknych, ale nadal nie nauczyć się rysować.

    Mam numer 43, ale skończyłem go zbierać

    Nie, tak naprawdę nie zaczęliśmy kolekcjonować, jest mnóstwo książek o rysowaniu. Zakupiono tylko kilka numerów.

Natalia MARKOWA,
Kierownik Działu Grafiki
Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych
ich. JAK. Puszkin, Moskwa

SZTUKA RYSUNKU

Rysunek jest szeroko rozpowszechnioną formą sztuki i pierwszą, z którą człowiek spotyka się w swoim doświadczeniu estetycznym. Może to zabrzmi pompatycznie, ale bazgroły naszych dzieci są dowodem oswojenia się ze sztuką grafiki. Niewiele osób sięga po pędzle i farby, glinę, kamień i dłuta, ale ołówki, akwarele i papier są wiernymi towarzyszami każdego dzieciństwa. Potem, dorastając, oglądamy w muzeach obrazy i rzeźby, a grafiki na długo znikają z naszego pola widzenia, gdyż ze względu na dużą wrażliwość na światło muszą być przechowywane w teczkach w zamkniętych szafkach. Tylko na Krótki czas rysunki pojawiają się przed widzem na wystawach. I odkrywamy tę sztukę i zaczynamy poznawać ją na nowo.

Narzędzie do odkrywania świata

Rysunek - widok początkowy Dzieła wizualne. W formie najprostszej obraz liniowy, który ma charakter przygotowawczy, znajduje się w starożytne dzieła człowiek - w paleolitycznych malowidłach naskalnych odkrytych w jaskiniach Lascaux (Francja) i Altamira (Hiszpania).

Rzeźbiarze starożytnego Egiptu zaznaczyli węglem drzewnym zarys przyszłego posągu na kamieniu i rozpoczęli nad nim pracę; Greccy malarze waz używali go również do celów przygotowawczych. W średniowieczu ołówek ołówkowy był nieodzownym towarzyszem artysty: malarz ikon rysował nim zarys kompozycji na zagruntowanej desce, miniaturysta rysował nim ozdoby i obrazy fabularne na pergaminie przyszłego rękopisu.

Villard d’Honnecourt. Fragmenty „Księgi próbek”.
OK. 1235. Biblioteka Narodowa, Paryż

Czas przyniósł nam wyjątkowy zabytek średniowiecznej grafiki – album rysunków XIII-wiecznego francuskiego architekta Villarsa d'Honnecourt. Na jej kartach znajdują się niezwykłe rysunki geometryczne postaci zbudowanych według kanonów gotyku. Ujawniają ścisłe zależności proporcji, według jakich budowano wspaniałe posągi zdobiące fasady gotyckich katedr. Jednak we wszystkich podanych przykładach mamy do czynienia z prostym szkicem linearnym, który ma charakter bezosobowy (co odpowiada strukturze tych okresów kultury, która podporządkowała osobowość kategoriom uniwersalnym).

O rysunku europejskim jako sztuce możemy mówić już od XV wieku. W ciągu ostatnich sześciu stuleci wielka ilość artyści stworzyli morze rysunków, w tym wiele arcydzieł, nie gorszych pod względem artystycznym od obrazów, fresków i pomników.

Co się wydarzyło, co dało impuls do szybkiego rozwoju grafiki?

Rozwój renesansowego indywidualizmu, świadomość artysty jako twórcy, a nie bezimiennego wykonawcy woli Bożej, zdecydowany zwrot w stronę świata ziemskiego (i ku człowiekowi) oraz chęć uchwycenia jego piękna z maksymalną dokładnością i w sposób całą jego różnorodność. Rysunek stał się dla artysty potężnym narzędziem w rozumieniu świata, badaniu jego różnych form – czy to struktury kwiatu, czy struktury postać ludzka. I od różni artyści różnie widzieli różne rzeczy, odmiennie postrzegali i przekazywali nawet podobne motywy i przedmioty, ich prace graficzne różnią się od siebie tak samo, jak pozostawione przez wielu ludzi autografy. Sposób rysowania linii, cieniowania i rozmieszczania obrazu na płaszczyźnie jest indywidualny dla każdego wielkiego mistrza, dlatego zasadne jest mówienie w jego rysunkach o indywidualnym charakterze pisma artysty.

W osiągnięciu tych nowych celów ogromną pomocą okazał się rozwój produkcji papieru. Przywieziony do Europy (Hiszpania) przez Arabów ze Wschodu, w XIV wieku papier został doceniony jako tańszy i łatwiejszy w produkcji materiał na dokumenty i książki w porównaniu z pergaminem. Wynalazek druku dał początek boomowi papierniczemu w XV wieku; wiele papierni działało we Włoszech, Francji i Niemczech. I choć papier nie był bardzo tani, to jednak traktowano go starannie i ceniono, ale w zupełności wystarczał do powszechnego stosowania w warsztatach artystycznych.

Linia i punkt

Jakim językiem mówi grafika? Jakich środków wyrazu używa?

Jednym z głównych i oryginalnych elementów języka graficznego jest linia. Po pierwsze, przedstawia i tworzy iluzję plastycznej formy. Po drugie, linia ma swój własny rytm. Rytm linii może wyrażać wzrost, formację, ruch (na rysunkach Van Gogha) lub może pełnić funkcje dekoracyjne, jak u Botticellego czy Schongauera.

Sandro (Alessandro) Botticellego. Alegoria płodności lub jesieni.
OK. 1480–1485. Długopis w kolorze brązowym, oparty na szkicu czarną kredą na zagruntowanym różowo papierze. Muzeum Brytyjskie w Londynie

Długopis w kolorze brązowym, oparty na szkicu czarną kredą na zagruntowanym różowo papierze. Muzeum Brytyjskie w Londynie

Claude Lorrain. Krajobraz w rzymskiej Kampanii.
OK. 1650. Pędzel, bistre. Muzeum Brytyjskie w Londynie

I ta właściwość przybliża nas do muzyki. Ważne są w nim także interwały i pauzy (wg Niemiecki artysta Max Liebermann „rysunek to sztuka pomijania”). I wreszcie linia oddaje nam temperament, doświadczenie czy nastrój artysty; Może być spokojna i gładka, jak twórczość Matisse'a czy Modiglianiego, ale może też być rozdarta, kłująca, jak niemieccy ekspresjoniści.

Inny istotny element Wyraziste środki graficzne są rozmyciem. Stosowany jest głównie przez artystów podczas pracy pędzlem, stosując techniki „mokre”: akwarelę, tusz, sepię czy bistromę. Można to jednak uzyskać stosując cieniowanie i techniki „suche”, takie jak ołówek, węgiel drzewny, sangwina, kreda czarna i kolorowa, sos, pastel. Plamą artysta często przekazuje uogólnione kształty obiektów, często gęsty cień.

Georgesa Seurata. Wsparcie mostu w Courbevoie. OK. 1886.
Sos podkreślony kredą lub gwaszem. Prywatna kolekcja

Transparentne podkładki pędzlowe służą do tworzenia wrażenia tafli wody, chmur, jasnych i zacienionych planów. „Krajobraz w rzymskiej Kampanii” Claude’a Lorraina jest niesamowity w wykonaniu: w nim majestatyczna panorama przedmieść Rzymu, zanurzona w porannej mgle, jest odtwarzana przez artystę za pomocą pędzla z miękkimi plamami brązowego bistre o różnych nasycenia.

Aby podkreślić objętość, kształt i podkreślić cienie, rysownik często ucieka się do cieniowania. Warto zauważyć, że samo zadanie – stworzenie iluzji trójwymiarowej objętości na płaszczyźnie kartki papieru – powstało dopiero w XV wieku i kojarzone jest z estetyką renesansową. Andrea Mantegna jako pierwszy zastosował ukośne cieniowanie za pomocą pióra i uzyskał w swoich rysunkach wrażenie potężnego, niemal rzeźbiarskiego reliefu.

Andrea Mantegna. Mężczyzna leżący na kamiennej płycie (studium postaci zmarłego Chrystusa).
Pióro i brązowy tusz ze szkicu czarną kredą, British Museum, Londyn

Jednak cieniowanie może również działać jako samodzielne administrowanie. Cały graficzny portret papieża Juliusza II został zbudowany przez Rafaela na swobodnej, szerokiej, równoległej kreskowaniu z ostro zaostrzoną sangwiną; buduje formy, oznacza ograniczające je powierzchnie i kładzie cienie.

Rafał Santi. Portret papieża Juliusza II
(studium do fresku „Sprawiedliwość” w strofach Watykanu).
1511. Kolekcja Sanguine Devonshire, Chatsworth

Ale najczęściej widzimy połączenie różnych technik i technik na jednym rysunku. Do najczęściej spotykanych zalicza się połączenie rysunku liniowego piórem lub ołówkiem z pędzlem w tonacji jasnożółto-brązowej lub szaro-niebieskiej, połączenie sangwinicznej, czarno-białej kredy (tzw. technika trzech ołówków , niezwykle popularny w XVIII wieku we Francji ze względu na swoje możliwości kolorystyczne).

Szkic, szkic, etiuda

Główne rodzaje rysunku - szkic, szkic, etiuda - ukształtowały się we włoskiej sztuce renesansu w XV – XVI wieku. w praktyce prac przygotowawczych artysty nad dziełem. Nieco później dodano do nich rysunek, powstały jako samodzielne dzieło sztuki. Zachowując swoje funkcje pomocnicze, wszystkie rodzaje rysunków z biegiem czasu zyskiwały coraz większe walory estetyczne.

Naszkicować często służy celach przygotowawczych, ale może mieć także charakter niezależny.

Rembrandta Harmensa van Rijna. Śpiąca kobieta (Hendrickje Stoffels).
OK. 1655. Pędzel w odcieniu brązu. Muzeum Brytyjskie w Londynie

Najważniejsze w tym jest szybkość wykonania i skoncentrowana realizacja planu. Jeśli rysunek zostanie „naszkicowany” z życia, najlepiej zachowa świeżość wrażenia. Najatrakcyjniejsze w szkicu jest to, że jak nigdzie indziej ukazany jest w nim indywidualny charakter pisma artysty. Wybitnymi mistrzami szkicowania byli Parmigianino, Gainsborough, Rembrandt, Watteau i Tiepolo.

Pióro i pędzel w odcieniu brązu, z białym akcentem.
Biblioteka Pierponta Morgana w Nowym Jorku

Szkic zawsze ma charakter przygotowawczy, nawet jeśli ostatecznie praca nie powstała. Artysta zarysowuje w nim ogólny układ grup i postaci, rozkład światła i cienia (oświetlenie) oraz główne elementy konstrukcyjne przyszłej kompozycji. Szkic może mieć różny stopień szczegółowości.

Etiuda- wiąże się z badaniem przyrody i polega na opracowywaniu szczegółów kompozycji na poszczególnych rysunkach. W licznych szkicach artysta bada poszczególne jego części – grupy, pojedyncze postacie, aż po wnikliwe studia głów, ramion, nóg, torsów, draperiów, tła krajobrazu czy nawet ukazanych na obrazie obiektów, detali kostiumów.

(studium do obrazu „Święto Różańcowe”). 1506.
Pędzel w odcieniu brązu, podkreślony bielą, na niebieskim papierze weneckim.
Kolekcja grafik Albertina, Wiedeń

Petera Paula Rubensa. Wizerunek Madonny niesionej przez aniołów
(nauka malarstwa ołtarzowego). OK. 1608. Kreda sangwiniczna i czarna.
Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. JAK. Puszkin

Trzeba powiedzieć, że nie wszyscy artyści potrzebowali rysowania w równym stopniu. Wybitni koloryści, Tycjan czy Velazquez, którzy z masy malarskiej bezpośrednio na płótnie tworzyli ekstrawagancje kolorystyczne, nie pozostawili prawie żadnych rysunków. Rysunki holenderskich mistrzów martwej natury są praktycznie nieznane, gdyż twórcy tego gatunku rozwinęli praktykę tworzenia szkiców pojedynczych obiektów lub grup obiektów w kolorze, akwareli lub oleju. Nie znamy rysunków Vermeera i Caravaggia.

Niezależne dzieło sztuki

Rysunek jako samodzielne dzieło sztuki rozwinął się w epoce manieryzmu – w drugiej tercji XVI wieku. Kunszt wybitnych rysowników renesansu i uniwersalne znaczenie, jakie rysunek nabył w sztuce włoskiej, podniosły go do tego stopnia, że ​​zaczęto przywiązywać do sztuki rysunkowej wszechstronne znaczenie. Stanowił podstawę wszelkiego rodzaju twórczości, był potrzebny malarzom i rzeźbiarzom, rytownikom i architektom oraz mistrzom sztuk użytkowych.

We Florencji w XVI wieku pojęcie „sztuki rysunkowej” ( art del disign) stała się w ogóle synonimem sztuki. (Jest to bardzo symptomatyczne, jeśli przypomnimy sobie, że opracowany pod koniec XIV wieku przez florenckiego Cennino Cenniniego podręcznik dla artystów, podsumowujący doświadczenia zawodowe poprzednich pokoleń malarzy od Giotta po autora, nosił tytuł „Księga sztuki lub Traktat o malarstwie.”)

To właśnie rysunek okazał się sztuką, w której najwyraźniej i bezpośrednio ujawniała się główna zaleta artysty: siła jego wyobraźni, inwazja, umiejętność komponowania kompozycji z głowy. Teoretycy sztuki na wszelkie możliwe sposoby podkreślali bliskość sztuk pięknych z innymi sztukami wolnymi (muzyką, poezją), naukami ścisłymi, filozofią, próbując wyprowadzić ją ze sfery rzemiosła, do której była zaliczana w poprzednich wiekach.

Znalazło to odzwierciedlenie nawet w terminologii: nazwano szkic pensiero- pomyślałem lub koncetto- koncepcja, plan, główny pomysł– pierwsza myśl, nadająca jej znaczenie platońskiego pierwowzoru. Wszystko to nadawało rysunkowi walory intelektualne. Rysowanie było postrzegane jako rodzaj aktywności intelektualnej. Wiąże się z tym komplikacja treści semantycznych rysunków, w których kryje się ukryta gra z obrazami i znaczeniami. Wykonane szkice kompozycji malarskich posłużyły jako modele dla prac graficznych o charakterze samodzielnym. Jest to szczególnie charakterystyczne dla twórczości artystów manierystycznych XVI wieku.

Często takie niezależne kompozycje miały być przetłumaczone na ryciny, dla kolekcjonerów lub jako prezenty. Najczęściej jednak nie pełnią one żadnej funkcji przygotowawczej czy ilustracyjnej i same w sobie są cenne ze względu na oryginalność kompozycji i kunszt zastosowanych technik. Te prace graficzne charakteryzują się starannością, wyrafinowaniem, fantazyjnym wykonaniem dekoracyjnym i złożonym, alegorycznym językiem obrazów. Rysunki takie tworzono z wyobraźni, „z głowy”, ceniono zawiłość kompozycji i pomysłowość fabuły, która często przedstawiała odmianę humanistycznych „naukowych” (obarczonych humanitaryzmem) alegorii.

Wybitnym przykładem grafiki manierystycznej jest rysunek słynnego holenderskiego rytownika Hendrika Goltziusa „Wenus, Ceres i Bachus”. „Wenus zamarza bez Bachusa i Ceres” – to zdanie ze starożytnej komedii Terencjusza stało się podstawą popularnego na przełomie XVI i XVII wieku. alegoria ucieleśniająca związek przyjemności zmysłowych.

Hendrik Goltzius. Wenus, Ceres i Bachus. 1604.
Długopis w dwóch odcieniach brązu na zagruntowanym płótnie.

Na pierwszym planie uosabia ją grupa idealnie pięknych postaci trzech bóstw. W głębinach Kupidyn hartuje strzały miłości w ogniu, który podtrzymują kłosy pszenicy (cecha Ceres) i liście winogron (cecha Bachusa). Obok niego artysta przedstawił siebie trzymającego nad ołtarzem dłuta grawerskie, porównując w ten sposób ich ostrość ze strzałami Kupidyna lub ukazując związek sztuki ze sferą boską.

Fakt, że włączył do kompozycji autoportret, świadczy o wyjątkowej wadze, jaką przywiązywał do dzieła, słusznie uważając je za swoje główne dzieło. Tworząc swój gigantyczny rysunek (2,8 x 1,7 metra!), Goltzius mógł mieć przed oczami kartony Leonarda czy Rafaela jako model, z którym chciał mu dorównać, a nawet przewyższyć. Jeśli rysunki te miały charakter przygotowawczy i było to podyktowane ich ogromnymi rozmiarami, to manierysta Goltzius stworzył samodzielne „arcydzieło pióra” ze złożonym programem alegorycznym jako kreacją samą w sobie, chcąc podkreślić znaczenie rysunku, co w oczach manierystów było równoznaczne z samym pojęciem sztuki.

A później w niezależnych rysunkach malarze znaleźli najbardziej odpowiednią formę realizacji swoich fantazji. Mistrzowie wszelkiego rodzaju scherzi di fantasy I capricci (Włoski. - gra fantasy, żarty, dzieła w swobodnej, kapryśnej formie) byli Wenecjanie Giovanni Battista Tiepolo i Francesco Guardi. Rysunki Guardiego w przewrotny sposób łączą prawdziwe zakątki Wenecji z pomnikami z innych miejsc lub wymyślonymi przez artystę. Zgodność z terminami muzycznymi ma charakter nie tylko formalny: kompozycje Tiepolo, po mistrzowsku naszkicowane przez porywcze i kapryśne linie pióra, przywodzą na myśl kaprysy skrzypcowe. Jego artystyczne płuczki zdają się drżeć i mienić się w wilgotnym powietrzu Wenecji.

Giovanniego Battisty Tiepolo. Błogosławieństwo.
OK. 1750. Pióro i pędzel w odcieniu brązu, Szafka grawerska, Berlin

Kontynuacją tego cyklu mogą być koszmary Goi, fantastyczne wizje Williama Blake’a i surrealistyczne gry Salvadora Dali z podświadomością.

Dość wcześnie portret wyłonił się jako samodzielny temat rysunku. Rozwój grafiki portretowej zrodził się pod wpływem renesansowego pragnienia utrwalenia swojego wyglądu dla potomności, ale także dla rodziny i przyjaciół. Portrety wymieniano i wysyłano jako prezenty. Całe galerie współczesnych pozostawiły nam mistrzów francuskich portretów ołówkiem z XVI wieku.

Francois Cloueta. Portret króla Karola IX.
lata 60. XVI w. Włoski ołówek, optymistyczny.
Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Francois Cloueta.
Margarita Francuska w dzieciństwie. Kreda czarno-czerwona, akwarela.
OK. 1560. Muzeum Condé w Chantilly

Znakomitych przykładów rysunków portretowych dostarcza twórczość Hansa Holbeina (Holbeina) Młodszego. Szczególnym nurtem w sztuce rokoko był portret pastelowy, wykonany kolorowymi kredkami. To obraz graficzny łatwiej ucieleśniał intymność i intymność, której szukano nowa sztuka, zmęczony barokowym przepychem.

Hansa Holbeina Młodszego. Czytanie Johna More’a Młodszego.
1526–1527. Kreda czarna i kolorowa. Kolekcja królewska, Windsor

Hansa Holbeina Młodszego.
Portret Anny, córki burmistrza Mayera.
OK. 1526. Kreda czarna i kolorowa.
Publiczna kolekcja sztuki, Bazylea

Szczególną sekcją w rysunku portretowym jest autoportret. Ze szczególną ostrością ujawnia trafność i wyrazistość cech charakterystycznych zazwyczaj dla portretu graficznego, otwartość duchową, większą w porównaniu z malarstwem spontaniczność i prawdomówność. Wyjątkowa pod tym względem jest postać Rembrandta, który stworzył około stu (!) swoich wizerunków w malarstwie, akwafortie i rysunku. Całość tworzy kronikę jego życia duchowego. W rysunku artysta, zwłaszcza w młodości, wzorował się na swojej twarzy, ucząc się wyrażania różnych emocji, często był dla siebie bezlitosny.

Rembrandta Harmensa van Rijna. Autoportret. 1637.
Sangina. Galeria Narodowa w Waszyngtonie

A jednak najbardziej uderzający przykład pozostawił Dürer. Rysunek autoportretowy, na którym artysta przedstawił się nago, to nie tylko roboczy szkic modela, w którym artysta zamiast modelki wykorzystuje siebie. To zdumiewająco szczera rozmowa artysty z samym sobą lub z Bogiem podczas wieczoru: „Panie, kim jestem? Dlaczego wysłałeś mnie na ten świat? Religijność tkwiąca w świadomości Dürera nie opuszczała go nawet w najśmielszych renesansowych spostrzeżeniach. I ten rysunek był urodziło się to to samo napięcie duchowe, co obrazy Apokalipsy i malowniczy „Autoportret na obraz Chrystusa”, w którym artysta jednak nadaje swojemu wyglądowi większą reprezentację.

Albrechta Durera. Autoportret. 1506.
Pióro i pędzel szary ton, białe podświetlenie,
na zielonym zagruntowanym papierze.
Zbiór grafik. Muzeum Zamkowe. Weimar

Zupełnie inne, ziemskie i praktyczne okoliczności spowodowały pojawienie się i niezwykle szerokie rozpowszechnienie rysunków wykonanych jako kompletne kompozycje graficzne wśród Holendrów artyści XVII wiek. Przeznaczone były do ​​sprzedaży na wolnym rynku dzieł artystycznych, które powstały w Holandii. Takie kompozycje były podpisywane przez artystę, tak aby osoba kupująca dzieło wiedziała, czyj rysunek kupuje.

W pracach tych odzwierciedlona jest cała różnorodność motywów pejzażowych i codziennych holenderskiego „złotego wieku”, podobnie różnorodne są techniki graficzne stosowane przez rysowników: od akwareli A. van Ostade’a imitujących malarstwo lżejszymi i prostszymi środkami, po te wykonane włoskim ołówkiem lub długopisem z washem, sangwiną lub kolorowymi kredkami kompozycji Ludolfa Backhuysena, Jana van Goyena, Allarta Everdingena, Nicolasa Berchema, Cornelisa Bega, zachowując przy tym całą specyfikę konwencji języka graficznego, którą doskonale wyczuwali.

Podobna sytuacja można zaobserwować w XIX w. wraz z upowszechnieniem się gatunków akwareli, zarówno za sprawą niesamowitej pasji do tej techniki, jak i zamiłowania do podróży, które jako pierwsze w tym czasie ogarnęło szeroko Europejczyków.

Cechy estetyczne obrazu graficznego

Rysunek w swojej technice może, podobnie jak rzeźba, ukazać wolumetryczno-plastyczne walory modela, ale może też zbliżyć się do języka malarstwa. Zwłaszcza w przypadku stosowania miękkich materiałów z cieniowaniem, takich jak węgiel, sos, miękki ołówek, pastel, czy „mokry” kolor lub techniki monochromatyczne – akwarela, sepia, tusz, a nawet nakładane, jak w malarstwie, pędzlem. A jednak w głębi, w samej istocie, język i struktura figuratywna grafiki znacznie różnią się od innych sztuk.

Z kilku przykładów, które poruszyliśmy, można już wyciągnąć wnioski na temat cech sztuki rysunkowej. Po pierwsze – to minimalizm środków , użyte przez rysownika. W rzeczywistości rysunek, z wyjątkiem akwareli, jest mocno ograniczony kolorem, prawie go pozbawiony. Artysta operuje niewielką liczbą odcieni, jednak operuje głównie w zakresie czerni i bieli.

Z tego wynikają inne właściwości tej sztuki - lakonizm i konwencja język artystyczny. Obraz na rysunku można stworzyć kilkoma liniami lub pociągnięciami pędzla, szybkość i zwięzłość wyrazu przypominają aforyzm lub pismo kursywą; charakteryzuje się prostotą i ogólnością form. Już w pierwotnej koncepcji rysunek zawiera wszystko, co będzie w gotowej kompozycji, ale w zwiniętym, skoncentrowanym wyrazie. Rysunek może ujawnić aspekt projektu figuratywnego w sposób, który może nie zostać zrealizowany w gotowym dziele.

Leonardo da Vinci. Studium głowy wojownika do kartonu „Bitwa pod Anghiari”.
OK. 1503–1504. Czerwona kreda na papierze. Muzeum Sztuk Pięknych w Budapeszcie

Namiętny wybuch inspiracji, posługuje się artysta odważna konwencja, deformacja, groteska , powstałe w wyniku ostrego i dokładnego oddania natury. (Nawiasem mówiąc, właśnie dlatego karykatura jest gatunkiem należącym wyłącznie do dziedziny grafiki. Pierwsze groteskowe obrazy należą do Leonarda da Vinci. Uważał, że artysta nie powinien unikać tego, co brzydkie lub nadmiernie wyraziste, gdyż te cechy równoważą piękno rozproszone w świecie, ale w jego malarstwie dominowały wysublimowane obrazy. W XVII wieku Guercino i wielki rzeźbiarz Gian Lorenzo Bernini umiłowali karykaturę, w XVIII wieku zaczęto tworzyć całe albumy z karykaturami współczesnych i wydarzeń politycznych. opracowany przez Włocha Pier Leone Ghezzi i Anglika Thomasa Rowlandsona. Wśród późniejszych artystów Honore Daumier i Toulouse z powodzeniem stosowali technikę groteskową.)

Henriego de Toulouse-Lautreca. Yvette Guilbert przed kurtyną.
 1894. Kreda i akwarela. Muzeum Szkoły Rysunku, Rhode Island

Ale nawet jeśli artysta starannie odtworzy na rysunku rzeczywisty obiekt, nigdy nie będzie on miał takiego stopnia iluzoryczności jak w malarstwie. I nie tylko dlatego, że nie ma koloru obiektowego. W obrazie graficznym widzimy nie tylko sam obraz, ale jednocześnie mediów artystycznych które ją tworzą: sieć linii, kresek i plam na powierzchni podstawy. Niepomalowana kartka papieru, nawet z najbardziej trójwymiarowym obrazem, będzie nam wyraźnie przypominać, że obraz powstał na dwuwymiarowej płaszczyźnie. Dlatego umowność i płaskość są niezbędnymi składnikami estetyki rysunku. A doświadczony rysownik, doskonale wyczuty w specyfice pracy w grafice, zawsze bardzo ostrożnie podchodzi do powierzchni podłoża, doceniając jej walory strukturalne i zachowując równowagę pomiędzy płaszczyzną arkusza a objętością obrazu .

Specjalne podejście do samolotu jest jedną z podstawowych właściwości grafiki. Powierzchnia kartki papieru odgrywa aktywną rolę w tworzeniu obrazu graficznego. W przeciwieństwie do płótna lub deski, która jest całkowicie ukryta pod kilkoma warstwy farby, przekształcając płaszczyznę w iluzję trójwymiarowego świata, nawet na najbardziej szczegółowym rysunku, powierzchnia papieru zawsze prześwituje poprzez pociągnięcia i pociągnięcia, poprzez cienkie pociągnięcia akwareli, bistre, sepii lub tuszu. Dlatego na rysunku większe znaczenie ma położenie linii i ich kombinacja, a także ich cechy: zginanie, nacisk, prędkość czy spokojne nakładanie.

Szybkie, przesuwane kreskowanie stworzy na białym prześcieradle wrażenie tafli wody, trawy czy np. stołu. Wręcz przeciwnie, linie podkreślające objętość przedmiotu lub figury zmuszają do postrzegania otoczenia białe tło jako środowisko powietrzne. Już jedna linia narysowana na arkuszu wyznacza już odbiór kompozycji: pozioma podzieli arkusz na górę, co mimowolnie, analogicznie do widzialny świat, będzie postrzegany jako niebo, a dół - „ziemia”. Dwie zbieżne linie proste sprawią wrażenie oddalającej się perspektywy itp.

Doskonałym przykładem takiego lakonicznego rysunku jest widok portu w Antwerpii, naszkicowany przez Dürera w albumie podczas jego podróży do Holandii w 1520 roku. Dwa rzędy tematycznych form, które stopniowo zmniejszają się wraz z odległością – mury miejskie i łodzie wzdłuż brzegu – tworzą obraz miasta portowego, „portret okolicy”, podczas gdy większość arkusza pozostaje pusta. Jednak samo umiejscowienie obrazu na kartce i dwie, trzy linie na horyzoncie z całą pewnością powoduje, że w równie białej otaczającej powierzchni widzimy ziemię, wodę i niebo, a równomiernie białe tło papieru mylimy z rozproszonym światłem pochmurna pogoda panująca na tych nisko położonych terenach.

Albrechta Durera. Port w Antwerpii.
1520. Pióro, atrament. Kolekcja grafik Albertina, Wiedeń

Cel służebny rysunku, jego istota jest zdeterminowana przez jego istotę większa swoboda komponowania. Właściwie o jakiej przemyślanej, sprawdzonej kompozycji możemy mówić, jeśli arkusz wypełniony jest szkicami poszczególnych obiektów, ramion, nóg, części draperii? Wymagały tego potrzeby praktyczne: wszystkie poprawiane detale i ogólny układ figury musiały być, jak to się mówi, pod ręką, najlepiej skupione na jednym arkuszu, aby ułatwić pracę przy tworzeniu ostatecznego szkicu figury lub kompozycji lub ich przenoszeniu do kartonu. Jednak wielki mistrz, nawet w małych formach, nawet w szkicach pomocniczych, często nieświadomie pokazuje swój gust i umiejętności w wykańczaniu pobieżnych szkiców, w układaniu poszczególnych wątków na jednej kartce, co nadaje tym arkuszom własną wartość estetyczną .

Antoine Watteau uwielbiał szkicować jedną postać w różnych turach, nieco różniących się od siebie. Takie szkolenie pozwoliło mu osiągnąć tylko to, co wrodzone harmonia muzyczna figurował grupy w swoich kompozycjach obrazowych. (Jedno z badań wykazało nawet, że konstrukcja grup figuratywnych w obrazach Watteau odpowiada płynnemu rytmowi ruchy taneczne menuet.) Ale w arkuszach ze szkicami ujawniają się nam te same subtelne niuanse i odcienie o nieco zmieniającym się wyrazie w zależności od kąta, obrotu i najmniejszego ruchu. A dwa niezależne studia postaci na kartce papieru mimowolnie łączą się w figuralny „duet”.

Antoine’a Watteau. Naszkicować. 1710.
Kreda czerwona, czarno-biała na kremowym papierze.
Ze zbiorów prywatnych, Nowy Jork

Antoine’a Watteau. Naszkicować. 1710. Sangina,
Włoski ołówek, jasne pranie w tonacji jasnobrązowego,
podświetlenie światłem białym. Rijksmuseum w Amsterdamie

Watteau często portretował aktorów teatralnych. Kiedy jednak rysował lub pisał bohaterów swoich hucznych uroczystości, sama postać stawała się „aktorem”, a dialog prowadzony był poprzez pozy i gesty postaci występujących w scenie. Tutaj liczyły się niuanse - lekko uniesione ramię i zadarty nos, lekkie przechylenie tułowia, na wpół obrócone spojrzenie. Artysta nauczył się uchwycić te niuanse przede wszystkim w szkicach graficznych.

Tę swobodę w rozmieszczeniu obrazu na arkuszu zachowuje rysunek i in w tym wypadku, gdy jest pomyślany jako dzieło niezależne. W sztuce obserwujemy odważne eksperymenty z kątami. koniec XIX wieku, a w XX wieku właśnie na rysunkach. Edgar Degas, który teatr baletowy znał jak nikt inny, poznawał ten świat ze wszystkich stron, na scenie i za kulisami. W jego pastelach zostaje przesunięty zwyczajowy frontalny punkt widzenia na lożę, spektakl przedstawienia ukazuje się nam fragmentarycznie – czasem z orkiestronu, czasem z bocznej loży lub z wyższej kondygnacji.

Niesamowite rozwiązanie proponuje Henri Matisse w szkicu portretowym kobiety opierającej się na oparciu krzesła. Postać odcięta jest krawędziami prześcieradła, ale jednocześnie pierwszy plan (co oznacza krzesło służące za podpórkę) pozostaje pusty. Ale przy takiej kompozycji, która tworzy „ramę” dłoni i kartkę papieru, oczy są szczególnie wyraziste na twarzy, spojrzenie jest nieco roztargnione, zamyślone, nieco nieśmiałe, a jednocześnie gotowe do uśmiechu. Obfitość powietrza w rysunku, „śpiewające” linie konturu, niewątpliwy urok modelki nadają rysunkowi naturalności i swobody, pomimo pozornie przemyślanej kompozycji.

Henryk Matisse. Studium modelki pochylonej nad głową
z rękami skrzyżowanymi na oparciu krzesła (Lidia Delectorskaya).
1934. Grafitowy ołówek. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Wyjątkowość sztuki rysunkowej najwyraźniej objawia się w szkicach i szkicach. Charakteryzują się niezwykłą swobodą wykonania, spontaniczność i impulsywność wyraz twórczego pomysłu. Często wypełnione są szybko przecinającymi się liniami, które sprawiają wrażenie splątanych, splecionych w kulkę lub plamkę. Vasari mówi o takich rysunkach, że są „wykonane w formie plamy i przypływu inspiracji”. Aby je scharakteryzować, znajduje takie definicje jak odwaga, siła, wolność.

Wpatrując się w zawiłość tych linii i plam, próbując je zrozumieć, zidentyfikować bohaterów „historii” i zrozumieć jej konflikt, poznajemy najskrytszy sekret kreatywności i doświadczamy niezwykłych emocji. Tylko rysunek może tak wyraźnie przedstawić przełożenie wrażenia wizualnego lub wewnętrznego doświadczenia na obraz artystyczny. Jednocześnie „zaraża” nas uczuciami bliskimi tym, jakie towarzyszyły samemu mistrzowi w momencie rysowania i rozbudzają naszą wyobraźnię. To poczucie uczestnictwa w procesie twórczym daje widzowi radość doznań estetycznych i jest integralną cechą odbioru dzieł graficznych.

„Rysunek jest najbardziej bezpośrednim, impulsywnym wyrazem twórczości artystycznej... Rysunek to obserwacja, refleksja, kreatywność, stopione razem i ujawnione w żywym procesie ich wzajemnego połączenia. Rysunek to artystyczny obraz w trakcie tworzenia” – tak trafnie i zwięźle zdefiniował istotę sztuki rysunkowej jeden z najlepszych rosyjskich ekspertów, V.N. Graszczenkow.

A ponieważ obraz graficzny rodzi się na naszych oczach, posiada ruchliwość zewnętrzną i wewnętrzną, jest otwarty na naszą wyobraźnię, swobodnie go wyobrażać i rozwijać w dowolnym kierunku, jego zmienność odczuwamy jako niekompletność, niekompletność . Poczucie właśnie przerwanej pracy, którą w każdej chwili można kontynuować, cząstka jakiejś technicznej, a co najważniejsze, twórczej niekompletności jest zawsze obecna nawet w najbardziej ukończonym obrazie graficznym.

Rysunek swój pierwszy rozkwit przeżył w czasach, gdy kompletność formalna i techniczna dzieł była obowiązkowym wymogiem dzieł sztuki. I tylko w rysunku niekompletność wynikająca z samej natury tej sztuki nie wpłynęła na jego ocenę estetyczną, gdyż w rysunku, zdaniem Delacroix, „ledwo zarysowany zarys lub szkic, przepojony autentycznym uczuciem, może w swej wyrazistości stać się tym samym poziomie jako najbardziej kompletne dzieła.”

Sam ze sobą

O wszystkich wskazanych walorach estetycznych rysunku zadecydowało jego szczególne, bliskie i intymne powiązanie z osobowością artysty.

Rysunek od samego początku nie był przeznaczony dla wścibskich oczu. Jak trafnie zauważył słynny niemiecki krytyk sztuki Max Friedländer, „malując artysta jest sam ze sobą; rysunek jest monologiem.”

W celach pomocniczych podczas procesu tworzenia obraz Przez długi czas istnienie arkuszy graficznych ograniczało się do ścian pracowni. Co prawda, tutaj rysunki, zwłaszcza mistrza kierującego pracownią, zostały docenione, utrwalone i stanowiły swego rodzaju „kapitał artystyczny” warsztatu, przekazany następcy. Stanowiły wzorce do nauki, niewyczerpany zasób wynalazków artystycznych i gotowe modele do malarstwa.

Wiadomo, jak starannie Rubens zapisał w testamencie losy swojego setnego dziedzictwa graficznego, dopuszczając jego sprzedaż tylko w przypadku, gdy żaden z jego synów ani zięciów nie wybierze ścieżki artystycznej. Rysunki ukradziono, żeby zapożyczyć pomysł, szpiegować nową metodę artystyczną: Vasari opowiada o takich historiach w biografii swojego idola Michała Anioła; w Holandii w XVI w. Znane są procesy w sprawach dotyczących kradzieży rysunków. I choć dość wcześnie, bo już w XVI w., niemal równocześnie z narodzinami nowej sztuki, pojawili się jej wielbiciele – kolekcjonerzy rysunków, to jednak zbiory prywatne były dostępne dla wąskiego kręgu odbiorców.

Vasari był prawdopodobnie pierwszym poważnym kolekcjonerem rysunków. Jego „Księga rysunków” była swego rodzaju dodatkiem do „Biografii”. Składał się z pięciu tomów o wymiarach 610? 460 mm, zawierały graficzne portrety artystów, których biografie opisał, otoczone ich rysunkami. Vasari ułożył rysunki według autorów i szkół; system ten stanowił podstawę współczesnej klasyfikacji. Doceniając ich estetyczną doskonałość, oprawiał rysunki w skomplikowane, narysowane przez siebie ramy; Do dziś służą one do identyfikacji rozrzuconych arkuszy z jego kolekcji w repozytoriach muzeów na całym świecie.

O ile przykłady publicznego wystawiania obrazów można znaleźć już w starożytności, o tyle kwestia legalności pokazywania rysunków na wystawach budziła kontrowersje już na początku XX wieku.

O jednym z takich sporów wspomina w „Notatkach kolekcjonera” jeden z najstarszych i największych kolekcjonerów epoki sowieckiej, A.A. Sidorov: „...to była kwestia tej przyjaznej dysputy o rysunek, o jego prawo do wystawiania obok malarstwa na równi z obrazem. „Rysunek to jeszcze nie obraz. Na wystawy ludzie chodzą oglądać obrazy, a nie ich fragmenty czy preparaty do nich” – powiedział jeden z uczestników „Zjednoczenia”, znany pejzażysta. Pasternak z charakterystyczną dla siebie łagodnością odpowiedział: „Nie, nieważne, co powiesz, rysunek żyje swoim życiem, którego w obrazie czasem nie ma. Rysunek ma swój urok.”

Aranżacja ekspozycji graficznych weszła w życie życie artystyczne w dobie secesji – stylu, który swoje ukształtowanie zawdzięcza grafice i niezwykle podniósł swój status artystyczny.

Ale to właśnie dzięki „schronieniu” na rysunku przed uwagą innych ludzi artysta czuje się bardziej wolny od norm twórczości artystycznej, stylu i tradycji. Kreatywne zadania są ujawniane w grafice odważniej i bezpośrednio. W swoim historycznym rozwoju rysunek często wyprzedzał rozwój malarstwa.

Łatwa dostępność materiałów i szybkość techniki rysunkowej spowodowały większą „reakcję” grafiki na wymagania czasu. W rysunku wcześniej niż w malarstwie eksplorowano nowo pojawiające się tematy i pojawiały się nowe gatunki. Narodziny pejzażu jako samodzielnego gatunku malarstwa datuje się na lata 30. XVII wieku, natomiast w rysunkach obraz natury niezależny temat pojawia się sto lat wcześniej. Akwarelowe pejzaże Dürera, leśne zarośla Albrechta Altdorfera i Wolfa Hubera, alpejskie widoki Pietera Bruegla Starszego niewątpliwie wykorzystywali artyści w swoich obrazach, ale jednocześnie pozostały pierwszymi w historii sztuki przykładami „czystego” pejzażu .

Pietera Bruegla. Alpejski krajobraz z rysunkiem artysty.
OK. 1556. Pióro w odcieniu brązu, kolekcja Seilern, Londyn

Czasem można zaobserwować, jak zaangażowanie artysty w różne kierunki stylistyczne objawia się w grafice i malarstwie. Ryciny Hendrika Goltziusa ukazują ich twórcę jako najwybitniejszego przedstawiciela późnego manieryzmu europejskiego koniec XVI V., wirtuoz uderzeń i autor skomplikowanych kompozycji alegorycznych. Jego rysunki krajobrazowe w prosty i duchowy sposób przekazują prawdziwe widoki holenderskiego krajobrazu - ruiny starożytnego zamku Bredero, panoramy przedmieść Haarlemu. Były to pierwsze przykłady holenderskiego krajobrazu narodowego, wyprzedzające o dziesięciolecia malarstwo swoich rodaków.

Dla większości klasycznych mistrzów rysunki są nierozerwalnie związane z ich twórczością malarską - wspólnym tematem, fabułą, obrazami i jednym stylem.

Ale zdarza się, że rysunek pozwala ujawnić aspekty talentu artysty, które nie zostały zrealizowane w głównym nurcie jego twórczości. Trudno zdać sobie sprawę, że lśniące kolory, błyskotliwe portrety rodziny królewskiej, sceny ludowych festiwali gobelinów i mroczne satyryczne fantazje „Caprichos” namalowała ta sama osoba – królewski malarz Goya. Goya faktycznie wykonywał rysunki pędzlem rozmytymi tuszem, odzwierciedlające drugą stronę życia w Hiszpanii swoich czasów, ze wszystkimi jej uprzedzeniami i przywarami klasowymi, religijnymi, równolegle z wykonywaniem królewskich rozkazów, i dało to trzy duże albumy. Następnie artysta wybrał kilkadziesiąt z nich i zamienił je w ryciny. Tak powstała seria „Caprichos” – jedno z arcydzieł światowej grafiki drukowanej.

Francisco Goya. Czarownice gotowe do lotu
(z albumu Madryt). 1796–1797.
Mycie pędzla i tuszu. Ze zbiorów prywatnych, Paryż

Tiepolo posiada grupę rysunków zawierających szkice widoków miejskich – dziedzińców Wenecji widzianych z okna pracowni artysty. Te arkusze graficzne są wykonane niezwykle prosto i dokładnie w przekazywaniu natury. Wydaje się, że mistrz magicznych uroczystości i przedstawień teatralnych, w które pod jego pędzlem zmieniał się każdy temat, znalazł w tych rysunkach odskocznię od wielkich fantazji. W dziedzictwo artystyczne surowe klasycystyczne szkice drzew Poussina zadziwiają niemal romantycznymi emocjami.

Na ścieżce odkryć naukowych

Estetyka sztuki renesansu wymagała od artysty znajomości natury i umiejętności jej realistycznego oddania w sztuce. W tym celu na warsztatach artystycznych badano zasady perspektywy i budowę ludzkiego ciała. Odpowiednie umiejętności rozwinęły się w rysunku, ale dodatkowo do czasu wynalezienia fotografii połowa 19 wieki rysunek pozostał jedyny sposób rejestrować odkrycia naukowe w makro- i mikrokosmosie.

Artyści stworzyli ilustracje anatomiczne i traktaty medyczne, książki o manierach i ubiorach, atlasy geograficzne, botaniczne, zoologiczne. A w tych wczesnych ilustracjach naukowych dokładność obrazu jest nierozerwalnie związana z artystyczną ekspresją; na tych rysunkach nie ma śladu beznamiętnej suchości. A rysunki takiego geniusza jak Leonardo nie ustępują jego studiom artystycznym.

Leonardo da Vinci. Szkice roślin.
Pióro wzorowane na sangwinicznym wzorze. Biblioteka Królewska zamek Windsor

Wiadomo, że Leonardo da Vinci dokonywał wizjonerskich odkryć w różnych dziedzinach wiedza naukowa i to właśnie rysunki sprowadziły do ​​nas te projekty. Z piórem i ołówkiem w dłoniach obserwował przyrodę, zastanawiał się, porównywał, próbując rozpoznać ogólne prawidłowości. Trzy kodeksy not naukowych Leonarda są bogato zaopatrzone w objaśniające ilustracje. Jednak artysta nie może przestać być artystą, gdy koncentruje się na rysunku naukowym, a wiele z tych szkiców ma wyraz artystyczny o wielkiej mocy. Na przykład szkic silnej burzy, którą kiedyś zaobserwował u podnóża Alp, w jego rysunku rozwija się w powszechny kataklizm, ukazujący wściekłą siłę natury.

istnieją odpowiedzi na wszystkie te pytania. Oto podstawy, od czego zacząć malowanie. Postępuj zgodnie z tymi wskazówkami, wykonuj ćwiczenia, a nie będziesz się już bać pustej karty. Otrzymasz niezbędną wiedzę i podstawowe umiejętności. Malowanie stanie się bliższe, wyraźniejsze i sprawi mnóstwo przyjemności.

Część 1. Przygotowawcza

1. Znajdź inspirujący temat do narysowania

Zdarza się, że masz już wszystko przygotowane, ale nie możesz znaleźć przedmiotu, który by Cię zainspirował. Należy o to zadbać z wyprzedzeniem. Coś ciekawego prawdopodobnie leży w szafkach i szufladach biurka. Szukaj przedmiotów na wyprzedażach, w sklepach wysyłkowych i sklepach spożywczych. Zapoznaj się z obrazami swoich ulubionych artystów.

Wybór powinien obejmować przedmioty, na które przyjemnie się patrzy: jest to ważne dla tworzenia udanej pracy.

Zainteresowanie kolorem i kształtem będzie Cię motywować podczas pracy nad obrazem. Istnieje związek pomiędzy uczuciami do obiektu a zdolnością do ujawnienia swoich zdolności. Możesz więcej niż myślisz.

Na pierwsze zdjęcie wystarczy proste, jednokolorowe, symetryczne naczynie, np. zwykła filiżanka do kawy. Ilustracja z książki

2. Poznaj pędzle i farby

Weź w dłonie miękką okrągłą szczotkę i szczotkę z włosiem i porównaj ich włosie. Wyciśnij odrobinę na paletę farba akrylowa z tuby. Spróbuj zastosować nierozcieńczoną farbę. różne pędzle na płótnie lub papierze akwarelowym. Pociągnięcia powinny być jasne i odważne. Poczuj różnicę w pociągnięciach różnymi pędzlami. Dodaj trochę wody i ponownie wykonaj pociągnięcia. Farba o średniej konsystencji ma taką samą intensywność koloru jak farba nierozcieńczona, ale jej faktura jest wygładzona. I wykonaj to ćwiczenie ponownie, używając słabego roztworu farby. Zwróć uwagę, jak szybko farby schną za pierwszym, drugim i trzecim razem.


Ilustracja z książki

Spróbuj nakładać farbę różnymi pędzlami – miękkim owalnym, syntetycznym cienkim, włosiem płaskim. Wypróbuj każdy pędzel, aż będziesz mieć pewność, że wiesz, jakiego pędzla użyć, aby osiągnąć zamierzony efekt.


Ilustracja z książki

3. Przydatne techniki pracy z paletą

Kolory na obrazach, które widzimy, uzyskujemy najczęściej poprzez mieszanie: czysty kolor z tuby jest zazwyczaj zbyt intensywny. Te techniki ułatwią Ci uzyskanie pożądanego koloru.

  1. 1 Wyciśnij farbę z tuby na brzeg palety, zostawiając odstęp pomiędzy kolorami. Do mieszania użyj środka palety. Ustaw partie w większej odległości od siebie, aby zapobiec niepożądanemu mieszaniu.
  2. Nakładaj czysty kolor na pędzel od krawędzi palety, a nie od góry lub od środka wyciśniętej „kiełbasy”.
  3. Intensywne ciemne kolory, takie jak czerń (choć z naukowego punktu widzenia nie jest to kolor) należy dodawać ostrożnie; nawet niewielka ilość może znacząco zmienić mieszany kolor.
  4. Kolory należy mieszać ze sobą, aż mieszanina stanie się całkowicie jednorodna.
  5. Nie oszczędzaj na farbie. Wyciśnij tyle, ile potrzebujesz - zwykle jest to okrąg wielkości monety rublowej (w przypadku wybielania - wielkości monety pięciorublowej). Zużycie farby jest integralną częścią procesu malowania. Jeśli zaoszczędzisz za dużo, nigdy nie nauczysz się używać farby.

4. Naucz się uzyskać neutralne kolory

Na każdym zdjęciu są neutralne kolory - „wizualnie szary”. Ze względu na niewielką intensywność są niewidoczne na pierwszy rzut oka, ale stanowią najbardziej przydatne narzędzie do tworzenia harmonijnej kompozycji kolorystycznej. Zobaczmy, jak to osiągnąć.

Mieszaj kolor niebieski i pomarańczowy w dowolnej proporcji. Spróbujmy teraz zmienić temperaturę barwową poprzez proporcjonalnie ciepłe i chłodne kolory w mieszaninie. Jeśli wynik jest bardziej fioletowy, spróbuj uzyskać rdzawy kolor, dodając więcej pomarańczowej farby, a następnie wybiel, aby uzyskać jaśniejszy brzoskwiniowy kolor. Jeśli w pierwszym etapie uzyskasz rdzawy kolor, dodaj niebieski, aby uzyskać chłodny kolor, zbliżony do fioletu, a następnie biały, aby uzyskać jasnofioletowo-szary.

Powtórz poprzednie kroki dla kolejnej pary kolorów uzupełniających - żółtego i fioletowego, czerwonego i zielonego.


Pary kolorów dopełniających są połączone krótkimi pionowymi pociągnięciami. Kolory każdej pary miesza się ze sobą, tworząc dwa neutralne kolory, z których każdy został zdominowany przez jeden z kolorów rodzicielskich - te znajdują się na prawo od odpowiedniego rodzica. Ilustracja z książki

5. Kolory podstawowe, wtórne i trzeciorzędne

Narysuj okrąg, a następnie podziel go na trzy równe sektory. Pomaluj górny sektor żółtą kadmową, prawy dolny błękitem ultramarynowym, a następnie zmieszaj główną czerwień z karmazynu naftolowego i czerwonego kadmu i pomaluj nim lewy dolny sektor.

Na kole kolorów kolorów podstawowych narysuj półkola, których środki znajdują się na przecięciu granic sektorów z zewnętrznym konturem koła kolorów. Wypełnij te półkola kolorami wtórnymi, umieszczając je nad „rodzicami”: światło czerwone kadmowe nad granicą czerwieni i żółci, fiolet dioksazynowy nad granicą czerwieni i błękitu. Dodaj żółty do zielonego FC i wypełnij zielone półkole nad granicą między żółtym i niebieskim.

Kolor podstawowy po zmieszaniu z sąsiednim kolorem wtórnym daje kolor trzeciorzędny. Dodaj po jednym trójkącie z każdej strony półkola, co daje w sumie sześć. Pokoloruj każdy trójkąt zgodnie z etykietami.


Kolory podstawowe, drugorzędne i trzeciorzędne. Ilustracja z książki

Część 2. Rysunek

6. Zacznij od abstrakcji

Abstrakcja to ciekawy i prosty sposób przygotowania się do pracy nad realistycznym dziełem. Ważne jest, aby wybrać 3-4 kolory, które Ci się podobają, aby poczuć emocjonalny związek z obrazem. Narysuj na całej powierzchni arkusza prostym ołówkiem ciągła linia kątowa lub zaokrąglona. Może przecinać się kilka razy.

Pomaluj kształty na rysunku kolorami i odcieniami, konsystencją farby i pędzlem, które lubisz. Słuchaj swojego wewnętrznego głosu. Głównym zadaniem jest zrobić to tak, jak lubisz, zapominając o wszystkim innym.


Ilustracja z książki

7. Wzór rozmazu

Początkujący często nie są pewni, jak zastosować pociągnięcia. Strzałki na rysunku pokazują kierunek, który pomoże uzyskać odpowiednią głębię w przedstawionej przestrzeni na przykładzie kubka.


Schemat rozmazu i wynik. Ilustracja z książki

8. Jak nakładać cień do powiek

Cienie odgrywają kluczową rolę w tworzeniu trójwymiarowego obrazu: przede wszystkim trzeba nauczyć się je widzieć i pisać. Istnieją cztery rodzaje cieni:

  • Własne cienie zlokalizowane na obiektach. Są to obszary o ciemnej tonacji, które kontrastują z oświetlonymi częściami przedstawionej formy. Zwykle mają ostrą krawędź na zewnętrznej krawędzi i płynne przejście na krawędzi jasnych obszarów obiektu. Posiadają główną rolę w tworzeniu objętości.
  • Obszary półtonów- wąski, o miękkim konturze, umiejscowiony na granicy własnego cienia i oświetlonego obszaru obiektu. Te cienie to środkowy ton pomiędzy kontrastującymi ciemnymi i jasnymi tonami obiektu.
  • Spadające cienie- sylwetki przedmiotu „upadłego” lub rzuconego przez niego na jakąkolwiek powierzchnię inną niż on sam. Sprawiają wrażenie, jakby obiekt znajdował się na jakiejś powierzchni.
  • T Eni w punkcie kontaktowym- najciemniejszy obszar padającego cienia, leżący obok obiektu. Odpowiadają za „stabilność” i masę obiektu. Cienie te nazywane są także akcentem – najciemniejszym obszarem wśród ciemnych tonów. Akcent to ciemny odpowiednik rozjaśnienia, najjaśniejszy obszar wśród rozjaśnień.

Aby namalować cień, nałóż czarną farbę lub farbę o kolorze ciemniejszym niż kolor bazowy. W drugim kroku pokryj ten zaciemniony obszar głównym kolorem. Czarny półton powinien prześwitywać pod nową warstwą farby, tworząc kolorowy cień. Jeśli chcesz przyciemnić cień, nałóż więcej czerni od przezroczystej krawędzi cienia i wymieszaj z kolorem w półtonach.


Cień na przykładzie cylindra. Ilustracja z książki

9. Jak zastosować rozświetlacze

Aby uzyskać realistyczne podkreślenie, użyj suchego pędzla z białą farbą i pomaluj najjaśniejszy obszar obiektu tyle razy, ile jest to konieczne, aby uzyskać wystarczającą jasność. Na środku rozjaśnienia umieść niewielką odrobinę gęstej farby, aby uzyskać dodatkową jasność.


Dwa przykłady nakładki podświetleń. Ilustracja z książki

10. Maluj obrazy w swojej wyobraźni

Podczas studiów sprawy codzienne, maluj obrazy w swojej wyobraźni. W myślach poszukaj zgodności pomiędzy powierzchniami i teksturami, które widzisz wokół siebie, a sposobem, w jaki pracujesz pędzlem i nakładasz farbę.

W życiu każdego człowieka przychodzi taki moment, kiedy pragnie dowiedzieć się więcej o sztuce, zapoznać się z twórczością wielkich artystów i mistrzów pędzla. Można to zrobić czytając encyklopedie, ale łatwiej jest to zrobić w nich gra Sztuka i Rysunek. Zobaczysz najsłynniejszy obraz, Monę Lisę, i będziesz mógł poprawić jego wizerunek, jeśli uznasz, że artysta popełnił nieścisłości w obrazie. Aby to zrobić, będziesz mieć paletę farb i pędzli, a także kilka innych atrybutów, które mogą ozdobić każdy obraz. Po wykonaniu tego zadania wyobraź sobie siebie jako wielkiego artystę na drugim obrazku gry Sztuka rysowania. Tam musisz wypełnić puste płótno. Przecież ten obraz wisi na głównej ścianie galerii i trzeba się bardzo postarać, żeby zrobił na wszystkich wrażenie. Wymyśl rysunek, który uważasz za godny przedstawienia Cię jako mistrza pióra. Możesz grać w The Art of Drawing nie mając żadnych specjalnych talentów, ale po prostu chcąc się dobrze bawić. Przy pomocy słynnego obrazu i czystego płótna przyjemność ta zostaje przedstawiona podwójnie. Możesz nawet powtórzyć dzieło Da Vinci, przerysowując dziewczynę z pierwszego obrazu. Aby to zrobić, w grze Sztuka rysowania dostępna jest paleta, pędzle i gumka. Twoja wyobraźnia i instynkt podpowiedzą Ci, jaki kolor, grubość i rodzaj pociągnięć wybrać dla swojego narzędzia.