Artysta Rembrandt żył w epoce. Obrazy zwykłych ludzi i starych ludzi

Zawsze trudno jest mówić o tym, co naprawdę kochasz. Starannie dobierasz słowa, zwroty, nie wiesz od czego zacząć... Dlatego zacznę od małej rewelacji: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- mój ulubiony artysta, a poznałam go bardzo długo.

Jako dziecko - w Ermitażu, z opowieściami profesora-ojca. W młodości, na lekcje MHK w instytucie, ze starymi slajdami w ciemnej auli w długie grudniowe wieczory. W młodości - w niesamowitym Amsterdamie, radośnie śmiejąc się w promieniach zachodzącego sierpniowego słońca. Przeczytałem już setki wykładów o Rembrandcie, przeprowadziłem kilkanaście wycieczek, ale wciąż mam wrażenie, że teraz trzeba zanurzyć się w czymś nieznanym, ogromnym, niezrozumiałym.

To jak skok z pomostu do wód morza, gdzie byłeś pierwszy raz. Nie wiesz, czy woda jest tam zimna, ile jest kamieni na dnie. To oczekiwanie i zwątpienie sprawiają, że twoje ręce drżą nerwowo. Jest tylko jeden sposób, aby to pokonać - wyskoczyć z rozbiegu, czując łomot serca i jak w jednej chwili cały otaczający Cię świat zostaje porwany gdzieś w dal, a teraz zostajesz sam z czymś zupełnie nowym... Cóż , Dobrze! Skaczmy, otwórzmy oczy i zobaczmy!

W wieku 27 lat miał wszystko, o czym mógł marzyć artysta. Sława, sława, pieniądze, ukochana kobieta, setki zamówień. Był brany pod uwagę najlepszy mistrz malarstwa portretowego w jednym z najbogatszych miast swoich czasów, w perle Północna Europa− Amsterdamie.

Tak, nigdy na świecie nie było artysty, który byłby w stanie to stworzyć! Portret miał być doskonały, miał uwydatniać wszystkie wady człowieka, ale Rembrandt myślał inaczej. Jego portrety były żywe. Oddawali charakter, był w nich konflikt. Przed wami fragment portretu naczelnego poborcy podatkowego prowincji Holandia, Jana Wtenbogarta.

Przez ręce tego człowieka przeszło prawie całe państwo republiki. A jego ubranie - zwiewny koronkowy kołnierz, długie futro z rosyjskiego sobola - jednoznacznie świadczy o jego stanie. Teraz tylko spójrz w te oczy. Widzisz w nich smutek ... A płótno wielkiego poprzednika Rembrandta zostaje natychmiast zapamiętane -. Czyż apostoł nie patrzy na Chrystusa z takim samym wyrazem twarzy, kiedy wzywa go do siebie? Ten portret to historia bardzo bogatego, ale bardzo nieszczęśliwego człowieka, a holenderski malarz potrafił to pokazać w jednej zamrożonej chwili.

Wszystko czas wolny Rembrandt Harmenszoon van Rijn spędził na badaniu mimiki twarzy. Stał godzinami przed lustrem i robił miny, które następnie przenosił węglem drzewnym na papier. Ważne było dla niego wychwytywanie najmniejszych odcieni emocji.

Twarz człowieka, według artysty, była zwierciadłem duszy, zdał sobie sprawę na długo przed Oscarem Wilde'em swoim „Portretem Doriana Graya”. Ale portrety to nie jedyna rzecz, w której Rembrandt celował. Jego duże płótna robią na nas nie mniejsze wrażenie. Gra światłocienia, którą Caravaggio tak rozwinął w swoim malarstwie, zyskuje od naszego mistrza prawdziwie gigantyczny zasięg.

Miał zaledwie 28 lat, kiedy stworzył swoje pierwsze absolutne arcydzieło. Ten obraz to „Zdjęcie z krzyża”. Obok tego obrazu w Ermitażu po prostu nie można przejść obojętnie. Artystce w jednej chwili udało się zobrazować całą istotę chrześcijaństwa, powiedzieć jedno z najwspanialszych ludzkie historie tak szczery i wzruszający, jak to tylko możliwe, w sposób, jakiego nikt przed nim ani po nim nie zrobił.

Jerozolima w tle pogrąża się w ciemności. Zbawiciel nie żyje. Na środku zdjęcia widzimy jego martwe ciało. To chwila największej rozpaczy, nikt jeszcze nie wierzy w zmartwychwstanie. Ludzie widzą tylko zwłoki człowieka, którego kochali i czcili jako boga, a Dziewica Maryja mdleje, jej skóra jest śmiertelnie blada - właśnie straciła jedynego syna.

Na tym płótnie jest jeden szczegół, który nie jest od razu widoczny. To jest oświetlenie. Źródłem światła jest latarnia w rękach chłopca, ale ciało Chrystusa i szata trzymającego go w ramionach apostoła odbijają światło jak lustro. I to przez światło opowiedziana jest tutaj prawdziwa historia, ujawniona znaczenie filozoficzne obrazy.

Światło latarni jest światłem wiary, a to, co widzimy na obrazie, jest wtajemniczeniem w jej tajemnicę. Odnosi się wrażenie, że samo ciało Zbawiciela staje się tu źródłem światła. Twarz Matki Bożej i całun, oświetlone słabym blaskiem świecy, wyróżniają się z ciemności, w którą powinno być owinięte ciało Chrystusa. Na tym płótnie Rembrandt po raz pierwszy zastosował technikę, która w ostatnich latach życia stała się główną w jego twórczości.

A teraz widzimy, jak osoba, która idealnie opanowała technikę pisania, w najmniejsze szczegóły napisał wszystko postacie centralne na płótnie, ale w miarę oddalania się od światła twarze ludzi stawały się coraz bardziej rozmyte, prawie nie do odróżnienia. Wszystko jest bardzo proste - minęła ich tajemnica tego, co się dzieje.

Jednak na tym płótnie jest jeszcze jedna postać, której nie widać na pierwszy rzut oka. Pomimo tego, że jest w cieniu, Rembrandt przedstawia go bardzo wyraźnie. W prawym dolnym rogu płótna, z najciemniejszego miejsca, chowając się za łodygami ostu, patrzy na Ciebie Diabeł w postaci psa i jakby zadaje Ci pytanie:

– Czy jesteś zamieszany w to, co się dzieje?

Tak, holenderski mistrz zawsze nie był zadowolony z ramy obrazu, marzył, aby jego płótna stały się częścią tego świata, a widz stał się bezpośrednim uczestnikiem tego, co się dzieje. Ale właśnie to pragnienie strąciło go z wyżyn chwały w otchłań wieków zapomnienia.

Nieszczęście i zapomnienie przychodzą równie szybko jak szczęście i chwała. Rembrandt Harmenszoon van Rijn doświadczył tego z pierwszej ręki w 1642 roku. Oczywiście wcześniej były skargi: jego dzieci zmarły w niemowlęctwie. Przeżył tylko jeden syn, Tytus, urodzony w 1641 roku. Ale rok później jego ukochana żona Saskia odeszła z tego świata, z którą żył długie lata. I wraz z tą stratą szczęście odwróciło się także od artysty, odwróciło się w momencie, gdy stworzył jeden ze swoich najwspanialszych obrazów.

O Straży nocnej Rembrandta można mówić bez końca. To płótno jest tak obszerne w swojej treści, tak wyjątkowe w swojej budowie, że historia jego powstania jest warta osobnej książki, a nie artykułu. Ale, jak to często bywa w życiu, to właśnie ta kreacja, która następnie radykalnie zmieniła cały rozwój malarstwa światowego, została odrzucona przez współczesnych.

Klientom nie podobał się sposób, w jaki zostali przedstawieni, a wielu z nich odmówiło zapłaty za pracę artysty. Najsłynniejszy malarz Holandii nigdy nie doświadczył takiego upokorzenia. W ciągu jednego roku Rembrandt stracił ukochaną żonę i zawiódł w swoim najlepszym dziele. Wydawałoby się, że to wystarczy, ale nie, to był dopiero początek tragedii. Zakonów było coraz mniej (modny był klasycyzm i styl ceremonialnych portretów), wkrótce majątek artysty został sprzedany za długi. Z ogromnej rezydencji w samym centrum Amsterdamu zmuszony był przenieść się na obrzeża miasta, do Dzielnicy Żydowskiej, gdzie wraz ze swoim ukochanym synem Tytusem wynajmował kilka pokoi.

Najciekawsze jest to, że Rembrandt mógł łatwo dostosować się do najnowszych trendy w modzie w sztuce i znowu dostają duże pieniądze za swoje płótna. Ale malarz był przekonany, że musi tworzyć absolutnie nowy styl. Na jego portretach nie byli teraz bogaci ludzie, ale najzwyklejsi obywatele Amsterdamu. Takim przykładem jest „Portret starego Żyda”.

Rembrandta nie interesowało szczegółowe przedstawienie wszystkich elementów ubioru, dążył do większej abstrakcji, dążył do jak najdokładniejszego ukazania uczuć swoich bohaterów. Za wytrwałość otrzymywał tylko cierpienie i policzki. Stało się tak z jego obrazem „Spisek Juliusa Civilisa”.

Zamiast klasycznego, pompatycznego, wychodzącego naprzeciw patriotycznego wizerunku stary mistrz przedstawił to opinii publicznej.

Przed nami obraz barbarzyńskiej uczty, niegrzecznej, brzydkiej. To płótno wyprzedzało swoje czasy o prawie 300 lat, wyprzedzając malarstwo ekspresjonistyczne. Nic dziwnego, że arcydzieło mistrza zostało odrzucone, a jego imię zostało pokryte nieusuwalnym wstydem. Ale właśnie te ostatnie osiem lat jego życia, spędzone w absolutnej, nieprzeniknionej nędzy, są jednym z najbardziej owocnych okresów w twórczości Rembrandta.

Myślę, że o malarstwie z tego okresu, w tym o jego Powrocie syna marnotrawnego, napiszę w osobnym artykule. Teraz chcę porozmawiać o czymś innym. Zawsze byłem zdumiony, jak Rembrandt mógł pracować i rozwijać swój talent, gdy zewsząd spadały na niego ciosy losu. Długo tak nie mogło być, a artysta to przewidział.

Ostateczny cios zadaje się zawsze w najbardziej bolesne miejsce. On był Jedyny syn Tytus jest bardzo chorowitym chłopcem, który wygląda jak jego martwa matka. To jego Rembrandt przedstawiał wówczas najczęściej: zarówno w postaci anioła na obrazie „Mateusz i anioł”, jak i czytającego, a także w różnych strojach. Być może malarz sądził, że przy pomocy swego talentu uda mu się jakoś odwlec to, co nieuniknione... Nie udało mu się...

Moim zdaniem „Portret Tytusa w zakonnej sutannie” to jeden z najbardziej uduchowionych obrazów Rembrandta. Przejawiła się w niej cała miłość ojca, cały talent malarza. W tych wszystkich szorstkich pociągnięciach, w tej ciemności nacierającej na młodzieńca z lewej strony, w roślinach już otaczających jego ciało, wyróżnia się jedno - blada twarz syna artysty o spuszczonych, pełnych pokory oczach.

Tytus zmarł w 1668 roku, Rembrandt przeżył go tylko o rok.

Umierał na obrzeżach Amsterdamu, zupełnie sam, mając wszystko w tym życiu i wszystko tracąc. Na długo zapomnieli o jego płótnach... Ale minęło 150 lat, a inni artyści już słyszeli, co mistrz próbował przekazać swoim współczesnym, wybierając własną, niepowtarzalną drogę zamiast sławy i pieniędzy.

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) – holenderski artysta, rysownik i rytownik, wielki mistrz światłocienia, największy przedstawiciel Złotego Wieku Malarstwo holenderskie.

Biografia Rembrandta van Rijna

Rembrandt Harmenszoon van Rijn urodził się 15 lipca 1606 roku w holenderskim mieście Lejda. Ojciec Rembrandta był zamożnym młynarzem, matka dobrze piekła, była córką piekarza. Nazwisko „van Rijn” dosłownie oznacza „od Renu”, czyli od Renu, gdzie pradziadowie Rembrandta mieli młyny. Z dziesięciorga dzieci w rodzinie Rembrandt był najmłodszy. Inne dzieci poszły w ślady rodziców, a Rembrandt wybrał inną drogę – artystyczną i kształcił się w szkole łacińskiej.

W wieku 13 lat Rembrandt zaczął uczyć się rysować, a także wstąpił na miejski uniwersytet. Wiek wtedy nikomu nie przeszkadzał, najważniejsze w tym czasie była wiedza na poziomie. Wielu uczonych sugeruje, że Rembrandt poszedł na uniwersytet nie po to, aby studiować, ale aby uzyskać odroczenie z wojska.

Pierwszym nauczycielem Rembrandta był Jacob van Swanenbürch. W swoim warsztacie przyszły artysta spędził około trzech lat, po czym przeniósł się do Amsterdamu, aby studiować u Petera Lastmana.

Od 1625 do 1626 Rembrandt wrócił do swojego rodzinne miasto, zawierał znajomości z artystami i niektórymi uczniami Lastmana.

Niemniej jednak, po długich naradach, Rembrandt zdecydował, że karierę artystyczną należy zrobić w stolicy Holandii, ponownie przeniósł się do Amsterdamu, ożenił się z zamożną mieszczanką Saskią van Uylenburg, a obraz „Lekcja anatomii doktora Tulipana” przyniósł młody malarz powszechne uznanie.

Dzieło Rembrandta van Rijna

Dla mistrza rozpoczęła się najbogatsza dekada w jego życiu. Miał wielu uczniów (szkoła Rembrandta).

W tym okresie namalował takie arcydzieła jak „Autoportret z Saskią” (1635) i „Danae” (1636).

Niezwykle wesoła sztuka Rembrandta lat 30. łączy w sobie doświadczenie mistrzów renesansu i baroku oraz nowatorskie podejście do klasycznych tematów.

Okres sukcesów zakończył się nagle w 1642 roku: wspaniałe dzieło ” Straż nocna"- portret zbiorowy członków Gildii Strzeleckiej z Amsterdamu - został odrzucony przez klientów, którzy nie docenili innowacyjności artysty i poddali go ostrej krytyce.

Rembrandt praktycznie przestał otrzymywać zamówienia, prawie wszyscy uczniowie go opuścili. Saskia zmarła w tym samym roku.

Od lat 40. Rembrandt porzucił w swojej twórczości efekty teatralne, a mistyczny, kontemplacyjny początek w jego malarstwie nasilił się. Często artysta zwracał się do wizerunku swojej drugiej żony - Hendrikje Stoffels.

Malowanie " święta Rodzina„(1645), cykl autoportretów, najlepsze pejzaże. Ale niepowodzenia nadal prześladowały Rembrandta: w 1656 roku ogłoszono jego bankructwo, majątek został sprzedany na aukcji, a rodzina przeniosła się do skromnego domu w żydowskiej dzielnicy Amsterdamu.

Namalowany na zlecenie ratusza obraz „Spisek Juliusa Civilisa” (1661) podzielił los „Straży nocnej”. W 1663 roku artysta pochował żonę i syna.

Pomimo pogorszenia wzroku Rembrandt nadal malował. Szczególnym rezultatem jego pracy było płótno „Powrót syna marnotrawnego” (1668-1669).

Autoportrety Rembrandta uchwyciły niemal wszystkie etapy jego życia i etapy jego twórczej drogi. Są niezwykłe same w sobie, ponieważ pozwalają nam prześledzić rozwój mistrza, a także dlatego, że jest ich o wiele więcej późni artyści Od Sir Joshuy Reynoldsa po Marca Chagalla próbowali naśladować przykład Rembrandta w nadziei, że zrozumieją coś o sobie.

Obraz Rembrandta „Portret Jakuba de Heina III” widnieje w Księdze Rekordów Guinnessa jako najczęściej kradzione dzieło sztuki na świecie. Obraz został skradziony i znaleziony cztery razy. Nadano jej nawet przydomek „Takeaway Rembrandt”. Portret przechowywany jest w Londynie, w Dulwich Gallery.

Część obrazów artysty Rembrandta, w tym słynne „Danae”, „Ofiara Abrahama” i „Hańba Hamana”, przechowywana jest w Ermitaż państwowy(Sankt Petersburg). W 1985 roku chory psychicznie człowiek ochlapał rzekę Danae kwasem siarkowym. Odbudowa trwała 20 lat. Teraz „Danae” widać tylko za grubą warstwą ochronnego szkła.

Rembrandt Research Project to grupa naukowców analizujących spuściznę wielkiego artysty. Projekt realizowany jest od 1968 roku.

Do tego czasu uważano, że pędzel artysty należy do 800 obrazów. Projekt zaprzeczył tej liczbie: po dokładnych badaniach okazało się, że było ich tylko około 350.

Resztę namalowali uczniowie Rembrandta, a także artyści pozostający pod wpływem Rembrandta. Na przykład słynny „Człowiek w złotym hełmie” z Galerii Sztuki w Berlinie, przez długi czas uważany za dzieło mistrza, okazał się obrazem innego nieznanego artysty.

Podczas pisania tego artykułu wykorzystano materiały z takich stron:miejsce fakt.com ,

Jeśli znajdziesz nieścisłości lub chcesz uzupełnić ten artykuł, wyślij nam informacje na adres adres e-mail admin@site, my i nasi czytelnicy będziemy Ci bardzo wdzięczni.

kreacja Rembrandt Harmensz van Rijn(1606-1669) charakteryzuje się najwyższym kwitnieniem sztuka holenderska XVII wiek i jeden ze szczytów sztuki światowej w ogóle. Demokratyczny i prawdziwie ludzki, przepojony żarliwą wiarą w triumf sprawiedliwych zasad w życiu, ucieleśniał najbardziej zaawansowane i afirmujące życie idee swoich czasów. Artysta wzniósł sztukę plastyczną na nowy poziom, wzbogacając ją o niespotykaną dotąd witalność i psychologiczną głębię. Rembrandt stworzył nowy język obrazkowy, w którym Wiodącą rolę zagrano doskonale rozwiniętą techniką światłocienia i bogatą, emocjonalnie intensywną kolorystyką. Odtąd życie duchowe człowieka stało się dostępne do przedstawienia za pomocą sztuki realistycznej.

Rembrandt był innowatorem w wielu gatunkach. Jako portrecista był twórcą szczególnego gatunku portretu-biografii, w którym długie życie człowieka i jego wewnętrzny świat zostały ujawnione w całej jego złożoności i niekonsekwencji. Jako malarz historyczny przekształcił odległe antyczne i biblijne legendy w ocieploną wysokim humanizmem opowieść o prawdziwych ziemskich ludzkie uczucia i relacje.

Połowa lat trzydziestych XVII wieku to czas, kiedy Rembrandtowi najbliżej było do paneuropejskiego baroku, bujnego i hałaśliwego, nasyconego teatralnym patosem i gwałtownym ruchem, kontrastami światła i cienia, sprzecznym sąsiedztwem momentów naturalistycznych i dekoracyjnych, zmysłowością i okrucieństwem.

W pisany okres baroku „Zdjęcie z krzyża”(1634). Obraz ilustruje ewangeliczną legendę o tym, jak Józef z Arymatei, Nikodem i inni uczniowie i krewni Chrystusa, za zgodą Piłata, wynieśli nocą ciało Chrystusa, owinęli je w bogaty całun i zakopali.

Legenda opowiedziana przez Rembrandta z niesamowitą prawdą życia. Tragiczna śmierć nauczyciela i syna pogrążyła uczestników imprezy w głębokim smutku. Artystka zagląda w twarze, starając się wniknąć w dusze ludzi, odczytać reakcję wszystkich na to, co się dzieje. Z podnieceniem przekazuje omdlenie Maryi, matki Chrystusa, płacz i jęk kobiet, cierpienie i smutek mężczyzn, strach i ciekawość nastolatków.

W tej pracy Rembrandt wyszedł od znanego obrazu Rubensa o tym samym tytule, wykorzystując indywidualne motywy kompozycyjne wielkiego Fleminga i starając się go prześcignąć w wyrażaniu duchowych ruchów postaci.

Inny ważne osiągnięcie ten obraz wraz z indywidualizacją uczuć aktorzy, było użycie światła do osiągnięcia całości kompozycja wielopostaciowa. Trzy główne momenty legendy – zejście z krzyża, omdlenie Maryi i rozłożenie całunu – oświetlone są trzema różnymi źródłami światła, których intensywność maleje wraz ze spadkiem rangi sceny .

Początek nowego okresu w życiu i aktywność twórcza mistrz został oznaczony dwoma ważne wydarzenia, do których doszło w 1642 roku: przedwczesna śmierć Saskii, ukochanej żony, która zostawiła mu rocznego syna, oraz powstanie obrazu „Nocna straż” – dużego zbiorowego portretu amsterdamskich strzelców, samego słynne dzieło mistrzowie.

Tragedia rodzinna i realizacja odpowiedzialnego zamówienia postawiły Rembrandta przed trudnymi problemami życia osobistego i twórczego. Artystka wychodzi z tego kryzysu dojrzała i mądra. Jego sztuka staje się poważniejsza, bardziej zebrana i głębsza, a co najważniejsze, zainteresowanie wewnętrznym życiem człowieka, tym, co dzieje się w jego duszy, staje się w nim coraz wyraźniej widoczne.

W ścisłym związku z ewolucją twórczości Rembrandta w latach czterdziestych XVII wieku należy również rozważyć jedno z najważniejszych dzieł artysty - „Danae”, chociaż zdjęcie jest przestarzałe 1636. Rembrandt zainspirowany swoją pierwszą miłością, Saskią, stworzył wizerunek Danae, legendarnej greckiej księżniczki uwięzionej przez ojca, aby uniknąć przepowiedzianej mu śmierci z rąk wnuka. Ale dziesięć lat później, jak pokazano najnowsze badania, artysta, niezadowolony z pierwotnej decyzji, znacząco przerabia wizerunek głównego bohatera. Najwyraźniej za model dla ostatecznej wersji obrazu posłużyła Gertier Dirks, młoda wdowa, która zamieszkała w domu Rembrandta po śmierci Saskii, najpierw jako niania rocznego Tytusa, a potem jako pełna kochanka . Tym samym głowa, prawa ręka i w dużej mierze ciało Danae, czekającej w swoim lochu na swojego kochanka (według legendy zakochany w Danae Zeus wszedł w nią pod postacią złotego deszczu), oraz postać starej służącej, okazały się być namalowane na nowo, śmiałą, szeroką manierą, połowa i druga połowa lat 40. XVII wieku. Prawie wszystkie inne szczegóły obrazu pozostały takie same, jak zostały napisane w 1636 r., Zgrabną, rysunkową kreską charakterystyczną dla poprzedniego okresu.

Istotnym zmianom uległa także kolorystyka obrazu. W pierwotnej wersji dominowały zimne tony charakterystyczne dla połowy lat 30. XVII wieku. Zastępując złoty deszcz z pierwszej wersji złotym światłem, jakby zapowiadając pojawienie się zakochanego boga, Rembrandt wykonuje teraz środkową część obrazu w ciepłej tonacji ze złotą ochrą i czerwonym cynobrem jako dominantami.

W drugiej wersji, to jest w latach 1646-1647, Danae otrzymała także pogłębioną charakterystykę psychologiczną, dzięki której odsłonięto sekretny wewnętrzny świat kobiety, cały złożony i sprzeczny zakres jej uczuć i przeżyć. „Danae” jest więc wizualizacją konkretny przykład powstanie słynnego psychologizmu Rembrandta.

Twórczość Rembrandta w latach pięćdziesiątych XVII wieku odznacza się przede wszystkim osiągnięciami w dziedzinie portretu. Na zewnątrz portrety z tego okresu wyróżniają się z reguły dużymi rozmiarami i monumentalnymi formami. spokojne postawy. Modelki zwykle siedzą na głębokich krzesłach z rękami na kolanach i twarzą do widza. Światło podkreśla twarz i dłonie. Są to zawsze ludzie starsi, mądrzy wieloletnim doświadczeniem - starcy i staruszki z pieczęcią smutnych myśli na twarzach i ciężkiej pracy na rękach. Takie modele dawały artystce genialne możliwości ukazania nie tylko zewnętrznych oznak starości, ale także duchowy wygląd osoba. W zbiorach Ermitażu dzieła te dobrze reprezentowane są przez niewykonane na zamówienie portrety:

„Stary człowiek w czerwieni”, „Portret starej kobiety” i „Portret starego Żyda”.

Nie znamy nazwiska osoby, która służyła jako model do portretu. „Stary człowiek w czerwieni” Rembrandt namalował go dwukrotnie: na portrecie z 1652 r. ( Galeria Narodowa, Londyn) przedstawiono go siedzącego na krześle z podłokietnikami, pochylającego głowę do prawej ręki w głębokim zamyśleniu; wersja Ermitażu interpretuje to samo podmiot - człowiek sam na sam ze swoimi myślami. Tym razem artysta zastosował ściśle symetryczną kompozycję, przedstawiającą siedzącego z przodu nieruchomo starca. Ale bardziej zauważalny jest ruch myśli, ledwie dostrzegalna zmiana wyrazu twarzy: albo surowa, potem łagodniejsza, potem zmęczona, a potem nagle oświetlona przez przypływ wewnętrzna siła i energia. To samo dzieje się z rękami: wydają się albo konwulsyjnie ściśnięte, albo leżą wyczerpane. Artysta osiąga to przede wszystkim dzięki błyskotliwemu opanowaniu światłocienia, który w zależności od siły i kontrastu wprowadza do obrazu elegijne odprężenie lub dramatyczne napięcie. Ogromną rolę odgrywa również sposób nakładania farby na płótno. Pomarszczona twarz starca i sękate, przepracowane dłonie nabierają artystycznej wyrazistości dzięki lepkiej galimatiasie kolorów, w której przeplatające się śmiałe kreski oddają strukturę formy, a cienkie laserunki nadają jej ruch i życie.

Bezimienny starzec w czerwieni z podkreśloną godnością, hartem ducha i szlachetnością stał się wyrazem nowej postawy etycznej artysty, który odkrył, że wartość osoby nie zależy od jej oficjalnej pozycji w społeczeństwie.

W połowie lat sześćdziesiątych XVII wieku Rembrandt kończy swoje najbardziej przenikliwe dzieło - „Powrót syna marnotrawnego” Można to postrzegać jako testament Rembrandta człowieka i Rembrandta artysty. To tutaj idea wszechprzebaczającej miłości do osoby, do upokorzonych i cierpiących - idea, której Rembrandt służył przez całe życie - znajduje swoje najwyższe, najdoskonalsze ucieleśnienie. I to właśnie w tej pracy spotykamy się z całym bogactwem i różnorodnością malowniczości i techniki, którą artysta wypracował przez wiele dziesięcioleci twórczości.

Obdarty, wyczerpany i chory, roztrwoniony majątek i opuszczony przez przyjaciół, syn pojawia się na progu ojcowskiego domu i tu, w ramionach ojca, znajduje przebaczenie i ukojenie. Niezmierzona, jasna radość tej dwójki – starca, który stracił wszelką nadzieję na spotkanie z synem, i syna ogarniętego wstydem i wyrzutami sumienia, skrywającego twarz na piersi ojca – jest główną treścią emocjonalną dzieła. W milczeniu, zszokowani, mimowolni świadkowie tej sceny zamarli.

Artysta ogranicza się do maksimum w kolorze. W obrazie dominują tonacje złocisto-ochrowe, cynamonowo-czerwone i czarno-brązowe z nieskończonym bogactwem najdelikatniejszych przejść w tej skąpej gamie. Pędzel, szpatułka i rączka pędzla są zaangażowane w nakładanie farb na płótno; ale to również wydaje się Rembrandtowi niewystarczające - nakłada farbę na płótno bezpośrednio palcem (na przykład pięta lewej stopy syna marnotrawnego jest napisana w ten sposób). Dzięki różnorodnym technikom uzyskuje się zwiększoną wibrację kolorowej powierzchni - farby albo płoną, potem błyszczą, potem głucho tlą się, albo wydają się świecić od wewnątrz, i ani jednego szczegółu, ani jednego, nawet najbardziej nieistotnego , róg płótna pozostawia widza obojętnym.

Tylko mądry doświadczenie życiowe człowiek i wielki artysta, który przeszedł długą drogę, mógł stworzyć to genialne i proste dzieło.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) był holenderskim artystą, rysownikiem i rytownikiem, wielkim mistrzem światłocienia, największym przedstawicielem złotego wieku malarstwa holenderskiego. Udało mu się ucieleśnić w swoich pracach całą gamę ludzkich doświadczeń z takim bogactwem emocjonalnym, jakiego sztuka piękna nie znała przed nim. Dzieła Rembrandta, niezwykle zróżnicowane gatunkowo, otwierają przed widzem ponadczasowość świat duchowy ludzkich przeżyć i uczuć.

Rembrandt Harmenszoon („syn Harmena”) van Rijn urodził się 15 lipca 1606 r. (według niektórych źródeł w 1607 r.) w duża rodzina zamożnego właściciela młyna Harmena Gerritssona van Rijn w Leiden. Rodzina matki, nawet po rewolucji holenderskiej, pozostała wierna wierze katolickiej.

W Lejdzie Rembrandt uczęszczał do szkoły łacińskiej na uniwersytecie, ale największe zainteresowanie wykazywał w malarstwie. W wieku 13 lat został wysłany na studia sztuki piękne do malarza historycznego z Leiden, Jacoba van Swanenbürcha, katolika z wiary. Badaczom nie udało się odnaleźć dzieł Rembrandta związanych z tym okresem, stąd pytanie o wpływ Swanenbürch na formację twórczy sposób Rembrandt pozostaje otwarty: zbyt mało dziś wiadomo o tym artyście z Leiden.

W 1623 roku Rembrandt studiował w Amsterdamie u Pietera Lastmana, który kształcił się we Włoszech i specjalizował się w przedmiotach historycznych, mitologicznych i biblijnych. Po powrocie do Lejdy w 1627 roku Rembrandt wraz ze swoim przyjacielem Janem Lievensem otworzył własny warsztat i zaczął rekrutować uczniów. W ciągu kilku lat zyskał dużą popularność.

Upodobanie Lastmana do różnorodności i szczegółowości wykonania miało ogromny wpływ na młody artysta. Wyraźnie widać to w jego pierwszych zachowanych dziełach – „Ukamienowaniu św. Szczepana” (1629), „Scena z Historia starożytna„(1626) i„ Chrzest eunucha ”(1626). W porównaniu z jego dojrzałymi pracami są one niezwykle kolorowe, artysta stara się dokładnie rozpisać każdy szczegół materialnego świata, jak najdokładniej oddać egzotyczną scenerię. historia biblijna. Niemal wszystkie postacie pojawiają się przed widzem ubrane w dziwaczne orientalne stroje, lśniące klejnotami, co stwarza atmosferę przepychu, przepychu, odświętności („Alegoria muzyki”, 1626; „Dawid przed Saulem”, 1627).

Ostatnie dzieła tego okresu - „Tobit i Anna”, „Balaam i osioł” - odzwierciedlają nie tylko bogatą wyobraźnię artysty, ale także jego pragnienie jak najdobitniejszego przekazania dramatycznych przeżyć swoich bohaterów. Podobnie jak inni mistrzowie baroku zaczyna rozumieć znaczenie ostro rzeźbionego światłocienia w przekazywaniu emocji. Jego nauczycielami w stosunku do pracy ze światłem byli utrechccy karawangowie, ale nawet w więcej skupił się na twórczości Adama Elsheimera, Niemca pracującego we Włoszech. Najbardziej karawagistycznymi obrazami Rembrandta są „Przypowieść o głupim bogaczu” (1627), „Symeon i Anna w świątyni” (1628), „Chrystus w Emaus” (1629).

Do tej grupy przylega obraz Artysta w swojej pracowni (1628; być może jest to autoportret), na którym artysta uchwycił siebie w pracowni w momencie kontemplacji własnej twórczości. Płótno, nad którym pracujemy, jest wysuwane na pierwszy plan obrazu; w porównaniu z nim sam autor wydaje się karłem.

Jedna z nierozwiązanych kwestii twórcza biografia Rembrandt to jego artystyczne podobieństwo do Lievensa. Pracując ramię w ramię, niejednokrotnie podejmowali ten sam temat, jak na przykład Samson i Dalila (1628/1629) czy Zmartwychwstanie Łazarza (1631). Po części obu pociągał Rubens, znany wówczas jako najlepszy artysta w całej Europie, czasem Rembrandt pożyczał artystyczne znaleziska Livensa, czasem było dokładnie na odwrót. Z tego powodu rozróżnienie między dziełami Rembrandta i Lievensa z lat 1628-1632 nastręcza historykom sztuki pewne trudności. Wśród innych jego słynnych dzieł jest „Osioł Valaama” (1626).

To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełny tekst artykuły tutaj →

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Największy przedstawiciel złotego wieku, artysta, rytownik, wielki mistrz światłocienia – a wszystko to w jednym imieniu Rembrandt.

Rembrandt urodził się 15 lipca 1606 roku w Lejdzie. Ten wielki holenderski artysta potrafił zawrzeć w swoich pracach całą gamę ludzkich doświadczeń z takim bogactwem emocjonalnym, jakiego sztuka piękna nie znała przed nim.

Życie

Dorastał w wielodzietnej rodzinie zamożnego właściciela młyna Harmena Gerritszona van Rijna. W majątku Van Rein znajdowały się między innymi jeszcze dwa domy, a także otrzymał on pokaźny posag od swojej żony Kornelii Neltier. Matka przyszłego artysty była córką piekarza i znała się na kuchni.Nawet po rewolucji holenderskiej rodzina matki pozostała wierna religii katolickiej.

W Lejdzie Rembrandt uczęszczał do szkoły łacińskiej na uniwersytecie, ale nie lubił nauk ścisłych, największe zainteresowanie wykazywał w malarstwie. Zdając sobie z tego sprawę, jego rodzice wysłali Rembrandta na studia artystyczne w wieku 13 lat do malarza historycznego z Lejdy, Jacoba van Swanenbürcha, który był katolikiem. Dzieła Rembrandta, zróżnicowane gatunkowo i tematycznie, przesycone są ideami moralności, duchowego piękna i godności. zwyczajna osoba, rozumiejąc niezrozumiałą złożoność jego wewnętrzny świat, wszechstronność jego bogactwa intelektualnego, głębię jego duchowych doświadczeń. O Jacobie dotarło do nas bardzo niewiele informacji, więc zarówno historycy, jak i krytycy sztuki nie mogą powiedzieć z całą pewnością o wpływie Swanenbergha na twórczość Rembrandta.

Następnie w 1623 studiował w Amsterdamie u modnego wówczas malarza Pietera Lastmana, po czym wracając do Lejdy, w 1625 wraz ze swoim rodakiem Janem Lievensem otworzył własny warsztat.

Pitera Lastman szkoliła się we Włoszech i specjalizowała się w przedmiotach historycznych, mitologicznych i biblijnych. Kiedy Rembrandt otworzył warsztat i zaczął rekrutować studentów, Krótki czas on stał się sławny. Jeśli spojrzeć na pierwsze prace artysty, od razu można zrozumieć, że styl Lastmana – zamiłowanie do różnorodności i małostkowości wykonania, wywarł ogromny wpływ na młodego artystę. Na przykład jego praca „Ukamienowanie św. Szczepana” (1629), „Scena z historii starożytnej” (1626) i „Chrzest eunucha” (1626), są bardzo jasne, niezwykle kolorowe, Rembrandt stara się dokładnie opisać każdy szczegół materialnego świata. Niemal wszystkie postacie pojawiają się przed widzem ubrane w fantazyjne orientalne stroje, lśniące klejnotami, co tworzy atmosferę dostatku, przepychu, święta.

W 1628 roku dwudziestodwuletni artysta został uznany za „bardzo znanego” mistrza, słynnego portrecistę.

Obraz „Judasz zwraca srebrniki” (1629) wywołał entuzjastyczną recenzję słynnego znawcy malarstwa Konstantyna Huygensa, sekretarza namiestnika Fryderyka Hendrika Orańskiego: „... to ciało drżące żałosnym drżeniem jest tym, co wolę od dobra smak wszechczasów”.

Dzięki koneksjom Konstantyna Rembrandt szybko zyskuje bogatych wielbicieli sztuki: za pośrednictwem Haygensa książę Orański zamawia u artysty kilka dzieł religijnych, m.in. Chrystusa przed Piłatem (1636).

Prawdziwy sukces artysty przypada na Amsterdam. 8 czerwca 1633 Rembrandt poznaje córkę bogatego mieszczanina Saskię van Uylenbürch i zdobywa silną pozycję w społeczeństwie. Artysta większość płócien namalował podczas pobytu w stolicy Holandii.

Amsterdam – tętniące życiem miasto portowe i przemysłowe, które przyciągało towary i ciekawostki z całego świata, gdzie ludzie bogacili się na handlu i transakcjach bankowych, gdzie wygnańcy feudalnej Europy gnali w poszukiwaniu schronienia i gdzie dobrobyt bogatych mieszczaństwo współistniało z przygnębiającą biedą, łączy silne więzi z artystą.

Amsterdamski okres twórczości Rembrandta rozpoczął się od ogromnego sukcesu, jaki przyniosła mu Lekcja anatomii dr Tulpa (1632, Haga, Mauritshuis), co zmieniło tradycję holenderskiego portretu grupowego. Rembrandt przeciwstawił zwykłemu pokazowi pozujących przed artystą ludzi zawodu dramaturgię dowolnie ustalonej sceny, której uczestnikami są członkowie gildii chirurgów, słuchający kolegi, zjednoczeni intelektualnie i duchowo poprzez aktywne zaangażowanie w proces badań naukowych.

Rembrandt inspiruje się urodą swojej ukochanej, dlatego często maluje jej portrety. Trzy dni po ślubie van Rijn namalował srebrnym ołówkiem kobietę w kapeluszu z szerokim rondem. Saskia pojawiła się na obrazach Holendra w przytulnym domowym otoczeniu. Wizerunek tej pulchnej kobiety pojawia się na wielu płótnach, na przykład tajemnicza dziewczyna na obrazie „Nocna straż” bardzo przypomina ukochaną artysty.

Lata trzydzieste w życiu Rembrandta to okres sławy, bogactwa i rodzinnego szczęścia. Otrzymał wiele zamówień, był otoczony studentami, pasjonował się kolekcjonowaniem dzieł malarzy włoskich, flamandzkich i holenderskich, antyczna rzeźba, minerały, rośliny morskie, starożytna broń, przedmioty sztuki orientalnej; w pracach nad obrazami eksponaty z kolekcji często służyły artyście jako rekwizyty.

Prace Rembrandta z tego okresu są niezwykle różnorodne; świadczą o niestrudzonym, czasem bolesnym poszukiwaniu artystycznego zrozumienia tego, co duchowe i duchowe podmiot społeczny człowieka i natury oraz ukazują tendencje, które nieubłaganie, krok po kroku, doprowadzają artystę do konfliktu ze społeczeństwem.

W portretach „dla siebie” i autoportretach artysta swobodnie eksperymentuje z kompozycją i efektami światłocienia, zmienia tonację zabarwienie, ubiera swoich modeli w fantastyczne lub egzotyczne stroje, urozmaica pozy, gesty, dodatki („Flora”, 1634, Petersburg, Państwowe Muzeum Ermitażu).

Słynny obraz namalował w 1635 r historia biblijna„Ofiara Abrahama”, która została doceniona w świeckim społeczeństwie.

W 1642 roku van Rijn otrzymał zlecenie od Towarzystwa Strzeleckiego na wykonanie portretu grupowego w celu udekorowania płótnem nowego budynku. Obraz został błędnie nazwany „Nocna straż”. Został poplamiony sadzą i dopiero w XVII wieku badacze doszli do wniosku, że akcja rozgrywająca się na płótnie odbywa się w ciągu dnia.

Rembrandt dokładnie przedstawił każdy szczegół poruszających się muszkieterów: jakby w pewnym momencie czas się zatrzymał, gdy milicja opuściła ciemny dziedziniec, tak że van Rijn uchwycił ich na płótnie.

Klientom nie spodobało się odejście holenderskiego malarza od kanonów, które ukształtowały się w XVII wieku. Następnie ceremonialne były portrety grupowe, a uczestnicy byli portretowani całą twarzą bez żadnych zakłóceń.

Według naukowców obraz ten był przyczyną bankructwa artysty w 1653 roku, ponieważ odstraszał potencjalnych klientów.

Tragiczne zmiany w osobistych losach Rembrandta (śmierć nowonarodzonych dzieci, matki, w 1642 roku – choroba i śmierć Saskii, która zostawiła mu dziewięciomiesięcznego syna Tytusa), pogorszenie jego sytuacji materialnej w wyniku uparta niechęć do poświęcenia wolności ducha i twórczości na rzecz zmieniających się gustów mieszczan, zaostrzyła i obnażyła stopniowo dojrzewający konflikt między artystą a społeczeństwem.

Informacje o życiu prywatnym Rembrandta w latach czterdziestych XVII wieku. niewiele zachowało się w dokumentach. Z uczniów tego okresu znany jest tylko Nicholas Mas z Dordrechtu. Najwyraźniej artysta nadal żył w wielkim stylu, jak poprzednio. Rodzina zmarłej Saskii wyraziła zaniepokojenie sposobem, w jaki pozbył się jej posagu. Niania Tytusa, Gertje Dirks, pozwała go za złamanie obietnicy małżeństwa; aby rozstrzygnąć ten incydent, artysta musiał się rozwidlić.

Pod koniec lat czterdziestych XVII wieku Rembrandt zaprzyjaźnił się ze swoim młodym służącym Hendrikje Stoffels, którego wizerunek pojawia się w wielu portretach z tego okresu: Flora (1654), Kobieta w kąpieli (1654), Hendrikje w oknie (1655)). Rada parafialna potępiła Hendrickje za „grzeszne współżycie”, kiedy w 1654 roku z artystą urodziła się jej córka Kornelia. W tych latach Rembrandt odchodzi od tematów, które mają wspaniały narodowy lub uniwersalny dźwięk.

Artysta długo pracował nad rytymi portretami burmistrza Jana Szóstego (1647) i innych wpływowych mieszczan. Wszystkie znane mu metody i techniki grawerowania wykorzystano do wykonania pieczołowicie wykonanej akwaforty „Chrystus uzdrawiający chorych”, lepiej znanej jako „Liść stu guldenów” – za tak ogromną cenę 17. wieku, kiedy był sprzedawany. Nad tą akwafortą, która uderza subtelnością gry światła i cienia, pracował siedem lat, od 1643 do 1649 roku.

W 1653 roku, przeżywając trudności finansowe, artysta przekazał prawie cały swój majątek synowi Tytusowi, po czym w 1656 roku ogłosił bankructwo. Po sprzedaży w latach 1657-58. domu i posesji (zachował się ciekawy katalog kolekcji sztuki Rembrandta), artysta przeniósł się na przedmieścia Amsterdamu, do dzielnicy żydowskiej, gdzie spędził resztę życia.

Śmierć Tytusa w 1668 roku była dla artysty jednym z ostatnich zrządzeń losu; on sam odszedł rok później.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn zmarł w październiku 1669 roku. Miał 63 lata. Był stary, chory i biedny. Notariusz nie musiał poświęcać dużo czasu na sporządzenie inwentarza majątku artysty. Inwentarz był zwięzły: „trzy wytarte swetry, osiem chusteczek do nosa, dziesięć beretów, przybory malarskie, jedna Biblia”.

Obrazy

Powrót syna marnotrawnego

Słynny obraz „Powrót syna marnotrawnego”, jedno z ostatnich dzieł Rembrandta. Został napisany w roku jego śmierci i stał się szczytem jego talentu.

Jest to największy obraz Rembrandta o tematyce religijnej. Obraz Rembrandta na fabule nowotestamentowej przypowieści o syn marnotrawny.

Przypowieść o synu marnotrawnym znajduje się w Ewangelii Łukasza. Opowiada o młodym mężczyźnie, który opuścił dom ojca i roztrwonił swój majątek. W lenistwie, rozpuście i pijaństwie spędzał całe dnie, dopóki nie znalazł się gumno gdzie jadał z tego samego koryta co świnie. Będąc w rozpaczliwej sytuacji i zupełnej nędzy, młodzieniec wraca do ojca, gotów zostać jego ostatnim niewolnikiem. Ale zamiast pogardy znajduje królewskie przyjęcie, zamiast gniewu - wszechprzebaczającą, głęboką i czułą ojcowską miłość.

1669. Rembrandt gra przed publicznością dramat ludzki. Farby leżą na płótnie grubymi pociągnięciami. Są ciemne. Artysta jest nieważny drobne postacie, choć nie jest ich wiele. Uwaga ponownie przykuwa uwagę ojca i syna. Stary ojciec, zgarbiony z żalu, stoi twarzą do widza. W tej twarzy jest ból, oczy zmęczone płaczem i szczęście długo oczekiwanego spotkania. Syn jest odwrócony do nas plecami. Zakopał się jak dziecko w królewskim stroju ojca. Nie wiemy, co wyraża jego twarz. Ale popękane pięty, goła czaszka włóczęgi, nędzny strój mówią wystarczająco dużo. Jak ręce ojca, ściskające ramiona młodzieńca. Poprzez spokój tych rąk, przebaczających i wspierających, Rembrandt po raz ostatni opowiada światu uniwersalną przypowieść o bogactwie, namiętnościach i występkach, pokucie i przebaczeniu. „... Wstanę, pójdę do mojego ojca i powiem mu: Ojcze! Zgrzeszyłem przeciwko niebu i przed tobą i już nie jestem godzien nazywać się twoim synem; przyjmij mnie jako jednego ze swoich najemników. Wstał i poszedł do ojca. A gdy był jeszcze daleko, ujrzał go jego ojciec i wzruszył się; i biegnąc, rzucił mu się na szyję i pocałował go.

Oprócz ojca i syna na zdjęciu przedstawiono jeszcze 4 postacie. Są to ciemne sylwetki, na których trudno się rozróżnić ciemne tło ale kim są, pozostaje tajemnicą. Niektórzy nazywali ich „braćmi i siostrami” bohatera. Charakterystyczne jest, że Rembrandt unika konfliktu: przypowieść mówi o zazdrości posłusznego syna, a harmonia obrazu nie jest w żaden sposób naruszona.

Van Gogh bardzo trafnie powiedział o Rembrandcie: „Musisz umrzeć kilka razy, żeby tak rysować… Rembrandt tak głęboko wnika w tajemnicę, że mówi o przedmiotach, dla których nie ma słów w żadnym języku. Dlatego nazywa się Rembrandta: magikiem. A to nie jest proste rzemiosło”.

Straż nocna

Nazwa, pod którą tradycyjnie znany jest portret grupowy Rembrandta „Przemówienie kompanii strzelców kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga”, napisany w 1642 roku, jest tradycyjnie znany.

Płótno holenderskiego mistrza obfituje w wiele „niespodzianek”. Zacznijmy od tego, że nazwa znanego nam zdjęcia nie odpowiada rzeczywistości: przedstawiony na nim patrol właściwie nie jest całą nocą, ale co najwyżej dniem. Tyle, że dzieło Rembrandta było kilkakrotnie lakierowane, przez co mocno pociemniało. Ponadto prawie 100 lat (od początek XVIII aż do początku XIX wieku) płótno zdobiło jedną z sal amsterdamskiego ratusza, gdzie wisiało tuż przed kominkiem, z roku na rok pokrywając się sadzą. Nic dziwnego, że na początku XIX wieku nazwa „Nocna straż” mocno ugruntowała się za obrazem: do tego czasu historia jego powstania została całkowicie zapomniana i wszyscy byli pewni, że mistrz przedstawił dokładnie ciemny czas dni. Dopiero w 1947 roku podczas renowacji w Rijksmuseum w Amsterdamie, gdzie obraz znajduje się do dziś, okazało się, że jego kolorystyka była nieporównywalnie jaśniejsza niż powszechnie sądzono. Co więcej, krótkie cienie rzucane przez bohaterów wskazują, że akcja toczy się między południem a drugą po południu. Jednak konserwatorzy nie usunęli wszystkich warstw ciemnego lakieru, bojąc się uszkodzenia lakieru, więc nawet teraz Straż Nocna jest raczej półmroczna.

Prawdziwa nazwa płótna to „Przemówienie kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Wilhema van Reitenburga”. To portret grupowy muszkieterów-milicji jednej z dzielnic Amsterdamu. Od 1618 do 1648 roku w Europie trwała wojna trzydziestoletnia, a mieszkańcy miast holenderskich chwycili za broń w obronie swoich domów. Dzieło Rembrandta wraz z portretami innych kompanii strzeleckich miało ozdobić główny hol w Kloveniersdolen, kwaterze głównej strzelców miejskich. Ale klienci byli rozczarowani: Rembrandt nie okazał się monumentalny formalny portret, A fragment rozmowy, w którym z trudem odnajdywali własne twarze, często na wpół zasłonięte przez inne postaci. Nadal tak! W końcu artysta oprócz 18 klientów (z których każdy wyłożył na swój portret około 100 złotych guldenów - bardzo imponująca wówczas kwota) wcisnął na płótno kolejne 16 osób! Kim są, nie wiadomo.

Muzeum – Muzeum Historii Amsterdamu?

trzy krzyże

Jedna z najsłynniejszych rycin Rembrandta, ma pięć stanów. Podpisano i opatrzono datą tylko trzecią, dlatego resztę Rembrandt uznał za pośrednią. Piąty warunek jest bardzo rzadki, znanych jest tylko pięć okazów.

Akwaforta przedstawia dramatyczny moment śmierci Chrystusa na krzyżu Kalwarii, opisany w ewangeliach. W tej akwafortie Rembrandt na niespotykaną dotąd skalę zastosował technikę noża i „suchej igły”, co zwiększyło kontrast obrazu.

2 grudnia 2008 r. Ta akwaforta (stan IV) została sprzedana w Christie's za 421 250 funtów.

Zejście z Krzyża

W 1814 roku Aleksander I kupił Galerię Malmaison od cesarzowej Józefiny. Niektóre obrazy pochodziły ze słynnej Galerii Kassel, m.in. Zdjęcie z krzyża. Wcześniej płótna te były własnością pani de Ruwer w Delft i wraz z innymi obrazami z jej kolekcji zostały zakupione przez landgrafa Hesji-Kassel Ludwika VII. W 1806 r. jego galerię przejął Napoleon i podarował Józefinie.

W 1815 r. następca landgrafa Hesji-Kassel Ludwik VII, były sojusznik Aleksandra I, wystąpił do cesarza z żądaniem zwrotu skonfiskowanych przez Napoleona obrazów. Żądanie to zostało zdecydowanie odrzucone przez Aleksandra I, który zapłacił za obrazy i w każdy możliwy sposób okazywał uwagę Josephine i jej córce Hortense. W 1829 roku Hortense, która nosiła wówczas tytuł księżnej Saint-Leu, kupiła w Galerii Malmaison trzydzieści obrazów.
Temat „Zejście z krzyża” miał w sztuce europejskiej wielką tradycję ikonograficzną. Jej najwyższe osiągnięcie uznano za obraz ołtarzowy Rubensa w katedrze w Antwerpii, szeroko znany z ryciny Worstermanna.

Myśl twórcza Rembrandta błąka się gdzieś w pobliżu tej tradycji, korzystając z niej i jednocześnie obierając wciąż inne drogi. Niezwykłe dla wcześniejszego rozwoju sztuka europejska, są bardzo charakterystyczne dla osobistego sposobu twórczego Rembrandta i nie bez powodu „Zejście z krzyża” na zewnątrz tak bardzo przypomina „Niewiarę apostoła Tomasza”.
Rubens przedstawił wzniosły smutek grupy majestatycznych i pięknych ludzi z powodu majestatycznego i wielki bohater; Niespokojna masowa nocna scena Rembrandta. Liczne postacie albo wycofują się w ciemność, albo wpadają w promień światła i wydaje się, że tłum porusza się, żyje, opłakuje ukrzyżowanego i współczuje jego matce. W wyglądzie ludzi nie ma nic idealnego, wielu z nich jest niegrzecznych, brzydkich. Ich uczucia są bardzo silne, ale to są uczucia zwykli ludzie, nie oświecony tym wzniosłym katharsis, jakie jest na obrazie Rubensa.

Zmarły Chrystus jest człowiekiem takim jak oni; to właśnie ze względu na siłę ich żalu jego cierpienie i śmierć nabierają szczególnego znaczenia. Kluczem do treści obrazu jest być może nie tyle sam Chrystus, co osoba, która go podtrzymuje i przyciska do niego policzek.
Z artystycznego punktu widzenia ułamkowa, niespokojna kompozycja jest gorsza i sławny obraz Rubensa, a także niektóre prace samego Rembrandta wykonane w tych samych latach. Na przykład „Niewiara apostoła Tomasza”, mniej znacząca w swojej treści, wydaje się na zewnątrz bardziej harmonijna i holistyczna. Jednak w Zdjęciu z krzyża wrodzone rozumienie przez Rembrandta biblijnego tematu ewangelii wychodzi wyraźniej.

Dzieło młodego Rembrandta różni się od pierwowzoru najbardziej podstawowymi cechami. Przede wszystkim nie powstał ani formalnie, ani merytorycznie jako obraz ołtarza modlitewnego. Jego rozmiar obudowy jest skierowany nie do percepcji tłumu, ale do indywidualnego doświadczenia. To odwołanie się do uczuć i świadomości jednej osoby, nawiązanie bliskiego duchowego kontaktu z widzem zmusiło artystę do stworzenia całkowicie nowy system środki artystyczne i sztuczki. Scenę legendy ewangelii Rembrandt postrzegał jako tragiczne realne wydarzenie, w istocie pozbawiając ją mistycznego i heroicznego patosu.

Dążąc do jak największej szczerości i prawdziwości obrazu, Rembrandt ukazał pod krzyżem zwarty tłum ludzi, wstrząśniętych żalem, szukających ze sobą rodzinnej jedności w obliczu straszna śmierć. Brązowo-oliwkowa kolorystyka spajała całą kompozycję, a strumień świetlny dramatycznie uwydatnił jej główny ośrodek semantyczny. Największą głębię cierpienia zawiera obraz Matki Bożej, która straciła przytomność ze swoją chudą, wychudzoną twarzą robotnika. Druga grupa żałobników znajduje się na lewym końcu przestrzennej przekątnej – kobiety z czcią składają całun, wypełniając swój bezpośredni obowiązek w stosunku do zmarłego. Opadające ciało Chrystusa podtrzymywane przez starca – ucieleśnienie umęczonego ludzkiego ciała – budzi przede wszystkim uczucie głębokiego współczucia.

żydowska panna młoda

Jeden z ostatnich i najbardziej zagadkowych obrazów Rembrandta. Imię nadał jej w 1825 roku amsterdamski kolekcjoner Van der Hop. Błędnie sądził, że przedstawia on ojca, który daje swojej żydowskiej córce naszyjnik z okazji jej ślubu. Być może jest to portret wykonany na zamówienie, ale stroje postaci są wyraźnie zbliżone do starych, biblijnych, dlatego jako imię zaproponowano Artakserksesa i Esterę, Jakuba i Rachelę, Abrama i Sarę, Booza i Rut.

Saskia jako Flora

Obraz Rembrandta, namalowany w 1634 roku, który prawdopodobnie przedstawia żonę artysty Saskię van Uylenbuch pod postacią starożytnej włoskiej bogini kwiatów, kwitnienia, wiosennych i polnych owoców Flory.

W 1633 roku Saskia van Uylenbürch została żoną Rembrandta van Rijn. Uroczy portret młodej Saskii przebranej za Florę jest niemym, ale wymownym świadkiem tego „pory wiosny i miłości” genialnego malarza.

Zamyślona, ​​ale niewątpliwie szczęśliwa twarz dziewczyny jest całkiem zgodna z uczuciami panny młodej. Nie jest już rozbrykanym dzieckiem, beztrosko patrzącym na Boży świat. Ma przed sobą poważne zadanie: wybrała nowy sposób i wiele, wiele rzeczy musi zmienić zdanie i ponownie poczuć, zanim w nie wejdzie dorosłe życie. Nakrycie głowy i różdżka splecione z kwiatami z pewnością wskazują na Florę, starożytną rzymską boginię wiosny. Strój bogini jest napisany z niesamowitą wprawą, ale prawdziwa wielkość talentu Rembrandta przejawia się w wyrazie czułości, jaki artysta nadał jej twarzy.

Ukochana żona sprowadzona do samotnego mieszkania skromny artystaświatło szczęścia i szczerego zadowolenia. Rembrandt lubił ubierać Saskię w aksamit, jedwab i brokat, zgodnie z ówczesnym zwyczajem obsypywał je brylantami i perłami, obserwując z miłością, jak jej urocza, młoda twarz wygrywa z genialnym strojem.

Muzeum - Państwowy Ermitaż

Styl

Głęboko humanistyczne w swej istocie i doskonałe w swojej wyjątkowej formie artystycznej dzieło Rembrandta stało się jednym ze szczytów rozwoju ludzkiej cywilizacji. Zróżnicowane gatunkowo i tematycznie dzieła Rembrandta przesiąknięte są ideami moralności, duchowego piękna i godności zwykłego człowieka, zrozumieniem niezrozumiałej złożoności jego wewnętrznego świata, wszechstronnością jego bogactwa intelektualnego i głębią jego przeżyć emocjonalnych. Zawierające wiele nierozwiązanych tajemnic, obrazy, rysunki i ryciny tego wspaniały artysta urzekają wnikliwą charakterystyką psychologiczną bohaterów, filozoficzną akceptacją rzeczywistości, przekonującym uzasadnieniem nieoczekiwanego rozwiązania artystyczne. Jego interpretacja opowieści biblijnych, starożytnych mitów, starożytnych legend i przeszłości ojczyzna jako naprawdę znaczące wydarzenia w dziejach człowieka i społeczeństwa, głęboko odczuwane zderzenia życiowe konkretnych ludzi, otworzyły drogę do swobodnej i niejednoznacznej interpretacji tradycyjne obrazy i tematy.

Kochaj Rembrandta

Słynna muza Rembrandta Saskia była najmłodszą córką burmistrza miasta Leeuwarden. Ta białoskóra rudowłosa piękność dorastała w dużej i bardzo zamożnej rodzinie. Kiedy dziewczynka miała 12 lat, zmarła matka rodziny. Ale dziewczyna wciąż nie wiedziała, czego odmówić, a kiedy nadszedł czas, stała się bardzo godną pozazdroszczenia panną młodą.

Przełomowe spotkanie artysty z młodą damą miało miejsce w domu kuzyna dziewczyny, artysty Hendricka van Uylenburga, który był także handlarzem antykami. Rembrandt jest dosłownie oczarowany dziewczyną: świetlista delikatna skóra, złote włosy... Dodaj do tego umiejętność prowadzenia swobodnej rozmowy. Żartobliwie zaprosiła do namalowania swojego portretu znanego malarza. I to wszystko, czego potrzebuje: Saskia jest idealnym modelem dla obiektów Rembrandta w ciemnych i stonowanych odcieniach.

Rembrandt zaczyna malować portret. Spotyka się z Saskią nie tylko na sesjach. Zmieniając swoje zasady, stara się chodzić na spacery i imprezy dla przyjemności. Kiedy praca nad portretem została zakończona i ustały częste spotkania, Rembrandt rozumie: to jest ten, którego chce poślubić. W 1633 roku narzeczoną artysty została Saskia van Uylenburg, a 22 lipca 1634 roku odbył się długo oczekiwany ślub.

Małżeństwo z Saskią otwiera artystce drogę do wyższych sfer. Ojciec burmistrza pozostawił ukochanej kolosalny spadek: 40 000 florenów. Nawet za niewielką część tej kwoty można było wygodnie żyć przez wiele, wiele lat.

Szczęśliwi i kochający małżonkowie zaczęli się wyposażać wspólny Dom. Wkrótce zaczął przypominać muzeum. Ściany zdobiły ryciny Michała Anioła i obrazy Rafaela. Saskia zgadzała się na wszystko, bardzo kochała swojego męża. A on z kolei obsypywał ją klejnotami, płacił za najwspanialsze toalety. I oczywiście próbował uchwycić swoje ulubione zdjęcie. Można powiedzieć, że Rembrandt stał się kronikarzem swojego życia rodzinnego. W pierwszych dniach Miesiąc miodowy małżonków namalowano słynny „Autoportret z Saskią na kolanach”.

W 1635 r. W rodzinie urodził się pierwszy syn, ale nie żył długo, co było strasznym ciosem dla młodej matki.

Przez długi czas nie chciała rozstać się z ciałem syna, odpychała od siebie wszystkich, nie puszczając martwego dziecka. Nieszczęsna matka chodziła z nim po domu, utulając go do snu i nazywając wszystkimi pieszczotliwymi imionami, którymi ona i jej mąż zwracali się do Rembrantusa w pierwszych szczęśliwych dniach.

Rembrandt zdawał sobie sprawę, że poza godzinami spędzonymi przy sztalugach mógł mieszkać tylko w pobliżu Saski. Tylko przy niej czuje się mężczyzną: miłość jest źródłem życia, a on kocha tylko Saskię i nikogo więcej.

Po śmierci Rembrantusa Saskia straciła przy urodzeniu jeszcze dwoje dzieci. Dopiero czwarte dziecko, Tytus, urodzony w 1641 r., przeżyło trudne lata niemowlęctwa. Chłopiec otrzymał imię po nieżyjącej już Tizii, siostrze Saskii.

Ciągły poród odbił się jednak niekorzystnie na zdrowiu Saskii. Pojawienie się przez artystę obrazów czysto pejzażowych pod koniec lat trzydziestych XVII wieku czasami tłumaczy się faktem, że w tym czasie z powodu choroby żony Rembrandt spędzał z nią dużo czasu poza miastem. W latach czterdziestych XVII wieku artysta maluje stosunkowo niewiele portretów.

Saskia van Uylenburg zmarła w 1642 roku. Miała zaledwie trzydzieści lat. W trumnie wyglądała jak żywa...

W tym czasie Rembrandt pracował nad sławny obraz„Nocna Straż”.

Muzeum Domu Rembrandta

Muzeum Sztuki na Jodenbreestraat w Dzielnicy Żydowskiej w Amsterdamie. Muzeum zostało otwarte w 1911 roku w domu, który Rembrandt kupił u szczytu swojej sławy w 1639 roku i mieszkał w nim aż do bankructwa w 1656 roku.

Przez prawie 20 lat swojego życia (od 1639 do 1658) Rembrandt zdołał stworzyć wiele świetna robota, zdobyć sławę, zebrać unikatową kolekcję obrazów i rarytasów z całego świata, pozyskać studentów, roztrwonić majątek pierwszej żony, stracić ważnych klientów, zaciągnąć ogromne długi i postawić dom pod młotek.

Rembrandt musiał też sprzedać większość swojej bogatej kolekcji obrazów i antyków, w tym dzieła wielkich artystów europejskich, rzymskie popiersia cesarzy, a nawet japońskie zbroje bojowe i przenieść się do skromniejszego domu. Przeżywszy obie żony, a nawet własnego syna, Rembrandt zmarł w biedzie i samotności.

Dwa i pół wieku później, w 1911 roku, na polecenie królowej Wilhelminy, dom zamieniono na muzeum, które w przeciwieństwie do np. Muzeum Van Gogha jest przede wszystkim nie Galeria Sztuki, oraz odrestaurowane apartamenty wielkiego artysty: na pierwszym piętrze ogromna kuchnia, na drugim pokój recepcyjny, sypialnia główna i sypialnia gościnna, na trzecim największy pokój w rezydencji – pracownia, a na piętrze strych - pracownie jego uczniów.

Odtworzenie wnętrza było możliwe dzięki inwentaryzacji majątku sporządzonej przez notariusza przy sprzedaży całego majątku artysty na licytacji oraz rysunkom samego artysty, na których wyeksponował swój dom.

Tutaj można zobaczyć jego rzeczy osobiste, meble z XVII wieku i inne. ciekawe eksponaty jak najpiękniejsza maszyna do trawienia czy zamorskie rarytasy.

Muzeum prezentuje prawie wszystkie ryciny wielkiego Rembrandta – 250 z 280, wspaniałe autoportrety artysty, rysunki przedstawiające jego rodziców, żonę i syna Tytusa, wspaniałe widoki Amsterdamu i okolic.

Nawet muzealna toaleta wymaga szczególnej uwagi: można tam zobaczyć rysunki Rembrandta o odpowiedniej tematyce: kobiety kucającej w krzakach i mężczyzny stojącego w charakterystycznej dla tej instytucji pozie.