मूल पेंटिंग को पुनरुत्पादन से कैसे अलग करें? यदि पेंटिंग में बड़े नितंबों वाले लोगों को दिखाया गया है, तो आप निश्चिंत हो सकते हैं कि यह रबेंस ही हैं
विश्व संस्कृति के साथ संवाद शुरू करना, आधुनिक आदमीउसके स्तर तक पहुँचने के लिए प्रयास बर्बाद नहीं करता, बल्कि, इसके विपरीत, उसे अपने स्तर पर लाने की कोशिश करता है। (कोई चतुर)
फोटोग्राफी के आविष्कार से पहले, पेंटिंग को शायद परिवेश को अधिक स्पष्ट रूप से प्रतिबिंबित करने के एक उपकरण के रूप में देखा जाता था। पेंटिंग जितनी अधिक प्रामाणिकता से प्रदर्शित होती, उतनी ही बेहतर मानी जाती असली दुनिया. 1839 में फोटोग्राफी और 1895 में सिनेमा के आगमन के साथ, पेंटिंग के बारे में जागरूकता में काफी विस्तार हुआ, हालांकि अन्य लोग इस समय एक संकीर्ण कार्यात्मक व्यवसाय का पालन करते हैं।
फोटो और पेंटिंग में क्या अंतर है?
बातो डुगरज़ापोव "क्रिसमस"।
एक तस्वीर एक क्षण को, दूसरे शब्दों में, किसी वस्तु की एक बहुत ही विशिष्ट, क्षणिक स्थिति को कैद करती है। चित्रकार, चाहे वह कितनी भी सावधानीपूर्वक और विश्वसनीय रूप से विवरण लिखता हो, पहले वह सामान्य चीज़ लिखता है जो वह मॉडल में देखता है, दूसरे शब्दों में, सबसे विशिष्ट और अभिव्यंजक।
इसलिए, एक तस्वीर (फोटो कलाकारों के बहुत दुर्लभ कार्यों को छोड़कर) एक चित्रण है, जो एक विश्वकोश में एक तस्वीर के समान है: एक गिलहरी ऐसी दिखती है, बच्चों, और फोटो एलबम का मालिक 20 साल पहले ऐसा दिखता था जब वह बाथटब में नहा रहे थे.
बातो डुगरझापोव "क्रीमिया"।
आधुनिक चित्रकार ने प्रकृति की नकल करना छोड़ दिया है - फोटोग्राफी और फिल्मांकन यह काम और भी बेहतर और तेजी से करेगा। प्रकृतिवाद चित्रकला को दोहराव और साधारणता की चरम सीमा पर धकेल देता है। इसके अलावा, प्रकृति का पुनरुत्पादन नहीं किया जा सकता है। जब दर्शक पेंटिंग की केवल सबसे सतही बारीकियों को स्वीकार करता है - सूचना का प्रसारण "जहां सब कुछ था", तो पेंटिंग के बारे में जागरूकता बहुत कमजोर और विकृत हो जाएगी।
एक पेंटिंग एक तस्वीर से मौलिक रूप से भिन्न होती है क्योंकि यह एक समान नहीं होती है, और यही रंगीन और के बीच मूलभूत अंतर बन गया है फोटोग्राफिक छवि. चित्रकार अपनी स्वेच्छा से निर्णय लेता है कि क्या और कैसे छोड़ना है, क्या और कैसे उजागर करना है, क्या बाहर करना है, समय-समय पर सतही सामान्य ज्ञान के विपरीत भी।
बातो डुगरज़ापोव "टेरेस"।
कैनवास पर एक रंगीन पेंटिंग चित्रित वस्तु का पूर्ण और सार्वभौमिक प्रदर्शन और उससे जुड़ी यादें व्यक्त करने का दावा करती है। एक असंगत तरीके से, एक वॉल्यूम एक सपाट कैनवास पर दिखाई देता है, जीवंत और खूबसूरत दुनिया, कलाकार द्वारा बनाया गया।
हम चित्र में प्रवेश कर सकते हैं और पक्षियों को गाते हुए सुन सकते हैं, खिलते घास के मैदान की खुशबू को सूंघ सकते हैं, सूर्य द्वारा गर्म किए गए पानी की गर्मी को महसूस कर सकते हैं, हलचल देख सकते हैं - स्पष्ट रूप से समझते हुए कि यह सब विशेष रूप से हमारी चेतना में और हमारे सामने होता है, और यह कि निर्माता ने यह सब हमें दिया है।
"अल्ला प्राइमा" क्या है?
बातो डुगरझापोव "मॉर्निंग"।
यदि इससे पहले छोटे से छोटे विवरण को लिखने की आभूषण शैली का स्वागत किया गया था, जब चित्र को महीनों या वर्षों तक चित्रित किया जाता था, और फिर श्रमसाध्य रूप से वार्निश किया जाता था, तो 19वीं-20वीं शताब्दी में "अल्ला प्राइमा" की अवधारणा सामने आई। - लैटिन से "ऑल प्राइमा विस्टा" (1-वाई टकटकी) और इसका अर्थ है इम्पैस्टो पेंट के साथ सहज पेंटिंग।
पहले सत्र के बाद पेंटिंग तैयार हो जाती है। रंगों को मुख्य रूप से ऐसे पैमाने पर मिश्रित किया जाता है जहां वे ताज़ा और चमकदार दिखाई देते हैं। खुली हवा में पेंटिंग करते समय, यह काम करने का एक बहुत ही उपयुक्त तरीका है।
पेस्टोसिटी प्लास्टिक ब्रशस्ट्रोक में चमकदार परत की राहत, उत्तलता में प्रकट होती है और वस्तु के भौतिक पक्ष पर जोर देने और गतिशीलता प्रदान करने का कार्य करती है। तस्वीरें तस्वीरों की तुलना में बड़ी और अधिक जानकारीपूर्ण होती हैं; वे अनावश्यक स्पष्टीकरण और विवरण के विवरण के बिना, स्थानीय रंग के धब्बों के साथ दर्शकों को कामुक रूप से प्रभावित कर सकते हैं। समय-समय पर इस विशिष्टता के अभाव के कारण भी।
बातो डुगरझापोव “दोपहर। नावें।"
पहली नज़र में प्रतीत होने वाले यादृच्छिक स्ट्रोक और हल्के धब्बों का विकल्प एक तस्वीर की तुलना में बहुत अधिक भावनात्मक है और प्राचीन, चाटा हुआ तरीका आंदोलन को व्यक्त करता है - घास पर सूरज के धब्बे का खेल, पानी पर चमक, पत्तियों का हिलना, आदि।
दुर्भाग्य से, दर्शक, जो रंगीन संस्कृति के मामले में पूरी तरह से पागल हो गया है, व्यापक स्ट्रोक और धारियों के साथ चित्रित अल्ला प्राइमा के कार्यों को देखकर, रुकने और करीब से देखने की जहमत नहीं उठाता, बल्कि अपने गाल फुलाता है और, शब्दों के साथ " मैं इसे इस तरह चित्रित भी कर सकता हूं,'' अपने लाभ की चेतना के साथ आगे बढ़ता है लच्छेदार घुंघराले-लिखित रचनाओं की खोज में, जहां कल्पना और सहानुभूति का कोई काम आवश्यक नहीं है।
आइए उसे जाने दें, और बाद में हम देखेंगे, उदाहरण के लिए, कलाकार बातो डुगरज़ापोव की पेंटिंग "प्लेन एयर"। इस आकर्षक चित्र में हम क्या देखते हैं?
बातो डुगरझापोव "प्लेन एयर"।
जो लोग यह देखना चाहते हैं कि पात्रों के जूते कैसे बनते हैं - कुछ नहीं। जागरूकता की लहर से जुड़ा दर्शक सबसे पहले बहुत कुछ देखता है सूरज की रोशनी. फिर हम कई कलाकारों को गर्मियों की पोशाकों में चित्रफलक पर और एक दाढ़ी वाले कलाकार को जींस पहने और हाथ में ब्रश लिए हुए देखते हैं। फिर एक गर्म पत्थर की दीवार दिखाई देती है जिसके ऊपर चढ़े हुए विस्टेरिया के पेड़ सूरज की रोशनी से जगमगाते हैं, नीला आकाशपत्तों के अंतराल में, तटबंध की मुंडेर और उसके पीछे समुद्र। इसीलिए पत्ते को विस्तार से और रगों में नहीं लिखा जाता है, क्योंकि यह हिलता है, हिलता है, और प्रकाश भी चलता है, परछाइयाँ चलती हैं और दूरी में समुद्र से प्रतिबिंब हर मिनट बदलता है...
तस्वीर का मिजाज बिल्कुल अद्भुत है, यह बस प्रकाश और सकारात्मकता उत्सर्जित करता है। और साथ ही, सूचक से इंगित करना और समझाना असंभव है - यह यह है, और यहाँ यह है। आपको बस इसे तस्वीर से थोड़ा हटकर और काफी देर तक देखते रहना है। इसके अलावा, यह केवल एक फ़ाइल है, मैं स्वयं कल्पना कर सकता हूँ कि इसे मूल में कैसे कार्य करना चाहिए!
बातो डुगरज़ापोव "रेखाचित्रों पर"।
पेंटिंग "ऑन एट्यूड्स" इसी तरह "प्रकट होती है"। सबसे पहले - सूरज की रोशनी के अराजक धब्बे और समुद्र के प्रतिबिंब। फिर भूरे बालों वाला चित्रकार चित्रफलक की ओर झुका। फिर - समुद्र ही: विशाल समुद्र, यह चलता है, यह बेचैन है, लहरों से सूरज की चमक वास्तव में आँखों को अंधा कर देती है (यह कैसे बना है यह समझना असंभव है), समुद्र में बाईं ओर पहाड़, कंकड़ और नावें हैं फिर से एक चढ़ाई वाला पौधा, शायद अंगूर।
एक गर्म सुबह का वातावरण अवर्णनीय रूप से व्यक्त किया गया है (और यह सुबह है, क्योंकि जब सूरज अधिक होता है, तो समुद्र इतना चमकता नहीं है, नीला हो जाता है), सुंदरता दक्षिण तटऔर इस सुंदरता के लिए प्रशंसा.
बातो डुगरझापोव "दक्षिणी शाम"
बातो डुगरज़ापोव की पेंटिंग एक असाधारण चमकदार वातावरण में डूबी हुई हैं, जो कलाकार की उच्चतम रंगीन संस्कृति, रंग और स्थानिक संबंधों के बारे में संकीर्ण जागरूकता की बात करती है। उनके कार्यों में ताजगी, रेखाओं और रंग के धब्बों की तीव्र लय, रोमांटिक उल्लास और प्रकाश-स्थानिक संबंधों की एक संकीर्ण धारणा शामिल है।
विशेष सहजता के साथ, बड़े स्ट्रोक के साथ, वह रंग, प्रकाश और वास्तविक गतिशीलता में प्रकृति की एक पूर्ण, अभिन्न छवि बनाता है... सूर्य की किरणों में सब कुछ चमकता है, यहां तक कि जहां छाया है, प्रतिबिंब चमकते हैं, जो विशेष रूप से हड़ताली है और विनोदी। स्वतंत्र रूप से फेंके जाने पर, रंग एक दूसरे के ऊपर स्थित होते हैं और एक बहुरंगी सामंजस्य और लय बनाते हैं, जिसमें रंगों के खेल का विशेष महत्व होता है।
बातो डुगरझापोव "लेक कोमो"।
बातो डुगरझापोव का जन्म 1966 में चिता में हुआ था। उन्होंने टॉम्स्क में कला विद्यालय और मेट्रोपॉलिटन म्यूनिसिपल अकादमिक कला संस्थान से स्नातक की उपाधि प्राप्त की। में और। सुरिकोव। कलाकार की कृतियाँ रूस, अमेरिका, फ्रांस, इटली और स्पेन में व्यक्तिगत संग्रह में हैं।
के. यू. स्टारोखामस्काया
- वाह, बढ़िया चित्र! - काम की सराहना की और गलत शब्दावली से कलाकार को तुरंत नाराज कर दिया
दोस्तों, आप शायद जानते होंगे कि एक अच्छा लेकिन प्रभावशाली कलाकार नाराज हो सकता है यदि आप उसे यह बताते हैं उसकी तस्वीर "रंग" देता है. यह वैसा ही है जैसे कहा जाए कि जहाज समुद्र पर चलते हैं... लेकिन हम सभी जानते हैं कि जहाज समुद्र पर चलते हैं!
फिर भी, एक व्यक्ति जो ललित कला से दूर है वह अक्सर यह नहीं कह सकता कि पेंटिंग क्या है, ड्राइंग क्या है और वे एक दूसरे से कैसे भिन्न हैं। इसलिए, उसके लिए "ड्राइंग" और "लेखन" दोनों एक ही हैं। लेकिन मास्टर को यह बताने का प्रयास करें कि उसके पास कैनवास पर एक अच्छा "चित्रांकन" है!
अब और नहीं आसान तरीकाएक संवेदनशील रचनात्मक स्वभाव को ठेस पहुँचती है, हालाँकि एक साधारण दर्शक तुरंत नहीं समझ पाएगा कि क्या गलत और आपत्तिजनक है।
पेंटिंग और ड्राइंग निकट और यहां तक कि संबंधित अवधारणाएं हैं, लेकिन स्पष्ट रूप से एक दूसरे से अलग हैं। जिस प्रकार यह सर्वविदित है कि चित्र कब चित्रित होते हैं और कब बनाये जाते हैं।
आइए इसे जानने का प्रयास करें में शब्दावली ललित कला . मेरा विश्वास करें, यह न केवल उन लोगों के लिए महत्वपूर्ण है जो रचनात्मक हैं, बल्कि दिलचस्प भी हैं।
पेंटिंग और ड्राइंग के बीच अंतर
सख्त औपचारिक भाषा में, चित्रकला - यह एक समतल पर किसी भी छवि, वस्तु और घटना की एक छवि है। आप चॉक, पेन, पेंसिल, पेंट - किसी भी चीज़ से चित्र बना सकते हैं जो किसी विशेष सतह पर निशान छोड़ता है।
सामान्य तौर पर, कांच पर हीरे को खरोंचना या, उदाहरण के लिए, किसी पाठ में पेन से चित्र बनाना और टैटू बनवाना भी चित्रकारी है।
और यहां चित्रकारी - यह भी वस्तुओं और घटनाओं की एक छवि है, लेकिन केवल पेंट के उपयोग के साथ। अर्थात्, शुष्क और औपचारिक भाषा में कहें तो, पेंटिंग ड्राइंग विकल्पों में से एक है जिसमें ब्रश का उपयोग एक उपकरण के रूप में किया जाता है, और पेंट एक छवि बनाने का साधन है।
दूसरे शब्दों में, ड्राइंग ग्राफिक्स है और माना जाता हैआधिकारिक तौर पर, कागज पर जो कुछ भी किया जाता है उसे ग्राफिक्स माना जाता है, और, अजीब तरह से, जल रंग को भी ग्राफिक्स माना जाता है। हालाँकि कई कृतियों को कागज पर बनी पेंटिंग भी माना जाता है
तो, कागज पर सब कुछ ग्राफिक्स है, और बाकी सब कुछ पेंटिंग है... कैनवास, लकड़ी, कांच, दीवार पर
स्कूल में ड्राइंग पाठ याद है? वहां पूरे विषय को इस तरह कहा जाता था: ललित कला। पेंटिंग या ड्राइंग में कोई अलग पाठ नहीं था, बस एक दिन वे तेल के साथ काम करना सिखाते थे, और दूसरे दिन - पेंसिल के साथ।
इसलिए यह आम धारणा है कि पेंटिंग ड्राइंग का ही एक रूप है। औपचारिक तौर पर तो ऐसा है, हकीकत में ये अलग है.
ललित कला - छवियाँ खींचने की कला = ललित कला, एसोसिएशन विभिन्न प्रकार केपेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला
वास्तव में, ऐसा पदानुक्रम ही वास्तविक नौकरशाही है। दृश्य कलाओं में आज एक स्पष्ट विभाजन है: चित्रकारी- यह घने पदार्थों पर ब्रश और पेंट के साथ काम करना है, चित्रकला- यह कागज पर अन्य सभी सामग्रियों का उपयोग है।
यह इतना सख्त और वैज्ञानिक नहीं हो सकता है, लेकिन कला की दुनिया को कई लोग पसंद करते हैं क्योंकि यह विज्ञान के अधीन नहीं है, और इसलिए इसके कानूनों को सख्त वर्गीकरण और शब्दावली के अनुरूप होना जरूरी नहीं है।
एक और बारीकियां है: शब्द के बारे में ही सोचो "चित्रकारी"- यह दो हिस्सों से मिलकर बना है: "रहना"और "लिखना". इसकी अलग-अलग तरीकों से व्याख्या की जा सकती है, लेकिन कई कलाकारों का कहना है कि पेंट के साथ काम करना ठीक इसलिए जीवित है क्योंकि कैनवास पर लगाने के बाद पेंट खुद सूख जाते हैं और कुछ हद तक अपने गुणों को बदल देते हैं, यानी वे अपना जीवन जीते हैं।
और छवि स्वयं अपना गतिशील जीवन प्राप्त कर लेती है, चित्र सजीव हो जाता है।या चित्रण- जीवंत तरीके से लिखना... सामान्य तौर पर, मेरी राय में, पेंटिंग शब्द ऊंचा और सुंदर लगता है
सजीव चित्रों को देखना और उन पर विचार करना
तो, हमने इस भाग का पता लगा लिया है: पेंटिंग पेंट के साथ काम करना है, ड्राइंग अन्य साधनों का उपयोग करना है। इसके अलावा, चित्रफलक पेंटिंग, स्मारकीय और सजावटी दोनों, ड्राइंग के समान रूपों से भिन्न होती है।
दीवारों पर पेंट लगाया जाता है - हम बात कर रहे हैंपेंटिंग के बारे में, वे उन्हें क्रेयॉन से सजाते हैं - यह पहले से ही ड्राइंग है।
क्या वे चित्रकारी करते हैं या चित्रकारी करते हैं?
अन्य, कम नहीं गर्म विषय- चित्र बनाने की प्रक्रिया को क्या कहें? ऐसा प्रतीत होता है कि यदि कोई छवि बनती है तो इसका मतलब है कि वह खींची गई है। और अगर वे किसी पत्र के बारे में बात करते हैं, तो उनका मतलब आमतौर पर पाठ होता है।
यहां शब्दावली की गहरी ऐतिहासिक जड़ें हैं।रूस में पेंटिंग धीरे-धीरे आइकन पेंटिंग से विकसित हुई, जब मास्टर्स ने उसी तकनीक का उपयोग करके बाइबिल के रूपांकनों को पुनर्जीवित करने और अधिक उज्ज्वल बनाने की कोशिश करना शुरू कर दिया, और फिर पूरी तरह से उन चित्रों पर स्विच कर दिया जिनका धर्म से कोई लेना-देना नहीं था।
लेकिन चूंकि प्रतीक मूल रूप से थे "लिखा", फिर यह शब्द चित्रकला की ओर चला गया और आज तैलचित्र भी चित्रित किये जाते हैं।
मैं अक्सर पाप करता हूं और आमतौर पर अपनी तस्वीरें "पेंट" करता हूं
यदि हम चित्रकारी की बात कर रहे हैं, तो यहाँ सभी कार्य चित्रित हैं, चाहे वे कितने भी महत्वपूर्ण क्यों न हों। बेशक, कोई कह सकता है कि कलाकार ने पेंसिल से एक महाकाव्य कैनवास "लिखा", लेकिन यह स्वतंत्रता से ज्यादा कुछ नहीं है।
क्या कैनवास पर चित्र बनाना संभव है?
सामान्य तौर पर, यह कहने की प्रथा है कि वे कैनवास पर तेल से चित्र बनाते हैं, लेकिन, उदाहरण के लिए, वे केवल कागज पर चित्र बनाते हैं। लेकिन ये पूर्ण नियम नहीं हैं.
उदाहरण के लिए, पेंट से पेंटिंग करने से पहले कलाकार कैनवास पर एक पेंसिल स्केच बना सकता है।यह एक चित्र है, लेखक इसे बनाता है। और केवल जब इस चित्र पर पेंट लगाया जाता है तो चित्र चित्रित होना शुरू होता है।
हालाँकि, किसी ने भी कैनवास पर पेंसिल या चारकोल से चित्र बनाने से मना नहीं किया है... एकमात्र सवाल यह है कि कपड़े के कैनवास पर चित्र बनाना सूखी तकनीकों के लिए पूरी तरह से सुविधाजनक नहीं है, जब तक कि निश्चित रूप से, यह वह जगह नहीं है जहाँ हर चीज़ का उपयोग करना संभव है।
यही बात किसी भी अन्य बुनियादी बातों के लिए भी सच है; न केवल चित्रफलक पेंटिंग आपको चित्रों को चित्रित करने की अनुमति देती है। उदाहरण के लिए, स्मारकीय पेंटिंग इसमें विभिन्न रंगों से चित्र बनाना शामिल है वास्तुशिल्प वस्तुएंमुखौटा, सजावटी पेंटिंग - यह विभिन्न वस्तुओं और आंतरिक विवरणों पर लिखना है, - यह कमरे के अंदर की दीवारों को विभिन्न भित्तिचित्रों और नकली चित्रों के साथ चित्रित करना है
उसी समय, यदि हम एक गिलास या जग लें और उसे पेंट करें, उदाहरण के लिए, स्याही से, तो यह पहले से ही होगा सजावटी पेंटिंग . इसका मतलब यह है कि यह किसी भी तरह से इस आधार पर निर्भर नहीं करता है कि हम पेंटिंग में लगे हैं या ड्राइंग में। यह सब उन सामग्रियों के बारे में है जिनसे चित्र बनाया जाता है।
और अंत में: यह मत मानिए कि पेंटिंग पेशेवरों के लिए है, और ड्राइंग शौकीनों के लिए है। बिल्कुल नहीं! अक्सर, पेंसिल, पेस्टल या क्रेयॉन से ऐसे काम बनाए जाते हैं जो तेल या ऐक्रेलिक पेंटिंग से कम भव्य और शानदार नहीं होते हैं।
और काम बनाने की कठिनाई, उदाहरण के लिए, केवल पेंसिल से, बहुत बढ़िया है। इसलिए, यदि आप चित्र बनाना पसंद करते हैं, तो आपको खुद को यातना देने और खुद को पेंट से रंगने के लिए मजबूर करने की ज़रूरत नहीं है - जो आपको सबसे अच्छा लगता है उसके साथ उत्कृष्ट कृतियाँ बनाना काफी संभव है।
ग्राफ़िक्स में पोर्ट्रेट के मास्टर
केवल इस मामले में, वैसे, आप अपने काम में खुद को और अपनी भावनाओं को पूरी तरह से व्यक्त करने में सक्षम होंगे, चाहे वह कैनवास, कागज, कांच या दीवार पर हो! वे प्राथमिक हैं, और सामग्री और तकनीकें केवल उपकरण हैं, जिनमें से आप अपने लिए सबसे सुविधाजनक चुनते हैं।
दोस्तों, लेख के लिए इंटरनेट पर कई अन्य लेखों के बीच खोया नहीं गया,इसे अपने बुकमार्क में सहेजें.इस तरह आप किसी भी समय पढ़ने पर लौट सकते हैं।
अपने प्रश्न नीचे टिप्पणियों में पूछें, मैं आमतौर पर सभी प्रश्नों का उत्तर तुरंत देता हूँ
कई लोगों के लिए कलाकारों और उनकी पेंटिंग्स को याद रखना एक असंभव काम लगता है। सैकड़ों वर्षों में, इतिहास ने ऐसे कई कलाकारों के नाम लिखे हैं जिनके नाम उनके चित्रों के विपरीत, प्रसिद्ध हैं। कलाकार के व्यक्तित्व और शैली को कैसे याद रखें? हमने तैयार किया है संक्षिप्त विवरणउन लोगों के लिए जो ललित कला को समझना चाहते हैं:
यदि पेंटिंग में बड़े नितंबों वाले लोगों को दिखाया गया है, तो आप निश्चिंत हो सकते हैं कि यह रबेंस ही हैं
यदि सुंदर कपड़ों में लोग प्रकृति में आराम करते हैं - वट्टू
यदि पुरुष घुंघराले बालों वाली, बालों वाली आंखों वाली महिलाओं की तरह दिखते हैं - तो यह कारवागियो है
यदि गहरे रंग की पृष्ठभूमि वाली कोई पेंटिंग एक सुंदर अभिव्यक्ति वाले व्यक्ति या शहीद - टिटियन को दिखाती है
यदि पेंटिंग में बहु-आकृति वाली रचनाएँ, कई लोग, वस्तुएँ, ईसाई और अतियथार्थवादी रूपांकनों हैं - यह बॉश है
यदि पेंटिंग में बहु-आकृति रचनाएँ और जटिल कथानक हैं, लेकिन वे बॉश के चित्रों की तुलना में अधिक यथार्थवादी दिखते हैं, तो निश्चिंत रहें कि यह ब्रूगल है।
यदि आप मंद, पीली रोशनी में गहरे पृष्ठभूमि में किसी व्यक्ति का चित्र देखते हैं - रेम्ब्रांट
बाइबिल और पौराणिक दृश्यों में कई मोटे कामदेवों को दर्शाया गया है - फ्रेंकोइस बाउचर
नग्न, भरे हुए शरीर, उत्तम आकार - माइकल एंजेलो
बैलेरिना खींचे जाते हैं, यह डेगास है
दुबले-पतले और दाढ़ी वाले चेहरों वाली विरोधाभासी, तीक्ष्ण छवि - एल ग्रीको
यदि पेंटिंग में एक लड़की को यूनीब्रो के साथ दिखाया गया है, तो यह फ्रीडा है
त्वरित और हल्के स्ट्रोक, चमकीले रंग और प्रकृति का चित्रण - मोनेट
हल्के रंग और आनंदित लोग - नवीनीकरण
उज्ज्वल, रंगीन और समृद्ध - वान गाग
गहरे रंग, काली रूपरेखा और उदास लोग - मानेट
पृष्ठभूमि हल्के नीले कोहरे के साथ फिल्म "द लॉर्ड ऑफ द रिंग्स" की तरह है। मैडोना के लहराते बाल और भव्य नाक - दा विंची
यदि पेंटिंग में चित्रित शरीर का आकार असामान्य है - पिकासो
एक्सेल दस्तावेज़ की तरह रंगीन वर्ग - मोंड्रियन
"मुझे बहुत समय पहले एहसास हुआ कि कला समीक्षकों के लिए, आत्म-अभिव्यक्ति पदार्थ से अधिक महत्वपूर्ण है।"
एल्डर रियाज़ानोव
“मैं, मास्को के एक प्रसिद्ध चित्रकार का बेटा, अपना बचपन और युवावस्था उन कलाकारों के बीच क्यों बिता रहा हूँ, जिनके संग्रह में अधिक पेंटिंगऔर ग्राफिक्स अन्य की तुलना में क्षेत्रीय संग्रहालय, क्या मुझे उन कला समीक्षकों की बात सुननी चाहिए जिन्होंने कभी अपने हाथों में ब्रश भी नहीं पकड़ा?”
अलेक्जेंडर ग्रेमिट्सिख
विकिपीडिया पेंटिंग के संबंध में "चित्र" शब्द को "कला का एक काम" के रूप में परिभाषित करता है जिसमें एक पूर्ण चरित्र होता है (स्केच या रेखाचित्र के विपरीत) और स्वतंत्र कलात्मक मूल्य।" पेंटिंग के संबंध में "अध्ययन", "स्केच" और "स्केच" की अवधारणाओं को आम तौर पर विकिपीडिया पर एक साथ जोड़ दिया जाता है और एक अवधारणा में बदल दिया जाता है - स्केच, कलाकार की वास्तविक पेंटिंग के लिए प्रारंभिक सामग्री।
आइए देखें कि क्या यह व्यवहार में सच है:
यह कहा जाना चाहिए कि सभी कलात्मक शब्दावली 19वीं शताब्दी में विकसित हुईं, यदि पहले भी नहीं। उन दिनों, न केवल यहाँ, बल्कि पूरे यूरोप में, सभ्य लोगों को विशेष रूप से फ्रेंच भाषा में बात करनी होती थी, जैसा कि चित्रकला में अभी भी उपयोग की जाने वाली शब्दावली से प्रमाणित होता है। उदाहरण के लिए, "अध्ययन" शब्द फ्रांसीसी "एट्यूड" से आया है, और "स्केच" - फ्रांसीसी "एस्कुइस" से आया है। चित्रकारों के ग्राहक अधिकतर बहुत विशाल, कम से कम कहें तो, परिसर में रहते थे, जिन्हें विशाल कैनवस के साथ सजावट की आवश्यकता होती थी, जिन्हें जीवन से चित्रित करना स्वाभाविक रूप से असंभव था। यह स्पष्ट है कि ऐसी स्थितियों में, केवल अंतिम उत्पाद का मूल्यांकन किया गया था - बड़ी तस्वीर (लेकिन, वैसे, इसका भुगतान विशेष रूप से किया गया था)। चूँकि यह कभी किसी के मन में नहीं आया कि प्रकृति की कृतियों, जिनसे रेखाचित्र, स्पष्ट रूप से कहें तो, को दीवार पर लटकाया जाए, उनके लिए धन प्राप्त करना असंभव था, और इसलिए, यदि उन्हें चित्रित किया गया था, तो यह केवल सहायक दृश्य के रूप में था कुछ के लिए सामग्री बड़ी तस्वीरऔर इनका महत्व रेखाचित्रों से भी कम था, जिन्हें सावधानीपूर्वक लिखा जाता था क्योंकि उन्हें अनुमोदन के लिए ग्राहक को प्रस्तुत करना पड़ता था।
यहीं पर, "ओचकोव के समय और क्रीमिया की विजय" से, लंबे समय से पुरानी परिभाषाएँ स्थानांतरित हो गईं कलात्मक शब्दविकिपीडिया के लिए! हाँ, और अन्य शब्दकोशों में, अफ़सोस, भी, और वहाँ से - हमारे दिमाग में।
हालाँकि, द्वारा देर से XIXसदी में, समाज के लोकतंत्रीकरण के साथ, चित्रकला में अंतिम उत्पाद क्या हो सकता है, इस पर विचार नाटकीय रूप से बदल गए हैं। अगर फ़्रांसीसी प्रभाववादीवे अभी भी उनके कार्यों की संक्षिप्तता की आलोचना कर रहे थे, तब ए.के. सावरसोव ने अपने छात्रों को "प्रकृति से सीखने" के लिए प्रोत्साहित किया। उदाहरण के लिए, रूसी कलाकारों में से, कॉन्स्टेंटिन कोरोविन, प्रकृति से अपने रेखाचित्रों के लिए प्रसिद्ध हो गए; उन्होंने व्यावहारिक रूप से विषयगत चित्रों को बिल्कुल भी चित्रित नहीं किया। हम पहले से ही 21वीं सदी में रहते हैं, लेकिन चित्रकला के संबंध में हम 200 साल पहले की इसकी शब्दावली की समझ का उपयोग करना जारी रखते हैं, एक विरोधाभास, और बस इतना ही!
रोज़मर्रा के भाषण में उपयोग की जाने वाली पेंटिंग की सबसे सरल शर्तों की गलतफहमी, उनकी ऐसी प्राचीन समझ के आधार पर, सम्मानित कला समीक्षकों द्वारा जानबूझकर आम जनता पर थोपी गई है, जो कि बिल्कुल स्पष्ट है, पेशेवर रूप से कला के बारे में कुछ भी नहीं समझते हैं, कर सकते हैं रखना एक साधारण व्यक्तिएक मृत अंत तक. इसलिए, इस लेख में मैं हमारी समकालीन स्थिति के संबंध में चित्रकला में आमतौर पर इस्तेमाल होने वाले मुख्य शब्दों पर विचार करना चाहूंगा।
"लिखें" शब्द का अर्थ(बेशक, दूसरे शब्दांश पर जोर देने के साथ)
रूसी में, "लिखें" शब्द का मूल अर्थ "अक्षर और संख्याएँ लिखना" है। पेंटिंग में, पेशेवर "चित्र बनाना" शब्द का उपयोग एक शब्द के रूप में करते हैं। यदि कोई कलाकार कहता है: "मैंने एक चित्र बनाया है," तो इस मामले मेंवह पेशेवर शब्दावली का उपयोग नहीं करता है, बल्कि बस रोजमर्रा की भाषा में बोलता है, जैसे आम लोग, से संबंधित नहीं है कलात्मक गतिविधि. शब्दावली समझ में, वे चारकोल, सेंगुइन, पेंसिल, पेस्टल से पेंटिंग करते हैं, लेकिन तेल चित्रकला से नहीं। "कलाकार की यह पेंटिंग तेल से बनाई गई है," केवल पेंटिंग से दूर कोई व्यक्ति ही कह सकता है। और इसमें कुछ भी भयानक नहीं है, यह उतना महत्वपूर्ण नहीं है। इससे भी कोई फर्क नहीं पड़ता कि आप नहीं जानते कि क्राप्लाक लाल या कैडमियम पीला क्या है और आपने कभी किसी अम्बर या जले हुए सिएना के बारे में नहीं सुना है। टाइटल कलात्मक पेंट, जो कुछ रंगों को सटीक रूप से दर्शाते हैं (आखिरकार, लाल, पीला और नीला अलग-अलग हैं), किसी गैर-विशेषज्ञ के लिए यह जानना बिल्कुल आवश्यक नहीं है, और कला इतिहासकार ऐसे संकीर्ण पेशेवर सटीक शब्दों का अतिक्रमण नहीं करते हैं।
लेकिन ये सज्जन जो "कला को जानते हैं," या, अधिक सरल शब्दों में कहें तो आलोचक, यानी, कला के बारे में लिखने वाले पत्रकार, ने सफलतापूर्वक अन्य सभी लोगों पर यह झूठा विचार थोप दिया है कि कला को, वे कहते हैं, "समझने की ज़रूरत है।" कला के बारे में कौन जानता है? बेशक, कला समीक्षकों के अलावा कोई नहीं!
इस प्रकार, उन्होंने हमें सफलतापूर्वक समझाया कि दृश्य कलाओं में हम कुछ भी जानते हैं और कुछ भी नहीं समझते हैं। और सबसे दिलचस्प बात यह है कि हम इससे पूरी तरह सहमत हैं! आप किससे पूछ सकते हैं: "मैं पेंटिंग नहीं समझता", "मैं कला नहीं समझता"..., और इस तरह की चीज़ें।
वास्तव में समझने लायक क्या है? कला, जिसमें ललित कला भी शामिल है, हमारे लिए बनाई गई है, आम लोग, और "विशेषज्ञों" के लिए नहीं, यह प्रकृति द्वारा हम सभी में निहित सौंदर्यशास्त्र को आकर्षित करता है। कला में दर्शक, पाठक, श्रोता के लिए दो ही मापदंड होते हैं - पसंद और नापसंद। क्या आप कोई उबाऊ किताब पढ़ेंगे? देखना ख़राब फ़िल्मया एक नाटक? क्या आप ओपेरा, संगीत या कोई गाना सुनेंगे जो आपको पसंद नहीं है? क्या आपको लगता है काज़िमिर मालेविच? एक शानदार कलाकार, और वेलिमिर खलेबनिकोव - प्रतिभाशाली कवि? नहीं? वाहवाही! आपको कला की बहुत अच्छी समझ है!
लेकिन आपके और मेरे लिए, जैसा कि पीटर I ने कहा है, "अन्य अज्ञानी मूर्खों से पहचाने जाने" में सक्षम होने के लिए, कई सामान्य शब्दों को समझना अभी भी आवश्यक है जो अक्सर रोजमर्रा के भाषण में पाए जाते हैं, इस मामले में पेंटिंग से संबंधित .
कलाकार की पेंटिंग के लिए सामग्री
गैर-पेशेवर, उन्हीं कला समीक्षकों के सुझाव पर, आमतौर पर ऐसा मानते हैं असली तस्वीरतेल चित्रकला को विशेष रूप से कैनवास पर चित्रित किया जाना चाहिए, और कला कार्डबोर्ड जैसे अन्य आधार आमतौर पर ध्यान देने योग्य नहीं होते हैं। फिर "मोना लिसा" को पेंटिंग भी नहीं माना जाना चाहिए, क्योंकि लियोनार्डो ने काम के लिए लिंडेन बोर्ड का इस्तेमाल किया था।
कार्डबोर्ड, प्राइम किया हुआ ताकि पेंट उसमें समा न जाएं, एक सफेद यौगिक के साथ, तथाकथित प्राइमर जिसमें चाक और गोंद होता है, या एक रंगीन प्राइमर अगर कलाकार को इसकी आवश्यकता होती है, यानी विशेष कला कार्डबोर्ड, आश्चर्यजनक रूप से सुविधाजनक है काम करना, विशेषकर खुली हवा में। कार्डबोर्ड एक कॉम्पैक्ट, काफी सघन सामग्री है जो कैनवास के विपरीत, ब्रश के दबाव में वापस नहीं आती है। कमरे में तापमान और आर्द्रता में परिवर्तन के प्रभाव में कैनवास या तो शिथिल हो जाता है या खिंच जाता है; इसलिए, उस पर लगे पेंट समय के साथ उखड़ जाते हैं, लेकिन कार्डबोर्ड पर नहीं। कार्डबोर्ड पर पेंटिंग कार्डबोर्ड जितनी ही टिकाऊ होती है, और टिकाऊपन में कार्डबोर्ड कैनवास से भी आगे निकल जाता है।
हार्डबोर्ड के बारे में भी यही कहा जा सकता है, हालाँकि यह कार्डबोर्ड से कहीं अधिक भारी होता है। सोवियत कलाकार अक्सर हार्डबोर्ड को खुद ही प्राइम करते थे, या यूं कहें कि इसे पेंट करने के लिए और अधिक सुविधाजनक बनाने के लिए और ब्रश को पीछे न खींचने के लिए, वे विशेष रूप से हार्डबोर्ड पर प्राइम किए गए कैनवास को चिपका देते थे। वहां आप हैं ज्वलंत उदाहरण, बकाइन के साथ एक स्थिर जीवन काफी चित्र आकार:
कैनवास के बारे में क्या? कलाकार खास तौर पर उनके साथ हैं रूस का साम्राज्य 1862 तक काम किया, जब रूसी उद्योग ने कलात्मक कार्डबोर्ड का उत्पादन शुरू किया।
कैनवास के लिए एक भारी स्ट्रेचर और उस पर कैनवास के अच्छे खिंचाव की आवश्यकता होती है। इस मामले में, आपको काम खत्म करने के बाद पेंट के सूखने के लिए लंबे समय तक इंतजार करना होगा, अन्यथा कैनवास को रोल नहीं किया जा सकता है, क्योंकि गीले पेंट आपस में चिपक जाएंगे और पेंटिंग पूरी तरह से बर्बाद हो जाएगी। पेंट को सूखने में पूरा एक महीना लग सकता है। यहीं पर कलाकार को मजबूरन डाउनटाइम देना शुरू होता है। परिवहन के लिए, पेंटिंग, यदि वह बड़ी है, तो स्ट्रेचर से हटा दी जाती है और पेंटिंग को ऊपर की ओर रखते हुए सावधानी से एक बड़े बब्बिन पर रोल किया जाता है ताकि पेंटिंग को नुकसान न पहुंचे। अगला चरण है साइट पर डिलीवरी के बाद, कैनवास को फिर से स्ट्रेचर पर फैलाएं, सही ढंग से, बिना विकृतियों, कोनों में झुर्रियां और शिथिलता के, लेकिन अत्यधिक तनाव के बिना (यह सब पेंटिंग परत को भी नुकसान पहुंचा सकता है)। और समय के साथ, नमी और तापमान में परिवर्तन के प्रभाव में, स्ट्रेचर पर फैला हुआ कैनवास शिथिल हो सकता है या, इसके विपरीत, बहुत अधिक खिंच सकता है, जिससे कैनवास के फटने का भी खतरा हो सकता है। इसके परिणामस्वरूप, पेंट की परत उखड़ सकती है, पेंटिंग नष्ट हो सकती है या बर्बाद हो सकती है। इसीलिए हॉल और स्टोररूम में कला संग्रहालयइसलिए वे आर्द्रता और तापमान की स्थिरता की सख्ती से निगरानी करते हैं।
कलात्मक कार्डबोर्ड के कई फायदे हैं। यह हल्का है, और बाहर जाते समय इसे क्लैंप के साथ एक विशेष लकड़ी के फ्रेम में रखा जा सकता है, जिसके शीर्ष पर ले जाने के लिए एक बेल्ट हैंडल होता है। इस उपयोगी उपकरण का अंदाज़ा मेरे पिता के कागजात में संरक्षित रेखाचित्रों के लिए एक ऐसे फ्रेम के चित्र से मिलता है, जिसे मेरे पिता ने किसी बढ़ई से मंगवाया था। यहाँ चित्र है:
कभी-कभी कोई चित्रकार रेखाचित्र बनाने के लिए अपने साथ दो गत्ते ले जाता है। पहले एक का प्रयोग किया जाता है और फिर यदि का
प्रकाश या मनोदशा बदल गई है, या किसी अन्य रूपांकन ने ध्यान आकर्षित किया है, कलाकार दूसरा कार्डबोर्ड लेता है और उस पर लिखता है। काम ख़त्म करने के बाद, वह पेंटिंग से अभी भी कच्चे गत्ते को फ्रेम के अंदर घुमाता है और उन्हें क्लैंप से सुरक्षित करता है। कार्डबोर्ड एक दूसरे को स्पर्श नहीं करते. पेंटिंग अक्षुण्ण और अहानिकर बनी हुई है। यह वर्कशॉप में सूख जाएगा.
अत: 1862 के बाद जब इसकी स्थापना हुई औद्योगिक उत्पादनकलात्मक कार्डबोर्ड को प्राइम करने के बाद, चित्रकारों ने धीरे-धीरे अधिक से अधिक कार्डबोर्ड का उपयोग करना शुरू कर दिया।
सज्जन कला समीक्षक, जो इस सब के बारे में कुछ भी नहीं जानते हैं, और जिन्होंने स्वयं एक भी रेखाचित्र नहीं लिखा है, कलात्मक कार्डबोर्ड को अवमानना की दृष्टि से देखते हैं, किसी कारण से कार्डबोर्ड पर पेंटिंग को स्पष्ट रूप से अधूरा मानते हैं, केवल इस तथ्य के आधार पर कि यह मुख्य रूप से लिखा गया है कार्डबोर्ड स्केच पर, जैसा कि हम नीचे देखेंगे, हमेशा तैयार किए गए, सावधानीपूर्वक तैयार किए गए कार्य होते हैं, जिनमें अक्सर बहुत अधिक काम की आवश्यकता होती है। इसके अलावा, "अध्ययन" शब्द का भी आविष्कार किया गया था, जिसका उपयोग अपूर्णता, लापरवाही और...अपूर्णता के पर्याय के रूप में किया गया था! लेकिन मैं पूछना चाहता हूं कि क्रियान्वयन में लापरवाही या चित्र के अधूरेपन का उस पर चित्रित होने से क्या लेना-देना है? और क्या कैनवास पर रेखाचित्र नहीं हैं?
वैसे, पेंटिंग समाजवादी यथार्थवाद की शैली में है सोवियत कलाकारनिकोलाई ओविचिनिकोव "ऑन द शॉप फ्लोर", जिसे सितंबर 2016 में वी.वी. पुतिन ने जन्मदिन के तोहफे के रूप में डी.ए. दिया। कार्डबोर्ड पर मेदवेदेव लिखा हुआ है.
कड़ाई से बोलते हुए, यह एक पेंटिंग नहीं है, बल्कि कलाकार द्वारा सीधे कारखाने की कार्यशाला में बनाया गया एक पूर्ण पैमाने का स्केच है, लेकिन इस शब्दावली पर नीचे चर्चा की जाएगी।
सबसे महत्वपूर्ण बात वह सामग्री नहीं है जिस पर पेंटिंग लगाई जाती है, बल्कि यह है कि कलाकार वास्तविकता, मनोदशा, अपनी भावनाओं को प्रतिबिंबित करने और उन्हें दर्शक तक कैसे पहुंचाने में सक्षम था। आधार सामग्री, चाहे वह कैनवास हो, कार्डबोर्ड हो, हार्डबोर्ड हो, कागज हो, बोर्ड हो या पतला गैल्वनाइज्ड लोहा हो, इसका इससे कोई लेना-देना नहीं है। जो मायने रखता है वह है प्रतिभा, अनुभव, अच्छा कला स्कूल. वे कहते हैं कि अब्रामत्सेवो में एस.आई. ममोनतोव ने एक बार अपने घर की छत बदल दी। एम.ए. व्रुबेल ने छत के लोहे का एक टुकड़ा उठाया और उस पर बकाइन लिखा। तो अब, यह व्रुबेल नहीं है?
यहां "ट्रेखगोर्नया कारख़ाना के कार्यकर्ता, यूएसएसआर के सर्वोच्च सोवियत के डिप्टी, डी.पी. स्मिरनोवा का चित्र" है।
सोवियत कलाकार सर्गेई फेडोरोविच सोलोविओव की कृतियाँ। यह भी गैल्वेनाइज्ड लोहे पर बनाया जाता है। चित्र, 37.5 x 31.5 सेमी के मामूली आयामों और ऐसे आधिकारिक शीर्षक के कारण, स्पष्ट रूप से उत्पादन में एक अग्रणी व्यक्ति के बड़े कमीशन वाले चित्र के लिए एक पूर्ण पैमाने पर अध्ययन है। जाहिर है, जब मॉडल पोज देने के लिए कलाकार के स्टूडियो में आया, तो उसके पास और कुछ नहीं था, इसलिए उसने एक पूरी तरह से तैयार छोटी पेंटिंग बनाई महिला चित्र, जिसे बाद में, शायद कुछ मामूली बदलावों के साथ, एक बड़े कैनवास में स्थानांतरित कर दिया गया।कभी-कभी, उस समय हर चीज़ की कमी के कारण, सोवियत कलाकार पेंटिंग करते थे तैलीय रंगयहाँ तक कि कागज़ पर भी इसका इरादा बिल्कुल भी नहीं था। खासतौर पर मेरे पिता कभी-कभी यही करते थे। फिर, मेरे पिता की मृत्यु के बाद, मुझे इस कागज को कार्डबोर्ड पर चिपकाना पड़ा। (कार्डबोर्ड, तेल पर "स्नो फेल" पेपर; 61.5x82; 1969)
क्यों, उन्होंने फटे थैलों के बर्लेप पर भी लिखा! और इसने अच्छा काम किया!
उदाहरण के लिए, मेरे पिता का काम "अध्यक्ष" है। उनकी कहानी इस प्रकार है: उनके पिता को अल्ताई में सामूहिक फार्मों में से एक में, बियस्क के पास, एक व्यापारिक यात्रा मिली, जिसमें वहां के अध्यक्ष, सोशलिस्ट लेबर के हीरो को लिखने का काम सौंपा गया था। सामूहिक फ़ार्म पर, स्वाभाविक रूप से, कोई कैनवास नहीं था, प्राइमेड तो दूर, इसलिए मेरे पिता ने कुछ बड़े बोरे को फाड़ दिया, उसे एक तात्कालिक स्ट्रेचर पर फैलाया जिसे तुरंत एक साथ रखा गया, बर्लेप को प्राइम किया गया और चेयरमैन का एक चित्र चित्रित किया गया। इसके बाद, घटनाओं के 50 साल बाद, मुझे यह काम पहले से ही सामान्य स्ट्रेचर पर खींचना पड़ा।
या इधर शरद ऋतु परिदृश्य"क्रिमसन ऑटम", जिसे मेरे पिता ने एक दूरदराज के गांव में कहीं लिखा था, वह भी इसी तरह की तकनीक का उपयोग कर रहा था:
इस प्रकार: यदि आप एक विशाल बहु-मीटर चित्र बना रहे हैं, तो बिना सोचे-समझे आपको इसे बाद के परिवहन के विचार के लिए विशेष रूप से कैनवास पर चित्रित करना होगा, न कि इसके कलात्मक मूल्य के लिए!
अन्य मामलों में, इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि किस पर लिखना है, अन्यथा सबसे पहले पी.एम. द्वारा खरीदा गया। त्रेताकोव के दो ETUDES एम.ए. द्वारा कार्डबोर्ड पर व्रुबेल, कोई बात नहीं कलात्मक मूल्यपता नहीं था।
रेखाचित्र और रेखाचित्र
आख़िरकार, आप जो भी कहें, एक स्केच पूरी तरह से तैयार, आकार में अपेक्षाकृत छोटा होता है पूर्ण स्केलवह काम जो खुली हवा में (परिदृश्य) या कहें तो स्टूडियो में (अभी भी जीवन, चित्र) किया गया हो और काफी अच्छा हो एक स्वतंत्र कार्य. हालाँकि, रेखाचित्रों का उपयोग भविष्य में एक बड़े चित्र को चित्रित करने के लिए भी किया जा सकता है, कभी-कभी एक विशाल मल्टी-मीटर कैनवास पर भी, जो केवल कार्यशाला में ही संभव है। एक स्केच, विशेष रूप से परिदृश्य के लिए, अक्सर आयाम होते हैं, मोटे तौर पर कहें तो, 60 गुणा 80 सेमी से अधिक नहीं, यानी एक व्यक्ति द्वारा ले जाने के लिए सुविधाजनक आकार। यहां ऐसे पूर्ण पैमाने के स्केच का एक उदाहरण दिया गया है:
स्केच एक सत्र का अध्ययन हो सकता है, जो एक सत्र में, यानी एक दिन में लिखा गया हो। लेकिन ऐसा बहुत कम ही होता है, अक्सर एट्यूड के लिए कई या कई सत्रों की आवश्यकता होती है। एक बहु-सत्रीय स्केच, खासकर यदि यह एक पूर्ण पैमाने का परिदृश्य है, तो कभी-कभी कई वर्षों के काम की आवश्यकता होती है। यह आमतौर पर तब होता है जब मौसम तेजी से और लंबे समय तक बदलता है, और वांछित स्थिति अब अगले वर्ष दिखाई देगी। ठीक है, उदाहरण के लिए, आप लिखते हैं सुनहरी शरद ऋतुतेज़ धूप में, अभी भी कुछ सत्र बाकी हैं, लेकिन यहाँ पूरे एक महीने तक बारिश होती है, और अनिवार्य रूप से हमें अगले साल इस स्थान पर आना होगा।
इस प्रकार, रेखाचित्र एक पूर्ण पैमाने का कार्य है, कला का एक पूर्ण कार्य जिस पर चित्रकार ने उचित मात्रा में श्रम खर्च किया है, यानी, रोजमर्रा की भाषा में, एक पूर्ण तेल चित्रकला अपेक्षाकृत है बड़े आकार.
बेशक, अधूरे रेखाचित्र भी हैं, लेकिन कई मीटर बड़ी पेंटिंग भी अधूरी हो सकती है। इसलिए, जैसा कि हम देखते हैं, सम्मानित कला समीक्षकों का यह विचार कि एक रेखाचित्र निश्चित रूप से कुछ अधूरा और महत्वहीन कलात्मक मूल्य का है, जो दुर्भाग्य से, हमारे दिमाग में दृढ़ता से स्थापित हो गया है, और जो परिलक्षित होता है, अफसोस, यहां तक कि शब्दकोशों में भी , आज काफी समय से इसका जरा सा भी आधार नहीं है।
स्केच
एक स्केच एक स्केच से इस मायने में भिन्न होता है कि यह हमेशा एक बड़ी विषयगत पेंटिंग की तैयारी के लिए ही बनाया जाता है ( बहु-आकृति रचनाकिसी विशिष्ट विषय पर. उदाहरण के लिए, सुरिकोव द्वारा लिखित "द मॉर्निंग ऑफ़ द स्ट्रेलत्सी एक्ज़ीक्यूशन")। स्केच में पूर्णता हमेशा मौजूद नहीं होती है, और इस मामले में इसमें स्केच का चरित्र होता है। आइए दो रेखाचित्रों की तुलना करें बड़ी नौकरियाँसोवियत कलाकार क्लाउडिया टुटेवोल। पहले मामले में, स्केच स्वयं के लिए बनाया गया था, एक कार्यशील सामग्री के रूप में (VDNKh में अंतरिक्ष मंडप के लिए एक पैनल का स्केच)
दूसरे मामले में (अल्माटी में अबाई ओपेरा और बैले थियेटर की छत की छत का स्केच), स्केच को कलात्मक परिषद द्वारा अनुमोदन के लिए बनाया गया था, जैसा कि स्केच के निचले और ऊपरी बाएं हिस्सों में हस्ताक्षर और टिकटों से प्रमाणित है। इसलिए, यह पूरी तरह से समाप्त और समाप्त हो गया है, कोई स्केचनेस नहीं है, यानी। यहां लापरवाही या अधूरे काम की बू नहीं है. उदाहरण के लिए, वास्तुकला में, यह संबंधित वास्तुशिल्प संरचना का एक मॉडल होगा।
किसी पेंटिंग के लिए एक स्केच पूरी तरह से तैयार किया जा सकता है, और यहां तक कि ध्यान से खींचा या खींचा जा सकता है, किसी व्यक्ति के हाथ, पैर, कान, चेहरे, आकृति या सिर की छवि, घोड़ा, कुत्ता, अन्य जानवर, या यहां तक कि एक ट्रैक्टर, ट्रक, कोई भी वस्तु, या कपड़े का एक टुकड़ा, वह सब कुछ जो वर्तमान में चित्रकार को रुचिकर लगता है, सामान्य तौर पर, कुछ भी जो भविष्य में शामिल किया जा सकता है बड़ी तस्वीरकलाकार। इसके अलावा, यह सब कभी-कभी कैनवास, कार्डबोर्ड या हार्डबोर्ड के एक ही टुकड़े पर फिट हो सकता है।
इस तरह के रेखाचित्र, कभी-कभी अधूरे, लापरवाही से, जल्दबाजी में निष्पादित किए जाते हैं, उन्हें रेखाचित्र भी कहा जाता है, अर्थात्, कलाकार, एक बड़ी बहु-आकृति रचना की कल्पना करने की प्रक्रिया में, कागज, कार्डबोर्ड, कैनवास, आदि की एक शीट पर "स्केच" करता है।
इसके अलावा, रेखाचित्र को कलाकार द्वारा क्षण के प्रभाव में अनायास बनाए गए त्वरित रेखाचित्र भी कहा जाता है। एक उदाहरण वी.जी. का रेखाचित्र है। ग्रेमिट्सिख "अवे" 25.5x17 कागज, पेंसिल; 1940 का दशक।
वी.जी. ग्रेमिट्सिख "दूर" कागज, पेंसिल; 25.5x17; 1940 के दशक |
जैसा कि हम देखते हैं, कलाकार ने, केवल अपने लिए, हाथ में आए रैपिंग पेपर के पहले टुकड़े पर, रेखाचित्र बनाया एक साधारण पेंसिल से, जाहिरा तौर पर वह एक शैली के दृश्य का भी सामना कर रहा था जिसे वह देख रहा था।
लेकिन मॉस्को के कलाकार इगोर रैडोमन ने मेरे पिता को कलाकारों के "अकादमिक डाचा" घर में कहीं बिस्तर पर आराम करते हुए चित्रित किया:
सभी प्रकार के कलाकार, असंख्य सोवियत कालआम तौर पर सभाओं और सभाओं में, हम लगातार ऊबते थे और एक-दूसरे के पेंसिल स्केच बनाकर अपना मनोरंजन करते थे। मेरे संग्रह में विभिन्न कलाकारों के कई समान रेखाचित्र हैं।
एक स्केच न केवल पेंसिल से बनाया जा सकता है, बल्कि ऑयल पेंट, सेंगुइन, पेस्टल, चारकोल, पेन और कुछ भी, यहां तक कि बॉलपॉइंट पेन से भी बनाया जा सकता है, क्योंकि एक सच्चा कलाकार अपने पेशे के बिना एक मिनट भी नहीं रह सकता है। यथार्थवादी कलाकारों के लिए, यह वातानुकूलित प्रतिवर्त के स्तर पर किसी प्रकार का पेशेवर उन्माद है, जिसके लिए निरंतर प्रशिक्षण, कौशल में सुधार की आवश्यकता होती है, जो वास्तव में, एक वास्तविक कलाकार को अलग करता है, जो अपना पूरा जीवन हर दिन और हर घंटे कला के लिए समर्पित करता है। , तथाकथित "आधुनिक" कलाकारों और अवंत-गार्डे कलाकारों से जिन्हें आपको कुछ भी करने में सक्षम होने की आवश्यकता नहीं है, और इसलिए किसी प्रशिक्षण की आवश्यकता नहीं है - कोई कौशल नहीं है, तराशने के लिए कुछ भी नहीं है, बस वर्गों को पेंट करें और त्रिभुज!
वैसे, एक स्केच, कलाकार द्वारा इसे पूरा करने में लगने वाले समय के आधार पर, पूरी तरह से तैयार ड्राइंग में बदल सकता है। यहां हमारे पास पूरी तरह से समाप्त है बाल चित्रमुरम चित्रकार वासिली वासिलीविच सेरोव द्वारा पेंसिल में "वोलोडा एट प्ले", लेकिन फिर भी, यह एक स्केच है!
रेखाचित्र बड़े पैमाने पर कलाकार के काम की प्रक्रिया में सहायक होते हैं विषयगत चित्र. रेखाचित्र न केवल तेल में, बल्कि लकड़ी का कोयला या पेंसिल, टेंपरा आदि में भी बनाये जाते हैं। इसके अलावा, स्केच में संपूर्ण भविष्य का बड़ा समावेश हो सकता है मल्टी-फिगर पेंटिंगकलाकार।
एक उदाहरण के रूप में, हम एक बड़ी विषयगत पेंटिंग "कमांडर्स" के लिए दो रेखाचित्र उद्धृत कर सकते हैं गृहयुद्ध"सोवियत कलाकार ग्रिगोरी गॉर्डन द्वारा, वास्तव में, जो गृह युद्ध के सबसे प्रसिद्ध लाल कमांडरों का एक समूह चित्र है।
सबसे पहले, चित्रकार ने उन सभी को एक लाल बैनर की पृष्ठभूमि के सामने पंक्तिबद्ध करने का निर्णय लिया,
लेकिन फिर यह रचना उन्हें उबाऊ लगने लगी और उन्होंने इसे कुछ हद तक जटिल बनाने का फैसला किया:
जैसा कि हम देख सकते हैं, इस मामले में रेखाचित्र टेम्परा में बनाए गए थे, और इसके अलावा, दोनों कार्यों की रेखाचित्रता के बावजूद, यानी। अपूर्णता और कार्यान्वयन में लापरवाही के कारण, भविष्य की बड़ी तस्वीर के सभी नायक काफी पहचानने योग्य हैं। हम स्पष्ट रूप से वोरोशिलोव, बुडायनी, शॉकर्स, फ्रुंज़े, चापेव, पार्कहोमेंको आदि को देखते हैं।
और यहां पहले से उल्लेखित मुरम कलाकार वी.वी. की बड़ी विषयगत पेंटिंग "द अरेस्ट ऑफ अलेक्जेंडर उल्यानोव" का एक स्केच है। सेरोवा:
निःसंदेह, परिणाम संभवतः मूल योजना से भिन्न होगा। एक सच्चा कलाकार, एक नियम के रूप में, नई बातमैं इसे अपने दिमाग से नहीं निकाल सकता. वह लगातार उस विषय पर विचार कर रहे हैं जिसमें उनकी रुचि है। वह इस पर विचार करता है, अपना मन बदलता है, बहुत कुछ देखता है, प्रासंगिक साहित्य पढ़ता है। यदि भविष्य के विषयगत चित्र में एक परिदृश्य होता है, तो प्रकृति से संबंधित रेखाचित्र लिखे जाते हैं, जिन्हें बाद में, आमतौर पर थोड़े संशोधित रूप में, चित्र में स्थानांतरित कर दिया जाता है। कभी-कभी कई पूर्ण-स्तरीय रेखाचित्रों से अलग-अलग विवरण एक ही बार में एक बड़े चित्र में स्थानांतरित कर दिए जाते हैं।
हालाँकि, एक पूर्ण पैमाने का स्केच, एक स्केच और स्केच के विपरीत, एक काम है, जैसा कि हम पहले ही देख चुके हैं, स्वतंत्र और आवश्यक रूप से पूरी तरह से समाप्त। यहां आपके लिए एक ज्वलंत उदाहरण है. एक बड़ी विषयगत पेंटिंग "लेनिन और गोर्की इन गोर्की" के लिए ऑर्डर प्राप्त करने के बाद, मेरे पिता ने विशेष रूप से 1952 के वसंत में मॉस्को के पास लेनिन्स्की गोर्की की कई बार यात्रा की और वहां कैनवास पर दो बड़े रेखाचित्र चित्रित किए। सबसे पहले, “गोर्की। वसंत। कैनवास, तेल; 60x80 सेमी",
और फिर - “गोर्की लेनिन्स्की में, कैनवास पर तेल; 78.5x57 सेमी.''
इसके बाद, अंतिम बड़ी पेंटिंग में, मेरे पिता ने दूसरे स्केच को आधार के रूप में लिया, चरणों को थोड़ा पीछे कर दिया, और मैक्सिम गोर्की को लेनिन के साथ बात करते हुए उनके सामने रखा। स्केच से “गोर्की। वसंत।" उन्होंने प्रकृति की पिछली स्थिति को पृष्ठभूमि में ले लिया, जिसकी तुलना में गज़ेबो के साथ परिदृश्य को काफी छोटा कर दिया केंद्रीय आंकड़े. हालाँकि, दोनों रेखाचित्र, अपने आप में, एक पूरी तरह से पूर्ण स्वतंत्र पार्क परिदृश्य का प्रतिनिधित्व करते हैं, जो मेरे पिता के अन्य कई प्राकृतिक परिदृश्यों से अलग नहीं है। अगर मैंने यह कहानी यहां नहीं बताई होती, तो आप, भले ही आप तीन बार कला समीक्षक रहे हों, कभी यह अनुमान नहीं लगा पाते कि इन दोनों कार्यों का उपयोग समाजवादी यथार्थवाद की पेंटिंग बनाने के लिए किया गया था, है ना? तो हम कैसे कह सकते हैं कि रेखाचित्रों का पूर्ण चरित्र और स्वतंत्र कलात्मक महत्व नहीं है? (विकिपीडिया में परिभाषा याद रखें)।
एक बड़ी विषयगत मल्टी-फिगर पेंटिंग के लिए उस पर विशाल और लंबे काम, उपस्थिति की आवश्यकता होती है विशाल राशिरेखाचित्र और रेखाचित्र. इसे विशेष रूप से स्टूडियो में चित्रित किया जाता है, अक्सर कई वर्षों में। कम से कम ए. ए. इवानोव को अपने साथ ले लें एक विशाल चित्र"द अपीयरेंस ऑफ क्राइस्ट टू द पीपल", जिस पर कलाकार ने बीस वर्षों तक काम किया - 1837 से 1857 तक, या वासिली सुरिकोव, जिन्होंने अपनी प्रत्येक पेंटिंग पर तीन से पांच वर्षों तक काम किया।
चित्र और अध्ययन में क्या अंतर है?
स्केच, स्वतंत्र और पूरी तरह से समाप्त हो गया कला कर्म, एक पेंटिंग से मुख्य रूप से इस मायने में भिन्न है कि इसे जीवन से चित्रित किया गया है। चित्र को विशेष रूप से स्टूडियो में भारी मात्रा में सामग्री - रेखाचित्र, रेखाचित्र, रेखाचित्र, पेंसिल स्केच और तस्वीरों के आधार पर चित्रित किया गया है। कभी-कभी आपको अध्ययन करना पड़ता है एक बड़ी संख्या कीसाहित्य और पत्रिकाएँ, जबकि कथानक, यानी चित्र का विषय, कलाकार द्वारा स्वयं आविष्कार किया जाता है, या ग्राहक द्वारा निर्देशित किया जाता है। और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि पेंटिंग हमेशा कलाकार के प्रारंभिक इरादे का प्रतीक होती है, जबकि स्केच मुख्य रूप से सहज रूप से लिखा जाता है - कलाकार स्केचबुक लेता है और एक मकसद की तलाश में जाता है, यानी। जिस तरह का वह लिखेगा. जहाँ देखा, वहीं रुककर लिखा।
बड़े विषयगत चित्रों के निर्माण के लिए विशेष रूप से लिखे गए रेखाचित्र कोई अपवाद नहीं हैं। जिस मामले के बारे में मैंने ऊपर बात की थी, मेरे पिता को सबसे पहले लेनिनस्की गोर्की में एक गज़ेबो मिला, उन्होंने फैसला किया कि वह लेनिन और गोर्की को इसके सामने रखेंगे, और उसके बाद ही इस गज़ेबो से जीवन के दो रेखाचित्र बनाए।
मूलतः यही कहा जा सकता है जीवन से जो कुछ भी लिखा गया है वह एक रेखाचित्र है, चाहे वह एक परिदृश्य हो, स्थिर जीवन हो या चित्र हो, और वह सब कुछ जिसके लिए प्रारंभिक योजना की आवश्यकता होती है, असंख्य और विविध के साथ दीर्घकालिक कार्य तैयारी सामग्री- यह एक चित्र है ।
एक पेंटिंग को निश्चित रूप से बड़े, और कभी-कभी बस विशाल आकार का एक युग-निर्माण कैनवास कहा जा सकता है। ऐसे ही एक कलाकार थे हेनरिक इप्पोलिटोविच सेमिरैडस्की। इसलिए उन्होंने इतनी बड़ी पेंटिंग बनाईं कि स्टूडियो में वे छत से लटक गईं और फर्श तक पहुंच गईं, और ध्यान रखें, ख्रुश्चेव में ऐसा नहीं हुआ था। इसलिए, इंपीरियल एकेडमी ऑफ आर्ट्स के शिक्षाविद और प्रोफेसर को लगातार सीढ़ियाँ चढ़ना पड़ता था, कभी-कभी उनके पास इतने बड़े काम होते थे। जी.आई. पर सेमीराडस्की के पास अधिकतर बड़ी फंतासी पेंटिंग थीं प्राचीन विषय, जिसकी साजिशें उसने अपने दिमाग से लीं, क्योंकि वास्तविक जीवन प्राचीन ग्रीसस्वाभाविक रूप से, वह सम्राट नीरो के समय के रोम को अपनी आँखों से नहीं देख सका।
हालाँकि, पेंटिंग आकार में काफी मामूली हो सकती है, विशेष रूप से शैली चित्रों के लिए, यानी, कलाकारों द्वारा रोजमर्रा के दृश्यों को दर्शाने वाली पेंटिंग। उदाहरण के लिए, पावेल फेडोटोव द्वारा प्रसिद्ध "मैचमेकिंग ऑफ ए मेजर" का आकार काफी स्केच है - केवल 58.3x75 सेमी। लेकिन, जैसा कि आप समझते हैं, यह स्पष्ट रूप से एक व्यापारी के रहने वाले कमरे में सीधे जीवन से चित्रित नहीं किया गया था।
सामान्य तौर पर एक ऐतिहासिक चित्र एक विशेष रूप से काल्पनिक चीज़ है। उदाहरण के लिए, वासनेत्सोव दोनों भाइयों ने ऐतिहासिक सामग्री पर लिखा, लेकिन बहुत अलग। एक ने 14वीं सदी में मास्को के जीवन और वास्तुकला को फिर से बनाया XVII सदियों, दूसरे ने रूसियों को आधार के रूप में लिया लोक कथाएंऔर महाकाव्य. लेकिन अगर अपोलिनारिस, गंभीरता से, वैज्ञानिक स्तर, जो इतिहास और पुरातत्व में लगे हुए थे, विभिन्न ऐतिहासिक और पुरातात्विक समाजों के सदस्य थे, इतिहास के ज्ञान के प्रसार के एक उत्साही समर्थक होने के नाते, मध्ययुगीन मॉस्को के जीवन और विचारों को "जैसा था" के आधार पर फिर से बनाने की मांग की। प्राचीन दस्तावेज़ और पुरातात्विक खुदाई के नतीजे, जिसमें कभी-कभी उन्होंने व्यक्तिगत रूप से भाग लिया, उनके बड़े भाई विक्टर की पेंटिंग पहले से ही पूरी तरह से काल्पनिक प्रकृति की थीं।
युद्ध चित्र भी इसी श्रेणी में आते हैं। जैसा कि कला इतिहास की कुछ महिलाएं कल्पना करती हैं, उन्हें सीधे युद्ध के मैदान में जीवन से चित्रित करना हास्यास्पद है। प्रसिद्ध रूसी युद्ध चित्रकार वी.वी. वीरशैचिन, जिन्होंने व्यक्तिगत रूप से कई लड़ाइयों को देखा, और कभी-कभी उनमें प्रत्यक्ष भाग भी लिया, अपने चित्रों को पूरी तरह से स्मृति से चित्रित किया, स्वाभाविक रूप से स्टूडियो में, सैन्य अभियानों के थिएटरों में उनके द्वारा बनाए गए कई रेखाचित्रों पर भरोसा करते हुए। इसके अलावा, वसीली वासिलीविच ने बहुत कुछ पढ़ा, प्रत्यक्षदर्शियों का साक्षात्कार लिया, प्रॉप्स पर बहुत पैसा खर्च किया - उन्होंने हथियार, वर्दी, उपकरण खरीदे, जिन्हें उन्होंने जीवन से चित्रित किया, इस प्रकार उन चित्रों के लिए रेखाचित्र तैयार किए जो उनके मन में थे।
परिदृश्यों को दर्शाने वाली बड़ी पेंटिंग भी वास्तविक चीजें नहीं हैं, बल्कि कलाकार द्वारा अपने दिमाग से आविष्कार की गई हैं और प्रकृति के रेखाचित्रों के आधार पर बनाई गई हैं। एक बार मेरी नजर लगभग 60 गुणा 80 सेमी आकार के एक रेखाचित्र पर पड़ी, जिसके आधार पर आई.आई. शिश्किन ने अपनी प्रसिद्ध बड़ी पेंटिंग "राई" पहले से ही 107 गुणा 187 सेमी मापी थी। स्केच कैनवास पर था और तस्वीर में सब कुछ वैसा ही दर्शाया गया था, केवल सड़क दर्शक से सीधे देवदार के पेड़ों तक नहीं जाती थी, बल्कि कुछ हद तक बग़ल में जाती थी और चीड़ के पेड़ों की संख्या भिन्न थी। इस मामले में, प्रकृति का रेखाचित्र स्पष्ट रूप से एक परिदृश्य के साथ एक बड़ी पेंटिंग बनाने के आधार के रूप में कार्य करता है, लेकिन यह स्वयं पूरी तरह से तैयार और सावधानीपूर्वक तैयार किए गए कार्य का प्रतिनिधित्व करता है।
इस प्रकार, हम न केवल किसी पेंटिंग के स्केच के बारे में बात कर सकते हैं, बल्कि किसी पेंटिंग के स्केच के बारे में भी बात कर सकते हैं, यदि स्केच विशेष रूप से इसके लिए लिखा गया हो। अक्सर यह परिदृश्य से संबंधित होता है। यदि आई.आई. शिश्किन ने खुद को ऊपर उल्लिखित रेखाचित्र तक ही सीमित रखा और किसी कारण से इसके आधार पर बड़े पैमाने पर काम नहीं लिखा, अब कला समीक्षक करेंगे ट्रीटीकोव गैलरीआई.आई. की पेंटिंग का दावा किया। शिशकिना "राई" 60x80 सेमी, बिना किसी संदेह के कि यह एक पूर्ण पैमाने का स्केच है।
आइए संक्षेप करें:
एक पेंटिंग, एक स्केच के विपरीत, आवश्यक रूप से कलाकार द्वारा प्रारंभिक योजना, दीर्घकालिक सोच की आवश्यकता होती है, और हमेशा सावधानीपूर्वक निष्पादन और परिष्करण द्वारा प्रतिष्ठित होती है, इसलिए बोलने के लिए, लिखित रूप से। किसी भी आकार की पेंटिंग हमेशा स्टूडियो में कलाकार द्वारा विभिन्न प्रकार की सामग्रियों के आधार पर चित्रित की जाती है: तस्वीरें, प्रारंभिक रेखाचित्र और रेखाचित्र और, यदि आवश्यक हो, तो प्रकृति से पूर्व-लिखित रेखाचित्रों के आधार पर। एक पेंटिंग, यहां तक कि एक छोटी सी, और बहुत कम बड़ी पेंटिंग, हमेशा हवा में नहीं, भले ही वह एक परिदृश्य हो (ऐसे विशालकाय चित्र को अपने साथ किसी मैदान या जंगल में ले जाने का प्रयास करें!), बल्कि कलाकार के स्टूडियो में चित्रित की जाती है। एक बड़ी पेंटिंग निश्चित रूप से कैनवास पर चित्रित की जाती है, जो परिवहन के लिए बड़े कैनवस की असाधारण सुविधा के अलावा और कुछ नहीं है।
एक विषयगत पेंटिंग - जैसा कि शब्द से ही पता चलता है, एक विशिष्ट विषय पर एक पेंटिंग है। प्रायः यह एक बड़ी बहु-आकृति वाली रचना होती है। यह शब्द सोवियत कला के इतिहास में पहले से ही दिखाई देता है, इसलिए इसे अक्सर तथाकथित समाजवादी यथार्थवाद के कार्यों पर लागू किया जाता है, उदाहरण के लिए, नागरिक, महान के विषय पर देशभक्ति युद्ध, या, कहें, "अक्टूबर में लेनिन"। चूँकि ऐसे कार्यों का आकार अक्सर बहुत बड़ा होता है, कलाकार स्वाभाविक रूप से अपने स्टूडियो में ऐसी पेंटिंग पर काम करता है और उसे कैनवास पर चित्रित करता है। कोसैक एक पत्र लिखते हैं तुर्की सुल्तान को" अर्थात। रेपिन, जिसका आकार 2.03 गुणा 3.58 मीटर है, सिद्धांत रूप में इसे एक विषयगत पेंटिंग भी कहा जा सकता है, हालाँकि समाजवादी यथार्थवादवहां कोई गंध नहीं है. यह इल्या एफिमोविच द्वारा कार्यशाला में कई रेखाचित्रों और रेखाचित्रों के आधार पर भी लिखा गया था, साथ ही, उदाहरण के लिए, "वोल्गा पर बार्ज हॉलर्स" (1.31 गुणा 2.81 मीटर)।
शैली चित्रकला - नाम से आता है फ़्रेंच शब्द"शैली" आमतौर पर काम है
छोटा वार्तालाप अंशइसे न केवल कैनवास पर, बल्कि कार्डबोर्ड या हार्डबोर्ड पर भी बनाया जा सकता है। यह सामग्री 20वीं सदी में ही व्यापक रूप से फैलने लगी थी।
ऐसी भी एक अवधारणा है शैली चित्र. एक चित्र बस एक तटस्थ पृष्ठभूमि के खिलाफ एक व्यक्ति का एक चित्र है, लेकिन जब ऐसी पृष्ठभूमि होती है जो वस्तुओं, लोगों या यहां तक कि एक औद्योगिक परिदृश्य को दर्शाती है जो दर्शक को सुझाव देती है, उदाहरण के लिए, चित्रित व्यक्ति का व्यवसाय, तो यह है पहले से ही एक शैली चित्र. एक उदाहरण शैली महिला चित्र "वयोवृद्ध" है खनिक का श्रम"सोवियत कलाकार क्लावडिया अलेक्जेंड्रोवना टुटेवोल की कृतियाँ, जिनका उल्लेख पहले ही यहाँ किया जा चुका है:
एक रेखाचित्र, जैसा कि हमने ऊपर कहा, पूरी तरह से पूर्ण स्वतंत्र कार्य है, लेकिन निश्चित रूप से प्रकृति से। यह पूरी तरह से स्वतंत्र कला कृति है, लेकिन यह कलाकार की किसी बड़ी पेंटिंग के लिए सहायक सामग्री के रूप में भी काम कर सकती है, जो किसी भी तरह से इसके कलात्मक मूल्य को कम नहीं करती है। यह स्थिर जीवन, चित्र, परिदृश्य, आंतरिक सज्जा हो सकता है। स्केच, अपने अपेक्षाकृत छोटे आकार के कारण, उपरोक्त सभी सामग्रियों पर चित्रित किया गया है, लेकिन इसमें मुख्य बात, निश्चित रूप से, चित्रकार के काम की गुणवत्ता, स्थिर जीवन में एक रचना बनाने की उसकी क्षमता, को प्रतिबिंबित करती है। एक चित्र में मॉडल का चरित्र, समुद्र, ठंड के उत्साह या शांति को व्यक्त करता है शीतकालीन वन, सूर्यास्त की सुंदरता, सुनहरी शरद ऋतु की सुंदरता या परिदृश्य में प्रकृति का वसंत मूड।
रेखाचित्र एक सहायक कार्य है, इसका उद्देश्य भविष्य की रचना के विचार को अंकित करना है
विषयगत चित्र. उदाहरण के तौर पर, आइए ई. डी. इश्मामेतोव की पेंटिंग "वर्जिन लैंड्स" का एक स्केच लें। इसमें, कलाकार ने रचना और रंग, चरित्र, पात्रों की मुद्राएँ विकसित कीं और फिर इस विषय पर एक बड़ी पेंटिंग बनाई। चित्रकार हमेशा किसी पेंटिंग का रेखाचित्र बहुत ध्यान से सोचता है। आमतौर पर किसी रेखाचित्र की विशेषता किसी प्रकार की अपूर्णता, अपूर्णता होती है। यह इस तथ्य के कारण है कि कलाकार को अक्सर इसे खत्म करने की आवश्यकता नहीं होती है, एक और कार्य है - रचना विकल्प विकसित करना भविष्य की पेंटिंग, इसकी मूल योजना का परिशोधन। इसलिए, स्केच में अक्सर स्केच का चरित्र होता है। लेकिन यह पूरी तरह से तैयार, सावधानीपूर्वक तैयार किया गया काम भी हो सकता है, खासकर जब स्केच चयन समिति द्वारा अनुमोदन के लिए हो, जैसा कि हम पहले ही थिएटर के लिए छत के स्केच के उदाहरण में देख चुके हैं। क्लॉडिया टुटेवोल द्वारा अल्माटी में अबाई।एक रेखाचित्र, यदि वह किसी पेंटिंग पर काम करने की प्रक्रिया में बनाया गया है, तो वह भी एक विशुद्ध रूप से सहायक कार्य है, अधूरा है, विस्तार से नहीं बनाया गया है।
यह जल्दी-जल्दी लिखा या खींचा जाता है, लेकिन लापरवाही से अच्छे कलाकारउसमें ऐसा नहीं होता. आप तुरंत एक मॉडल के सिर का स्केच बना सकते हैं, जो बाद में एक शानदार तैयार चित्र में बदल जाएगा, या आप किसी आकृति का एक त्वरित स्केच बना सकते हैं जिसकी बाद में एक बड़ी पेंटिंग की संरचना बनाने के लिए आवश्यकता हो सकती है, और स्केच एक स्वतंत्र कार्य बना रहेगा, जो संग्राहकों और शौकीनों के लिए दिलचस्प होगा। उदाहरण के लिए, यहाँ वी.जी. का एक रेखाचित्र है। ग्रेमित्स्की "नृत्य":हालाँकि, जैसा कि हमने ऊपर देखा, रेखाचित्र पूरी तरह से स्वतंत्र भी हो सकते हैं।
एक स्केच में आमतौर पर एक स्केच का चरित्र भी होता है, लेकिन एक स्केच अनिवार्य रूप से भविष्य की पेंटिंग, उसकी पूरी रचना के लिए एक योजना है, जबकि एक पेंटिंग के लिए एक स्केच होता है। त्वरित रेखाचित्रकुछ ऐसा, जिसे सैद्धांतिक रूप से भविष्य की फिल्म में शामिल किया जा सकता है।
पेंटिंग में कुछ अन्य सामान्य शब्दों के बारे में:
एक बार मुझे यह जानकर बहुत आश्चर्य हुआ कि स्टाफेज "लोगों या जानवरों की आकृतियों के स्पष्ट चित्रण के बिना एक तेल चित्रकला है।" वास्तव में, स्टाफेज लोगों या जानवरों की छोटी आकृतियाँ हैं, जिन्हें कलाकार द्वारा पुनर्जीवित करने के लिए परिदृश्य में उकेरा गया है।
से एक और शब्द परिदृश्य चित्रकला- ट्यूनिंग कांटा। यह एक उज्ज्वल स्थान है जो परिदृश्य की सामान्य पृष्ठभूमि के विपरीत है। आमतौर पर यह किसी प्रकार का स्टाफ़ेज होता है। इसका एक उदाहरण ताशकंद कलाकार का काम है
वी.एम. कोविनिना " पहाड़ी परिदृश्य"चमकीले लाल राष्ट्रीय कपड़े पहने एक लड़की की आकृति के साथ।
यह अजीब है जब वे किसी को बुलाते हैं तैल चित्र, आकार में भी छोटा, और कार्डबोर्ड पर भी लिखा हुआ। “लिनन सबसे सरल बुनाई का एक चिकना और घना लिनन कपड़ा है; बेहतरीन किस्मों को कैम्ब्रिक कहा जाता था, सबसे मोटे को कैनवास, कैनवास, इक्वलडुक आदि कहा जाता था। (विकिपीडिया)। इस प्रकार, कैनवास कार्डबोर्ड या हार्डबोर्ड नहीं हो सकता; पेंटिंग के संबंध में, यह निश्चित रूप से कैनवास है।
पेंटिंग में, कैनवस विशाल आकार की पेंटिंग होती हैं, और आमतौर पर किसी युग-निर्माण विषय पर होती हैं। इस प्रकार, हम कह सकते हैं कि वासिली सुरिकोव के ब्रश से केवल कैनवस निकले, लेकिन कॉन्स्टेंटिन कोरोविन मुख्य रूप से अपने स्केच कार्यों के लिए प्रसिद्ध हुए। यदि ऐवाज़ोव्स्की द्वारा "द नाइंथ वेव" को पूरी तरह से एक कैनवास कहा जा सकता है, तो फेडोटोव द्वारा पहले से उल्लेखित छोटे काम "फ्रेश कैवेलियर" के संबंध में यह केवल मज़ेदार होगा, इस तथ्य के बावजूद कि इसे कैनवास पर भी चित्रित किया गया है।
मिट्टी के बारे में थोड़ा और: गेसो क्या है? यह एक विशेष प्राइमर है, जो चाक पर भी आधारित है, जिसका उपयोग लकड़ी के बोर्ड को ढकने के लिए किया जाता है। पहले में पश्चिमी यूरोपचित्र अक्सर बोर्डों पर चित्रित किए जाते थे, और रूस में - चिह्न, और हमेशा। यह बेहद असुविधाजनक सामग्री है. हॉलैंड में एक समय बोर्डों को 50 वर्षों तक सुखाया जाता था, उसके बाद ही उन्हें काम पर लगाया जाता था। आजकल, कलाकार शायद ही कभी गेसो का उपयोग करते हैं, क्योंकि पेंट, प्राइमर की मोटी परत के साथ, समय के साथ या हल्के झटके से आसानी से छिल जाता है। और आधुनिक आइकन चित्रकार इसका कम से कम उपयोग करते हैं।
अंत में, स्पष्टता के लिए यहां कुछ और उदाहरण दिए गए हैं:
वी.जी. द्वारा कार्य ग्रेमिट्सिख, जिसे "एट्यूड" कहा जाता है। यह अनिवार्य रूप से, जैसा कि नाम से पता चलता है, एक कार्यकर्ता का एक पूर्ण-स्तरीय, एक-सत्रीय शैली का चित्र है, जिसे कुइबिशेव जलविद्युत स्टेशन के निर्माण के समय उसके कार्यस्थल पर चित्रित किया गया है।
और यहाँ ताशकंद कलाकार वालेरी कोविनिन का एक शैली चित्र है:
यह स्पष्ट रूप से एक सत्र का चित्र नहीं है; यहां कलाकार ने अपने सहयोगी को, जो उसके मॉडल के रूप में काम करता था, कई सत्रों के साथ स्पष्ट रूप से पीड़ा दी, जो काम के सावधानीपूर्वक निष्पादन और उसके आकार दोनों से स्पष्ट है। लेकिन फिर भी यह पुरुष चित्रकोई पेंटिंग नहीं, बल्कि प्रकृति का एक बहु-सत्रीय रेखाचित्र, जो किसी भी तरह से इसके कलात्मक मूल्य को कम नहीं करता है।
इस अंतिम कथन को सिद्ध करने के लिए, प्रसिद्ध महिला चित्र "सूर्य द्वारा प्रकाशित लड़की" पर विचार करें। उनके चचेरे भाई, मारिया सिमोनोविच वी.ए. सेरोव ने 1888 की पूरी गर्मियों में, हर धूप वाले दिन को ध्यान में रखते हुए, प्रकृति से पेंटिंग की (बादल वाले दिनों में उन्होंने "अतिवृद्धि तालाब" परिदृश्य को चित्रित किया)। प्रारंभिक योजना (हमने ऊपर कहा कि हमारे पास है प्रसिद्ध कलाकारवह भी अनुपस्थित था, वह बस अपने शब्दों में, "कुछ आनंददायक लिखना चाहता था।"
इस प्रकार, यहां हम प्रकृति के एक विशिष्ट बहु-सत्रीय रेखाचित्र से अधिक कुछ नहीं कर रहे हैं, जो अचानक उत्पन्न होने वाली इच्छा के अनुसार लिखा गया है। सौभाग्य से पी.एम. त्रेताकोव, जिन्होंने यह काम हासिल किया था, अभी तक नहीं जानते थे कि "ललित कला में एक अध्ययन भविष्य के काम के लिए एक प्रारंभिक रूपरेखा है।" (विकिपीडिया) और वैलेन्टिन सेरोव ने अव्यवसायिकता की चरम सीमा दिखाई, केवल दो प्रारंभिक रेखाचित्रों पर 90 दिन तक खर्च किए - एक लड़की का चित्र और एक तालाब के साथ एक परिदृश्य!
मैं इसी तरह के कई और उदाहरण दे सकता हूं, लेकिन मुझे डर है कि मैंने पाठक को पहले ही बहुत थका दिया है। मुझे आशा है कि मैं अभी भी आम जनता को कुछ सबसे अधिक इस्तेमाल किए जाने वाले कलात्मक शब्दों को समझाने में अपना मामूली योगदान देने में कामयाब रहा हूं, जिसमें कभी-कभी, ईमानदारी से कहें तो कलाकार भी भ्रमित हो जाते हैं।
अलेक्जेंडर ग्रेमिट्सिख
अवतार: वी.एम. कोविनिन "रविवार बाजार के लिए। काराकल्पकस्तान।" कैनवास पर तेल 98x178. 1971 (यह एक विशिष्ट बड़ी शैली की तस्वीर है)
