Jak odróżnić oryginał od reprodukcji. Jeśli obrazy przedstawiają ludzi z dużymi tyłkami, możesz być pewien, że to Rubbens

Wykonaj niezbędną pracę. Zapoznaj się z dziełem, sprawdź inne dzieła autora, porównaj podpisy, przyjrzyj się im z bliska. Pogłębianie wiedzy jest niezbędne do oceny obrazu i zrozumienia, na co zwrócić uwagę, aby określić autentyczność.

Odwiedź muzeum i przyjrzyj się patynie. Jeśli poprosisz o obejrzenie tylnej strony obrazu, personel Ci w tym pomoże. Doceń klimat i wygląd starych dzieł sztuki. Oceń głębokość i liczbę warstw wymaganych do uzyskania koloru pożądanego przez artystę.

Spójrz na patynę drewna, aby określić, czy jest starożytna. Określ, w jaki sposób rama jest montowana oraz jakie gwoździe i łączniki są używane.

Poszukaj włosków pędzla. Na kopiach obrazów czasami na płótnie pozostają włosy z tanich pędzli.

Użyj zmysłu węchu. Jeśli uda Ci się do niego zbliżyć, powąchaj go. Farba wysycha długo, a całkowite pozbycie się zapachu trwa latami.

Zdecyduj, jakie uczucia wywołuje w Tobie obraz. Przeanalizuj wszystko razem. Na przykład wiele podróbek nie ma wystarczającej głębi kolorów lub warstw. Można z łatwością skopiować dzieło, ale nie da się oddać warstw farby na obrazie.

Wszystko musi do siebie pasować. Sprawdź, czy wszystko pasuje do obrazu - na przykład rama i płótno, patyna też jest trudna do sfałszowania.

Zamów wycenę pracy. Jeśli naprawdę podoba Ci się dzieło sztuki, musisz zaangażować osobę trzecią, która może bezstronnie ocenić obraz. Skąd pewność, że rzeczoznawcy można zaufać? Musi posiadać certyfikat jednego lub kilku profesjonalnych stowarzyszeń rzeczoznawców dzieł sztuki i mieć doświadczenie w pracy z konkretnym artystą. Najlepiej, żeby nie był handlarzem dziełami sztuki ani pośrednikiem. Przykładem jest http://www.bernardewell.com, czyli ekspert ds. Salvadora Dali, którego obrazy są często kopiowane. Sprawdź, jak – w jakiej formie – sprzedają się obrazy tego artysty domy aukcyjne Czy są sprzedawane, jaki mają rozmiar, kiedy są sprzedawane i przez jakiego agenta?

Należy pamiętać, że niektórzy dealerzy, zwłaszcza ci zlokalizowani w statki wycieczkowe, może próbować oszukać kupującego sprzedając obraz po zawyżonej cenie. Poszukaj podpisu i numeru - zawsze powinny tam być. Malowidła bez sygnatury nie cieszą się dużym zainteresowaniem, gdyż takich kopii można wykonać wiele.

Przeglądaj galerię. Wiele elementów będzie miało na odwrocie naklejki z galerią lub informacje. Zajrzyj do galerii i przekonaj się, czy to prawda. W niektórych przypadkach rama i płótno powinny wykazywać oznaki zużycia. Krawędzie drewna nie może pozostać tak ostra po 50 lub 100 latach, sama rama musi stać się bardziej sucha. Zbadaj reputację artysty. Dowiedz się, że niektórzy pisarze podpisali pusty formularz, po czym ich podpis został skopiowany na obrazy. To znak negatywny i dlatego ich obrazy mają mniej wysoka cena. Wiadomo, że czasami robił to Salvador Dali.

- Wow, świetne zdjęcie! – pochwalił dzieło i od razu obraził artystę błędną terminologią

Pewnie wiecie, przyjaciele, że dobry, ale wrażliwy artysta może się obrazić, jeśli mu to powiecie „maluje” swój obraz. To tak samo, jak powiedzieć, że statki pływają po morzu... ale wszyscy wiemy, że statki pływają po morzu!

Jednak osoba daleka od sztuk pięknych często nie jest w stanie dokładnie określić, czym jest malarstwo, czym jest rysunek i czym się one od siebie różnią. Dlatego zarówno „rysowanie”, jak i „pisanie” są dla niego jednym i tym samym. Ale spróbuj powiedzieć mistrzowi, że ma dobry „rysunek” na płótnie!

Już nie łatwy sposób rani wrażliwą naturę twórczą, chociaż prosty widz nie od razu zrozumie, co jest złe i obraźliwe.

Malarstwo i rysunek to pojęcia bliskie, a nawet powiązane, jednak wyraźnie od siebie oddzielone. Podobnie jak powszechnie wiadomo, kiedy obrazy się maluje i kiedy je rysuje.

Spróbujmy to rozgryźć terminologia w sztuki piękne . Uwierz mi, jest to ważne nie tylko dla tych, którzy są kreatywni, ale także interesujący.

Różnica między malarstwem a rysunkiem

W ściśle formalnym języku rysunek - jest to obraz dowolnych obrazów, obiektów i zjawisk na płaszczyźnie. Można rysować kredą, piórem, ołówkiem, farbami – wszystkim, co pozostawia ślady na danej powierzchni.

W ogóle rysowaniem jest nawet drapanie diamentu po szkle lub np. rysowanie piórem na lekcji i nakładanie tatuażu.

I tu obraz - to także obraz przedmiotów i zjawisk, ale tylko za pomocą farb. Oznacza to, że mówiąc suchym i formalnym językiem, malowanie jest jedną z opcji rysowania, w której pędzel służy jako narzędzie, a farba jest środkiem do tworzenia obrazu.

Innymi słowy, rysunek jest grafiką i jest brany pod uwagę Oficjalnie wszystko, co powstaje na papierze, jest uważane za grafikę i, co dziwne, akwarela jest również uważana za grafikę. Chociaż wiele dzieł uważa się również za obrazy na papierze

Zatem wszystko na papierze to grafika, a wszystko inne to malowanie... na płótnie, drewnie, szkle, ścianie

Pamiętacie lekcje rysunku w szkole? Tam cały temat tak się nazywał: sztuka piękna. Nie było osobnych lekcji malarstwa czy rysunku, jednego dnia uczyli się pracy olejami, a drugiego ołówkami.

Stąd powszechne przekonanie, że malarstwo to tylko odmiana rysunku. Formalnie tak jest, w rzeczywistości jest inaczej.

Sztuki piękne - Sztuka uchwycenia obrazu = Sztuki piękne, stowarzyszenie różne rodzaje malarstwo, grafika, rzeźba

W rzeczywistości taka hierarchia to prawdziwa biurokracja. We współczesnych sztukach wizualnych istnieje wyraźny podział: obraz- to praca pędzlem i malowanie na gęstych materiałach, rysunek- to użycie wszystkich innych materiałów na papierze.

Może nie jest to aż tak rygorystyczne i naukowe, ale świat sztuki jest przez wielu kochany za to, że nie podlega nauce, a zatem jego prawa niekoniecznie muszą odpowiadać ścisłej klasyfikacji i terminologii.

Jest jeszcze jeden niuans: pomyśl o samym słowie "obraz"- składa się z dwóch części: "na żywo" I "pisać". Można to różnie interpretować, ale wielu artystów twierdzi, że praca z farbami żyje właśnie dlatego, że same farby po nałożeniu na płótno wysychają i nieco zmieniają swoje właściwości, czyli żyją własnym życiem.

A sam obraz zyskuje własne dynamiczne życie, obraz okazuje się żywy. Lub opis- pisać żywo... W ogóle słowo malarstwo brzmi moim zdaniem wzniośle i pięknie

Patrzenie i zastanawianie się nad żywymi obrazami

Rozpracowaliśmy więc tę część: malowanie to praca z farbami, rysowanie to używanie innych środków. Ponadto malarstwo sztalugowe, zarówno monumentalne, jak i dekoracyjne, również różnią się od podobnych form rysunku.

Na ściany nakłada się farby - mówimy o o malowaniu, ozdabiają je kredkami - to już rysuje.

Malują lub rysują?

Inne, nie mniej gorący temat- jak nazwać proces tworzenia obrazu. Wydaje się, że jeśli obraz powstaje, to znaczy, że jest narysowany. A jeśli mówią o literze, zwykle mają na myśli tekst.

Tutaj terminologia ma głębokie korzenie historyczne. Malarstwo na Rusi stopniowo rozwijało się od malarstwa ikonowego, kiedy mistrzowie zaczęli próbować go ożywić i ożywić motywy biblijne, używając tych samych technik, a następnie całkowicie przerzucił się na obrazy nie mające nic wspólnego z religią.

Ale ponieważ ikony były pierwotnie „napisał”, wówczas słowo to przeniosło się do malarstwa i dziś maluje się także obrazy olejne.

Często grzeszę i zazwyczaj „maluję” swoje obrazy

Jeśli mówimy o rysunku, to wszystkie prace tutaj są malowane, bez względu na to, jak znaczące są. Można oczywiście powiedzieć, że artysta „napisał” ołówkiem epickie płótno, ale to nic innego jak wolność.

Czy można malować na płótnie?

Ogólnie rzecz biorąc, zwyczajowo mówi się, że malują olejem na płótnie, ale na przykład po prostu rysują na papierze. Ale nie są to zasady absolutne.

Na przykład, Przed malowaniem farbami artysta może wykonać szkic ołówkiem na płótnie. To jest rysunek, autor go rysuje. I dopiero po nałożeniu farby na ten rysunek obraz zaczyna się malować.

Choć nikt nie zabraniał rysowania na płótnie ołówkami czy węglem... Pytanie tylko, że rysowanie na płótnie materiałowym nie jest do końca wygodne w przypadku technik suchych, chyba że nie tutaj da się wykorzystać wszystko.

To samo tyczy się wszelkich innych podstaw, nie tylko malarstwo sztalugowe pozwala na malowanie obrazów. Na przykład, monumentalne malarstwo polega na malowaniu obrazów farbami na różne sposoby obiekty architektoniczne fasada, malarstwo dekoracyjne - to pisanie na różnych przedmiotach i szczegółach wnętrza, - to malowanie ścian wewnątrz pokoju różnymi freskami i sztucznymi malowidłami

Jednocześnie, jeśli weźmiemy szklankę lub dzbanek i pomalujemy go np. tuszem, to już będzie malarstwo dekoracyjne . Oznacza to, że nie zależy to w żaden sposób od tego, czy zajmujemy się malarstwem, czy rysunkiem. Wszystko zależy od materiałów, z których powstaje obraz.

I wreszcie: nie zakładajcie, że malarstwo jest dla profesjonalistów, a rysunek dla amatorów. Zupełnie nie! Często ołówki, pastele lub kredki tworzą dzieła nie mniej okazałe i wspaniałe niż obrazy olejne lub akrylowe.

A trudność tworzenia pracy, na przykład tylko za pomocą ołówków, jest bardzo duża. Dlatego jeśli lubisz rysować, nie musisz się męczyć i zmuszać do malowania farbami - całkiem możliwe jest tworzenie arcydzieł za pomocą tego, co lubisz najbardziej.

Mistrzowie portretu w grafice

Nawiasem mówiąc, tylko w tym przypadku w swojej pracy będziesz mógł w pełni wyrazić siebie i swoje emocje czy to na płótnie, papierze, szkle czy na ścianie! Są to te podstawowe, a materiały i techniki to tylko narzędzia, spośród których wybierasz najwygodniejsze dla siebie.

Przyjaciele, do artykułu nie zagubiony wśród wielu innych artykułów w Internecie,zapisz go w swoich zakładkach.Dzięki temu w każdej chwili możesz wrócić do czytania.

Zadawajcie pytania poniżej w komentarzach, zazwyczaj szybko odpowiadam na wszystkie pytania

Rozpoczęcie dialogu z kulturą światową, nowoczesny mężczyzna nie wkłada żadnego wysiłku, aby wznieść się do jej poziomu, a wręcz przeciwnie, próbuje ją sprowadzić do swojego poziomu. (ktoś mądry)

Przed wynalezieniem fotografii malarstwo było postrzegane jako narzędzie umożliwiające jak najdokładniejsze odwzorowanie otoczenia. Malarstwo uważano za tym lepsze, im bardziej autentycznie było przedstawiane prawdziwy świat. Wraz z pojawieniem się fotografii w 1839 r. i kina w 1895 r. rozumienie malarstwa znacznie się rozszerzyło, choć inni nadal utrzymują postawę wąsko funkcjonalną.

Jaka jest różnica między fotografią a obrazem?

Bato Dugarzhapov „Boże Narodzenie”.

Fotografia rejestruje moment, czyli bardzo konkretny, chwilowy stan obiektu. Artysta, niezależnie od tego, jak szczegółowo i wiarygodnie rozpisuje szczegóły, pisze przede wszystkim to, co OGÓLNE, co widzi w modelu, czyli to, co najbardziej charakterystyczne i wyraziste.

Zatem fotografia (z wyjątkiem bardzo rzadkich dzieł artystów-fotografistów) jest ilustracją, na wzór obrazu w encyklopedii: tak wygląda wiewiórka, dzieci, a tak wyglądała właścicielka albumu fotograficznego 20 lat temu, kiedy kąpał się w wannie.

Bato Dugarzhapov „Krym”.

Współczesny artysta nie chce kopiować natury – fotografia i filmowanie potrafią to zrobić znacznie lepiej i szybciej. Naturalizm spycha malarstwo w ślepy zaułek powtórzeń i banału. Poza tym natury nie da się odtworzyć. Kiedy widz dostrzeże jedynie najbardziej powierzchowny aspekt obrazu – przekaz informacji „tam, gdzie wszystko się stało”, wówczas zrozumienie obrazu będzie skrajnie zubożone i zniekształcone.

Obraz różni się zasadniczo od fotografii nietożsamością tego, co zostało stworzone, a tym się stało zasadnicza różnica pomiędzy malowniczymi i obraz fotograficzny. Artysta z własnej woli decyduje, co i jak pozostawić, co i jak uwypuklić, co wykluczyć z obrazu, czasem nawet wbrew powierzchownemu zdrowemu rozsądkowi.

Bato Dugarzhapov „Taras”.

Malarski obraz olejny na płótnie ma być całkowitym i uniwersalnym przedstawieniem namalowanego przedmiotu i przekazaniem jego wrażenia. W niezrozumiały sposób na płaskim płótnie pojawia się objętość, żywa i piękny świat, stworzony przez artystę.

Możemy wejść w obraz i usłyszeć śpiew ptaków, poczuć zapach kwitnącej łąki, poczuć ciepło podgrzewanej przez słońce wody, zobaczyć ruch – wyraźnie rozumiejąc, że to wszystko dzieje się tylko w naszej głowie i na naszych oczach, i że autor przekazał nam to wszystko.

Co to jest „alla prima”?

Bato Dugarzhapov „Poranek”.

Jeśli wcześniej mile widziano jubilerski styl zapisywania szczegółów w najdrobniejszych szczegółach, gdy obraz malowano miesiącami, a nawet latami, a następnie starannie lakierowano, to w XIX i XX wieku pojawiła się koncepcja „alla prima” - z łaciny „all prima vista” (na pierwszy rzut oka) i oznacza spontaniczne malowanie farbą impasto.

Obraz jest gotowy już po pierwszej sesji. Kolory są przeważnie mieszane na palecie, gdzie wydają się świeże i świetliste. Kiedy pisze się w plenerze, jest to bardzo odpowiedni sposób praca.

Pastoczność objawia się reliefem, nierównością warstwy farby, plastycznym pociągnięciem pędzla i służy podkreśleniu materialnej strony przedmiotu i nadaniu dynamiki. Obrazy są bardziej obszerne i zawierają więcej informacji niż fotografie, mogą oddziaływać emocjonalnie na widza za pomocą lokalnych plam barwnych, bez zbędnych objaśnień i doprecyzowywania szczegółów. Czasami nawet z powodu braku tej specyfikacji.

Bato Dugarzhapov „Południe. Łodzie.”

Naprzemienność pozornie chaotycznych pociągnięć i plam światła jest znacznie bardziej emocjonalna niż fotografia, a stary, dopracowany sposób oddaje ruch - grę plam słonecznych na trawie, odblasków na wodzie, kołysających się liści itp.

Niestety, widz zupełnie dziki w sensie kultury malarskiej, oglądając dzieła alla prima, namalowane zamaszystymi kreskami i paskami, nie zada sobie trudu, aby zatrzymać się i przyjrzeć się uważnie, ale nadyma policzki i ze słowami „Umiem malować jak to też” ze świadomością własnej wyższości idzie dalej w poszukiwaniu lakierowanych, kręconych kreacji, w których nie jest potrzebny żaden wysiłek wyobraźni i empatii.

Pozwólmy mu odejść i przyjrzyjmy się na przykład obrazowi „Plein Air” artysty Bato Dugarzhapova. Co widzimy na tym ciekawym obrazku?

Bato Dugarzhapov „Plener”.

Ci, którzy chcą zobaczyć, jak powstają buty bohaterów – nic. Widz, nastrojony na falę zrozumienia, przede wszystkim widzi dużo światło słoneczne. Następnie przy sztalugach widzimy kilku artystów w letnich sukienkach oraz brodatego artystę w dżinsach iz pędzlami w dłoni. Potem pojawia się ciepły Kamienna ściana z skąpanymi w słońcu pnącymi się nad nimi drzewami glicynii, niebieskie niebo w szczelinach listowia, balustradzie nasypu i morzu za nim. Powodem, dla którego liście nie są szczegółowo narysowane i żyłki, jest to, że poruszają się, kołyszą, porusza się także światło, poruszają się cienie, a odbicie od morza w oddali zmienia się co minutę...

Nastrój obrazu jest absolutnie fenomenalny, po prostu emanuje światłem i pozytywnością. A jednocześnie nie da się wskazać wskaźnikiem i wyjaśnić - to jest to, a tu jest to. Wystarczy to zobaczyć, oddalając się nieco od obrazu i przyglądając mu się wystarczająco długo. Poza tym to tylko plik, wyobrażam sobie jak to powinno działać w oryginale!

Bato Dugarzhapov „O szkicach”.

Podobnie „pojawia się” obraz „O etiudach”. Po pierwsze - chaotyczne plamy światła słonecznego i odbicia morza. Następnie siwowłosy artysta pochylił się w stronę sztalugi. Potem - samo morze: świecące morze, porusza się, martwi, odbicia słońca od fal praktycznie oślepiają oczy (nie można zrozumieć, jak to się stało), w morzu są skały, kamienie i łodzie, po lewej stronie , znowu roślina pnąca, być może winogrona.

Atmosfera gorącego poranka (a to jest poranek, bo gdy słońce jest wysoko, morze nie błyszczy się tak bardzo, robi się błękitne), piękno Południowe wybrzeże i podziw dla tego piękna.

Bato Dugarzhapov „Wieczór południowy”

Obrazy Bato Dugarzhapova zanurzone są w szczególnym świetlistym środowisku, co świadczy o wysokiej kulturze malarskiej artysty oraz subtelnym rozumieniu relacji kolorystycznych i przestrzennych. Jego prace wyróżniają się świeżością, szybkim rytmem linii i plam barwnych, romantycznym uniesieniem i subtelnym postrzeganiem relacji światło-przestrzennych.

Z wielką łatwością, dużymi pociągnięciami, tworzy kompletny, integralny obraz natury pod względem koloru, światła i dynamiki życiowej... wszystko mieni się w promieniach słońca, nawet tam, gdzie jest cień, błyszczą odbicia, co jest szczególnie niesamowite i przyjemny. Swobodnie rzucone kolory nakładają się na siebie i tworzą wielobarwną harmonię i rytm, w którym szczególne znaczenie ma gra odcieni.

Bato Dugarzhapov „Jezioro Como”.

Bato Dugarzhapov urodził się w 1966 roku w Czycie. Ukończył Szkoła Artystyczna w Tomsku i Moskiewskim Państwowym Akademickim Instytucie Sztuki im. W I. Surikow. Prace artysty znajdują się w kolekcjach prywatnych w Rosji, USA, Francji, Włoszech i Hiszpanii.

K. Yu Starokhamskaya

Malarstwo dowolnego gatunku (od martwej natury po malarstwo religijne) Jest obraz artystyczny, stworzone za pomocą wyobraźni artysty i osobistego światopoglądu. Światopogląd i postawa artysty kształtują się pod wpływem środowiska - epoki, państwa, społeczeństwa, rodziny, stylu życia itp. Sztuka wielkich artystów to zawsze portret epoki przez pryzmat autoportretu, osobowości przechodzącej przez otaczającą rzeczywistość i ducha czasu.

Ikona jest zjawiskiem ponadczasowym, jest objawieniem Boga, reprezentowanym za pomocą Dzieła wizualne. Najważniejszą zasadą w malowaniu ikon jest przestrzeganie ustalonych kanonów. Kanony malowania ikon są tak wyjątkowe, że osoba niezaznajomiona z historią i teologią Kościoła może być zakłopotana: po co trzymać się starożytnych zasad przedstawiania? Być może mistrzowie, którzy stali u początków malarstwa ikon, po prostu nie opanowali techniki, która rozwinęła się w okresie renesansu? Może powinniśmy przesunąć osiągnięcia Cywilizacja europejska na to starożytna sztuka?

Czym więc ikona tak uderzająco różni się od malarstwo klasyczne? A jakim środkiem technicznym osiąga się tę różnicę?

Malarz ikon nie przenosi na ikonę niczego ze swojego osobistego światopoglądu, co w jakikolwiek sposób różniłoby się od światopoglądu Kościoła Chrystusowego. Malarz ikon staje się przewodnikiem po światopoglądzie Kościoła. Ikona nie stara się odzwierciedlić otaczającej nas tymczasowej rzeczywistości, nie zajmuje się problemami naszych czasów, przejściowymi niepokojami tego świata. Ikona jest oknem na inny, wieczny świat.



Obraz nieuchronnie odzwierciedla indywidualność autora, dzieło odzwierciedla jego osobiste, niepowtarzalne cechy, a ponadto każdy artysta dąży do osiągnięcia własnego, odrębnego, niepowtarzalnego stylu. Jeden z najwyższe osiągnięcia działalność autora - stworzenie nowego stylu, kierunku w malarstwie. Płótna mistrza są nierozerwalnie związane z jego nazwiskiem, wizerunkiem i biografią.

Obraz jest duchowy, czyli zmysłowy, przekazuje emocje, sztuka bowiem reprezentuje sposób rozumienia świata poprzez uczucia.

Ikona jest duchowa, pozbawiona emocji i beznamiętna. Tak jak śpiew kościelny i czytanie, ikona nie akceptuje sposoby emocjonalne uderzenie.

Obraz jest sposobem na interakcję z osobowością autora. Ikona jest środkiem komunikacji z Bogiem i Jego świętymi.

Ikona, w przeciwieństwie do obrazu, służy bezpośrednio zbawieniu ludzkiej duszy.

Podkreśliliśmy wewnętrzne różnice między ikoną a obrazem i czym różnice zewnętrzne możemy prześledzić?

Ikona jest przede wszystkim świadectwem prawdziwego Boga, jest zjawiskiem czysto religijnym. Ikona kanoniczna nie posiada przypadkowych dekoracji pozbawionych znaczenia semantycznego.

Główne różnice między ikoną a obrazem:

1. Konwencjonalność, pewne zniekształcenie realnych form i symboliki.

W ikonie to, co cielesne, zostaje pomniejszone, a duchowe zostaje odkryte. Wydłużone proporcje sylwetki, brak objętości. Ikonie brakuje ciężaru, ciężaru właściwego przedmiotom naszego świata.

2. Perspektywa odwrotna.

Obraz konstruowany jest według praw perspektywy bezpośredniej, punkt zbiegu znajduje się na linii horyzontu i jest zawsze taki sam. Ikonę cechuje perspektywa odwrócona, gdzie punkt zbiegu umiejscowiony jest nie w głębi płaszczyzny, lecz w osobie stojącej przed ikoną. W ten sposób znajduje swój wyraz pomysł pojawienia się świata niebieskiego w naszym świecie, świecie poniżej. I równoległe linie na ikonie nie zbiegają się, lecz wręcz przeciwnie, rozszerzają się w przestrzeni ikony.

3. Nieobecność źródło zewnętrzne Swieta.

Światło jakby z wnętrza ikony, z samych twarzy i postaci, z ich głębi jest esencją świętości. Ikona jest świetlista, a zasada ta opiera się na teologicznym świadectwie ewangelii o Przemienieniu Pańskim na Górze Tabor. Prawosławna aureola to niestworzone światło Boskości, zrodzone w sercu świętego i tworzące jedną całość z jego przemienionym ciałem.

4. Kolor w ikonie pełni funkcję czysto symboliczną.

Czerwony kolor ikon męczenników symbolizuje ofiarę, czyli władza królewska. Złoto jest symbolem nietowaru, światła, które ma zupełnie inny charakter niż inne substancje fizyczne. Dlaczego nie da się tego przekazać farbą. Złoto na ikonach jest przeciwieństwem idei ziemskiego złota i bogactwa. Istnieją również kolory, które zastępują obecność złota na ikonie - ochra, czerwień i białe kolory. Czarny kolor ikon stosuje się tylko w przypadkach, gdy konieczne jest ukazanie sił zła lub świata podziemnego.

6. Na ikonie nie ma czasu. Wszystkie zdarzenia dzieją się w tym samym czasie.

Często jedna ikona przedstawia kilka różnych scen, czasem są to sceny z życia jednego świętego, ilustrujące całą jego drogę od narodzin do spoczynku. W ten sposób wyraża się zaangażowanie ikony w świat wieczności, gdzie wszystko jest jednocześnie otwarte, a raczej czasu po prostu nie ma. Na zdjęciu wręcz przeciwnie, dzieje się to w jednej płaszczyźnie czasu.

Zatem różnica między ikoną kanoniczną a obrazem jest oczywista.

Głównym zadaniem ikony, w przeciwieństwie do obrazu, który przekazuje zmysłową stronę świata, jest ukazanie rzeczywistości świata duchowego, pomoc w uzyskaniu poczucia realnej obecności świętego, Matka Boga lub Pana, aby przyczynić się do otwarcia serca i zrodzenia pokutnej modlitwy lub uwielbienia, przez które uświęca się umysł, serce i całe życie człowieka.

W Pracowni Malowania Ikon „Ikona Odmierzona” jest to możliwe