Obrazy Roberta Longo. Co łączy Goyę, Eisensteina i Longo: przewodnik artysty po wystawie w Garażu

Robert Longo urodził się w 1953 roku na Brooklynie w Nowym Jorku, a dorastał na Long Island. Jako dziecko patrzyłem na niego duży wpływ pod wpływem kultury popularnej - kina, telewizji, czasopism i komiksów, które w dużej mierze ukształtowały jego styl artystyczny.

Pod koniec lat 70. Longo wykonywał eksperymentalną muzykę punkową w nowojorskich klubach rockowych w ramach projektu „Menthol Wars” (Menthol Wars Roberta Longo). Jest współzałożycielem awangardowej grupy X-Patsys (wraz z żoną Barbarą Zukovą, Jonem Kesslerem, Knoxem Chandlerem, Seanem Conleyem, Jonathanem Kane'em i Anthonym Colemanem).

W latach 80. Longo wyreżyserował kilka teledysków, w tym „The One I Love” zespołu REM. , Bizarre Love Triangle autorstwa New Order i Peace Sells autorstwa Megadeth .

W 1992 roku artysta wyreżyserował jeden z odcinków serialu „Opowieści z krypty” zatytułowany „This’ll Kill Ya”. Najbardziej znany z dzieła reżysera Longo – film z 1995 roku

Główny Kustosz Muzeum Sztuka współczesna"Garaż"
Kate Fowle i Roberta Longo

Robert Longo,

z którym Posta-Magazine spotkała się przy instalacji wystawy, opowiedziała o tym, co kryje się pod kolorową warstwą obrazów Rembrandta, o potędze obrazu, a także o „prymitywnej” i „wysokiej” w sztuce.

Patrząc na hiperrealistyczne grafiki Roberta Longo, trudno uwierzyć, że to nie są fotografie. A jednak tak jest: monumentalne obrazy nowoczesne miasto, przyroda lub katastrofy są rysowane węglem na papierze. Są niemal namacalne – tak dopracowane i szczegółowe – i na długo przyciągają uwagę swoją epicką skalą.

Longo ma cichy, ale pewny głos. Po wysłuchaniu pytania chwilę się zastanawia, po czym mówi – poufnie, jak ze starym znajomym. Złożone, abstrakcyjne kategorie w jego opowieści zyskują na przejrzystości, a nawet wydają się sprawność fizyczna. I pod koniec naszej rozmowy rozumiem dlaczego.

Inna Logunowa: Po obejrzeniu zamontowanej części wystawy byłem pod wrażeniem monumentalności Twoich obrazów. To niesamowite, jak nowoczesne i archetypowe są jednocześnie. Czy Twoim celem jako artysty jest uchwycenie istoty czasu?

Roberta Longo: My, artyści, jesteśmy reporterami czasu, w którym żyjemy. Nikt mi nie płaci – ani rząd, ani kościół, mogę słusznie powiedzieć: moja praca jest tym, jak widzę otaczający mnie świat. Jeśli weźmiemy jakiś przykład z historii sztuki, powiedzmy obrazy Rembrandta czy Caravaggia, dostrzeżemy w nich odlew życia – takiego, jakim było w tamtej epoce. Myślę, że to właśnie jest naprawdę ważne. Ponieważ w pewnym sensie sztuka jest religią, sposobem na oddzielenie naszych poglądów na temat rzeczy od ich poglądów. prawdziwa esencja od tego, czym właściwie są. To jest jego ogromna siła. Jako artysta niczego Ci nie sprzedam, nie mówię o Chrystusie czy polityce – po prostu próbuję zrozumieć coś z życia, zadając widzowi pytania, które skłaniają widza do refleksji i zwątpienia w niektóre ogólnie przyjęte prawdy.

A obraz z definicji jest archetypowy, mechanizm jego oddziaływania jest związany z naszymi najgłębszymi podstawami. Rysuję węglem - najstarszy materiał prehistoryczny człowiek. Ironią jest, że na tej wystawie pod względem technologicznym moje prace są najbardziej prymitywne. Do tej pory Goya pracował kompleksowo nowoczesna technologia akwaforta, Eisenstein kręcił filmy, a ja po prostu rysuję węglem.

To znaczy, że używasz prymitywnego materiału, aby wydobyć jakąś starożytną zasadę?

Tak, zawsze interesowałem się nieświadomością zbiorową. Kiedyś miałem po prostu obsesję na punkcie odnalezienia i uchwycenia jego obrazów i aby w jakiś sposób się do tego zbliżyć, codziennie rysowałem. Jestem Amerykanką, moja żona jest Europejką, ukształtowała się w innej kulturze wizualnej i to ona pomogła mi zrozumieć, jak bardzo sam jestem wytworem systemu wizerunkowego mojego społeczeństwa. Konsumujemy te obrazy każdego dnia, nawet nie zdając sobie sprawy, że są częścią naszego ciała i krwi. Dla mnie sam proces rysowania jest sposobem na uświadomienie sobie, co z tego całego wizualnego szumu tak naprawdę jest twoje, a co narzucone z zewnątrz. Tak naprawdę rysunek jest w zasadzie odciskiem nieświadomości – prawie każdy coś rysuje rozmawiając przez telefon lub myśląc. Dlatego na wystawie prezentowane są zarówno Goya, jak i Eisenstein, łącznie z rysunkami.

Skąd wziąłeś ten? Szczególne zainteresowanie do twórczości Goi i Eisensteina?

W młodości ciągle coś rysowałem, robiłem rzeźby, ale nie miałem odwagi uważać się za artystę i nie widziałem siebie w tej roli. Rzucano mną z boku na bok: chciałem zostać biologiem, muzykiem lub sportowcem. Generalnie miałem pewne skłonności w każdej z tych dziedzin, ale tak naprawdę jedyną rzeczą, w której byłem naprawdę dobry, była sztuka. Pomyślałem, że odnajdę się w historii sztuki lub restauracji – i wyjechałem na studia do Europy (na Akademię im sztuki piękne we Florencji. - Około. auth.), gdzie dużo i z zapałem przyglądałem się i studiowałem dawnych mistrzów. I w pewnym momencie coś we mnie zaskoczyło: dość, chcę im odpowiedzieć czymś od siebie.

Obrazy i ryciny Goi po raz pierwszy zobaczyłem w 1972 roku i uderzyły mnie one swoją kinową jakością. Przecież dorastałem oglądając telewizję i kino, moja percepcja była głównie wizualna - w młodości prawie nie czytałem, książki weszły w moje życie po trzydziestce. Co więcej, była to telewizja czarno-biała, a obrazy Goi łączyły się w mojej głowie z moją przeszłością, moimi wspomnieniami. Byłem także pod wrażeniem silnego aspektu politycznego jego twórczości. W końcu należę do pokolenia, dla którego polityka jest częścią życia. Na moich oczach został zastrzelony podczas protestów studenckich bliski przyjaciel. Polityka stała się przeszkodą w naszej rodzinie: moi rodzice byli zagorzałymi konserwatystami, a ja byłem liberałem.

Jeśli chodzi o Eisensteina, zawsze podziwiałem przemyślaność jego zdjęć i mistrzowską pracę kamery. Miał na mnie duży wpływ. W latach 80. nieustannie sięgałem po jego teorię montażu. Wtedy szczególnie interesował mnie kolaż: jak z połączenia lub zderzenia dwóch elementów powstaje coś zupełnie nowego. Powiedzmy, że zderzające się samochody to już nie dwa przedmioty materialne, ale coś trzeciego – wypadek samochodowy.

Goya był artysta polityczny. Czy Twoja sztuka jest polityczna?

Nie żebym był głęboko zaangażowany w politykę, ale pewne sytuacje życiowe zmusiły mnie do jej podjęcia stanowisko polityczne. Tak więc w szkole średniej interesowałem się głównie dziewczynami, sportem i rock and rollem. A potem policja zastrzeliła mojego przyjaciela – i nie mogłam już dłużej stać bezczynnie. Poczułem wewnętrzną potrzebę opowiedzenia o tym, a raczej pokazania tego - ale nie tyle przez same wydarzenia, ile przez ich konsekwencje, spowalniające je i powiększające.

A dzisiaj najważniejsze dla mnie jest zatrzymanie przepływu obrazów, których liczba stale rośnie. Przepływają na naszych oczach z niewiarygodną szybkością i przez to tracą wszelkie znaczenie. Czuję, że muszę je zatrzymać, wypełnić je treścią. Przecież postrzeganie sztuki różni się od codziennego, przelotnego spojrzenia na rzeczy - wymaga skupienia i dlatego powoduje zatrzymanie.

Czy to był Twój pomysł, aby połączyć w jednej wystawie Roberta Longo, Francisco Goyę i Siergieja Eisensteina?

Oczywiście nie. Goya i Eisenstein to tytani i geniusze, nawet nie udaję, że jestem obok nich. Pomysł należał do Kate (Kate Fowle, główna kuratorka Garage Museum of Contemporary Art i kuratorka wystawy – przyp. autorki), która chciała wystawić moją pracę ostatnie lata w jakiś kontekst. Na początku byłem bardzo zdezorientowany jej pomysłem. Powiedziała jednak: „Spróbuj spojrzeć na nich jak na przyjaciół, a nie święte potwory, i nawiąż z nimi dialog”. Kiedy w końcu zdecydowałem, pojawiła się kolejna trudność: było jasne, że Goyi nie uda nam się sprowadzić z Hiszpanii. Ale potem zobaczyłem grafiki Eisensteina i przypomniałem sobie ryciny Goi, które w młodości zrobiły na mnie takie wrażenie – i wtedy zdałem sobie sprawę, co nas łączyło: rysowanie. I czarno-białe. I zaczęliśmy działać w tym kierunku. Wybrałam rysunki Eisensteina i ryciny Kate Goi. Wymyśliła, jak zorganizować przestrzeń wystawienniczą - szczerze mówiąc, sam poczułem się trochę zagubiony, kiedy ją zobaczyłem, w ogóle nie rozumiałem, jak z nią pracować.

Wśród prac prezentowanych na wystawie znajdują się dwie prace powstałe na podstawie zdjęć rentgenowskich obrazów Rembrandta „Głowa Chrystusa” i „Batszeba”. Jakiej szczególnej prawdy szukałeś w tych obrazach? Co znalazłeś?

Kilka lat temu w Filadelfii odbyła się wystawa zatytułowana „Rembrandt i oblicza Chrystusa”. Znajdując się wśród tych obrazów, nagle zdałem sobie sprawę: tak wygląda niewidzialne – wszak religia w istocie opiera się na wierze w niewidzialne. Poprosiłem znajomego artystę zajmującego się renowacją, aby pokazał mi zdjęcia rentgenowskie innych obrazów Rembrandta. A to uczucie – że widzisz niewidzialne – tylko się wzmocniło. Ponieważ zdjęcia rentgenowskie przedstawiały jego samego proces twórczy. Co ciekawe: pracując nad wizerunkiem Jezusa, Rembrandt namalował całą serię portretów miejscowych Żydów, ale ostatecznie twarz Chrystusa pozbawiona jest cech semickich – jest to wciąż Europejczyk. I na prześwietleniu rentgenowskim, gdzie więcej wczesne wersje na zdjęciu, ogólnie wygląda na Araba.

W „Batszebie” zainteresował mnie inny punkt. Rembrandt przedstawił ją pogodzoną ze swoim losem: zmuszona jest dzielić łoże z pragnącym jej królem Dawidem i tym samym ocalić męża, którego w przypadku odmowy natychmiast wyśle ​​na wojnę na pewną śmierć. Na prześwietleniu widać, że początkowo Batszeba ma zupełnie inny wyraz twarzy, jakby nie mogła się już doczekać wieczoru z Dawidem. Wszystko to jest niezwykle interesujące i pobudza wyobraźnię.

A gdyby Twoje prace zostały prześwietlone, co byśmy zobaczyli na tych zdjęciach?

Kiedy byłem młody, byłem dość zły – teraz jestem zły, ale mniej. Pod rysunkami pisałem rzeczy straszne: kogo nienawidziłem, kogo śmierci pragnąłem. Na szczęście, jak powiedział mi znajomy krytyk sztuki, rysunków węglem zwykle nie poddaje się promieniowaniu rentgenowskiemu.

A jeśli mówimy o warstwie zewnętrznej, to osoby, które nie przyglądają się bliżej moim pracom, mylą je z fotografiami. Jednak im bardziej się do nich zbliżają, tym bardziej się zatracają: nie jest to ani tradycyjne malarstwo figuratywne, ani modernistyczna abstrakcja, ale coś pomiędzy. Ponieważ moje rysunki są niezwykle szczegółowe, zawsze pozostają niepewne i trochę niedokończone, dlatego nigdy nie mogłyby być fotografiami.

Co jest dla Ciebie jako artysty najważniejsze – forma czy treść, pomysł?

Byłem pod wpływem artystów konceptualnych, oni byli moimi bohaterami. A dla nich pomysł jest najważniejszy. Nie sposób pominąć formy, jednak pomysł jest niezwykle ważny. Skoro sztuka przestała służyć kościołowi i państwu, artysta raz po raz musi sobie odpowiedzieć na pytanie – co ja do cholery robię? W latach 70. boleśnie poszukiwałam formy, w której mogłabym pracować. Mogłem wybrać dowolne: artyści konceptualni i minimaliści wszystko dekonstruowali możliwe sposoby tworzenie sztuki. Wszystko może być sztuką. Moje pokolenie zajmowało się zawłaszczaniem obrazów, obrazy obrazów stały się naszym materiałem. Robiłem zdjęcia i filmy, wystawiałem spektakle, tworzyłem rzeźby. Z czasem zrozumiałem, że rysunek plasuje się gdzieś pomiędzy sztuką „wysoką” – rzeźbą i malarstwem – a czymś zupełnie marginalnym, wręcz pogardzanym. I pomyślałem: a co jeśli weźmiemy i powiększymy rysunek do skali dużego płótna, zamienimy go w coś okazałego, na przykład rzeźbę? Moje rysunki mają wagę, fizycznie wchodzą w interakcję z przestrzenią i widzem. Z jednej strony są to najdoskonalsze abstrakcje, z drugiej świat, w którym żyję.

Robert Longo i Kate Fowle w Rosyjskim Archiwum Państwowym
literatura i sztuka

Szczegóły w Posta-Magazine
Wystawa czynna od 30 września do 5 lutego
Muzeum Sztuki Współczesnej „Garaż”, ul. Krymski Wał, 9, budynek 32
O innych projektach sezonu: http://garagemca.org/

W Muzeum Sztuki Nowoczesnej "Garaż" wystawa otwarta „Świadectwo”: Francisco Goya, Sergei Eisenstein, Robert Longo. Kadry z filmów Eisensteina, ryciny Goi i rysunki węglem Longo łączą się w czarno-białą, postmodernistyczną mieszankę. Osobno na wystawie można zobaczyć czterdzieści trzy rysunki Eisensteina z kolekcji rosyjskiej archiwum państwowe po raz pierwszy wystawiona literatura i sztuka oraz akwaforty Francisco Goyi z kolekcji Muzeum Państwowe Współczesna historia Rosja. ARTANDHOUSES rozmawiało ze słynnym amerykańskim artystą Roberta Longo o tym, jak trudno było dorównać gigantom historii sztuki, o samowystarczalności młodości i jej doświadczeniach filmowych.

Jak zrodził się pomysł na wystawę? Co łączy artystów Longo, Goyę i Eisensteina?

Współkuratorka wystawy, Kate Fowle, usłyszała, jak opowiadałam o tych artystach, o tym, jak mnie zainspirowali i jak bardzo podziwiałam ich prace. Zasugerowała, żebym zebrała nasze prace i zrobiła tę wystawę.

Zawsze interesowali mnie artyści, którzy byli świadkami swoich czasów i dokumentowali wszystko, co się działo. Myślę, że ważne jest, abyśmy w pracach Eisensteina i Goi dostrzegli dowody epok, w których żyli.

Pracując nad wystawą odwiedził Pan rosyjskie archiwa państwowe. Co było najciekawszego w pracy z materiałami archiwalnymi?

Niesamowity zespół muzeum dał mi dostęp do miejsc, do których nigdy nie byłbym w stanie pójść sam. Zadziwiło mnie archiwum literatury i sztuki, jego ogromne sale z szafami na dokumenty. Gdy szliśmy niekończącymi się korytarzami, ciągle pytałem pracowników, co jest w tych pudłach, co jest w tych pudłach. Kiedyś powiedzieli: „A w tych pudłach mamy Czechowa!” Uderzył mnie sam pomysł Czechowa w pudełku.

Spotkałeś się także z czołowym znawcą twórczości Eisensteina, Naumem Kleimanem…

Poszedłem do Kleimana po jakieś pozwolenie. Zapytałem, co Eisenstein by pomyślał o tym, co robimy? Bo wydawało mi się, że wystawa została pomyślana dość odważnie. Ale Kleiman był bardzo entuzjastycznie nastawiony do projektu. Można powiedzieć, że w pewnym sensie aprobował to, co robiliśmy. Jest niesamowicie żywiołową osobą, która doskonale mówi po angielsku, choć początkowo twierdził, że ledwo go zna.

Czy trudno jest ci porównywać się z Goyą i Eisensteinem? Czy trudno dorównać geniuszom przeszłości?

Kiedy Kate zapytała mnie, czy chciałbym wziąć udział w takiej wystawie, pomyślałem: jaką rolę by mi przydzielono? Prawdopodobnie pomocne. To prawdziwi giganci historii sztuki! Ale w końcu wszyscy jesteśmy artystami, każdy żył w swojej epoce i ją przedstawiał. Bardzo ważne jest, aby zrozumieć, że to był pomysł Kate, a nie mój. A jakie miejsce zajmę w historii, dowiemy się za sto lat.

W wywiadach często mówisz, że kradniesz zdjęcia. Co masz na myśli?

Żyjemy w świecie przesyconym obrazami i można powiedzieć, że przenikają one do nas. Więc co robię? Z tego szalonego potoku obrazów zapożyczam „obrazy” i umieszczam je w zupełnie innym kontekście – sztuce. wybieram archetypowe obrazy, celowo je spowalniając, aby ludzie mogli się zatrzymać i pomyśleć o nich. Można powiedzieć, że wszystkie media wokół nas to ulica ruch w jedną stronę. Nie dajemy nam szansy na jakąkolwiek reakcję. I na tę różnorodność staram się odpowiedzieć. Poszukuję obrazów archetypowych ze starożytności. Patrzę na prace Goi i Eisensteina i zdumiewa mnie, że podświadomie wykorzystuję w swoich pracach motywy, które także się w nich znajdują.

Do historii sztuki wszedłeś jako artysta z Pictures Generation. Co Cię motywowało, gdy zacząłeś zapożyczać obrazy z przestrzeni medialnej? Czy był to protest przeciwko modernizmowi?

Była to próba przeciwstawienia się natłokowi obrazów, którymi otaczaliśmy się w Ameryce. Było tak wiele obrazów, że ludzie stracili poczucie rzeczywistości. Należę do pokolenia, które wychowało się w telewizji. Telewizor był moją opiekunką. Sztuka jest odzwierciedleniem tego, z czym dorastaliśmy, co otaczało nas w dzieciństwie. Czy znasz Anselma Kiefera? Dorastał w powojennych Niemczech, które były w ruinie. I to wszystko widzimy w jego sztuce. W mojej sztuce widzimy czarno-białe obrazy, które wyglądają, jakby pochodziły prosto z ekranu telewizora, na którym dorastałem.

Jaka była rola krytyka Douglasa Crimpa w zorganizowaniu legendarnej wystawy Pictures w 1977 roku, w której uczestniczyłeś wraz z Sherri Levine, Jackiem Goldsteinem i innymi, dzięki czemu zyskałeś sławę?

Gromadził artystów. Po raz pierwszy spotkał mnie i Goldsteina i zdał sobie sprawę, że dzieje się coś interesującego. I wpadł na pomysł, aby podróżować po Ameryce i znajdować artystów pracujących w tym samym kierunku. Odkrył wiele nowych imion. To był dla mnie dar losu, że w tak młodym wieku odnalazł mnie wielki intelektualista, który pisał o mojej twórczości (Artykuł Douglasa Crimpa na temat nowego pokolenia artystów ukazał się w wpływowym amerykańskim magazyniePaździernik. - E.F.). Ważne było, żeby ubrał w słowa to, co chcieliśmy wyrazić. Ponieważ tworzyliśmy sztukę, ale nie mogliśmy znaleźć słów, aby wyjaśnić to, co przedstawialiśmy.

Często przedstawiasz sceny apokaliptyczne: eksplozje atomowe, rekiny z otwartymi pyskami, nurkujące myśliwce. Co Cię przyciąga do tematu katastrofy?

W sztuce istnieje cały kierunek przedstawiania katastrof. Dla mnie przykładem tego gatunku jest obraz Gericaulta „Tratwa Meduzy”. Moje obrazy inspirowane katastrofami są czymś w rodzaju próby rozbrojenia. Poprzez sztukę pragnę pozbyć się uczucia lęku, jakie te zjawiska generują. Być może najbardziej uderzającą moją pracą na ten temat jest praca ze znakiem po kuli, zainspirowana wydarzeniami wokół magazynu Charlie Hebdo. Z jednej strony jest bardzo piękna, ale z drugiej jest ucieleśnieniem okrucieństwa. Dla mnie jest to sposób na powiedzenie: „Nie boję się ciebie! Możesz mnie zastrzelić, ale będę pracować dalej! I poszedłbyś do piekła!”

Kręcisz filmy, teledyski, odtwarzasz w zespole muzycznym, rysujesz. Do kogo czujesz się bardziej: reżyser, artysta czy muzyk?

Artysta. To najbardziej wolny zawód ze wszystkich. Kiedy kręcisz film, ludzie płacą pieniądze i myślą, że mogą ci powiedzieć, co masz robić.

Nie jesteś zadowolony z wrażeń filmowych?

Kręcenie filmu było dla mnie trudnym przeżyciem. « Johnny Mnemonik.” Pierwotnie chciałem nakręcić mały, czarno-biały film science-fiction, ale producenci ciągle się wtrącali. Ostatecznie wyszło w około 50–70 procentach tak, jak chciałem. Miałem plan – na 25-lecie filmu zmontuję go, zrobię czarno-biały, zmontuję ponownie i wrzucę do Internetu. To byłby mój akt zemsty na wytwórni filmowej!

Byłeś częścią undergroundu artystycznego i muzycznego lat 70. i 80. Jak wspominasz te czasy?

Kiedy się starzejesz, zdajesz sobie sprawę, że nie wkraczasz w przyszłość, ale przyszłość się do ciebie zbliża. Przeszłość nieustannie zmienia się w naszych umysłach. Kiedy teraz czytam o wydarzeniach z lat 70. i 80., myślę, że wszystko wyglądało zupełnie inaczej. Przeszłość nie jest tak różowa, jak się wydaje. Były też trudności. Zostaliśmy bez pieniędzy. Wykonywałem okropne prace, łącznie z pracą taksówkarza. A jednak tak było Piękny czas, kiedy muzyka i sztuka były ze sobą ściśle powiązane. I naprawdę chcieliśmy stworzyć coś nowego.

Gdybyś mógł cofnąć się w czasie do czasów, gdy byłeś młody, co byś zmienił?

Nie brałbym narkotyków. Gdybym teraz rozmawiała ze swoją młodszą wersją siebie, powiedziałabym, że aby poszerzać granice świadomości, nie potrzeba używek, trzeba aktywnie pracować. Łatwo jest być młodym, znacznie trudniej dożyć starości. I bądź odpowiedni do swojego czasu. Cały pomysł destrukcji w młodości może wydawać się fajny, ale tak nie jest. A teraz od ponad dwudziestu lat nie piję ani nie biorę żadnych używek.

Roberta Longo(Język angielski) Roberta Longo, R. 1953) to współczesny amerykański artysta znany ze swojej twórczości w różnych gatunkach.

Biografia

Roberta Longo urodzony 7 stycznia 1953 w Brooklynie (Nowy Jork), USA. Studiował na Uniwersytecie Północnego Teksasu (Denton), ale go porzucił. Później studiował rzeźbę pod kierunkiem Leondy Finke. W 1972 otrzymał stypendium na studia w Akademii Sztuk Pięknych we Florencji i wyjechał do Włoch. Po powrocie do Stanów Zjednoczonych uczęszczał do Buffalo State College, który ukończył z tytułem licencjata w 1975 roku. W tym samym czasie spotkał się z fotografką Cindy Sherman.

Pod koniec lat 70. Robert Longo zainteresował się organizacją spektakli (np. Sound Distance of a Good Man). Takim pracom towarzyszyło zazwyczaj powstanie serii fotografii i filmów, które następnie pokazywano jako pojedyncze prace i fragmenty instalacji. W tym samym czasie Longo grał w wielu nowojorskich zespołach punkrockowych, a nawet był współzałożycielem galerii Hallwalls. W latach 1979-81 artysta pracował także nad cyklem prac graficznych „Ludzie w miastach”.

W 1987 Longo zaprezentował serię konceptualnych rzeźb zwanych Object Ghosts. Prace z tego cyklu są próbą przemyślenia i wystylizowania obiektów z filmów science fiction (np. „Nostromo” – tak nazywał się statek w filmie „Obcy”). Podobny pomysł (ale zrealizowany przy użyciu prawdziwych rekwizytów, które wykorzystano na planie) można odnaleźć w pracach Dory Budor.

W 1988 Longo rozpoczął pracę nad serią Black Flag. Pierwszą pracą z serii była flaga USA pomalowana na kolor grafitowy i wizualnie przypominająca malowane drewniane pudełko. Kolejnymi pracami były rzeźbiarskie wizerunki flagi USA wykonane z brązu, z których każdy został opatrzony tytułem-podpisem (np. „oddaj nam nasze cierpienie” - „oddaj nam nasze cierpienie”).

Pod koniec lat 80. zaczął także strzelać Robert Longo krótkie filmy(na przykład Arena Brains - „Smart Guys in the Arena”, 1987). W 1995 Longo pełnił funkcję reżysera w filmie science fiction Johnny Mnemonic. Film uznawany jest za kultową klasykę gatunku cyberpunk. Główną rolę zagrał Keanu Reeves.

W latach 90. i 2000. Robert Longo kontynuował tworzenie hiperrealistycznych obrazów. Prace z cykli Superbohaterowie (1998) czy Ofelia (2002) wyglądem przypominają fotografie lub rzeźby, są jednak obrazami wykonanymi tuszem. Obrazy z cykli Balkon (2008-09) i Tajemnice (2009) malowane są węglem.

W 2010 roku Robert Longo stworzył serię fotografii w stylu „Ludzie w miastach” dla włoskiej marki Bottega Veneta.

W latach 2016-17 W Muzeum Sztuki Współczesnej Garage odbyła się wystawa „Świadectwa”, podczas której publiczności zaprezentowano część prac Roberta Longo.

Robert Longo obecnie mieszka w Nowym Jorku w USA. Od 1994 roku jest żonaty z niemiecką aktorką Barbarą Sukową. Para ma trójkę dzieci.

Opracowanie stanowi analizę filmu Johnny Mnemonic, jedynego pełnometrażowego filmu w reżyserii artysty Roberta Longo.

Aleksander URSUL

Oglądając obraz pojawia się wiele pytań. Jak człowiek, który zasłynął dzięki rysunkom węglem, zwłaszcza cyklowi „Ludzie w miastach”, mógł zająć się reżyserią? A także reżyserowanie takiego hitu w gwiazdorskiej obsadzie? Roberta Longo oczywiście artysta komercyjny. Jego grafiki są modne, pokazują, jak styl rządzi dziś wszystkim, a co najważniejsze, życiem i śmiercią. Robert Longo jest postmodernistą. I dlatego może współpracować ze wszystkim, absolutnie wszystkim. Ale dlaczego wybrał fantastyka naukowa do wyrażania siebie? A na adaptację filmową – utwór z gatunku cyberpunk? Co z tego wynikło? Czy ten film jest zjawiskiem zauważalnym, czy przemijającym?

Najpierw przyjrzyjmy się, jakie doświadczenia Longo miał z wideo przed Mnemonic. W latach 80. wyreżyserował kilka teledysków: teledysk do utworu Bizarre Love Triangle Brytyjski zespół rockowy New Order (patrz niżej), teledysk do utworu Peace Sells amerykańskiego thrash metalowego zespołu Megadeth, wideo do hitu Amerykański zespół rockowy REM – Jeden Kocham itp. Wieloletni twórca wideo aktywnie korzysta z narzędzi montażowych - podwójnej ekspozycji, szybkich zmian klatek, które mogą trwać krócej niż sekundę itp. Treść klipów nosi znamiona surrealizmu - np. mężczyzna w garnitur, który leci w dół swobodnie spadając, ale nie może spaść itp. W teledysku do Megadeth reżyser rozkoszuje się zbliżeniem śpiewu performera – nie, krzyczącego – ust – zobaczymy później zbliżeń usta i zaciśnięte zęby głównego bohatera, Johnny'ego Mnemonika. Klipy były regularnie pokazywane w kanałach telewizyjnych takich jak MTV.

Miłość Longo do muzyki nie jest bez powodu – w młodości organizował punkowy zespół Menthol Wars, który pod koniec lat 70. występował w rockowych klubach Nowego Jorku. Jednej z kompozycji można posłuchać tutaj:

W 1987 roku artysta nakręcił krótki film (34 min.) o grupie nowojorczyków – Arena Brains. Nie mogłem znaleźć tej pracy w Internecie. Istnieje jednak dzieło artysty Longo pod tym samym tytułem (patrz załącznik), na którym głowa mężczyzny, wyraźnie krzycząca, z odsłoniętymi zębami (powtórzona w pracy Longo obraz wzrokowy), gdzie znajduje się mózg, dodawany jest obraz ognia. Czy Twoje mózgi płoną?

(Kadry z teledysku Peace Sells metalowego zespołu Megadeth)

(Kadr z filmu Johnny Mnemonic)

(praca Longo zatytułowana Arena Brains)

Kolejnym krokiem w reżyserskiej karierze Longo była praca nad drugą serią czwarty sezon projekt „Opowieści z krypty” (Tales z Crypt, serial „This’ll Kill Ya”) amerykańskiego kanału HBO. „Opowieści z krypty” to kultowa w niektórych kręgach seria oparta na komiksach. Każdy 30-minutowy odcinek to inna historia, w którą ludzie się angażują złe uczynki i płacą za nie. W ciągu kilku lat nakręcono 93 odcinki horroru, z czego jeden powierzono Robertowi Longo. Asystentem reżysera był bratanek artysty, Christopher Longo (przyszły inżynier dźwięku w Hollywood).

„Umarłem, a ten człowiek mnie zabił” – to jedne z pierwszych słów wypowiedzianych w tej „opowieści”. Seria „This Will You” poświęcona jest pewnemu laboratorium, w którym opracowywany jest nowy lek – h24. Dwoje naukowców – Sophie i Peck – znajduje się pod przewodnictwem pewnego siebie początkującego George’a. Pewnego dnia zamiast leku, którego potrzebuje George, koledzy przypadkowo wstrzykują mu serum h24, ale nowy lek nie został jeszcze przetestowany na ludziach. Odcinek zawiera seks z byłą, trójkąt miłosny, paranoja, halucynogenne wizje ludzi pokrytych bąbelkami i morderstwo.

Przechodząc do , można zauważyć, że Longo często przechyla aparat na bok, aby uzyskać nietypowe kąty. W ten sam sposób będzie obecny w Johnny Mnemonic. Aktywnie wykorzystywana jest również podwójna ekspozycja. Niektóre plany projektowane są z dominacją jednego koloru, np. niebieskiego (porównaj z użyciem węgla drzewnego na rysunkach artysty).

Kilka klipów, krótki film i jeden odcinek – to całe doświadczenie Longo w tworzeniu filmów (przed „Mnemonic”). Całkiem mały. Ale wnioski z tego już możemy wyciągnąć. Grupy, dla których artysta realizował filmy wideo, choć działają w gatunkach „młodzieżowych” i początkowo działają w undergroundzie, odnoszą komercyjny sukces. Seria Opowieści z krypty, podobnie jak teledyski Longo, wydaje nam się jednoznacznie należeć do kultury popularnej. Pozostaje jednak pytanie, czy Longo bawił się w tych dziełach stylem, czy go przywłaszczył, czy też po prostu pracował dla własnej przyjemności w nowej specjalności, zarabiając pieniądze.

Teraz w końcu zaczniemy analizować film „Johnny Mnemonic”.

Co jest na powierzchni? Przebój kinowy 1995. Gatunek: cyberpunk. Budżet – 26 milionów dolarów. Gwiazdorska obsada: Keanu Reeves (który zasłynął wówczas filmem „Prędkość”), Dolph Lundgren (aktor akcji), Takeshi Kitano (ten sam japoński aktor i reżyser), Ice-T (aktor i raper), Barbara Zukova ( żona Roberta Longo, zagrała na berlińskim Alexanderplatz Fassbindera), Udo Kier (wcielił się w wielu charyzmatycznych antybohaterów w hollywoodzkich filmach) i innych. Akompaniament muzyczny autorstwa twórcy ścieżki dźwiękowej do Terminatora, Brada Fidela. Scenarzystą był jeden z twórców gatunku cyberpunk w literaturze – William Gibson, autor oryginalnej opowieści „Johnny Mnemonic” oraz dobry przyjaciel Longo.

Początkowo Gibson i Longo chcieli zrobić, ich zdaniem, film autorski z budżetem nie większym niż milion, dwa miliony dolarów, ale nikt im nie dał takich pieniędzy. Prace nad filmem trwały ponad pięć lat. Gibson zażartował, że to jego wyższa edukacja dostał to szybciej, niż nakręcili film. W pewnym momencie, zdaniem autorów, wpadli na pomysł nakręcenia filmu za 26 milionów dolarów i wtedy byli gotowi się z nimi spotkać.

(Ilustracje poniżej: szkice Longo i materiał filmowy z samego filmu Johnny Mnemonic)

O czym jest ta „opowieść o erze informacji”, jak nazywa ją pisarz science fiction Gibson?
Na początku filmu zostajemy wprowadzeni w sytuację poprzez tekst biegnący od dołu do góry. W najbliższej przyszłości – w 2021 roku – władza na świecie należy do potężnych korporacji transnarodowych. W świecie całkowicie uzależnionym od technologii elektronicznej ludzkość cierpi na nową plagę – zespół wyczerpania nerwowego, czyli czarną febrę. Choroba jest śmiertelna. Dyktaturze korporacji sprzeciwiają się opozycjoniści nazywający siebie „Lotex” – hakerzy, piraci itp. Korporacje z kolei wynajmują Yakuzę (japońską mafię) do walki z rebeliantami. Trwa wojna informacyjna.

W całkowicie cybernetycznym świecie informacja jest główny produkt. Najcenniejsze dane powierzane są kurierom – mnemoniki. Mnemonik to osoba posiadająca implant w mózgu, która jest w stanie przenosić w swojej głowie gigabajty informacji. Główny bohater– mnemonik John Smith – nie wie, gdzie jest jego dom. Kiedyś usunął swoje wspomnienia, aby zwolnić miejsce w swoim cybernetycznym mózgu. Teraz jego głowa służy innym za dysk twardy, a nawet pendrive. John oczywiście chce odzyskać pamięć. Jego szef sugeruje ostatni raz pracuj jako kurier, aby zdobyć wystarczająco dużo pieniędzy, aby odzyskać pamięć. Bohater wpada oczywiście w kłopoty – ilość informacji, które na siebie wziął, zostaje podwojona. Jeśli nie pozbędziesz się tych danych w ciągu 24 godzin, umrą. A po piętach bohaterowi idą zawodowi zabójcy – Yakuza.

Bohater bez przeszłości. W czarnym garniturze i białej koszuli z krawatem. W głowicy znajduje się gniazdo - złączka na przewody. Standaryzacja plus estetyka.

Polują na jego głowę – w dosłownym tego słowa znaczeniu: chcą mu odciąć głowę, aby dostać się do informacji. Bohater musi dobiec do celu – musi dostarczyć informacje skradzione korporacji Farmakom.

Za pomocą specjalnych rękawiczek i kasku Johnny jednoczy się z technologią i penetruje cyber-sieć, Internet przyszłości.

Longo wydaje się bawić gatunkiem. Pełno tu klisz: bohater budzi się w łóżku z inną przypadkową kobietą, Mnemonic bije wrogów uchwytem od ręcznika, złoczyńcy śmiejący się jak cholera w kowbojskich kapeluszach, zniknięcie przypadkowego wybawiciela w momencie, gdy bohater się odwraca przez kilka sekund dwóch głupich strażników, którzy nie zauważają wrogów, a także zdrady Historia miłosna i szczęśliwe zakończenie pocałunkiem na tle płonącego budynku.

Dlatego lepiej podczas oglądania nie brać tego na poważnie, ale po prostu cieszyć się akcją.

Z jednej strony film wygląda jak kompletna tandeta. Tutaj yakuza z laserem na palcu i szalony kaznodzieja - cyborg z ogromnym nożem w kształcie krzyża (tutaj pamiętam cykl Longo „Krzyże” - Krzyże, 1992). Ale z drugiej strony jest subtelna praca ze stylem. Longo zna się na rzeczy. Nie wszystko jest takie proste – jest tu coś, co warto docenić.
Yakuza z laserem o imieniu Shinji – dlaczego stracił palec? Na japońska mafia Jest zasada – jeśli zrobiłeś coś złego przed szefem, musisz odciąć sobie palec. Zatem ten zabójca, ścigając Johnny'ego, zamienił jego wadę w zaletę. Paliczek palca zastąpiono sztuczną końcówką, z której złoczyńca wyjmuje molekularną nić zdolną do natychmiastowego rozczłonkowania Ludzkie ciało(co notabene zdarza się od czasu do czasu w kadrze).

Film pokazuje także konfrontację nowego ze starym. Szef yakuzy, grany przez Takeshi Kitano, szanuje tradycje, doskonale zna język japoński, ma w swoim biurze samurajską zbroję, a nawet ma kapcie. cechy ludzkie- współczucie i sumienie. A jego następca, zabójca Shinji, jest niemoralny, nieuczciwy i nie wie język japoński i zdradza swojego szefa w imię władzy.

Kaznodzieja, który zabija dla pieniędzy na nowe implanty, znakomicie wcielony przez Dolpha Lundgrena, jest przywłaszczeniem charakterystyczny obraz fanatyczny czarny charakter z japońskiej animacji (patrz dodatek). Nie bez powodu w jednej z początkowych scen – wpompowywania informacji do głowy Johnny’ego i strzelaniny – idzie do telewizji anime „Shinjuku – Piekielne Miasto” (Demoniczne Miasto Shinjuku). Ogólnie rzecz biorąc, w filmie tu i ówdzie oglądają kreskówki, filmy z gatunku noir itp. Longo przyznał kiedyś, że uwielbia oglądać kreskówki – potwierdza to jego serial o superbohaterach (Superbohaterowie, 1998).

Temat zmodyfikowanego życia i motyw cyborgów artysta podjął później w projekcie Yingxiong (Bohaterowie), 2009. Nawiasem mówiąc, pamiętaj, że nazwa odcinka zawiera chińskie słowo, które można przetłumaczyć jako „bohater”. Wpływ azjatycki na postęp techniczny uznany za artystę.

Longo tworzy szalone miasto, w którym nigdy nie świeci słońce (środowisko jest złe - nad miastem znajduje się specjalna kopuła), społeczeństwo podzielone jest na odnoszących sukcesy urzędników z korporacji i umierających na choroby żebraków ze slumsów.

Bohaterowie korzystają z różnorodnej broni – od ogromnych futurystycznych pistoletów, noży i kusz po granatniki. Broń - ważny temat dla Roberta Longo (pamiętajcie jego projekt Bodyhammmers and Death Star, 1993).

Wizualnie film jest przyjemny dla oka. Są stylowe, zaśmiecone plany dymiących tuneli i ulic przyszłych miast. Możesz zobaczyć przerażające i ciekawe ujęcie z odciętymi palcami i warzywami na desce do krojenia. Albo góra włączonych ekranów telewizyjnych, uosabiająca szaleństwo społeczeństwa informacyjnego.

Ujęcie rzędu telewizorów z zakłóceniami, przed którymi znajdują się puste ramki, daje do myślenia - telewizor znajduje się teraz w ramie sztuki. Artysta Longo tworzy coś z części Kultura popularna. W wywiadzie opowiada, że ​​pod koniec lat 70., na początku 80 galerie sztuki były martwą przestrzenią, miejscem inspiracji były kluby rockowe i stare kina. Ta kultura była źródłem pożywienia w dniu artysty.

Pokazuje jedna ze scen Klub nocny przyszłości - kiczowate fryzury, szalony makijaż, dziwni ludzie, tańczący do rockowej arii, androgyniczni ochroniarze, barman z żelazną, mechaniczną ręką itp. Buntownicy z Lotexu też wyglądają śmiesznie – noszą dredy, tatuaże na twarzach, sami są brudni i nietowarzyscy. A w swojej bazie trzymają inteligentnego delfina o imieniu Jones (swoją drogą, ten inteligentny delfin był pierwotnie narkomanem, ale później wycięto scenę z delfinem zażywającym narkotyki). Owszem, miejscami to niepohamowany badziew, ale jednak wpisuje się w klimat filmu, w klimat cyberpunku.

Możesz nawet spróbować przeanalizować film za pomocą . Johnny Mnemonic chce dowiedzieć się, kim jest. Przypomnienie sobie czegoś. Budzić się. Ostatecznie Johnny staje przed wyborem – dowiaduje się, że w jego głowie kryje się przepis na lekarstwo na czarną febrę, które może uratować życie milionów ludzi.

Kluczowy monolog bohatera granego przez Keanu Reevesa – Johnny’ego: „Przez całe życie starałem się nie wychodzić ze swojego kąta, nie miałem żadnych problemów. Dla mnie wystarczająco! Nie chcę znaleźć się na śmietniku, wśród zeszłorocznych gazet i bezdomnych psów. Chcę dobrej obsługi! Chcę wypraną koszulę z hotelu w Tokio!” Johnny radzi sobie sam ze sobą, ratuje ludzkość, odnajduje swoją miłość – piękną ubraną w kolczugę cyborga rockową wojowniczkę Jane (Dina Meyer) i dowiaduje się, kim jest. Wróciła mu pamięć. Przestał być ślepym naczyniem wiedzy innych ludzi.

Matką Johnny'ego okazuje się Anna Kalman, założycielka korporacji Farmakom, która zmarła kilka lat temu, ale nadal żyje w cybernecie. Matkę Johnny'ego grała żona Roberta Longo, Barbara Zukova. Tym bardziej Longo jako reżyser jest tym bardziej słusznie ojcem filmowego bohatera.

Kwestię pracowników umysłowych – osób z urzędów – Longo poruszał już w swoim artykule słynny projekt– „Ludzie w miastach”. Johnny'ego można postrzegać jako jednego z tych „miejskich facetów”.

Film miał bardzo aktywną promocję – sprzedawano produkty towarzyszące (t-shirty itp.), uruchomiono stronę internetową w Internecie, a także gra komputerowa na podstawie filmu, a Gibson pojawiał się nawet na różnych spotkaniach z zawodnikami i widzami. Jednak to nawet nie pomogło odzyskać budżetu. Film, który był szeroko rozpowszechniany w Stanach Zjednoczonych, zarobił 19 milionów dolarów. Czy to prawda, kultowy film„Łowca androidów” Ridleya Scotta również poniósł porażkę kasową.

Wydaje nam się, że film „Johnny Mnemonic” ważny kamień milowy. Później bracia Wachowscy cytowali go tworząc trylogię „Matrix” (nazwisko „Smith”, czarne garnitury, cyberprzestrzeń, Keanu Reeves w Wiodącą rolę– walka, ucieczka, medytacja, praktyki zen itp.).

William Gibson porównał doświadczenie kręcenia filmu do wzięcia prysznica w płaszczu przeciwdeszczowym i próby filozofowania alfabetem Morse'a. Longo mówi w wywiadzie, że było to przydatne doświadczenie, ale często nie wiedział, jak ustawić te „cholerne kamery” i musiał na oczach wszystkich pokazać, czego chce od aktorów plan filmowy z 50 osób.

Zabawne jest to, że większość osób z rosyjskojęzycznej części Internetu zna Longo tylko z tego filmu. Oto na przykład jeden z typowych komentarzy na temat „Mnemoniki”: „ Film wyreżyserował Robert Longo, który poza tym właściwie nic innego nie zrobił, ale jego nazwiska nie da się zapomnieć dzięki temu filmowi».

Longo, jako postmodernista, nie chce dokonać rozróżnienia pomiędzy . Wprowadza do głównego nurtu undergroundowy gatunek cyberpunku. Johnny Mnemonic to wspaniały i klimatyczny przykład cyberpunku. To dobrze zrobiony film mainstreamowy. Ale to nie jest tak głupie, jak się wydaje na pierwszy rzut oka.

Aplikacja:

Obrazy morderczych księży.

1. Kaznodzieja Carl, cyborg z Johnny'ego Mnemonic.

1. Alexander Anderson, postać stworzona przez Mangękę (autor Japońskie komiksy) Koto Hirano. Anderson jest pracownikiem trzynastego wydziału Watykanu – organizacji Iskariot w uniwersum mangi i anime „Hellsing”. Negatywny charakter.

1. Nicholas D. Wolfwood, znany jako Nicholas the Punisher, to postać stworzona przez artystę mangowego Yasuhiro Naito, autora mangi Trigun. Kapłan dzierżący dużą broń w kształcie krzyża. Pozytywny charakter.