Historia życia Picassa. Poglądy polityczne Picassa

Pabla Ruiza i Picassa, pełne imię i nazwisko - Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz i Picasso (w języku rosyjskim wersja z naciskiem na francuską manierę Picassa, w języku hiszpańskim. Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso; 25 października 1881 (18811025), Malaga, Hiszpania – 8 kwietnia 1973, Mougins, Francja) – hiszpański i Artysta francuski, rzeźbiarz, grafik, artysta teatralny, ceramik i projektant.

Twórca kubizmu (wraz z Georgesem Braque'em i Juanem Grisem), w którym trójwymiarowa bryła została w oryginalny sposób przedstawiona jako szereg połączonych ze sobą płaszczyzn. Picasso pracował dużo jako grafik, rzeźbiarz, ceramik itp. Powołał do życia wielu naśladowców i miał wyjątkowy wpływ na rozwój sztuk pięknych XX wieku. Według oceny Muzeum Sztuka współczesna(Nowy Jork) Picasso stworzył w swoim życiu około 20 tysięcy dzieł.

Przez oceny ekspertów Picasso jest najdroższym artystą świata: w 2008 roku oficjalna sprzedaż jego dzieł wyniosła 262 miliony dolarów. 4 maja 2010 roku Akt, zielone liście i popiersie Picassa, sprzedane w Christie's za 106 482 000 dolarów, stały się najbardziej kosztowna praca sztuka ówczesnego świata.

11 maja 2015 roku na aukcji Christie's padł nowy absolutny rekord liczby dzieł sztuki sprzedanych na aukcji publicznej – obraz Pabla Picassa „Algierskie kobiety (wersja O)” został sprzedany za rekordową kwotę 179 365 000 dolarów.

Według ankiety przeprowadzonej przez gazetę The Times w 2009 roku wśród 1,4 miliona czytelników, Picasso: najlepszy artysta wśród tych, którzy żyli w ciągu ostatnich 100 lat. Ponadto jego obrazy zajmują pierwsze miejsce pod względem „popularności” wśród złodziei.

Dzieciństwo i lata nauki

Zgodnie z hiszpańską tradycją Picasso otrzymał dwa nazwiska od pierwszych nazwisk swoich rodziców: ojca – Ruiza i matki – Picasso. Pełne imię i nazwisko, Który przyszły artysta otrzymane na chrzcie - Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano (Crispiniano) de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz i Picasso. Nazwisko matki Picassa, pod którym artysta zasłynął, ma włoskie pochodzenie: pradziadek matki Picassa, Tommaso, przeprowadził się do Hiszpanii w r. początek XIX wieku z miasta Sori w prowincji Genua. W domu przy placu Merced w Maladze, w którym urodził się Picasso, mieści się obecnie dom-muzeum artysty i fundacja nosząca jego imię.

Picasso zaczął rysować od dzieciństwa, pierwsze lekcje artystyczne pobierał u swojego ojca, nauczyciela plastyki José Ruiza Blasco, i wkrótce odniósł w tym duży sukces. W wieku 8 lat namalował swój pierwszy poważny obraz olejny, pt. "Pikador" z którym nie rozstał się przez całe życie.

W 1891 roku Don José otrzymał posadę nauczyciela plastyki w A Coruña, a młody Pablo wraz z rodziną przeniósł się do północnej Hiszpanii, gdzie studiował w miejscowej szkole artystycznej (1894-1895).

Następnie rodzina przeniosła się do Barcelony, a w 1895 roku Picasso wstąpił do Szkoły Sztuk Pięknych La Lonja. Pablo miał zaledwie czternaście lat, więc był za młody, aby wstąpić do La Lonja. Jednak za namową ojca pozwolono mu przystąpić do egzaminów wstępnych na zasadach konkursowych. Picasso zdał wszystkie egzaminy śpiewająco i dostał się do La Lonja. Początkowo podpisywał się imieniem ojca Ruiza Blasco, ale potem wybrał nazwisko matki - Picasso.

Na początku października 1897 Picasso wyjechał do Madrytu, gdzie wstąpił do Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w San Fernando. Picasso wykorzystał swój pobyt w Madrycie głównie na szczegółowe zapoznanie się ze zbiorami Muzeum Prado, a nie na naukę w akademii o jej klasycznych tradycjach, gdzie Picasso czuł się ciasno i nudził.

Picasso wrócił do Barcelony w czerwcu 1898, gdzie wstąpił społeczeństwo artystyczne Els Quatre Gats, od nazwy artystycznej kawiarni z okrągłe stoły. W 1900 roku w tej kawiarni odbyły się jego dwie pierwsze wystawy osobiste. W Barcelonie zbliżył się do swoich przyszłych przyjaciół Carlosa Casajemasa i Jaime'a Sabartesa, którzy później stali się bohaterami jego obrazów.

Jako dziecko matka kładła syna do łóżka i zawsze czytała mu bajki, które sama wymyśliła, wykorzystując emocje z minionego dnia. Potem sam Pablo powiedział, że to właśnie te bajki zainspirowały go do tworzenia, wykorzystując te same emocje jednego dnia.

Okresy „niebieskie” i „różowe”.

W 1900 roku Picasso i jego przyjaciel, artysta Casajemas, udali się do Paryża, gdzie zwiedzili Wystawę Światową. To właśnie tam Pablo Picasso zetknął się z twórczością impresjonistów. Jego życie w tym czasie było najeżone wieloma trudnościami, a samobójstwo Carlosa Casajemasa głęboko wpłynęło na młodego Picassa.

W tych okolicznościach na początku 1902 roku Picasso zaczął malować w stylu, który później doprowadził do tego, że okres twórczości artysty w Barcelonie w latach 1903-1904 nazwano „niebieskim”. Dzieła tego czasu wyraźnie wyrażają tematykę starości i śmierci, charakteryzują się obrazami biedy, melancholii i smutku („Kobieta z kokiem”, 1903; Picasso wierzył: „ten, kto jest smutny, jest szczery”) ; ruchy ludzi są spowolnione, zdają się słuchać siebie („Pijak absyntu” 1901; „Kobieta z treską” 1901; „Randka” 1902; „Stary żebrak z chłopcem” 1903; „Tragedia, ”1903). W palecie mistrza dominują niebieskie odcienie. Przedstawiając ludzkie cierpienie, Picasso w tym okresie malował niewidomych, żebraków, alkoholików i prostytutki. Ich blade, nieco wydłużone ciała na obrazach przypominają dzieła Artysta hiszpański El Greco.

Dzieło okresu przejściowego - od „niebieskiego” do „różowego” - „Dziewczyna na balu” (1905, Muzeum Sztuk Pięknych, Moskwa).

W 1904 roku Picasso osiadł w Paryżu, gdzie znalazł schronienie w słynnym schronisku dla biednych artystów na Montmartre, Bateau Lavoir: rozpoczął się tak zwany „okres róż”, w którym smutek i bieda „ okres niebieski” zastąpiły obrazy z bardziej ożywionego świata teatru i cyrku. Artysta preferował odcienie różowo-złote i różowo-szare, a bohaterami byli głównie podróżujący performerzy – klauni, tancerze i akrobaci; obrazy tego okresu przesiąknięte są duchem tragicznej samotności pokrzywdzonych, romantycznego życia podróżujących komików („Rodzina akrobaty z małpą”, 1905).

Kubizm

Od eksperymentów z kolorem i oddaniem nastroju Picasso przeszedł do analizy formy: świadome deformowanie i niszczenie natury („Les Demoiselles d'Avignon”, 1907), jednostronna interpretacja systemu Cezanne’a i pasja do rzeźby afrykańskiej prowadzą go do zupełnie nowego gatunku. Wraz z Georgesem Braque’em, którego poznał w 1907 roku, Picasso zostaje twórcą kubizmu – kierunek artystyczny, który odrzucił tradycje naturalizmu i wizualno-poznawczą funkcję sztuki.

Picasso płaci Specjalna uwaga przekształcanie form w geometryczne bloki („Fabryka w Horta de Ebro”, 1909), zwiększanie i łamanie brył („Portret Fernandy Olivier”, 1909), rozbijanie ich na płaszczyzny i krawędzie, kontynuowanie w przestrzeni, którą sam uważa za bryłę , nieuchronnie ograniczony płaszczyzną obrazu („Portret Kahnweilera”, 1910). Zanika perspektywa, paleta zmierza w stronę monochromatyczności i choć pierwotnym celem kubizmu było odtworzenie poczucia przestrzeni i ciężkości brył w sposób bardziej przekonujący niż za pomocą tradycyjnych technik, obrazy Picassa często sprowadzane są do niezrozumiałych zagadek. Aby przywrócić kontakt z rzeczywistością, Picasso i Georges Braque wprowadzili do swoich obrazów czcionkę typograficzną, elementy „sztuczek” i szorstkie materiały: tapety, kawałki gazet, pudełka zapałek. Zaczynają dominować martwe natury, głównie z instrumentami muzycznymi, fajkami i pudełkami na tytoń, nutami, butelkami wina itp. - atrybuty wpisane w styl życia bohemy artystycznej początku stulecia. W kompozycjach pojawia się „tajemne pismo kubistyczne”: zaszyfrowane numery telefonów, numery domów, skrawki imion kochanków, nazwy ulic, sklepy z cukinią. Technika kolażu łączy fasety kubistycznego pryzmatu w duże płaszczyzny (Gitara i skrzypce, 1913) lub w spokojny i humorystyczny sposób przekazuje odkrycia dokonane w latach 1910-1913 (Portret dziewczyny, 1914). W okresie „syntetycznym” pojawia się także dążenie do harmonizacji kolorystycznej, równoważonej kompozycjami czasami mieszczącymi się w owalu. Właściwy okres kubizmu w twórczości Picassa kończy się wkrótce po wybuchu I wojny światowej, która oddzieliła go od Georgesa Braque’a. Choć w swoich znaczących dziełach artysta aż do 1921 roku sięga po techniki kubistyczne („Trzej muzycy”, 1921).

Balet rosyjski

Pablo Picasso, karykatura Erika Satie. (1920)

We wrześniu 1916 roku pisarz i scenarzysta Jean Cocteau i kompozytor Erik Satie namawiają Picassa do udziału w produkcji nowatorskiego „surrealistycznego” baletu „Parada” dla Baletu Rosyjskiego Siergieja Diagilewa. Picasso jest poważnie urzeczony ideą tego baletu, angażuje się w pracę i we współpracy z Satie całkowicie przerabia zarówno scenariusz, jak i scenografię. Miesiąc później wyjeżdża z całą trupą Baletów Rosyjskich na dwa miesiące do Rzymu, gdzie tworzy scenografię, kostiumy, spotyka się z choreografem Parady Leonidem Myasinem i wieloma Tancerze baletu Rosyjska trupa. Manifest otwarcia spektaklu „Parada”, „...bardziej prawdomówny niż sama prawda”, pisał Guillaume Apollinaire wiosną 1917 roku, ogłaszając go z góry zwiastunem „nowego ducha” w sztuce. Diagilew świadomie postawił na wielką prowokację i przygotował ją wszelkimi dostępnymi środkami. Stało się dokładnie tak, jak planował. Ogromny skandal 18 maja 1917 roku, które odbyło się podczas premiery (i jedynego przedstawienia) tego baletu w Teatrze Chatelet, przyczyniło się w znacznym stopniu do wzrostu popularności Picassa w szerokie koła Elita paryska. Publiczność na sali niemal przerwała występ krzycząc „Rosjanin Boches, precz z Rosjanami, Satie i Picasso Boches!” Doszło nawet do bójki. Prasa oszalała, krytycy uznali Balet Rosyjski za niemal zdrajcę, demoralizując społeczeństwo francuskie na tyłach podczas trudnej i nieudanej wojny. Oto tylko jedna z odkrywczych w swoim tonie recenzji, która ukazała się dzień po premierze „Parady”. Swoją drogą autor tego artykułu wcale nie był jakimś marginalnym krytykiem, ale całkowicie szanowanym Leo Poldesem, właścicielem Club du Faubourg...

Antyharmonijny, psychotyczny kompozytor maszyn do pisania i grzechotek Erik Satie dla własnej przyjemności posmarował błotem reputację Baletu Rosyjskiego, wywołując skandal,<…>w czasach, gdy utalentowani muzycy pokornie czekają, żeby ich zagrać... A geometryczny kundel i brudas Picasso wspiął się na pierwszy plan sceny, a utalentowani artyści pokornie czekają, żeby zostać wystawionym na pokaz.

Diagilew był niezwykle zadowolony z uzyskanego efektu. Współpraca Picassa z Baletami Rosyjskimi była aktywnie kontynuowana także po Paradzie (scenografia i kostiumy do „Kapeluszu zakrzywionym” Manuela de Falli, 1919). Nowa forma działania, jasne obrazy sceniczne i duże obiekty ożywiają jego zainteresowanie dekoracyjnością i fabułą teatralną.

Podczas rzymskich przygotowań do parady Picasso poznał baletnicę Olgę Khokhlową, która została jego pierwszą żoną. 12 lutego 1918 roku pobrali się w rosyjskim kościele w Paryżu, a świadkami ich ślubu byli Jean Cocteau, Max Jacob i Guillaume Apollinaire. Rodzi się ich syn Paulo (4 lutego 1921).

Euforyczna i konserwatywna atmosfera powojennego Paryża, małżeństwo Picassa z Olgą Khokhlovą, sukces artysty w społeczeństwie – wszystko to częściowo wyjaśnia powrót do figuratywności, tymczasowej, a zresztą względnej, ponieważ Picasso nadal malował przy tym wyraźne kubistyczne martwe natury czasu („Mandolina i gitara”, 1924).

Surrealizm

W 1925 roku rozpoczął się jeden z najtrudniejszych i nierównych okresów w twórczości Picassa. Po epikurejskim wdzięku lat dwudziestych („Taniec”) Picasso tworzy atmosferę konwulsji i histerii, surrealistyczny świat halucynacji, który po części można wytłumaczyć wpływem surrealistycznych poetów, przejawiającym się w niektórych rysunkach, wierszach pisanych w 1935 oraz spektakl teatralny powstały w czasie wojny. Przez kilka lat wyobraźnia Picassa zdawała się tworzyć jedynie potwory, jakieś stworzenia rozszarpane („Siedząca kąpiąca się”, 1929), krzyczące („Kobieta na krześle”, 1929), nadęte do granic absurdu i bezkształtne ( „Kąpiący się”, rysunek, 1927) lub ucieleśniający obrazy metamorficzne i agresywnie erotyczne („Figury na brzegu”, 1931). Pomimo kilku spokojniejszych dzieł, najważniejszych pod względem malarskim, stylistycznie był to okres bardzo zmienny („Dziewczyna przed lustrem”, 1932). Głównymi ofiarami jego okrutnych, nieświadomych kaprysów pozostają kobiety, być może dlatego, że sam Picasso nie dogadywał się ze swoimi własną żonę lub ponieważ proste piękno Do otwartej zmysłowości zainspirowała go Marie-Therese Walter, którą poznał w marcu 1932 roku (Mirror, 1932). Stała się także wzorem dla kilku spokojnych i majestatycznych rzeźbiarskich popiersi wykonanych w 1932 roku w Château de Boisgeloup, który nabył w 1930 roku. W latach 1930–1934 w rzeźbie wyrażona została cała witalność Picassa: popiersia i akty kobiece, w których czasami zauważalny jest wpływ Matisse’a („Leżąca kobieta”, 1932), zwierzęta, małe postacie w duchu surrealizmu („ Człowiek z bukietem”, 1934), a zwłaszcza konstrukcje metalowe, które mają na wpół abstrakcyjne, na wpół realne formy, a czasem wykonane są z szorstkich materiałów (tworzy je przy pomocy swojego przyjaciela, hiszpańskiego rzeźbiarza Julio Gonzaleza – „Konstrukcja” , 1931). Oprócz tych dziwnych i ostrych form ryciny Picassa przedstawiające Metamorfozy Owidiusza (1930) świadczą o ciągłości jego klasycznych inspiracji.

„Guernica” i pacyfizm

W 1937 roku sympatie Picassa stanęły po stronie Republikanów walczących w Hiszpanii (serię akwatint „Sny i kłamstwa generała Franco”, wydrukowanych w formie pocztówek, rozrzucono z samolotów nad pozycjami frankistów). W kwietniu 1937 roku niemieckie i włoskie samoloty zbombardowały i zniszczyły małe baskijskie miasteczko Guernica – kulturalne i polityczne centrum życia tego miłującego wolność narodu. W ciągu dwóch miesięcy Picasso stworzył „Guernicę” – ogromne płótno, które zostało wystawione w Pawilonie Republikanów w Hiszpanii Targi Światowe w Paryżu. Jasne i ciemne, monochromatyczne kolory zdają się oddawać wrażenie błysków ognia. W centrum kompozycji niczym fryz, w kombinatoryce elementów kubistyczno-surrealistycznych, ukazano poległego wojownika, podbiegającą do niego kobietę i rannego konia. Tematowi przewodniemu towarzyszą wizerunki płaczącej kobiety z martwym dzieckiem i bykiem za nią oraz postać kobieca w płomieniu z uniesionymi ramionami. W ciemność małego placu, nad którym wisi latarnia, wyciąga się długie ramię z lampą jako symbol nadziei.

Przerażenie, jakie ogarnęło Picassa wobec groźby barbarzyństwa wiszącego nad Europą, jego lęku przed wojną i faszyzmem, artysta nie wyraził wprost, ale nadał swoim obrazom niepokojący ton i mrok („ Wędkarstwo nocą w Antibes”, 1939), sarkazm, gorycz, które nie dotyczyły tylko portretów dziecięcych („Maja i jej lalka”, 1938). Po raz kolejny głównymi ofiarami tego ogólnego mroku były kobiety. Wśród nich jest Dora Maar, z którą artystka zbliżyła się w 1936 roku Piękna twarz które deformował i zniekształcał grymasami („Płacząca kobieta”, 1937). Nigdy wcześniej mizoginia artysty nie była wyrażana z taką goryczą; zwieńczeni śmiesznymi kapeluszami, twarze ukazane z przodu i z profilu, dzikie, zmiażdżone, rozcięte ciała, spuchnięte do potwornych rozmiarów, a ich części połączone w burleskowe formy („Poranna Serenada”, 1942). Okupacja niemiecka nie mogła przestraszyć Picassa: przebywał w Paryżu od 1940 do 1944 roku. Nie osłabiło to także jego działalności: portrety, rzeźby („Człowiek z barankiem”), skromne martwe natury, które czasem z głęboką tragedią wyrażają całą beznadziejność epoki („Martwa natura z czaszką byka”, 1942).

W 1944 Picasso wstąpił do Francuskiej Partii Komunistycznej. Humanistyczne poglądy Picassa są widoczne w jego pracach. W 1950 roku namalował słynną „Gołębicę Pokoju”.

Po wojnie

Powojenną twórczość Picassa można nazwać szczęśliwą; zbliża się do Françoise Gilot, którą poznał w 1945 roku i która urodzi mu dwójkę dzieci, stając się bohaterami jego wielu urokliwych obrazów rodzinnych. Opuszcza Paryż i udaje się na południe Francji, odkrywa radość słońca, plaży i morza. Prace powstałe w latach 1945-1955, utrzymane w duchu śródziemnomorskim, charakteryzują się atmosferą pogańskiej sielanki i powrotem do antycznych nastrojów, co znajduje wyraz w obrazach i rysunkach powstałych pod koniec 1946 roku w salach Muzeum Muzeum Antibes, które później stało się Muzeum Picassa („Radość życia”).

Jesienią 1947 Picasso rozpoczął pracę w fabryce Madura w Vallauris; Zafascynowany problematyką rzemiosła i pracy fizycznej sam wykonuje wiele naczyń, talerzy dekoracyjnych, antropomorficznych dzbanków i figurek zwierząt (Centaur, 1958), czasem nieco archaicznych w manierze, ale zawsze pełnych uroku i dowcipu. Szczególne znaczenie w tym okresie miały rzeźby („Kobieta w ciąży”, 1950). Niektóre z nich („Koza”, 1950; „Małpa z dzieckiem”, 1952) wykonane są z przypadkowych materiałów (brzuch kozy wykonany jest ze starego kosza) i stanowią arcydzieła techniki assemblingowej. W 1953 roku Françoise Gilot i Picasso rozstali się. Był to początek poważnego kryzysu moralnego artysty, którego odzwierciedleniem jest niezwykły cykl rysunków powstałych od końca 1953 do końca zimy 1954; Picasso na swój sposób, w sposób zagadkowy i ironiczny, wyraził w nich gorycz starości i swój sceptycyzm wobec samego malarstwa. W Vallauris artysta rozpoczął cykl w 1954 roku obrazy portretowe„Sylweta”. W tym samym roku Picasso poznał Jacqueline Roque, która w 1958 roku została jego żoną i zainspirowała serię portretów posągów. W 1956 roku na francuskich ekranach ukazał się film dokumentalny o artyście „Sakrament Picassa”.

Prace ostatnich piętnastu lat twórczości artysty są bardzo różnorodne i nierówne pod względem jakościowym („Warsztat w Cannes”, 1956). Można jednak podkreślić hiszpańskie źródło inspiracji („Portret artysty na wzór El Greco”, 1950) i elementy tauromachii (Picasso był zagorzałym fanem walk byków, popularnych na południu Francji), wyrażone w rysunkach i akwarelach w duchu Goi (1959-1968). Seria interpretacji i wariacji na temat słynnych obrazów „Dziewczyny nad brzegiem Sekwany” naznaczona jest poczuciem niezadowolenia z własnej twórczości. Po Courbecie” (1950); „Algierskie kobiety. Według Delacroix” (1955); „Las Meninas.” Według Velazqueza” (1957); „Śniadanie na trawie. Po Manecie” (1960).

Picasso zmarł 8 kwietnia 1973 roku w Mougins (Francja) w swojej willi Notre-Dame de Vie. Został pochowany w pobliżu należącego do niego zamku Vovenart.

W ZSRR

W ZSRR twórczość Picassa była postrzegana niejednoznacznie. Według słynnego krytyka sztuki I. N. Gołomsztoka:

Dla artystów socrealizmu - naukowców, członków zarządu Moskiewskiego Związku Artystów - Picasso był być może głównym wrogiem. Z jednej strony był komunistą, postacią postępową, bojownikiem o pokój i dotykanie go było niebezpieczne; z drugiej strony… Nie chodzi o to, że z ich punktu widzenia był „burżuazyjnym formalistą”, z tym można się jeszcze pogodzić, najważniejsze, że był Wielki mistrz, a w porównaniu z jego dziełami wszystkie wielkie osiągnięcia Sztuka radziecka wyblakły i cofnęły się o stulecie. Dla wprawnego oka było to widoczne na pierwszy rzut oka, dla niewprawnego – na drugi. Nie można było się z tym pogodzić, a walka z Picassem poszła w różnych kierunkach.

Rodzina

Pablo Picasso był dwukrotnie żonaty:

o Oldze Khokhlovej (1891-1955) - w latach 1917-1935
- syn Paulo (1921-1975)
na Jacqueline Rock (1927-1986) - w latach 1961-1973 bez dzieci, wdowa po Picassa, popełniła samobójstwo
- adoptowana córka Catherine Hutin-Blay (ur. 1952)

Ponadto miał nieślubne dzieci:

od Marie-Therese Walter:
- córka Maja (ur. 1935)
od Françoise Gilot (ur. 1921):
- syn Claude (ur. 1947)
- córka Paloma (ur. 1949) – francuska projektantka

Nagrody

Laureat Międzynarodówki Nagroda Lenina„O umocnienie pokoju między narodami” (1962).

Pamięć

W Barcelonie otwarto Muzeum Picassa. W 1960 r bliski przyjaciel a asystent Picassa, Jaime Sabartes i Gual, postanawia przekazać swoją kolekcję dzieł Picassa i zorganizować muzeum Picassa. 9 maja 1963 roku w gotyckim pałacu Berenguer de Aguilar otwarto muzeum zwane Kolekcją Sabartes. Muzeum Picassa zajmuje pięć rezydencji na Montcada Meca, Berenguer d'Aguilar, Mauri, Finestres i Baro de Castellet. Muzeum otwarte w 1968 roku powstało w oparciu o kolekcję przyjaciela Picassa, Jaime'a Sabartesa. Po śmierci Sabartesa Picasso na znak swojej miłości do miasta i oprócz ogromnego testamentu Sabartesa przekazał w 1970 roku do muzeum około 2450 dzieł (płócien, rycin i rysunków) oraz 141 dzieł ceramiki. Stałą kolekcję muzeum stanowi ponad 3500 dzieł Picassa.
W 1985 roku w Paryżu otwarto Muzeum Picassa (Hotel Salé); obejmowały one dzieła przekazane przez spadkobierców artysty – ponad 200 obrazów, 158 rzeźb, kolaży oraz tysiące rysunków, grafik i dokumentów, a także osobistą kolekcję Picassa. Nowe dary od spadkobierców (1990) wzbogaciły paryskie Muzeum Picassa, Miejskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu i kilka muzeów prowincjonalnych (obrazy, rysunki, rzeźby, ceramika, ryciny i litografie). W 2003 roku w jego rodzinnym mieście Maladze otwarto Muzeum Picassa.
Jego rolę w filmie Jamesa Ivory'ego Living with Picasso (1996) zagrał Anthony Hopkins.
Kilka modeli samochodów Citroëna nosi imię Picassa.

W filatelistyce

Znaczki pocztowe ZSRR

1973

1981

Dane

W 2006 roku właściciel kasyna Steve Wynn, który w latach 90. kupił „Sen” Picassa za 48,4 miliona dolarów, zgodził się sprzedać to kubistyczne arcydzieło amerykańskiemu kolekcjonerowi Stevenowi Cohenowi za 139 milionów dolarów. Transakcja nie doszła do skutku, ponieważ Wynn, cierpiący na wadę wzroku i słaby wzrok, odwrócił się niezdarnie i przebił płótno łokciem. Sam nazwał to wydarzenie „najbardziej niezdarnym i głupim gestem na świecie”. Po renowacji obraz został wystawiony na aukcję w Christie’s, gdzie 27 marca 2013 roku Cohen kupił go za 155 milionów dolarów. Według Bloomberga wówczas tak było maksymalna ilość, opłacona za dzieło sztuki przez amerykańskiego kolekcjonera.
Wiosną 2015 roku obraz Picassa „Algierskie kobiety” (francuski Les Femmes d „Algers) został sprzedany w Nowym Jorku za 179 milionów dolarów, stając się najdroższym obrazem, jaki kiedykolwiek sprzedano na aukcji.

Periodyzacja

Lista obrazów namalowanych przez Picassa według okresów jego twórczości.

Wczesny okres

„Pikador”, 1889
„Pierwsza Komunia”, 1895-1896.
„Dziewczyna bosa. Fragment”, 1895
„Autoportret”, 1896
„Portret matki artysty”, 1896
„Wiedza i miłość”, 1897
„Matador Luis Miguel Domingen”, 1897
„Lola, siostra Picassa”, 1899
„Hiszpańska para przed hotelem”, 1900 rok

Okres „niebieski”.

„Pijący absynt”, 1901
„Wygięty arlekin”, 1901
„Kobieta z treską”, 1901 r
„Śmierć Casagemasa”, 1901
„Autoportret w okresie niebieskim”, 1901
„Portret handlarza dziełami sztuki Pedro Manachy”, 1901
„Kobieta w niebieskim kapeluszu”, 1901 r
„Kobieta z papierosem”, 1901 r
„Smakosz”, 1901
„Absynt”, 1901
„Data (dwie siostry)”, 1902
„Głowa kobiety”, 1902-1903.
„Stary gitarzysta”, 1903
„Śniadanie niewidomego”, 1903
„Życie”, 1903
„Tragedia”, 1903
„Portret Solera”, 1903
„Żebrak z chłopcem”, 1903 r
„Asceta”, 1903
„Kobieta z wroną”, 1904
„Kataloński rzeźbiarz Manolo (Manuel Hugo)”, 1904
„Prasownica”, 1904

Okres „różowy”.

„Dziewczyna na balu”, 1905
„W kabarecie Lapin Agil czyli Arlekin z kieliszkiem”, 1905
„Arlekin siedzący na czerwonej ławce”, 1905
„Akrobaci (matka i syn)”, 1905
„Dziewczyna w koszuli”, 1905 r
„Rodzina komediantów”, 1905
„Dwóch braci”, 1905
„Dwóch młodych mężczyzn”, 1905
„Akrobata i młody arlekin”, 1905
„Magik i martwa natura”, 1905
„Dama z wachlarzem”, 1905
„Dziewczyna z kozą”, 1906
„Chłopi. Kompozycja”, 1906
„Naga młodzież”, 1906
„Wyroby szklane”, 1906
„Chłopiec prowadzący konia”, 1906 r
„Toaleta”, 1906
„Strzyżenie”, 1906
„Autoportret z paletą”, 1906

Okres „afrykański”.

„Portret Gertrudy Stein”, 1906
„Les Demoiselles d'Avignon”, 1907
„Autoportret”, 1907
„Naga kobieta (obraz do biustu)”, 1907
„Taniec z welonami”, 1907
„Głowa kobiety”, 1907
„Głowa mężczyzny”, 1907

Kubizm

„Siedząca kobieta”, 1908
„Przyjaźń”, 1908
„Zielona miska i czarna butelka”, 1908
„Garnek, szkło i książka”, 1908
„Puszka i miski”, 1908
„Kwiaty w szarym dzbanku i szklance z łyżeczką”, 1908
„Pani rolnika”, 1908
„Driada”, 1908
„Trzy kobiety”, 1908
„Kobieta z wachlarzem”, 1908 r
„Dwa akty”, 1908
„Kąpiel”, 1908
„Bukiet kwiatów w szarym dzbanku”, 1908
„Portret Fernarda Oliviera”, 1909
„Chleb i miska owoców na stole”, 1909
„Kobieta z mandoliną”, 1909
„Człowiek ze skrzyżowanymi rękami”, 1909
„Kobieta z wachlarzem”, 1909 r
„Akt”, 1909
„Wazon, owoce i szkło”, 1909
„Młoda Dama”, 1909 r
„Fabryka w Horta de San Juan”, 1909
„Akt”, 1910
„Portret Daniela-Henry’ego Kaweilera”, 1912
„Martwa natura z wiklinowym krzesłem”, 1911-1912
„Skrzypce”, 1912
„Akt, kocham Ewę”, 1912
„Restauracja: Indyk z truflami i winem”, 1912
„Butelka Pernodu (stolik kawiarniany)”, 1912 r
„Instrumenty muzyczne”, 1912
„Tawerna (szynka)”, 1912 r
„Skrzypce i gitara”, 1913
„Klarnet i skrzypce”, 1913
„Gitara”, 1913
„Hazardzista”, 1913-1914
"Kompozycja. Wazon z owocami i ciętą gruszką”, 1913-1914
„Miska owoców i kiść winogron”, 1914
„Portret Ambroise’a Vollarda”, 1915
„Arlekin”, 1915
„Polchenelle z gitarą przed kurtyną”, 1919
„Trzej muzycy lub muzycy zamaskowani”, 1921
„Trzej muzycy”, 1921
„Martwa natura z gitarą”, 1921

Okres „klasyczny”.

„Portret Olgi w fotelu”, 1917
„Szkic sceniczny do baletu „Parada””, 1917
„Arlekin z gitarą”, 1917
„Pierrot”, 1918
„Kąpiący się”, 1918
„Martwa natura”, 1918
„Martwa natura z dzbankiem i jabłkami”, 1919
„Martwa natura”, 1919
„Śpiący chłopi”, 1919 r
„Gitara, butelka, miska na owoce i szklanka na stole”, 1919
„Trzej Tancerze”, 1919-1920
„Grupa tancerzy. Na pierwszym planie leży Olga Khokhlova”, 1919-1920.
„Juan-les-Pins”, 1920
„Portret Igora Strawińskiego”, 1920
„Czytanie listu”, 1921
„Matka i Dziecko”, 1922
„Kobiety biegające po plaży”, 1922
„Klasyczna głowa”, 1922
„Portret Olgi Picasso”, 1922-1923
„Taniec wiejski”, 1922-1923
„Portret dziecięcy Paula Picassa”, 1923
„Kochankowie”, 1923
„Fajka Pana”, 1923
„Siedzący arlekin”, 1923
„Pani Olga Picasso”, 1923
„Matka Picassa”, 1923
„Olga Khokhlova, pierwsza żona Picassa”, 1923
„Paweł w kostiumie arlekina”, 1924
„Paweł w stroju pierrota”, 1925 r
„Trzy Gracje”, 1925

Surrealizm

„Taniec”, 1925
„Kąpiel otwierający kabinę”, 1928

„Akt na plaży”, 1929
„Akt na plaży”, 1929
„Akt w fotelu”, 1929
„Akrobata”, 1930 r
„Ukrzyżowanie”, 1930
„Postacie na plaży”, 1931
„Dziewczyna rzucająca kamieniem”, 1931 r
„Akt i martwa natura”, 1931
„Sen”, 1932 (o obrazie „Le Rêve” mowa powyżej w „Ciekawoskach”)
„Akt w fotelu”, 1932
„Martwa natura - popiersie, miska i paleta”, 1932
„Kobieta z kwiatem”, 1932

Wojna. Guernika

„Guernica”, 1937
„Płacząca kobieta”, 1937
„Ranny ptak i kot”, 1938
„Nocne wędkowanie w Antibes”, 1939
„Martwa natura z czaszką byka”, 1942
„Krypta”, 1944-1945.
„Martwa natura”, 1945

Po wojnie

„Portret Franciszki”, 1946
„Kobieta na krześle I”, 1948
„Claude, syn Picassa”, 1948
„Kobieta z zielonymi włosami”, 1949
„Paloma i Claude, dzieci Picassa”, 1950
„Paloma z celuloidową rybą”, 1950
„Françoise Gilot z Claudem i Palomą”, 1951
„Françoise, Claude i Paloma”, 1951
„Rycerz, Page i Mnich”, 1951
„Portret Sylwety”, 1954

Później działa

„Jacqueline z kwiatami”. 1954 Olej na płótnie. 116x88,5cm.
„Jacqueline Rock”, 1954
„Jacqueline Rock”, 1955 r
„Jacqueline w stroju tureckim”. 1955 Olej na płótnie
„Algierskie kobiety. Według Delacroix.” 1955 Olej na płótnie. 114x146cm
„Paloma Picasso”, 1956
„Warsztaty Kalifornijskie w Cannes”, 1956
„Jacqueline w pracowni”, 1956
„Gołębie”, 1957
„Las Meninas.” Według Velazqueza”, 1957. Olej na płótnie. 194x260cm.
„Jacqueline Rock”, 1957 r
„Jacqueline w studiu”. 1957 Olej na płótnie
„Król Minotaurów”, 1958
„Akt monolityczny”, 1958
„Akt na krześle”, 1959
„Akt na krześle z butelką wody Evian, szklanką i butami”, 1959
„Jacqueline de Vauvenargues”, 1959
„Vauvenargues w deszczu”, 1959. Olej na płótnie.
„El Bobo”, 1959
„Naga królowa Amazonii ze służącą”, 1960
„Jacqueline”, 1960
„Portret siedzącej kobiety”, 1960
„Śniadanie na trawie. Zdaniem Maneta”, 1960, sierpień. Płótno, olej. 129x195 cm Muzeum Picassa, Paryż.
„Śniadanie na trawie. Według Maneta”, 1961
„Kobieta”, 1961
„Przemoc wobec Sabinek” („Gwałt na Sabinkach”), 1962-1963. Płótno, olej.
„Artysta i model”, 1963
„Akt siedzący na krześle 2”, 1965
„Nagi mężczyzna i kobieta”, 1965
„Serenada”, 1965
„Sikanie”, 1965
„Mężczyzna, matka i dziecko II”, 1965
„Portret Jacqueline”, 1965
„Siedzący mężczyzna (autoportret)”, 1965
„Śpiąca”, 1965
„Artysta i model”, 1965
„Rysowanie aktu na krześle”, 1965
„Popiersie brodatego mężczyzny”, 1965
„Serenada”, 1965
„Głowa mężczyzny”, 1965
„Akt siedzący na krześle 1”, 1965
„Kot i homar”, 1965
"Sceneria. Mąż. 1”, 1965
„Modelka w Pracowni 3”, 1965
„Siedząca naga kobieta”, 1965
„Głowa kobiety”, 1965
„Artysta w kapeluszu”, 1965
„Modelka w Pracowni 1”, 1965
„Głowa brodatego mężczyzny”, 1965
„Popiersie mężczyzny”, 1965
„Dziewczyny”, 1965
„Głowa kobiety”, 1965
„Modelka w Pracowni 3”, 1965
„Głowa kobiety”, 1965
„Homar i kot”, 1965
„Dwóch nagich mężczyzn i siedzące dziecko”, 1965
„Jeźdźcy w cyrku”. 1967 Olej na płótnie
"Muszkieter". 1967 Olej na płótnie 81x65 cm
„Popiersie matadora 1”, 1970
„Popiersie kobiety 1”, 1970
„Człowiek z wąsami”, 1970
Popiersie kobiety 2, 1970
„Głowa mężczyzny 2”, 1970
„Charakter”, 1970
„Mężczyzna i kobieta z bukietem”, 1970
„W objęciach”, 1970
„Portret mężczyzny w szarym kapeluszu”, 1970
„Głowa Arlekina”, 1971
„Dwa”, 1973

Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Mártir Patricio Ruiz i Picasso (1881 -1973) - wielki hiszpański artysta i najbardziej prowokacyjny malarz XX wieku Pablo Picas dożył 91 lat. Pozostawił niezatarty ślad w niemal wszystkich dziedzinach sztuki współczesnej.

BIOGRAFIA PABLO PICASSO

Urodził się w 1881. Pablo przyjął nazwisko matki, gdyż nazwisko ojca – Ruiz – było bardzo popularne, a poza tym ojciec przyszłego artysty sam był artystą, a Pablo miał się od kogo uczyć.

Jako dziecko ojciec pozwalał Pablo dokończyć za niego pracę – na przykład wykańczać nogi gołębi. Pewnego dnia, gdy Pablo miał okazję wykonać dzieło na większą skalę, Jose Ruiz był zachwycony jego techniką i – jak głosi jedna z legend o Picasso – był tak zachwycony, że od tego dnia sam przestał malować.

Już w wieku 16 lat Pablo pojechał do najlepszego wówczas Madrytu Szkoła Artystyczna. Nie studiował tam długo, choć swoim kunsztem potrafił zadziwić zarówno kolegów, jak i nauczycieli. Zaczął znacznie bardziej interesować się różnymi aspektami życia duże miasto, a także pogrążył się w twórczości interesujących go artystów – Diego Velazqueza, Francisco Goyi, a zwłaszcza El Greco.

Picasso żył bardzo długo, nie przestając tworzyć. W swoim prawie stuletnim życiu przeżył wiele twórczych zmian, romantycznych spotkań z kobietami, zmienił kilkanaście luksusowych domów i umarł jako multimilioner.

PRACA PABLO PICASSO

„Genialny talent” – tak nastolatka została opisana na madryckiej Akademii Sztuk Pięknych. Jednak Pablo wkrótce oznajmił rodzicom, że panuje tam całkowity konserwatyzm i niczego nowego się nie nauczy. W wieku 15 lat młody artysta stworzył dzieło o głębokiej treści „Wiedza i miłosierdzie”. Film otrzymał złoty medal i pierwszy wystawa osobista Pablo.

W 1900 roku Picasso odwiedził Paryż i zachorował. Cztery lata później przeniósł się tam, aby zamieszkać. „Wygięty arlekin”, „Pijący absynt”. Artysta usuwa z kompozycji wszystko, co niepotrzebne, doskonale przekazując stan emocjonalny bohaterowie.
Stopniowo wielobarwność opuszcza obrazy Picassa, ustępując miejsca piercingowi niebieski kolor. Prace przepełnione są poczuciem melancholii i samotności, zbliżonym do nastroju samego malarza.

Wiedza i miłosierdzie Bent Harlequin Pijący absynt

Zmiany w życiu mistrza nastąpiły po jego znajomości z rosyjskim filantropem i kolekcjonerem Piotrem Szczukinem. Kupił kilka obrazów młody artysta. Cóż, wtedy życie Pabla rozjaśniła jego miłość do rudowłosej piękności Fernandy Olivier, która zainspirowała artystę do stworzenia słynnego wizerunku kobiecej gitary. Dziewczyna mieszkała w tym samym domu co mistrz. Zazdrosny Picasso założył zamek na drzwiach, chroniąc swój skarb. W jego palecie pojawiły się kolory przejrzyste i jasne.

Okres „różowy” odzwierciedla pasję Pabla do cyrku. Jego ulubionymi bohaterami są arlekiny i gimnastyczki uliczne. Miniaturowa gimnastyczka chce utrzymać równowagę, stojąc na wirującej piłce; jest pod wrażeniem swojego sukcesu, pokazując siedzącego obok mężczyznę zwinność i wdzięk („Dziewczyna na balu”). Zdjęcie naprawdę ma magiczna właściwość: Nie można z tego wykluczyć żadnego szczegółu - w przeciwnym razie cała kompozycja się rozpadnie.

Połączenie obiektów geometrycznych i postacie ludzkie. W 1906 roku styl artysty uległ radykalnej zmianie. W „Les Demoiselles d'Avignon” mistrz stworzył całość nowa rzeczywistość, konstruując figury z brył geometrycznych podzielonych ostrymi kątami. Opinia publiczna i przyjaciele Picassa byli zszokowani. Jednak dzieło to zostanie nazwane ważnym krokiem na drodze do kubizmu. Fine Esperanto, jak nazywa się ten gatunek, rozwijało się etapami.

Scenę „Cézanne’a” charakteryzują odcienie szarości, brązu i zieleni („Kobieta z wachlarzem”), a obraz opiera się na zestawieniu figur geometrycznych. Kubizm „analityczny” dosłownie „rozdziela” obraz na części. Płótno przypomina odłamki potłuczonego szkła zawierające odbicie osoby („Portret Ambroise’a Vollarda”). Kubizm „syntetyczny” („Skrzypce i gitara”) wyróżnia się dekoracyjnością i kontrastem. Pomimo odrzucenia przez publiczność większości pomysłów Picassa, jego obrazy sprzedawały się dobrze.

Kobieta z fanem Portret Ambroise’a Vollarda na skrzypcach i gitarze

W 1917 roku artysta postanowił spróbować swoich sił w nowej dziedzinie, tworząc scenografię i kostiumy do występów Baletu Diagilewa w Paryżu. Olga Khokhlova tańczyła w corps de ballet, miała dumną postawę, była arystokratycznie wyrafinowana i niedostępna („Portret Olgi na krześle”). Namiętnie zakochany Pablo poślubił swoją ukochaną. Olga starała się uczynić swojego artystycznego męża bardziej wyrafinowanym. Szybko jednak okazało się, że jak najbardziej różni ludzie. Nawet narodziny syna nie uratowały umierającego związku.

Cóż, od 1927 roku na płótnach artysty zaczął pojawiać się wizerunek jasnowłosej kobiety („Sen”). Pasja Marie-Therese Walter zbiegła się z próbami wyrażania siebie w sposób surrealistyczny. Skandale w rodzinie i kłótnie z Marią Teresą – Picasso za jednym zamachem przeciął ten węzeł gordyjski, pozostawiając obie kobiety w tyle.

Awangardowa fotografka Dora Maar zapewniła artyście intelektualne ujście. Filmowała cały proces powstawania słynnego tryptyku „Guernica” – reakcji mistrza na wydarzenia wojenne. Dora wstała długie lata główny model Picasso.
Prawdziwej radości życia Pablo nauczył się od młodej artystki Françoise Gillot („Radość życia”). Niezależna i kochająca wolność dała artyście syna Claude'a i córkę Palomę, ale nie mogła z nim być.

Ostatnia towarzyszka mistrza i druga oficjalna żona, Jacqueline Rock, nazwała go „prałatem” i ucałowała go w dłonie. Jeden z najlepsze prace późna twórczość Picasso – „Pocałunek”. Wszystko w nim jest przesadnie duże. Kobieta z ufnym oddaniem przytuliła się do ukochanego mężczyzny, wpatrując się w bliskie jej rysy.

Portret Olgi na krześle Sen Radość życia Pocałunek

Długo można się spierać, czy Picasso kochał swoje muzy, czy też mylił pasję z miłością. Jedno jest pewne: wszyscy potrzebni byli, aby pozostawić po sobie bezcenne dziedzictwo geniusza, którego znaczenie dla sztuki światowej trudno przecenić. To 50 tysięcy obrazów, rzeźb, ceramiki i rysunków. Taka twórcza energia całkowicie zmieniła krajobraz światowego malarstwa, Picasso już za życia został uznany za geniusza XX wieku.

CIEKAWOSTKI Z ŻYCIA PABLO PICASSO

Po urodzeniu Pablo uznano za zmarłego – dziecko urodziło się tak słabe. Matka miała bardzo trudny poród, co nie mogło nie wpłynąć na spadkobiercę. Położna poszła nawet przekazać matce dziecka smutną wiadomość, że dziecko urodziło się martwe. Jednak wujek Picasso uwielbiał cygara i nawet wszedł do pokoju, w którym leżał jego „martwy” siostrzeniec, trzymając w ustach dymiące cygaro. Wujek, nie zastanawiając się dwa razy, wydmuchnął strumień dymu w twarz dziecka, a ono zareagowało płaczem. Naturalnie, po tym nie był już uważany za zmarłego.

Pierwszym słowem, które wypowiedział chłopiec, było „PIZ”, skrót od „LAPIZ” (po hiszpańsku „ołówek”). Ojciec Pabla, z zawodu artysta, już w wieku 7 lat zaczął wychowywać syna na artystę. Jednak ojciec Picassa poprzysiągł porzucić swoje powołanie, gdy jego syn skończył 13 lat - przewyższył już ojca (swoją drogą profesora sztuki).

Już w wieku dziewięciu lat artysta namalował swój pierwszy obraz, przedstawiający jeźdźca na koniu biorącego udział w walce byków. Już w wieku 15 lat Picasso stworzył swoje pierwsze arcydzieło - obraz przedstawiający jego bliskich przy ołtarzu.

Artysta od dzieciństwa był bardzo porywczy i był nieustannie karany. Z wiekiem temperament artysty stawał się coraz bardziej ekscentryczny, ale jego talent nie zniknął, ale stał się jaśniejszy.

Picasso otrzymał swoje pierwsze poważne dzieło poprzez zawarcie umowy ze sprzedawcą obrazów Pere Menachem z Paryża. To przyniosło mu 150 franków (w nowoczesnych pieniądzach około 750 dolarów amerykańskich - oczywiście).

W 1909 roku młody Picasso i jego przyjaciel wymyślili kubizm – choć to nie oni wymyślili tę nazwę, ale francuski krytyk, który zauważył, że obrazy Picassa były pełne kostek.

Picasso był niezwykle bogaty, pozostawił po sobie jedynie nieruchomości warte półtora miliarda dolarów. Jego obrazy są absolutnie bezcenne. Obecnie niektóre dzieła Pabla Picassa wyceniane są na setki milionów dolarów.

BIBLIOGRAFIA

Kostenewicz A. „Driada”. Geneza i znaczenie malarstwa Picassa // Biuletyn historii, literatury, sztuki. Katedra Historii i Filologii Nauki RAS. M.: Kolekcja; Nauka. T. 1. 2005. s. 118-131.

Pablo Picasso. Wiersze.

M., Marina Picasso. Dziadek: wspomnienia.

M., Nadieżdin N. Ja Pablo Picasso: „Płomień Guernicy”: Historie biograficzne. - wyd. 2 - M .: Major, Osipenko, 2011. - 192 s. - (Seria „Biografie nieformalne”). - 2000 egzemplarzy.

Niemiecki M. Yu „Picasso. Droga do triumfu" // M.: Sztuka-21 wiek. 2013

Podczas pisania tego artykułu wykorzystano materiały z następujących stron:pl.wikipedia.org , .

Jeśli znajdziesz jakieś nieścisłości lub chcesz coś dodać do tego artykułu, prześlij nam informację na adres adres e-mail admin@site, my i nasi czytelnicy będziemy Ci bardzo wdzięczni.

Pablo Picasso to utalentowany hiszpański i francuski artysta i rzeźbiarz. Jest jednym z twórców kubizmu. Imię Pabla Picassa (urodzonego jako Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz y Picasso) było bardzo długie, dlatego podpisywał swoje prace nazwiskiem matki. Jest jednym z najbardziej znany artysta XX wiek. Według krytyków sztuki jego prace są najdroższe. Poniżej jest krótka recenzjażycie i

Dzieciństwo i młodość artysty

Data urodzenia Pabla Picassa to 25 października 1881 roku, urodził się w Hiszpanii. Zaczął rysować od najmłodszych lat. Pierwsze lekcje chłopcu udzielał mu ojciec, który był nauczycielem plastyki. Rodzina Pabla Picassa była prosta, mimo że jego matka należała do zamożnej rodziny właścicieli winnic. Młody artysta poczynił ogromne postępy i już w wieku 8 lat namalował swój pierwszy obraz.

W krótki życiorys Pablo Picasso powinien zauważyć, że w 1891 roku chłopiec przeniósł się z rodziną do północnej części Hiszpanii, ponieważ jego ojciec zaczął uczyć rysunku w A Coruña. Chłopiec kontynuował naukę w miejscowej szkole artystycznej w latach 1894–1895.

Następnie rodzina przeniosła się do Barcelony, a w 1895 roku Picasso rozpoczął naukę w Szkole Sztuk Pięknych La Lonja. Już wtedy ludzie byli w stanie docenić jego talent: Picasso był za młody, aby uczyć się w tej szkole, ale jego ojciec nalegał, aby jego syn próbował zapisać się na zasadzie konkursu. Wszystkie egzaminy zdał śpiewająco i rozpoczął studia.

W 1897 Pablo kontynuował naukę sztuk pięknych w Madrycie. Ale bardzo Poświęcił czas na studiowanie zbiorów Muzeum Prado. Studiuje w akademii, której przestrzega tradycje klasyczne, wydawało się artyście zbyt nudne.

W 1898 wrócił do Barcelony i dołączył do stowarzyszenia artystów, które spotykało się w artystycznej kawiarni. Z krótkiej biografii Pabla Picassa wynika, że to właśnie w tej kawiarni w 1900 roku odbyły się pierwsze wystawy jego prac. W tym samym czasie artysta poznał C. Casagemasa i J. Sabartesa, których później przedstawiał na swoich płótnach.

Okresy „niebieskie” i „różowe”.

W krótkiej biografii Pabla Picassa należy podać krótki opis okresów „niebieskiego” i „różowego”. W 1900 roku artysta wyjechał z Casagemasem do Paryża. Na Wystawie Światowej zapoznaje się z twórczością impresjonistów. Okres ten nie był łatwy dla Picassa, a samobójstwo Casagemasa było dla młodego artysty wielkim szokiem.

Pod wpływem tych okoliczności na początku 1902 roku Picasso zaczął tworzyć w stylu, który nazwano „niebieskim”. Głównymi tematami obrazów była starość, śmierć, bieda, melancholia i melancholia. Przedstawieni na obrazach ludzie sprawiają wrażenie zamyślonych, powolnych, pogrążonych w swoich wewnętrzny świat. Spośród wszystkich odcieni artysta najczęściej używa koloru niebieskiego. Bohaterami obrazów Picassa byli kaleki i przedstawiciele niższych klas społecznych. Jego obrazy są nieco podobne do dzieł artysty El Greco.

W 1904 roku Picasso przeprowadził się do Paryża, a jego dom stał się schroniskiem dla biednych artystów. To był początek „różowego” okresu w jego twórczości. Na zmianę smutne obrazy pojawił się temat cyrku i teatru. W palecie dominował różowo-złoty i różowo-szary, a głównymi bohaterami obrazów byli wędrowni artyści. W obrazach tych można było odczuć romantycznego ducha samotnego wędrownego artysty.

„Dziewczyna na piłce”

To dzieło jest najsłynniejszym dziełem okresu „różowego”. Został napisany w 1905 roku. Bohaterami są krucha gimnastyczka i odpoczywający sportowiec. Głównym tematem płótna jest podróżujący cyrk.

Gimnastyka ćwiczy swój układ na piłce, a zawodniczka opiera się na kostce. Krajobraz wywołuje przygnębienie, melancholię i kontrastuje z wesołym rzemiosłem cyrkowcy. Na tym zdjęciu kontrastują także te pokazane figury geometryczne- kostka i piłka, aktywna gimnastyczka i odpoczywająca sportsmenka.

W 1913 r. obraz ten nabył I. A. Morozow, a w 1948 r. stał się częścią wystawy Muzeum Państwowe Sztuki piękne nazwane na cześć. A.S. Puszkin.

Kubizm

W krótkiej biografii Pabla Picassa temat kubizmu zajmuje szczególne miejsce. Artystę bardziej zainteresowała analiza form niż eksperymenty z kolorem. Wraz z J. Braque’em w 1907 roku stworzył nowy kierunek w sztuki piękne- kubizm. Najczęściej Picasso przedstawiał martwe natury na swoich płótnach, instrumenty muzyczne i inne przedmioty typowe dla bohemy.

Okres kubizmu w twórczości artysty zakończył się po I wojnie światowej. Jednak niektóre elementy kubizmu pojawiały się na obrazach Picassa aż do 1921 roku.

Okres surrealizmu

W krótkiej biografii Pabla Picassa należy zauważyć, że okres surrealizmu jest jednym z niejednoznacznych i nierównych okresów w twórczości artysty. Na płótnach pojawia się świat absolutnie surrealistyczny, atmosfera trudna do uchwycenia. Na obrazach pojawiały się niezrozumiałe stworzenia, bezkształtne, krzyczące lub agresywnie zmysłowe obrazy.

W tym okresie tworzył także dzieła ciche, wyróżniające się na tle pozostałych. Najczęściej to okres twórczy bohaterkami obrazów stały się kobiety. Powody dla nich częste występowanie, mogło wynikać z tego, że artysta nie dogadywał się dobrze z żoną. W 1918 roku Picasso ożenił się i rosyjska baletnica Olga Khokhlova, aw 1921 roku para miała syna.

Inspiracją dla artysty do stworzenia zmysłowych obrazów była Marie-Therese Walter, którą poznał w 1932 roku. W tym okresie Picasso tworzył popiersia, dziwne abstrakcyjne formy z szorstkich materiałów. Ale jednocześnie w niektórych pracach widać, że inspirował się także formami klasycznymi.

Stworzenie Guerniki

W 1937 roku niemieckie i włoskie samoloty zniszczyły Guernicę, stolicę Basków. Ta wiadomość tak bardzo zszokowała artystę w dwa miesiące Pisze Pablo Picasso jednym z jego najsłynniejszych obrazów jest „Guernica”. Gra kolorów stwarza wrażenie ognia, a centralne miejsce w kompozycji przypadł poległemu wojownikowi i podbiegającej do niego kobiecie. Obraz ten oddaje grozę i rozpacz, jakie ogarnęły mieszkańców Guerniki. Dzieło to zostało wystawione na Wystawie Światowej w Paryżu.

W okresie wojny obrazy Picassa były odzwierciedleniem czasu: wykonane były w ciemnych odcieniach i niosły ze sobą uczucie niepokoju. Jednocześnie bohaterkami jego obrazów ponownie stały się kobiety o zniekształconych twarzach i bezkształtnych figurach. Od 1940 do 1944 Picasso przebywał w Paryżu i nadal tworzył. W 1944 roku artysta wstąpił do partii komunistycznej, a w 1950 Picasso stworzył słynnego „Gołębia Pokoju”.

Twórczość w okresie powojennym

Okres ten można nazwać szczęśliwym dla artysty. W 1945 roku poznał Françoise Gilot, która została matką jego dwójki dzieci. Głównym tematem obrazów jest życie rodzinne. Artysta wraz z rodziną przeprowadza się na południe Francji, pełnej śródziemnomorskiego uroku.

Pablo Picasso tworzy nie tylko płótna, ale zajmuje się także rzemiosłem Praca fizyczna. Tworzy dekoracyjne talerze, figurki i obrazy. W 1953 roku Pablo rozstał się z żoną i w tym czasie napisał kilka niezwykłych dzieł. W 1958 roku Picasso poślubił Jacqueline Roque, która zainspirowała go do stworzenia nowych obrazów.

Prace artystki różnią się jakością wykonania i różnorodnością. Pablo Picasso zmarł 8 kwietnia 1973 roku we Francji. Utalentowany artysta renderowane duży wpływ dla rozwoju sztuk pięknych.

Pablo Ruiz Picasso (1881–1973), hiszpański artysta i rzeźbiarz mieszkający od 1904 roku we Francji. Picasso to wynalazca nowych form malarstwa, innowator stylów i technik, jeden z najpłodniejszych artystów w historii. Stworzył ponad 20 tysięcy dzieł. Urodzony 25 października 1881 w Maladze. Geniusz Picassa ujawnił się wcześnie: w wieku 10 lat namalował swoje pierwsze obrazy, a w wieku 15 lat znakomicie zdał egzamin wstępny do Szkoły Sztuk Pięknych w Barcelonie.

Kobieta w kolorze niebieskim
1901, Centrum Reina Sofia, Madryt

Życie,
1903, Muzeum Sztuki, Cleveland

Rodzina komików
1905, Galeria Narodowa, Waszyngton

Dziewczyna na balu,
1905, Muzeum Puszkina w Moskwie

Chłopiec z koniem
1905, Muzeum Sztuki Nowoczesnej. sztuka, Nowy Jork

Matka i dziecko
1905, Galeria Stuttgart, Niemcy

W latach 1900–1902 odbył trzy podróże do Paryża i ostatecznie osiadł tam w 1904 r. Na styl francuskich artystów impresjonistycznych, zwłaszcza Degasa i Toulouse-Lautreca, wywarła wpływ silny wpływ dla formacji twórczy sposób Malarz hiszpański tego okresu. Picasso's Blue Room (1901, Phillips Collection, Waszyngton) odzwierciedla wpływ tych artystów, pokazując jednocześnie ewolucję jego twórczości w okresie błękitu, nazwanym tak, ponieważ w jego twórczości przez kilka następnych lat dominowały różne odcienie błękitu i błękitu.

Przedstawiając ludzkie cierpienie, Picasso w tym okresie malował niewidomych, żebraków, alkoholików i prostytutki. Ich nieco wydłużone ciała na obrazach przypominają prace hiszpańskiego artysty El Greco. Ten sam krąg obrazów, począwszy od 1905 roku, nabiera innego kolorytu. To tak, jakby promień nadziei przenikał dusze jego bohaterów wraz z pojawieniem się jaśniejszych i bardziej przejrzystych kolorów w gamie kolorystycznej jego obrazów: do rozjaśnionych odcieni koloru niebieskiego dodawane są odcienie różowe, popielato-różowe, złoto-różowe. Po twórczości okresu „niebieskiego” obrazy okresu „różowego” przedstawiają świat cyrkowców i włóczęgów („Rodzina akrobatów z małpą”, 1905, Göteborg, Muzeum Sztuki; „Dziewczyna na balu”, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina; „Komicy rodzinni”, Waszyngton, Galeria Narodowa).

Toaleta (Fernanda),
1906, Galeria Albright-Knox, Buffalo

Taniec z kocami
1907, Ermitaż, Petersburg

Les Demoiselles d'Avignon, 1907, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku

Driada, 1908

Trzy kobiety, 1908

Przyjaźń, 1908

Te trzy obrazy znajdują się w kolekcji Państwowy Ermitaż w Petersburgu

Kubizm. W latach 1907-1914 Picasso współpracował z Braque'em tak blisko, że nie zawsze można ustalić jego wkład na różnych etapach rewolucji kubistycznej. Po okresie cezanneizmu, który zakończył się portretem Clovisa Sago (wiosna 1909, Hamburg, Kunsthalle), Picasso zwraca szczególną uwagę na przekształcanie form w geometryczne bloki, rozcinając je na płaszczyzny i krawędzie, kontynuując w przestrzeni wyznaczonej przez artystę sam uważa ciało stałe, nieuchronnie ograniczony płaszczyzną obrazu („Portret Kahnweilera”, 1910, Instytut Sztuki). Zanika perspektywa, paleta skłania się ku monochromatyczności, obrazy Picassa często sprowadzają się do niezrozumiałych zagadek. Właściwy okres kubizmu w twórczości Picassa kończy się wkrótce po wybuchu I wojny światowej, która rozdzieliła go z Braque’em. Choć w swoich znaczących dziełach artysta aż do 1923 roku sięga po techniki kubistyczne (Kobiety biegnące brzegiem, 1922, Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej).

Portret Ambroise’a Vollarda,
1910, Muzeum Puszkina nazwane na cześć A.S. Puszkin

Pierrot, 1918, Muzeum
sztuka współczesna, Nowy Jork

Kochankowie, 1923,
Galeria Narodowa w Waszyngtonie

Portret Ambroise’a Vollarda – galernika, kolekcjonera, konesera sztuki, przyjaciela artystów – wykonany jest w formach kubizmu analitycznego. Portret zakupił I. A. Morozow w 1913 roku od samego Vollarda. Euforyczna i konserwatywna atmosfera powojennego Paryża, małżeństwo Picassa z Olgą Khokhlovą, sukces artysty w społeczeństwie – wszystko to częściowo wyjaśnia ten powrót do figuratywności, względny i tymczasowy, ponieważ Picasso nadal malował wówczas wyraźne kubistyczne martwe natury.

Wraz z cyklem olbrzymek i kąpiących się obrazy inspirowane stylem „pompejskim” („Kobieta w bieli”, 1923, Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej), liczne portrety jego żony („Portret Olgi”, pastel, 1923 , kolekcja prywatna) i syn (Paul w kostiumie arlekina, Paryż, Muzeum Picassa) to jedne z najbardziej urzekających dzieł, jakie artysta kiedykolwiek namalował, mimo że ich nieco klasyczna orientacja i parodia nieco dziwiły ówczesną awangardę.

W tych dziełach Picassa po raz pierwszy ujawnia się nastrój, który ze szczególną siłą objawił się później i który był nieodłącznym elementem wielu artystów okresu międzywojennego: zainteresowanie stylami przeszłości, które stały się kulturowym „archiwum” i niezwykłą wirtuozerią w przekładzie na język współczesny.

Portret Olgi,
1923, zbiory prywatne

Paweł w stroju arlekina
1924, Muzeum Picassa w Paryżu

Trzy osoby tańczą
1925, Tate Gallery, Londyn

W 1925 roku rozpoczął się jeden z najtrudniejszych i nierównych okresów w twórczości Picassa. Po epikurejskim wdzięku lat 20. XX w. („Dance”, Londyn, Tate Gallery) w twórczości Picassa pojawia się atmosfera konwulsji i histerii, nierealny świat halucynacji, co można po części wytłumaczyć wpływem surrealizmu poeci. Przez kilka lat wyobraźnia Picassa zdawała się tworzyć jedynie potwory, jakieś stworzenia rozszarpane („Siedząca kąpiel”, 1929, Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej), krzyczące („Kobieta na krześle”, 1929, Paryż, Muzeum Picassa), nadmuchane do granic absurdu i bezkształtne („Kąpiel”, rysunek, 1927, zbiory prywatne) czy ucieleśniające obrazy metamorficzne i agresywnie erotyczne („Figury na brzegu morza”, 1931, Paryż, Muzeum Picassa).

Kobieta z kwiatem, 1932,
Fundacja Beyeler, Riegen, Szwajcaria

Nago na czerwonym krześle
1932, Tate Gallery, Londyn

Sen (Maria-Teresa Walter),
1932, zbiory prywatne, Nowy Jork

W latach 1930-1934 to w rzeźbie wyrażała się cała witalność Picassa: popiersia i akty kobiece, w których czasami zauważalny jest wpływ Matisse'a („Leżąca kobieta”, 1932), zwierzęta, małe postacie w duchu surrealizmu („Człowiek z bukietem”, 1934), a zwłaszcza konstrukcji metalowych, które mają formy na wpół abstrakcyjne, na wpół realne, a czasem wykonane są z szorstkich materiałów (Picasso tworzy je z pomocą swojego przyjaciela, hiszpańskiego rzeźbiarza Julio Gonzaleza - „Budowa”, 1931). Oprócz tych dziwnych i ostrych form ryciny Picassa przedstawiające Metamorfozy Owidiusza (1930) i Arystofanesa (1934) świadczą o ciągłości jego klasycznych inspiracji. Temat byków pojawił się w twórczości Picassa prawdopodobnie podczas jego dwóch podróży do Hiszpanii w 1933 i 1934 roku i przybrał formy wręcz literackie: wizerunek Minotaura, który pojawia się co jakiś czas w pięknej serii rycin wykonanych w 1935 r. („Minotauromachia”).

Dora Maar w żółtej kurtce,
1939, Galeria Narodowa, Berlin

Płacząca kobieta
1937, Tate Gallery, Londyn

Guernika, 1937,
Muzeum Reiny Sofii w Madrycie

Ten obraz śmiercionośnego byka kończy okres surrealizmu w twórczości Picassa, ale jednocześnie definiuje główny temat obraz „Guernica”, jego najsłynniejsze dzieło, który namalował kilka tygodni po zniszczeniu przez niemieckie samoloty małego baskijskiego miasteczka i który wyznacza początek jego działalności politycznej (Madryt, Prado; do 1981 r. obraz znajdował się w Nowym Jorku w Muzeum Sztuki Nowoczesnej). Przerażenie, jakie ogarnęło Picassa wobec groźby barbarzyństwa wiszącego nad Europą, jego lęku przed wojną i faszyzmem, artysta nie wyraził wprost, ale nadał swoim obrazom niepokojący ton i mrok. Picasso przebywał w Paryżu podczas okupacji niemieckiej od 1940 do 1944 roku.

Artysta i modelka,
prywatna kolekcja

Śmierć matadora
1933, Muzeum Picassa

Kawiarnia w Royanie,
1940, Muzeum Picassa, Paryż

Okupacja nie osłabiła działalności Picassa: portrety, rzeźby („Człowiek z barankiem”), skąpe martwe natury, które czasem z głęboką tragedią wyrażają beznadziejność epoki („Martwa natura z czaszką byka”, 1942, Dusseldorf, art. Kolekcja Nadrenii Północnej-Westfalii). Po zwolnieniu. Obraz „Rzeźnia” (1944-1945, Nowy Jork, Muzeum Sztuki Nowoczesnej) - ostatni tragiczna praca Picasso. Jesienią 1944 roku publicznie ogłosił wstąpienie do partii komunistycznej, jednak nie był przepojony jej ideami na tyle, aby wyrazić je w swoich najważniejszych dziełach historycznych. Gołąb przedstawiony na plakacie Światowego Kongresu Pokoju w Paryżu (1949) jest najskuteczniejszym przejawem przekonań politycznych artysty. Ponadto praca ta przyczyniła się do tego, że Picasso stał się legendarną, znaną na całym świecie osobowością.

Powojenną twórczość Picassa można nazwać szczęśliwą; zbliża się do młodej Françoise Gilot, którą poznał w 1945 roku i która urodzi mu jeszcze dwójkę dzieci, zapewniając w ten sposób motywy dla jego licznych rodzinnych obrazów, pełnych mocy i uroku. Picasso opuszcza Paryż i udaje się na południe Francji, odkrywa radość słońca, plaży i morza. Mieszka w Vallauris (1948), następnie w Cannes (1955), w 1958 kupuje zamek Vauvenargues, a w 1961 przenosi się na emeryturę do wiejskiego domu Notre-Dame-de-Vie w Mougins.
Projektowanie sieci wodociągowej i kanalizacyjnej. Firma „Instalacja ITR”

Prace powstałe w latach 1945-1955, utrzymane w duchu śródziemnomorskim, charakteryzują się atmosferą pogańskiej sielanki i powrotem do antycznych nastrojów, czego wyrazem są obrazy i rysunki powstałe pod koniec 1946 roku w salach Muzeum Antibes, które później stało się Muzeum Picassa („Radość Życia”). Ale odrzucenie dekoracyjnego zapału i poszukiwanie nowych jest szczególnie silne w tym okresie. wyraziste środki. Wszystko to znalazło wyraz w licznych litografiach, plakatach, drzeworytach i linorytach, ceramice i rzeźbie. Jesienią 1947 roku Picasso rozpoczyna pracę w fabryce Madura w Vallauris; Zafascynowany problematyką rzemiosła i pracy fizycznej sam wykonuje wiele naczyń, talerzy dekoracyjnych, antropomorficznych dzbanków i figurek zwierząt (Centaur, 1958), czasem nieco archaicznych w manierze, ale zawsze pełnych uroku i dowcipu. W tym okresie szczególne znaczenie miała rzeźba („Kobieta w ciąży”, 1950). Niektóre z nich („Koza”, 1950; „Małpa z dzieckiem”, 1952) wykonane są z przypadkowych materiałów (brzuch kozy wykonany jest ze starego kosza) i stanowią arcydzieła techniki assemblingowej.

W 1953 roku Françoise Gilot i Picasso rozstali się. Był to początek poważnego kryzysu moralnego artysty, którego odzwierciedleniem jest niezwykły cykl rysunków powstałych od końca 1953 do końca zimy 1954; Picasso na swój własny zagadkowy i ironiczny sposób wyraził w nich gorycz starości i swój sceptycyzm wobec samego malarstwa. W 1954 roku Picasso poznał Jacqueline Roque, która w 1958 roku została jego żoną i zainspirowała go do stworzenia serii bardzo pięknych portretów. Prace ostatnich piętnastu lat twórczości artysty są bardzo zróżnicowane i nierówne pod względem jakościowym („Warsztat w Cannes”, 1956, Paryż, Muzeum Picassa).

Można jednak podkreślić hiszpańskie źródło inspiracji („Portret artysty na wzór El Greco”, 1950, zbiory prywatne) i elementy tauromachii (być może dlatego, że Picasso był zagorzałym wielbicielem walk byków, popularnych w południe Francji), wyrażoną w rysunkach i akwarelach w duchu Goi (1959-1968). Poczucie niezadowolenia z własnej twórczości zaznacza się szeregiem interpretacji i wariacji na temat tematów słynnych obrazów „Dziewczyny nad brzegiem Sekwany. Według Courbeta” (1950, Bazylea, Kunstmuseum); „Algierskie kobiety. Według Delacroix” (1955); „Las Meninas. Według Velazqueza” (1957); „Śniadanie na trawie. Według Maneta” (1960). Żaden z krytyków nie potrafił w zadowalający sposób wytłumaczyć tych dziwnych, odważnych kompozycji, nawet jeśli były to naprawdę doskonałe obrazy (Las Meninas, 17 sierpnia 1957, Barcelona, Muzeum Picassa). Picasso zmarł w swojej willi Notre-Dame-de-Vie 8 kwietnia 1973 roku.

Picasso Pablo (1881-1973), francuski artysta.

Malarstwa uczył się najpierw u ojca X. Ruiza, następnie w szkołach sztuk pięknych: w La Coruña (1894-1895), Barcelonie (1895) i Madrycie (1897-1898).

Od 1904 roku Picasso niemal stale mieszkał w Paryżu.

Jego pierwsze znaczące dzieła datowane są na lata 10. XX w. XX wiek Obrazy z „okresu błękitu” (1901-1904) utrzymane były w ponurej gamie odcieni błękitu, indygo i zieleni.

W twórczości „okresu różowego” (1905-1906) dominują odcienie różowo-złote i różowo-szare. Obydwa cykle poświęcone są tematyce tragicznej samotności niewidomych, żebraków, włóczęgów i romantycznego życia podróżujących komediantów („Stary żebrak z chłopcem”, 1903; „Dziewczyna na balu”, 1905).

W 1907 roku Picasso stworzył płótno „Les Demoiselles de Avignon”, co oznaczało zdecydowane zerwanie z tradycją realistyczną i przejście do obozu artystów wyznających awangardę.

Jego pasja do rzeźby afrykańskiej doprowadziła go do powstania nowego kierunku – kubizmu. Picasso rozkłada obiekt na składowe elementy geometryczne, operując kombinacjami załamujących się płaszczyzn i nieporęcznych brył, zamieniając rzeczywistość w grę abstrakcyjnych szczegółów („Dama z wachlarzem”, 1909; portret A. Vollarda, 1910).

Od połowy lat 10. XX wieki zaczyna eksperymentować z fakturą, wykorzystując w swoich pracach skrawki gazet, kawałek skrzypiec itp. Kolaż „Butelka aperitifu” (1913) i kompozycja „Trzej muzycy” (1921) zamykają okres kubizmu, a W nurtach twórczości Picassa pojawiają się style neoklasyczne. Znalazło to odzwierciedlenie w takich dziełach jak „Trzy kobiety u źródła” (1921), „Matka z dzieckiem” (1922), ilustracjach do „Metamorfoz” Owidiusza (1931) i cyklu „Warsztat rzeźbiarski” (1933). ). W neoklasycyzmie Picassa dominuje nastrój baśniowej idylli i graficzna elegancja linii.

W latach 10-20. XX wiek Picasso tworzy także wiele rysunków przedstawiających wizerunki ludzi z ludu („Rybak”, 1918; „Odpoczywający chłopi”, 1919).

Od drugiej połowy lat 30. w jego twórczości coraz częściej słychać echa współczesne wydarzenia(„Płacząca kobieta”, 1937; „Kot i ptak”, 1939). W latach 1936-1939 Picasso staje się wybitną postacią Frontu Ludowego we Francji i aktywnie uczestniczy w walce narodu hiszpańskiego z reżimem Franco. W tym czasie narodził się serial „Sny i kłamstwa generała Franco” (1937). Gniewnym protestem przeciwko faszystowskiemu terrorowi jest monumentalny panel „Guernica” (1937).

Podczas II wojny światowej Picasso pozostał we Francji okupowanej przez wojska hitlerowskie i brał udział w ruchu oporu. W 1944 roku artysta wstąpił w szeregi Francuzów Partia komunistyczna. W twórczości okresu powojennego dominuje tematyka antywojenna („Gołąb pokoju”, 1947; panele „Pokój” i „Wojna”, 1952).

Od drugiej połowy lat 40. Twórczość Picassa staje się coraz bardziej różnorodna. Oprócz sztalugi obrazy, w których artysta powraca do motywów starożytnych lub parodiuje obrazy dawnych mistrzów (np. „Las Meninas” D. Velazqueza), zajmuje się także rzeźbą („Człowiek z barankiem”, brąz, 1944), ceramikiem (około 2000 produktów), harmonogram.

W 1950 roku Picasso został wybrany do Światowej Rady Pokoju.