Znani angielscy artyści i ich obrazy. Współcześni artyści angielscy – Russ Mills
Józefa Turnera
Joseph Turner – wielki angielski pejzażysta – urodził się w Covent Garden w Londynie 23 kwietnia 1775 roku. Był synem modnego wówczas fryzjera. Jako chłopiec zaczął rysować. Jego ojciec sprzedawał rysunki chłopca swoim gościom. W ten sposób zarabiał pieniądze, które przeznaczał na opłacenie lekcji plastyki. W wieku 14 lat wstąpił do szkoły w Akademii Królewskiej. Od piętnastego roku życia jego akwarele można było oglądać w Akademii Królewskiej. W wieku 18 lat założył własne studio. Początkowo zajmował się akwarelą, później techniką olejną. W latach 1802–1809 Turner namalował serię pejzaży morskich, między innymi Słońce wschodzące we mgle. Za arcydzieła tego okresu uważa się: „Jezioro Genewskie”, „Mroźny poranek”, „Przekraczanie strumienia” i inne. W 1819 roku Turner wrócił ze swojej pierwszej podróży do Włoch. Podczas podróży stworzył około 1500 rysunków, a rok później, zainspirowany tym, co zobaczył, namalował serię obrazów. Turner był mistrzem powietrza i wiatru, deszczu i światła słonecznego, horyzontu, statków i morza. Kontury jego krajobrazów rozpływały się w grze świateł i cieni, w tym był poprzednikiem Francuscy impresjoniści. Przez całe życie Turner namalował setki obrazów oraz tysiące akwarel i rysunków. Po jego śmierci kolekcja jego obrazów, zgodnie z jego wolą, przeszła do Galerii Narodowej i Tate Gallery.
Thomasa Gainsborougha
Thomas Gainsborough był mistrzem angielskiej szkoły malarstwa. Malował portrety i pejzaże. Urodził się w Sudbury w 1727 roku jako syn kupca. Ojciec wysłał go do Londynu, aby studiował malarstwo. Spędził 8 lat w Londynie, pracując i studiując. Tam zetknął się z tradycyjną flamandzką szkołą malarstwa. W jego portretach dominuje kolorystyka zieleni i błękitu. Był pierwszym angielskim artystą, który przedstawił przyrodę i brytyjską wieś. Przedstawiał stog siana, biedny dom, biednych chłopów. Jego pejzaże przepełnione są poezją i muzyką. Jego najlepsze dzieła to „Błękitny chłopiec”, „Portret księżnej Beaufer”, „Sarah Siddons” i inne. Ważnym odkryciem Gainsborougha było stworzenie formy malarstwa, w której postacie i krajobraz tworzą jedną całość. Krajobraz nie jest jedynie tłem, ale w większości przypadków człowiek i przyroda łączą się w jedno w atmosferze harmonii nastrojów. Gainsborough podkreślił, że naturalnym tłem dla postacie musi istnieć sama natura. Jego prace, wykonane w czystych i przejrzystych kolorach, wywarły znaczący wpływ na artystów malarstwa angielskiego. Wyprzedził swoją epokę. Jego sztuka stała się zwiastunem ruchu romantycznego.
Johna Contable'a
John Constable, jeden z najsłynniejszych pejzażystek, urodził się w Safford 11 czerwca 1776 roku. Był synem bogatego młynarza. Już wcześnie zaczął interesować się malarstwem Szkoła Podstawowa. Ojciec nie aprobował zawodu artysty. Costable jako chłopiec pracował w tajemnicy, malując w domu artysty-amatora. Zainteresowanie malarstwem przekonało ojca do wysłania go w 1795 roku do Londynu, gdzie rozpoczął naukę malarstwa. W 1799 roku Constable rozpoczął naukę w Akademii Królewskiej w Londynie. Był pierwszym z pejzażystów, który uważał, że konieczne jest wykonywanie szkiców z natury, czyli praca w plenerze. Umiejętności Constable'a rozwijały się stopniowo. Zaczął zarabiać na życie malowaniem portretów. Nigdy nie miał w tym serca i dlatego nie osiągnął popularności. Konstabl był realistą. Na swoich płótnach przedstawiał bydło, konie i pracujących tam ludzi. Malował łąki lśniące rosą, iskry słońca w kroplach deszczu i surowe burzowe chmury. Najsłynniejsze dzieła Constable'a to „Młyn w Flatford”, „Biały koń”, „Woźnica siana”, „Most Waterloo”, „Z schodów Whitehall” i inne. W Anglii Constable nie spotkał się z uznaniem, jakiego słusznie oczekiwał. Francuzi jako pierwsi publicznie rozpoznali Constable'a. Jego wpływ na zagraniczne szkoły malarstwa był ogromny. Constable'a można słusznie uznać za twórcę gatunku krajobrazu.
Tłumaczenie na język angielski:
Joseph Turner, największy angielski malarz romantycznych pejzaży, urodził się 23 kwietnia 1775 roku w Covent Garden w Londynie. Był synem modnego fryzjera. Zaczął rysować i malować jako mały chłopiec. Jego ojciec sprzedawał klientom rysunki chłopca. W ten sposób zarabiał pieniądze, które jego ojciec płacił za jego lekcje plastyki. W wieku 14 lat wstąpił do Royal Academy School. Od piętnastego roku życia jego akwarele były wystawiane w Akademii Królewskiej. W wieku 18 lat założył własne studio. Turner pracował początkowo w technice akwareli, później w technice olejnej. W latach 1802–1809 Turner namalował serię obrazów morskich, między innymi „Wschodzące słońce we mgle”. Arcydzieła tego okresu to „Jezioro Genewskie”, „Mroźny poranek”, „Przeprawa przez potok” itp. W 1819 roku Turner wyjechał z pierwszą wizytą do Włoch. Podczas podróż wykonał około 1500 rysunków, a w ciągu następnych kilku lat namalował serię obrazów inspirowanych tym, co zobaczył. Turner był panem powietrza i wiatru, deszczu i słońca, horyzontu, statków i morza. Rozpuszczał formy swojego pejzażu w grze światła i cienia, antycypował twórczość francuskiego malarstwa impresjonistycznego. W ciągu swojego życia Turner namalował kilkaset obrazów oraz kilka tysięcy akwareli i rysunków. Po jego śmierci cała kolekcja obrazów i rysunków Turnera została przekazana narodowi i znajdują się one w Galerii Narodowej i Tate.
Thomasa Gainsborougha
Thomas Gainsborough był mistrzem angielskiej szkoły malarstwa. Był portrecistą i pejzażystą. Urodził się w Sudbury w 1727 roku i był synem kupca. Ojciec wysłał go do Londynu, aby studiował sztukę. Spędził 8 lat pracując i studiując w Londynie. Tam zetknął się z tradycyjną flamandzką szkołą malarstwa. W jego portretach dominują kolory zielony i niebieski. Był pierwszym brytyjskim malarzem, który namalował rodzimą brytyjską wieś. Malował wóz siana, biedną chatę, biednych chłopów. W jego pracach pejzażowych jest dużo poezji i muzyki. Jego najlepsze dzieła to „Blue Boy”, „Portret księżnej Beaufort”, „Sara Siddons” i inne. Szczególnym odkryciem Gainsborougha było stworzenie formy sztuki, w której postacie i tło tworzą jedną całość. Krajobraz nie jest spychany na drugi plan, lecz w większości przypadków człowiek i przyroda łączą się w jedną całość poprzez atmosferyczną harmonię nastrojów. Gainsborough podkreślał, że naturalnym tłem dla jego bohaterów powinna być sama natura. Jego prace, utrzymane w jasnej i przejrzystej tonacji, wywarły znaczący wpływ na artystów szkoły angielskiej. Wyprzedził swoją epokę. Jego sztuka stała się prekursorem ruchu romantycznego.
Artyści z jakiego kraju wnieśli szczególny wkład w rozwój malarstwa światowego?
Zadając to pytanie, często wspomina się francuskich artystów. Więcej . I nikt nie wątpi w wpływ.
Ale jeśli weźmiemy XVIII wiek i początek XIX, to ważne jest, aby zwrócić uwagę na zalety Angielscy artyści.
W tym okresie w kraju Foggy Albion pracowało kilku bystrych mistrzów, którzy radykalnie zmienili sztukę światową.
1. William Hogarth (1697-1764)
Williama Hogartha. Autoportret. 1745 Tate British Gallery w Londynie Hogarth żył w trudnych czasach. Na początku XVIII wieku w Anglii dopiero kształtowało się społeczeństwo burżuazyjne, które zastąpiło społeczeństwo feudalne.
Wartości moralne były nadal niepewne. Z całą powagą, własny interes i wzbogacenie się w jakikolwiek sposób uważano za cnoty. Podobnie jak w latach 90. XX wieku w Rosji.
Hogarth postanowił nie milczeć. I starał się otworzyć oczy swoim rodakom na upadek wartości moralnych. Za pomocą obrazów i rycin.
Zaczął od serii obrazów zatytułowanych „Kariera prostytutki”. Niestety, obrazy nie zachowane. Pozostały tylko ryciny.
Williama Hogartha. Kariera prostytutki: Uwięziona przez alfonsa. Rytownictwo. 1732 Ten prawdziwa historia o wiejskiej dziewczynie Marii, która przybyła do miasta w poszukiwaniu szczęścia. Ale wpadła w szpony starego alfonsa. Tę scenę widzimy na pierwszym rycinie. Stając się kobietą utrzymaną, spędziła swoje krótkie życie wśród wyrzutków społecznych.
Hogarth celowo przetłumaczył swoje obrazy na ryciny, aby je szeroko rozpowszechnić. Starał się więc dotrzeć do jak największej liczby osób więcej ludzi.
Co więcej, chciał ostrzec nie tylko biedne dziewczyny, takie jak Mary. Ale także arystokraci. Sądząc po jego cyklu prac „Modne małżeństwo”.
Opisana w nim historia była bardzo typowa dla tamtych czasów. Zubożały arystokrata poślubia córkę bogatego kupca. Ale to tylko umowa, która nie oznacza jedności serc.
Najsłynniejszy obraz z tego cyklu „Tete-a-Tete” ukazuje pustkę ich związku.
Williama Hogartha. Modne małżeństwo. Tete-a-Tete. 1743 Galeria Narodowa w Londynie Żona bawiła się z gośćmi przez całą noc. A mąż dopiero rano wrócił do domu załamany hulankami (sądząc po plamie na szyi, był już chory na syfilis). Hrabina niechętnie podnosi się i ma zamiar ziewnąć. Na jej twarzy widać całkowitą obojętność wobec męża.
I nic dziwnego. Rozpoczęła romans na boku. Historia zakończy się smutno. Mąż zastanie żonę w łóżku z jej kochankiem. I w pojedynku zostanie pchnięty mieczem. Kochanek zostanie wysłany na szubienicę. A hrabina popełni samobójstwo.
Hogarth był nie tylko rysownikiem. Jego umiejętności są zbyt wysokie. Złożone i harmonijne połączenia kolorów. A także niesamowita ekspresja. Z łatwością można „czytać” jego obrazy, rozumiejąc, jakie są relacje między ludźmi.
Williama Hogartha. Modne małżeństwo. Pojedynek i śmierć hrabiego. 1743 Galeria Narodowa w Londynie Zasługi Hogartha są trudne do przecenienia. W końcu wynalazł realizm krytyczny. Nikt przed nim nie przedstawił w malarstwie tylu konfliktów i dramatów społecznych.
Reynolds nie wymyślił koła na nowo. Ale postawił bardzo wysokie wymagania wszystkim europejskim artystom.
3. Thomas Gainsborough (1727-1788)
Thomasa Gainsborougha. Autoportret. 1758-1759 Krajowy galeria portretów, Londyn Gainsborough można słusznie nazwać najsłynniejszym angielskim artystą XVIII wieku. Żył w tym samym czasie co Reynolds. Byli rywalami.
Różnicę między Reynoldsem a Gainsborough widać gołym okiem. Pierwszy ma odcienie czerwieni i złota; majestatyczne, uroczyste obrazy.
Gainsborough ma srebrzyste odcienie błękitu i oliwkowej zieleni. A także przewiewne i intymne portrety.
Thomasa Gainsborougha. Portret damy w kolorze niebieskim. 1778-1782 , Sankt Petersburg Wszystko to widzimy na portrecie „Dama w błękicie”. Brak intensywności emocji. Po prostu piękny, delikatny obraz. Aby osiągnąć taki efekt, Gainsborough pracował cienkim pędzlem o długości prawie 2 metrów!
Gainsborough zawsze uważał się przede wszystkim za malarza pejzażu. Jednak potrzeba zarabiania pieniędzy zmusiła go do malowania portretów na zamówienie. Jak na ironię, zasłynął i przeszedł do historii właśnie jako portrecista.
Ale artysta poszedł na kompromis sam ze sobą. Często przedstawiający tematy na łonie natury. Połączenie znienawidzonego portretu i ukochanego krajobrazu.
Thomasa Gainsborougha. Portret państwa Hallett (Poranny spacer). 1785 Galeria Narodowa w Londynie Klienci nie mogli się zdecydować, który z dwóch portrecistów bardziej przypadł im do gustu. A arystokraci zamawiali portrety zarówno u Reynoldsa, jak i Gainsborougha. Byli zbyt różni. Ale pod względem siły dzieł nie były one od siebie gorsze.
Ale w przeciwieństwie do Reynoldsa, jego przeciwnik również był zainteresowany prości ludzie. Z równą pasją malował zarówno księżną, jak i plebsu.
Thomasa Gainsborougha. Dziewczyna ze świniami. 1782 Zbiory prywatne Reynolds wymienił swój obraz „Dziewczyny ze świniami” u kolekcjonera na obraz, który posiadał. Wierząc, że tak jest najlepsza praca jego rywal.
Prace Gainsborougha są wyjątkowe pod względem jakości. Są też nieskryte pociągnięcia pędzla, które z daleka sprawiają, że to, co się dzieje, żyje i oddycha.
Są to gładkie, zacienione linie. To tak, jakby wszystko działo się w wilgotnym powietrzu, i tak jest w Anglii.
I oczywiście niezwykłe połączenie portretu i krajobrazu. Wszystko to odróżnia Gainsborough od wielu innych portrecistów swoich czasów.
4. William Blake (1757-1827)
Thomasa Phillipsa. Portret Williama Blake’a. 1807 Narodowa Galeria Portretów w Londynie William Blake był niezwykłą osobą. Od dzieciństwa nawiedzały go mistyczne wizje. A kiedy dorósł, został anarchistą. Nie uznawał praw i moralności. Wierząc, że w ten sposób uciskana jest ludzka wolność.
Nie uznawał także religii. Uznając to za główne ograniczenie wolności. Oczywiście takie poglądy znalazły odzwierciedlenie w jego twórczości. „Architekt świata” to jego ostry atak na chrześcijaństwo.
Williama Blake’a. Świetny architekt. Ręcznie kolorowana akwaforta. 36 x 26 cm 1794 British Museum, Londyn Stwórca trzyma kompas, wyznaczając granice człowiekowi. Granice, których nie wolno przekraczać. Ograniczanie naszego myślenia, życie w wąskich granicach.
Dla współczesnych jego twórczość była zbyt niezwykła, dlatego za życia nie zyskał uznania.
Niektórzy widzieli w jego dziełach proroctwa i przyszłe wstrząsy. Postrzegając Blake'a jako błogiego, mężczyzna nie jest sobą.
Ale Blake'a nigdy nie uznano oficjalnie za szaleńca. Całe życie pracował owocnie. A on był specjalistą od wszystkiego. Był także znakomitym rytownikiem. I genialny ilustrator. Stworzył niesamowite akwarele do Boskiej Komedii Dantego.
Williama Blake’a. Wir kochanków. 1824-1727 Ilustracja do Boskiej Komedii Dantego Jedyne, co Blake miał wspólnego ze swoją epoką, to moda na wszystko, co straszne i bajeczne. Przecież w Anglii w XIX wieku celebrowano romantyzm i motywy baśniowe.
Dlatego jego obraz „Duch pchły” dobrze wpisuje się w ogólny zakres dzieł tamtych lat.
Williama Blake’a. Duch pchły. 1819 Tempera, złoto, drewno. 21 x 16 cm Tate Britain, Londyn Blake twierdził, że widział duszę krwiopijcy. Ale został umieszczony w małej pchle. Gdyby ta dusza osiadła w człowieku, przelałoby się dużo krwi.
Blake najwyraźniej urodził się przed swoimi czasami. Jego twórczość jest niesamowicie podobna do twórczości symbolistów i surrealistów XX wieku. Pamiętali tego mistrza 100 lat po jego śmierci. Stał się ich idolem i inspiratorem.
5. John Constable (1776-1837)
Ramsaya Reinagle’a. Portret Johna Contable'a. 1799 Narodowa Galeria Portretów w Londynie Pomimo swojego arystokratycznego wyglądu Constable był synem młynarza. I uwielbiał pracować rękami. Umiał orać, budować płoty i łowić ryby. Może dlatego jego pejzaże są pozbawione patosu. Są naturalne i realistyczne.
Przed nim artyści malowali abstrakcyjne pejzaże, często włoskie. Ale Constable pisał o konkretnym obszarze. Prawdziwa rzeka, domek i drzewa.
Johna Contable'a. Wózek z sianem. 1821 Galeria Narodowa w Londynie Jego „Wóz z sianem” to najsłynniejszy angielski krajobraz. To właśnie to dzieło było kiedyś oglądane przez francuską publiczność na wystawie w Paryżu w 1824 roku.
Szczególnie młodzi ludzie byli pod wrażeniem. Kto widział na tym zdjęciu, do czego sami dążyli. Żadnej akademickiej pompatyczności. Nic starożytne ruiny i spektakularne zachody słońca. Lecz tylko życie codzienne na wsi. Piękne w swojej naturalności.
Po tej wystawie Constable sprzedał w Paryżu aż 20 swoich obrazów. W rodzinnej Anglii jego krajobrazy prawie nigdy nie były kupowane.
Jednak w przeciwieństwie do Gainsborougha rzadko zajmował się portretami, aby zarobić pieniądze. Kontynuowanie doskonalenia, szczególnie w malarstwie pejzażowym.
W tym celu studiował Zjawiska naturalne z naukowego punktu widzenia. I wiedział, jak dobrać odcienie bardzo zbliżone do tych występujących w naturze. Szczególnie dobrze radził sobie z niebem, kontrastami jasnych i ciemnych chmur.
Johna Contable'a. Katedra w Salisbury. Widok z ogrodu biskupiego. Kolekcja Fricka 1826, Nowy Jork Ale Constable jest sławny nie tylko zdumiewająco realistyczne obrazy. Ale także z moimi szkicami.
Artysta stworzył szkic tej samej wielkości co przyszły obraz. Praca bezpośrednio na świeżym powietrzu. To była wiedza. I właśnie tę metodę pracy przejmą później impresjoniści.
Johna Contable'a. Łódź i burzliwe niebo. 1824-1828 Królewska Kolekcja Sztuki, Londyn Ale Constable często pisał ukończone prace w studiu na podstawie tych szkiców. Choć cieszyły się większą popularnością wśród ówczesnej publiczności, nie były tak żywe i pełne ruchu jak szkice.
W domu wielkość konstabla została zrealizowana dopiero w XX wieku. Do dziś jest jednym z najbardziej lubianych artystów w Anglii. Można powiedzieć, że Rosjanie traktują nas z taką samą obawą.
6. William Turner (1775-1851)
Williama Turnera. Autoportret. 1799 Tate British Gallery w Londynie Angielskiemu artyście Williamowi Turnerowi udało się zasłynąć w młodości i zostać akademikiem sztuki. Niemal natychmiast zaczęto go nazywać „artystą światła”. Bo na jego płótnach często gościło słońce.
Jeśli spojrzysz na krajobrazy innych artystów, rzadko zobaczysz słońce. Jest za jasno.
Tę jasność trudno jest oddać. To uderza w twoje oczy. Zniekształca wszystko wokół. Ale Turner się tego nie bał. Rysowanie słońca zarówno w zenicie, jak i o zachodzie słońca. Odważnie otaczając światłem wszystko dookoła.
Williama Turnera. Port w Dieppe. Kolekcja Fricka 1826, Nowy Jork, USA Ale Turner, choć był akademikiem i cenił swój tytuł, nie mógł powstrzymać się od eksperymentów. Miał niezwykły i bystry umysł.
Dlatego po kilkudziesięciu latach jego twórczość znacznie ewoluowała. Jest w nich coraz mniej szczegółów. Coraz więcej światła. Coraz więcej wrażeń.
Jednym z najsłynniejszych obrazów tamtych czasów jest „Ostatnia podróż dzielnego statku”.
Widzimy tu małą alegorię. Żaglowce są zastępowane przez statki parowe. Jedna epoka zastępuje inną. Słońce zachodzi, a na jego miejsce pojawia się miesiąc (powyżej po lewej).
Williama Turnera. Ostatni rejs statku Brave. 1838 Galeria Narodowa w Londynie Tutaj nadal dominuje słońce. Zachód słońca zajmuje dobrą połowę zdjęcia. A w kolejnych pracach artysta dochodzi niemal do abstrakcjonizmu. Wyolbrzymianie wszystkich swoich poprzednich aspiracji. Usunięcie szczegółów, pozostawienie jedynie wrażeń i światła.
Williama Turnera. Ranek po powodzi. 1843 Muzeum Tate w Londynie Jak rozumiesz, społeczeństwo nie mogło docenić takich dzieł. Królowa Wiktoria odmówiła pasowania Turnera na rycerza. Reputacja została zachwiana. W społeczeństwie coraz częściej słychać było nuty szaleństwa.
Taki jest los wszystkich prawdziwych artystów. Robi zbyt duży krok do przodu. A społeczeństwo „dogoniło” go dopiero dziesiątki, a nawet stulecia później. To właśnie przydarzyło się wielkiemu Turnerowi.
7. Prerafaelici
Mówiąc o artystach angielskich, trudno pominąć prerafaelitów. Co więcej, w XXI wieku stały się one bardzo popularne.
Skąd taka miłość do tych artystów?
Prerafaelici zaczynali od wzniosłych celów. Chcieli znaleźć wyjście ze ślepego zaułka akademickiego, zbyt sztywnego malarstwa. Mają dość pisania mitów i historii historycznych, które są mało znane ogółowi społeczeństwa. Chcieliśmy pokazać prawdziwe, żywe piękno.
I prerafaelici zaczęli pisać kobiece obrazy. Okazały się bardzo piękne i atrakcyjne.
Spójrzcie tylko na ich rudowłose piękności. Z reguły byli ich kochankami w prawdziwym życiu.
Prerafaelici zaczęli aktywnie śpiewać kobiece piękno. W rezultacie poza tym nie pozostało w nich nic więcej.
Przypominało to inscenizowane, luksusowe fotografie do kolorowych magazynów. Właśnie takie obrazy łatwo sobie wyobrazić w reklamie perfum damskich.
Dlatego prerafaelici byli tak popularni wśród ludzi XXI wieku. W dobie olśniewającej, bardzo jasnej reklamy.
Johna Everetta Millaisa. Ofelia. 1851 Tate Britain w Londynie Mimo oczywistej pustki wielu dzieł, to właśnie ci artyści stali u początków rozwoju designu, który oderwał się od sztuki. W końcu prerafaelici (na przykład William Morris) aktywnie pracowali nad szkicami tkanin, tapet i innych dekoracji wnętrz.
***
Mam nadzieję, że po tym artykule Angielscy artyści otworzyło się dla Ciebie z nowej strony. Nie zawsze tylko Włosi i Holendrzy wywierali wpływ na sztukę światową. Znaczący wkład wnieśli także Brytyjczycy.
Znani angielscy artyści - Znani angielscy artyści
Williama Hogartha (1697-1764) był pierwszym człowiekiem, który wychował (1) brytyjski sztuka malarska (2) do poziomu ważności. Urodził się w Londynie. Jego ojciec był nauczycielem. Jego wczesny zamiłowanie do rysowania (3) był niezwykły i po szkole był normalny jak na swoje czasy był uczniem (4) na srebrną blachę grawer (5).
Swój sukces przypisywał ciężkiej pracy. „Nie znam geniuszu” – pisał – „geniusz jest”. nic oprócz (6) praca i pracowitość (7)’.
Hogarth namalował wiele obrazów. Umowa małżeńska jest pierwszym z serii jego obrazów tworzących słynną „małżeństwo w trybie a la” (8). Obaj ojcowie na zdjęciu siedzą po prawej stronie. Jeden, hrabia, mający powody do dumy w swoim drzewie genealogicznym; drugi, prawdopodobnie radny londyńskiego City, bada ugodę małżeńską. Syn hrabiego podziwia się w lustrze; córka radnego bawi się obrączką i wysłuchuje uprzejmości młodego prawnika.
Tematem obrazu jest protest przeciwko małżeństwu za pieniądze i próżność (9). Hogarth był pierwszym wielkim angielskim artystą.
Sir Joshua Reynolds (1723-1792), pierwszy prezes Akademii Królewskiej, był nie tylko malarzem, ale także twórcą akademickich zasad Szkoła Brytyjska.
Na jego twórczość wpłynęli Wenecjanie, Tycjan (10) I Veronese (11). Jego pasja do bogactwa głębia cieni (12) miał szczęście; do jego uzyskania użył bitumu.
Trzecia wielka postać malarstwa XVIII wieku – Thomas Gainsborough (1727-1788) – urodził się w 1727 roku w małym miasteczku targowym Sudbury w Suffolk.
Gainsborough miał niewiele dzięki wykształceniem akademickim uczył się malować nie wędrując po pracowni, ale obserwując rzeczywisty świat. Pełne wdzięku pozy i srebrzyste odcienie skóry Van Dycka zafascynowały go i odegrały dużą rolę w rozwoju jego umiejętności. Być może najbardziej znanym dziś ze wszystkich portretów Gainsborougha jest słynny Blue Boy.
Ale ciekawie (13) dość, że za czasów Gainsborougha było to mało znane, a nie ma konkretne informacje (14), o dacie powstania obrazu. To jest portret w nawyku Van Dycka (15). Istnieje opinia, że malował Gainsborough Niebieski Chłopiec w celu ustalenia tezy, którą poczynił w pkt spór (16) z Reynoldsem i innymi malarzami, kiedy on utrzymany (17)że dominujący (18) kolor na zdjęciu powinien być niebieski. Jego zdjęcie Dziewczyna z chaty z psem i dzbanem przykuł uwagę ogółu (19). Obraz przedstawiający małą wiejską dziewczynę został po raz pierwszy wystawiony w 1814 roku; łatwa poza dziewczyny, naturalny obrót jej głowy i wyraz twarzy sprawiają, że wierny życiu (20) zdjęcie.
Gainsborough zawsze uważał się za malarza pejzaży, jednak od prawdziwej miłości oderwała go konieczność malowania portretów, aby zarabiać na życie (21).
On był pierwszy przedstawić (22) swobodę liryczną w malarstwie brytyjskim. Jego osiągnięcie polegało na odkryciu piękna rodzimego krajobrazu.
Pierwszym, który wychował Brytyjczyków, był William Hogarth sztuka do odpowiedniego poziomu. Urodził się w Londynie. Jego ojciec był nauczycielem w szkole. Jego wczesne zdolności rysunkowe były imponujące, a po lekcjach kształcił się na grawera srebra.
Jego sukces to ciężka praca. „Wiem, że nie ma czegoś takiego jak geniusz” – pisał. „Geniusz to nic innego jak praca i pracowitość”.
Hogarth namalował wiele obrazów. „Umowa małżeńska” to pierwszy z serii obrazów tworzących słynny cykl „Modne małżeństwo”. Na zdjęciu oboje rodzice są przedstawieni po prawej stronie. Jeden z nich, hrabia, z dumą wskazuje na swoje pochodzenie, drugi, być może członek londyńskiego City, studiuje umowę małżeńską. Syn hrabiego cieszy się swoim odbiciem w lustrze, córka radnego kręci w dłoniach pierścionek i wysłuchuje komplementów młodego prawnika.
Tematem tego obrazu jest protest przeciwko małżeństwu w imię pieniędzy i arogancji. Hogarth był pierwszym znanym angielskim artystą.
Sir Joshua Reynolds, pierwszy prezes Akademii Królewskiej, był nie tylko artystą, ale także twórcą zasad akademickich” Szkoła brytyjska".
Na jego własne obrazy znaczący wpływ mieli wenecjanie Tycjan i Veronese. Jego fascynacja bogactwem cienistych kontrastów zakończyła się sukcesem; aby to osiągnąć, użył żywicy skalnej.
Trzeci znana osoba XVIII wiek Był Thomas Gainsborough, który urodził się w 1727 roku w małym miasteczku Sudbury w hrabstwie Safolk.
Gainsborough nie otrzymał pełnego wykształcenia akademickiego. Rysowania uczył się nie dzięki uważnej pracy w pracowni, ale kontemplacji realnego świata. Majestatyczne pozy i srebrzyste odcienie na obrazach Van Dycka zafascynowały go i wywarły ogromny wpływ na dalszy rozwój jego umiejętności. Najwyraźniej najważniejszym dziełem Gainsborougha jest portret „Chłopiec w błękicie”.
Co ciekawe, dzieło to nie było szerzej znane za życia Gainsborougha, dlatego dokładna data powstania tego obrazu nie jest znana. To portret w stylu Van Dycka. Istnieje opinia, że Gainsborough namalował „Chłopca w błękicie”, aby bronić swojego punktu widzenia w polemice z Van Dyckiem i innymi artystami, że na obrazie dominuje kolor niebieski. Jego obraz „Wiejska dziewczyna z psem i kubkiem” przyciągnął uwagę publiczności. Obraz przedstawiający małą wiejską dziewczynkę został po raz pierwszy wystawiony w 1814 roku. Prosty wygląd dziewczyny, naturalny ruch głowy i wyraz twarzy nadały temu obrazowi realizm.
Gainsborough zawsze uważał się za malarza pejzaży, ale był zmuszony porzucić swoją prawdziwą pasję do pejzaży i malować portrety, aby zarobić na życie.
Był pionierem wolności lirycznej w sztuce brytyjskiej. Jego sukces opiera się na studiowaniu piękna rodzimej natury.
Słownictwo
1. być pierwszym człowiekiem, który wychowa - być pierwszym artystą, który wychowa
2. sztuka malarska – sztuka piękna
3. zamiłowanie do rysowania – skłonność do rysowania
4. terminować – być asystentem, uczniem mistrza
5. grawer – grawer
6. nic poza - tutaj: nic więcej niż
7. pracowitość - pracowitość
8. „małżeństwo a la mode” - (francuski) cykl obrazów „modne małżeństwo”
9. próżność - arogancja, próżność
10. Tycjan – Tycjan Vecellio (1477-1576), słynny włoski artysta
11. Veronese Paolo – Veronese Paolo (1528-1588), słynny włoski artysta
12. głębia cieni - kontrasty cieni
13. ciekawie - interesujące
14. informacja określona - pewna informacja
15. w nawyku Van Dycka – na sposób Van Dycka
16. spór - dyskusja
17. utrzymywać - twierdzić, bronić
18. dominujący - to, co przeważa, dominujące
19. przyciągnąć ogólną uwagę - przyciągnąć ogólną uwagę
20. wierny życiu - tutaj: realistyczny, realistyczny
21. zarabiać na życie - zarabiać na życie
22. wprowadzenie - wprowadzenie
pytania
1. Kto był pierwszym angielskim artystą XVII-XVIII wieku?
2. Co jest tematem obrazu Hogartha „Umowa małżeńska”?
3. Kto był pierwszym prezesem Akademii Królewskiej?
3. Jakie znasz obrazy Gainsborougha?
4. Czy Gainsborough malował tylko portrety?
5. Jaki kolor dominuje na jego obrazach?
Pod koniec I wojny światowej sztuka brytyjska wydawała się zastraszona, jakby ogarnięta poczuciem własnej nieistotności w porównaniu z tak katastrofalnymi wydarzeniami. Artyści z Europy kontynentalnej po raz kolejny przyjęli modernizm, ale artyści brytyjscy nadal się wahali. Jednak następne cztery dekady dały krajowi innowatorów; To prawda, że każdy z nich pracował samodzielnie. Dla wielu obraz (postać) osoby, choć w najbardziej nienaturalnych formach, pozostał głównym tematem twórczości. Do ich twórczych wysiłków przyłączyło się kilka pokrewnych dusz. Abstrakcyjny ekspresjonizm Picassa odbił się echem wśród artystów z grupy Unit One z kornwalijskiego miasteczka St. Ives. Mistrzowie tacy jak Stanley Spencer, Augustus John i Lucian Freud stopniowo zmieniali kanony malarstwa figuratywnego. Szczególnie duży wkład w zniszczenie tradycji wniósł Francis Bacon swoimi groteskowymi portretami. Założyciel Unit One, Paul Nash, znany ze swoich obrazów z I wojny światowej, dał widzom surrealistyczne spojrzenie na brytyjski krajobraz; John Piper, kolejny artysta wojenny, był pionierem stylu neoromantycznego, eksperymentując z kolorem w dramatycznych krajobrazach.
Stanleya Spencera Szokował współczesnych, tworząc płótna przedstawiające sceny biblijne otoczone idyllicznymi scenami życia wiejskiego w międzywojennej Wielkiej Brytanii. Podczas II wojny światowej namalował serię obrazów przedstawiających ciężką pracę stoczniowców w stoczniach nad rzeką Clyde. W jego więcej późna twórczość impuls seksualny nasila się. Nagie portrety drugiej żony Spencera skłoniły prezesa Królewskiej Akademii Sztuk do oskarżenia artysty o nieprzyzwoitość. Ale niezależnie od tego, co przedstawia Spencer, jego styl figuratywny wyróżnia się wirtuozerską precyzją.
Henry'ego Moore'a- wybitny rzeźbiarz brytyjski XX wieku. Po studiowaniu wczesnej sztuki Ameryki Południowej w latach dwudziestych XX wieku Yorkshireman Moore dziesięć lat później zwrócił się w stronę sztuki abstrakcyjnej. Zaczynając od sztuki Picassa, w swojej twórczości przechodzi od bezkształtnych brył wolumetrycznych do tworzenia płynnych form kobiecych, co będzie głównym motywem jego rzeźby aż do lat 80. XX wieku. „Moje ogromne, leżące postacie” – powiedział Moore – „są stworzone przez naturę” i być może dlatego wyglądają całkowicie naturalnie w środowisku ogrodnictwa krajobrazowego.
Dziewczyna Mura Barbara Hepworth również uwielbiał formy abstrakcyjne, ale interpretował je raczej jako symbole natury niż postacie. Pracując z metalem, drewnem i kamieniem, stworzyła biomorficzne obrazy o namacalnej fakturze. Kompozycje Hepwortha charakteryzują się obecnością dziur, które płynnie wtapiają się w rzeźbę. Być może jej najbardziej słynne dzieło- „Single Form” (Single Form, 1963), mieszczący się w budynku Zgromadzenia Ogólnego ONZ w Nowym Jorku. Hepworth zginęła w pożarze swojej pracowni w St Ives w 1975 roku.
Franciszka Bacona był najważniejszym brytyjskim artystą XX wieku. Nie miał Specjalna edukacja, ale we wczesnej dorosłości regularnie odwiedzał wszystko galerie sztuki Paryż, Berlin i Londyn. Twórczość Picassa wywarła na niego ogromny wpływ. W 1945 roku wystawił w Londynie swoją pracę „Trzy studia postaci u podstawy ukrzyżowania” (1944) - niesamowite, surrealistyczne kompozycje form antropomorficznych, przypominające ludzi, zwierzęta lub Bóg wie kogo jeszcze. Następnego ranka Bacon obudził się sławny. Malował w stylu sztuki figuratywnej, jednak jego portrety – postacie rozerwane, jakby wywrócone na lewą stronę, „zdeformowane, a następnie przekształcone”, jak powiedział kiedyś sam artysta, pozostawiły niezatarte wrażenie. Część jego obrazów opiera się na dziełach klasycznych. Taki jest na przykład jego wrzeszczący papież – oryginalny wizerunek surowego papieża Innocentego X z portretu Velazqueza, zniekształcony nie do poznania. Otwarte, krzyczące usta to powracający motyw w jego twórczości. Bacon miał także zwyczaj malowania twarzy obok kawałków mięsa, co wskazywało na ich podobieństwo psychologiczne.
Lucjan Freud, wnuk Zygmunta Freuda, wyemigrował do Wielkiej Brytanii z nazistowskie Niemcy. Czerpiąc mocno ze stylu Stanleya Spencera, wypracował realistyczne, prozaiczne podejście do przedstawiania postaci ludzkiej, nakładając grube warstwy farby. Z wiekiem Freud stopniowo zmieniał swoją interpretację ludzkie obrazy, bez litości, przedstawiając ludzi w coraz bardziej naturalistyczny sposób, ze wszystkimi ich guzami i brodawkami. Brudne, nieatrakcyjne pokoje stanowiły tło dla jego siedzących, zazwyczaj nagich, apatycznych postaci. Powszechnie znany jako utalentowany artysta, Freud kontynuował pisanie w XXI wieku. W 2008 roku jego portret śpiącego nagiego pracownika socjalnego stał się najdroższym dziełem sztuki żyjącego artysty, którego cena na aukcji wyniosła 17,2 miliona funtów.
