Słynne obrazy angielskich artystów. Artyści z Wielkiej Brytanii i Irlandii Północnej (artyści brytyjscy, artyści angielscy, artyści irlandzcy)
Artyści z jakiego kraju wnieśli szczególny wkład w rozwój malarstwa światowego?
Zadając to pytanie, często pamiętają Artyści francuscy. Więcej . I nikt nie wątpi w wpływ.
Ale jeśli weźmiemy XVIII wiek i początek XIX, to ważne jest, aby zwrócić uwagę na zalety Angielscy artyści.
W tym okresie w kraju Foggy Albion pracowało kilku bystrych mistrzów, którzy radykalnie zmienili sztukę światową.
1. William Hogarth (1697-1764)
Williama Hogartha. Autoportret. 1745 Tate British Gallery w Londynie Hogarth żył w trudnych czasach. Na początku XVIII wieku w Anglii dopiero kształtowało się społeczeństwo burżuazyjne, które zastąpiło społeczeństwo feudalne.
Wartości moralne były nadal niepewne. Z całą powagą, własny interes i wzbogacenie się w jakikolwiek sposób uważano za cnoty. Podobnie jak w latach 90. XX wieku w Rosji.
Hogarth postanowił nie milczeć. I próbował otworzyć oczy swoim rodakom na upadek wartości moralne. Za pomocą obrazów i rycin.
Zaczął od serii obrazów zatytułowanych „Kariera prostytutki”. Niestety malowidła nie zachowały się. Pozostały tylko ryciny.
Williama Hogartha. Kariera prostytutki: Uwięziona przez alfonsa. Rytownictwo. 1732 Ten prawdziwa historia o wiejskiej dziewczynie Marii, która przybyła do miasta w poszukiwaniu szczęścia. Ale wpadła w szpony starego alfonsa. Tę scenę widzimy na pierwszym rycinie. Stając się kobietą utrzymaną, spędziła swoje krótkie życie wśród wyrzutków społecznych.
Hogarth celowo przetłumaczył swoje obrazy na ryciny, aby je szeroko rozpowszechnić. Starał się więc dotrzeć do jak największej liczby osób.
Co więcej, chciał ostrzec nie tylko biedne dziewczyny, takie jak Mary. Ale także arystokraci. Sądząc po jego cyklu prac „Modne małżeństwo”.
Opisana w nim historia była bardzo typowa dla tamtych czasów. Zubożały arystokrata poślubia córkę bogatego kupca. Ale to tylko umowa, która nie oznacza jedności serc.
Najbardziej słynny obraz z tego odcinka „Tete-a-Tete” ukazuje pustkę ich związku.
Williama Hogartha. Modne małżeństwo. Tete-a-Tete. 1743 Galeria Narodowa w Londynie Żona bawiła się z gośćmi przez całą noc. A mąż dopiero rano wrócił do domu załamany hulankami (sądząc po plamie na szyi, był już chory na syfilis). Hrabina niechętnie podnosi się i ma zamiar ziewnąć. Na jej twarzy widać całkowitą obojętność wobec męża.
I nic dziwnego. Rozpoczęła romans na boku. Historia zakończy się smutno. Mąż zastanie żonę w łóżku z jej kochankiem. I w pojedynku zostanie pchnięty mieczem. Kochanek zostanie wysłany na szubienicę. A hrabina popełni samobójstwo.
Hogarth był nie tylko rysownikiem. Jego umiejętności są zbyt wysokie. Złożone i harmonijne połączenia kolorów. A także niesamowita ekspresja. Z łatwością można „czytać” jego obrazy, rozumiejąc, jakie są relacje między ludźmi.
Williama Hogartha. modne małżeństwo. Pojedynek i śmierć hrabiego. 1743 Galeria Narodowa w Londynie Zasługi Hogartha są trudne do przecenienia. W końcu wynalazł realizm krytyczny. Nikt przed nim nie przedstawił w malarstwie tylu konfliktów i dramatów społecznych.
Reynolds nie wymyślił koła na nowo. Ale postawił bardzo wysokie wymagania wszystkim europejskim artystom.
3. Thomas Gainsborough (1727-1788)
Thomasa Gainsborougha. Autoportret. 1758-1759 Narodowa Galeria Portretów w Londynie Gainsborough można słusznie nazwać najsłynniejszym angielskim artystą XVIII wieku. Żył w tym samym czasie co Reynolds. Byli rywalami.
Różnicę między Reynoldsem a Gainsborough widać gołym okiem. Pierwszy ma odcienie czerwieni i złota; majestatyczne, uroczyste obrazy.
Gainsborough ma srebrzyste odcienie błękitu i oliwkowej zieleni. A także przewiewne i intymne portrety.
Thomasa Gainsborougha. Portret damy w kolorze niebieskim. 1778-1782 , Sankt Petersburg Wszystko to widzimy na portrecie „Dama w błękicie”. Brak intensywności emocji. Po prostu piękny, delikatny obraz. Aby osiągnąć taki efekt, Gainsborough pracował cienkim pędzlem o długości prawie 2 metrów!
Gainsborough zawsze uważał się przede wszystkim za malarza pejzażu. Jednak potrzeba zarabiania pieniędzy zmusiła go do malowania portretów na zamówienie. Jak na ironię, zasłynął i przeszedł do historii właśnie jako portrecista.
Ale artysta poszedł na kompromis sam ze sobą. Często przedstawiający tematy na łonie natury. Połączenie znienawidzonego portretu i ukochanego krajobrazu.
Thomasa Gainsborougha. Portret państwa Hallett (Poranny spacer). 1785 Galeria Narodowa w Londynie Klienci nie mogli się zdecydować, który z dwóch portrecistów bardziej przypadł im do gustu. A arystokraci zamawiali portrety zarówno u Reynoldsa, jak i Gainsborougha. Byli zbyt różni. Ale pod względem siły dzieł nie były one od siebie gorsze.
Ale w przeciwieństwie do Reynoldsa, jego przeciwnika również pociągali zwykli ludzie. Z równą pasją malował zarówno księżną, jak i plebsu.
Thomasa Gainsborougha. Dziewczyna ze świniami. 1782 Zbiory prywatne Reynolds wymienił swój obraz „Dziewczyny ze świniami” u kolekcjonera na obraz, który posiadał. Wierząc, że tak jest najlepsza praca jego rywal.
Prace Gainsborougha są wyjątkowe pod względem jakości. Są też nieskryte pociągnięcia pędzla, które z daleka sprawiają, że to, co się dzieje, żyje i oddycha.
Są to gładkie, zacienione linie. To tak, jakby wszystko działo się w wilgotnym powietrzu, i tak jest w Anglii.
I oczywiście niezwykłe połączenie portretu i krajobrazu. Wszystko to odróżnia Gainsborough od wielu innych portrecistów swoich czasów.
4. William Blake (1757-1827)
Thomasa Phillipsa. Portret Williama Blake’a. 1807 Narodowa Galeria Portretów w Londynie Williama Blake’a był niezwykłą osobą. Od dzieciństwa nawiedzały go mistyczne wizje. A kiedy dorósł, został anarchistą. Nie uznawał praw i moralności. Wierząc, że w ten sposób uciskana jest ludzka wolność.
Nie uznawał także religii. Uznając to za główne ograniczenie wolności. Oczywiście takie poglądy znalazły odzwierciedlenie w jego twórczości. „Architekt świata” to jego ostry atak na chrześcijaństwo.
Williama Blake’a. Świetny architekt. Ręcznie kolorowana akwaforta. 36 x 26 cm 1794 British Museum, Londyn Stwórca trzyma kompas, wyznaczając granice człowiekowi. Granice, których nie wolno przekraczać. Ograniczanie naszego myślenia, życie w wąskich granicach.
Dla współczesnych jego twórczość była zbyt niezwykła, dlatego za życia nie zyskał uznania.
Niektórzy widzieli w jego dziełach proroctwa i przyszłe wstrząsy. Postrzegając Blake'a jako błogiego, mężczyzna nie jest sobą.
Ale Blake'a nigdy nie uznano oficjalnie za szaleńca. Całe życie pracował owocnie. A on był specjalistą od wszystkiego. Był także znakomitym rytownikiem. I genialny ilustrator. Stworzył niesamowite akwarele do Boskiej Komedii Dantego.
Williama Blake’a. Wir kochanków. 1824-1727 Ilustracja do Boskiej Komedii Dantego Jedyne, co Blake miał wspólnego ze swoją epoką, to moda na wszystko, co straszne i bajeczne. Przecież w Anglii w XIX wieku celebrowano romantyzm i motywy baśniowe.
Dlatego jego obraz „Duch pchły” dobrze wpisuje się w ogólny zakres dzieł tamtych lat.
Williama Blake’a. Duch pchły. 1819 Tempera, złoto, drewno. 21 x 16 cm Tate Britain, Londyn Blake twierdził, że widział duszę krwiopijcy. Ale został umieszczony w małej pchle. Gdyby ta dusza osiadła w człowieku, przelałoby się dużo krwi.
Blake najwyraźniej urodził się przed swoimi czasami. Jego twórczość jest niesamowicie podobna do twórczości symbolistów i surrealistów XX wieku. Pamiętali tego mistrza 100 lat po jego śmierci. Stał się ich idolem i inspiratorem.
5. John Constable (1776-1837)
Ramsaya Reinagle’a. Portret Johna Contable'a. 1799 Narodowa Galeria Portretów w Londynie Pomimo arystokratyczny wygląd Konstabl był synem młynarza. I uwielbiał pracować rękami. Umiał orać, budować płoty i łowić ryby. Może dlatego jego pejzaże są pozbawione patosu. Są naturalne i realistyczne.
Przed nim artyści malowali abstrakcyjne pejzaże, głównie włoskie. Ale Constable napisał konkretną miejscowość. Naprawdę istniejąca rzeka, domek i drzewa.
Johna Contable'a. Wózek z sianem. 1821 Galeria Narodowa w Londynie Jego „Wóz z sianem” to najsłynniejszy angielski krajobraz. To właśnie to dzieło było kiedyś oglądane przez francuską publiczność na wystawie w Paryżu w 1824 roku.
Szczególnie młodzi ludzie byli pod wrażeniem. Kto widział na tym zdjęciu to, do czego sami dążyli. Żadnej akademickiej pompatyczności. Nic starożytne ruiny i spektakularne zachody słońca. Lecz tylko życie codzienne na wsi. Piękne w swojej naturalności.
Po tej wystawie Constable sprzedał w Paryżu aż 20 swoich obrazów. W rodzinnej Anglii jego krajobrazy prawie nigdy nie były kupowane.
Ale w przeciwieństwie do Gainsborougha rzadko przerzucał się na portrety w imię zarabiania pieniędzy. Ciągłe doskonalenie się w malarstwie pejzażowym.
W tym celu studiował Zjawiska naturalne Z punkt naukowy wizja. I wiedział, jak dobrać odcienie bardzo zbliżone do tych występujących w naturze. Szczególnie dobrze radził sobie z niebem, kontrastami jasnych i ciemnych chmur.
Johna Contable'a. Katedra w Salisbury. Widok z ogrodu biskupiego. Kolekcja Fricka 1826, Nowy Jork Ale Constable słynie nie tylko z niesamowicie realistycznych obrazów. Ale także z moimi szkicami.
Artysta stworzył szkic tej samej wielkości co przyszły obraz. Praca bezpośrednio na świeżym powietrzu. To była wiedza. I właśnie tę metodę pracy przejmą później impresjoniści.
Johna Contable'a. Łódź i burzliwe niebo. 1824-1828 Królewska Kolekcja Sztuki, Londyn Ale Constable często pisał ukończone prace w studiu na podstawie tych szkiców. Choć cieszyły się większą popularnością wśród ówczesnej publiczności, nie były tak żywe i pełne ruchu jak szkice.
W domu wielkość konstabla została zrealizowana dopiero w XX wieku. Do dziś jest jednym z najbardziej lubianych artystów w Anglii. Można powiedzieć, że Rosjanie traktują nas z taką samą obawą.
6. William Turner (1775-1851)
Williama Turnera. Autoportret. 1799 Tate British Gallery w Londynie Angielskiemu artyście Williamowi Turnerowi udało się zasłynąć w młodości i zostać akademikiem sztuki. Niemal natychmiast zaczęto go nazywać „artystą światła”. Bo na jego płótnach często gościło słońce.
Jeśli spojrzysz na krajobrazy innych artystów, rzadko zobaczysz słońce. Jest za jasno.
Tę jasność trudno jest oddać. Uderza w oczy. Zniekształca wszystko wokół. Ale Turner się tego nie bał. Rysowanie słońca zarówno w zenicie, jak i o zachodzie słońca. Odważnie otaczając światłem wszystko dookoła.
Williama Turnera. Port w Dieppe. Kolekcja Fricka 1826, Nowy Jork, USA Ale Turner, choć był akademikiem i cenił swój tytuł, nie mógł powstrzymać się od eksperymentów. Miał niezwykły i bystry umysł.
Dlatego po kilkudziesięciu latach jego twórczość znacznie ewoluowała. Jest w nich coraz mniej szczegółów. Coraz więcej światła. Coraz więcej wrażeń.
Jednym z najsłynniejszych obrazów tamtych czasów jest „Ostatnia podróż dzielnego statku”.
Widzimy tu małą alegorię. Żaglowce są zastępowane przez statki parowe. Jedna epoka zastępuje inną. Słońce zachodzi, a na jego miejsce pojawia się miesiąc (powyżej po lewej).
Williama Turnera. Ostatni rejs statku Brave. 1838 Galeria Narodowa w Londynie Tutaj nadal dominuje słońce. Zachód słońca zajmuje dobrą połowę zdjęcia. A w kolejnych pracach artysta dochodzi niemal do abstrakcjonizmu. Wyolbrzymianie wszystkich swoich poprzednich aspiracji. Usunięcie szczegółów, pozostawienie jedynie wrażeń i światła.
Williama Turnera. Ranek po powodzi. 1843 Muzeum Tate w Londynie Jak rozumiesz, społeczeństwo nie mogło docenić takich dzieł. Królowa Wiktoria odmówiła pasowania Turnera na rycerza. Reputacja została zachwiana. W społeczeństwie coraz częściej słychać było nuty szaleństwa.
Taki jest los wszystkich prawdziwych artystów. Robi zbyt duży krok do przodu. A społeczeństwo „dogoniło” go dopiero dziesiątki, a nawet stulecia później. To właśnie przydarzyło się wielkiemu Turnerowi.
7. Prerafaelici
Mówiąc o artystach angielskich, trudno pominąć prerafaelitów. Co więcej, w XXI wieku stały się one bardzo popularne.
Skąd taka miłość do tych artystów?
Prerafaelici zaczynali od wzniosłych celów. Chcieli znaleźć wyjście ze ślepego zaułka akademickiego, zbyt sztywnego malarstwa. Mają dość pisania mitów i historii historycznych, które są mało znane ogółowi społeczeństwa. Chcieliśmy pokazać prawdziwe, żywe piękno.
I prerafaelici zaczęli pisać kobiece obrazy. Okazały się bardzo piękne i atrakcyjne.
Spójrzcie tylko na ich rudowłose piękności. Z reguły ci, którzy byli ich kochankami i prawdziwe życie.
Prerafaelici zaczęli aktywnie gloryfikować kobiece piękno. W rezultacie poza tym nie pozostało w nich nic więcej.
Przypominało to inscenizowane, luksusowe fotografie do kolorowych magazynów. Właśnie takie obrazy łatwo sobie wyobrazić w reklamie perfum damskich.
Dlatego prerafaelici byli tak popularni wśród ludzi XXI wieku. W dobie olśniewającej, bardzo jasnej reklamy.
Johna Everetta Millaisa. Ofelia. 1851 Tate Britain w Londynie Mimo oczywistej pustki wielu dzieł, to właśnie ci artyści stali u początków rozwoju designu, który oderwał się od sztuki. W końcu prerafaelici (na przykład William Morris) aktywnie pracowali nad szkicami tkanin, tapet i innych dekoracji wnętrz.
***
Mam nadzieję, że po tym artykule Angielscy artyści otworzył dla ciebie z nowa strona. Nie zawsze tylko Włosi i Holendrzy wywierali wpływ na sztukę światową. Znaczący wkład wnieśli także Brytyjczycy.
Znani angielscy artyści - Znani angielscy artyści
Williama Hogartha (1697-1764) był pierwszym człowiekiem, który wychował (1) brytyjski sztuka malarska (2) do poziomu ważności. Urodził się w Londynie. Jego ojciec był nauczycielem. Jego wczesny zamiłowanie do rysowania (3) był niezwykły i po szkole był normalny jak na swoje czasy był uczniem (4) na srebrną blachę grawer (5).
Swój sukces przypisywał ciężkiej pracy. „Nie znam geniuszu” – pisał – „geniusz jest”. nic oprócz (6) praca i pracowitość (7)’.
Hogarth namalował wiele obrazów. Umowa małżeńska jest pierwszym z serii jego obrazów tworzących słynną „małżeństwo w trybie a la” (8). Obaj ojcowie na zdjęciu siedzą po prawej stronie. Jeden, hrabia, mający powody do dumy w swoim drzewie genealogicznym; drugi, prawdopodobnie radny londyńskiego City, bada ugodę małżeńską. Syn hrabiego podziwia się w lustrze; córka radnego bawi się obrączką i wysłuchuje uprzejmości młodego prawnika.
Tematem obrazu jest protest przeciwko małżeństwu za pieniądze i próżność (9). Hogarth był pierwszym wielkim angielskim artystą.
Sir Joshua Reynolds (1723-1792), pierwszy prezes Akademii Królewskiej, był nie tylko malarzem, ale także twórcą akademickich zasad Szkoła brytyjska.
Na jego twórczość wpłynęli Wenecjanie, Tycjan (10) I Veronese (11). Jego pasja do bogactwa głębia cieni (12) miał szczęście; do jego uzyskania użył bitumu.
Trzecia wielka postać malarstwa XVIII wieku – Thomas Gainsborough (1727-1788) – urodził się w 1727 roku w małym miasteczku targowym Sudbury w Suffolk.
Gainsborough miał niewiele dzięki wykształceniem akademickim uczył się malować nie wędrując po pracowni, ale obserwując rzeczywisty świat. Pełne wdzięku pozy i srebrzyste odcienie skóry Van Dycka zafascynowały go i odegrały dużą rolę w rozwoju jego umiejętności. Być może najbardziej znanym dziś ze wszystkich portretów Gainsborougha jest słynny Blue Boy.
Ale ciekawie (13) dość, że za czasów Gainsborougha było to mało znane, a nie ma konkretne informacje (14), o dacie powstania obrazu. To jest portret w nawyku Van Dycka (15). Istnieje opinia, że malował Gainsborough Niebieski Chłopiec w celu ustalenia tezy, którą poczynił w pkt spór (16) z Reynoldsem i innymi malarzami, kiedy on utrzymany (17)że dominujący (18) kolor na zdjęciu powinien być niebieski. Jego zdjęcie Dziewczyna z chaty z psem i dzbanem przykuł uwagę ogółu (19). Obraz przedstawiający małą wiejską dziewczynę został po raz pierwszy wystawiony w 1814 roku; łatwa poza dziewczyny, naturalny obrót jej głowy i wyraz twarzy sprawiają, że wierny życiu (20) zdjęcie.
Gainsborough zawsze uważał się za malarza pejzaży, jednak od prawdziwej miłości oderwała go konieczność malowania portretów, aby zarabiać na życie (21).
On był pierwszy przedstawić (22) swobodę liryczną w malarstwie brytyjskim. Jego osiągnięcie polegało na odkryciu piękna rodzimego krajobrazu.
William Hogarth jako pierwszy podniósł brytyjską sztukę piękną na właściwy poziom. Urodził się w Londynie. Jego ojciec był nauczycielem w szkole. Jego wczesne zdolności rysunkowe były imponujące, a po lekcjach kształcił się na grawera srebra.
Jego sukces to ciężka praca. „Wiem, że nie ma czegoś takiego jak geniusz” – pisał. „Geniusz to nic innego jak praca i pracowitość”.
Hogarth namalował wiele obrazów. „Umowa małżeńska” to pierwszy z serii obrazów tworzących słynny cykl „Modne małżeństwo”. Na zdjęciu oboje rodzice są przedstawieni po prawej stronie. Jeden z nich, hrabia, z dumą wskazuje na swoje pochodzenie, drugi, być może członek londyńskiego City, studiuje umowę małżeńską. Syn hrabiego cieszy się swoim odbiciem w lustrze, córka radnego kręci w dłoniach pierścionek i wysłuchuje komplementów młodego prawnika.
Tematem tego obrazu jest protest przeciwko małżeństwu w imię pieniędzy i arogancji. Hogarth był pierwszym znanym angielskim artystą.
Sir Joshua Reynolds, pierwszy prezes Akademii Królewskiej, był nie tylko artystą, ale także twórcą zasad akademickich” Szkoła brytyjska".
Na jego własne obrazy Wenecjanie Tycjan i Veronese mieli znaczący wpływ. Jego fascynacja bogactwem cienistych kontrastów zakończyła się sukcesem; aby to osiągnąć, użył żywicy skalnej.
Trzecia znana postać XVIII wieku. Był Thomas Gainsborough, który urodził się w 1727 roku w małym miasteczku Sudbury w hrabstwie Safolk.
Gainsborough nie otrzymał pełnego wykształcenia akademickiego. Rysowania nauczył się nie przez uważną pracę w pracowni, ale poprzez kontemplację prawdziwy świat. Majestatyczne pozy i srebrzyste odcienie na obrazach Van Dycka zafascynowały go i wywarły ogromny wpływ na dalszy rozwój jego umiejętności. Najwyraźniej najważniejszym dziełem Gainsborougha jest portret „Chłopiec w błękicie”.
Co ciekawe, dzieło to nie było szerzej znane za życia Gainsborougha, dlatego dokładna data powstania tego obrazu nie jest znana. To portret w stylu Van Dycka. Istnieje opinia, że Gainsborough namalował „Chłopca w błękicie”, aby bronić swojego punktu widzenia w polemice z Van Dyckiem i innymi artystami, że na obrazie dominuje kolor niebieski. Jego obraz „Wiejska dziewczyna z psem i kubkiem” przyciągnął uwagę publiczności. Obraz przedstawiający małą wiejską dziewczynkę został po raz pierwszy wystawiony w 1814 roku. Prosty wygląd dziewczyny, naturalny ruch głowy i wyraz twarzy nadały temu obrazowi realizm.
Gainsborough zawsze uważał się za malarza pejzaży, ale był zmuszony porzucić swoją prawdziwą pasję do pejzaży i malować portrety, aby zarobić na życie.
Był pionierem wolności lirycznej w sztuce brytyjskiej. Jego sukces opiera się na studiowaniu piękna rodzimej natury.
Słownictwo
1. być pierwszym człowiekiem, który wychowa - być pierwszym artystą, który wychowa
2. sztuka malarska – sztuka piękna
3. zamiłowanie do rysowania – skłonność do rysowania
4. terminować – być asystentem, uczniem mistrza
5. grawer – grawer
6. nic poza - tutaj: nic więcej niż
7. pracowitość - pracowitość
8. „małżeństwo a la mode” - (francuski) cykl obrazów „modne małżeństwo”
9. próżność - arogancja, próżność
10. Tycjan – Tycjan Vecellio (1477-1576), słynny malarz włoski
11. Veronese Paolo- Veronese Paolo (1528-1588), słynny włoski malarz
12. głębia cieni - kontrasty cieni
13. ciekawie - interesujące
14. informacja określona - pewna informacja
15. w nawyku Van Dycka – na sposób Van Dycka
16. spór - dyskusja
17. utrzymać - twierdzić, podtrzymywać
18. dominujący - to, co przeważa, dominujące
19. przyciągnąć uwagę ogółu
20. wierny życiu - tutaj: życiowy, realistyczny
21. zarabiać na życie - zarabiać na życie
22. wprowadzenie - wprowadzenie
pytania
1. Kto był pierwszym angielskim artystą XVII-XVIII w.?
2. Co jest tematem obrazu Hogartha „Umowa małżeńska”?
3. Kto był pierwszym prezesem Akademii Królewskiej?
3. Jakie znasz obrazy Gainsborougha?
4. Czy Gainsborough malował tylko portrety?
5. Jaki kolor dominuje na jego obrazach?
Kolekcjonerzy malarstwa antycznego są konserwatywni w swoich upodobaniach. Największe zainteresowanie budzą mistrzowie włoskiego renesansu, starzy malarze holenderscy i niemieccy, francuscy impresjoniści i nie tylko. Jednocześnie artyści innych krajów i epok często zasługują na nie mniej bliska Uwaga. Spójrzmy na obrazy Anglii.
Niewiele osób nazwałoby malarstwo angielskie jednym ze skarbów kraju i na próżno. Wśród artystów Anglii jest wielu ciekawych i oryginalnych mistrzów, których dzieła zdobią najlepsze galerie sztuki na świecie i najbogatsze prywatne kolekcje dzieł sztuki.
Jednak wśród szerokich kręgów miłośników sztuki Anglia niezasłużenie schodzi na dalszy plan. Nie każdy może bez wahania wymienić przynajmniej trzech angielskich malarzy. Postaramy się wyeliminować tę niesprawiedliwość, przedstawiając krótki przegląd starożytnego malarstwa angielskiego od momentu jego uformowania się w odrębne, niezależne zjawisko sztuki światowej.
Początki malarstwa angielskiego.
Do XVII wieku o malarstwie angielskim można było mówić jedynie warunkowo. Były miniatury i freski, ale Anglicy wydawali się bladzi na tle szkół włoskich czy holenderskich. W kraju nie zachęcano do malowania – surowi i surowi purytanie, którzy dominowali w sferze ideologicznej, nie byli zadowoleni z jakiejkolwiek „dekoracji”.
Nic dziwnego, że autorzy pierwsi w języku angielskim obrazy nie byli Anglikami. Historię malarstwa angielskiego należy rozpocząć od dzieł wielkich Holendrów Rubensa i Van Dycka, którzy dali potężny impuls rozwojowi angielskiej sztuki pięknej. Jeśli jednak wykonanie przez Rubensa malowideł ściennych dla Pałacu Whitehall w 1629 roku stało się dla artysty w istocie jedynie genialnym uzupełnieniem jego kariery dyplomaty (był szefem ambasady króla hiszpańskiego w negocjacjach z Karolem I, królem Anglii), to Anthony Van Dyck był nadwornym artystą Karola, otrzymał tytuł szlachecki i został pochowany w słynnej londyńskiej katedrze św. Pawła.
Portretami zajmowali się Van Dyck i Holender Cornelis Ketel, Daniel Mitens, Niemcy von der Faes (Peter Lely) i Gottfried Kniller (Sir Godfrey Kneller, ulubieniec Cromwella), którzy przybyli po nim do Anglii. Ich obrazy wyróżnia błyskotliwy kunszt i subtelność obserwacji psychologicznej. Ich usługi zostały wysoko ocenione. Wszyscy zostali uszlachetnieni, a Neller został nawet pochowany w Opactwie Westminsterskim.
Dominującym gatunkiem malarstwa angielskiego był uroczysty portret. Tematyka historyczna i mitologiczna zajmowała miejsce drugorzędne, a malarzy pejzażystów było niewielu.
Anglicy w XVII wieku zmuszeni byli oddać pierwsze role genialnym obcokrajowcom. Ale nawet wśród nich pojawili się prawdziwi mistrzowie. I tak William Dobson (1610-1646) zaczął od kopiowania obrazów Tycjana i Van Dycka, ale teraz szkoccy lordowie z dumą eksponują w swoich zamkach zabytkowe obrazy, z których wiele to portrety ich przodków autorstwa Dobsona.
Wiek XVIII to „złoty wiek” malarstwa angielskiego.
Prawdziwym przełomem w sztukach wizualnych, który zdjął z Brytyjczyków piętno „wiecznych studentów”, było dzieło Williama Hogartha (1697-1764).
Otworzył „złoty” XVIII wiek malarstwa angielskiego. Był innowatorem i realistą pod każdym względem. Malował marynarzy, żebraków, swoich sług i kobiety łatwych cnót. Jego poszczególne obrazy czy cykle są czasem ostro satyryczne, czasem głęboko smutne, ale zawsze bardzo żywe i realistyczne. A jasna radość „Dziewczyny z krewetkami” (1745) po prostu wywołuje uśmiech. Portret ten jest jednomyślnie uznawany zarówno przez amatorów, jak i krytyków za jeden z najciekawszych i najważniejszych portretów epoki.
Hogarth pisał także o tematyce historycznej i był mistrzem grawerowania. Jest autorem eseju „Analiza piękna” poświęconego celom i znaczeniu sztuk pięknych (1753).
To właśnie od Hogartha oświecone społeczeństwo Europy zaczęło przyznawać malarstwu angielskiemu należne mu miejsce, angielskie obrazy stały się poszukiwane, a sam artysta zyskał światową sławę.
Drugi co do wielkości mistrz, na którego twórczość warto zwrócić uwagę koneserów antyczne obrazy, został Joshua Reynolds (1723-1792), pierwszym prezesem Królewskiej Akademii Sztuk. Studiował w Anglii i spędził trzy lata we Włoszech, gdzie Michał Anioł stał się jego idolem. Portret pozostał głównym gatunkiem, w którym pracował artysta.
Jego twórczość wyróżnia się duża różnorodność- od uroczystych portretów szlachty pełnych doskonałości i sztywności po urokliwe wizerunki dzieci (przynajmniej wspaniała „Dziewczyna z truskawkami”, 1771).
Dał dar mistrza i jest niezbędny tematy mitologiczne, ale jego bohaterowie nie są bynajmniej akademiccy. Wystarczy spojrzeć na figlarną Wenus („Kupid rozwiązuje pas Wenus”, 1788) lub infantylny poważny łup Herkulesa („Mały Herkules dusi węża”, 1786).
Reynolds był także wybitnym teoretykiem sztuki, który pozostawił po sobie wiele dzieł, które uczyły pokolenia malarzy. Pod koniec życia artysta doznał straszliwego ciosu – stracił wzrok.
Trzecim wielkim mistrzem tego okresu był Thomas Gainsborough (1727-1788), stały rywal Reynoldsa. Gainsborough, gorszy od przeciwnika pod względem dokładności uderzenia i wyrafinowania techniki, przewyższył go oryginalnością i bezpośredniością w przekazywaniu natury.
Muszę powiedzieć, że Gainsborough zajął się portretem tylko dlatego, że ten gatunek, w przeciwieństwie do jego ulubionego krajobrazu, umożliwił wygodne życie. Jednak jego portrety uderzająco różniły się od tradycyjnych. Ludzie naprawdę w nich żyją, są zanurzeni w swoim wewnętrznym świecie, a nie pozują i „zanurzają się w myślach o wielkich rzeczach”. Dlatego Gainsborough ma tak wiele portretów rodzinnych i dziecięcych – klienci woleli widzieć swoich bliskich takimi, jakimi są.
Być może najsłynniejszym arcydziełem Gainsborougha jest Chłopiec w błękicie (1770). Dobra transmisja wewnętrzny świat spokojny, dostojny młodzieniec, wspaniała kolorystyka – to wszystko stawia Gainsborougha w gronie najwybitniejszych portrecistów Europy XVIII wieku. Z biegiem lat styl malarski artysty staje się coraz bardziej swobodny, lekki i szeroki, przywołując skojarzenia ze znacznie późniejszym impresjonizmem.
Jednak krajobraz zawsze był ulubionym gatunkiem mistrza. Nawet w jego portretach tło odgrywa dużą, czasem niemal równą rolę. Pędzle Gainsborougha obejmują wiele rodzajów angielskiej natury, z których najbardziej znane to „Cornar Forest” z wczesnego okresu twórczości (1748) i „The Watering Place” (około 1774–1777).
Mówiąc o krajobrazie Anglii, nie sposób nie wspomnieć o Richardzie Wilsonie (1714-1782). Malował obrazy, które były dość tradycyjne pod względem kompozycji i tematyki, jasnymi, żywymi tonami. Dlatego jego płótna wydawały się współczesnym mu zbyt naturalne, a chętnych na zakup jego obrazów było niewielu. Mistrz otrzymał zasłużone uznanie dopiero sto lat po jego śmierci. Wśród innych malarzy pejzażu można wyróżnić naśladowców Gainsborougha, George'a Morelanda (1763-1804) i Johna Crome'a (1768-1821), założyciela szkoły „Norwich”, która zasłynęła w XIX wieku.
W drugiej połowie stulecia w malarstwie angielskim wyłonił się kierunek historyczny, ale w gatunku historycznym pracowało niewielu naprawdę wybitnych mistrzów. Kupowanie obrazów historycznych uznawano za swego rodzaju patriotyczny obowiązek.
Przełom XVIII-XIX w. Nowe trendy w malarstwie angielskim
Koniec XVIII wieku upłynął pod znakiem wielkich wstrząsów. Rewolucja Francuska i era napoleońska wysunęła na pierwszy plan nowych bohaterów – wojskowych, polityków i bojowników. Portret i malarstwo historyczne nabierają wyjątkowego znaczenia. Jeśli jednak niektóre wizerunki mężów stanu są tradycyjnie pełne godności i znaczenia, to inne noszą piętno niepohamowanego romantyzmu, który dominował wówczas w literaturze. Najwybitniejszym przedstawicielem pierwszego kierunku był Thomas Lawrence, drugim – George Dow.
„Błyskotliwa, ale zimna” (jak to ujęli krytycy sztuki) sztuka Wawrzyńca (1769-1830) przyniosła mu ogromną popularność na kontynencie. Jego zasługi doceniła także ojczyzna – przez wiele lat był prezesem Królewskiej Akademii Sztuk. Jego portrety wyróżniają się starannym przedstawieniem draperii, ubiorów, wymownością twarzy bohaterów, ich poczuciem własnej wartości i wyższości. Nawet na portrecie szokująco sławnej, ekscentrycznej i kapryśnej damy Caroline Lamb, kochanki Byrona, której wybryki stały się legendarne, widzimy spokojną, zamyśloną kobietę.
Z tego powodu wśród klientów Wawrzyńca znajduje się tak wiele osób z najszlachetniejszych rodów Europy, królów i księżniczek. Często, aby zadowolić klienta, artysta przerabiał portrety, nadając twarzom właściwy majestat.
Przeciwnie, dzieła George'a Dow (1789-1829) wyróżniały się emocjonalnością i żywotnością. Według A.G. Venetsianova portrety Doe nie są portretami, ale żywymi twarzami. Najlepsze płótna artysta stworzył w Rosji, gdzie na zaproszenie Aleksandra I malował portrety Galeria wojskowa Zimowy pałac. Pędzel Dowa zawiera wiele portretów najwybitniejszych dowódców wojskowych Rosji, a jego portret Aleksandra I jest uważany za najlepszy obraz Cesarz.
Jego płótna powstawały szybko, dosłownie w trzech sesjach, i odznaczały się niesamowitym podobieństwem do oryginału. Klienci byli absolutnie zachwyceni. W doskonałych słowach Działa opisany przez Puszkina. Autorytet mistrza był tak duży, że został wybrany członkiem akademii artystycznych w Petersburgu, Londynie, Wiedniu, Paryżu, Florencji, Dreźnie, Monachium i Sztokholmie.
Na przełomie wieków język angielski zyskał szczególny rozwój pejzaż. Brytyjscy mistrzowie tego gatunku odgrywają wiodącą rolę w Europie. Największy wpływ wpływ na późniejszych artystów miał John Constable (1776-1837). Nigdy nie był za granicą i pisał tylko dobrze stara Anglia. Z największą autentycznością przedstawił widoki swojej ojczyzny. Mistrz tak mistrzowsko opanował kolor i światłocień, że według współczesnych na jego obrazach dosłownie można poczuć świeżość wiatru i usłyszeć szelest liści w koronach drzew.
Koniec XVIII wieku to okres powszechnego stosowania akwareli. Farby wodne były już wcześniej często używane w Anglii, ale dopiero teraz doceniono akwarelę. Constable był znakomitym akwarelistą, ale prawdziwą doskonałość w akwareli osiągnął inny luminarz angielskiego krajobrazu - Joseph William Turner (1775-1851). Jego żywiołami były morze i powietrze, dwa najbardziej satysfakcjonujące tematy dla wysiłków akwarelisty, żywioły są szybkie, kapryśne i zmienne.
Wiele prac Turnera jest malowanych farbami olejnymi, jednak on nigdy nie zdradził swoich ulubionych elementów. Nawet w dość tradycyjnych obrazach zabytków architektury niebo i woda są jednymi z głównych postacie. Wszystkie obrazy artysty są pełne efektów świetlnych, a nawet konkretne przedmioty oddają naturę w równym stopniu, co służą jako nośniki jasnych kolorów i tworzą ogólny nastrój obrazu. Jednym z najbardziej charakterystycznych pod tym względem i być może najbardziej wyrazistych jego obrazów jest „Ogień na morzu” (1834).
Wkład Turnera w świat sztuk pięknych nie ogranicza się do jego własnych obrazów. Podczas wojny francusko-pruskiej przyszli sławni Claude Monet, Alfred Sisley i Camille Pissarro opuścili Francję i udali się do Londynu, aby studiować twórczość angielskich malarzy pejzażystów. Największy wpływ wywarła na nich twórczość Turnera, którego chęć częstego poświęcenia szczegółów, ale stworzenia ogólnego emocjonalnego nastroju obrazu poprzez grę kolorów i swobodę pociągnięć, stała się później jedną z podstawowych zasad impresjonizmu. Dlatego Turnera można słusznie uznać za jednego z prekursorów tego wielkiego ruchu.
Połowa XIX wieku. Poszukiwanie nowego w starym
Druga połowa XIX wieku została przez wielu krytyków określona jako okres stagnacji w malarstwie angielskim. To samo zdanie podzielała bardzo popularna swego czasu grupa młodych artystów, która pod koniec lat 40. zorganizowała Bractwo Prerafaelitów. Jej członkowie wzywali do odrzucenia martwych tradycji, konwencji i akademizmu sztuki współczesnej oraz powrotu do bezpośredniego i szczerego malarstwa okresu „przed Rafaelem”.
W twórczości członków Bractwa wyraźnie widać chęć podążania za kanonami wczesnego renesansu. Wyrażało się to we wszystkim, począwszy od fabuły, poprzez sposób malowania ze szczególną dbałością o szczegóły i głębokie opracowanie koloru, aż po nakaz malowania wyłącznie z życia i bezpośrednio na płótno. Próbowano nawet przygotowywać płótna i farby według średniowiecznych receptur.
Bunt młodych malarzy przeciwko kanonom, ich odwaga wkrótce wzbudziła odrzucenie ze strony prymitywnego środowiska artystycznego. Jednak aktywne wsparcie autorytatywnego krytyka Johna Ruskina zmieniło stosunek miłośników sztuki do Bractwa.
Najbardziej znaczącymi postaciami Bractwa są Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) i John Everett Millais (1829-1896). Są autorami najbardziej charakterystycznych dla Bractwa obrazów – „Śmierci Ofelii” Milleta oraz licznych portretów ukochanej Rossettiego Jane Morris w postaci mitycznej Prozerpiny, Astarte itp.
Społeczeństwo prerafaelitów upadło na przełomie lat 50. i 60., jednak w kolejnych dziesięcioleciach jego wpływ był już bardzo zauważalny, nie tylko w malarstwie czy poezji, ale także w sztuce meblarskiej, projektowaniu książek i innych dziedzinach stosowanych. Losy jej członków potoczyły się inaczej. Tak więc, jeśli Rossetti całkowicie porzucił malarstwo, wówczas Millet, nieco odchodząc od stylu prerafaelityzmu, pozostał bardzo poszukiwany i jest obecnie najbardziej ukochanym artystą II wieku w Anglii. połowa XIX wieku wiek.
Pod koniec stulecia wpływ francuskich artystów - realistów i impresjonistów - był coraz bardziej odczuwalny w Anglii. Jeden z najciekawszych przedstawicieli Angielska szkoła Z tego okresu urodził się w USA James McNeill Whistler, malarz portretowy i pejzażowy (1834-1903). Malował w technice tradycyjnej, jednak zamiłowanie do subtelnych efektów światłocieniowych, niestałych, niestabilnych stanów natury łączy go z impresjonistami.
Krajobraz i na koniec XIX - wcześnie XX wieki pozostało hobby malarzy angielskich. Spośród zwolenników impresjonizmu można wymienić ucznia Whistlera Richarda Sickerta (1860–1942), tradycyjnych malarzy pejzażystów – George’a Turnera i jego syna Williama Lakina Turnera (1867–1936), Fredericka Tuckera (1860–1935) i innych. W pełni przyswoili sobie dziedzictwo swoich słynnych poprzedników i odpowiednio reprezentowali angielską tradycję malarstwa w sztuce europejskiej. W naszej kolekcji prezentujemy twórczość dwóch ostatnich mistrzów.
Nawet pobieżne spojrzenie na dzieła mistrzów omawianych w tym artykule pozwala zrozumieć siłę przyciągania malarstwo antyczne. Nie zapominajmy, że zakup obrazu to nie tylko opłacalna inwestycja. Przede wszystkim wniesie do domu piękno, owoc inspiracji mistrza, cząstkę jego nieśmiertelności.
2 - Wybitni angielscy artyści portretowi
Do najsłynniejszego angielskiego portreciści XVIII stulecia obejmują Joshuę Reynoldsa i Thomasa Gainsborougha. Obydwa zaczęli rozwijać się pod wpływem sztuki włoskiej i francuskiej, z czasem przenosząc się w swojej twórczości do motywów narodowych. Malarstwo Reynoldsa pod wieloma względami bliskie jest stylowi barokowemu, podczas gdy Gainsborough tworzył w manierze zbliżonej do rokoka
dzieło Reynoldsa
Z trzech innych głównych mistrzów sztuki angielskiej Sir Joshua Reynolds (1723-1792), pierwszy prezes Królewskiej Akademii Sztuk założonej w 1768 roku, był najbardziej wszechstronnym i wykształconym, najbardziej pewnym siebie i konsekwentnym. Armstrong napisał o nim monografię. Kiedy nauczyciel Reynoldsa, Goodson, przestał go zadowalać, zaczął pilnie kopiować obrazy Rembrandta. Najdojrzalszym owocem jego studiów nad Rembrandtem jest młodzieńczy autoportret w kapeluszu w National Portrait Gallery. Następnie został przyciągnięty do Włoch, gdzie przebywał od 1749 do 1752; tutaj rozwinął się w świadomego eklektyka. Michał Anioł stał się jego idolem. Ale na swoich przywódców wybierał głównie Bolończyków i Wenecjan. Zagłębił się w najdokładniejsze badania kolorowych technik dawnych mistrzów; nie pozostawił niczego bez opieki; racjonalne podstawy jego sztuki są widoczne wszędzie. W ich obrazy historyczne ledwo wznosi się ponad poziom eklektyzmu; tutaj, jakby na kaprys artysty, formy Rubensa łączą się z kolorami Tycjana i światłocieniem Correggiego. Typowymi przykładami tego typu są „Święta Rodzina” w Galerii Narodowej, „Wstrzemięźliwość Scypiona” w Ermitażu i „Miłość niosąca nadzieję” w Bowood. Jego najsłynniejszy obraz mitologiczny, Wąż w trawie w Galerii Narodowej, przedstawia boga miłości rozwiązującego dziewczęcy „pas piękna”. Wycieczka w krainę romansu to nowy obraz na ten czas, uderzający grozą: „Hrabia Ugolino w Wieży Głodu”, znajdujący się w galerii miasta Noll w hrabstwie Kent.
Ryż. 237 – „Wygnany Pan”. Obraz Joshuy Reynoldsa w National Gallery w Londynie
Jako portrecista Reynolds łączył bezpośrednią obserwację tego, co widział, z wzniosłym, wspaniałomyślnym nastrojem, wykorzystując na tej podstawie wszystkie uroki swojej olśniewającej malarskiej wymowy; i choć w treści alegorycznej i w okolicznościach innych portretów dał się poznać jako całkowicie syn swoich czasów, to inne portrety, jak na przykład „Pan wygnany” z Galerii Narodowej, przepełnione są natychmiastową, odczuwalną duchową głębią. Stworzył masę prawdziwie integralnych natur; Szczególnie portrety jego dzieci emanują rzadką świeżością i naturalnością.
Ryż. 238 – „Trzy siostry panny Montgomery koronują hermę Hymen”. Obraz Joshuy Reynoldsa w National Gallery w Londynie
Po powrocie Reynoldsa z Włoch, w 1753 roku powszechną uwagę przykuł jego portret kapitana Keppela, znajdujący się obecnie w zbiorach lorda Rosbury'ego w Londynie. Tutaj po raz pierwszy zobaczyli nie postać czy głowę przedstawioną na płótnie, ale żywy organizm. Lata 1753-1765 to pierwszy okres dojrzałości artysty. Do tego czasu należą wspaniałe, proste i świeże portrety, w tym Kitty Fisher w kolekcji Earla Crewe (1759) i słynny portret Nellie O'Brien (1763) w Wallace Gallery, następnie portret pastora Laurence'a Sterne'a (1760), należący do markiza Lansdowne i aktora Garricka wśród postaci z „Tragedii” i „Komedii”, w zbiorze Lorda Rothschilda w Londynie.
W latach 1765-1775 pozy postaci na portretach Reynoldsa stają się bardziej wyrachowane, kolorystyka bardziej wyrafinowana, draperie bardziej nieostrożne, personel bardziej wymyślny. Należą do nich: „Lady Sarah Banbury składająca ofiarę Łaskom” (1766) i „Lady Black jako Junona, której Wenus daje pas”, należące do Sir Henry'ego Banbury, pani Hartley, w postaci nimfy, z synem , w postaci młodego Bachusa , w zbiorach Lorda Northbrooka (1772), surowy kolorystycznie, nieco fałszywy obraz „Trzy siostry panny Montgomery w koronie błony dziewiczej” (1775) Galerii Narodowej, obejmuje to również piękny „ Dziewczyna z truskawkami” (1771) w Wallace Gallery, mała Frances Crewe spacerująca w płaszczu przez pole z koszykiem na ramieniu (1770) w zbiorach Earla Crewe oraz uroczy obraz w zamku Windsor przedstawiający małą księżniczka leżąca na ziemi z psem (1773).
Ryż. 239 - „Dziewczyna z truskawkami”. Obraz Joshuy Reynoldsa w Wallace Gallery w Londynie
Za najdojrzalszy okres twórczości Reynoldsa uważa się ostatnie szesnaście lat jego życia. Głębokie zrozumienie przedstawionych osób staje się coraz bardziej jego udziałem najważniejsza jakość. Ubrania o wspaniałych kolorach są ponownie starannie udrapowane. Tło krajobrazowe zachowało jedynie znaczenie wtórne, czysto dekoracyjne. Ale wszystkie detale łączą się w jedną dużą, harmonijną całość. Z długiej serii mistrzowskich dzieł, świeżego portretu małego Crewe (1775) w kolekcji hrabiego Crewe, Lady Crosby ubranej z niesamowitym smakiem w szarość i złoto (1778) autorstwa Sir Charlesa Tennanta, wspaniałego „ucznia” ( 1779) w zamku Warwick, portret głęboko uduchowiony, wyróżnia się lord Thurloe (1781), należący do markiza Bass, oraz uderzająco potężny portret lorda Heathfielda z kluczem Gibraltaru w dłoni (1787) w Galerii Narodowej. Portrety należą do najlepszych świetna aktorka Panna Siddons jako tragiczna muza na tronie unoszącym się w chmurach, za którym widoczne są personifikacje dramatycznych namiętności (1784), w Grosvenor House księżna Devonshire z ruchliwą córeczką na kolanach (1786), w zamku Chatsworth (1786) Chatsworth) i zachwycający „Wiek niewinności” – mała dziewczynka siedząca na trawie z założonymi rękami na piersi (1790) w National Gallery w Londynie.
Reynolds tak naprawdę nigdy nie chciał być sobą; niemniej jednak w jego najlepszych dziełach od razu widać jego dużą osobowość.
Twórczość Gainsborougha
Cztery lata młodszy od Reynoldsa był jego wielki rywal, Thomas Gainsborough (1727-1788), który przewyższył go oryginalnością i bezpośredniością artystycznego charakteru. W Reynolds czuje się bardziej XVII-wieczny barok, w Gainsborough – XVIII-wieczny rokoko. Dla Gainsborougha, o którym są dobre książki Fulchera, Armstronga, pani Bell i Pauliego, wydawało się, że pierwotni starzy mistrzowie w ogóle nie istnieli. Zaczął od malowania krajobrazów swojej wiejskiej ojczyzny w Suffolk. Zaznajomiony (po 1760) z obrazami van Dycka zaczął je pilnie kopiować. Van Dyck stał się przewodnim światłem jego sztuki. Jednak on sam miał silniejsze poczucie prawdy i piękna niż Van Dyck. Na własne angielskie oczy widział Angielki i angielski krajobraz i malował je szerokim, zdrowym, z biegiem lat coraz jaśniejszym, coraz bardziej „impresjonistycznym” pędzlem. Jego portrety pozostają zwykle w najbliższym związku z rodzimym krajobrazem, a krajobrazy często niechcący przechodzą do gatunku, a znajdujące się na nich zwierzęta przechodzą z otoczenia do głównych obrazów.
Pierwszy samodzielny okres twórczości Gainsborough (1746-1758) przypadł na Ipswich, wśród prób i eksperymentów, prowadzonych najpierw dotykowo i stopniowo nabierających pewności siebie. Z wczesnych obrazów zachowanych w Galerii Narodowej są piękne, nieco sucho malowane podwójny portret jego córki, z których jedna łapie motyla, i piękny krajobraz znany jako „Las Cornard”, który pomimo lub właśnie dlatego, że rozmieszczenie drzew przypomina Hobbemę, pozostał najświeższy przyrodniczo ze wszystkich jego krajobrazy.
Drugi okres jego twórczości (1758-1774) przebiegał w bardziej ożywiony sposób środowisko artystyczne i w najlepszym środowisku życia w Bassie. Tutaj początkowo pojawiały się tak starannie, niemal słodko narysowane i iluminowane portrety, na przykład duchownego Orpina czytającego Biblię w Galerii Narodowej. Popiersiowy portret Georgiany Spencer (1762), będący własnością Earla Spencera w Londynie, wyróżnia się elegancką prostotą, naturalnej wielkości postać muzyka Fishera w Hampton Court i półpostać aktora Colmana w National Galeria oddycha ciepłym życiem. Prawdopodobnie już w 1770 roku w Grosvenor House pojawił się słynny „Błękitny chłopiec”: portret en face młodej Betalle, o ciepłej karnacji ciała, w niebieskim fantastycznym kostiumie, na tle krajobrazu w odcieniach brązu – prawdziwy cud w szlacheckiej szlachcie projekt i specyficzny efekt kolorystyczny; Obok „Blue Boy” można umieścić „Pink Boy”, portret chłopca ubranego w różową atłas, znajdujący się w kolekcji barona Ferdinanda Rothschilda w Londynie.
Podczas pobytu Gainsborough w Bass powstały jedne z najsłynniejszych krajobrazów - w odcieniach brązowawych, zamkniętych w jedności, ocieplonych cudownym światłem części zalesionej angielskiej przyrody. Do najpiękniejszych z nich należą „Wóz” i „Pojenie bydła” w Galerii Narodowej.
Ryż. 241 - "Miejsce pojenia bydła." Obraz Thomasa Gainsborougha w National Gallery w Londynie.
W 1774 roku Gainsborough przeniósł się do Londynu. Dopiero tutaj jego talent rozwinął się do najwyższej swobody artystycznej i wirtuozerii. Delikatne, raczej zimne, elegancko dobrane kolory postaci i ich ubiorów coraz harmonijniej komponują się z tłem. Jego pędzel staje się lżejszy, swobodniejszy i szerszy. Portrety króla Jerzego III, królowej Charlotty i ich dzieci malował niezliczoną ilość razy. Większość z nich można zobaczyć w zamku Windsor i pałacu Buckingham. Z najsłynniejszych portretów dam Gainsborougha, z wczesnych lat londyńskich należy portret pani Graham ubranej w czerwoną sukienkę i nieco niezgrabnie umieszczonej na wysokiej kolumnie w galerii w Edynburgu. Pełną miarę jego talentu wyrażają portrety aktorki pani Robinson („Perdita”) w Wallace Gallery, pani Sheridan (z domu Eliza Linley) w kolekcji Lorda Rothschilda, Lady Sheffield autorstwa Ferdynanda Rothschilda i pani Beaufoy Alfreda Rothschilda w Londynie – wszystkie pojedyncze postacie w pełnym rozmiarze, stojące na tle krajobrazu z parkiem, ale najbardziej znany ze wszystkich to portret aktorki pani Siddons w Galerii Narodowej. Ten sam Siddons, którego Reynolds przedstawił jako muzę tragiczną, siedzi u Gainsborough w eleganckiej sukni wieczorowej, w dużym kapeluszu, na tle czerwonej draperii. Do najlepszych portretów mężczyzn Gainsborougha należy portret Ralpha Schomberga w żółtawo-czerwonym garniturze, znajdujący się w Galerii Narodowej.
Z ostatniego okresu działalności Gainsborougha pochodzi duża grupa portretów rodziny Bagli, znajdująca się w tej samej galerii. Pozy postaci są wymuszone i przemyślane, ale urzekające kolory tego obrazu i zwiewny, lekki napis nadają mu wysoką wartość malarską. Jako pejzaż doskonale sprawdza się niezbyt duży owalny obraz na zamku Windsor, przedstawiający „Poranny spacer” księcia Cumberland i jego żony. Znakomity „Piknik” w St. James’s Park, którego właścicielem jest Sir Algernon Nield, przypominający zarówno Watteau, jak i Moneta, ma charakter całkowicie pejzażowy. Godne miejsce obok tego zdjęcia zajmuje wspaniała przystań w Grosvenor House. Pejzaż zawsze pozostawała sekretną miłością Gainsborougha.
Inni angielscy malarze portretowi
Piątym wśród tych pionierów malarstwa angielskiego był George Romney (1734-1802), którego szczegółowy opis znajduje się w dwutomowym dziele Warda i Robertsa. Dopiero niedawno zaczęto go zaliczać do grona wielkich mistrzów. Wracając w 1775 z Rzymu, gdzie wchłaniał fałszywe poglądy klasyczne, został jednak portrecistą w Londynie i rywalizował z Reynoldsem i Gainsborough o przychylność klientów. W jego portretach łatwo rozpoznać wnuka klasycyzmu zarówno w plastyce postaci, jak i w rysunku. Był zresztą najlepszym obrazem „pięknej Angielki”, jak zwykliśmy ją sobie wyobrażać, zdrowej i jednocześnie ospałej. Jego portrety są malowane wyraźnie i stanowczo, ale bynajmniej nie kanciaste i suche. Dzięki wyraźnym lokalnym tonom wyróżniają się wyrafinowanym, czasem jednak nieco czerwonawym odcieniem.
National Gallery w Londynie posiada osiem obrazów Romneya, ale żadnego z jego prawdziwych arcydzieł, jak tańczące ręka w rękę dzieci lorda Gowera w kolekcji księcia Sutherland czy portret pani Ressel z dzieckiem w obrazie Sir George’a Ressela w Londyn. Jej pseudoklasyczna podstawa pojawia się w grupie Lady Warwick with Children oraz w Pannie Vernon Lorda Warwicka jako Hebe, a także w portrecie Lady Hamilton jako Bacchante w National Gallery.
Ryż. 243 – „Lady Hamilton jako bachantka”. Obraz George'a Romneya w National Gallery w Londynie.
Najważniejszym brytyjskim portrecistą młodego pokolenia malarzy, który pojawił się w drugiej połowie stulecia, był Szkot Sir Henry Rayburn (1756-1828), który przed osiedleniem się w Edynburgu odwiedził Włochy. Biograf Rayburna, Armstrong, przypisuje jego główną zaletę głównie wrażeniu, jakie wywarł na nim w Rzymie „Innocenty X” Velasquez. Tylko nieliczni mogą mu dorównać w bezpośredniości, świeżości i szerokości pomysłu, w urzekającym cieple i żywotności tonów i kolorów. Do jego najlepszych dzieł należą portrety pani Campbell, Johna Wilsona z koniem i autoportret artysty w Galerii w Edynburgu, efektowny pełnometrażowy portret Nathaniela Spence'a rysującego łuk w Edinburgh Rifles Hall, portret Sir Johna Sinclaira w Glasgow Museum, w London National Gallery przedstawiająca damę w słomkowym kapeluszu, w Dreźnie portret biskupa Lucjusza O'Byrne'a. Cechą czasu było to, że Rayburn odszedł od większej szerokości i wolności pędzlem do bardziej ciągłej i stanowczej litery.
Portrety, głównie Reynoldsa, rozwinęły talent urodzonego w Londynie Johna Hoppnera (1759-1810), mistrza przedstawiania pięknych Angielek o czerwonych policzkach, które namalował w czystych i chłodnych kolorach, w świeżym, pełnym miłości przedstawieniu. Portret hrabiny Oksfordu w Galerii Narodowej jest jednym z jego najlepszych dzieł. Te ostatnie znajdują się w zbiorach prywatnych. Czwórka dzieci Douglasa znajduje się w kolekcji Lorda Rothschilda w Londynie.
Zaraz po Hoppnerze następuje Sir Thomas Lawrence (1769-1830), najsłynniejszy angielski portrecista pierwszej ćwierci XIX wieku, choć wyraźnie wyłaniający się z XVIII wieku i uważany za przedstawiciela schyłku wielkiej sztuki angielskiej tej epoki . Vizeva ponownie przywrócił mu artystyczną reputację. W swoich najlepszych dziełach jawi się nam jako mistrz o dużej zdolności obserwacji i wyrafinowanej technice malarskiej. W Galerii Narodowej dość dobrze prezentują się portrety bankiera Angersteina, księżniczki Lieven i Philippe'a Sensoma. Powyżej znajdują się jego wizerunki papieża Piusa VII i kardynała Consalviego w zamku Windsor, a następnie młodego Lemtona, ubranego w czerwony garnitur i leżącego wyciągniętego na trawie, w kolekcji hrabiego Durham w Londynie, uroczej panny Feren (Lady Dorby ) spaceruje, lekko owinięty futrem, na tle krajobrazu, po Pierzont Morgan w Nowym Jorku.
W tym artykule znajdziesz przydatne i interesująca informacja o angielskich artystach.
Znani angielscy artyści
Richarda Parkesa Boningtona(1802-1828) – angielski malarz i grafik. Pierwszy umiejętności artystyczne syn otrzymał to od ojca. Zacząłem sam rysować farby akwarelowe. Już w wieku 11 lat odsłonił swoje pierwsze prace na wystawie w Liverpool Art School. Pomimo przedwczesnej śmierci (zmarł na gruźlicę) Richard Bonington pozostawił po sobie ponad czterysta (400) obrazów, akwareli i rysunków.
Słynne obrazy: „Wybrzeże Pikardii” (1826), „Wejście do portu w Rio de Janeiro” (1827).
Harolda Greasleya(1892-1967) – brytyjski artysta, pejzażysta i portrecista, naśladowca ojca i dziadka. Greasley urodził się w Derbyshire i studiował w Derby Art School. Był synem Franka Greasleya i wnukiem Jamesa Stephana Greasleya, którzy byli oboje znany artysta. Studia przerwał wraz z wybuchem I wojny światowej. Po wojnie kontynuował naukę w Nottingham pod okiem Arthura Spoonera i został nauczycielem w Repton School.
Niektóre z jego prac są wystawiane w Derby Museum and Art Gallery; Alfred Goody podarował muzeum 77 swoich obrazów.
Dantego Gabriela Rossettiego(1928-1882) - angielski poeta, artysta, tłumacz pochodzenia włoskiego, jeden z założycieli Bractwa Prerafaelitów (1848-1853).
Wczesny okres twórczości charakteryzuje się precyzją i stanowczością sposobu bycia; Jego pierwsze obrazy, bardziej niż inne dzieła prerafaelitów, przypominają malarstwo włoskiego Quattrocenta. W obrazie „Dziewczyństwo” Maryja Niepokalana» Dziewica Maryja jest przedstawiana jako wychudzona, przygnębiona nastolatka
W późnym okresie artysta zwrócił się w stronę motywów i stylizacji mitologicznych.
Jamesa Northcote’a(1746 - 1831) - angielski artysta, członek Królewskiej Akademii Sztuk.
Był uczniem swojego ojca, a w wolnym czasie malował. W 1769 roku opuścił ojca i został portrecistą. Został przyjęty jako student w studiu i domu Sir Joshuy Reynoldsa. W tym czasie uczęszczał także na zajęcia w Królewskiej Akademii Sztuk.
Pierwszą jego ważną pracą o tematyce historycznej była „Młoda księżniczka zamordowana w wieży” (1786), a następnie „Pogrzeb księżniczki w wieży”. Obydwa obrazy, a także siedem innych, przeznaczone zostały do Galerii Szekspirowskiej Johna Boydella. Śmierć mokrego Tylera, obecnie w Guildgowley w Londynie, została odsłonięta publicznie w 1787 roku. Northcote stworzył około dwóch tysięcy dzieł i zarobił fortunę w wysokości 40 000 funtów.
