Przodek komedii dell'arte. Włoska komedia dell'arte

Powrót do przodu

Uwaga! Podglądy slajdów służą wyłącznie celom informacyjnym i mogą nie odzwierciedlać wszystkich funkcji prezentacji. Jeśli jesteś zainteresowany ta praca, pobierz pełną wersję.

2 slajd- KOMEDIA DEL ARTE (commedia dell"arte); inna nazwa - komedia masek - improwizacyjny teatr uliczny włoskiego renesansu, który powstał w połowie XVI wieku i właściwie był pierwszym w historii teatr zawodowy.
Commedia dell'arte wyłoniła się z ulicznych festiwali i karnawałów. Jej postacie są pewne obrazy społecznościowe, w którym kultywuje się cechy nie indywidualne, ale typowe. W komedii dell'arte nie było sztuk jako takich, była ona jedynie rozwinięta Zarys konspektu, scenariusz wypełniony żywymi uwagami podczas całego przedstawienia, różniącymi się w zależności od składu publiczności. To właśnie ta improwizacyjna metoda pracy doprowadziła komików do profesjonalizmu - a przede wszystkim do rozwoju zespołu i zwiększonej uwagi na partnera. Tak naprawdę, jeśli aktor nie będzie uważnie podążał za wskazówkami improwizacyjnymi i linią zachowania partnera, nie będzie w stanie wpasować się w elastycznie zmieniający się kontekst przedstawienia. Przedstawienia te były ulubioną rozrywką masowej, demokratycznej publiczności. Commedia dell'arte wykorzystywała doświadczenia teatru farsowego, ale parodiowano tu także pospolite postacie. komedia naukowa" Konkretnemu aktorowi raz na zawsze przypisano konkretną maskę, lecz rola – pomimo sztywnych, typowych ram – zmieniała się bez końca i rozwijała w trakcie każdego przedstawienia.

3 slajd– Już sama nazwa „commedia dell’arte” zawiera kontrast w stosunku do renesansowego teatru „naukowego”, który, jak już powiedzieliśmy, był amatorski. La commedia - po włosku nie tylko „komedia” w naszym znaczeniu, ale także teatr w ogóle, spektakl; arte to sztuka, ale także rzemiosło, zawód. Innymi słowy, rozmawiamy o spektaklu w wykonaniu profesjonalistów
Nazwiska Arlekina, Pierrota czy Kolombiny znane są każdemu, jednak niewiele osób wie, że ci bohaterowie teatru ludowego mają swoje pierwowzory w postaciach komedii dell'arte. Ideę scenariuszy komedii dell'arte daje pierwszy, jaki do nas dotarł (1611), opracowany przez Flamineo Scalę, przywódcę najsłynniejszej trupy „Gelosi”. Następnie ukazało się kilka kolejnych zbiorów. Niestety, nie mamy prawie żadnych najwcześniejszych krótkich scenariuszy, które zmieściłyby się na kartce papieru. Dotarli do późniejszej adaptacji literackiej. Oprócz koniec XVII V. zaczęli zbliżać się do dramatu literackiego, scenariusze były bardzo różne. Na 99 procent stanowiły komedie, ale zdarzały się też tragedie i pastorałki. Na przykład w tragedii Nerona wraz z Seneką i Agrypiną wystąpiły Brighella i inne maski. (Nawiasem mówiąc, to właśnie trupa Gelosi po raz pierwszy wykonała pastoralną „Amintę” Tassa w letniej rezydencji książąt Este, na wysepce Belvedere na środku rzeki Pad. W rolę Sylwii wcieliła się najlepsza aktorka trupa - niezrównana Isabella Andreini.)

4 slajd– Zespoły półprofesjonalne zaczęły pojawiać się we Włoszech (zwłaszcza w Wenecji) już na początku XVI wieku. Brali w nich udział głównie rzemieślnicy. Patrycjusze weneccy chętnie zapraszali ich na swoje domowe uroczystości, gdzie wystawiali komedie Plauta i Ternecjusza, eklogi, farsy i mamary – muzyczne pantomimy w maskach. Większość członków tych wspólnot pod koniec „sezonu teatralnego” powróciła do swoich pierwotnych zawodów: stolarza, stolarza i szewca. Jednak najbardziej utalentowani z nich uczynili aktorstwo swoim głównym zawodem.

5 slajdów– Szczególną rolę w rozwoju teatru półprofesjonalnego odegrał Angelo Beolco z Padwy (1502-1542), autor komedii i fars z życia chłopskiego, w które przeplatał motywy z komedii Plauta. Beolko otrzymał dobre wykształcenie i dobrze znał dramat klasyczny, ale w przeciwieństwie do autorów dramatu akademickiego, którzy komponowali sztuki w zaciszu swoich gabinetów, już od najmłodszych lat zaczął występować na scenie. Beolko zgromadził wokół siebie trupę amatorów. Działalność tej trupy odznaczała się dwiema istotnymi cechami, które pozwalają nazwać Beolkę i jego towarzyszy bezpośrednimi poprzednikami komedii dell'arte. Po pierwsze, w przeciwieństwie do chłopów pasterskich, którzy mówili wyrafinowanym językiem, chłopi w farsach i komediach Beolki mówili dialektem padewskim. (Posługiwanie się dialektami, które wskutek rozdrobnienia Włoch nabrało szczególnej trwałości, stało się później cechą charakterystyczną komedii dell'arte i jednym z głównych źródeł komedii.) Po drugie, aktorzy z trupy Beolki występowali z stałe pseudonimy sceniczne i stałe kostiumy. Sam Beolko wybrał rolę złamanego wiejskiego chłopca Ruzante.

6 slajdów– Beolko był bezpośrednim poprzednikiem komedii dell’arte, jednak jej prawdziwe narodziny nastąpiły około 20 lat po jego śmierci. W 1560 r. udokumentowano wykonanie komedii dell'arte we Florencji, w 1566 r. w Manua, a w 1568 r. w Monachium z okazji ślubu księcia koronnego zaimprowizowaną komedię z maskami wykonali mieszkający w Bawarii Włosi. . Przedstawienie monachijskie opisał pisarz humanista. Istnieją dowody na to, że publiczność umierała ze śmiechu.

7 slajdów– Mniej więcej w tym samym czasie powstała najsłynniejsza w Europie trupa komedii dell’arte „Gelosi” („Gorliwy”). Ta trupa, składająca się z 12-15 osób, zgromadziła genialną plejada aktorów. Jego prawdziwą ozdobą była słynna europejska aktorka i poetka, legendarna piękność Isabella Andreini. Król Francji, sam Henryk III, zachwycony występem zespołu, zaprosił aktorów do Paryża. Interesujące jest prześledzenie, jak na przestrzeni tych lat zmienia się nie tylko status, ale przede wszystkim samoświadomość aktorów. W 1634 roku ukazała się książka jednego z najwybitniejszych aktorów komedii dell'arte Nicolo Barbieriego „Prośba skierowana do tych, którzy pisemnie lub ustnie wypowiadają się o aktorach, zaniedbując ich zasługi w sprawach artystycznych”. Barbieri, próbując pozbyć się kompleksu niższości aktora, pisze w nim: „Celem aktora jest przynoszenie korzyści poprzez zabawę”.

8 slajdów– Włoscy artyści wielokrotnie podkreślali swoją szczególną pozycję wśród swoich braci. Porównując artystów włoskich i francuskich, Isabella Andreini napisała, że ​​Francuz jest wykonany z tego samego materiału, „z którego zrobione są papugi, które potrafią tylko powiedzieć to, co zmuszone są powtarzać na pamięć. O ileż wyższy od nich jest Włoch.. …których, w przeciwieństwie do Francuza, można porównać do słowika, komponującego swoje tryle pod wpływem chwilowego kaprysu nastroju.” Włoski aktor był także aktorem syntetycznym, to znaczy wiedział, jak nie tylko improwizować, ale także śpiewać, tańczyć, a nawet wykonywać akrobacje. Faktem jest, że prezentacja komedii dell'arte była akcją wieloelementową. Główny wątek poprzedził prolog, w którym dwóch aktorów z trąbką i bębnem zapraszało publiczność, reklamując zespół. Następnie pojawił się aktor, który wierszem przedstawił istotę przedstawienia. Potem wyszli wszyscy aktorzy i rozpoczęło się „shari-vari”, podczas którego aktorzy pokazali swoje umiejętności pod każdym względem: „To jest to, co możemy zrobić i możemy zrobić wszystko”. Następnie aktor i aktorka śpiewali i tańczyli. I dopiero wtedy zaczęli grać w fabułę.

Slajd 9– Komicznym szczytem komedii dell’arte była laktacja, bufonady niemające nic wspólnego z akcją, wykonywane przez służbę zanni. Po zakończeniu fabuły rozpoczęło się pożegnanie z publicznością przy tańcach i piosenkach. Jeden z aktorów napisał wtedy, że zmarli są szczęśliwi, leżą pod ziemią, gdzie króluje smutek i śmierć, „ale nie mamy siły opłakiwać naszych smutków, śmiejmy się z nich”. Esencją komedii dell'arte było „l” anima allegre – „radosna dusza”.
W czasach działalności „Gelosi” kanon gier komedii dell'arte najwyraźniej już się ukształtował. Najpopularniejsze maski powstały również w ujęciu ogólnym.

10 slajdów- Commedia dell'arte miała dwa główne ośrodki: Wenecję i Neapol. Zgodnie z tym wyłoniły się dwa główne kwartety masek: północny, czyli wenecki (Pantalone, Harlequin, Brighella, Doctor) i południowy, czyli neapolitański (Tartaglia, Scaramuccio, Coviello, Pulcinello). W skład obu kwartetów często wchodzili Kapitan, Fantesca (lub Servetta) i Kochankowie. Ogółem liczba masek, które pojawiły się na scenie komedii dell'arte w ciągu dwóch stuleci jej istnienia, przekracza sto. Ale wszystkie były modyfikacjami podstawowych masek wymienionych powyżej.
Maski Commedia dell'arte można podzielić nie tylko na kwartety północne i południowe, ale także na grupy funkcjonalne. Pierwsza to maski satyryczne (starzy ludzie). Drugi to komedia (słudzy). Trzeci to kochankowie.

11 slajdów– W IMPROWIZACJACH KOMEDII DEL ARTE wzięli udział mimowie, akrobaci, klauni i tancerze, wprowadzając do fabuły wesoły zamęt.

Artysta

ks. – aktor; dawny - komik; dawny - Aktor

Aktor to profesjonalny wykonawca ról w dramacie, operze, balecie, popu, występy cyrkowe i w kinie. Aktorzy wykonują swoje role:
– podążanie za tekstem spektaklu; Lub
– według scenariusza wymagającego improwizacji.

12 slajdów– Arlekin z języka włoskiego.Arlecchino
Arlekin to postać z włoskiej komedii dell'arte.
W XVI wieku Arlekin zajmował w trupie pozycję prostaka Zanniego, myląc intrygę komedii z jego głupimi wybrykami. Prosty arlekin nosił garnitur pokryty wielobarwnymi naszywkami, symbolizującymi biedę i skąpstwo swojego właściciela.
W XVII wieku Harlequin zajmował w trupie pozycję łotrzyka Zanniego, aktywnie uczestnicząc w rozwoju akcji. Naszywki na kostiumie zbuntowanego Arlekina przybrały formę regularnych, wielobarwnych trójkątów, ściśle przylegających do siebie.
W XVIII wieku do interpretacji roli Arlekina wprowadzono element patetyczny, wywołując u widzów śmiech i płacz zarazem.

13 slajdów– Brighella

Włoski Brighella z języka włoskiego. Bryga - kłopoty
Brighella to postać z włoskiej komedii dell'Arte;
– był głównym źródłem intryg;
– nosił garnitur składający się z długiej białej bluzki w żółte lub zielone paski, długich białych spodni, prostych butów i kapelusza.

14 slajdów– Zanni z języka włoskiego. – Zanni

Zanni to postać z włoskiej komedii dell'arte, która ma dwie odmiany:

1 – łotr, łotr, oszust, który nosił imiona Zanni, Brighella, Pedrolino, Scapino itp.;
2 - prostak, prostak, który nosił imiona Arlekin, Burattino, Cola, Flauttino, Pulcinella.

– brał czynny udział w rozwoju intrygi fabularnej;
– mówił lokalnymi dialektami;
– używane czarne półmaski;
nosił chłopskie ubranie: długą lnianą bluzkę, długą szerokie spodnie, kapelusz z szerokim rondem i piórkiem, za pasem drewniany miecz, krótki płaszcz.

15 slajdów– Columbina to tradycyjna postać włoskiej komedii ludowej – służąca uczestnicząca w rozwoju intrygi, w różnych scenariuszach zwana także Fantescą, Servette, Franceschina, Smeraldina, Mirandolina itp. Pochodzenie: wieśniaczka, która czuje się niepewnie i nietypowo w mieście.
Zachowanie. Początkowo jest wiejskim głupcem, podobnym charakterem do maski Arlekina; Podkreślana jest jej uczciwość i przyzwoitość, a także zawsze dobry humor.

16 slajdów – Pantalon(Włoski Pantalon, ks. Pantalon) to postać maski we włoskiej komedii, ubrana w długie czerwone spodnie (majtki). Reprezentuje nordycki (lub wenecki) kwartet masek wraz z Harlequinem, Brighellą i Doktorem. Prototypy maski Pantalone można znaleźć m.in starożytna komedia (πάπος w Grecji, Papus i Casnar w Rzymie), a także we włoskiej noweli renesansowej.
Zachowanie. Pantalone z reguły jest centrum intryg i z reguły zawsze pozostaje ofiarą kogoś, najczęściej Harlequina, swojego sługi. Jest chory i wątły: ciągle utyka, jęczy, kaszle, kicha, wydmuchuje nos i boli go brzuch. To pożądliwy, niemoralny mężczyzna, z pasją szuka miłości młodych piękności, ale zawsze mu się to nie udaje. Jego chód jest typowy dla starca, chodzi z lekko wygiętymi plecami. Mówi szorstkim, przenikliwym, „starym” głosem.

Slajd 17– włoska komedia dell'arte wyprodukowała całą konstelację znakomitych aktorów (wielu z nich było pierwszymi teoretykami sztuki scenicznej): Isabella i Francesco Andreini, Giulio Pasquati, Bernardino Lombardi, Marc Antonio Romagnesi, Nicolo Barbieri, Tristano Martinelli, Teresa, Catarina oraz Domenico Biancolelli, Tiberio Fiorilli i in. Z końca XVI w. Zespoły zaczęły szeroko koncertować w całej Europie - we Francji, Hiszpanii, Anglii. Jej popularność osiągnęła swój szczyt.
Jednakże już w połowie XVII w. Commedia dell'arte zaczęła podupadać. Zaostrzenie polityki Kościoła wobec teatru w ogóle, a zwłaszcza komedii dell'arte, spowodowało, że komicy osiedlali się w innych krajach na stałe. I tak na przykład w Paryżu, na bazie włoskiej trupy, otwarto teatr Comedie Italienne.

Commedia dell'arte wywarła ogromny wpływ na rozwój światowej sztuki teatralnej. Jego echa są wyraźnie widoczne w dramaturgii Moliera, Goldoniego, Gozziego; w XX wieku – w twórczości reżyserów V. Meyerholda, A. Tairova, E. Vakhtangova i innych.

środa, 14 września 2011 00:18 + do zacytowania książki

Weneckie maski karnawałowe

Są to postacie z włoskiej Commedia dell'Arte, szczególnego rodzaju spektaklu teatru ulicznego, który powstał we Włoszech w XVI wieku.

Arlekin, Orlik, Pierrot, Pulcinella i inne postacie, z których każda wyróżniała się określonym charakterem, stylem zachowania i sposobem ubierania się, zabawiały mieszkańców miasta swoimi występami, cieszyły się niesamowitą popularnością i stały się ulubieńcami ludzi na kilka stuleci.

Dlatego raz w roku, podczas słynnego festiwalu weneckiego, każdy, kto chciał wziąć udział w hipnotyzującej ekstrawagancji, zdobywał własną maskę jednego z bohaterów i ukrywając swoje prawdziwe oblicze przed innymi, zanurzał się w otchłań nieokiełznanej wielodniowej zabawy

Obecnie maski karnawałowe są jednym ze znanych na całym świecie symboli Wenecji.

Jakie są tradycyjne weneckie obrazy?

Jest to niewątpliwie Kot, Obywatel, Doktor Zarazy, Bauta, Wenecka Dama.

Proces tworzenia weneckiego karnawału jest na pozór prosty.

Wyjmuje się formę gipsową, smaruje ją wazeliną i wypełnia od wewnątrz warstwą papier-mache przygotowaną według specjalnej receptury. Powstały półfabrykat suszy się i szlifuje, a następnie wycina się w nim otwory na oczy. Następnie zaczynają dekorować.

Maski są często pokrywane warstwą specjalnej farby, aby nadać im wygląd antyczny. Dekoracja powierzchni to często powolny i żmudny proces, przy użyciu farb akrylowych, złotej i srebrnej folii, emalii, lakieru, drogich tkanin, cyrkonii, piórek, koralików... wszystko zależy od wyobraźni artysty. Niektóre elementy są tak piękne i umiejętnie wykonane, że aż strach je nosić.

Ceny takich arcydzieł są często równie niesamowite, jak ich wygląd.

Klasyczne maski niezwiązane z teatrem to:

Bauta- jedna z najpopularniejszych masek weneckich.

Pojawił się w XVII wieku i stanowił skuteczną osłonę dla przedstawicieli dowolnej klasy i płci. Pomimo swojego niesamowitego wyglądu, był szczególnie lubiany przez ludzi, którzy nosili go w połączeniu z długim czarnym płaszczem zakrywającym sylwetkę i trójkątnym kapeluszem – tricorno.

Pochodzenie nazwy nie jest znane (według jednej wersji jest ona związana z włoskim słowem „bau” lub „babau”, oznaczającym fikcyjnego potwora, który służył do straszenia małych dzieci (coś w rodzaju naszego Babai lub Buki).

Bauta była uważana za idealną maskę dla osób wysokich rangą, które lubiły anonimowo wychodzić „do ludzi”. Co ciekawe, jego dolna część została zaprojektowana w taki sposób, aby człowiek mógł jeść i pić bez odsłaniania twarzy. Bauta nie ma płci, wieku, wiary ani klasy.

Założyć bautę oznacza wyrzeczenie się irytującej indywidualności, wyrzeczenie się własną osobę uwolnij się od norm moralnych. Na pytanie „kto to zrobił?” Bauta odpowiada: „Maska…”

Do maski przymocowano kawałek czarnego jedwabiu, który całkowicie zakrywał dolną część twarzy, szyję i tył głowy i nadawał całemu wyglądowi przebranej osoby tajemniczy i nieco przerażający odcień. Na głowę założono trójkątny czarny kapelusz obszyty srebrnym warkoczem. Podczas walki nosili białe jedwabne pończochy i czarne buty z klamrami.

Ta maska ​​była niezwykle popularna wśród Wenecjan i byli gotowi za nią zapłacić duża ilość mieć najlepsze koronki i najwyższej jakości tkaniny

Maska wenecka „Kot”

Karnawał wenecki zawdzięcza swoją maskę kota starej, zabawnej legendzie.

Opowiada, jak pewien biedny Chińczyk przybył do Wenecji ze swoim starym kotem. W mieście nie było kotów, za to myszy było mnóstwo. Głodne zwierzę rzuciło się na swoją ofiarę iw ciągu kilku dni uwolniło wyspiarską republikę od gryzoni. Doża był tak szczęśliwy, że podarował Chińczykom niezliczone skarby i z wielkim honorem odesłał go do domu. Cudowne zwierzę pozostało w pałacu na wypadek przyszłych najazdów.

Inny biedny Chińczyk, widząc coś takiego, zdecydował, że nawet gdyby naiwni Wenecjanie byli gotowi zapłacić za kota tyle pieniędzy, to za jedwab i inne „porządne towary” otrzymałby od nich stokrotność. Chińczycy popadli w długi, kupili towary i udali się do krainy nieustraszonych idiotów. Doża zaniemówił na widok nowych towarów z Chin, a kiedy je znalazł, obiecał oddać za nie swój największy skarb. Uścisnęli sobie ręce.

Kot wrócił do Chin)))

Volto (Volto).

Znany również jako Obywatel, ponieważ był noszony przez zwykłych obywateli w dozwolone dni. Volto to najbardziej neutralna ze wszystkich masek, odwzorowująca klasyczny kształt ludzkiej twarzy.

Mocowano go do głowy za pomocą wstążek (niektóre Volto zamiast wstążek na brodzie miały rączkę).

Wenecka Dama (Dama di Venezia)

Bardzo elegancka i wyrafinowana maska ​​przedstawiająca szlachetną wenecką piękność z epoki Tycjana - elegancką, obwieszoną klejnotami, z misternie ułożonymi włosami.

Pani ma kilka odmian: Liberty, Valerie, Salome, Fantasy itp.

Moretta

Najbardziej tajemniczą i romantyczną maską jest „SERVETTA MUTA” (niema pokojówka), ale częściej spotykaną nazwą jest „MORETTA” (Moretta, ciemnoskóra kobieta).

I ludzie mówili na to „MIEJSCE MĘŻA”, bo w miejscu, gdzie kiedyś znajdowały się usta maski, od wewnątrz znajdował się mały kołek, który trzeba było wcisnąć zębami, aby utrzymać maskę przed twarzą – według Casanovy takie maski czyniły kobiety tajemniczymi, a co najważniejsze... cichymi.

Był to owal z czarnego aksamitu. Nazwa najprawdopodobniej pochodzi od słowa „Moor”, co po wenecku oznacza czarny. Ta czerń doskonale podkreślała szlachetną bladość twarzy i rudy wenecki kolor włosów. Nic dziwnego, że ta maska ​​była tak kochana przez panie z wyższych sfer.

Maska nowiu, maska ​​zwodniczej kobiecej uległości i ukrytego męskiego strachu. Maska Cichej Menady z miękkiej skóry lub aksamitu. Maska Hekate. Maska nocnej stregi, która mogłaby zamienić wieczną dziewicę Dianę w chciwą czarną Wenus. Tajemnicza nieznajoma skrywająca twarz i głos... Możliwość porozumiewania się jedynie za pomocą gestów... Tajemnica i uwodzenie... Obecnie maska ​​Moretta wykonywana jest wyłącznie na zamówienie.

W sklepach sprzedających maseczki „maska ​​ciszy” nie można znaleźć

Najbardziej przerażającą maską karnawału jest Doktor Plague.

Nie pojawiła się dla zabawy.

Epidemie dżumy wielokrotnie nawiedzały Wenecję i ze względu na dużą gęstość zaludnienia pochłonęły wiele ofiar śmiertelnych. Jedyni ludzie którzy przynajmniej w jakiś sposób walczyli z chorobą – lekarze za bezpieczeństwo osobiste Na twarze nałożyli maski z długimi nosami.

Wierzono, że te „dzioby” z umieszczonymi w nich substancjami aromatycznymi mogą chronić je przed infekcją.

W tym samym celu lekarze na zwykłe ubrania zakładali ciemne, długie płaszcze z lnu lub woskowanego materiału, a w rękach brali specjalny kij, aby nie dotykać rękami pacjenta.

Bardzo interesująca jest maska ​​​​„gnaga” (od włoskiego „gnau” - „miau”),

z którym kojarzy się weneckie wyrażenie „mieć bezczelność nyagi”.

Osoba nosząca ten kostium, składający się ze mocno zniszczonej, podartej sukienki i kociej maski, miała naśladować koci język „miauczącym” głosem i ruchami – kocie nawyki.

Uważana jest za maskę homoseksualistów.

Inkwizycja zabraniała ubierania mężczyzn jak kobiety; wszelkie przejawy grzechu Sodomy były surowo prześladowane we wszystkie dni z wyjątkiem karnawału. Zwykle osoba nosząca tę maskę pojawiała się w otoczeniu przyjaciół przebranych za dzieci. Strój powinien być starym, wulgarnym, ekstrawaganckim strojem kobiecym z XVI wieku, dowolnej grupy społecznej. Trzeba naśladować miauczenie głosem, a kocie nawyki machaniem.

Maski Commedia dell'arte Commedia dell'arte (po włosku: la commedia dell'arte),

lub komedia masek - rodzaj włoskiego teatru ludowego

.Liczba masek w komedii dell'arte jest bardzo duża (w sumie jest ich ponad sto), jednak większość z nich to postacie spokrewnione, różniące się jedynie imionami i drobnymi szczegółami.

Głównymi bohaterami komedii są dwa kwartety męskich masek, maska ​​Kapitana, a także postacie, które nie noszą masek, są to dziewczyny Zanni i Kochankowie, a także wszyscy szlachetni damy i panowie. Liczba masek w Komedii Del Arte jest bardzo duża (w sumie jest ich ponad sto),

Postacie męskie Północny (wenecki) kwartet masek:

Pantalone (Magnifico, Cassandro, Uberto) – wenecki kupiec, skąpy starzec;

Doktor (Doktor Balandzone, Doktor Graziano), - pseudonaukowy doktor prawa; starzec;

Brighella (Scapino, Buffetto) – pierwszy zanni, inteligentny sługa;

Arlekin (Mezzetino, Truffaldino, Tabarino) - drugi zanni, głupi sługa;

Południowy (neapolitański) kwartet masek:

Tartaglia, jąkający się sędzia; - Scaramuccia, chełpliwy wojownik, tchórz;

Coviello, pierwszy zanni, inteligentny sługa;

Pulcinella (Policynelle), druga zanni, głupia służąca;

Kapitan to chełpliwy wojownik, tchórz, północny odpowiednik maski Scaramucciego;

Pedrolino (Pierrot, Clown), służący, jeden z zanni. - Lelio (również Orazio, Lucio, Flavio itp.), młody kochanek;

Postacie kobiece

Isabella (także Lucinda, Vittoria itp.), młoda kochanka; często bohaterce nadano imię na cześć aktorki, która grała tę rolę; - Columbina, Fantesca, Fiametta, Smeraldina itp. Są pokojówkami.

ZANNI Ogólne imię służącego komedianta

Nazwa pochodzi od męskiego imienia Giovanni, które było tak popularne wśród ludzi zwyczajni ludzie, które stało się rzeczownikiem pospolitym oznaczającym sługę.

Do klasy zanni zaliczają się takie postacie jak Arlecchino, Brighella, Pierino, które pojawiły się później.

Cechami charakterystycznymi bezimiennych zanni są nienasycony apetyt i ignorancja.

Żyje wyłącznie dniem dzisiejszym i nie myśli o skomplikowanych sprawach. Zwykle lojalny wobec swojego właściciela, ale nie lubi dyscypliny. W zabawie wzięło udział co najmniej 2 takie postacie, z których jedna była tępa, a druga, wręcz przeciwnie, wyróżniała się lisią inteligencją i zręcznością. Ubrani byli prosto – w bezkształtną lekką bluzkę i spodnie, zwykle robione z worków po mące.

Maska początkowo zakrywała całą twarz, dlatego aby porozumieć się z innymi bohaterami komedii zanni, trzeba było podnosić jej dolną część (co było niewygodne).

Następnie maska ​​została uproszczona i zaczęła zakrywać jedynie czoło, nos i policzki.

Charakterystyczną cechą maski zanni jest wydłużony nos, a jego długość jest wprost proporcjonalna do głupoty postaci.

BRIGELLA - kolejna zanni, partnerka Harlequina.

W wielu przypadkach Brighella jest człowiekiem, który dorobił się własnego majątku, który zaczynał bez grosza, ale stopniowo gromadził pieniądze i zapewnił sobie w miarę wygodne życie.

Często jest przedstawiany jako właściciel tawerny. Brighella jest wielkim miłośnikiem pieniędzy i kobieciarzem.

To właśnie te dwie emocje – prymitywne pożądanie i chciwość – zamarzły na jego zielonej półmasce.

W niektórych produkcjach pojawia się jako służący, bardziej okrutny niż jego młodszy brat Harlequin. Brighella wie, jak zadowolić swojego pana, ale jednocześnie Czas jest w stanie go oszukać, nie bez korzyści dla siebie. Jest przebiegły, przebiegły i w zależności od okoliczności może być kimkolwiek - żołnierzem, marynarzem, a nawet złodziejem.

Jego kostium to biała koszulka na ramiączkach i spodnie tego samego koloru, ozdobione poprzecznymi zielonymi paskami. Często nosi ze sobą gitarę, ponieważ ma skłonność do grania muzyki.

Maska Brighelli, choć należała do najbardziej lubianych przez zwykłych widzów, z reguły znajdowała się w tle intrygi, a brak aktywnej akcji rekompensowała duża liczba wstawek i muzycznych przerywników.

Obrazy bliskie Brighelli obecne są w komediach Lope de Vegi i Szekspira; są to także Scapin, Mascarille i Sganarelle Moliera i Figaro Beaumarchais.

HARLEQUIN (Arlecchino) - zanni bogatego starca Pantalone.

Kostium Arlekina jest jasny i kolorowy: składa się z diamentów w kolorze czerwonym, czarnym, niebieskim i zielonym.

Wzór ten symbolizuje skrajną Ubóstwo Arlekina – jego ubiór zdaje się składać z niezliczonej ilości słabo dobranych łat.

Z natury Arlekin jest akrobatą i klaunem, dlatego jego ubiór nie powinien krępować jego ruchów.

Psotny człowiek nosi ze sobą kij, którym często tłucze inne postacie. Pomimo swojej skłonności do oszustw, Harlequin nie może być uważany za łajdaka - człowiek po prostu musi jakoś żyć. Nie jest szczególnie bystry i dość żarłoczny (jego miłość do jedzenia jest czasem silniejsza niż pasja do Columbine, a głupota uniemożliwia realizację miłosnych planów Pantalone).

Maska Arlekina była czarna, ze złowieszczymi rysami (według jednej wersji samo słowo „Arlekin” pochodzi od imienia jednego z demonów „Piekła” Dantego – Alicino).

Na głowie miał biały filcowy kapelusz, czasami z lisim lub króliczym futrem.

Inne nazwy: Bagattino, Trufaldino, Tabarrino, Tortellino, Gradelino, Polpettino, Nespolino, Bertoldino itp.

KOLUMBINA (Columbina) - sługa Kochanka (Inamorata).

Pomaga swojej kochance w sprawach sercowych, zręcznie manipulując innymi postaciami, które często nie pozostają wobec niej obojętne. Columbine wyróżnia się kokieterią, kobiecą przenikliwością, urokiem i wątpliwą cnotą.

Ubrana jest, podobnie jak jej stały chłopak Harlequin, w stylizowane kolorowe łaty, jak przystało na biedną dziewczynę z prowincji. Głowę Columbine zdobi biały kapelusz, pasujący kolorem do jej fartucha.

Nie ma maski, ale jej twarz jest mocno umalowana, a oczy szczególnie jaskrawo podkreślone.

Inne nazwy: Arlekin, Corallina, Ricciolina, Camilla, Lisette.

PEDROLINO lub PIERINO (Pedrolino, Pierino) - jedna z postaci służących.

Pedrolino ubrany jest w luźną białą tunikę z dużymi guzikami i zbyt długimi rękawami, z okrągłym prążkowanym kołnierzykiem na szyi i czapką z wąską okrągłą koroną na głowie.

Czasami ubrania miały duże kieszenie wypełnione pamiątkami o charakterze romantycznym.

Jego twarz jest zawsze mocno wybielona i pomalowana, dlatego nie ma konieczności noszenia maseczki.

Pomimo tego, że Pedrolino należy do plemienia Zanni, jego charakter radykalnie różni się od Harlequina czy Brighelli. Jest sentymentalny, kochliwy (choć cierpi głównie na soubrette), ufny i oddany swojej właścicielce. Biedak zwykle cierpi niespełniona miłość do Columbine i przed wyśmiewaniem innych komików, których organizacja umysłowa nie jest tak subtelna.

Rolę Pierina w trupie często odgrywał młodszy syn bo ten bohater musiał wyglądać młodo i świeżo

Kochankowie (Inamorati)

Niezmienni bohaterowie komedii del arte, panowie Columbine, Harlequin i inni zanni.

W kochankowie wyglądają na oderwanych od życia, pompatycznych postaci.

Jeśli się poruszają, przypomina to balet, z nienaturalnie skierowanymi palcami u nóg.

Dużo gestykulują i często patrzą w lustro.

Głównymi cechami Kochanków są próżność i bolesna uwaga własny wygląd, nerwowość, zaabsorbowanie uczuciami i całkowita nieadekwatność, które zanni aktywnie wykorzystują.

Nawet ich imiona brzmią na szczudłach (mężczyzn nazywano zwykle Silvio, Fabrizio, Aurelio, Orazio, Ottavio, Lelio, Leandro lub Florindo, a kobiety - Isabella, Flaminia, Vittoria, Silvia, Lavinia lub Ortensia). Inamorati zawsze ubierał się odpowiednio Najnowsza moda, przesadnie starannie i elegancko.

Maski zastąpiono grubą warstwą makijażu, dzięki czemu role Isabelli i Lelio stały się przystępne nawet dla młodych aktorów. Ponadto peruki, muchy i wszelkiego rodzaju biżuteria były niezbędnym dodatkiem do ich toalety. Młodzi mężczyźni często ubierali się pięknie Mundur wojskowy. W trakcie akcji kostiumy kochanków mogły się zmieniać kilkukrotnie. Mimo że intryga komedii budowana jest wokół miłości młodych ludzi, kochankowie zawsze pozostają w cieniu masek zanni, a ich miłość zawsze odbierana jest z pewną dozą ironii.

ISABELLA (także Lucinda, Vittoria itp.) -

młody kochanek; często bohaterka była nazywana na cześć aktorki, która grała tę rolę.

PULCINELLA (Pulcinella) - włoski odpowiednik rosyjskiej pietruszki, angielski Mr. Punch i francuski Polichinelle.

Typowy przedstawiciel proletariatu neapolitańskiego ze wszystkimi jego charakterystycznymi cechami.

Co ciekawe, Pulcinella jest obrazem dwuznacznym, mógł być człowiekiem głupim, przebiegłym, sługą, panem, tchórzem i tyranem. Imię tej postaci oznacza po włosku „kurczak” i najwyraźniej jest powiązane z jego maską, której najbardziej rzucającym się w oczy elementem jest duży, przypominający dziób nos.

Strój Pulcinelli składa się z długiej, luźnej białej bluzki przewiązanej w talii skórzanym paskiem, luźnych bezkształtnych spodni i niezwykłego podłużnego kapelusza. Często był przedstawiany jako garbus.

Początkowo garb był ledwo zauważalny, potem zaczął szybko powiększać się, a jednocześnie rósł brzuch. Pochylenie Pulcinelli symbolizuje jego strach przed pobiciem (a w komedii bili go wszyscy, którzy stali wyżej na drabinie społecznej, czyli bardzo wielu).

PANTALONE to jedna z najbardziej znanych masek weneckich.

Pantalone to starszy, bogaty kupiec, który nieustannie goni za niektórymi charakter kobiecy(zawsze bezskutecznie). Obraz ten ucieleśniał rosnącą klasę weneckiej burżuazji.

Cechą charakterystyczną stroju Pantalona jest ogromny kapturek, symbolizujący jego wyimaginowaną męską siłę. Zwykle starzec ubrany był w ciemnoczerwoną koszulkę na ramiączkach i obcisłe spodnie tego samego koloru, czarny płaszcz z krótkimi rękawami i małą czarną czapkę przypominającą fez. U pasa zwisał sztylet lub torebka, a jego buty były żółtymi tureckimi butami z ostrymi, zakrzywionymi czubkami.

Ciemnobrązowa maska ​​miała wydatny haczykowaty nos, kudłate szare brwi i takie same wąsy (czasem także okulary).

Broda Pantalone sterczała ku górze, czasami niemal dotykając czubka nosa, co nadawało profilowi ​​staruszka szczególnie komiczny wygląd.

Często w tej historii Pantalone chciał poślubić dziewczynę, w której zakochał się jego syn, i flirtował z Columbiną, pokojówką jego córki Isabelli.

KAPITAN (Il Capitano) - jeden z starożytne postacie komedia dell’arte.

Kapitan komedii nigdy nie jest rodowitym mieszkańcem miasta, w którym toczy się akcja, ale zawsze pochodzi skądś z daleka.

Typ aroganckiego i pozbawionego zasad wojownika - przechwałka i poszukiwacza przygód.

W zależności od sytuacji politycznej mógł wyglądać jak Hiszpan lub Turek, choć pierwotnie ten wizerunek był Włochem.

W związku z tym zmienił się także jego charakter - w różne okresy Kapitan mógł reprezentować parodię różnych cech narodowych.

Jego głównymi cechami są agresywność, niepohamowane kłamstwa na temat swoich wyimaginowanych wyczynów, brak sumienia, chęć wzbogacenia się oraz chęć wyglądania elegancko i przystojnie. Wszystko to znalazło odzwierciedlenie w jego kostiumie, który mógł być inny, ale zawsze wyróżniał się absurdalną pretensjonalnością i jasnością.

Właściwie jego ubiór zawsze był parodią zawodu wojskowego: kapelusz ozdobiony był piórami w jaskrawych kolorach, stopy w wysokich butach z dużymi podwiązkami, koszulka na ramiączkach wykonana była z materiału w kontrastowe ukośne paski, a u jego pasa wisiał ogromny miecz.

Maska Kapitana mogła być cielista lub ciemna, z długim bojowym nosem i groźnie wystającymi, sztywnymi wąsami.

Jego celem było wskazanie kontrastu pomiędzy prawdziwą (tchórzliwą i kłamliwą) naturą bohatera a tym, kim się podaje.

Jester (Jester, Jolly) - prezentowana w komedii dell'arte, jest to klasyczna maska.

Błazen pojawił się po raz pierwszy w teatrze włoskim, następnie zyskał popularność w całej Europie. Kostium tej postaci jest różnorodny i wielokolorowy. Na głowie czapka z trzema „uszami”, do każdego z nich przywiązane są dzwoneczki.

TARTAGLIA (włoski: Tartaglia, jąkająca się) to postać-maska ​​we włoskiej komedii dell'arte.

Reprezentuje południowy (neapolitański) kwartet masek wraz z Coviello, Scaramuccim i Pulcinellą. Ta maska ​​nie przyjęła się we Francji. Maska Tartaglia pojawiła się w Neapolu ok. 1610

Pochodzenie: Hiszpan, słaby mówca Włoski. Zawód: urzędnik państwowy służba publiczna: może być sędzią, policjantem, farmaceutą, notariuszem, celnikiem itp. Strój: stylizowany garnitur służbowy, na łysej głowie mundurowa czapka; na nosie ma ogromne okulary.

Zachowanie: Na ogół jest to starszy mężczyzna z grubym brzuchem; zawsze jąkał, jego charakterystyczną sztuczką jest walka z jąkaniem, w wyniku której poważny monolog, na przykład w sądzie, zamienia się w komiczny potok wulgaryzmów.

Oprócz bohaterów – Zanniego w komedii weneckiej Del Arte, były postacie dawne i postacie – pseudointelektualiści:

Komedia Del Arte - Teatr europejski, który po raz pierwszy pojawił się we Włoszech w okresie renesansu.

Pojawienie się komedii Dell'Arte

W okresie renesansu we Włoszech zaczęły aktywnie powstawać szkoły zawodowych aktorów. Pojawiły się nowe scenariusze, które początkowo pisali sami prelegenci. Tak powstała Commedia Dell'Arte. Dokładne tłumaczenie tego terminu brzmi jak „teatr profesjonalny”, później jednak zaczęto je interpretować jako „komedia masek”.

Komedia Dell'Arte

Pierwsze wzmianki o Commedia dell'Arte zaczęły pojawiać się w połowie XVI wieku. Jej występy niemal natychmiast stały się ulubionym widowiskiem publiczności. W teatrze panowała atmosfera nieokiełznanej zabawy, której towarzyszyły wybryki i żarty aktorów, ich śmieszne wybryki, głupota, sztuczki, numery muzyczne i inne elementy spektaklu.

Główne różnice pomiędzy Commedia Del Arte a innymi przedstawieniami to: obecność masek, bufonada i improwizacja. Inne drobne cechy to wielojęzyczność, duża liczba muzyka i piosenki, łatwość inscenizacji w dowolnej witrynie.

Ulubionym scenariuszem Komedii Dell'Arte był romans. Zwykle fabuła kręciła się wokół dwojga kochanków próbujących przeciwstawić się swoim głupim, starym rodzicom.

Nie wszyscy aktorzy nosili maski, ale z reguły tylko starzy kochankowie i służący. Uważa się, że pochodzenie takich strojów wiąże się z tradycjami strojów karnawałowych. Pojawienie się masek stało się warunkiem pojawienia się ról teatralnych.

Bohaterowie komedii Dell'Arte

Wszyscy bohaterowie reprezentowali typowe typy społeczne ludzi. Bohaterów w akcji było zwykle dziesięciu: dwóch starców, dwóch służących, dwóch kochanków i dwie kochanki, służąca i kapitan.

Old Man Pantalone był karykaturą weneckich kupców. Był skąpy, wyrachowany i podejrzliwy. Inny staruszek – Doktor – był parodią prawnika-naukowca z Bolonii. Był pedantem, gadułą i wyimaginowanym naukowcem. Pod koniec przedstawienia starzy ludzie zostali oszukani przez wszystkich.

Stary Pan Pantalone

Służący Zanniego byli najbardziej komicznymi postaciami w Commedia Dell'Arte. Z reguły jeden z nich był mądry, drugi głupi. To oni byli głównymi bohaterami, którzy intrygowali przedstawienie i rozśmieszali publiczność. Publiczność zawsze była po ich stronie. Ich żarty i dowcipy miały charakter błazny i nazywano je lazzi. Najpopularniejszymi zanni były Pulcinella i Harlequin.

Arlekin

Integralną częścią przedstawienia była także służąca – Servetta. Jej rolą było zmylenie intrygi i udział w romansach swojej kochanki.

Reprezentowani kochankowie i kochanki doskonały obraz młodzież XVI w. Byli młodzi, piękni, wykształceni i mądrzy. Ale ich jedynym zajęciem była miłość.

Kapitan był wojskowym poszukiwaczem przygód, bandytą i gwałcicielem, którego głównymi cechami było tchórzostwo i przechwałka.

Znaczenie Commedia dell'Arte

W ten sposób Commedia Del Arte reprezentowała całą epokę w życiu społeczeństwa. Wszystkie jej postacie były karykaturami najpopularniejszych typów ludzi.

Później w Commedia Dell'Arte coraz mniej uwagi poświęcano fabule, a coraz więcej pantomimie, numery odmian. Tym samym stał się podatnym gruntem dla pojawienia się cyrku i wielu innych rodzajów gatunków teatralnych.

Commedia Del Arte jest do dziś przykładem wysokiego profesjonalizmu aktorów, którzy zachwycali bogactwem techniki scenicznej i znakomitą grą sceniczną. Stała się inspiracją dla twórczości wszystkich najwięksi dramatopisarze nowy czas: Szekspir, Molier, Lope de Vega i inni.

Wzmianki o komedii dell'arte pojawiają się od połowy lat 50. XVI wieku. Maski są cechą charakterystyczną tego teatru. Wiadomo, że w 1560 r. odbył się występ z udziałem masek we Florencji, w 1565 r. podobny występ odbył się w Ferrarze z okazji przybycia księcia bawarskiego, w 1566 r. - w Mantui na dwór. W 1567 roku po raz pierwszy pojawiła się wzmianka o nazwie Pantalone. We Włoszech działało kilka trup zawodowych aktorów, którzy występowali w maskach i improwizując.

Bohaterowie komedii dell'arte byli kochani przez publiczność, jednak byli tak sławni, że maski komedii dell'arte przetrwały do ​​dziś. Spektakl tego typu teatru opierał się na improwizacji. Oznacza to, że nikt nie napisał tekstu, nikt go nie zapamiętał raz na zawsze, ale to się zmieniło, w trakcie spektaklu mogły wydarzyć się najbardziej nieoczekiwane zwroty okoliczności, które wyłapali aktorzy. Faktycznie, w przedstawieniu użyto masek. Maski miały swoje korzenie w karnawale ludowym. Na bazie masek karnawałowych stopniowo wykształciły się określone typy sceniczne. Ulubieni bohaterowie fars targowych (np. przebiegły i głupi wieśniak) zdawali się łączyć z postaciami karnawałowymi. Z placu optymizm, radość i satyra przekształciły się w komedię dell'arte.

Pojęcie „maski” ma zatem w teatrze improwizacyjnym podwójne znaczenie. Po pierwsze, jest materialna maska ​​zakrywająca twarz aktora. Zwykle była wykonana z tektury lub ceraty i zakrywała całkowicie lub częściowo twarz aktora. Maski nosili głównie bohaterowie komiksów. Byli i tacy, którzy zamiast maski mieli posypać twarz mąką lub pomalować wąsy i brodę węglem drzewnym. Czasami maskę można było zastąpić zaklejonym nosem lub ogromnymi okularami. Zakochani nie nosili masek. Drugie i bardziej znaczące znaczenie słowa „maska” polegało na tym, że oznaczało ono pewien typ społeczny, obdarzony raz na zawsze ustalonymi cechami psychologicznymi, niezmiennym wyglądem i odpowiadającym mu dialektem. W tym teatrze nie jaskrawe kolory były ważne. indywidualne właściwości obraz, ale ogólne właściwości charakteru. Wybierając maskę, aktor nie rozstawał się z nią przez całe życie. Cechą komedii dell'arte jest to, że gra aktora występuje zawsze w tej samej masce. Sztuki mogły się zmieniać każdego dnia, ale ich bohaterowie pozostali tacy sami. Aktor nie mógł nawet grać w różnych sztukach różne role. To sceniczne prawo „jednej roli” utrzymywało się przez całą historię teatru masek. Zadaniem aktora było dopilnowanie, aby za pomocą improwizacji jak najjaśniej przedstawić znaną postać.

Liczba masek, które pojawiły się na scenie komedii dell'arte jest bardzo duża – jest ich ponad setka. Ale wśród nich można wyróżnić dwa główne „kwartety” masek: północny - wenecki i południowy - neapolitański. Pierwszym z nich był Pantalone, Doctor, Brighella i Harlequin. Drugie to Coviello, Pulcinella, Scaramuccia i Tartaglia. W obu grupach często brali udział Kapitan, Serwetka i Kochankowie. Wszyscy ci bohaterowie reprezentowali albo typ komediowy (maski służebne), albo satyryczne maski bufonady (Pantalone, Doktor, Kapitan, Tartaglia), albo liryczne maski Kochanków. Sercem każdego spektaklu improwizacyjnego była fabuła, którą można przedstawić w następujący sposób: rozwój relacji między kochankami stanowił intrygę fabularną spektaklu, maski Starców utrudniały działania młodym, a maski sług Zanniego walczył ze starymi ludźmi i poprowadził intrygę do szczęśliwego końca. (Zanni to wenecka wymowa imienia Giovanni - Ivan; rosyjski odpowiednik Zanni to po prostu „Vanka”). Na Północy największą popularnością cieszyły się dwie maski Zanni – Brighella i Arlekin. Słynny włoski badacz Andrea Perrucci napisał: „Dwóch służących nazywa się pierwszym i drugim Zanni; pierwszy musi być przebiegły, szybki, zabawny, dowcipny: musi umieć intrygować, ośmieszać, prowadzić ludzi za nos i oszukiwać. rola drugiego sługi musi być głupia, niezgrabna i pozbawiona sensu, aby nie wiedział, gdzie jest racja i gdzie lewa strona„Brigella jest źródłem intryg. Harlequin w przeciwieństwie do niego jest rustykalny i naiwny, zachowuje ciągłą pogodę ducha, nie zawstydzając go żadnymi trudności życiowe. Na południu najpopularniejszym Zannim był Pulcinella - jest sarkastyczny, nosi czarną półmaskę z dużym haczykowatym nosem i mówi nosowym głosem. Pulcinella wpłynęła na narodziny francuskiej Polichinelle i angielskiego ponczu. Żeńskim odpowiednikiem Zanni jest Servetta lub Fantesca – służąca o różnych imionach: Columbina, Smeraldina, Franceschina itp.

Strój Zanniego był pierwotnie stylizowany na strój chłopski. Składał się z długiej bluzki przewiązanej szarfą, długich, prostych butów i nakrycia głowy. Arlekin miał na sobie czapkę z zajęczym ogonem – symbol jego tchórzliwej natury, a na bluzce i spodniach widniały wielokolorowe naszywki, które pokazywały opinii publicznej, że jest bardzo biedny. Pulcinella miał spiczastą czapkę. Później, wraz z rozprzestrzenianiem się komedii dell'arte w innych krajach, jej bohaterowie zmienili się. Na przykład Harlequin we Francji stał się bardziej wdzięcznym i bardziej złośliwym intrygantem. Jego pstrokate strzępy zamieniły się w geometrycznie poprawne, wielokolorowe trójkąty i romby, pokrywające trykot, ściśle przylegający do jego sylwetki. Takim go nadal znamy. Stałymi ofiarami sztuczek Zanniego i Servetty byli Pantalone, Doktor i Kapitan. Pantalone to wenecki kupiec, bogaty, arogancki, ale uwielbiający zabiegać o względy młodych dziewcząt. Ale jest skąpy i pechowy. Ubrany jest w czerwoną kurtkę, czerwone wąskie spodnie, czarną czapkę i maskę wyposażoną w klinowatą szarą brodę. Zawsze stara się przedstawiać siebie jako osobę ważną i znaczącą, ale zawsze wpada w bałagan. Ma jedną przewagę nad innymi - gruby portfel, ale to w żaden sposób nie zastąpi całkowitego braku osobistych zasług głupiego i umyślnie pożądliwego starca.

Najpopularniejszą postacią komedii dell'arte był Doktor, boloński prawnik i profesor starożytnego uniwersytetu. Obnosił się z łacińskimi tyradami, ale bezlitośnie je błędnie interpretował. Jego przemówienie było skonstruowane według wszelkich zasad retoryki, ale było całkowicie pozbawione znaczenia. Jednocześnie Doktor był zawsze przepełniony najwyższym szacunkiem dla swojej osoby. Akademickie znaczenie tej maski podkreślał rygorystyczny strój. Głównym dodatkiem jego stroju jest czarna szata naukowca. Na twarzy maska ​​zakrywała jedynie czoło i nos. Ona też była czarna. Policzki, niezakryte maską, były przesadnie jaskrawo zaróżowione – świadczyło to o tym, że Doktora często rozgrzewało wino. Maska Kapitana pierwotnie przedstawiała chełpliwego wojownika. Ale za starym włoskim kapitanem szedł kapitan hiszpański, ubrany zgodnie z hiszpańską modą. Od czasu kampanii Karola V w Hiszpanii kapitan ten przedostał się do Włoch i zyskał aprobatę opinii publicznej. Kapitan włoski został zastąpiony nawet we Włoszech przez Hiszpana. Główną cechą jego charakteru było niestrudzone przechwalanie się, które zakończyło się spadającymi na niego uderzeniami laski Harlequina. Kapitan tęsknił za „dominacją nad światem”, był bardzo dumny, bez miary wychwalał swoje osobiste cnoty wojskowe, ale był jednocześnie tchórzliwy i pusty. Ogarnięty megalomanią Kapitan został przedstawiony opinii publicznej w ten sposób: „Jestem Kapitan Horror z Piekielnej Doliny, nazywany Diabłem, Księciem Zakonu Kawalerii, Termigistą, czyli największym tyranem, największym okaleczaczem, największym zabójcą poskramiacz i władca wszechświata, syn trzęsienia ziemi i błyskawicy, krewny śmierci i serdeczny przyjaciel wielkiego piekielnego diabła.” Ale Kapitan okazał się tchórzem, biedakiem i kłamcą. Po wspaniałych tyradach na temat jego bajecznego bogactwa okazało się, że nie miał na sobie nawet niższej koszuli. Nie mniej efektowna była Tartaglia – neapolitańska maska ​​przedstawiająca notariusza, sędziego, policjanta lub inną osobę obdarzoną władzą. Jąkał się i nosił ogromne okulary. Jego jąkanie było powodem mimowolnych kalamburów (często o charakterze obscenicznym), za co Tartaglia był hojnie nagradzany uderzeniami kija.

Materialnymi pomnikami ponad dwustuletniej komedii dell'arte (w jej „czystej formie”) pozostają tzw. scenariusze. Stanowiły szkic szeregu scen na określony temat, krótko wskazywały akcję, czyli w przybliżeniu, co powinien zrobić ten czy inny aktor. Wszystko inne to improwizacja. Scenariusze odsłoniły prawa spektaklu scenicznego, które odegrały znaczącą rolę w kształtowaniu się całego teatru zachodnioeuropejskiego. Ogromna liczba skryptów w formie odręcznej dostępna jest w zbiorach dużych włoskich bibliotek. Pierwszy drukowany zbiór pism ukazał się w 1611 roku za sprawą aktora Flaminio Scali, który kierował jedną z najlepszych trup komedii dell'arte tamtych czasów – „Gelosi”. Łączna liczba scenariuszy sięga tysiąca. W Rosji akademik V.N. W 1916 roku Perec opublikował także komedie z czasów Anny Ioannovny, wystawiane podczas tournée włoskiej trupy po Rosji.

Autorami scenariuszy byli najczęściej główni aktorzy zespołu, ale twórcami ról, autorami żywego tekstu wypełniającego scenariusz, byli sami aktorzy. Improwizacja jako metoda była oczywiście praktykowana już wcześniej, ponieważ zawsze leżała u podstaw każdego rozwijającego się teatru epoki folkloru. Improwizację można znaleźć w starożytnych mimach, histrionach i tajemnicach. Ale nigdzie, poza komedią dell'arte, nie była to istota, podstawa spektaklu teatralnego. W teatrze komedia dell'arte nie wywodzi się z dramatu, ale z sztuka aktorska, którego podstawą była metoda improwizacji. Oczywiście improwizacja była świetną szkołą gra aktorska, który jest nadal używany w kinach instytucje edukacyjne. Aktor komedii dell'arte musiał uważnie obserwować codzienne życie, niestrudzenie uzupełniać swoje zapasy wiedzę literacką. W ówczesnych traktatach teatralnych można znaleźć wskazówki, że aktor powinien czerpać z książek wszystko, co nowe. nowy materiał dla swoich ról. Aktorzy masek komiksowych stale czytają zbiory dowcipów, śmieszne historie aktorzy odgrywający role kochanków musieli wykazać się dobrą znajomością poezji. Tworząc role, aktorzy potrafili tak zręcznie wkomponować w nie zapamiętany tekst, że sprawiało to wrażenie żywego, nowo skomponowanego słowa. Słynny Włoska aktorka commedia dell'arte Isabella Andreini napisała: "Ile wysiłku musiała włożyć natura, żeby dać światu włoskiego aktora. Potrafi stworzyć francuskiego aktora. zamknięte oczy, posługując się tym samym materiałem, z którego zrobione są papugi, które potrafią tylko powiedzieć to, co zmuszone są recytować na pamięć. O ileż wyżej jest Włoch, który sam wszystko improwizuje i którego w przeciwieństwie do Francuza można porównać do słowika, komponującego swoje tryle według chwilowego kaprysu nastroju. prawda w odniesieniu do sposobu gry.Sztuka improwizacji jest zawsze w teatrze ma wysoką cenę.

Ten sam stan aktywności twórczej powinien towarzyszyć aktorowi na scenie. Tutaj musisz nie tylko być interesującym dla siebie, ale także potrafić wchodzić w interakcję z partnerami, szukając zachęt do własnej kreatywności w ich natychmiast pojawiających się uwagach.

Zadania, jakie postawiła przed aktorem komedia dell'arte, były naprawdę trudne. Aktor musi mieć mistrzowska technika, zaradność, żywa i posłuszna wyobraźnia. Pierwszym był teatr włoski wspaniali mistrzowie sztuk performatywnych, stworzył pierwsze w Europie zespoły teatralne. Najbardziej znanymi z tych grup aktorskich były trupy „Gelosi” (1568), na którego czele stał Zan Ganassa, „Confidenti” (1574), później dowodzony przez Flaminio Scala, „Fedeli” (1601), na którego czele stał przedstawiciel drugie pokolenie rodziny aktorskiej Andreinich – Giovanni – Battista Andreini. Zgromadzili najlepszych włoskich aktorów, twórców popularnych masek komedii dell'arte. Swoją sztuką zasłynęli nie tylko we Włoszech, ale także w wielu krajach Europy Zachodniej. Powszechnie znane było nazwisko Isabelli Andreini (1562-1604), twórczyni pełnego wdzięku wizerunku lirycznej bohaterki. Jej mąż Francesco Andreini (1548-1624) znakomicie zagrał Kapitana. Opublikował zbiór dialogów pomiędzy Kapitanem a jego sługą (Wenecja, 1607). Szczególnie popularni byli aktorzy, którzy stworzyli maski służących. I tak na przykład był Niccolo Barbieri, który grał pod pseudonimem Beltrame (zmarł po 1640).

Z koniec XVI od wieków aktorzy komedii dell'arte stale występują we Francji, Hiszpanii i Anglii. Szczególnie zauważalny jest wpływ ich twórczości na dramaturgię Moliera i Goldoniego. Maska arlekina zyskała ogólnoeuropejską sławę dzięki twórczości Tristano Martinelliego. W późniejszych latach słynny Domenico Biacolelli (1618-1688) nadał Harlequinowi mistrzowskie wykończenie, skupiając w sobie najbardziej jasne cechy pierwszy i drugi Zanni. Biaconelli występował głównie w Teatr paryski Włoska komedia. Od niego zaczęła się estetyzacja tej maski. Estetyzacja komedii dell'arte jest szczególnie charakterystyczna dla ruchów dekadenckich początku XX wieku w Europie Zachodniej i Rosji (reż. V. Meyerhold, A. Tairov, A. Mgebrov). W uwspółcześnionej formie żywioł komedii dell'arte objawił się w inscenizacji „Księżniczki Turandot” Gozziego (1922) Jewgienija Wachtangowa. „Piccolo Teatro”, E. De Filippo i inni również wykorzystywali w swojej twórczości tradycje teatru masek.

Commedia dell'arte, czyli komedia masek, to rodzaj teatru włoskiego XVI-XVII w., łączący w sobie cechy wesołego karnawału, farsy ludowej i „uczonej komedii” granej w błazeński sposób. Przedstawienia przedstawili wędrowni aktorzy. Szef trupy, capocomiko, ustalił fabułę, a na scenie pojawiło się dwóch wesołych zanni (służących) - Brighella i Harlequin; skąpy, arogancki i chory kupiec Pantalone; uczony głupiec, doktor prawa z Bolonii; tchórzliwy, przechwalający się Kapitan; Pokojówka o ostrym języku Servetty. Pojawili się kochankowie i rozpoczęła się wesoła karuzela: starzy jak zwykle wtrącili się w związek kochanków, a młodzi, przy pomocy ożywionych służących, zostawili ich na zimnie. Nie było tekstu pisanego, był zarys fabuły, scenariusz, a aktorzy improwizowali dialog w locie, przechwytując uwagi partnera. Zespół wypadł wspaniale, akcja była szybka; znalazło się miejsce zarówno na utwór solowy, jak i przezabawne lazzi – triki, które pokazali obaj Zanni.

Wesoła, załamana Brighella wyszła w białej bluzce z paskiem i szerokich białych spodniach. Na bluzkę Harlequin naszyto wielokolorowe naszywki. Był dobrodusznym i dziecinnym facetem, choć nieco głupim w porównaniu z Brighellą.

Pantalone miał na sobie czerwone spodnie, czerwoną kurtkę i czarny płaszcz, nie miał nic przeciwko, mimo swojego wieku, ganianiu za dziewczynami i uważał się za godnego wszelkiej uwagi. Doktor pojawił się w czarnym szlafroku z białą falbanką i mówił bełkotliwą łaciną. Kapitan obiecał zmiażdżyć każdego, kto stanie mu na drodze, bo był Hiszpanem i podbił już połowę świata - ale drewniany miecz za każdym razem wbijał się w pochwę, dlatego też uciekał na oślep staremu Pantalone, gdy tylko pogroził mu palcem.

Słowo, pantomima, muzyka i taniec połączyły się w zabawny i emocjonujący spektakl.

Maska w komedii to zarówno sama maska, która całkowicie lub częściowo zakrywa twarz aktora (czasem tylko zaklejony nos lub ogromne okulary), jak i typ społeczny, zaostrzony do granic kreskówek, o niezmiennym wyglądzie fizycznym i cechy charakteru, własną „psychologię”. O tym ostatnim decydował jego status społeczny czy zawód. Aktor, który z powodzeniem występował w jakiejś masce, stale pojawiał się z nią na scenie; W ten sposób powstało pojęcie „roli” (patrz Maski i role). Istniało wiele różnych masek: na przykład na południu Włoch Pantalone nazywał się Caviello, notariusz Tartaglia działał zamiast Doktora, Brighella stała się Pulcinellą, wyróżniającą się szczególną bezczelnością i gniewem. Ale wszystko to były odmiany tego samego typu, uogólnione i trafne. Często występy komedii dell'arte miały ostro satyryczny charakter, a potem po przedstawieniu trupa komików pospieszyła do wyjścia. W podróżujących zespołach uczestniczyli wspaniali aktorzy improwizujący, m.in. G. Ganassa i N. Barbieri, twórcy masek zanni; F. Andrieni - słynny i niepowtarzalny Kapitan.

Popularność tego ludowego spektaklu była ogromna i przekroczyła granice Włoch. Po Europie wędrowały trupy Włochów, a Isabella Andrieni, bracia Martinelli i G. Sacchi cieszyli się iście ogólnoeuropejską sławą. Paryż miał nawet swoją własną komedię włoską, niebezpieczny konkurent Aktorzy francuscy. Włosi byli wypędzani nie raz, ale uczyli się na swojej sztuce. Wpływ włoskiej komedii masek widać chociażby we wczesnych sztukach J. B. Moliera. Maski komediowe, które włoscy aktorzy pokazali w innych krajach, często nabrały narodowego charakteru (np. English Punch jest potomkiem Pulcinelli) i stały się częścią kultury narodowej kraju.

W samych Włoszech scenariusze teatralne i improwizatorzy aktorów cieszyły się nie mniejszą popularnością niż komedie C. Goldoniego czy baśniowe sztuki C. Gozziego, w których często używano masek. Romantycy ze swoimi specjalna uwaga do folkloru, do popularna zasada Twórczość Gozziego była wysoko ceniona w kulturze.

Na początku XX wieku. zainteresowanie komedią dell'arte ponownie budzi się. W ten sposób reżyserzy G. Craig, V. E. Meyerhold, E. B. Vakhtangov ożywiają i interpretują na swój sposób tematy i obrazy starego włoskiego teatru. Wystawienie przez Wachtangowa „Księżniczki Turandot” Gozziego stało się wydarzeniem, wyznaczającym pojawienie się cała szkoła w radzieckiej sztuce teatralnej.

Włochy XX wiek znał „wielkiego Arlekina” M. Morettiego, który grał w sztuce „Sługa dwóch panów” J. Strehlera na podstawie sztuki Goldoniego. Dziś ducha komedii masek chyba najpełniej oddaje wspaniały aktor improwizacyjny D. Fo, którego występy łączą satyrę polityczną i wirtuozowskie aktorstwo. Wpływ maski widoczny jest także w twórczości E. De Filippo – dramatopisarza, reżysera, aktora (patrz teatr włoski).

Ludowa komedia masek ze swoją swobodą, swobodą i pogodną nieustraszonością wywarła korzystny wpływ sztuki performatywne nie tylko we Włoszech. Jeśli chodzi o teatr włoski, do dziś zachował się w nim l „anima allegro – „wesoła dusza”, co ożywiało maskę i było esencją komedii dell'arte.