Współcześni artyści hiszpańscy. Dziesięciu najsłynniejszych Hiszpanów
Zdjęcie - Sen spowodowany lotem pszczoły wokół granatu, na sekundę przed przebudzeniem.
Rok powstania - 1944,
Olej na płótnie 51×40,5 cm
Muzeum Tisenna-Barnemisza w Madrycie
Jeśli wierzyć opowieściom Dali, drzemał przy sztaludze, trzymając w dłoni klucz, pędzel lub łyżkę. Kiedy przedmiot wypadł i uderzył w wcześniej ustawiony na podłodze talerz, ryk obudził artystę. I od razu zabrał się do pracy, aż zniknął stan pomiędzy snem a rzeczywistością.
Dali powiedział o obrazie w następujący sposób: „Celem było po raz pierwszy przedstawienie odkrytego przez Freuda rodzaju długiego, połączonego snu, spowodowanego natychmiastowym uderzeniem, z którego następuje przebudzenie”.
Freud opisał to jako sen, którego fabuła jest spowodowana jakimś bodźcem z zewnątrz: podświadomość śpiącego identyfikuje ten bodziec i zamienia go w obrazy, które w pewnym stopniu przypominają źródło podrażnienia. Jeśli czynnik drażniący w rzeczywistości niesie zagrożenie, wówczas we śnie przybierze groźny wygląd, który sprowokuje przebudzenie.
Na dole obrazu śpiąca naga kobieta, jakby unosiła się nad kamienną płytą obmywaną przez morze. Morze w twórczości Dali oznacza wieczność. Freud porównał ludzką psychikę do góry lodowej, w dziewięciu dziesiątych zanurzonej w morzu nieświadomości.
Kobieta na zdjęciu to Gala, którą artysta uważał za swoją inspirację i drugie ja. Widzi sen przedstawiony na obrazie i znajduje się na granicy dwóch światów - rzeczywistego i iluzorycznego, będąc jednocześnie obecnymi w obu.
Kobieta słyszy we śnie brzęczenie pszczoły nad granatem. Wizerunek granatu w starożytności i Symbolika chrześcijańska oznacza odrodzenie i płodność.
„Cała życiodajna biologia powstaje z pękniętego granatu” – skomentował zdjęcie sam artysta.
Podświadomość sygnalizuje, że owad może być niebezpieczny, a mózg reaguje, wyświetlając obrazy warczących tygrysów. Jedno zwierzę wyskakuje z pyska drugiego, a następnie z kolei z otwartego pyska wyłania się ryba wynurzająca się z ogromnego granatu, który wisiał nad śpiącym. Ostre pazury i zęby symbolizują strach przed użądleniem owada, podobnie jak pistolet z bagnetem, który ma przebić kobietę w rękę.
„Słoń Berniniego w tle niesie obelisk i atrybuty papieża” – artysta nawiązał do snu o pogrzebie papieża, który śnił się Freudowi z powodu bicia dzwonu i który psychiatra podał jako przykład dziwacznego związek między fabułą a zewnętrznym czynnikiem drażniącym.
Słoń z Piazza Minerva w Rzymie, stworzony przez mistrza baroku Giovanniego Lorenzo Berniniego jako cokół dla starożytnego egipskiego obelisku, był następnie wielokrotnie przedstawiany przez Dalego w malarstwie i rzeźbie. Nogi o cienkich stawach są symbolem niestabilności i nierzeczywistości nieodłącznie związanej ze snem.
Pablo Picasso, Guernica
Malarstwo - Guernica
Rok powstania - 1937.
Płótno, olej. 349 x 776 cm
Centrum Sztuki Reina Sofia w Madrycie
Obraz namalowano w maju 1937 roku na zlecenie rządu Republiki Hiszpańskiej dla pawilonu hiszpańskiego przy ul wystawa światowa w Paryżu.
Ekspresyjne płótno Picassa stało się publicznym protestem przeciwko nazistowskiemu bombardowaniu baskijskiego miasta Guernica, kiedy w ciągu trzech godzin na miasto zrzucono kilka tysięcy bomb; w rezultacie sześciotysięczna Guernica została zniszczona, pod gruzami znalazło się około dwóch tysięcy mieszkańców.
Malarstwo Picassa jest pełne osobistych uczuć cierpienia i przemocy.
Po prawej stronie obrazu postacie uciekają z płonącego budynku, z okna którego wypada kobieta; po lewej stronie łkająca matka trzyma na rękach swoje dziecko, a triumfujący byk depcze poległego wojownika.
Złamany miecz, zmiażdżony kwiat i gołębica, czaszka (ukryta w ciele konia) i postawa poległego wojownika przypominająca ukrzyżowanie to uogólnione symbole wojny i śmierci.
Na rękach poległego żołnierza widoczne są stygmaty (bolesne, krwawiące rany otwierające się na ciele niektórych głęboko religijnych osób – tych, którzy „cierpieli jak Jezus”. Byk symbolizuje zło i okrucieństwo, a koń symbolizuje cierpienie niewinnych.
Niektórzy Hiszpanie interpretują byka, symbol tradycyjnej hiszpańskiej walki byków, jako samą Hiszpanię, która odwróciła się plecami do tego, co dzieje się w Guernicy (nawiązanie do faktu, że Franco pozwolił na zbombardowanie swojego miasta).
Razem te szalone postacie tworzą pozory kolażu, wyróżniając się na tle ciemne tło, jasno oświetlony przez kobietę z lampą i okiem z żarówką elektryczną zamiast źrenicy. Monochromatyczne malarstwo, przypominające ilustracje z gazet, oraz ostry kontrast światła i ciemności wzmacniają potężny efekt emocjonalny.
Francisco de Goya, Naga Maja
Malarstwo - Akt Maha
Rok powstania - 1795-1800.
Płótno, olej. 98x191cm
Muzeum Prado w Madrycie
Na obraz maja, hiszpańskiej mieszczanki XVIII-XIX w., artystka wbrew rygorystycznym kanonom akademickim ucieleśniała typ atrakcyjnej, naturalne piękno. Maha to kobieta, której celem życia jest miłość. Uwodzicielskie, pełne temperamentu huśtawki uosabiały hiszpańskie rozumienie atrakcyjności.
Goya stworzył wizerunek nowej Wenus swojego współczesnego społeczeństwa, umiejętnie ukazując młodość, żywy urok, tajemniczą zmysłowość uwodzicielskiej modelki.
Młoda kobieta ukazana jest na ciemnym tle, dlatego całą uwagę widza przyciąga wyzywająca nagość jej jedwabistej skóry, która w rzeczywistości staje się głównym i jedyny temat obrazy.
Przez ekspresję Francuski pisarz i historyk sztuki André Malraux, dzieło to „jest nie tyle zmysłowe, co erotyczne, dlatego nie może pozostawić obojętnym żadnej mniej lub bardziej zmysłowej osoby”.
Obraz powstał na zamówienie Manuela Godoya, pierwszego ministra Hiszpanii, ulubieńca królowej Marii Luizy, żony Karola IV. Przez długi czas ukrywał go w swoim biurze. Do niej dołączono także drugie płótno – ubraną w Machę, które Godoy zawiesił nad Aktem.
Oczywiście jeden z zszokowanych gości potępił lubieżniczkę, a w 1813 roku Inkwizycja skonfiskowała Godoyowi oba obrazy, jednocześnie oskarżając Goyę o niemoralność i żądając od artysty natychmiastowego podania nazwiska modelki, która mu pozowała. Goya, pomimo wszelkich gróźb, stanowczo odmówił podania imienia i nazwiska tej kobiety.
Z lekka ręka pisarza Liona Feuchtwangera, autora powieści Goya, czyli trudna ścieżka wiedzy, po świecie zaczęła krążyć legenda, że nagą maha to Maria Cayetana de Silva, 13. księżna Alby, z którą artysta rzekomo miał romans .
Aby obalić tę wersję, rodzina Albów w 1945 roku otworzyła grobowiec, aby zmierzyć kości księżnej i wykazać, że jego proporcje nie odpowiadają proporcjom Machy, ale ponieważ grób był już otwarty i ciało księżnej zostało wyrzucony przez żołnierzy napoleońskich, wówczas w obecnym stanie pomiar nie powiódł się.
Obecnie większość historyków sztuki jest skłonna wierzyć, że obrazy przedstawiają Pepitę Tudo, kochankę Godoya.
Diego Velazquez, Las Meninas
Zdjęcie - Las Meninas
Rok stworzenia - 1656.
Płótno, olej. 318 x 276 cm
Muzeum Prado w Madrycie
Prawdopodobnie Las Meninas to najbardziej znany i rozpoznawalny obraz artysty, znany niemal każdemu. To duże płótno jest jednym z najlepsze prace artysta. Obraz zachwyca skalą i wszechstronnością.
Aby powiększyć przestrzeń, wykorzystano kilka warsztatów jednocześnie. techniki artystyczne. Artysta umieścił bohaterów w przestronnym pomieszczeniu, w tle którego znajdują się drzwi, a na oświetlonych schodach stoi pan w czarnym ubraniu. To natychmiast wskazuje na obecność innej przestrzeni na zewnątrz pomieszczenia, wizualnie powiększając jej wymiary, pozbawiając ją dwuwymiarowości.
Cały obraz jest lekko przesunięty w bok ze względu na zwrócone do nas płótno tylną stroną. Artysta stoi przed płótnem – to sam Velasquez. Maluje obraz, ale nie ten, który widzimy przed sobą, bo główni bohaterowie są zwróceni w naszą stronę. To trzy różne plany. Jednak nawet to wydawało się mistrzowi niewystarczające i dodał lustro, w którym odbija się para królewska – król Hiszpanii Filip IV i jego żona Marianna. Z miłością patrzą na swoje jedyne wówczas dziecko – Infantkę Margaritę.
Choć obraz nosi tytuł Las Meninas, czyli damy dworu na hiszpańskim dworze królewskim, w centrum obrazu znajduje się mała księżniczka, nadzieja całej ówczesnej rodziny hiszpańskich Habsburgów. Pięcioletnia Margarita jest spokojna, pewna siebie, a nawet arogancka jak na swój wiek. Ona bez najmniejszego podniecenia i zmiany wyrazu twarzy patrzy na otaczających ją ludzi, a jej maleńkie ciałko jest dosłownie zakute w twardą skorupę wspaniałej dworskiej toalety. Nie wstydzą jej się szlachetne damy – jej meniny – które kucają przed nią w głębokim ukłonie, zgodnie z surową etykietą panującą na hiszpańskim dworze. Nie interesuje jej nawet pałacowy krasnolud i błazen, który postawił stopę na tym leżącym na pierwszym planie. duży pies. Ta mała dziewczynka nosi się z całą możliwą wielkością, uosabiając wielowiekową hiszpańską monarchię.
Tło pokoju zdaje się rozpływać w jasnoszarej mgle, ale wszystkie szczegóły skomplikowanego stroju małej Margarity są zapisane w najdrobniejszych szczegółach. Artysta nie zapomniał o sobie. Przed nami pojawia się imponujący mężczyzna w średnim wieku, z bujnymi, kręconymi lokami, w czarnym jedwabnym ubraniu i z krzyżem Sant'Iago na piersi. Z powodu tego wyróżnienia, które tylko pełnokrwisty Hiszpan mógł otrzymać bez kropli krwi żydowskiej lub mauretańskiej, powstała mała legenda. Ponieważ artysta otrzymał krzyż dopiero trzy lata po namalowaniu płótna, uważa się, że ukończył go sam król Hiszpanii.
El Greco, Pogrzeb hrabiego Orgaza
Malarstwo - Pogrzeb hrabiego Orgasa
Rok powstania - 1586-1588.
Płótno, olej. 480 x 360 cm.
Kościół Świętego Tomasza w Toledo
Najbardziej słynny obraz wielki i tajemniczy El Greco należy do okresu świetności jego twórczości. W tym czasie artysta wypracował już własny styl pisania, którego nie można pomylić ze stylami innych malarzy.
W 1586 roku mistrz zaczął dekorować kościół św. Tomasza w Toledo. Działka centralna wybrano legendę o świętym z Toledo, Don Gonzalu Ruizie, znanym również jako hrabia Orgaz, żyjącym w XIII-XIV wieku. Pobożny, pobożny chrześcijanin, zyskał sławę działalność charytatywną, a kiedy zmarł w 1312 r., sam św. Szczepan i błogosławiony Augustyn zstąpili z nieba, aby dać ziemi godnego zmarłego.
Obraz jest wizualnie podzielony na dwie części: „ziemską” i „niebiańską”. Ścisły rytm dolnej „piętra” przeciwstawiony jest barokowemu „górnemu”. I tam, na różnych poziomach niebieskich, duszę hrabiego spotykają Jan Chrzciciel, Dziewica Maryja, aniołowie i cherubiny. Chrystus siedzi w centrum. Latający anioł jest podświetlony na biało - to on wznosi duszę hrabiego do nieba.
Chrystus, anioł ze zmarłą duszą i szlachcic na dole tworzą oś pionową. Linie geometryczne w budowie kompozycji były bardzo charakterystyczne dla El Greco.
Kulminacja ekspozycyjna zostaje przesunięta na sam dół dzieła, gdzie Stefan i Augustyn kłaniając się, opuszczają Orgaza na ziemię. Święci ubrani są w złote stroje, które w górnej strefie nawiązują do postaci anioła i szat Piotra. Tym samym złotym kolorem artysta połączył bohaterów dzieła, związanych ze światem niebieskim, tamtym światem.
Obraz odniósł ogromny sukces w Hiszpanii w czasach artysty. El Greco został później zapomniany i odkryty na nowo przez impresjonistów. ekspresyjny praca emocjonalna wywiera ogromny wpływ na widza. Według naocznych świadków Salvador Dali nawet stracił przytomność w pobliżu płótna. Być może ta charakterystyka jest wyczerpująca.
Hiszpania może poszczycić się genialnymi artystami. Ale gdyby tak nie było, nikt by się nie zdziwił.
Przecież ten kraj prawie zawsze był konserwatywny. A tam, gdzie panuje nadmierna inercja moralna, a tym bardziej Inkwizycja, tam innowatorzy nie przetrwają lub po prostu się nie rodzą.
Dlatego zawsze byłem zdumiony, jak tym artystom udało się zaprezentować światu swoje innowacje!
Jak El Greco wyprzedził swoją epokę o 300 lat, tworząc w stylu ekspresjonizmu. A Velasquez 200 lat wcześniej zaczął tworzyć!
Proponuję przyjrzeć się bliżej tym utalentowanym i genialnym Hiszpanom.
1. El Greco (1541-1614)
El Greco. Portret starca (prawdopodobnie autoportret). 1600 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku Grecki Hiszpan lub hiszpański Grek Dominicos Theotokopoulos niemal w pojedynkę się odwrócił Renesans hiszpański. Gdyby Włosi mieli całą galaktykę mistrzów. Wtedy Hiszpanie mogą odetchnąć: oni też przeżyli renesans. Dzięki El Greco.
Tworząc obrazy głównie religijne, odważnie burzył proponowane kanony.
Wystarczy spojrzeć na płótno „Zdjęcie szat od Chrystusa”.
El Greco. Zdejmowanie szat Chrystusa (Espolio). 1579 Katedra w Toledo w Hiszpanii Zamiast kilku postaci - cały tłum. Zamiast perspektywy mamy nieprzeniknioną ścianę postaci.
Zamiast łatwo czytelne emocje- Skomplikowane uczucia. Spójrzcie na nierozumiejące spojrzenie Najświętszej Marii Panny. Zdawała się nie zdawać sobie sprawy z tego, co się zaraz stanie. Psycholodzy tak by to nazwali reakcja obronna na ekstremalny stres.
Ale El Greco to za mało. Kilka lat później stworzył jeszcze bardziej niesamowite dzieło. Nie obraz, ale wszechświat. Od najmniejszych haftowanych historii w strojach świętych. Aż do wyraźnego podziału świata na dwie połowy: ziemską i niebiańską.
To oczywiście ja, jeśli chodzi o „Pogrzeb hrabiego Orgaza”.
El Greco. Pogrzeb hrabiego Orgaza. 1588 Kościół San Tomé w Toledo I od razu zauważamy wydłużone ciała. Raczej El Greco szpiegował takie zniekształcenie form od manierów. Przynajmniej to samo Parmigianino. Być może nałożyło się na to także doświadczenie tworzenia ikon bizantyjskich (w końcu pochodził z greckiej Krety).
Z biegiem czasu jeszcze bardziej wyolbrzymił tę cechę. Widać to wyraźnie w jego późniejszej pracy Laokoona.
El Greco. Laokoona. 1614 Galeria Narodowa Waszyngton Artysta intuicyjnie rozumiał, że poprzez zmianę formy jego bohaterowie mogą opowiedzieć nam o swoich uczuciach i przeżyciach. Przecież oni są nieruchomi.
Zauważyliśmy, że pejzaż miejski jest włączony tło również bardzo niezwykłe. Bliżej mu do Van Gogha i Cezanne’a niż do estetyki renesansu.
Nikt przed El Greco Malarstwo zachodnie więc nie zniekształciłem formy. A po nim artyści dążyli do realistycznych proporcji. Dlatego przez 300 lat uważali go za ekscentryka i niezdarę.
Został zapomniany i nie pamiętany. I dopiero pod koniec XIX wieku wszyscy zrozumieli, jak bardzo wyprzedził swoje czasy. Teraz nowo odkryty El Greco na zawsze w historii sztuki.
2. Diego Velazquez (1599-1660)
Diego Velazqueza. Meniny (fragment z autoportretem). 1656 Innowacje Velasqueza zadziwiają do głębi. Nie tylko mieszkał w bardzo konserwatywne społeczeństwo, więc był jeszcze malarzem nadwornym!
A to oznacza, że miał wybrednych klientów, którym nie zależy na innowacjach. Gdyby tylko było „pięknie i podobnie”. W takich warunkach każda innowacja łatwo marnieje.
Ale nie Velasqueza. Klienci jakimś cudem wybaczyli mu wszystko, najwyraźniej intuicyjnie rozumiejąc, że dzięki temu artyście zostaną zapamiętani nawet za 500 lat. I nie mylili się.
Jednak nawet wobec Velasqueza okrutna Inkwizycja nie zamierzała we wszystkim iść na ustępstwa. Malowanie aktów uznawano za poważne przestępstwo.
Jednak nawet w takich warunkach Velazquezowi udało się stworzyć arcydzieło z pięknym nagim ciałem.
Diego Velasqueza. Wenus przed lustrem. 1647-1651 Galeria Narodowa w Londynie To prawda, że swą piękną „Wenus” napisał będąc we Włoszech. Następnie potajemnie przywiózł go do Hiszpanii i przekazał na przechowanie wpływowemu ministrowi. A Inkwizycja nie tylko włamała się do jego domu w poszukiwaniu nagości.
Już na tej „Wenus” widać, dlaczego Velasquez tak bardzo się wyróżniał. Swoją witalnością. Bo nie ma wątpliwości, że to prawdziwa kobieta. Piękne, ale prawdziwe. Jej postawa jest taka zrelaksowana i naturalna.
Prawdopodobnie jest to włoska ukochana artysty. Roztropnie ją zabezpieczył, odwracając się do nas plecami. A jego twarz odbijała się w pochmurnym lustrze.
W tym samym miejscu we Włoszech Velazquez namalował legendarny portret papieża Innocentego X.
Diego Velasqueza. Portret papieża Innocentego X. 1650. Galeria Doria Pamphili, Rzym Velasquezowi udało się bardzo trafnie oddać twardą i zdradziecką naturę papieża.
Wydawać by się mogło, że 75-letni papież jawi się nam w najbardziej majestatycznej formie. Ale mówi o kłującym, silnym spojrzeniu, zaciśniętych ustach i trującym czerwonym kolorze płaszcza prawdziwe wartości ten mężczyzna.
Jak Velasquezowi udało się ponownie osiągnąć witalność nawet w formalnym portrecie?
Faktem jest, że Velasquez miał szczęście spotkać Papieża, przechodząc przez jedną z galerii Watykanu. Szedł sam, a jego twarz nie miała zwykłej „maski” do sztuczek. Wtedy Velazquez zrozumiał swoją postać i przeniósł swoje wrażenia na płótno.
Wracając z Włoch, Velazquez nadal pełnił obowiązki dworzanina.
Ale nie myśl, że Velasquez był nieszczęśliwy. On sam pragnął zostać artystą królewskim, ponieważ był próżny. Dlatego z rezygnacją malował niezliczone portrety arystokratów i nie gardził nawet wyjęciem nocnika dla Jego Wysokości.
Ale wśród tych dzieł tego samego typu są niezwykle niezwykły portret rodzina królewska: Las Meninas.
Diego Velazqueza. Meniny. 1656 To zdjęcie ma bardzo niezwykły pomysł.
Velazquez postanowił pokazać nam, jak wygląda jego świat po drugiej stronie płótna. To, co się dzieje, widzimy oczami tych, którzy… pozują artyście.
Widzimy, jak artysta pracuje nad portretem króla i jego żony. A oni stoją na naszym miejscu (albo my na ich miejscu) i patrzą na artystę. A potem księżniczka, ich córka, przyszła do warsztatu ze swoim orszakiem, aby odwiedzić rodziców.
Coś w rodzaju „losowych ramek”. Kiedy artysta wolał pisać swoje postacie nie na scenie, ale za kulisami.
U Meninasa zauważamy jeszcze jedną osobliwość. Są to szybkie, wibrujące uderzenia. Jednocześnie artysta nie rozróżnia tła od postaci. Wszystko jest utkane jakby z jednej materii. Dokładnie tak napiszą impresjoniści 200 lat później, to samo i.
Tak, umiejętność nie zna granic... nie boi się ani Inkwizycji, ani bezwładnej moralności. Wyobraźcie sobie, co Velázquez mógłby zrobić, gdyby żył w bardziej wolnych czasach! W np.
3. José de Ribera (1591-1652)
Giuseppe MacPhersona. Portret José de Ribery. 1633-1656 Kolekcja Królewska, Londyn „Mały Hiszpan” (jak go też nazywano) Jose de Ribera przeprowadził się do Włoch w wieku 14 lat. Ale jego malarstwo zawsze pozostawało hiszpańskie, niewiele przypominające włoski akademizm.
Tutaj, we Włoszech, uderzyło go malarstwo. No i oczywiście nie mogłam się powstrzymać, żeby nie pracować w technice tenebroso. Dzieje się tak wtedy, gdy główny bohater znajduje się w ciemności i wydobywa się z niej jedynie przyćmione światło.
Ta technika Caravaggia była bardzo odpowiednia ogólny styl Ribera. Po prostu uwielbiał pełne akcji historie biblijne i mitologiczne. I to tenebroso doprowadza tę akcję do punktu kulminacyjnego.
Jej bohaterami są ci, którzy akceptują cierpienie w wyższym celu. Jak na przykład Prometeusz.
Jose de Ribera. Prometeusz. 1830 Prywatna kolekcja Od naturalizmu Ribera zachwyca. I nie chodzi tu tylko o bardzo dokładne przeniesienie prawdziwego ciała. A także w tym, jak wyglądają rany i jak emocjonalnie bohater reaguje na swoje cierpienie.
Faktem jest, że Ribera odwiedzał więzienia i na własne oczy był świadkiem torturowania skazanych. Oto jeden z XVII wieku. Tylko Degas poszedł do teatru, żeby szpiegować baletnice. I ten Hiszpan chodził po miejscach przetrzymywania i szukał wiarygodności dla swoich męczenników.
Po pewnym czasie mistrz zaczyna odchodzić od karawagizmu. Jednak jej głównymi bohaterami są nadal bojownicy o wzniosłe ideały. A jednym z tych arcydzieł jest Męczeństwo św. Filipa.
Jose de Ribera. Męczeństwo Świętego Filipa. 1639 Muzeum Prado w Madrycie Widzimy świętego na kilka sekund przed położeniem go na stojaku. W planie fizycznym nie ma najstraszniejszego. Ale jest okazja, aby wczuć się w zbliżający się nieunikniony koniec i podziwiać pokorę świętego.
Ribera potęguje dramaturgię, przedstawiając męczennika ściśle po przekątnej. Jego sylwetka, szczupła i długa, ledwo mieści się na zdjęciu. Jakby Guliwer (w sensie duchowym) został schwytany i rozerwany na kawałki przez małych, nieszczęsnych ludzi.
Ribera zasłynął także z malowania ludzi z anomaliami. Częstymi bohaterami jego obrazów są także kule, krasnoludki i kobiety z brodami.
Ale nie myśl, że było to jego chorobliwe pragnienie. Takie były maniery na dworze. Arystokracja lubiła zatrzymywać takich ludzi jako błaznów, a właściwie niewolników. A artyści namalowali je ponownie, ku uciesze gości.
Jednym z najbardziej znanych tego typu dzieł mistrza jest „Magdalena z mężem i synem”.
Jose de Ribera. Magdalena Ventura z mężem i synem brodata kobieta). 1631 Szpital Tabera w Toledo w Hiszpanii Kobieta w wieku 37 lat doświadczyła niewydolności hormonalnej, w efekcie zaczęła jej rosnąć broda. Klient zażądał narysowania jej z dzieckiem na rękach. Chociaż w tym czasie miała już ponad 50 lat. Jej synowie dorastali dawno temu, a jej piersi wyraźnie nie były tak wspaniałe. Ale dziecko i pierś uczyniły ten błąd natury bardziej wymownym.
Ale w przeciwieństwie do klientów Ribera tylko sympatyzowała z takimi ludźmi. A oczy nieszczęsnej kobiety wyrażają prawdziwy stosunek artysty do niej.
4. Francisco Goya (1746-1828)
Vicente Lopez Portana. Portret Francisco Goi. 1819 Muzeum Prado w Madrycie. Matka Goi powiedziała synowi: „Nie urodziłeś się różą, ale cebulą. Zginiesz od łuku.” To tyle, jeśli chodzi o upartą i zadziorną naturę syna. Tak, Francisco Goya był osobą bardzo temperamentną.
Historie o tym, jak zostawił swój podpis na… kopule katedry św. Piotra w Rzymie, a także o porwaniu i uwiedzeniu zakonnicy z klasztoru – mówią same za siebie.
Otrzymał powierzchowne wykształcenie i przez całe życie pisał z błędami. Ale to nie przeszkodziło mu stać się największym artystą. Udało mu się dokonać rzeczy niemal niemożliwej.
Namalował nagą kobietę, ale nie wpadł w szpony Inkwizycji. Jednak Velasquez wykonał tę sztuczkę jako pierwszy.
Prawie przez całe życie pozostawał malarzem nadwornym. Jednak aktywnie wyraził stanowisko cywilne w swoich dziełach. A monarchowie zdawali się niczego nie zauważać.
Uwodził jedną piękną arystokratkę po drugiej, pomimo złego stanu zdrowia i głuchoty.
To jest jeden z najbardziej odważni artyści, którego pędzel jest jak miecz i którego kolory są odważnymi słowami. Jednak Goya niejednokrotnie brał udział w prawdziwych pojedynkach i potyczkach słownych.
Przyjrzyjmy się jego najwybitniejszemu dziełu.
Myśląc o Goi, oczywiście od razu przypominamy sobie jego Nagą Maję.
Francisco Goya. Maha nago. 1795-1800 Muzeum Prado w Madrycie. Po raz pierwszy nagość nie wyglądała jak Velasquez, ukradkiem i ukradkiem, ale w całej swej bezwstydnej okazałości. Żadnej słodyczy, a jedynie zmysłowość i wręcz erotyzm.
Goya długo pracował na dworze, nie tolerował jednak przypodobania się i kłamstw. Wystarczy spojrzeć na jego płótno.
Francisco Goya. Portret rodziny Karola IV. 1800 Muzeum Prado w Madrycie. Ileż ironii w stosunku do monarchów! W centrum autorka przedstawia królową Marię, wyraźnie dając do zrozumienia, że to ona, a nie Karol, rządzi krajem.
To niesamowite, jak artyście udało się stworzyć taki kontrast: między strojem pary królewskiej a ich twarzami! Luksus i blask złota nie mogą ukryć przeciętności bohaterów i szczerej „prostoty” króla.
No i oczywiście nie można przejść obojętnie obok jego dzieła „Egzekucja 3 maja”. To obraz bohaterstwa zwykłych Hiszpanów podczas okupacji przez wojska napoleońskie.
Francisco Goya. 3 maja 1808 w Madrycie. 1814 Prado w Madrycie W chwili poprzedzającej salwę każdy ze skazanych na zagładę buntowników wygląda inaczej: ktoś pokornie czeka, ktoś się modli, ktoś płacze.
Ale jeden Hiszpan w białej koszuli jest gotowy bez strachu stawić czoła śmierci. Artysta powalił go na kolana. A jeśli wyobrazisz sobie, że wstanie, okaże się, że to tylko olbrzym. A działa francuskich żołnierzy wydają się być skierowane tylko w niego.
Tak więc Goya po raz pierwszy pokazał wyczyn i odwagę prostego człowieka. Przed nim jako bohaterowie byli przedstawiani daleko od zwykłych ludzi. To jest idealne Nowy wygląd NA malarstwo historyczne.
Niewątpliwie Goya wciąż zadziwia swoją odwagą, ekscentrycznością i humanizmem. To był mistrz o szczególnym podejściu.
Dla nas jest to artysta o szczególnej mocy, jak przywódca duchowy. Kto nie schlebi rządzącym, nie zignoruje bohaterstwa zwykłego człowieka i nie odwróci się od piękna, nawet jeśli uznane zostanie za grzeszne i podłe.
5. Pablo Picasso (1881 - 1973)
Pablo Picasso. Autoportret. 1907 Galeria Narodowa w Pradze Najbardziej uważany jest Picasso sławny artysta na świecie. To prawda, większość zna go jako kubistę. Choć utrzymany w stylu czystego kubizmu, nie pracował długo. Był zarówno ekspresjonistą, jak i surrealistą. To był artysta-kameleon.
Nie ma większego znaczenia, w jakim stylu pracował. Jej cechą charakterystyczną są liczne eksperymenty z formą. Zmiął formę, rozciągnął ją, ścisnął, rozdrobnił i pokazał ze wszystkich stron.
Zaczął od dokładnych eksperymentów, naśladując El Greco. To od niego podglądał zdeformowane formy. I podobnie jak El Greco wyciągał swoje figurki podczas swoich.
Pablo Picasso. Dwie siostry. 1902 Ermitaż Cezanne szukał możliwości wyrażenia istoty rzeczy za pomocą koloru, formy i perspektywy. Picasso za pomocą kubizmu doprowadził ten pomysł do końca.
Używając różne kąty wizję i elementy tematu, starał się uruchomić w widzu ciąg skojarzeniowy: pokazać istotę rzeczy, a nie jej obraz.
Pablo Picasso. Kompozycja z ciętą gruszką. Ermitaż z 1914 r Na obrazku "Gruszka" NIE widzimy wizerunku gruszki. Ale widzimy cętkowane kawałki płótna: mamy w pamięci podobną fakturę miazgi gruszkowej. Z gruszką kojarzą się także delikatne beże i brązy. Nie mówiąc już o charakterystycznym łuku.
Wszystkie te fragmenty obrazu gruszki przywołują w nas nie tylko wizualne wspomnienie gruszki, ale także jej smak i wrażenia dotykowe.
To właśnie koncepcja wyrażenia istoty, a nie obrazu, dominuje w malarstwie Picassa. Nawet wtedy, gdy odchodzi od typowych „kostek” i pisze w stylu bliskim surrealizmowi.
Należą do nich portrety Marie-Therese Walter.
Pablo Picasso. Marzenie. 1932 Zbiory prywatne Podczas wyczerpującego i rozpadającego się małżeństwa z Khokhlową Picasso przypadkowo spotkał młodą Marię Teresę.
Zawsze przedstawiał ją jako kolorową i falistą, z elementami kubizmu. Przecież jej twarz pokazana jest jednocześnie z dwóch punktów widzenia: zarówno z profilu, jak i całej twarzy.
W ten sposób wywraca na lewą stronę całą jej zmysłowość i czułość, skrajną kobiecość. I to pomimo tego, że w jej sylwetce było coś męskiego. Ale przecież formy mają podkreślać istotę, a nie przedstawiać zewnętrzną powłokę modela.
Picasso jest wielkim eksperymentatorem. Jego głównym przedmiotem testów jest forma. Przeszła zmiany m.in duża liczba dzieła artysty. W końcu był także jednym z najpłodniejszych artystów na świecie. Jak sam o sobie mówił: „Dajcie mi muzeum, a wypełnię je moimi obrazami”.
Wśród twórców jest pięciu znakomitych malarzy i pięciu Hiszpanów Sztuka współczesna. Pomimo tego, że większość z nich żyła 200-300 lat temu.
Zainspirowany ich twórczością współcześni artyści. Dają impuls, który wciąż napędza kulturę światową.
Pozostaje nam być wdzięcznymi, chronić ich dziedzictwo i oczywiście podziwiać.
Dla tych, którzy nie chcą przegapić najciekawszych informacji o artystach i malarstwie. Zostaw swój e-mail (w formularzu pod tekstem), a jako pierwszy dowiesz się o nowych artykułach na moim blogu.
PS. Sprawdź swoją wiedzę, przechodząc.
W kontakcie z
To więcej niż piękne zdjęcia jest odbiciem rzeczywistości. W pracach wielkich artystów widać, jak zmienił się świat i świadomość ludzi.
Sztuka to także próba stworzenia alternatywnej rzeczywistości, w której można ukryć się przed okropnościami swoich czasów lub chęcią zmiany świata. Sztuka XX wieku słusznie zajmuje szczególne miejsce w historii. Ludzie, którzy żyli i pracowali w tamtych czasach, przetrwali przewroty społeczne, wojny i bezprecedensowy rozwój nauki; a wszystko to znalazło odcisk na ich płótnach. Artyści XX wieku brali udział w tworzeniu nowoczesnej wizji świata.
Niektóre imiona wciąż wymawia się z tchem, a niektóre są niesprawiedliwie zapominane. Ktoś był bardzo skonfliktowany kreatywny sposóbże wciąż nie jesteśmy w stanie wystawić mu jednoznacznej oceny. Przegląd skupia się na 20 największych artystach XX wieku. Kamila Pizarro– malarz francuski. Wybitny przedstawiciel impresjonizmu. Na twórczość artysty mieli wpływ John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet.
Urodzony 10 lipca 1830 w Saint Thomas, zmarł 13 listopada 1903 w Paryżu.
Pustelnia w Pontoise, 1868 
Pasaż operowy w Paryżu, 1898
Zachód słońca w Varengeville, 1899
Edgara Degasa – Artysta francuski, jeden z najwybitniejszych impresjonistów. Na twórczość Degasa prześledzono wpływ grafiki japońskiej.Urodzony 19 lipca 1834 w Paryżu, zmarł 27 września 1917 w Paryżu. 
Absynt, 1876
Gwiazda, 1877
Kobieta czesająca włosy, 1885
Paul Cezanne – Malarz francuski, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli postimpresjonizmu. W swojej twórczości starał się ukazać harmonię i równowagę natury. Jego twórczość wywarła ogromny wpływ na światopogląd artystów XX wieku. Urodzony 19 stycznia 1839 w Aix-en-Provence we Francji, zmarł 22 października 1906 w Aix-en-Provence.
Hazardziści, 1893
Nowoczesna Olimpia, 1873
Martwa natura z czaszkami, 1900 rok
Claude Monet- wybitny malarz francuski. Jeden z twórców impresjonizmu. W swoich pracach Monet starał się przekazać bogactwo i bogactwo otaczającego go świata. Dla jego późny okres charakteryzuje się dekoracyjnością i Późny okres twórczości Moneta charakteryzuje się dekoracyjnością, postępującym rozpuszczeniem form przedmiotów w wyrafinowanych zestawieniach plam barwnych.
Urodzony 14 listopada 1840 w Paryżu, zmarł 5 grudnia 1926 w Żwernach.
Klif Welk w Pourville, 1882
Po obiedzie, 1873-1876
Etretat, zachód słońca, 1883
Arkhip Kuindzhi – słynny rosyjski artysta, mistrz pejzaż. Wcześnie stracił rodziców. Z wczesne lata zaczął okazywać miłość do malarstwa. Twórczość Arkhipa Kuindzhiego wywarła ogromny wpływ na Nicholasa Roericha. Urodzony 15 stycznia 1841 w Mariupolu, zmarł 11 lipca 1910 w Petersburgu.
„Wołga”, 1890-1895
„Północ”, 1879
„Widok na Kreml z Zamoskvorechye”, 1882
Pierre Auguste Renoir – Francuski malarz, grafik, rzeźbiarz, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli impresjonizmu. Zasłynął także jako mistrz portretu świeckiego. Auguste Rodin stał się pierwszym impresjonistą, który zyskał popularność wśród zamożnych paryżan. Urodzony 25 lutego 1841 w Limoges we Francji, zmarł 2 grudnia 1919 w Paryżu.
Pont des Arts w Paryżu, 1867
Bal w Moulin de la Galette, 1876
Joanna Samary, 1877
Urodzony 7 czerwca 1848 w Paryżu, zmarł 8 maja 1903 na wyspie Hiva Oa w Polinezji Francuskiej.
Krajobraz bretoński, 1894
Wieś bretońska w śniegu, 1888
Czy jesteś zazdrosny? 1892
Dzień Świętych, 1894
Wasilij Kandinski – Rosyjski i niemiecki artysta, poeta, teoretyk sztuki. Uważany za jednego z liderów awangardy I połowy XX wieku. Jeden z twórców sztuki abstrakcyjnej.Urodzony 22 listopada 1866 w Moskwie, zmarł 13 grudnia 1944 w Neuilly-sur-Seine we Francji.
Para na koniach, 1918 r
Pstrokate życie, 1907
Moskwa 1, 1916
W kolorze szarym, 1919
Henri Matisse – jeden z największych Artyści francuscy i rzeźbiarze. Jeden z założycieli ruchu fowistycznego. W swojej twórczości starał się przekazać emocje poprzez kolor. W swojej twórczości pozostawał pod wpływem kultury islamskiej zachodniego Maghrebu. Urodzony 31 grudnia 1869 w mieście Le Cateau, zmarł 3 listopada 1954 w mieście Cimiez.
Plac w Saint-Tropez, 1904
Zarys Notre Dame nocą, 1902
Kobieta w kapeluszu, 1905
Taniec, 1909
Włoski, 1919
Portret Delektorskiej, 1934
Mikołaj Roerich- Rosyjski artysta, pisarz, naukowiec, mistyk. W ciągu swojego życia namalował ponad 7000 obrazów. Jeden z wybitne postacie kultury XX wieku, założyciel ruchu „Pokój przez kulturę”. Urodzony 27 października 1874 w Petersburgu, zmarł 13 grudnia 1947 w Kullu w Himachal Pradesh w Indiach.
Goście zagraniczni, 1901
Wielki Duch Himalajów, 1923
Przesłanie z Szambali, 1933
Kuzma Petrov-Vodkin – Rosyjski artysta, grafik, teoretyk, pisarz, pedagog. Był jednym z ideologów reorganizacji Edukacja plastyczna w ZSRR. Urodzony 5 listopada 1878 w mieście Chwalińsk w obwodzie saratowskim, zmarł 15 lutego 1939 w Leningradzie.
„1918 w Piotrogrodzie”, 1920
„Bawiący się chłopcy”, 1911
Kąpanie czerwonego konia, 1912
Portret Anny Achmatowej
Kazimierz Malewicz- rosyjski artysta, twórca suprematyzmu - nurtu w Sztuka abstrakcyjna pedagog, teoretyk sztuki i filozof Urodzony 23 lutego 1879 w Kijowie, zmarł 15 maja 1935 w Moskwie.
Odpoczynek (Towarzystwo w cylindrach), 1908
„Wieśniaczki z wiadrami”, 1912-1913
Plac Czarnych Suprematystów, 1915
Malarstwo suprematystyczne, 1916
Na bulwarze, 1903
Pablo Picasso- hiszpański malarz, rzeźbiarz, rzeźbiarz, projektant ceramiki. Jeden z twórców kubizmu. Twórczość Pabla Picassa wywarła znaczący wpływ na rozwój malarstwa XX wieku. Według sondażu czytelników magazynu Time Urodzony 25 października 1881 w Maladze w Hiszpanii, zmarł 8 kwietnia 1973 w Mougins we Francji.
Dziewczyna na balu, 1905
Portret Ambroise'a Vallora, 1910
Trzy Gracje
Portret Olgi
Taniec, 1919
Kobieta z kwiatem, 1930
Amadeo Modiglianiego - włoski artysta, rzeźbiarz. Jeden z najwybitniejszych przedstawicieli ekspresjonizmu. W ciągu swojego życia miał tylko jedną wystawę w grudniu 1917 roku w Paryżu. Urodzony 12 lipca 1884 w Livorno we Włoszech, zmarł 24 stycznia 1920 na gruźlicę. Uznanie świata otrzymał pośmiertnie Uznanie na całym świecie otrzymane pośmiertnie. 
Wiolonczelista, 1909
Małżonkowie, 1917
Joanna Hebuterne, 1918
Krajobraz śródziemnomorski, 1918
Diego Rivery- Meksykański malarz, muralista, polityk. Był mężem Fridy Kahlo. Znalazłem schronienie w ich domu Krótki czas Leon Trocki. Urodzony 8 grudnia 1886 w Guanajuato, zmarł 21 grudnia 1957 w Mexico City.
Notre Dame de Paris w deszczu, 1909
Kobieta przy studni, 1913
Związek Chłopów i Robotników, 1924
Przemysł Detroit, 1932
Marka Chagalla- rosyjski i francuski malarz, grafik, ilustrator, artysta teatralny. Jeden z najwybitniejszych przedstawicieli awangardy. Urodzony 24 czerwca 1887 w mieście Liozno, województwo mohylewskie, zmarł 28 marca 1985 w Saint-Paul-de-Provence.
Anyuta (Portret siostry), 1910
Panna młoda z wachlarzem, 1911
Ja i wieś, 1911
Adam i Ewa, 1912
Marek Rothko(prawdziwy Mark Rotkovich) - Amerykański artysta, jeden z twórców ekspresjonizmu abstrakcyjnego i twórca kolorowego malarstwa polowego. Pierwsze prace artysty powstały w duchu realizmu, jednak w połowie lat 40. Mark Rothko zwrócił się w stronę surrealizmu. W roku 1947 następuje ważny punkt zwrotny w twórczości Marka Rothko, który tworzy własny styl- ekspresjonizm abstrakcyjny, odchodzący od elementów przedmiotowych.
Urodzony 25 września 1903 w mieście Dvinsk (obecnie Dyneburg), zmarł 25 lutego 1970 w Nowym Jorku.
Nieuprawny
Numer 7 lub 11
pomarańczowy i żółty
Salvador Dali- malarz, grafik, rzeźbiarz, pisarz, projektant, reżyser. Być może najbardziej znany przedstawiciel surrealizm i jeden z najwięksi artyści XX wiek. Zaprojektowane przez Chupa-Chups.
Urodzony 11 maja 1904 w Figueres w Hiszpanii, zmarł 23 stycznia 1989 w Hiszpanii.
Kuszenie św. Antoniego, 1946
Ostatnia Wieczerza, 1955
Kobieta z różową głową, 1935
Moja żona Gala, naga, patrząca na swoje ciało, 1945 rok
Frida Kahlo - Meksykański artysta i grafik, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli surrealizmu. Frida Kahlo zaczęła malować po wypadku samochodowym, w wyniku którego przez rok była przykuta do łóżka.
Była żoną słynnego meksykańskiego komunistycznego artysty Diego Rivery. W ich domu na krótki czas znalazł schronienie Leon Trocki.
Urodzony 6 lipca 1907 w Coyoacan w Meksyku, zmarł 13 lipca 1954 w Coyoacan.
Uścisk uniwersalnej miłości, Ziemia, ja, Diego i Coatl, 1949
Mojżesz (Rdzeń stworzenia), 1945
Dwie Fridy, 1939
Andy’ego Warhole’a(real. Andrey Varhola) – amerykański artysta, projektant, reżyser, producent, wydawca, pisarz, kolekcjoner. Twórca pop-artu, to jedna z najbardziej kontrowersyjnych postaci w historii kultury. Na podstawie życia artysty powstało kilka filmów. Urodzony 6 sierpnia 1928 w Pittsburghu w Pensylwanii, zmarł w 1963 w Nowym Jorku.
Wielcy hiszpańscy artyści w swoich pracach poruszali tematy, które ekscytują każdego człowieka, dlatego ich nazwiska pozostały od wieków. Począwszy od El Greco, jest dziewięciu takich mistrzów, którzy żyli od XVI do XX wieku. Największy rozkwit przypada na wiek XVII. W przeciwnym razie nazywany jest również złotym. Jest to okres baroku.
szesnasty wiek
Pierwszym, który gloryfikował szkołę hiszpańską, był Grek Domenico Theotokopoulos (1541-1614), któremu w Hiszpanii nadano przydomek El Greco. W tamtych czasach nad heretykami często rozpalano ogniska. Dlatego tematy świeckie praktycznie nie były poruszane. sztaluga i malowanie alfresko- Są to rodzaje ilustracji do Pisma Świętego. Ale i tutaj trzeba było zachować dużą ostrożność. Konieczne były tradycyjne interpretacje.
El Greco łączy tematy religijne z niesamowitym pięknem i splendorem roztwór koloru który poprzedza pojawienie się baroku. Jedno z jego arcydzieł, Apostołowie Piotr i Paweł (1582-592), przechowywane jest w Rosji. Przedstawia prostego, niepiśmiennego rybaka Piotra i twórcę całej doktryny chrześcijańskiej, oczywiście świetnie wykształconego Pawła z Biblią. Chrześcijaństwo w pierwszych wiekach zdobywało wszystkie serca swoją miłością do ludzi, miłosierdziem i prostotą – wystarczyło tylko uwierzyć, a każdy człowiek, wykształcony czy niewykształcony, biedny czy bogaty, stał się chrześcijaninem. artyści hiszpańscy wiele nauczył się od malarza, który miał niepowtarzalny styl kojarzony z chorobami oczu. Jednak przez długi czas jego malarstwo zostało zapomniane i odkryte na nowo trzy wieki później.
Barok - Złoty Wiek
Jak nigdzie indziej katolicyzm jest wciąż silny, co więcej, reprezentuje potężną i budzącą grozę siłę, która wymaga od człowieka umartwienia cielesnych pragnień i radości oraz całkowite zanurzenie w rytuał religijny. Hiszpańscy artyści, tacy jak José Ribera (1591-1652), (1598-1664), Diego Velasquez (1599-1660) i Bartolomeo Murillo (1617-1682) są najzdolniejszych przedstawicieli ten okres. Znają twórczość Caravaggia, który ma na nich wpływ. duży wpływ nie z jego martwymi naturami, ale z jego rozumieniem tego, czym jest śmierć i jak blisko styka się ona z życiem.
Hiszpańscy artyści Ribera i Zurbaran
To skojarzenie jest nieco arbitralne. Malarstwo José Ribery (1591-1652) wyróżnia się motywami związanymi z męczeństwem i naturalizmem w przedstawieniu cierpień świętych i bohaterów z mitologii, a także ostrym kontrastem światła i cienia. Francisco Zurbaran (1598-1664) jego najlepsze obrazy, zabarwiona liryzmem, tworzy w latach 30. XVI wieku. W 1662 roku z czułością napisze „Madonnę z Dzieciątkiem i Janem Chrzcicielem”.
Lekki wizerunek Dzieciątka, znajdujący się w centrum prostej i naturalnej kompozycji, od razu przykuwa uwagę, podobnie jak delikatna twarz Madonny i złote szaty klęczącego Jana, u którego stóp znajduje się symboliczna biała owca. Dorosły Chrystus będzie pasterzem ogromnej trzody tych, którzy w Niego wierzą. Zurbaran maluje wyłącznie z natury – to jego zasada, wykorzystując kontrast głębokich cieni i mocnego światła. Zurbaran był przyjacielski genialny artysta Diego Velazquez, który pomagał mu przy zamówieniach. Artyści hiszpańscy starali się wzajemnie wspierać.
Velasquez (1599-1660)
Początkowo mieszkający w Sewilli hiszpański artysta Diego Velasquez dużo pracuje nad scenami rodzajowymi, a także obrazami alegorycznymi. Ale znajomość Malarstwo włoskie z królewskiej kolekcji bardzo go zmienił poglądy estetyczne. Zmienia kolor na miękki srebrny i przechodzi w transparentne tony. Z wielkim trudem udaje mu się zdobyć pracę jako malarz nadworny. Ale król Filip IV natychmiast docenił ten prezent młody artysta, a później stworzył portrety członków rodziny królewskiej. Zwieńczeniem jego twórczości były dwa obrazy, do tej pory nierozwiązane, w których artysta umieścił tak wiele znaczeń. Są to Meniny (1656), czyli orszak dworzan z następcami tronu królewskiego, oraz Przędzarki (1658).
W „Meninach” na pierwszy rzut oka wszystko wydaje się proste. W dużej sali znajduje się młoda infantka w otoczeniu dam dworu, ochroniarza, dwóch krasnoludków, psa i artysty. Ale za malarzem na ścianie wisi lustro, w którym odbijają się król i królowa. To, czy para królewska jest w pokoju, czy nie, pozostaje jedną z tajemnic. Jest ich o wiele więcej, jak na ogromny artykuł. I żadna zagadka nie ma jednoznacznej odpowiedzi.
Od Francisco Goyi po Salvadora Dali
Urodzony w Saragossie Goya (1746-1828) zostaje oficjalnym malarzem nadwornym, ale potem traci to miejsce i otrzymuje stanowisko wicedyrektora Akademii Sztuk. W każdym razie Goya pracuje ciężko i szybko, tworząc gobeliny, portrety, malując kościoły, malując dla katedry w Walencji. Przez całe życie ciężko i ciężko pracuje, zmieniając się jak mistrz, przechodząc od lekkich świątecznych kompozycji o bogatej kolorystyce do szybkich i ostrych grafik, a jeśli jest to malarstwo, to ciemne i ponure.
Szkoła rysunku w Hiszpanii nie umiera, ale następny artysta Malarstwo hiszpańskie, wielki mistrz, pojawi się w 1881 roku. To jest Picasso. Czego nie wyznacza jego twórczość. Są to okresy „niebieski” i „różowy”, kubizm, surrealizm i pacyfizm. Za wszystkimi jego pracami kryje się subtelna ironia i chęć sprzedaży. I umiał rysować. Tworząc portrety swojej ukochanej w okresie kubizmu, które sprzedawały się jak świeże bułeczki, dla siebie maluje ją w stylu realizmu. I dopiero gdy stał się zamożnym człowiekiem, zaczął pozwalać sobie na rysowanie, jak chce.
Lakoniczne jest jego dzieło Don Kichot (1955). Sam rycerz, jego giermek, koń, osioł i kilku Don Kichota są przedstawieni jako lekcy, nieważcy, a Rosinante to prawie worek kości. Dla kontrastu Sancho po lewej to czarna, ciężka masa. I chociaż obie postacie stoją nieruchomo, rysunek jest pełen ruchu. Teksty są energetyczne, chwytliwe i pełne humoru.
Słynny hiszpański artysta Salvador Dali jest ekscentryczny. Ten człowiek miał wszystko na sprzedaż. I zdjęcia, i pamiętniki, i książki. Dorobił się fortuny dzięki energicznej pomocy swojej żony, szerzej znanej jako Gala. Była jego muzą i menadżerką. Ich związek odniósł duży sukces komercyjny.
Kończąc ten artykuł na temat znanych hiszpańskich artystów, trzeba powiedzieć, że wszyscy oni mieli osobowość jasną jak słońce Hiszpanii.
