Kompozytorzy brytyjscy. Wybitni przedstawiciele muzyki angielskiej

Najwięksi kompozytorzy wszech czasów na świecie: zestawienia chronologiczne i alfabetyczne, odniesienia i dzieła

100 wielkich kompozytorów świata

Lista kompozytorów w porządku chronologicznym

1. Josquin Despres (1450-1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594)
3. Claudio Monteverdi (1567 -1643)
4. Heinrich Schütz (1585-1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632-1687)
6. Henryk Purcell (1658-1695)
7. Arcangelo Corelli (1653-1713)
8. Antonio Vivaldi (1678-1741)
9. Jean Philippe Rameau (1683-1764)
10. Georg Handel (1685-1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 -1757)
12. Jan Sebastian Bach (1685-1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713-1787)
14. Józefa Haydna (1732 –1809)
15. Antonio Salieri (1750-1825)
16. Dmitrij Stepanowicz Bortnyansky (1751-1825)
17. Wolfgang Amadeusz Mozart (1756 –1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 -1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 -1837)
20. Nicollo Paganini (1782-1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 -1864)
22. Carl Maria von Weber (1786 -1826)
23. Gioacchino Rossini (1792 -1868)
24. Franciszek Schubert (1797 -1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 -1848)
26. Vincenzo Bellini (1801-1835)
27. Hektor Berlioz (1803 -1869)
28. Michaił Iwanowicz Glinka (1804 -1857)
29. Feliks Mendelssohn-Bartholdy (1809 -1847)
30. Fryderyk Chopin (1810 -1849)
31. Robert Schumann (1810 -1856)
32. Aleksander Siergiejewicz Dargomyżski (1813 -1869)
33. Franciszek Liszt (1811 -1886)
34. Ryszard Wagner (1813 -1883)
35. Giuseppe Verdi (1813 -1901)
36. Charles Gounod (1818 -1893)
37. Stanisław Moniuszko (1819 -1872)
38. Jacques Offenbach (1819 -1880)
39. Aleksander Nikołajewicz Serow (1820 -1871)
40. Cesar Franck (1822 -1890)
41. Bedrich Smetana (1824 -1884)
42. Anton Bruckner (1824 -1896)
43. Johann Strauss (1825 -1899)
44. Anton Grigoriewicz Rubinstein (1829 -1894)
45. Johannes Brahms (1833 -1897)
46. ​​​​Aleksander Porfiriewicz Borodin (1833 -1887)
47. Camille Saint-Saens (1835 -1921)
48. Leo Delibes (1836 -1891)
49. Mily Aleksiejewicz Bałakiriew (1837 -1910)
50. Georges Bizet (1838 -1875)
51. Modest Pietrowicz Musorgski (1839 -1881)
52. Piotr Iljicz Czajkowski (1840 -1893)
53. Antonin Dvorak (1841 -1904)
54. Jules Massenet (1842 -1912)
55. Edvard Grieg (1843 -1907)
56. Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow (1844 -1908)
57. Gabriel Fauré (1845 -1924)
58. Leos Janaczek (1854 -1928)
59. Anatolij Konstantinowicz Lyadov (1855 -1914)
60. Siergiej Iwanowicz Tanejew (1856 -1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 -1919)
62. Giacomo Puccini (1858 -1924)
63. Hugo Wilk (1860 -1903)
64. Gustav Mahler (1860 -1911)
65. Claude Debussy (1862 -1918)
66. Ryszard Strauss (1864 -1949)
67. Aleksander Tichonowicz Greczaninow (1864 -1956)
68. Aleksander Konstantinowicz Głazunow (1865 -1936)
69. Jean Sibelius (1865 -1957)
70. Franz Lehár (1870–1945)
71. Aleksander Nikołajewicz Skryabin (1872 -1915)
72. Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow (1873 -1943)
73. Arnold Schönberg (1874 -1951)
74. Maurice Ravel (1875 -1937)
75. Nikołaj Karłowicz Medtner (1880 -1951)
76. Bela Bartok (1881 -1945)
77. Nikołaj Jakowlewicz Myaskowski (1881 -1950)
78. Igor Fedorowicz Strawiński (1882 -1971)
79. Anton Webern (1883 -1945)
80. Imre Kalman (1882 -1953)
81. Alban Berg (1885 -1935)
82. Siergiej Siergiejewicz Prokofiew (1891 -1953)
83. Arthur Honegger (1892 -1955)
84. Dariusz Millau (1892 -1974)
85. Carl Orff (1895 -1982)
86. Paweł Hindemith (1895 -1963)
87. George Gershwin (1898–1937)
88. Izaak Osipowicz Dunajewski (1900 -1955)
89. Aram Iljicz Chaczaturian (1903 -1978)
90. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906 -1975)
91. Tichon Nikołajewicz Chrennikow (ur. 1913)
92. Benjamin Britten (1913 -1976)
93. Gieorgij Wasiliewicz Sviridov (1915 -1998)
94. Leonard Bernstein (1918 -1990)
95. Rodion Konstantinowicz Szczedrin (ur. 1932)
96. Krzysztof Penderecki (ur. 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 -1998)
98. Bob Dylan (ur. 1941)
99. John Lennon (1940-1980) i Paul McCartney (ur. 1942)
100. Żądło (ur. 1951)

ARCYDZIEŁA MUZYKI KLASYCZNEJ

Najsłynniejsi kompozytorzy świata

Lista kompozytorów w kolejności alfabetycznej

Angielscy kompozytorzy, jak wielu innych, dali nam coś wspaniałego – muzykę. Oczywiście zrobiło to wielu kompozytorów innych niż angielscy, ale teraz porozmawiamy o kompozytorach angielskich. Ich muzyka ma swój urok, a każdy kompozytor ma swoje specyficzne podejście do dzieł.

Początek rozwoju muzyki w Anglii

Do IV wieku Anglia z punktu widzenia historyków sztuki uważana była za jeden z najbardziej „najmniej muzycznych” krajów. Na tej podstawie można powiedzieć, że działa Kompozytorzy angielscy muzyka klasyczna, jak i pod każdym innym względem, nie wydawała się koneserom piękna czymś godnym uwagi i szacunku. Ale nawet pomimo opinii sceptyków i historyków sztuki, Anglia miała i ma wielkich i utalentowanych kompozytorów, których nazwiska są wszystkim znane, a melodie i dzieła cenione są nie tylko w kraju, ale także za granicą.

Pierwsza sława kompozytorów tamtych czasów

Znani angielscy kompozytorzy zaczęli pojawiać się i zyskiwać sławę gdzieś w X-XV wieku. Oczywiście muzyka pojawiła się tam znacznie wcześniej, jednak dzieła te nie cieszyły się dużą sławą, a nazwiska kompozytorów, podobnie jak ich dzieła, nie zachowały się do dziś. Angielscy kompozytorzy muzyki klasycznej pojawili się po raz pierwszy i zyskali sławę w XI wieku. Pierwsze dzieła pojawiły się niemal w tym samym okresie, co dzieła europejskie. Angielscy kompozytorzy muzyki klasycznej w swoich dziełach przekazywali historie o kampaniach celtyckich lub po prostu militarnych. Prace opisywały życie zwykłych lub niezupełnie ludzi żyjących lub mających jakikolwiek związek z wyspami i plemionami celtyckimi.

Po przyjęciu chrześcijaństwa, pod koniec VI w., angielscy kompozytorzy muzyki klasycznej zaczęli aktywnie rozwijać swoje umiejętności w dziedzinie muzyki, wykorzystując do tego tematy kościelne, a nieco później, na początku i w połowie VII w. stulecia, krajowe i państwowe. Staje się zatem jasne, że muzyka angielska była poświęcona religii i różnym zasługom militarnym kraju.

Popularność angielskich kompozytorów klasycznych w czasach nowożytnych

Jak widać, kompozytorzy muzyczni nie byli zbyt popularni w V i VII wieku, ale ilu takich kompozytorów jest obecnie preferowanych? Oczywiście w naszych czasach nie zwraca się należytej uwagi na taką muzykę i często zamiast dzieł wielkich kompozytorów pojawiają się najnowsze nowości muzyczne. Ale muzykę znanych angielskich kompozytorów można usłyszeć w naszych czasach - w operach lub po prostu znajdując piękno zjawisko muzyczne w Internecie. Dziś poznacie niektórych z najsłynniejszych kompozytorów, których dzieła znane są w wielu krajach i na wielu kontynentach. Muzyka kompozytorów angielskich ma oczywiście dystrybucję w samej Anglii i za granicą, ale takowej nie ma duża liczba wielbicieli, jak wtedy.

Kim jest Edward Benjamin Britten?

Benjamin Britten to brytyjski kompozytor klasycznej muzyki angielskiej urodzony w XX wieku. Benjamin urodził się w 1913 roku w Lowestoft. Benjamin jest nie tylko kompozytorem, ale także znakomitym muzykiem, a mianowicie dyrygentem i zawodowy pianista. On też próbował wielu kierunki muzyczne jako kompozytor miał w swoim repertuarze wokal i utwory na fortepian i spektakle operowe. Nawiasem mówiąc, był to trzeci repertuar, który stał się jednym z jego najbardziej podstawowych. Jak każdy inny znany kompozytor, Edward Benjamin Britten ma za sobą wiele różnych arcydzieł. muzyka operowa i gra.

Sztuki Benjamina Brittena i jego popularność

Najbardziej słynna sztuka, wystawiany w teatrach naszych czasów – „Arka Noego”. Sądząc po tytule, a także po fabule spektaklu, łatwo zrozumieć, że już sam tytuł potwierdza fakt, że wiele dzieł powstałych przed XX wiekiem i na jego początku często miało wątek religijny. Mówiąc o Benjaminie, nie sposób nie wspomnieć o jego znaczeniu wśród kompozytorów połowy XX wieku. Był najsłynniejszym kompozytorem XX wieku, można nawet powiedzieć, że to on wywyższył znaczenie i piękno języka angielskiego muzyczne arcydzieła"do nieba". Po śmierci Edwarda przez długi czas Anglia „nie widziała” takich talentów.

Kim jest Gustav Holst?

Gustav Holst to jeden z najsłynniejszych kompozytorów angielskich XIX i XX wieku. Gustav urodził się w 1830 roku i do dziś zachował popularność, a jego dzieła do dziś słyną wśród miłośników piękna. Symfonie i melodie Gustava Holsta nie są obecnie rzadkością, w naszych czasach bardzo łatwo je zdobyć: w Internecie jest wiele utworów w w formacie elektronicznym, a zakup płyty z kolekcją dzieł wielkiego mistrza jest tak prosty, jak obieranie gruszek.

Sztuki i dzieła Gustava Holsta, ich rola w instytucjach kultury

Zapytasz: „Był wspaniały i utalentowany, ale czy jest popularny i czy jego twórczość jest teraz popularna?” Nie sposób udzielić jednoznacznej odpowiedzi na Twoje pytanie, gdyż jak każdy muzyk, a zwłaszcza słynny wówczas kompozytor angielski, nie pozostał ulubieńcem publiczności, a ludzie przedkładali muzyczne nowinki nad jego dzieła. I bez względu na to, jak sławny i ukochany przez publiczność może być Gustav, w naszych czasach niewielu będzie pamiętać jego imię. Ale nie sposób nie uwzględnić go na naszej liście, bo kiedyś jego przykład był ideałem dla początkujących kompozytorów angielskich, marzących o światowej sławie i sławie.

Podsumowując, chciałbym powiedzieć, że choć angielscy kompozytorzy klasyczni i ich muzyka nie odnoszą obecnie sukcesów i prawie nikt nie preferuje tak wspaniałego gatunku jak klasyka, gatunki, dzieła i ich autorzy wciąż mają wielbicieli, których liczba jest niesamowicie duża dla początkujący i nie tylko kompozytorów klasycznych. I pamiętajcie: klasyka jest wieczna i niezmienna, bo to, co pozostało przez wiele stuleci, jest teraz takie samo.

W 1904 roku niemiecki krytyk Oscar Adolf Hermann Schmitz opublikował książkę o Wielkiej Brytanii, nazywając ją (zarówno książkę, jak i sam kraj) „Krainą bez muzyki” (Das Land Ohne Musik). Być może miał rację. Od śmierci Handla w 1759 r. Wielka Brytania wniosła znikomy wkład w rozwój muzyki klasycznej. To prawda, że ​​​​Schmitz nie wyszedł ze swoim potępieniem we właściwym czasie: XX wiek był świadkiem odrodzenia muzyki brytyjskiej, co przejawiło się w ukształtowaniu się nowego stylu narodowego. Ta epoka dała światu także czterech wielkich brytyjskich kompozytorów.

Edwarda Elgara

Formalnie nie uczył się nigdzie sztuki kompozycji, ale u skromnego dyrygenta z Worcester i kapelmistrza Worcester Szpital psychiatryczny stał się pierwszym brytyjskim kompozytorem od dwustu lat, który zdobył międzynarodowe uznanie. Dzieciństwo spędził w sklepie ojca przy głównej ulicy Worcestershire, w otoczeniu nut muzycznych, instrumenty muzyczne i podręczniki muzyczne młody Elgar studiował niezależnie teoria muzyki. W ciepłym letnie dni zaczął wywozić ze sobą rękopisy za miasto na studia (od piątego roku życia był uzależniony od jazdy na rowerze). W ten sposób rozpoczął się dla niego silny związek muzyki z naturą. Później powie: „Muzyka wisi w powietrzu, muzyka jest wszędzie wokół nas, świat jest jej pełen i możesz wziąć tyle, ile potrzebujesz”. W wieku 22 lat przyjął stanowisko kapelmistrza w Worcester Szpital psychiatryczny dla biednych w Pawick, trzy mile na południowy zachód od Worcester, postępowej instytucji, która wierzyła w uzdrawiającą moc muzyki. Jego pierwszy major twórczość orkiestrowa„Wariacje na temat tajemniczy” (Wariacje Enigma, 1899) – tajemnicze, gdyż każda z czternastu wariacji została napisana na osobliwy temat, którego nikt wcześniej nie słyszał. Wielkość Elgara (lub, jak twierdzą niektórzy, jego angielska tożsamość) polega na używaniu przez niego odważnych motywów melodycznych, które oddają nastrój nostalgicznej melancholii. Jego najlepsze dzieło nazywa się oratorium „Sen Gerontiusa” (Sen Gerontiusa, 1900), oraz jego Pierwszy Marsz z cyklu „Marsze uroczyste i uroczyste” (Pomp and Okoliczności nr 1 marca 1901), zwany także „Krainą nadziei i chwały”, niezmiennie wywołuje wielki zachwyt słuchaczy na corocznych „koncertach promenadowych” „.

Elgar – Sen Geroncjusza

Gustaw Holst

Holst, urodzony w Anglii Szwed, był wyjątkowo wybitnym kompozytorem. Mistrz orkiestracji, w swojej twórczości opierał się na takich różne tradycje jak angielski pieśni ludowe i madrygały, mistycyzm hinduski i awangardyzm Strawińskiego i Schönberga. Interesował się także astrologią, a jej badania zainspirowały Holsta do stworzenia swojego najsłynniejszego (choć nie najlepszego) dzieła – siedmioczęściowego suita symfoniczna(Planety, 1914-1916).

Gustaw Holst. „Planety. Wenus”

Ralpha Vaughana Williamsa

Ralph Vaughan Williams uważany jest za najbardziej angielskiego z brytyjskich kompozytorów. Odrzucił obce wpływy, nasycając swoją muzykę nastrojami i rytmami folkloru narodowego oraz twórczością kompozytorów angielskich XVI wieku. Vaughan Williams to jeden z najwybitniejszych kompozytorów pierwszej połowy XX wieku, który grał ważna rola w odrodzeniu zainteresowania brytyjską muzyką akademicką. Jego dorobek jest bardzo bogaty: sześć oper, trzy balety, dziewięć symfonii, kantat i oratoriów, kompozycje na fortepian, zespoły organowe i kameralne, opracowania pieśni ludowych i wiele innych dzieł. W swojej twórczości inspirował się tradycjami mistrzów angielskich XVI-XVII w. (wskrzesił gatunek maski angielskiej) oraz muzyką ludową. Twórczość Williamsa charakteryzuje się rozmachem pomysłu, melodyką, mistrzowskim prowadzeniem głosu i oryginalną orkiestracją. Vaughan Williams jest jednym z założycieli nowej angielskiej szkoły kompozytorskiej – tzw. „angielskiego renesansu muzycznego”. Vaughan Williams jest najbardziej znany jako autor Symfonii morskiej (1910), « Symfonia Londyńska» (Symfonia londyńska, 1913) i zachwycający romans na skrzypce i orkiestrę” (The Lark Ascending, 1914).

Vaughana Williamsa. „Symfonia londyńska”

Benjamina Brittena

Britten był i pozostaje do dziś ostatnim wielkim brytyjskim kompozytorem. Jego umiejętności i pomysłowość, zwłaszcza jako kompozytora wokalnego, przyniosły mu międzynarodowe uznanie porównywalne z Elgarem. Wśród jego najlepsze prace opera „Peter Grimes” (Peter Grimes, 1945), utwór orkiestrowy „Przewodnik młodego człowieka po orkiestrze, 1946” oraz duże dzieło orkiestrowo-chóralne „War Requiem” (War Requiem, 1961) do wierszy Wilfreda Owena. Jeden z głównych tematów twórczości Brittena – protest przeciwko przemocy, wojnie, afirmacja wartości kruchego i niechronionego świata ludzkiego – znalazł swój najwyższy wyraz w „Requiem wojennym” (1961). O tym, co doprowadziło go do Requiem Wojennego, Britten powiedział: „Dużo myślałem o moich przyjaciołach, którzy zginęli w dwóch wojnach światowych. Nie twierdzę, że to dzieło jest napisane w tonie heroicznym. Zawiera wiele żalu z powodu strasznej przeszłości. Ale właśnie dlatego Requiem skierowane jest w przyszłość. Widząc przykłady straszliwej przeszłości, musimy zapobiegać takim katastrofom, jak wojny. Britten nie był wielkim fanem „angielskiej tradycji” charakterystycznej dla poprzedniego pokolenia kompozytorów, choć dla swojego partnera, tenora Petera Pierce’a, aranżował pieśni ludowe. Ani w wczesne lata ani na późniejszych etapach swojej ewolucji twórczej, ani Britten nie stawiał sobie zadania odkrywania nowych technik kompozytorskich czy teoretycznych uzasadnień swojego indywidualnego stylu. W przeciwieństwie do wielu swoich rówieśników, Britten nigdy nie przepadał za „najnowszym” i nie starał się szukać oparcia w ustalonych metodach komponowania odziedziczonych od mistrzów poprzednich pokoleń. Kieruje się nim przede wszystkim swobodny lot wyobraźni, fantazji, realistyczna celowość, a nie przynależność do jednej z wielu „szkół” naszego stulecia. Britten bardziej cenił twórczą szczerość niż scholastyczny dogmat, niezależnie od tego, jak bardzo był ubrany w ultranowoczesny strój. Pozwolił, aby wszystkie wiatry epoki przeniknęły do ​​jego twórczego laboratorium, przeniknęły, ale nie pozbyły się go.

Brittena. „Przewodnik po Orkiestrze dla Młodzieży”

Odkąd Britten został pochowany w Aldborough w Suffolk w 1976 roku, brytyjska muzyka klasyczna walczy o utrzymanie swojej chwalebnej reputacji. John Taverner, bezpośredni potomek XVI-wiecznego kompozytora Johna Tavernera, i Peter Maxwell Davies tworzą dzieła cieszące się uznaniem krytyków, ale nie pojawiło się jeszcze nic naprawdę wybitnego. Muzyka klasyczna zajmuje pewną niszę w kulturze brytyjskiej, choć może nie tak dużą, jak chcieliby jej fani. Gra się go w reklamach telewizyjnych i na różnych wydarzeniach sportowych, a zwykli Brytyjczycy mogą z powodzeniem obejrzeć w telewizji finałowy wieczór „Koncertów Promenadowych” (jeśli nie ma nic ciekawszego), ale tak naprawdę słucha go bardzo mała część narodu do muzyki klasycznej, głównie przedstawiciele klasy średniej. Szanowana muzyka dla szanowanych ludzi.

Wykorzystane materiały ze strony: london.ru/velikobritaniya/muzika-v-velik obritanii

Wstęp

Losy muzyki angielskiej okazały się złożone i paradoksalne. Od XV wieku do koniec XVII, w okresie powstawania i rozkwitu klasyki angielskiej tradycja muzyczna, jego rozwój był ciągły. Proces ten przebiegał intensywnie ze względu na oparcie się na folklorze, które zostało zdeterminowane wcześniej niż w innych szkołach kompozytorskich, a także na skutek powstania i utrwalenia oryginalnych, narodowych gatunków (antem, maska, półopera). Wczesna muzyka angielska dała ważne impulsy sztuce europejskiej, m.in. polifonię, wariacyjno-figuratywne zasady rozwoju i suitę orkiestrową. Jednocześnie pierwotnie odbijał bodźce dochodzące z zewnątrz.

W XVII wieku mają miejsce wydarzenia, które zadają potężny cios angielskiej kulturze muzycznej. Jest to po pierwsze purytanizm, który powstał podczas rewolucji 1640-1660, z jego fanatycznym pragnieniem zniesienia starych wartości duchowych oraz starożytnych typów i form kultury świeckiej, a po drugie, przywrócenie monarchii (1660) , co radykalnie zmieniło ogólną orientację kulturową kraju, wzmacniając wpływy zewnętrzne (z Francji).

Co zaskakujące, równolegle z oczywistymi symptomami kryzysu pojawiają się zjawiska wskazujące na wyższy wzrost sztuka muzyczna. W trudnym dla muzyki angielskiej okresie pojawił się Henry Purcell (1659-1695), którego dzieła zaznaczyły rozkwit narodowej szkoły kompozytorskiej, choć nie wywarły bezpośredniego wpływu na twórczość kolejnych pokoleń. Działający w Anglii Georg Friedrich Handel (1685-1759) swoimi oratoriami ustanowił prymat tradycji chóralnej w spektrum gatunków muzyki angielskiej, co bezpośrednio na nią wpłynęło. dalszy rozwój. W tym samym okresie przodkiem wielu przykładów tzw. opery balladowej stała się Opera żebracza Gaya i Pepusza (1728), której parodyczny charakter świadczył o rozpoczęciu epoki przemian kulturowych.

Był to jeden ze szczytów sztuki teatralnej w Anglii i zarazem dowód obalenia sztuki muzycznej, a dokładniej przeniesienia jej „kulturotwórczej energii” (A. Schweitzer) – z profesji na sfera amatorska.

Na tradycję muzyczną składa się wiele czynników – m.in twórczość kompozytorska, wydajność, styl życie muzyczne. Regulowane przez postawy ideologiczne, estetyczne, ogólnoartystyczne, czynniki te nie zawsze działają w skoordynowanej jedności, często w określonych uwarunkowania historyczne ich interakcja zostaje zakłócona. Można to potwierdzić okresem około 100 lat. połowa osiemnastej do połowy XIX wieku w Anglii.

Muzyka Anglii

Wysoki poziom wykonawstwa, szerokie rozpowszechnienie i głębokie zakorzenienie w życiu codziennym różnych form tworzenia muzyki – instrumentalnej, wokalno-zespołowej i chóralnej – stworzyły wówczas podatny grunt dla jasnego, zakrojonego na szeroką skalę życia koncertowego Londynu, które przyciągało kontynentalne muzycy do stolicy imperium: Chopin, Berlioz, Czajkowski, Głazunow… Świeża bryza Nowoczesność nieśli także muzycy niemieccy, których droga na Wyspy Brytyjskie była szeroko otwarta już od czasów panowania dynastii hanowerskiej (od 1714 do 1901) – pamiętajmy chociażby cotygodniowe koncerty Bacha – Abla i koncerty Haydna – Salomona . Tym samym Anglia uczestniczyła w intensywnym procesie formowania się epoki przedklasycznej i symfonia klasyczna, ale nie wniósł do niego żadnego rzeczywistego twórczego wkładu. Ogólnie rzecz biorąc, w tym czasie oddział twórczość narodowa w gatunkach opery i symfonii, istotnych na kontynencie, był niezagospodarowany, w innych gatunkach (na przykład w oratorium) kanał czasami stawał się płytki. To właśnie ta epoka nadała Anglii obecnie nieprzekonującą nazwę „kraju bez muzyki”.

Paradoksem jest, że „era ciszy” przypadła na tzw. epokę wiktoriańską – okres panowania królowej Wiktorii (od 1837 do 1901 roku). Państwo było u szczytu swej potęgi i chwały. Potężna potęga kolonialna, „warsztat świata”, dała swojemu narodowi pewność siebie i przekonanie, że „jego przeznaczeniem było zajmować pierwsze miejsce w świecie do końca swoich dni” (J. Aldridge). Epoka wiktoriańska to rozkwit wszystkich dziedzin kultury angielskiej: jej prozy i poezji, dramatu i teatru, malarstwa i architektury, wreszcie estetyki – i czas zauważalnego upadku twórczości kompozytorskiej.

Jednocześnie właśnie od połowy XIX w., kiedy kryzys narodowej szkoły kompozytorskiej był już oczywisty, zaczęły kumulować się impulsy wzrostowe, które uwidoczniły się w połowie XIX w. na przełomie XIX i XX wieku.

Ruch chóralny, amatorski i zawodowy, rozwijał się i rozwijał. Tradycję chóralną postrzegano jako prawdziwie narodową. Wierność jej przysięgali angielscy mistrzowie: Hubert Parry (1848–1918), Edward Elgar (1857–1934), Frederic Dilius (1862–1934), Gustav Holst (1874–1934), Ralph Vaughan Williams (1872–1958).

Równolegle rozwijał się ruch folklorystyczny, na którego czele stał Cecil J. Sharp (1859-1924). Zawierało kierunek naukowy(zbiory terenowe, zrozumienie teoretyczne) i praktyczne (wprowadzenie do szkoły i życia codziennego). Towarzyszyła temu krytyczna ponowna ocena asymilacji salonów rozrywkowych gatunki folklorystyczne i penetracja materiał ludowy w twórczości kompozytorskiej. Wszystkie te aspekty ruchu folklorystycznego współdziałały ze sobą – uzupełniały się, a czasem sprzecznie.

Do połowy XIX wieku, choć na pierwszy rzut oka może się to wydawać dziwne, pieśni angielskie rzadko trafiały do ​​zbiorów – znacznie rzadziej niż pieśni ze Szkocji, Walii, a zwłaszcza Irlandii. Nie bez ironii Ralph Vaughan Williams napisał we wstępnym eseju do książki autorstwa czołowego folklorysty w kraju Cecila Sharpa: The English Piosenka ludowa„: „Nadal wiedzieliśmy z wiarygodnych źródeł, że muzyka ludowa jest «albo zła, albo irlandzka»”

Ruchy na rzecz odrodzenia muzyki dawnej – Purcell, Bach, angielscy madrygaliści i wirginiści – przyczyniły się do rozbudzenia głębokiego zainteresowania wykonawców, producentów instrumentów muzycznych i naukowców (m.in. A. Dolmetch z rodziną), a także kompozytorów Do

„Złoty wiek” języka angielskiego Szkoła zawodowa. Dziedzictwo XV-XVII w., ożywione praktyką wykonawczą, wywyższone krytyczną myślą, okazało się inspirującą siłą narodowego kunsztu.

Tendencje te, początkowo ledwo zauważalne, stopniowo nasilały się i pędząc ku sobie, pod koniec XIX wieku wysadziły ziemię w powietrze. Ich związek zapoczątkował nowe odrodzenie muzyczne Anglia. Po długiej przerwie ten kraj nie jest oddzielony kreatywni ludzie, ale wkroczyła w europejską kulturę muzyczną jako szkoła narodowa. W tym czasie na kontynencie mówiło się o kompozytorach angielskich; Ciekawą przyszłość przewidywał Brahms dla muzyki angielskiej, wspierał ją R. Strauss w osobie E. Elgara. Intensywność jego ewolucji na przełomie XIX i XX wieku była ogromna.

Tradycja austro-niemieckiego romantyzmu od dawna znalazła w Anglii podatny grunt. Jest to wpływ zdeterminowany historycznie, poparty systemem Edukacja muzyczna oraz praktyka doskonalenia młodych kompozytorów w miastach Niemiec wpłynęła na styl (przede wszystkim z Parrym, Stanfordem, Elgarem). Angielscy muzycy rozumieli, że potwierdzenie tożsamości narodowej oznacza wyzwolenie spod tak apodyktycznego wpływu. Jednak wbrew deklaracjom ten proces twórczy był powolny i trudny, gdyż same wiodące gatunki – w tym takie pojęciowe jak symfonia czy poemat symfoniczny – zakładały oparcie się na owocnych doświadczeniach szkoły austro-niemieckiej. Kryterium służyła zatem miara wpływów niemieckich i stopień ich pokonania tożsamość narodowa i znaczenie dzieła kompozytora. Na przykład takie oceny jednego z angielskich krytyków są orientacyjne: „Podczas gdy muzyka Parry'ego i Stanforda mówiła po niemiecku z angielskim i irlandzkim akcentem… Muzyka Elgara mówiła po angielsku z niemieckim akcentem”.

Na przełomie wieków w Wielkiej Brytanii, a także w całej Europie pojawiła się chęć tworzenia język muzyczny, co odpowiadałoby współczesnej estetyce. „Nowe słowo” pochodzi z Francji. Zainteresowanie Wschodem, jakie narodziło się wśród angielskich muzyków, skłoniło ich do zwrócenia uwagi na osiągnięcia francuski impresjonizm. Było to szczególnie widoczne w twórczości Cyrila Scotta (1879-1970), Grenville Bantock (1868-1946) i Gustava Holsta. To prawda, że ​​u Scotta i Bantocka świat orientalnych obrazów i nastrojów nie wpływa na podstawy myślenia kompozytora. Ich obraz Wschodu jest warunkowy i nietrudno doszukać się w jego wcieleniu wielu tradycyjnych cech.

Realizacja tego tematu w twórczości Holsta, skłaniającego się ku kulturze indyjskiej, osiągnęła inny poziom. Dążył do znalezienia głębszego, duchowego kontaktu między kulturami Zachodu i Wschodu, co jest ogólnie charakterystyczne dla sztuki XX wieku. I realizował to pragnienie na swój własny sposób, a nie zgodnie z tym, co robił jego starszy, współczesny Debussy. Jednocześnie odkrycia impresjonizmu, związane z nową koncepcją przestrzeni muzycznej, barwy, dynamiki, z nowym podejściem do dźwięku, weszły na paletę środków wyrazu, którymi posługiwali się kompozytorzy Anglii – miejsca narodzin „krajobrazu i mariny” (rozdz. Nodier).

Przy wszystkich indywidualnych różnicach stylistycznych, kompozytorów angielskich tamtego okresu łączyła chęć wzmocnienia ludowo-narodowych podstaw swojej muzyki. Odkrycie folkloru chłopskiego i twórczość mistrzów szkoły staroangielskiej jako dwa powiązane ze sobą źródła należą do G. Holsta i R. Vaughana-Williamsa. Odwołanie się do dziedzictwa „złotego wieku” sztuki angielskiej było jedyne możliwy sposób odrodzenie tradycji narodowej. Folklor i dawni mistrzowie, nawiązanie związków ze współczesną europejską kulturą muzyczną – interakcja tych nurtów w sztuce Holsta i Vaughana Williamsa przyniosła długo oczekiwaną odnowę muzyki angielskiej XX wieku. Tematy, wątki i obrazy angielskiej prozy, poezji i dramaturgii stanowiły ważne wsparcie w ustalaniu ideałów narodowych. Dla muzyków wiejskie ballady Roberta Burnsa i ateistyczne wiersze Johna Miltona, pastoralne elegie Roberta Herricka i nasycone namiętną intensywnością wiersze Johna Donne’a zyskują nowoczesne brzmienie; został ponownie odkryty Williama Blake’a. Głębszy wgląd Kultura narodowa stał się najważniejszy czynnik powstanie i rozkwit angielskiej szkoły kompozytorskiej XX wieku, formacja ideał estetyczny kompozytorzy.

Pierwszymi znaczącymi przedstawicielami nowego odrodzenia muzycznego w Anglii byli Hubert Parry (1848-1918) i Charles Stanford (1852-1924). Kompozytorzy, uczeni, performerzy, zakłócacze i pedagodzy, podobnie jak założyciele wielu szkół narodowych, byli postaciami wybitnymi, których wielostronna praca była bezinteresownie nakierowana na utworzenie nowej narodowej szkoły kompozytorskiej, zdolnej wskrzesić tradycję chwalebnej przeszłości muzyki angielskiej. Ich własna działalność społeczna i twórcza była wzorem dla współczesnych i dla kompozytorów angielskich kolejnych, młodszych pokoleń.

Formacja nowej angielskiej szkoły kompozytorskiej nastąpiła podczas długiego panowania (1837-1901) królowej Wiktorii. W tej epoce w pełni rozwinęły się różne obszary kultury angielskiej. Szczególnie bogaty i „owocny był wielki naród tradycję literacką. Jeśli Parry i Stanford swoją działalnością są ściśle związani, relatywnie rzecz biorąc, z okresem protorenesansowym rozpatrywanej epoki, to nazwisko Elgara otwiera właściwy okres twórczy nowego odrodzenia.

Podobnie jak ich współcześni Anglicy szkoła kompozytorska stanął przede wszystkim przed problemami europejskimi muzyczny romantyzm w całym swoim zakresie. I oczywiście skupili się na sztuce Wagnera. Władczy wpływ muzyki wagnerowskiej na Anglię można porównać jedynie z jej ówczesnym wpływem we Francji lub z wpływem Handla w XVIII-wiecznej Anglii.

Już na przełomie wieków kompozytorzy angielscy podejmowali uporczywe próby wyrwania się spod wpływu niemieckich tradycji klasyczno-romantycznych, które tak głęboko zakorzeniły się na angielskim gruncie. Przypomnijmy, że Parry chciał stworzyć – w przeciwieństwie do Mendelssohna – narodową wersję oratorium filozoficznego. Wielkim osiągnięciem była trylogia małych kantat Elgara The Spirit of England (1917).

Pierwszym prawdziwym kompozytorem, którego Anglia wyprodukowała od czasów Purcella, jest Edward Elgar (1857-1934). Był bardzo ściśle związany z angielską prowincjonalną kulturą muzyczną. NA wczesne stadia jego twórcze życie był kompozytorem i aranżerem orkiestry w rodzinnym Worcester, pisał także dla muzyków z Birmingham, pracował dla lokalnych towarzystw chóralnych. Jego wczesne pieśni i kantaty chóralne wpisują się w wielką angielską tradycję chóralną, która narodziła się w latach 80. i 90. XX wieku. 19 wiek – czyli dokładnie wtedy, gdy Elgar tworzył wczesne kompozycje chóralne – do fazy kulminacyjnej. Oratorium Elgara Sen Gerontiusa (1900), które przyniosło sławę muzyce angielskiej na kontynencie, było dla kompozytora na tyle znaczącym osiągnięciem, że wyparło Eliasza Mendelssohna i stało się drugim po Mesjaszach Haendla ulubionym oratorium angielskiej publiczności.

Znaczenie Elgara dla historii muzyki angielskiej wyznaczają przede wszystkim dwa dzieła: oratorium Sen Gerontiusa (1900, o św. J. Newmana) oraz symfoniczne Wariacje na tajemniczy temat (Enigma – wariacje (Enigma (łac. .) - zagadka. ), 1899), który stał się szczytem angielskiego romantyzmu muzycznego. Oratorium „Sen Gerontiusa” podsumowuje nie tylko długi rozwój gatunków kantata-oratoryjnych w twórczości samego Elgara (4 oratoria, 4 kantaty, 2 ody), ale pod wieloma względami całą drogę języka angielskiego, która poprzedziła To. muzyka chóralna. W oratorium znalazła także inna ważna cecha narodowego renesansu – zainteresowanie folklorem. To nie przypadek, że po wysłuchaniu „Snu Gerontiusa” R. Strauss wzniósł toast „za pomyślność i sukcesy pierwszego angielskiego postępowca Edwarda Elgara, mistrza młodej postępowej szkoły kompozytorów angielskich”. W przeciwieństwie do oratorium „Enigma”, wariacje położyły kamień węgielny pod symfonizm narodowy, który przed Elgarem był najbardziej wrażliwym obszarem angielskiej kultury muzycznej. „„ Enigma ”-wariacje świadczą o tym, że w osobie Elgara kraj znalazł kompozytora orkiestrowego pierwszej wielkości” – napisał jeden z angielskich badaczy. „Tajemnica” wariacji polega na tym, że imiona przyjaciół kompozytora są w nich zaszyfrowane, ukryte i ukryte motyw muzyczny cykl. (Wszystko to przypomina „Sfinksy” z „Karnawału” R. Schumanna.) Elgar jest także właścicielem pierwszej symfonii angielskiej (1908).

Twórczość Elgara należy do najwybitniejszych zjawisk romantyzmu muzycznego. Syntetyzując wpływy narodowe i zachodnioeuropejskie, głównie austro-niemieckie, nosi cechy kierunków liryczno-psychologicznych i epickich. Kompozytor szeroko posługuje się systemem motywów przewodnich, w którym wyraźnie wyczuwalny jest wpływ R. Wagnera i R. Straussa.

Utworzenie nowych stanowisk w muzyce angielskiej nastąpiło w momencie przełomowym w życiu duchowym Wielkiej Brytanii. To były lata wielkich prób i zmian. Pierwszy Wojna światowa zmusił wielu artystów tego kraju, który uważał się za ostoję nienaruszalności w Europie, do wyczulonego reagowania na niespotykane dotąd sprzeczności otaczająca rzeczywistość. W powojennej muzyce angielskiej dominuje odśrodkowa potrzeba patrzenia na świat z szerokiej perspektywy. Młodsze pokolenie zdecydowanie zetknęło się z nowatorskimi poszukiwaniami europejskich mistrzów – Strawińskiego, Schönberga. Fasada Williama Waltona (1902-1983) wywodzi się z pomysłów kompozycyjnych zaczerpniętych z Księżycowego Pierrota Schönberga, jednak styl kompozycji opiera się na antyromantyzmie głoszonym przez Strawińskiego i francuską szóstkę. Constant Lambert (1905-1951) zaskakiwał swoich rodaków, rozpoczynając od pierwszych kroków na swojej drodze twórczej pracę w gatunku baletu, którego tradycje zostały przerwane w Anglii w drugiej połowie XVIII wieku; w istocie jest rzeczą całkiem naturalną, że kompozytora pociągał ten gatunek, który w Europie lat dwudziestych XX wieku stał się symbolem współczesnych poszukiwań artystycznych. Balet Lamberta Romeo i Julia (1925) był swego rodzaju odpowiedzią na Pulcinellę Strawińskiego. W tym samym czasie Lambert inną kompozycją – Elegia Blues na małą orkiestrę (1927) – odpowiedział na jazz, który uderzył w Europejczyków. Alan Bush (1900-1995) wiązał swoją działalność z pozycją twórczą Eislera i ruchem robotniczym, nie tylko dostrzegał odpowiadające im społeczno-polityczne i idee filozoficzne, ale także rozwinął własną technikę kompozytorską, opierając się na doświadczeniach szkoły nowowieńskiej owocnie reflektowanych przez Eislera.

W pierwszej połowie lat 30. XX w. zarysowała się wreszcie zarysowana w poprzedniej dekadzie zmiana pokoleń kompozytorów. W 1934 roku Anglia straciła trzech głównych mistrzów - Elgara, Diliusa, Holsta. Spośród nich tylko Holst aktywnie pracował wcześniej ostatnie dni. Elgar, po dekadzie milczenia, dopiero na początku lat 30. ożył dla kreatywności. W tym samym czasie Dilius, dotknięty poważną chorobą i ślepotą, mieszkający we Francji, zainspirował się nieoczekiwany sukces swoją muzykę w ojczyźnie, w Londynie, gdzie w 1929 roku odbył się jego festiwal autorski i w przypływie sił dyktował swoje ostatnie utwory.

Pod koniec lat trzydziestych młode pokolenie osiągało dojrzałość twórczą. Skończył się czas eksperymentów, ustaliły się główne zainteresowania, kreatywność wkracza do głównego nurtu utartych tradycji, pojawia się mistrzostwo i dokładność w stosunku do własnych pomysłów. I tak William Walton pisze monumentalne oratorium biblijne („Święto Belszaccara”, 1931), a po nim - najważniejsze dzieła orkiestrowe (Pierwsza Symfonia, 1934; Koncert skrzypcowy, 1939). Michael Tippett (ur. 1905) odrzuca swoje wczesne dzieła; nowa praca w gatunek kameralny(Pierwszy sonata fortepianowa, 1937) i koncert kompozycje orkiestrowe(Koncert na orkiestrę podwójną, 1939; Fantazja na temat Haendla na fortepian i orkiestrę, 1941) ogłasza początek swojej kreatywny sposób, którego pierwszą kulminacją było oratorium „Dziecko naszych czasów” (1941). W tych latach nad wielkoformatowymi kompozycjami pracowali Lambert (maska ​​„Ostatnia wola i testament lata” na solistę, chór i orkiestrę, 1936), Berkeley (I Symfonia, 1940), Bush (Pierwsza Symfonia, 1940).

Benjamin Britten wyróżnia się spośród wielu błyskotliwych i oryginalnych osobowości artystycznych, w które bogata jest angielska szkoła kompozycji XX wieku. To jemu było pisane znaleźć w swojej twórczości harmonijne współdziałanie wielokierunkowych (a dla poprzedniego pokolenia kompozytorów angielskich niemalże wzajemnie się wykluczających) nurtów - ucieleśnienie idei nowoczesności i urzeczywistnienie oryginalności sztuki narodowej.

britten tworzący zespół wokalny

Choć może to zabrzmieć ironicznie, musimy uznać słuszność stwierdzenia, że ​​Anglia to kraj, w którym publiczność jest bardzo muzykalna, ale nie ma muzyków!

Problem ten jest tym bardziej interesujący, że doskonale wiemy, jak wysoka kultura muzyczna Anglia w czasach królowej Elżbiety. Gdzie zniknęli muzycy i kompozytorzy w Anglii XVIII-XIX wieku?

Udzielenie powierzchownej odpowiedzi nie jest trudne. Wielka Brytania zajmowała się handlem, zdobywała kolonie, przeprowadzała gigantyczne inwestycje operacje finansowe, stworzył przemysł, walczył o konstytucję, grał w szachy na ogromnej planszy Globus- i nie miała czasu bawić się muzyką.

Odpowiedź jest kusząca, ale nieprawdziwa. Przecież ta sama Anglia dała ludzkości wielkich poetów: Byrona, Shelleya, Burnsa, Coleridge'a, Browninga, Crabbe'a, Keatsa, Tennysona, ale czy możesz wymienić wszystkich na tej liście sław; Merchant England wydał na świat znakomitych artystów: Hogartha, Constable'a i Turnera. Objętość rozdziału nie pozwala na podanie tu nazwisk wszystkich mistrzów prozy w Anglii XVIII–XIX w. Wspomnijmy tylko Defoe, Fieldinga, Sterna, Goldsmitha, Waltera Scotta, Dickensa, Thackeraya, Stevensona, Meredith, Hardy’ego, Lamba, Ruskina, Carlyle’a.

Zatem powyższy argument jest nieważny. Okazuje się, że kupiecka Anglia radziła sobie najlepiej we wszystkich formach sztuki, z wyjątkiem muzyki.

Być może zbliżymy się do prawdy, podążając tokiem myślenia muzykologa Goddarda. W The Music of Britain in Our Time pisze: „Angielska muzyka żyje najpierw w podziwie Handla, potem Haydna, w Era wiktoriańska ten podziw został zastąpiony uwielbieniem dla Mendelssohna i to uwielbienie uczyniło kompozycje Mendelssohna nie tylko kryterium, ale jedynym pożywką muzyki. Po prostu nie było organizacji, stowarzyszenia czy klasy, która byłaby skłonna wspierać muzykę angielską.

Chociaż to wyjaśnienie brzmi nieco prymitywnie i nieprawdopodobnie, to jednak jeśli się nad nim dokładnie zastanowić, jest całkiem do przyjęcia. Angielska arystokracja, jak wiadomo, wyłącznie ze snobizmu żądała włoskich dyrygentów i śpiewaków, francuskich tancerzy, niemieckich kompozytorów, ponieważ nie uważała słuchania swoich muzyków za świecki biznes, tak jak nie podróżowali do Szkocji czy Irlandii, ale do Włoch czy Hiszpanii. , do afrykańskiej dżungli lub do lodowatego świata fiordów. Tak więc narodową muzykę angielską można było usłyszeć dopiero wtedy, gdy wschodząca i zwycięska burżuazja poczuła się na tyle silna, aby nie naśladować na polu teatru, muzyki, opery. Wyższe sfery” i idź tam, dokąd prowadzą ją umysł, serce i smak. Ale dlaczego angielska burżuazja potrafiła znaleźć literaturę i poezję, która przypadła jej do gustu, i dlaczego nie stało się tak w przypadku muzyki?

Tak, ponieważ wschodzący mieszczanin przywiózł ze sobą ideały purytanów i z nabożną grozą zaprzeczał świetności sceny operowej, jakby była to zjawisko zrodzone za namową diabła. Musiał nadejść wiek XIX ze swoim racjonalizmem, swobodniejszym myśleniem, większym dystansem od religii, bardziej świeckim i, można by rzec, wyższym podejściem do życia, aby angielska burżua zwróciła się w stronę muzyki, aby nadeszła era, w której zapewnia prawo do życia pełnego dziarskich tańców. , mieniąc się wesołym śmiechem opery-buffa Arthura Sullivana (1842-1900), aby obudzić zrozumienie kantat Huberta Parry'ego (1848-1924), otworzył oratoria Edwarda Elgara: „Apostołowie”, „Światło Chrystusa”, „Król Olafa”, „Sny Geroncjusza”. Elgar cieszy się już popularnością i uznaniem. Jest nadwornym muzykiem króla. On sam otrzymuje tyle nagród, ile nie otrzymali wszyscy znani angielscy muzycy w historii muzyki od renesansu do współczesności.

Ale wpływ muzyki tego kontynentu jest nadal silny. Zatem podążając śladami Elgara Fryderyk Delius(1863-1934) studiuje w Lipsku i uwalnia się spod wpływów Mendelssohna przez Paryż, gdzie spotyka Strindberga i Gauguina i być może znaczyło to dla niego nawet więcej niż spotkanie z tymi wielkimi ludźmi, jest to spotkanie z samym miastem na brzegi Sekwany, Z Francuzi, z galijskim dowcipem.

Delius napisał następujące opery: Coanga (1904), Wiejski Romeo i Julia (1907), Fennimore i Gerda (1909).

Delius żył w środowisku francuskim i pomimo szacownego pragnienia wolności twórczej, nie mógł całkowicie uwolnić się od wpływów muzyki kontynentu.

Pierwszy prawdziwy angielski 19. kompozytor wiek był Ralpha Vaughana Williamsa(1872), śpiewak o charakterze angielskim, Anglicy, znawca folkloru pieśni angielskiej. Zwraca się do starego poety Banayana i kompozytor XVI wiek Tellisa. Pisze symfonię o morzu i Londynie. rysuje portret muzyczny Tudorów, ale najchętniej nawiązuje do angielskich pieśni ludowych.

W obozie kompozytorów angielskich XIX wieku zajmuje szczególne miejsce nie tylko ze względu na doskonałą technikę, niesamowity smak i płodność, ale także dlatego, że posiada takie przymioty, jakie posiadali jedynie Dickens czy Mark Twain: wie, jak uśmiechać się protekcjonalnie, nieco ironicznie, mrużąc oczy, ale po ludzku, jak to czynili wspomniani wielcy pisarze.

Na scenę napisał następujące dzieła:

Ładni pasterze, Góry (1922), Hugh woźnica (1924), Zakochany Sir John (1929), Służba (1930), Zatruty pocałunek (1936), Zbójcy morscy (1937), Sukces pielgrzyma (1951) .

Współcześni Vaughanowi Williamsowi, angielskim muzykom-innowatorom, próbują wypracować styl nowej angielskiej opery. Tradycji nie brakuje: kompozytorzy tej epoki wskrzeszają tradycje dawnych oper balladowych, wskrzeszają ducha Gay'a i Pepusha: mieszają wzniosłe uczucia z burleską, patos z ironią; ale przede wszystkim inspiruje mnie poezja angielska - skarbnica poetyckich piękności, świat myśli.

Spośród kompozytorów angielskich koniec XIX- początek XX wieku, wymienimy jedynie tych, którzy przyczynili się do powstania współczesnej muzyki scenicznej.

Arnold Bax (1883-1953) zasłynął jako kompozytor baletów.
Podbija William Walton (1902). Wielki sukces opera „Troilus i Kresyda” (1954).
Arthur Bliss (1891) zwrócił na siebie uwagę operą opartą na libretcie Priestleya, Olimpijczycy (1949).
Eugene Goossens (1893-1963) występował na scenie opery angielskiej z Judith (1929) i Don Juanem de Manarą (1937).

Ale światowy sukces przyniosły angielskiej operze dzieła Benjamina Brittena.