Czym różni się obraz od fotografii? Narysowano baleriny, to jest Degas. Tło jak z filmu „Władca Pierścieni”, z lekką niebieską mgłą
„Dawno temu zdałem sobie sprawę, że dla krytyków sztuki wyrażanie siebie jest ważniejsze niż treść”.
Eldar Ryazanow
„Dlaczego ja, syn słynnego moskiewskiego malarza, spędzam dzieciństwo i młodość wśród artystów, w których kolekcji więcej malowania i grafikę niż w innych muzeum regionalne czy mam słuchać krytyków sztuki, którzy nigdy nawet nie trzymali pędzla w dłoniach?”
Aleksander Gremicki
Wikipedia definiuje termin „obraz” w odniesieniu do malarstwa jako „dzieło sztuki posiadające charakter kompletny (w odróżnieniu od szkicu czy szkicu) i niezależne od wartość artystyczna.” Pojęcia „studium”, „szkic” i „szkic” w odniesieniu do malarstwa są na ogół zebrane w Wikipedii i zredukowane do jednego pojęcia - szkicu, materiału przygotowawczego do faktycznego malarstwa artysty.
Zobaczmy, czy sprawdza się to w praktyce:
Trzeba powiedzieć, że cała terminologia artystyczna rozwinęła się w XIX wieku, jeśli nie wcześniej. W tamtych czasach nie tylko tutaj, ale w całej Europie, przyzwoici ludzie mieli mówić wyłącznie po francusku, o czym świadczy terminologia wciąż używana w malarstwie. Zatem słowo „studia” pochodzi od francuskiej „étudy”, a „szkic” - na przykład od francuskiego „esquisse”. Klienci malarzy mieszkali przeważnie w bardzo przestronnych, delikatnie mówiąc, pomieszczeniach, które wymagały dekoracji ogromnymi płótnami, których z natury nie dało się namalować za życia. Oczywiste jest, że w takich warunkach ceniono tylko produkt końcowy - duży obraz (ale, nawiasem mówiąc, płacono za to wyłącznie). Ponieważ nikomu nie przyszło do głowy wieszać na ścianie dzieł natury, do której, ściśle rzecz biorąc, należą szkice, nie można było za nie zdobyć pieniędzy, a zatem jeśli były malowane, było to jedynie wsparcie wizualne materiał do niektórych dużych obrazów i miał jeszcze mniejsze znaczenie niż szkice, które zostały starannie napisane, ponieważ należało je przedstawić klientowi do akceptacji.
To stąd, z „czasów Oczakowa i podboju Krymu”, migrowały dawno przestarzałe definicje terminy artystyczne do Wikipedii! Tak, i niestety, także do innych słowników, a stamtąd - do naszych głów.
Jednak wg koniec XIX wieku wieku, wraz z demokratyzacją społeczeństwa, poglądy na temat tego, jaki może być końcowy produkt w malarstwie, że tak powiem, zmieniły się dramatycznie. Jeśli nadal obwiniano francuskich impresjonistów za szkicowość ich dzieł, to A.K. Savrasov zachęcał swoich uczniów, aby „uczyli się od natury”. Spośród rosyjskich artystów na przykład Konstantin Korovin zasłynął właśnie ze swoich szkiców z natury, praktycznie w ogóle nie malował obrazów tematycznych. Żyjemy już w XXI wieku, ale w odniesieniu do malarstwa nadal posługujemy się rozumieniem jego terminologii sprzed 200 lat, paradoks i tyle!
Niezrozumienie najprostszych pojęć malarskich, używanych w mowie potocznej, na podstawie tak starożytnego ich rozumienia, celowo narzucanego opinii publicznej przez szanowanych krytyków sztuki, którzy – co jest rzeczą oczywistą – nie rozumieją PROFESJONALNIE niczego o sztuce, może umieścić zwykła osoba w ślepy zaułek. Dlatego w tym artykule chciałbym rozważyć główne terminy powszechnie używane w malarstwie w odniesieniu do naszej współczesnej sytuacji.
ZNACZENIA SŁOWA „PISAĆ”(oczywiście z naciskiem na drugą sylabę)
W języku rosyjskim słowo „pisz” ma podstawowe znaczenie „pisanie liter i cyfr”. W malarstwie profesjonaliści używają słowa „malowanie obrazu” jako terminu. Jeśli artysta mówi: „Namalowałem obraz”, to w tym przypadku nie używa fachowej terminologii, ale po prostu mówi językiem potocznym, np. zwykli ludzie, niezwiązane z działalność artystyczna. W rozumieniu terminologicznym malują węglem, optymistycznie, ołówkiem, pastelą, ale nie malarstwem olejnym. „Ten obraz artysty jest namalowany olejem” – może powiedzieć tylko osoba daleka od malarstwa. I nie ma w tym nic strasznego, nie jest to aż tak ważne. Nie ma też znaczenia, że nie wiesz, czym jest czerwień kraplak czy żółcień kadmowa i nie słyszałeś o umbrze czy sjenie palonej. Tytuły farby artystyczne, które dokładnie oznaczają określone kolory (w końcu czerwony, żółty i niebieski są różne), niespecjalista absolutnie nie musi o tym wiedzieć, a historycy sztuki nie wkraczają w tak wąsko profesjonalne, precyzyjne terminy.
Ale ci panowie, którzy „znają sztukę”, czyli, mówiąc prościej, krytycy, czyli dziennikarze piszący o sztuce, skutecznie wmówili wszystkim innym fałszywe przekonanie, że sztukę, ich zdaniem, „trzeba zrozumieć”. Kto zna się na sztuce? Oczywiście nikt poza krytykami sztuki!
W ten sposób pomyślnie wyjaśniono nam, że w sztuki piękne Ty i ja nic nie wiemy i nie rozumiemy. A najciekawsze jest to, że całkowicie się z tym zgadzamy! Kogo można zapytać: „Nie rozumiem malarstwa”, „Nie rozumiem sztuki”… i tym podobne.
Właściwie co tu jest do zrozumienia? Sztuka, także piękna, powstaje dla nas, zwykli ludzie, a nie dla „specjalistów”, odwołuje się do estetyki wrodzonej każdemu z nas z natury. W sztuce dla widza, czytelnika i słuchacza istnieją tylko dwa kryteria – lubić i nie lubić. Czy przeczytasz nudną książkę? Patrzeć zły film czy sztuka? Czy posłuchasz opery, muzyki lub piosenki, której nie lubisz? Czy uważasz Kazimierza Malewicza za genialnego artystę, a Wielimira Chlebnikowa - genialny poeta? NIE? Brawo! Masz świetne pojęcie o sztuce!
Ale abyśmy mogli, jak to ująłem Piotr, „odróżnić się od innych ignorantów”, nadal konieczne jest zrozumienie kilku powszechnych terminów, które często można spotkać w mowie potocznej, odnoszących się w tym przypadku do malarstwa .
MATERIAŁ NA MALARSTWO ARTYSTY
Zwykle w to wierzą nieprofesjonaliści, za namową tych samych krytyków sztuki prawdziwe zdjęcie obraz olejny należy malować wyłącznie na płótnie, a inne podłoża takie jak karton artystyczny z reguły nie zasługują na uwagę. W takim razie „Mona Lisa” w ogóle nie powinna być uważana za obraz, gdyż Leonardo do pracy użył desek lipowych.
Tektura zagruntowana tak, aby nie wchłaniały się w nią farby, białą masą, tzw. podkładem składającym się z kredy i kleju lub podkładem kolorowym, jeśli artysta tego wymaga, czyli specjalną tekturą artystyczną, jest zaskakująco wygodny do pracy, zwłaszcza na świeżym powietrzu. Karton to zwarty, dość gęsty materiał, który w przeciwieństwie do płótna nie odskakuje pod naciskiem pędzla. Płótno pod wpływem zmian temperatury i wilgotności w pomieszczeniu albo zwisa, albo rozciąga się, dlatego farby na nim z biegiem czasu kruszą się, ale nie na kartonie. Malowanie na tekturze jest tak samo trwałe, jak sama tektura, a trwałość tektury przewyższa nawet płótno.
To samo można powiedzieć o płycie pilśniowej, chociaż jest ona znacznie cięższa od tektury. Radzieccy artyści często sami gruntowali płytę pilśniową lub nawet po prostu, aby ułatwić malowanie i nie odskakiwać pędzla, specjalnie przyklejali zagruntowane płótno na płytę pilśniową. Tutaj jesteś świecący przykład, martwa natura z bzami, dość rozmiar obrazu:
A co z płótnem? Artyści są z nim wyłącznie Imperium Rosyjskie pracował do 1862 roku, kiedy to rosyjski przemysł zaczął produkować tekturę artystyczną.
Płótno wymaga ciężkiego noszy i dobrego rozciągnięcia płótna. W takim przypadku po zakończeniu pracy trzeba długo poczekać, aż farba wyschnie, w przeciwnym razie płótna nie można zwinąć, ponieważ mokre farby skleją się i obraz zostanie całkowicie zniszczony. Farby schną przez cały miesiąc. Tutaj artysta zaczyna mieć wymuszone przestoje. Na czas transportu obraz, jeśli jest duży, jest zdejmowany z krosna i ostrożnie zwijany na duży bęben, obrazem do góry, aby nie uszkodzić obrazu. Kolejnym etapem jest po dostarczeniu płótna na plac budowy, ponowne naciągnięcie płótna na krosno, prawidłowo, bez zniekształceń, zmarszczek w rogach i zagięć, ale też bez nadmiernych naprężeń (to wszystko może również uszkodzić warstwę malarską). A z biegiem czasu płótno naciągnięte na blejtramie pod wpływem zmian wilgotności i temperatury może się zwisać lub wręcz przeciwnie, nadmiernie się rozciągać, co może nawet grozić rozerwaniem płótna. To z kolei może spowodować odpadnięcie warstwy farby, zniszczenie lub zniszczenie obrazu. Dlatego w halach i magazynach muzea sztuki dlatego ściśle monitorują stałość wilgotności i temperatury.
Tektura artystyczna ma wiele zalet. Jest lekki, a podczas wyjścia na zewnątrz można go umieścić w specjalnej drewnianej ramie z zaciskami, która posiada na górze uchwyt na pasek do przenoszenia. Ideę tego przydatnego urządzenia daje zachowany w dokumentach mojego ojca rysunek takiej ramki do szkiców, którą mój ojciec zamówił u jakiegoś stolarza. Oto rysunek:
Czasami malarz zabiera ze sobą dwie tektury do szkiców. Najpierw używa się jednego, a potem if
zmieniło się oświetlenie, nastrój lub jakiś inny motyw przykuł uwagę, artysta bierze drugą tekturę i pisze na niej. Po skończonej pracy, surowe jeszcze po malowaniu kartony wkłada do ramy i zabezpiecza zaciskami. Kartony nie stykają się ze sobą. Obraz pozostaje nienaruszony i nieuszkodzony. Wyschnie w warsztacie.
Zatem po roku 1862, kiedy to powołano produkcja przemysłowa zagruntowaną tekturę artystyczną, malarze stopniowo zaczęli coraz częściej wychodzić z tekturą w plenery.
Panowie krytycy sztuki, którzy nic o tym wszystkim nie wiedzą i sami nie napisali ani jednego szkicu, z pogardą traktują karton artystyczny, nie bez powodu uznając malarstwo na kartonie za oczywiście niedokończone, opierając się tylko na tym, że jest to głównie pisane na kartonowych szkicach, które, jak zobaczymy poniżej, są zawsze gotowymi, starannie wykonanymi pracami, często wymagającymi dużo pracy. Co więcej, wymyślono także słowo „studium”, używane jako synonim niedokończenia, zaniedbania i… niekompletności! Ale zapytam, co ma wspólnego niestaranność wykonania, niekompletność obrazu z tym, na czym jest namalowany? A czy na płótnie nie ma szkiców?
Nawiasem mówiąc, obraz utrzymany jest w stylu socrealizmu Artysta radziecki Nikołaj Owczinnikow „Na hali produkcyjnej”, który we wrześniu 2016 r. V.V. Putin dał prokuratorowi generalnemu jako prezent urodzinowy. Miedwiediew jest napisany na tekturze.
Ściśle rzecz biorąc, nie jest to obraz, ale pełnowymiarowy szkic wykonany przez artystę bezpośrednio w warsztacie fabrycznym, ale ta terminologia zostanie omówiona poniżej.
Najważniejszy jest nie materiał, na który obraz został nałożony, ale to, jak artysta potrafił oddać rzeczywistość, nastrój, swoje uczucia i przekazać je widzowi. Materiał bazowy, czy to płótno, karton, płyta pilśniowa, papier, deska, czy nawet cienkie ocynkowane żelazo, nie ma z tym nic wspólnego. Ważny jest talent, doświadczenie i dobra szkoła plastyczna. Mówią, że w Abramtsevo S.I. Mamontow zmienił kiedyś dach swojego domu. MAMA. Vrubel podniósł kawałek żelazka i napisał na nim liliowy. Więc to nie jest Vrubel?
Oto „Portret D.P. Smirnowej, pracownika manufaktury Trekhgornaya, zastępcy Rady Najwyższej ZSRR”
dzieła radzieckiego artysty Siergieja Fiodorowicza Sołowjowa. Jest również wykonany z żelaza ocynkowanego. Portret, ze względu na jego skromniejsze wymiary 37,5 x 31,5 cm i taki oficjalny tytuł, jest niewątpliwie pełnowymiarowym studium dla dużego zamówionego portretu czołowej postaci w produkcji. Najwyraźniej model, który przyszedł do pracowni artysty, aby pozować, nie miał pod ręką nic innego, więc namalował całkowicie wykończoną małą portret kobiety, który następnie, być może z niewielkimi zmianami, przeniesiono na duże płótno.Czasami, ze względu na brak wszystkiego w tamtym czasie, radzieccy artyści malowali farbami olejnymi nawet na papierze, który wcale nie był do tego przeznaczony. Szczególnie czasami robił to mój ojciec. Potem, po śmierci ojca, musiałam przykleić ten papier do kartonu. (Papier „Śnieg” na tekturze, olej; 61,5x82; 1969)
Przecież pisali nawet na płótnie z podartych toreb! I wyszło nieźle!
Na przykład zawód mojego ojca to „Przewodniczący”. Jej historia jest następująca: jej ojciec otrzymał podróż służbową do jednego z kołchozów w Ałtaju, gdzieś pod Bijskiem, z zadaniem napisania tam przewodniczącego, Bohatera Pracy Socjalistycznej. W kołchozie oczywiście nie było płótna, a tym bardziej zagruntowanego, więc ojciec rozdarł jakiś ogromny worek, naciągnął go na zaimprowizowane nosze, które natychmiast złożono, zagruntował płótno i namalował portret przewodniczącego. Następnie, 50 lat po wydarzeniach, musiałem przeciągnąć tę pracę na już normalne nosze.
Lub tu jesienny krajobraz„Karmazynowa jesień”, napisana przez mojego ojca gdzieś w odległej wiosce, również przy użyciu podobnej technologii:
Zatem: JEŚLI MALUJESZ OGROMNY WIELOWOMETROWY OBRAZ, chcąc nie chcąc, będziesz musiał go namalować na płótnie WYŁĄCZNIE W CELU PÓŹNIEJSZEGO TRANSPORTU, a nie ze względu na wartość artystyczną!
W innych przypadkach nie ma znaczenia, na czym pisać, w przeciwnym razie pierwsze kupione przez P.M. Tretiakowa dwie Etiudy M.A. Vrubel NA KARTONIE, nieważne wartość artystyczna nie miałem pojęcia.
SZKICE I SZKICE
Szkic to w końcu cokolwiek powiesz, całkowicie ukończony, stosunkowo niewielki rozmiar na pełną skalę praca, która powstała w plenerze (pejzaż) lub, powiedzmy, w studiu (martwa natura, portret) i jest dziełem całkowicie niezależnym. Jednak szkice można w przyszłości wykorzystać także do namalowania dużego obrazu, czasem nawet ogromnego wielometrowego płótna, co jest możliwe tylko w warsztacie. Szkic, zwłaszcza krajobrazowy, ma najczęściej wymiary, z grubsza mówiąc, nie przekraczające 60 na 80 cm, czyli rozmiar wygodny do przenoszenia przez jedną osobę. Oto przykład takiego szkicu w pełnej skali:
Szkic może mieć charakter opracowania jednosesyjnego, napisanego w jednej sesji, czyli w ciągu jednego dnia. Ale zdarza się to dość rzadko, znacznie częściej etiuda wymaga kilku, a nawet wielu sesji. Wielosesyjny szkic, szczególnie jeśli jest to pełnowymiarowy krajobraz, wymaga czasami kilku lat pracy. Zwykle dzieje się tak, gdy pogoda zmienia się gwałtownie i na długi czas, a pożądany stan pojawi się już w przyszłym roku. Cóż, na przykład piszesz złota jesień W ostrym słońcu zostało jeszcze kilka sesji, ale tutaj pada deszcz przez cały miesiąc i nieuchronnie będziemy musieli przyjechać w to miejsce za rok.
Zatem, szkic jest dziełem pełnowymiarowym, ukończone dzieło sztuki, nad którym malarz włożył sporo pracy, czyli w języku potocznym ukończony obraz olejny jest stosunkowo duży rozmiar.
Oczywiście zdarzają się też niedokończone szkice, ale wielometrowy obraz też może być niedokończony. Jak więc widzimy, pogląd szanowanych krytyków sztuki, że szkic jest z pewnością czymś niedokończonym i o nieznacznej wartości artystycznej, co niestety wszczepiło się nam mocno w głowę, a co odbija się, niestety, nawet w słownikach , dzisiaj od dłuższego czasu nie ma najmniejszych podstaw.
NASZKICOWAĆ
Szkic różni się od szkicu tym, że zawsze jest wykonywany wyłącznie w ramach przygotowań do dużego obrazu tematycznego ( kompozycja wielofigurowa na konkretny temat. na przykład „Poranek egzekucji Streltsy’ego” Surikowa). Nie zawsze na szkicu występuje kompletność, w tym przypadku ma ona charakter szkicu. Porównajmy dwa szkice do duże prace Radziecka artystka Claudia Tutevol. W pierwszym przypadku szkic wykonano dla siebie, jako materiał roboczy (Szkic panelu do pawilonu Kosmicznego na WOGN)
W drugim przypadku (Szkic sufitu Teatru Opery i Baletu Abai w Ałmaty) szkic został wykonany do zatwierdzenia przez radę artystyczną, o czym świadczą podpisy i pieczątki w lewej dolnej i górnej części szkicu. Dlatego jest całkowicie wykończony i wykończony, bez szkiców, tj. Nie ma tu zapachu zaniedbań i niedokończonej pracy. Na przykład w architekturze byłby to model odpowiedniej struktury architektonicznej.
Szkic do obrazu może być całkowicie wykończonym, a nawet starannie narysowanym lub narysowanym obrazem dłoni, nogi, ucha, twarzy, sylwetki lub głowy osoby, konia, psa, innego zwierzęcia, a nawet traktora, ciężarówki, dowolny przedmiot lub część ubrania, wszystko w środku ten moment Malarza interesuje w ogóle wszystko, co da się zawrzeć w przyszłym dużym obrazie artysty. Co więcej, wszystko to czasami zmieści się na tym samym kawałku płótna, tektury lub płyty pilśniowej.
Takie szkice, czasem niedokończone, niestarannie, pospiesznie wykonane, nazywane są również szkicami, czyli tym, co artysta w procesie tworzenia dużej, wielofigurowej kompozycji „naszkicował” na kartce papieru, kartonu, płótnie itp.
Ponadto szkice nazywane są także szybkimi szkicami wykonywanymi przez artystę spontanicznie, pod wpływem chwili. Przykładem jest szkic V.G. Papier Gremitskikh „Away” 25,5x17, ołówek; Lata 40.
V.G. Papier Gremitskikh „Away”, ołówek; 25,5x17; Lata 40 |
Jak widzimy, artysta na pierwszej kartce papieru do pakowania, która wpadła mu w ręce, specjalnie dla siebie, naszkicował prostym ołówkiem, najwyraźniej także natknął się na obserwowaną przez siebie scenę rodzajową.
Ale moskiewski artysta Igor Radoman namalował mojego ojca odpoczywającego na łóżku gdzieś w domu artystów „Akademickiej Daczy”:
Artyści na wszelkiego rodzaju spotkaniach i spotkaniach, które były liczne w czasach sowieckich, nieustannie się nudzili i bawili, wykonując wzajemne szkice ołówkiem. Mam w swojej kolekcji wiele podobnych szkiców różnych artystów.
Szkic można wykonać nie tylko ołówkiem, ale także farbami olejnymi, sangwinicznymi, pastelami, węglem, piórem i czymkolwiek, nawet długopisem, bo prawdziwy artysta nie może żyć ani minuty bez swojego zawodu. Dla artystów realistów jest to po prostu swego rodzaju mania zawodowa na poziomie odruchu warunkowego, wymagająca ciągłego treningu, doskonalenia umiejętności, co tak naprawdę wyróżnia prawdziwego artystę, który każdego dnia i każdej godzinie poświęca sztuce całe swoje życie , od tak zwanych artystów „nowoczesnych” i artystów awangardowych, którym nie trzeba nic umieć, a co za tym idzie, nie jest wymagane żadne szkolenie – nie ma umiejętności, nie ma czego doskonalić, wystarczy malować kwadraty i trójkąty!
Nawiasem mówiąc, szkic, w zależności od czasu, jaki artysta ma na jego wykonanie, może zamienić się w całkowicie ukończony rysunek. Tutaj mamy całkowicie wykończone portret dziecka ołówkiem „Wołodia podczas zabawy” malarza Muromskiego Wasilija Wasiljewicza Sierowa, ale mimo to jest to szkic!
Szkice są pomocą w procesie pracy artysty na dużą skalę obrazek tematyczny. Szkice wykonywane są nie tylko olejem, ale także węglem lub ołówkiem, temperą itp. Ponadto szkic może zawierać całą przyszłość malarstwo wielopostaciowe artysta.
Jako przykład możemy przytoczyć dwa szkice do dużego obrazu tematycznego „Dowódcy wojny domowej” radzieckiego artysty Grigorija Gordona, który w rzeczywistości jest zbiorowym portretem najsłynniejszych czerwonych dowódców wojny domowej.
Początkowo malarz zdecydował się po prostu ustawić je wszystkie na tle czerwonego sztandaru,
ale potem ta kompozycja wydała mu się nudna i postanowił ją nieco skomplikować:
Jak widać, w tym przypadku szkice wykonano temperą, a poza tym pomimo szkicowości obu prac, tj. niekompletność i pozorna nieostrożność wykonania, wszyscy bohaterowie przyszłego dużego obrazu są dość rozpoznawalni. Wyraźnie widzimy Woroszyłowa, Budionnego, Szczora, Frunzego, Czapajewa, Parkhomenko itd.
A oto szkic dużego obrazu tematycznego „Aresztowanie Aleksandra Uljanowa” wspomnianego już artysty Murom V.V. Serowa:
Oczywiście wynik najprawdopodobniej będzie odbiegał od pierwotnego planu. Prawdziwemu artyście z reguły nigdy nic nowego nie wychodzi z głowy. Stale zgłębia interesujący go temat. Zastanawia się nad tym, zmienia zdanie, dużo obserwuje, czyta odpowiednią literaturę. Jeśli przyszły obraz tematyczny zawiera krajobraz, pisane są odpowiednie szkice z natury, które następnie, zwykle w nieco zmodyfikowanej formie, są przenoszone na obraz. Czasami poszczególne szczegóły z kilku pełnowymiarowych szkiców są przenoszone jednocześnie na większy obraz.
Jednak pełnowymiarowy szkic, w przeciwieństwie do szkicu i szkicu, jest dziełem, jak już widzieliśmy, niezależnym i koniecznie całkowicie ukończonym. Oto żywy przykład dla ciebie. Otrzymawszy zamówienie na duży obraz tematyczny „Lenin i Gorki w Gorkach”, mój ojciec specjalnie wiosną 1952 roku wielokrotnie podróżował do Leninskich Górek pod Moskwą i tam namalował dwa duże szkice, oba na płótnie. Najpierw „Gorki. Wiosna. płótno, olej; 60x80cm",
a potem – „W Gorkach Leninskich, olej na płótnie; 78,5 x 57 cm.”
Następnie, w ostatnim dużym obrazie, mój ojciec wziął za podstawę drugi szkic, cofnął nieco kroki i umieścił przed nimi Maksyma Gorkiego rozmawiającego z Leninem. Ze szkicu „Gorki. Wiosna." wziął na dalszy plan wcześniejszy stan natury, znacznie redukując sam pejzaż z altaną w porównaniu z postaciami centralnymi. Jednakże oba szkice, każdy sam w sobie, przedstawiają całkowicie ukończony, niezależny krajobraz parkowy, nie różniący się od innych licznych krajobrazów naturalnych mojego ojca. Gdybym nie opowiedział tutaj tej historii, nawet gdybyś trzykrotnie był krytykiem sztuki, nigdy byś nie domyślił się, że oba te dzieła posłużyły do stworzenia obrazu socrealizmu, prawda? Jak więc można powiedzieć, że szkice nie mają pełnego charakteru i samodzielnego znaczenia artystycznego? (Zapamiętaj definicję z Wikipedii).
Duży tematyczny obraz wielopostaciowy wymaga ogromnej i długotrwałej pracy nad sobą, prezencji ogromna ilość szkice i szkice. Malowany jest wyłącznie w pracowni, często przez wiele lat. Weźmy na przykład A. A. Iwanow ze swoim ogromnym obrazem „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, nad którym artysta pracował przez dwadzieścia lat - od 1837 do 1857, lub Wasilij Surikow, który pracował nad każdym ze swoich obrazów przez trzy do pięciu lata.
JAKA JEST RÓŻNICA MIĘDZY OBRAZEM A STUDIUM?
Szkic, będący samodzielnym i całkowicie ukończonym dziełem sztuki, różni się od obrazu przede wszystkim tym, że jest namalowany z życia. Obraz jest malowany wyłącznie w pracowni na podstawie ogromnej ilości materiału - etiud, szkiców, szkiców, szkiców ołówkiem i fotografii. Czasem trzeba się uczyć duża liczba literatury i czasopism, natomiast fabuła, czyli temat obrazu, jest wymyślony przez samego artystę lub podyktowany przez klienta. I co najważniejsze, obraz zawsze ucieleśnia WSTĘPNY ZAMIAR ARTYSTY, natomiast szkic jest pisany GŁÓWNIE Spontanicznie – artysta bierze szkicownik i wyrusza na poszukiwanie motywu, tj. taki, jaki napisze. Gdziekolwiek to zobaczył, zatrzymał się i napisał.
Etiudy napisane specjalnie do tworzenia dużych obrazów tematycznych nie są wyjątkiem. W przypadku, o którym mówiłem powyżej, mój ojciec najpierw znalazł altankę w Leninskich Gorkach, zdecydował, że postawi przed nią Lenina i Gorkiego, a dopiero potem namalował dwa szkice z życia z tą altaną.
W zasadzie można tak powiedzieć wszystko, co jest napisane z życia, jest szkicem czy to pejzaż, martwa natura czy portret, i wszystko, co wymaga wstępnego planu, długoterminowa praca z licznymi i różnorodnymi materiałami przygotowawczymi jest obrazem.
Obraz z pewnością można nazwać epokowym płótnem o dużych, a czasem po prostu ogromnych rozmiarach. Był taki artysta Henryk Ippolitowicz Semiradski. Namalował więc tak duże obrazy, że w pracowni były zawieszone pod sufitem i sięgały do podłogi, a pamiętajcie, że to nie zdarzyło się w Chruszczowie. Dlatego akademik i profesor Cesarskiej Akademii Sztuk musiał ciągle wspinać się po schodach, czasami miał tak ogromne dzieła. w G.I. Semiradski miał na sobie głównie duże obrazy fantasy motywy antyczne, którego wątki wziął z głowy, ponieważ prawdziwe życie Starożytna Grecja Naturalnie nie mógł na własne oczy obserwować Rzymu za czasów cesarza Nerona.
Jednak obraz może być dość skromny, zwłaszcza w przypadku obrazów rodzajowych, czyli obrazów artystów przedstawiających sceny codzienne. Na przykład słynne „Swatanie majora” Pawła Fiedotowa ma dość duży rozmiar szkicu - tylko 58,3 x 75 cm, ale, jak rozumiesz, najwyraźniej nie został namalowany z życia bezpośrednio w salonie kupca.
Obraz historyczny w ogóle jest dziełem wyłącznie fantasy. Na przykład obaj bracia Wasniecow pisali na materiałach historycznych, ale bardzo różnych. Odtworzono życie i architekturę Moskwy w XIV wieku XVII wieki inny wziął za podstawę rosyjskie opowieści ludowe i eposy. Ale jeśli Apollinaris, poważnie, poziom naukowy, który zajmował się historią i archeologią, był członkiem różnych towarzystw historyczno-archeologicznych, będąc gorącym zwolennikiem upowszechniania wiedzy historycznej, starał się odtworzyć życie i poglądy średniowiecznej Moskwy „takiej, jaka była” na podstawie starożytne dokumenty i wyniki wykopalisk archeologicznych, w których czasami osobiście brał udział, obrazy jego starszego brata Wiktora miały już charakter czysto fantastyczny.
Obrazy batalistyczne należą do tej samej kategorii. Malowanie ich z życia bezpośrednio na polu bitwy, jak wyobrażają sobie niektóre panie z historii sztuki, jest po prostu śmieszne. Słynny rosyjski malarz batalistyczny V.V. Wierieszczagin, który osobiście obserwował wiele bitew, a czasem nawet brał w nich bezpośredni udział, swoje obrazy malował wyłącznie z pamięci, oczywiście w pracowni, opierając się na licznych szkicach wykonanych na teatrach działań wojennych. Poza tym Wasilij Wasiljewicz dużo czytał, przeprowadzał wywiady z naocznymi świadkami, wydawał dużo pieniędzy na rekwizyty - kupował broń, mundury, sprzęt, który następnie czerpał z życia, przygotowując w ten sposób szkice do obrazów, które miał na myśli.
Duże obrazy przedstawiające pejzaże też nie są rzeczami rzeczywistymi, lecz wymyślonymi przez artystę z głowy i wykonanymi na podstawie szkiców z natury. Kiedyś przypadkiem zobaczyłem szkic o wymiarach około 60 na 80 cm, na podstawie którego I.I. Szyszkin namalował swój słynny duży obraz „Żyto” o wymiarach już 107 na 187 cm Szkic był na płótnie i przedstawiał wszystko tak samo jak na zdjęciu, tylko droga nie prowadziła prosto od widza do sosen, ale nieco w bok i liczba sosen była inna. W tym przypadku szkic z natury posłużył najwyraźniej jako podstawa do stworzenia dużego obrazu z pejzażem, ale sam w sobie stanowi dzieło całkowicie wykończone i starannie opracowane.
Zatem możemy mówić nie tylko o szkicu do obrazu, ale także o szkicu do obrazu, jeśli szkic jest specjalnie dla niego napisany. Najczęściej dotyczy to krajobrazu. Jeśli I.I. Szyszkin ograniczył się do wspomnianego wyżej szkicu i z jakiegoś powodu nie napisał na jego podstawie dzieła na dużą skalę, teraz krytycy sztuki Galeria Trietiakowska pochwalił się obrazem I.I. Shishkina „Żyto” 60 x 80 cm, nie podejrzewając, że jest to szkic w pełnej skali.
PODSUMUJMY:
Obraz, w przeciwieństwie do szkicu, z konieczności wymaga od artysty wstępnego planu, długotrwałego myślenia i zawsze wyróżnia się starannym wykonaniem i wykończeniem, że tak powiem, rozpisanym. Obraz dowolnej wielkości jest zawsze malowany przez artystę w pracowni w oparciu o szeroką gamę materiałów: fotografie, szkice przygotowawcze i szkice oraz, w razie potrzeby, w oparciu o wcześniej napisane szkice z natury. Obraz, nawet mały, a tym bardziej duży, zawsze powstaje nie w plenerze, nawet jeśli jest to pejzaż (spróbuj zabrać ze sobą takiego kolosa na pole lub do lasu!), ale w pracowni artysty. Duży obraz z pewnością malowany jest na płótnie, co wynika z niczego innego jak wyjątkowej wygody dużych płócien w transporcie.
Obraz tematyczny – jak sama nazwa wskazuje, to obraz na określony temat. Najczęściej jest to duża, wielofigurowa kompozycja. Termin ten pojawił się już w historii sztuki radzieckiej, dlatego najczęściej stosuje się go do dzieł tzw. socrealizmu, na przykład na temat wojny obywatelskiej, wielkiej Wojna Ojczyźniana lub, powiedzmy, „Lenin w październiku”. Ponieważ rozmiary takich dzieł są często po prostu ogromne, artysta naturalnie pracuje nad takim obrazem w swojej pracowni i maluje go na płótnie. „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana” I.E. Repina, którego wymiary wynoszą 2,03 na 3,58 metra, w zasadzie można też nazwać obrazem tematycznym, choć nie pachnie socrealizmem. Został on również napisany przez Ilję Efimowicza w warsztacie na podstawie wielu szkiców i szkiców, a także na przykład „Przewoźnicy barek na Wołdze” (1,31 na 2,81 m).
Malarstwo rodzajowe - od czego pochodzi nazwa Francuskie słowo„gatunek” to zazwyczaj praca
Mały fragment rozmowy można wykonać nie tylko na płótnie, ale także na kartonie czy płycie pilśniowej. Materiał ten zaczął się szeroko rozpowszechniać już w XX wieku.
Istnieje również takie pojęcie jak portret gatunkowy. Portret to po prostu portret osoby na neutralnym tle, ale jeśli tło przedstawia przedmioty, ludzi, a nawet krajobraz przemysłowy, który sugeruje widzowi na przykład zawód przedstawianej osoby, to jest to już portret gatunkowy. Przykładem jest gatunek portretu kobiety „Weteran” praca górnika„dzieła radzieckiej artystki Klavdii Aleksandrownej Tutevol, o których już tu wspominaliśmy:
Szkic, jak powiedzieliśmy powyżej, jest całkowicie ukończonym, niezależnym dziełem, ale z pewnością pochodzącym z natury. Jest dziełem całkowicie samodzielnym, ale może także stanowić materiał pomocniczy do dużego obrazu artysty, co w niczym nie umniejsza jego wartości artystycznej. Może to być martwa natura, portret, pejzaż, wnętrze. Szkic, ze względu na stosunkowo niewielki rozmiar, jest malowany na wszystkich powyższych materiałach, ale najważniejsza w nim jest oczywiście jakość pracy malarza, jego umiejętność budowania kompozycji w martwej naturze, odzwierciedlenia charakter modelki na portrecie oddają podekscytowanie lub spokój morza, chłód zimowego lasu, piękno zachodu słońca, piękno złotej jesieni lub wiosenny nastrój natury w krajobrazie.
Szkic jest pracą pomocniczą, ma na celu utrwalenie idei przyszłej kompozycji
obrazek tematyczny. Jako przykład weźmy szkic do obrazu „Dziewcze ziemie” E. D. Ishmametova. Artysta opracował w nim kompozycję i kolorystykę, postacie, pozy postaci, a następnie namalował duży obraz na ten temat. Malarz zawsze bardzo dokładnie obmyśla szkic obrazu. Zwykle szkic charakteryzuje się pewną niekompletnością, niekompletnością. Wynika to z faktu, że artysta najczęściej nie musi go kończyć, jest inne zadanie - opracowanie opcji kompozycyjnych przyszłe malarstwo, udoskonalenie pierwotnego planu. Dlatego szkic najczęściej ma charakter szkicu. Ale może to być także całkowicie wykończona, starannie narysowana praca, zwłaszcza gdy szkic przeznaczony jest do zatwierdzenia przez komisję selekcyjną, co widzieliśmy już na przykładzie szkicu sufitu teatru. Abai w Ałmaty – Claudia Tutevol.Szkic, jeśli powstaje w trakcie pracy nad obrazem, jest także dziełem czysto pomocniczym, niedokończonym, nierysowanym szczegółowo.
Jest pisany lub rysowany szybko, ale niedbale dobrzy artyści w nim się nie dzieje. Można szybko naszkicować np. głowę modelki, która później zamieni się w wspaniały, gotowy portret, lub można wykonać szybki szkic jakiejś postaci, która później może być potrzebna do stworzenia kompozycji dużego obrazu, a szkic pozostanie dziełem niezależnym, interesującym dla kolekcjonerów i amatorów. Oto na przykład szkic V.G. Gremickiego „Taniec”:Jednak, jak widzieliśmy powyżej, szkice mogą być również całkowicie niezależne.
Szkic też ma zwykle charakter szkicu, ale szkic to w istocie plan przyszłego obrazu, całej jego kompozycji, natomiast szkic do obrazu to szybki szkic czegoś, co w zasadzie można zawrzeć w przyszłości obraz.
O NIEKTÓRYCH INNYCH TERMINACH POPULARNYCH W MALARSTWIE:
Kiedyś bardzo się zdziwiłam, gdy dowiedziałam się, że sztafaż to „obraz olejny bez wyraźnego przedstawienia postaci ludzi i zwierząt”. Tak naprawdę sztafaż to niewielkie postacie ludzi lub zwierząt, wpisane przez artystę w pejzaż, aby go ożywić.
Inny termin z pejzaż- kamerton. Jest to jasny punkt, który kontrastuje z ogólnym tłem krajobrazu. Zazwyczaj jest to swego rodzaju sztafaż. Przykładem jest dzieło artysty z Taszkentu
V.M. Kowinina” Krajobraz górski„z postacią dziewczynki ubranej w jaskrawoczerwony strój narodowy.
To dziwne, kiedy do kogokolwiek dzwonią obraz olejny, nawet niewielkich rozmiarów, a nawet napisane na kartonie. „Len to gładka i gęsta tkanina lniana o najprostszym splocie; najwspanialsze odmiany nazywano batystami, najgrubsze płótnem, płótnem, równością itp.”. (Wikipedia). Zatem płótno nie może być ani kartonem, ani płytą pilśniową, w odniesieniu do malarstwa jest to zdecydowanie płótno.
W malarstwie płótna to obrazy o ogromnych rozmiarach i zwykle o tematyce epokowej. Można zatem powiedzieć, że z pędzla Wasilija Surikowa wyszły tylko płótna, ale Konstantin Korovin zasłynął głównie dzięki swoim szkicom. Jeśli „Dziewiątą falę” Aiwazowskiego można w pełni nazwać płótnem, to w odniesieniu do wspomnianego już małego dzieła „Świeży kawaler” Fiedotowa będzie po prostu zabawne, mimo że jest również namalowane na płótnie.
Trochę więcej o glebach: Co to jest gesso? Jest to specjalny podkład, również na bazie kredy, który służy do pokrycia drewnianej deski. Poprzednio w Zachodnia Europa Obrazy malowano często na deskach, a na Rusi - i zawsze - ikony. To wyjątkowo niewygodny materiał. Kiedyś w Holandii deski suszono przez 50 lat, a dopiero potem zaczęto je obrabiać. Obecnie artyści rzadko używają gesso, gdyż farba wraz z grubą warstwą podkładu łatwo odpryskuje z biegiem czasu lub pod wpływem lekkiego uderzenia. A współcześni malarze ikon używają go coraz rzadziej.
Podsumowując, oto kilka dodatkowych ilustracji dla przejrzystości:
Praca V.G. Gremickiego, zwanego „Etiudą”. Jest to w zasadzie, jak sama nazwa wskazuje, pełnowymiarowy, jednosesyjny portret robotnicy, namalowany bezpośrednio w jej miejscu pracy przy budowie elektrowni wodnej w Kujbyszewie.
A oto portret gatunkowy autorstwa taszkenckiego artysty Valery'ego Kovinina:
Nie jest to z pewnością portret z jednej sesji, tutaj artysta wyraźnie męczył kolegę, który był jego modelem, szeregiem sesji, co widać zarówno po starannym wykonaniu dzieła, jak i po jego wielkości. A jednak to męski portret nie obraz, a wielosesyjny szkic z natury, co w żaden sposób nie umniejsza jego wartości artystycznej.
Na potwierdzenie tego ostatniego stwierdzenia przyjrzyjmy się słynnemu portretowi kobiecemu „Dziewczyna oświetlona przez słońce”. Jego kuzynka, Maria Simonovich V.A. Sierow malował z natury przez całe lato 1888 roku, łapiąc każdy słoneczny dzień (w pochmurne dni malował pejzaż „Zarośnięty staw”). Wstępny plan (powiedzieliśmy wyżej, że mamy sławny artysta też był nieobecny, chciał tylko, jak to określił, „napisać coś radosnego”.
Mamy tu zatem do czynienia z niczym innym, jak typowym, wielosesyjnym szkicem z natury, pisanym na spontanie, zgodnie z rodzącą się od razu chęcią. Na szczęście dla P.M. Tretiakow, który nabył to dzieło, nie wiedział jeszcze, że „Studium w zakresie sztuk pięknych jest szkicem przygotowawczym do przyszłej pracy”. (Wikipedia) A Valentin Serov wykazał się skrajnym stopniem nieprofesjonalizmu, spędzając aż 90 dni na zaledwie dwóch szkicach przygotowawczych - portretie dziewczyny i krajobrazie ze stawem!
Podobnych przykładów mógłbym podać jeszcze wiele, ale obawiam się, że już mocno zmęczyłem czytelnika. Mam nadzieję, że mimo wszystko udało mi się wnieść swój skromny wkład w wyjaśnienie opinii publicznej niektórych z najczęściej używanych terminów artystycznych, w których czasami, szczerze mówiąc, nawet sami artyści się mylą.
Aleksander Gremicki
Awatar: V.M. Kovinin „Na niedzielny targ. Karakalpakstan”. olej na płótnie 98x178. 1971 (jest to typowy obraz wielkogatunkowy)
Rozpoczęcie dialogu z kulturą światową, nowoczesny mężczyzna nie wkłada żadnego wysiłku, aby wznieść się do jej poziomu, a wręcz przeciwnie, próbuje ją sprowadzić do swojego poziomu. (ktoś mądry)
Przed wynalezieniem fotografii malarstwo było postrzegane jako narzędzie umożliwiające jak najdokładniejsze odwzorowanie otoczenia. Malarstwo uznawano za tym lepsze, im bardziej autentycznie było przedstawiane prawdziwy świat. Wraz z pojawieniem się fotografii w 1839 r. i kina w 1895 r. rozumienie malarstwa znacznie się rozszerzyło, choć inni nadal utrzymują podejście wąsko funkcjonalne.
Jaka jest różnica między fotografią a obrazem?
Bato Dugarzhapov „Boże Narodzenie”.
Fotografia rejestruje moment, czyli bardzo konkretny, chwilowy stan przedmiotu. Artysta, niezależnie od tego, jak szczegółowo i wiarygodnie rozpisuje szczegóły, pisze przede wszystkim to, co OGÓLNE, co widzi w modelu, czyli to, co najbardziej charakterystyczne i wyraziste.
Zatem fotografia (z wyjątkiem bardzo rzadkich dzieł artystów-fotografistów) jest ilustracją, na wzór obrazu w encyklopedii: tak wygląda wiewiórka, dzieci, a tak wyglądała właścicielka albumu fotograficznego 20 lat temu, kiedy kąpał się w wannie.
Bato Dugarzhapov „Krym”.
Współczesny artysta nie chce kopiować natury – fotografia i filmowanie potrafią to zrobić znacznie lepiej i szybciej. Naturalizm spycha malarstwo w ślepy zaułek powtórzeń i banału. Poza tym natury nie da się odtworzyć. Kiedy widz dostrzeże jedynie najbardziej powierzchowny aspekt obrazu – przekaz informacji „tam, gdzie wszystko się stało”, wówczas zrozumienie obrazu będzie skrajnie zubożone i zniekształcone.
Obraz różni się zasadniczo od fotografii nietożsamością tego, co zostało stworzone, a tym się stało zasadnicza różnica pomiędzy malowniczymi i obraz fotograficzny. Artysta z własnej woli decyduje, co i jak pozostawić, co i jak uwypuklić, co wykluczyć z obrazu, czasem nawet wbrew powierzchownemu zdrowemu rozsądkowi.
Bato Dugarzhapov „Taras”.
Malarski obraz olejny na płótnie ma być całkowitym i uniwersalnym przedstawieniem namalowanego przedmiotu i przekazaniem jego wrażenia. W niezrozumiały sposób na płaskim płótnie pojawia się objętość, żywa i piękny świat, stworzony przez artystę.
Możemy wejść w obraz i usłyszeć śpiew ptaków, poczuć zapach kwitnącej łąki, poczuć ciepło podgrzewanej przez słońce wody, zobaczyć ruch – wyraźnie rozumiejąc, że to wszystko dzieje się tylko w naszej głowie i na naszych oczach, i że autor przekazał nam to wszystko.
Co to jest „alla prima”?
Bato Dugarzhapov „Poranek”.
Jeśli wcześniej mile widziany był jubilerski styl zapisywania szczegółów w najdrobniejszych szczegółach, gdy obraz malowano miesiącami, a nawet latami, a następnie starannie lakierowano, to w XIX i XX wieku pojawiła się koncepcja „alla prima” - z łaciny „all prima vista” (na pierwszy rzut oka) i oznacza spontaniczne malowanie farbą impasto.
Obraz jest gotowy już po pierwszej sesji. Kolory są przeważnie mieszane na palecie, gdzie wydają się świeże i świetliste. Kiedy pisze się w plenerze, jest to bardzo odpowiedni sposób praca.
Pastoczność objawia się w reliefie, nierównościach warstwy farby, w plastycznym pociągnięciu pędzla i służy podkreśleniu materialnej strony przedmiotu i nadaniu dynamiki. Obrazy są bardziej obszerne i zawierają więcej informacji niż fotografie, mogą oddziaływać emocjonalnie na widza za pomocą lokalnych plam barwnych, bez zbędnych objaśnień i doprecyzowywania szczegółów. Czasami nawet z powodu braku tej specyfikacji.
Bato Dugarzhapov „Południe. Łodzie.”
Naprzemienność pozornie chaotycznych pociągnięć i plam światła jest znacznie bardziej emocjonalna niż fotografia, a stary, dopracowany sposób oddaje ruch - grę plam słonecznych na trawie, odblasków na wodzie, kołysających się liści itp.
Niestety, widz zupełnie dziki w sensie kultury malarskiej, oglądając dzieła alla prima, namalowane zamaszystymi kreskami i paskami, nie zada sobie trudu, aby zatrzymać się i przyjrzeć się uważnie, ale nadyma policzki i ze słowami „Umiem malować jak to też” ze świadomością własnej wyższości idzie dalej w poszukiwaniu lakierowanych, kręconych kreacji, w których nie jest potrzebna żadna praca wyobraźni i empatii.
Pozwólmy mu odejść i przyjrzyjmy się na przykład obrazowi „Plein Air” artysty Bato Dugarzhapova. Co widzimy na tym ciekawym obrazku?
Bato Dugarzhapov „Plener”.
Ci, którzy chcą zobaczyć, jak powstają buty bohaterów – nic. Widz, nastrojony na falę zrozumienia, widzi przede wszystkim dużo światła słonecznego. Następnie przy sztalugach widzimy kilku artystów w letnich sukienkach oraz brodatego artystę w dżinsach iz pędzlami w dłoni. Potem pojawia się ciepły Kamienna ściana z skąpanymi w słońcu pnącymi się nad nimi drzewami glicynii, niebieskie niebo w szczelinach listowia, balustradzie nasypu i morzu za nim. Powodem, dla którego liście nie są szczegółowo narysowane i żyłki, jest to, że poruszają się, kołyszą, porusza się także światło, poruszają się cienie, a odbicie od morza w oddali zmienia się co minutę...
Nastrój obrazu jest absolutnie fenomenalny, po prostu emanuje światłem i pozytywnością. A jednocześnie nie da się wskazać wskaźnikiem i wyjaśnić - to jest to, a tu jest to. Wystarczy to zobaczyć, oddalając się nieco od obrazu i przyglądając mu się wystarczająco długo. Poza tym to tylko plik, wyobrażam sobie jak to powinno działać w oryginale!
Bato Dugarzhapov „O szkicach”.
Podobnie „pojawia się” obraz „O etiudach”. Po pierwsze - chaotyczne plamy światła słonecznego i odbicia morza. Następnie siwowłosy artysta pochylił się w stronę sztalugi. Potem - samo morze: świecące morze, porusza się, martwi, odbicia słońca od fal praktycznie oślepiają oczy (nie można zrozumieć, jak to się stało), w morzu są skały, kamienie i łodzie, po lewej stronie , znowu roślina pnąca, być może winogrona.
Atmosfera gorącego poranka (a to jest poranek, bo jak słońce jest wysoko, morze już tak nie błyszczy, tylko błękitnieje), piękno południowego wybrzeża i zachwyt nad tym pięknem są niesamowicie oddane.
Bato Dugarzhapov „Wieczór południowy”
Obrazy Bato Dugarzhapova zanurzone są w szczególnym świetlistym środowisku, co świadczy o wysokiej kulturze malarskiej artysty oraz subtelnym rozumieniu relacji kolorystycznych i przestrzennych. Jego prace wyróżniają się świeżością, szybkim rytmem linii i plam barwnych, romantycznym uniesieniem i subtelnym postrzeganiem relacji światło-przestrzennych.
Z wielką łatwością, dużymi pociągnięciami, tworzy kompletny, integralny obraz natury pod względem koloru, światła i dynamiki życiowej... wszystko mieni się w promieniach słońca, nawet tam, gdzie jest cień, błyszczą odbicia, co jest szczególnie niesamowite i przyjemny. Swobodnie rzucone kolory nakładają się na siebie i tworzą wielobarwną harmonię i rytm, w którym szczególne znaczenie ma gra odcieni.
Bato Dugarzhapov „Jezioro Como”.
Bato Dugarzhapov urodził się w 1966 roku w Czycie. Ukończył Szkoła Artystyczna w Tomsku i Moskiewskim Państwowym Akademickim Instytucie Sztuki im. W I. Surikow. Prace artysty znajdują się w kolekcjach prywatnych w Rosji, USA, Francji, Włoszech i Hiszpanii.
K. Yu Starokhamskaya
Malarstwo dowolnego gatunku (od martwej natury po malarstwo religijne) jest obraz artystyczny, stworzone za pomocą wyobraźni artysty i osobistego światopoglądu. Światopogląd i postawa artysty kształtują się pod wpływem środowiska - epoki, państwa, społeczeństwa, rodziny, stylu życia itp. Sztuka wielkich artystów to zawsze portret epoki przez pryzmat autoportretu, osobowości przechodzącej przez otaczającą rzeczywistość i ducha czasu. 
Ikona jest zjawiskiem ponadczasowym, jest objawieniem Boga, reprezentowanym za pomocą Dzieła wizualne. Najważniejszą zasadą w malowaniu ikon jest przestrzeganie ustalonych kanonów. Kanony malowania ikon są tak wyjątkowe, że osoba niezaznajomiona z historią i teologią Kościoła może być zakłopotana: po co trzymać się starożytnych zasad przedstawiania? Być może mistrzowie, którzy stali u początków malarstwa ikon, po prostu nie opanowali techniki, która rozwinęła się w okresie renesansu? Może powinniśmy przesunąć osiągnięcia Cywilizacja europejska do tej starożytnej sztuki? 
Dlaczego więc ikona tak uderzająco różni się od malarstwa klasycznego? A jakim środkiem technicznym osiąga się tę różnicę?
Malarz ikon nie przenosi na ikonę niczego ze swojego osobistego światopoglądu, co w jakikolwiek sposób różniłoby się od światopoglądu Kościoła Chrystusowego. Malarz ikon staje się przewodnikiem po światopoglądzie Kościoła. Ikona nie stara się odzwierciedlić otaczającej nas tymczasowej rzeczywistości, nie zajmuje się problemami naszych czasów, przejściowymi niepokojami tego świata. Ikona jest oknem na inny, wieczny świat. 
Obraz nieuchronnie odzwierciedla indywidualność autora, dzieło odzwierciedla jego osobiste, niepowtarzalne cechy, a ponadto każdy artysta dąży do osiągnięcia własnego, odrębnego, niepowtarzalnego stylu. Jeden z najwyższe osiągnięcia działalność autora - stworzenie nowego stylu, kierunku w malarstwie. Płótna mistrza są nierozerwalnie związane z jego nazwiskiem, wizerunkiem i biografią.
Obraz jest duchowy, czyli zmysłowy, przekazuje emocje, sztuka bowiem reprezentuje sposób rozumienia świata poprzez uczucia.
Ikona jest duchowa, pozbawiona emocji i beznamiętna. Tak jak śpiew kościelny i czytanie, ikona nie akceptuje sposoby emocjonalne uderzenie.
Obraz jest sposobem na interakcję z osobowością autora. Ikona jest środkiem komunikacji z Bogiem i Jego świętymi.
Ikona, w przeciwieństwie do obrazu, służy bezpośrednio zbawieniu ludzkiej duszy.
Podkreśliliśmy wewnętrzne różnice między ikoną a obrazem i czym różnice zewnętrzne możemy prześledzić?
Ikona jest przede wszystkim świadectwem prawdziwego Boga, jest zjawiskiem czysto religijnym. Ikona kanoniczna nie posiada przypadkowych dekoracji pozbawionych znaczenia semantycznego.
Główne różnice między ikoną a obrazem:
1. Konwencjonalność, pewne zniekształcenie realnych form i symboliki.
W ikonie to, co cielesne, zostaje pomniejszone, a duchowe zostaje odkryte. Wydłużone proporcje sylwetki, brak objętości. Ikonie brakuje ciężaru, ciężaru właściwego przedmiotom naszego świata.
2. Perspektywa odwrotna.
Obraz konstruowany jest według praw perspektywy bezpośredniej, punkt zbiegu znajduje się na linii horyzontu i jest zawsze taki sam. Ikonę cechuje perspektywa odwrócona, gdzie punkt zbiegu umiejscowiony jest nie w głębi płaszczyzny, lecz w osobie stojącej przed ikoną. W ten sposób znajduje swój wyraz pomysł pojawienia się świata niebieskiego w naszym świecie, świecie poniżej. I równoległe linie na ikonie nie zbiegają się, lecz wręcz przeciwnie, rozszerzają się w przestrzeni ikony.
3. Nieobecność źródło zewnętrzne Swieta.
Światło jakby z wnętrza ikony, z samych twarzy i postaci, z ich głębi jest esencją świętości. Ikona jest świetlista, a zasada ta opiera się na teologicznym świadectwie ewangelii o Przemienieniu Pańskim na Górze Tabor. Prawosławna aureola to niestworzone światło Boskości, zrodzone w sercu świętego i tworzące jedną całość z jego przemienionym ciałem.
4. Kolor w ikonie pełni funkcję czysto symboliczną.
Czerwony kolor ikon męczenników symbolizuje ofiarę, czyli władza królewska. Złoto jest symbolem nietowaru, światła, które ma zupełnie inny charakter niż inne substancje fizyczne. Dlaczego nie da się tego przekazać farbą. Złoto na ikonach jest przeciwieństwem idei ziemskiego złota i bogactwa. Istnieją również kolory, które zastępują obecność złota na ikonie - ochra, czerwień i biel. Czarny kolor ikon stosuje się tylko w przypadkach, gdy konieczne jest ukazanie sił zła lub świata podziemnego.
6. Na ikonie nie ma czasu. Wszystkie zdarzenia dzieją się w tym samym czasie.
Często jedna ikona przedstawia kilka różnych scen, czasem są to sceny z życia jednego świętego, ilustrujące całą jego drogę od narodzin do spoczynku. W ten sposób wyraża się zaangażowanie ikony w świat wieczności, gdzie wszystko jest jednocześnie otwarte, a raczej czasu po prostu nie ma. Na zdjęciu wręcz przeciwnie, dzieje się to w jednej płaszczyźnie czasu.
Zatem różnica między ikoną kanoniczną a obrazem jest oczywista.
Głównym zadaniem ikony, w przeciwieństwie do obrazu, który przekazuje zmysłową stronę świata, jest ukazanie rzeczywistości świata duchowego, pomoc w uzyskaniu poczucia realnej obecności świętego, Matka Boga lub Pana, aby przyczynić się do otwarcia serca i zrodzenia pokutnej modlitwy lub uwielbienia, przez które uświęca się umysł, serce i całe życie człowieka.
W Pracowni Malowania Ikon „Ikona Odmierzona” jest to możliwe
- Wow, świetne zdjęcie! – pochwalił dzieło i od razu obraził artystę błędną terminologią
Pewnie wiecie, przyjaciele, że dobry, ale wrażliwy artysta może się obrazić, jeśli mu to powiecie „maluje” swój obraz. To tak samo, jak powiedzieć, że statki pływają po morzu... ale wszyscy wiemy, że statki pływają po morzu!
Jednak osoba daleka od sztuk pięknych często nie jest w stanie dokładnie określić, czym jest malarstwo, czym jest rysunek i czym się one od siebie różnią. Dlatego zarówno „rysowanie”, jak i „pisanie” są dla niego jednym i tym samym. Ale spróbuj powiedzieć mistrzowi, że ma dobry „rysunek” na płótnie!
Już nie łatwy sposób rani wrażliwą naturę twórczą, chociaż prosty widz nie od razu zrozumie, co jest złe i obraźliwe.
Malarstwo i rysunek to pojęcia bliskie, a nawet powiązane, jednak wyraźnie od siebie oddzielone. Podobnie jak powszechnie wiadomo, kiedy obrazy się maluje i kiedy je rysuje.
Spróbujmy to rozgryźć terminologia w sztukach plastycznych. Uwierz mi, jest to ważne nie tylko dla tych, którzy są kreatywni, ale także interesujący.
Różnica między malarstwem a rysunkiem
W ściśle formalnym języku rysunek - jest to obraz dowolnych obrazów, obiektów i zjawisk na płaszczyźnie. Można rysować kredą, piórem, ołówkiem, farbami – wszystkim, co pozostawia ślady na danej powierzchni.
W ogóle rysowaniem jest nawet drapanie diamentu po szkle lub np. rysowanie piórem na lekcji i nakładanie tatuażu.
I tu obraz - to także obraz przedmiotów i zjawisk, ale tylko za pomocą farb. Oznacza to, że mówiąc suchym i formalnym językiem, malowanie jest jedną z opcji rysowania, w której pędzel służy jako narzędzie, a farba jest środkiem do tworzenia obrazu.
Innymi słowy, rysunek jest grafiką i jest brany pod uwagę Oficjalnie wszystko, co powstaje na papierze, jest uważane za grafikę i, co dziwne, akwarela jest również uważana za grafikę. Chociaż wiele dzieł uważa się również za obrazy na papierze
Zatem wszystko na papierze to grafika, a wszystko inne to malowanie... na płótnie, drewnie, szkle, ścianie
Pamiętacie lekcje rysunku w szkole? Tam cały temat tak się nazywał: sztuka piękna. Nie było osobnych lekcji malarstwa czy rysunku, jednego dnia uczyli się pracy olejami, a drugiego ołówkami.
Stąd powszechne przekonanie, że malarstwo to tylko odmiana rysunku. Formalnie tak jest, w rzeczywistości jest inaczej.
Sztuki piękne - Sztuka uchwycenia obrazu = Sztuki piękne, połączenie różnych rodzajów malarstwa, grafiki, rzeźby
W rzeczywistości taka hierarchia to prawdziwa biurokracja. We współczesnych sztukach wizualnych istnieje wyraźny podział: obraz- to praca pędzlem i malowanie na gęstych materiałach, rysunek- to użycie wszystkich innych materiałów na papierze.
Może nie jest to aż tak rygorystyczne i naukowe, ale świat sztuki jest przez wielu kochany za to, że nie podlega nauce, a zatem jego prawa niekoniecznie muszą odpowiadać ścisłej klasyfikacji i terminologii.
Jest jeszcze jeden niuans: pomyśl o samym słowie "obraz"- składa się z dwóch części: "na żywo" I "pisać". Można to różnie interpretować, ale wielu artystów twierdzi, że praca z farbami żyje właśnie dlatego, że same farby po nałożeniu na płótno wysychają i nieco zmieniają swoje właściwości, czyli żyją własnym życiem.
A sam obraz zyskuje własne dynamiczne życie, obraz okazuje się żywy. Lub opis- pisać żywo... W ogóle słowo malarstwo brzmi moim zdaniem wzniośle i pięknie
Patrzenie i zastanawianie się nad żywymi obrazami
Rozpracowaliśmy więc tę część: malowanie to praca z farbami, rysowanie to używanie innych środków. Ponadto malarstwo sztalugowe, zarówno monumentalne, jak i dekoracyjne, również różnią się od podobnych form rysunku.
Na ściany nakłada się farby - mówimy o o malowaniu, ozdabiają je kredkami - to już rysuje.
Malują lub rysują?
Inne, nie mniej gorący temat- jak nazwać proces tworzenia obrazu. Wydaje się, że jeśli obraz powstaje, to znaczy, że jest narysowany. A jeśli mówią o literze, zwykle mają na myśli tekst.
Tutaj terminologia ma głębokie korzenie historyczne. Malarstwo na Rusi stopniowo rozwijało się od malarstwa ikonowego, kiedy mistrzowie zaczęli próbować go ożywić i ożywić motywy biblijne, używając tych samych technik, a następnie całkowicie przerzucił się na obrazy nie mające nic wspólnego z religią.
Ale ponieważ ikony były pierwotnie „napisał”, wówczas słowo to przeniosło się do malarstwa i dziś maluje się także obrazy olejne.
Często grzeszę i zazwyczaj „maluję” swoje obrazy
Jeśli mówimy o rysunku, to wszystkie prace tutaj są malowane, bez względu na to, jak znaczące są. Można oczywiście powiedzieć, że artysta „napisał” ołówkiem epickie płótno, ale to nic innego jak wolność.
Czy można malować na płótnie?
Ogólnie rzecz biorąc, zwyczajowo mówi się, że malują olejem na płótnie, ale na przykład po prostu rysują na papierze. Ale nie są to zasady absolutne.
Na przykład, Przed malowaniem farbami artysta może wykonać szkic ołówkiem na płótnie. To jest rysunek, autor go rysuje. I dopiero po nałożeniu farby na ten rysunek obraz zaczyna się malować.
Choć nikt nie zabraniał rysowania na płótnie ołówkami czy węglem... Pytanie tylko, że rysowanie na płótnie materiałowym nie jest do końca wygodne w przypadku technik suchych, chyba że nie tutaj da się wykorzystać wszystko.
To samo tyczy się wszelkich innych podstaw, nie tylko malarstwo sztalugowe pozwala na malowanie obrazów. Na przykład, monumentalne malarstwo polega na malowaniu obrazów farbami na różne sposoby obiekty architektoniczne fasada, malarstwo dekoracyjne - to pisanie na różnych przedmiotach i szczegółach wnętrza, - to malowanie ścian wewnątrz pokoju różnymi freskami i sztucznymi malowidłami
Jednocześnie, jeśli weźmiemy szklankę lub dzbanek i pomalujemy go np. tuszem, to już będzie malarstwo dekoracyjne . Oznacza to, że nie zależy to w żaden sposób od tego, czy zajmujemy się malarstwem, czy rysunkiem. Wszystko zależy od materiałów, z których powstaje obraz.
I wreszcie: nie zakładajcie, że malarstwo jest dla profesjonalistów, a rysunek dla amatorów. Zupełnie nie! Często ołówki, pastele lub kredki tworzą dzieła nie mniej okazałe i wspaniałe niż obrazy olejne lub akrylowe.
A trudność tworzenia pracy, na przykład tylko za pomocą ołówków, jest bardzo duża. Dlatego jeśli lubisz rysować, nie musisz się męczyć i zmuszać do malowania farbami - całkiem możliwe jest tworzenie arcydzieł za pomocą tego, co lubisz najbardziej.
Mistrzowie portretu w grafice
Nawiasem mówiąc, tylko w tym przypadku w swojej pracy będziesz mógł w pełni wyrazić siebie i swoje emocje czy to na płótnie, papierze, szkle czy na ścianie! Są to te podstawowe, a materiały i techniki to tylko narzędzia, spośród których wybierasz najwygodniejsze dla siebie.
Przyjaciele, do artykułu nie zagubiony wśród wielu innych artykułów w Internecie,zapisz go w swoich zakładkach.Dzięki temu w każdej chwili możesz wrócić do czytania.
Zadawajcie pytania poniżej w komentarzach, zazwyczaj szybko odpowiadam na wszystkie pytania
Podejmując dialog z kulturą światową, człowiek współczesny nie marnuje wysiłków, aby wznieść się do jej poziomu, ale wręcz przeciwnie, stara się go sprowadzić do swojego. (ktoś mądry)
Przed wynalezieniem fotografii malarstwo postrzegano jako narzędzie, które być może lepiej odzwierciedlałoby otoczenie. Malarstwo uznawano za lepsze, im bardziej autentycznie pokazywało rzeczywisty świat. Wraz z pojawieniem się fotografii w 1839 r. i kina w 1895 r. świadomość malarska znacznie się rozwinęła, choć inni zajmują się obecnie wąsko funkcjonalnym biznesem.
Jaka jest różnica między zdjęciem a obrazem?
Bato Dugarzhapov „Boże Narodzenie”.
Zdjęcie utrwala chwilę, czyli bardzo specyficzny, chwilowy stan obiektu. Malarz, niezależnie od tego, jak starannie i wiarygodnie rozpisuje szczegóły, najpierw pisze to, co OGÓLNE, co widzi w modelu, czyli najbardziej charakterystyczne i wyraziste.
Zatem zdjęcie (z wyjątkiem bardzo rzadkich dzieł artystów-fotografistów) jest ilustracją, na wzór obrazu w encyklopedii: tak wygląda wiewiórka, dzieciaki, a tak wyglądała właścicielka albumu fotograficznego 20 lat temu kiedy kąpał się w wannie.
Bato Dugarzhapov „Krym”.
Współczesny malarz porzucił kopiowanie natury – fotografia i filmowanie zrobią to jeszcze lepiej i szybciej. Naturalizm spycha malarstwo w ślepy zaułek powtórzeń i banału. Poza tym natury nie da się odtworzyć. Gdy widz zaakceptuje jedynie najbardziej powierzchowny niuans obrazu – przekaz informacji „tam, gdzie wszystko się stało”, wówczas świadomość obrazu będzie bardzo zubożona i zniekształcona.
Obraz zasadniczo różni się od zdjęcia tym, że nie jest identyczny, i to stało się podstawową różnicą między obrazem kolorowym a fotograficznym. Malarz z własnej woli decyduje, co i jak pominąć, co i jak uwydatnić, co wyłączyć z obrazu, czasem nawet wbrew powierzchownemu zdrowemu rozsądkowi.
Bato Dugarzhapov „Taras”.
Kolorowy obraz na płótnie ma być całkowitym i uniwersalnym ukazaniem namalowanego przedmiotu i przekazaniem z nim związanych wspomnień. W niezrozumiały sposób na płaskim płótnie pojawia się objętość, żywa i piękny świat, wykonany przez artystę.
Możemy wejść w obraz i usłyszeć śpiew ptaków, poczuć zapach kwitnącej łąki, poczuć ciepło podgrzewanej przez słońce wody, zobaczyć ruch – wyraźnie rozumiejąc, że to wszystko dzieje się wyłącznie w naszej świadomości i na naszych oczach, i że Stwórca dał nam to wszystko.
Co to jest „alla prima”?
Bato Dugarzhapov „Poranek”.
Jeśli wcześniej akceptowano jubilerski styl zapisywania szczegółów w najdrobniejszych szczegółach, gdy obraz malowano miesiącami, a nawet latami, a następnie pieczołowicie lakierowano, to w XIX-XX wieku pojawiła się koncepcja „alla prima” - od łacińskiego „all prima vista” (1-y spojrzenie) i oznacza spontaniczne malowanie farbą impasto.
Obraz jest gotowy już po pierwszej sesji. Kolory są mieszane głównie w skali, w której wydają się świeże i świetliste. Jest to bardzo odpowiednia metoda pracy podczas malowania w plenerze.
Pastoczność objawia się w reliefie, wypukłości jasnej warstwy, w plastycznym pociągnięciu pędzla i służy podkreśleniu materialnej strony przedmiotu i nadaniu dynamiki. Obrazy są większe i bardziej informacyjne niż zdjęcia, potrafią zmysłowo oddziaływać na widza lokalnymi plamami barwnymi, bez zbędnych objaśnień i doprecyzowywania szczegółów. Od czasu do czasu, nawet z powodu braku tej specyfikacji.
Bato Dugarzhapov „Południe. Łodzie.”
Na pierwszy rzut oka przemiana pozornie przypadkowych pociągnięć i jasnych plam jest o wiele bardziej emocjonalna niż zdjęcie, a starożytny, lizany sposób oddaje ruch - grę plam słonecznych na trawie, odblasków na wodzie, kołysających się liści itp.
Niestety widz, który całkowicie oszalał na punkcie barwnej kultury, obejrzawszy dzieła alla prima, malowane zamaszystymi kreskami i paskami, nie zada sobie trudu, aby zatrzymać się i przyjrzeć się uważnie, ale wydymuje policzki i słowami „ Ja też tak mogę namalować” – ze świadomością własnej korzyści idzie dalej w poszukiwaniu lakierowanych kreacji kręconych, gdzie nie jest konieczna praca wyobraźni i empatii.
Puśćmy go, a później przyjrzymy się na przykład obrazowi „Plein Air” artysty Bato Dugarzhapova. Co widzimy na tym fascynującym obrazie?
Bato Dugarzhapov „Plener”.
Ci, którzy chcą zobaczyć, jak powstają buty bohaterów – nic. Widz, dostrojony do fali świadomości, najpierw widzi dużo światła słonecznego. Następnie widzimy przy sztalugach kilku artystów w letnich sukienkach oraz brodatego artystę w dżinsach iz pędzlami w dłoni. Potem pojawia się ciepła kamienna ściana, nad nimi oświetlona słońcem pnąca się glicynia, błękitne niebo w szczelinach liści, parapet nasypu i morze za nim. Dlatego listowie nie jest szczegółowo opisane i żyłkowane, ponieważ porusza się, kołysze, porusza się także światło, poruszają się cienie, a odbicie od morza w oddali zmienia się co minutę...
Nastrój obrazu jest absolutnie fenomenalny, po prostu emanuje światłem i pozytywnością. A jednocześnie nie da się wskazać wskaźnikiem i wyjaśnić - to jest to, a tu jest to. Wystarczy to zobaczyć, oddalając się nieco od obrazu i przyglądając mu się dość długo. Poza tym to tylko plik, sam sobie wyobrażam jak to powinno działać w oryginale!
Bato Dugarzhapov „O szkicach”.
Podobnie „pojawia się” obraz „O etiudach”. Na początku chaotyczne plamy światła słonecznego i odbicia morza. Następnie siwowłosy malarz pochylił się w stronę sztalugi. Potem - samo morze: rozwarte morze, porusza się, jest niespokojne, blask słońca od fal wręcz oślepia oczy (nie da się pojąć jak to jest zrobione), w morzu góry, kamyki i łódki, po lewej stronie znowu roślina pnąca, może winogrona.
Atmosfera gorącego poranka (a to poranek, bo jak słońce jest wysoko, morze już tak nie błyszczy, tylko błękitnieje), piękno południowego wybrzeża i zachwyt nad tym pięknem jest nie do opisania.
Bato Dugarzhapov „Wieczór południowy”
Obrazy Bato Dugarzhapova zanurzone są w niezwykłym świetlistym otoczeniu, co świadczy o najwyższej kulturze kolorowej artysty, o wąskiej świadomości koloru i relacji przestrzennych. Jego prace wyróżnia świeżość, szybki rytm linii i plam barwnych, romantyczne uniesienie i wąskie postrzeganie relacji światło-przestrzennych.
Ze szczególną łatwością, dużymi pociągnięciami, tworzy kompletny, integralny obraz natury pod względem koloru, światła i rzeczywistej dynamiki... wszystko błyszczy w promieniach słońca, nawet tam, gdzie jest cień, odbicia błyszczą, co jest szczególnie uderzające i zabawny. Swobodnie rzucone kolory układają się jeden na drugim i tworzą wielobarwną harmonię i rytm, w którym gra kolorów nabiera szczególnego znaczenia.
Bato Dugarzhapov „Jezioro Como”.
Bato Dugarzhapov urodził się w 1966 roku w Czycie. Jest absolwentem szkoły plastycznej w Tomsku oraz Metropolitalnego Miejskiego Akademickiego Instytutu Sztuki. W I. Surikow. Prace artysty znajdują się w zbiorach osobistych w Rosji, USA, Francji, Włoszech i Hiszpanii.
K. Yu Starokhamskaya
