Styl rokokowy w sztuce europejskiej XVIII wieku. Rokoko - połysk XVIII wieku

- (rokoko francuskie, od rocaille, rocaille - motyw dekoracyjny w kształcie muszli), kierunek stylu V Sztuka europejska I połowa XVIII wieku. Rokoko charakteryzuje się nastrojami hedonistycznymi, wycofaniem się w świat iluzorycznej i idyllicznej zabawy teatralnej, uzależnieniem od wątków idylliczno-pasterskich i zmysłowo-erotycznych. Rokoko, które narodziło się we Francji, w dziedzinie architektury, znalazło swoje odzwierciedlenie przede wszystkim w charakterze wystroju, który nabrał zdecydowanie eleganckich, wyrafinowanych i wyrafinowanych form; rozprzestrzeniając się w architekturze innych krajów europejskich (budowle Georga Knobelsdorffa, Balthazara Neumanna i częściowo Matthäusa Daniela Pöppelmana), rokoko często pełniło rolę lokalnej wersji późnego baroku.
Malarstwo rokokowe bogate w subtelne odcienie barwy, a jednocześnie nieco wyblakłe w kolorystyce (obrazy i murale Francois Bouchera, Giovanniego Antonio Guardiego, Nicoli Lancreta, Giovanniego Pellegriniego, Jeana Honore Fragonarda) miało charakter przeważnie dekoracyjny. Malarstwo rokokowe, ściśle powiązane z wnętrzem hotelu, rozwinięte zostało w formach dekoracyjnych i sztalugowych kameralnych. Pejzaże, motywy mitologiczne i współczesne, szarmanckie, przedstawiające życie intymne arystokracji, gatunek pasterski (sceny pasterskie), wyidealizowany portret przedstawiający modelkę na obraz bohater mitologiczny. Wizerunek osoby stracił swoje samodzielne znaczenie, postać stała się detalem zdobniczej dekoracji wnętrza.
Artystów rokokowych charakteryzowała subtelna kultura koloru, umiejętność budowania kompozycji z ciągłych plam dekoracyjnych, osiągnięcie ogólnej lekkości, podkreślanej jasną paletą, upodobanie do wyblakłych, srebrno-niebieskawych, złotych i różowych odcieni. Wraz z rozwojem malarstwa rokokowego wzrosła rola nurtu realistycznego; kwitnący portret, martwa natura, gatunek domowy, sceneria. Jednym z założycieli stylu rokoko był utalentowany malarz Antoine Watteau, który dał najdoskonalsze ucieleśnienie zasad tego stylu. Emocjonalność i melancholijna senność nadają bohaterom obrazów Watteau szczególne wyrafinowanie. Bezpośrednimi naśladowcami mistrza, który w większości przekształcił styl Watteau w wyrafinowaną i powierzchowną modę, byli artyści Nicola Lancret, Jean Baptiste Pater, Quillard i inni malarze. Francois Boucher, uczeń historycznego artysty gatunkowego Lemoine, mistrz zabawnych historii miłosnych, wielki kolorysta i rysownik, stał się największym mistrzem właściwej sztuki rocaille. Malarstwo Bouchera dyktowało prawa całej galaktyce mistrzów (Charles-Joseph Natoire, bracia Vanloo, Antoine Coypel, częściowo Elisabeth Vigée-Lebrun i inni) i wpływ ten trwał aż do Wielkiej rewolucja Francuska 1789. Do znaczących mistrzów rokoka należeli artyści o najróżniejszych talentach, cieszących się największym zainteresowaniem różne gatunki obrazy: Francois-Hubert Drouet, Louis Toque, Louis-Michel Vanloo, Maurice Quentin de Latour, Jean-Marc Nattier, Jean-Baptiste Perroneau. Ostatnim znaczącym malarzem rokoka był Jean Honore Fragonard, subtelny malarz portretowy i pejzażowy, podobnie jak Watteau, który nie mieścił się w ramach zwykłego modnego stylu.
Rzeźba rokokowa we Francji jest mniej znacząca i oryginalna niż malarstwo. Popiersia portretowe i małe grupy rzeźbiarskie lub posągi kąpiących się, nimf, amorków były szeroko rozpowszechnione w sztuce rokoko i przez cały XVIII wiek, umieszczano je w parku, dekorowano nimi altanki, salony i łaźnie. Główni rzeźbiarze rokokowi: Jean Baptiste Lemoine, Etienne Maurice Falcone, Augustin Pajou, Claude Michel Claudion. W rzeźbie rokokowej innych krajów europejskich dominowały także płaskorzeźby i posągi przeznaczone do dekoracji wnętrz, drobne figurki, w tym wykonane z terakoty i porcelany (wyroby niemieckiego rzeźbiarza, mistrza plastyczności porcelany Johanna Joachima Kändlera). Fantazyjna elegancja dekoracji, częste zapożyczanie egzotycznych motywów zdobniczych Sztuka chińska, wirtuozowska detekcja możliwości ekspresyjne materiały są nieodłącznym elementem sztuki i rzemiosła rocaille.

Rokoko („osobliwy”, „kapryśny”; francuski rokoko z rocaille - fragmenty kamieni, muszli) - kierunek stylistyczny, który dominował w sztuce europejskiej w pierwszych trzech ćwierci XVIII wieku; był nie tyle samodzielnym zjawiskiem artystycznym, ile fazą, pewnym etapem paneuropejskiego stylu barokowego. Termin „rokoko” powstał we Francji pod koniec XVIII w., w okresie rozkwitu klasycyzmu, jako pogardliwy przydomek dla wszelkiej maniery i pretensjonalności sztuki XVIII w.: zakrzywiona, kapryśna linia przypominająca zarys muszli – jej główna cecha. Sztuka rokokowa to świat fikcji i intymnych przeżyć, dekoracyjnej teatralności, wyrafinowania, wyrafinowania, nie ma w niej miejsca na heroizm i patos - zastępuje je gra miłości, fantazji, uroczych bibelotów. Ciężką i patetyczną powagę baroku zastępuje kameralny, kruchy efekt dekoracyjny. Hasłem krótkiego, krótkotrwałego „stulecia” rokoka jest „sztuka jako przyjemność”, której celem jest wzbudzenie lekkich, przyjemnych emocji, zabawianie, pieszczenie oka dziwacznym wzorem linii, wykwintne połączenia lekkiej elegancji kolory, co szczególnie znalazło wyraz w dekoracji architektonicznej wnętrz, zgodnie z nowymi wymogami, których ukształtowało się także malarstwo rokokowe.

Najczęstsza forma obraz stał się panelem dekoracyjnym, przez większą część owalne, okrągłe lub dziwnie zakrzywione; Kompozycja i rysunek opierają się na delikatnie zakrzywionej linii, co nadaje pracy pretensjonalność i elegancję obowiązkową dla tego stylu. W swoich poszukiwaniach kolorystycznych mistrzowie rocaille przeszli od Rubensa, Veronese i Wenecjan, ale woleli nie ich bogate, bogate kolory, ale blade odcienie: czerwień staje się różowa, niebieska staje się niebieska, cytrynowożółta, wyblakły niebieski, różowy, kolory liliowe, nawet fikcyjny - jak „kolor uda przestraszonej nimfy”. Jednym z założycieli stylu rokoko był utalentowany Antoine Watteau, który dał najdoskonalsze ucieleśnienie zasad tego stylu. Emocjonalność i melancholijna senność nadają bohaterom obrazów Watteau szczególne wyrafinowanie, którego nie osiągają już bezpośredni naśladowcy mistrza, który swoje motywy i maniery nadał w wyrafinowany i powierzchowny sposób (Lancret, Pater, Quillar).
Uczeń Francois Lemoine'a Francois Boucher, mistrz zabawnych historii miłosnych, znakomity kolorysta i rysownik, stał się największym mistrzem właściwej sztuki rocaille. Malarstwo Bouchera narzucało prawa całej galaktyce mistrzów (Natoire, bracia Vanlo, Antoine Coypel i in.) i wpływ ten utrzymywał się we Francji aż do rewolucji 1789 roku. Do znaczących mistrzów rokoka należeli artyści o najróżniejszych talentach, którzy zwrócili się ku najróżniejszym gatunkom malarstwa: J. M. Nattier, Drouet, Tocque, Louis-Michel Vanleau, Latour, Perroneau. Ostatnim znaczącym malarzem rokokowym był Jean Honore Fragonard, subtelny malarz portretowy i pejzażowy, podobnie jak Watteau, który nie mieścił się w granicach zwykłego modnego stylu.
Rzeźba rokokowa jest mniej znacząca i oryginalna niż malarstwo. Popiersia portretowe i małe grupy rzeźbiarskie czy posągi kąpiących się, nimf, amorków były szeroko rozpowszechnione w sztuce rokoko i przez cały XVIII wiek, umieszczano je w parku, dekorowano nimi altanki, salony, łaźnie. Główni rzeźbiarze rokokowi: J. B. Lemoine, Pigalle, Pajou, Falcone, Clodion.
Architekturę rokokową charakteryzuje to, że główna uwaga architekta skupiała się na wnętrzu. We Francji w interpretacji fasady nadal dominował klasycyzm XVII wieku. Dopiero szereg drobnych zmian złagodziło surowość obrazu architektonicznego. Detal rzeźbiarski zastosowany do dekoracji elewacji staje się bardziej wypukły, nabiera samodzielnego znaczenia, nie przestrzegając już głównych linii architektonicznych. Płaskie pilastry dużego rzędu zastąpiono wypukłymi półkolumnami, nadając ścianie bardziej malowniczy wygląd. Rokokowe plany budynków są przeważnie asymetryczne i często opierają się na pomieszczeniach okrągłych, owalnych i ośmiokątnych; unika się ostrego kąta prostego nawet pomiędzy ścianą a sufitem, a linia połączenia jest zamaskowana reliefowym ornamentem, stała płaszczyzna ściany zostaje zmiażdżona, pogłębiona, dzięki czemu pomieszczenia zyskują jeszcze bardziej elegancki, dziwaczny kształt. Ściany są pomalowane na jasne, przewiewne kolory i ozdobione malowniczymi panelami, rzeźbionymi panelami, lustrami w wyszukanych złoconych ramach. Najwięksi francuscy architekci rokoko: Robert Decotte, Gabriel, Boffrand, Oppenor, Delmer, Meissonier.
Francja była prawodawcą estetyki rokoko; kraje europejskie zostały w nierówny sposób uchwycone przez tę tendencję. Rokoko było najbardziej rozpowszechnione w Niemczech, zwłaszcza w Prusach na dworze Fryderyka II. Architekt Knobelsdorf stworzył w Poczdamie jeden z najsłynniejszych zespołów rocaille (Sans Souci). Największymi przedstawicielami rokoka w Niemczech są architekci Baltasar Neumann i Knobelsdorff, malarze Zick, Maulberch, Dietrich, rzeźbiarz Donner. W Rosji rokoko rozwinęło się pod bezpośrednim wpływem wizytujących mistrzów francuskich i niemieckich (Tokke, Roslin, Falcone); pod tym silnym wpływem w Rosji doszli do głosu tacy mistrzowie jak Rastrelli (w małych formach architektonicznych),

S.M.Daniel, znany petersburski historyk sztuki, doktor historii sztuki, profesor Uniwersytetu Europejskiego i Instytutu im. I.E.Repina Akademia Rosyjska arts, który napisał kilka znakomitych książek, w tym pierwszą rosyjską monografię poświęconą sztuce rokoko. Czy ta nazwa coś znaczy dla miłośników Internetu? Mało prawdopodobny. Te powtórki, które widzę na temat „Epoki rokoka” (u innych też) wywołują irytację swoją prymitywnością, przeinaczeniem, powtórzeniem błędu jednego z niezbyt wykształconych użytkowników. Czego możemy się dowiedzieć z tych powtarzających się materiałów na różnych stronach - wzory much, zamieszanie w historycznych fryzurach, to samo portret obrazkowy pod różne nazwy?! Zapomnieliśmy, że istnieją książki pisane przez naukowców, badaczy, profesjonalnych pedagogów, którzy poświęcili temu wiele lat. Nikogo specjalnie nie potępiam (z wyjątkiem państwa, które zapomniało, co „ Działania edukacyjne”) Chcę tylko doradzić: poszukaj dobre książki. Prawie wszystkie z nich są publikowane w internecie. Nie pogardzaj bibliotekami, w których możesz znaleźć unikalne materiały na interesujący Cię temat. Zbieraj książki dotyczące swojego zawodu. wykształcony i kompetentny profesjonalista zawsze poszukiwany. Jest autorytatywny i szanowany, jego praca jest zawsze dobrze opłacana. A co najważniejsze interesuje go życie. AAChurya.

Rocaille (fr.rocaille) Zacznijmy od tego słowa. Dawno temu we Francji nazywano dekoracje w postaci z grubsza obrobionych kamieni i muszli, którymi ozdabiano ogrodowe groty i fontanny. Już w XVI wieku mistrzami tego biznesu byli znani jako rockillerowie. Później tym słowem zaczęto oznaczać wszelkiego rodzaju formy przypominające tego rodzaju dekoracje. Stopniowo słowo nabrało specyficznego, właściwego tylko jemu pojęcia: kaprys natury, kaprys wyobraźni, coś niezwykłego, dziwacznego, pretensjonalnego. Stąd nazwa rokoko. (S.M. Daniel „Rooko. Od Watteau do Frogonarda”)

W Historia świata i historii sztuki, wiek XVIII liczy się od roku 1715, od daty śmierci Ludwik XIV. W ostatnie lata Wersal Króla Słońce, niegdyś zanurzony w luksusie i rozrywce, uspokoił się. Zamiast balów maskarady i gry karciane przed świtem urządzano już uroczyste nabożeństwa i spory religijne. Dworzanie byli ospali i znudzeni, zastygli w oczekiwaniu. Król nie żyje. Książę Filip Orleański, wujek 9-letniego następcy tronu, został władcą Francji – regentem, aż do osiągnięcia pełnoletności przyszłego Ludwika XV, człowiekiem bystrym, kontrowersyjnym, inteligentnym, cynicznym, ambitnym . Rozpoczął się nowy wiek.

Czytanie z Moliera, ok. 1728. Jana Franciszka de Troy

Styl w sztuce, który powstał we Francji w pierwszej połowie XVIII wieku, za panowania regenta Filipa Orleańskiego, częściowo kontynuuje cechy odziedziczone po baroku, ale w znacznym stopniu je modyfikuje. Styl rokokowy powstał w czasie kryzysu absolutyzmu, odzwierciedlając hedonistyczne nastroje charakterystyczne dla arystokracji, tendencję do ucieczki od rzeczywistości w iluzoryczny i idylliczny świat teatralnej zabawy. Rokoko jest wytworem wyłącznie świeckiej kultury, dworu, francuskiej arystokracji. Udało mu się jednak nie tylko odcisnąć piętno na sztuce, ale także wpłynąć na jej dalszy rozwój.

Książę Orleanu nie lubił oficjalnych ceremonii, zatłoczonych uroczystości, gardził etykietą, wolał spędzać czas z bliskimi przyjaciółmi, dużo wiedział o jedzeniu i piciu. Smak epikurejczyka (głównym zainteresowaniem epikurejczyków jest świat zmysłów, dlatego ich główną zasadą etyczną jest przyjemność) regenta ucieleśniał jasne i intymne wnętrza Palais Royal, nowej paryskiej rezydencji. Dekoracja w stylu regencji nie tyle robiła wrażenie, ile sprawiała przyjemność i zabawę. Miękkie, zachęcające meble z zaokrąglonymi narożnikami zastąpiły masywne dębowe szafki i hebanowe biurka. Nowość nowego stylu – sitodruki, stworzone intymne zakątki, a małe sofy dla dwojga zapowiadały przyjemną rozmowę, porcelanowe naczynia zachwycały oko najdelikatniejszą kolorystyką i eleganckimi kształtami. Odpowiednio umeblowano rezydencje rodzinne, jako przykłady nowego smaku: pojawiły się łazienki i toalety, owalne biura i jadalnie w stylu chińskim.

Centrum formacyjne nowa kultura XVIII wiek nie był wnętrzem frontowym pałacu, lecz salonem. Zamiast ogromnych barokowych sal ceremonialnych pojawiają się małe, eleganckie rokokowe salony. Styl rokoko nie wprowadzał do architektury żadnych nowych elementów konstrukcyjnych, lecz wykorzystywał stare, nie wstydząc się ich stosowania przez jakiekolwiek tradycje i mając na uwadze przede wszystkim osiągnięcie dekoracyjnej popisowości. Architektura rokokowa za wszelką cenę stara się być lekka, przyjazna i zabawna; nie dba o celowość form części konstrukcji, lecz rozporządza nimi według własnego uznania, na zawołanie, unikając ścisłej symetrii.

Ukryte pawilony, chińskie domy, zaciszne groty. Kameralność i przytulność rokokowego lokalu została stworzona dzięki znacznie mniejszym rozmiarom i wyjątkowemu wystrojowi. charakterystyczne cechy Rokoko to wyrafinowanie, wielkie dekoracyjne obciążenie wnętrz i kompozycji, wdzięczny rytm zdobniczy, wielka dbałość o mitologię, sytuacje erotyczne, osobisty komfort. Kolory priorytetowe w tym okresie to stonowane, pastelowe, rozbielone: ​​perłowy, srebrny, blada ochra, masa perłowa, jasnoniebieski i zielonkawy, pastelowy róż. Połączenie ażurowych form, skomplikowanej zdobnictwa i przejrzystej, jasnej kolorystyki stworzyło odświętny, prawdziwie urzekający spektakl.
Świat miniaturowych form znalazł swój główny wyraz w sztuce użytkowej - w meblach, naczyniach, brązie, porcelanie, a w architekturze przede wszystkim w charakterze dekoracji, która nabrała manierycznego, wyrafinowanego, zdecydowanie eleganckiego i skomplikowanego wyglądu. Ważna rzecz we wnętrzu nie była teraz bujna i majestatyczna, ale przyjemna i wygodna. Budynki powstałe w tym okresie z reguły mają wygląd ściśle klasyczny. Wewnątrz ściany przełamane płycinami, wnękami, bogato zdobione malowidłami, sztukaterią, złoceniami, drobnym plastikiem, tkaninami dekoracyjnymi, brązem, porcelaną, lustrami.

Większość otworów okiennych, luster i paneli dekoracyjnych nad oknami również miała kształt okrągły lub owalny. duże skupienie oddany zasłonom. Ponieważ ściany były pokryte drogimi importowanymi tkaninami, zasłony zostały wykonane z tych samych tkanin. Rokoko to styl oparty na detalu. Modnym hasłem jest „bagatelle” (francuski drobiazg, bibelot). Za Ludwika XV ściany komnat zaczęto pokrywać rzeźbionymi wzorami o niespotykanej elegancji, siecią ozdób, malowanymi girlandami z kwiatów, postaciami ptaków, zwierząt, rozbrykanymi amorkami, pasterzami i misternie zwiniętymi muszlami. Kameralny styl - bez przerażających trofeów, bez halabard, muszkietów i mieczy. Jeśli strzała - to bóg Kupidyn, jeśli ptak - gołąb, posłaniec bogini Wenus. Frywolna epoka przeglądała się z przyjemnością w lustrze odbijającym iluzję wiecznego święta. Wspaniałe lustra weneckie i francuskie zawieszano na ścianach, umieszczano na sufitach, okiennicach, komodach. Podłoga została wypolerowana na lustrzany połysk.

Sztuka XVIIIwiek. Rokoko (rocaille, styl LudwikaXV).

Wiek XVIII nazywany jest wiekiem oświecenia, wiekiem szarmanckim. Rozwój sztuki europejskiej XVIII wieku. trudne i nierówne. We Włoszech pozbawionych jedności narodowej najwyższe osiągnięcia wiążą się ze szkołą wenecką. We Francji można prześledzić ewolucję od rokoka (od 1720 r.) do sztuki o charakterze programowo-cywilnym. W sztuce, a zwłaszcza w literaturze angielskiej, ujawniają się już charakterystyczne cechy realizmu rozwiniętego społeczeństwa burżuazyjnego. Młody Goya w Hiszpanii całym swoim dziełem przygotował romantyzm nowego stulecia. W sztuce XVIII wieku. objawia się w prawdziwym sensie konkretnego zjawiska, pojedynczej osoby, izolowanego zakątka natury, ale z reguły pojawiają się w połączeniu ze światem fantazji, w sztuka teatralna, na scenie. Tylko XIX wiek Ośmieliłem się wywnioskować, że to, co szczególne, indywidualne, izolowane, jest znaczące samo w sobie i nie potrzebuje konturów.

Potężną dynamikę przestrzenną, plastyczną grę form barokowych zastępuje styl, który niejako przekłada krzywoliniową konstrukcję baroku na nowy rejestr. Pozostawiając fasady bez opieki, rokoko odgrywa ozdobne symfonie na ścianach i sufitach wnętrz, tka wzory koronek, osiągając w tej wirtuozerii wdzięk, blask, ale całkowicie tracąc barokową monumentalność, solidność i siłę. Rokoko to pierwszy styl bez porządku. Rokoko nie ma własnej, pozytywnej filozofii, a jego zakres jest ograniczony. Styl osiągnął swój największy rozwój w regionie sztuka stosowana. W innych obszarach objawia się to najsilniej tam, gdzie artysta musi rozwiązywać przede wszystkim zadania dekoracyjno-projektowe: w architekturze - nie w konstrukcji budynku, ale w planowaniu i projektowaniu wnętrz; w malarstwie - nie w malarstwie sztalugowym, ale w panelach dekoracyjnych i muralach.

Sztuka rokokowa to sztuka uśmiechnięta, melancholijna. Charakteryzuje się artystycznymi intarsjowanymi meblami we wnętrzach, dekoracyjnymi panelami, lustrami, formami ułamkowymi, skomplikowanym zdobieniem, zbudowanym na zakrzywionych liniach. Asymetryczne kompozycje wywołują poczucie niepokoju - zabawne, szydercze, artystyczne i dokuczliwe. Fabuła obrazów i murali jest miłosna, erotyczna. Bohaterkami obrazów są nimfy, Bachantki, Diana, Wenus, robiące swoje toalety i triumfy. Są to „skecze pasterskie”, „szlachetne festyny”. W tej chwili istnieje zainteresowanie subtelnymi, intymnymi przeżyciami, jest to krok w stronę sentymentalizmu.

Styl rokoko nie charakteryzuje się porządkiem w wystroju. Jednocześnie wnętrza zdobią panele i lustra. Rozety sufitowe ozdobione są ornamentami (motywy liścia akantu, muszli, fali morskiej, siatki kratowej). Czasami w ozdóbce wykorzystuje się motywy chińskie. Konstruktywna logika, wyraźna korelacja części nośnych i niesionych, która mówiła o ścisłych prawach bytu, o bohaterstwie obowiązku, ustąpiła miejsca fantazyjnym splotom ozdoby, maskującym prawdziwe wymiary i konfigurację wnętrza, granice ścian i sufitu. Małe pomieszczenia, przy zachowaniu komfortu, nie sprawiają wrażenia ciasnych, ponieważ architektura i malarstwo tworzą rodzaj przestrzeni do zabawy, której granice nie są odczuwalne. Rozpływa się w lustrach, ogromnych oknach i panelach, wielokrotnie odbija się, załamuje w malowniczych obrazach. Ozdoba stanowi jakby formę przelotową, otulającą gzymsy, lustra i okna, dzielącą i jednocześnie łączącą przestrzeń rzeczywistą i wyobrażoną. Wiąże się z tym także ulubiony efekt kolorystyczny: kolor ma charakter dekoracyjny, leży na płaszczyźnie płótna czy ściany, zdobi ją, a jednocześnie oznacza nieskończoną, nieokreśloną głębię, mglistą odległość. Gama kolorystyczna obejmuje rozbielone, stonowane odcienie: perłowo-szary (gris de perle), niebieskawy (pervanche), mięso kraba (somon), bladą ochrę (beż) i inne. Nowy styl stał się stylem biednych domów.

W XVIII wieku. specjalny rozwój otrzymał teatr. Poczucie przemijania, iluzyjności życia ogarnia człowieka.

Życie prywatne, intymne uczucia, ludzkie emocje przeciwstawione są zimnej formalności, fałszywej powadze. W Anglii powstaje portret syntetyczny, czerpiący z portretów formalnych wyraz społecznej wartości człowieka, z portretów intymnych - zainteresowanie jego indywidualnym bytem.

W malarstwie pejzażowym rozwija się „pejzaż nastrojowy”, który odegrał znaczącą rolę u Watteau, a następnie u Gainsborougha i Guardiego.

Rozwój klasycyzmu wiąże się z nazwiskiem niemieckiego estetyka Johanna Joachima Wingelmanna. Artykuł „Myśli o naśladowaniu dzieł greckich w malarstwie i rzeźbie” z 1755 r. podniósł tendencje klasyczne do poziomu programowego. Pojawiły się koncepcje „ścisłego smaku”, „smaku ideału”. W tym czasie Wingelman napisał pierwszy podręcznik historii sztuki, Historię sztuki starożytnej. Przyczynił się do ruchu ewolucyjnego w kierunku zrozumienia zjawisk sztuki.

Klasycyzm XVIII wieku postrzegany jako „lekki” klasycyzm poprzedniego stulecia. Ma większą dokładność archeologiczną niż poprzednik, więcej wdzięku, inwencji, różnorodności. Ale brakuje też masy i siły. Klasycyzm XVIII wieku odrzuca starożytne, klasyczne normy.

Niemiecka architektura XVIII wieku. rozwija się w ramach klasycyzmu. Brama Brandenburn (1781-1791) autorstwa architekta K. Langansena przypomina Propyleje Akropolu w Atenach.

W centrum uwagi znajdują się następujące kraje: Włochy, Francja, Anglia, Hiszpania.

Moda XVIII wieku to moda na młodość, luksus i beztroskę. - taka jest moda ostatnich beztroskich lat arystokracji francuskiej, a także arystokracji całej Europy. Wiek XIX przejdzie do historii jako wiek rewolucji, jednej z pierwszych, pod koniec XVIII wieku, swojej korony, a jednocześnie król francuski straci głowę.

Miniatura przedstawiająca Marię Antoninę (siedzącą po prawej stronie) i jej siostry
Maria Antonina – ostatnia królowa Francji, trendsetterka stylu rokoko

Ale aż do XVIII wieku, czasu balów i salonów. Czas sukienek z niesamowicie bufiastymi spódnicami, w takich sukienkach trudno przejść przez drzwi i jest to niewyobrażalne wysokie fryzury. Przy takich fryzurach czasami trzeba jeździć w otwartych wagonach, ponieważ dachy wagonów są małe jak na fryzury rokokowe. Przecież w tej chwili na głowie można było nosić cały statek.

Jeśli chodzi o kostiumy, moda XVIII wieku w ubiorze opierała się na trzech głównych zasadach:

Portret Ludwik XVI mąż Marii Antoniny ostatni król Francja (przed rewolucją francuską)

Pierwszą z nich jest młodość. Zarówno mężczyźni, jak i kobiety musieli wyglądać tak młodo, jak to możliwe. Mężczyźni nie nosili brody i wąsów. Pobielali i zarumienili swoje twarze. Na głowy zakładają małe, zebrane w małe ogonki lub supełki.

Kobiety maksymalnie zawężały talię gorsetami, także w tamtych czasach małe piersi uważano za piękne. Istniały nawet specjalne tabletki, które kobiety wkładały pod stanik sukienki w celu zmniejszenia piersi. Twarze pobielały i zarumieniły się, oczy i usta wyróżniały się. Podobnie jak poprzednio, podobnie jak w XVII wieku, noszono sztuczne krety.

Nawiasem mówiąc, w XVII wieku na dworze francuskim ceniono wspaniałe kobiece formy - wspaniałe piersi, zaokrąglone biodra, ale talia była wąska. Wiek XVII można nazwać czasem, w którym za standard piękna uważano dojrzałą kobietę, wiek XVIII jest odwrotnie, obecnie ideałem piękna jest młoda dziewczyna.

To samo stało się z kolorami ubrań. Jeśli w XVII wieku dominowały nasycone ciemnoniebieskie i czerwone odcienie, to w XVIII wieku zarówno stroje męskie, jak i damskie szyto z tkanin w pastelowych odcieniach. I to jest druga zasada. moda XVIII wiek - Twoje ubrania powinny być jak najbardziej delikatne: jasnozielony, biały, różowy, niebieski. Niebieski i różowy były ulubionymi kolorami stylu rokoko.

Portret Francois Bouchera - francuski artysta XVIII wiek

Trzecia zasada to jak najwięcej kokardek, wstążek i koronek. A zwłaszcza w męskim garniturze. Zarówno w XVII w., jak i w r XVIII francuski moda przybliżyła się bardziej niż kiedykolwiek wcześniej i nigdy później garnitur męski w swojej dekoracyjności, sylwetce i złożoności do kobiecości. Mężczyźni nie tylko używali makijażu, ale także nosili kokardki, koronki i pończochy.

Wyglądać jak mężczyzna w XVIII wieku oznaczało noszenie białego podkoszulka z koronkowymi mankietami, pończoch, krótkich spodni (kulotek) ozdobionych kokardkami, butów na obcasie i kokardki na palcach.

Odzież wierzchnia była pierwotnie justocorem, który przyszedł w XVIII wieku z XVII wieku. Justocor to długi kaftan męski, dopasowany do sylwetki, bez kołnierza (na nim nałożono koronkowy kołnierzyk dolnej koszuli) i z kieszeniami, ozdobiony dużą ilością guzików i przepasany szerokim paskiem.

Do justocoru zakładano białą apaszkę – prototyp współczesnego krawata. W czasach baroku, styl XVII wieku, justocor był ciemne kolory, w okresie rokoko zaczęto nosić Justocor w kolorze niebieskim, a nawet różowym.

XVIII-wieczna karykatura wysokich fryzur

Jednak surdut wkrótce zastąpił justocor. Surdut z XVIII w. jest dopasowany, rozkloszowany do bioder, z zakładkami oraz wąską linią ramion i rękawów. Płaszcz uszyto z aksamitu, satyny, jedwabiu i ozdobnych guzików.

W koniec XVIII pojawia się stulecie nowy rodzaj ubrania - frak. Pierwsze fraki szyto głównie z tkanin jedwabnych i aksamitnych różne kolory i ozdobione haftem.

Kobiety noszą również podkoszulki ozdobione koronką. Następnie gorset z fiszbinami i ramka pod spódnicą sukienki. Ramki w tym czasie są wykonane na fizhmie.

Figma - rama do spódnicy w formie wszytych talerzy z fiszbinami lub gałązek wierzby. Uważa się, że po raz pierwszy figi pojawiły się w Anglii w 1711 roku. DO połowa osiemnastej wieków pod halką zaczęto zakładać owalne figi i pojawia się skomplikowany mechanizm zawiasowy do podnoszenia spódnicy. Teraz bardzo szeroką spódnicę przechodzącą przez drzwi można zwęzić, a następnie ponownie wyprostować.

Antoine’a Watteau. dwóch kuzynów
Sukienka Watteau z zakładkami

Pojawić się Różne rodzaje sukienki. Sukienka Kuntush staje się najmodniejsza. Sukienka kuntush (lub sukienka z zakładką Watto) to sukienka wąska w ramionach z dość dużym dekoltem, jej główna cecha- szerokie fałdy („fałdy Watto”) z tyłu sukienki.

Fałdy te zostały nazwane na cześć rokokowego artysty Watteau, na którego obrazach można znaleźć wizerunki sukni kuntush. Również w tej sukience widać rękawy typowe dla sukienek rokoko - wąskie, rozszerzające się do łokci, ozdobione kaskadą bujnej koronki.

Francoisa Busha. Portret markizy de Pompadour

Szczegóły sukni markizy de Pompadour

Również w XVIII wieku pojawia się strój negliżowy. Tę sukienkę można nosić w domu. Negliż noszony był bez oprawy i sztywnego gorsetu. Z góry często zakładają karako - rodzaj kobiecego fraka lub marynarki z długimi rękawami, krótkimi połami i klapami na piersi.

Portret Marii Antoniny autorstwa jej nadwornego malarza Vigée-Lebruna

Szczegóły sukni Marii Antoniny (jeden z portretów Marii Antoniny Vigee-Lebrun)

Pod koniec XVIII wieku Anglia zaczęła wywierać coraz większy wpływ na modę Europy, w tym Francji. W XIX wieku Anglia zepchnie Francję na dalszy plan, a europejska moda XIX wieku będzie kształtować się pod wpływem mody angielskiej.

Francoisa Busha. Portret pani Bergeret

I tak z Anglii pod koniec XVIII wieku moda na strój polonezowy dotarła do Francji. Sukienka polonezowa uznawana była za strój żołnierski, choć mogła pełnić funkcję zarówno domową, jak i ceremonialną. Dół sukni polonezowej został dobrany w formie półkola tak, aby halka była widoczna spod niej.

Portret pani Oswald

Dużą rolę w stroju kobiecym w stylu rokoko odgrywały różne dodatki - wachlarze, wstążki wiązane na szyi, kapelusze, grzebienie i broszki, torebki. Na przykład torebka Pompadour otrzymała swoją nazwę na cześć ulubienicy francuskiego króla, Madame de Pompadour. Torebka pompadour to mała torebka w formie aksamitnej, materiałowej lub koronkowej torebki.

Vigée-Lebruna. Wicehrabina Vaudreuil
Dekolt sukni zakryty jest pod wpływem mody angielskiej.

Również panie w XVIII wieku mogły nosić bardzo specyficzną biżuterię, na przykład pchły. Pchły nie były wówczas rzadkością, a problemy higieniczne w pałacach istniały już od średniowiecza.

Europejscy arystokraci nie lubili się myć (a nie było warunków – w pałacach nie było łaźni) i dlatego woleli używać perfum w w dużych ilościach. Łapacze pcheł były zatem zarówno ozdobą, jak i rzeczą niezbędną z praktycznego punktu widzenia. Wyglądały jak widelec z ruchomymi antenami zębów. nosił świeckie panie czapki pcheł jako dekoracja wokół szyi.

Pierścionek podarowany przez Marię Antoninę jej córce Zofii.