Menu
domRobótki

Sztuka dziecięca: co należy przez to rozumieć? O prewencyjnej wartości twórczości artystycznej.

MELIK-PASHAEV A.A., lekarz nauki psychologiczne, główny Badacz Instytut Psychologiczny Rosyjskiej Akademii Edukacji, redaktor naczelny czasopisma Art in School, Moskwa, Rosja.

O profilaktycznym znaczeniu twórczości artystycznej

Autorka uważa twórczość za warunek i przejaw zdrowia psychicznego i duchowego człowieka oraz za normę w aksjologicznym znaczeniu tego słowa, czyli jako pełnię urzeczywistnienia rzeczywiście istniejących możliwości człowieka. Dar kreatywności jako taki jest ogólną własnością człowieka. W związku z tym twórcza deprywacja jest sprzeczna z ludzka natura i dlatego jest obarczona niebezpiecznymi konsekwencjami psychologicznymi, psychosomatycznymi i społecznymi dla dzieci. Postawiono tezę o potrzebie profilaktyki artystycznej w formie powszechnej, powszechnie dostępnej, twórczo zorientowanej edukacji artystycznej.

Słowa kluczowe: Twórczość, twórczość artystyczna, norma statystyczna i wartościowa, wewnętrzna aktywność duszy, profilaktyka sztuki.

Powszechnie panuje opinia, że ​​twórczość wiąże się z pewnymi odchyleniami od normy psychicznej. Jednak autor artykułu traktuje kreatywność właśnie jako normę, jako warunek zdrowia psychicznego, a nawet psychicznego jednostki i jako jego przejaw, ale nie chodzi tu o normę statystyczną, według której coś jest normalne, jeśli się z tym spotka. dość często w danych warunkach, lecz normę aksjologiczną, czyli „najlepsze z tego, co można osiągnąć”, całkowitą aktualizację realnie istniejących zdolności człowieka. W artykule wskazano, że szeroko rozumiany dar twórczy, rozumiany jako „wewnętrzny działalność duszy” (V.V. Zenkovsky), nie jest cechą elitarną, lecz gatunkową człowieka. Taka interpretacja twórczości opiera się na różnych źródłach: od antropologii biblijnej po psychologię humanistyczną oraz praktykę terapeutyczną i pedagogiczną. Dlatego blokowanie ta wewnętrzna energia, twórcza deprywacja, powszechna zwłaszcza w tradycyjnej edukacji szkolnej, jest sprzeczna z samą naturą człowieka i przez to może powodować niebezpieczne konsekwencje dla zdrowia psychicznego i psychosomatycznego dzieci (depresja, depersonalizacja, poczucie bezsensu życia) a także spychanie ich do tzw. „stref ryzyka” (narkomanii, alkoholizmu, przestępczości nieletnich, skłonności samobójczych).

Wskazuje się, że optymalnym sposobem zaznajomienia się wczesnych dzieci z doświadczeniem twórczym takim, jakie jest, z generowaniem i realizacją własnych pomysłów, jest twórcza produkcja w tej czy innej formie artystycznej.

Autorka przedstawia dane, które dowodzą, że właściwe uczestnictwo w twórczości artystycznej skutecznie chroni przed wieloma dewiacjami psychicznymi i złem społecznym. Deklaruje się, że obok arteterapii, z której korzystają osoby już potrzebujące pomocy terapeutycznej, należy rozwijać profilaktykę artystyczną jako powszechną, powszechnie dostępną, zorientowaną na twórczość edukację artystyczną.

Słowa kluczowe: Twórczość, twórczość artystyczna, norma statystyczna i aksjologiczna, wewnętrzna aktywność duszy, profilaktyka artystyczna

Wiele lat temu w jednym z przemówień słynnego pediatry F. Bazarnego zabrzmiała chwytliwa formuła: „człowiek jest albo kreatywny, albo chory”. Można to odebrać jako paradoks: wszak wielu ma tendencję do rozumienia kreatywności zupełnie odwrotnie, jako takie czy inne odchylenie od normy mentalnej. Nie będę teraz kwestionować ani omawiać przyczyn utrzymywania się tego uprzedzenia, ale postaram się, zgodnie z tematyką artykułu, uzasadnić rozumienie twórczości w ogóle, a twórczości artystycznej w szczególności jako warunku i przejawu zdrowia w psychologicznym, a nawet duchowym znaczeniu tego słowa.

Ale najpierw trzeba się zgodzić – nie co oczywiście „czym jest kreatywność” (to byłoby twierdzenie wygórowane!), ale co do tego, jak nazwiemy to słowo w kontekście dalszych rozważań. W końcu różni autorzy mają na myśli różne rzeczy, mówiąc o kreatywności: od rozwiązania pozwalającego spełnić pragnienia tabu po stworzenie czegoś nowego, czego nigdy wcześniej nie było. Drugi punkt widzenia jest najczęstszy i na pierwszy rzut oka nie budzi zastrzeżeń. Jednak po bliższym przyjrzeniu się psychologowi trudno uznać to za całkowicie zadowalające.

Aby uniknąć dewaluacji tego terminu, zwolennicy takiego rozumienia twórczości sami muszą zastrzec, że twórczość nie jest wytworem żadnego „nowego”, a jedynie takim, który ma obiektywne znaczenie kulturowe i społeczne. Zastrzeżenie jest niewątpliwie konieczne, ale równie oczywiste jest, że kryteria tej obiektywnej ważności są nieokreślone i zmienne.

Nieuchronnie pojawia się kolejne pytanie: wprowadzenie do życia czegoś nowego, a w dodatku „obiektywnie znaczącego”, może być zarówno konstruktywne, jak i destrukcyjne. Czy aureola wartości kojarzona z pojęciem „twórczości” pozwala zignorować tę różnicę i nazwać kreatywność jakimkolwiek przejawem ludzkiej aktywności? A może powinniśmy mówić o kreatywności ze znakiem plus i minus, o kreatywności i „antykreatywności?”

Zastanawiało się nad tym wielu myślicieli i naukowców. Dlatego Paweł Florenski uznał za niewystarczające zdefiniowanie kultury jako „ stworzone przez człowieka”, ponieważ w rzeczywistości zrównuje wielkie dzieło ludzkiego geniuszu i na przykład klucz główny złodziei: jedno i drugie należy uznać za fakt kulturowy.

Poruszając ten problem, psycholog V.N. Druzhinin proponuje rozróżnienie między adaptacyjną i transformacyjną działalnością człowieka; natomiast drugi może być zarówno twórczy, czyli twórczy, jak i dezadaptacyjny, destrukcyjny, który nie tworzy nowego środowiska, ale niszczy istniejące. Ale praktycznie niemożliwe jest oddzielenie tych dwóch aspektów przejawu ludzkiej działalności: w każdym stworzeniu nowego można dostrzec aspekt dobrowolnego lub mimowolnego zniszczenia starego. Z mojego punktu widzenia omawiane zagadnienie jest zasadniczo nierozstrzygalne w ramach pojmowania kreatywności jako „tworzenia czegoś nowego”. (Z góry wyznaję: pytania samo w sobie nie da się usunąć nawet przy rozumieniu twórczości, co postaram się poniżej uzasadnić.)

Dalej. Jeśli nie każde „tworzenie nowego” można nazwać twórczością, to nie każda twórczość jest tworzeniem obiektywnie nowego. To nie przypadek, że w psychologii pedagogicznej pojawiły się takie pojęcia, jak twórczość subiektywna, czy – w innym kontekście naukowym – quasi-badawcza aktywność ucznia. Miały one oznaczać to, co nie jest wytworem czy odkryciem czegoś nowego dla ludzkości, ale jest nim subiektywnie, dla samego dziecka. Najjaśniejszy przykład w historii nauki: nastolatek Blaise Pascal własnoręcznie odkrył na nowo szereg aksjomatów starożytnego geometrii Euklidesa. Dokonawszy tego, nie powiedział niczego, czego ludzkość by nie wiedziała, ale odkrył to, czego sam nie wiedział i, co najważniejsze, odkrył w sobie źródło twórczego geniuszu.

Reasumując: kryterium obiektywnej nowości produktu nie jest kryterium psychologicznym. Jest to uzasadnione z punktu widzenia historii sztuki, nauki czy innej sfery działalności kulturalnej. Psycholog natomiast powinien rozważyć przede wszystkim wewnętrzną stronę aktu twórczego, to, co dzieje się w duszy człowieka i ucieleśnia się w formach i wynikach tej czy innej działalności.

Nie oznacza to bynajmniej, że naukowcy nie próbują wniknąć w tę wewnętrzną sferę procesu twórczego. Istnieje wiele badań, w których empirycznie, na podstawie korelacji z osiągnięciami danej osoby w dowolnej działalności, zidentyfikowano pewne cechy psychologiczne charakterystyczne dla osoby twórczej. Takie jak na przykład „androgynia”, „tolerancja dla niepewności”, przestrzeganie rozwiązania niestandardowe, niezależność ocen i osądów (niezgodność) i tak dalej.

Interesujące są empiryczne uogólnienia dotyczące etapowania procesu twórczego (od postawienia problemu do weryfikacji rozwiązania uzyskanego w wyniku wglądu), roli świadomości i nieświadomości na tych różnych etapach i tak dalej.

Doceniając wagę takich badań, przypominam sobie jednocześnie wyrażoną przez kogoś głęboką myśl, że istnieją dwa rodzaje wiedzy: można wiedzieć „o czymś” i można wiedzieć „coś”. Wiedza pierwszego rodzaju jest zaskakująco obszerna i przydatna w ten czy inny sposób, pozostaje jednak zewnętrzna iw tym sensie powierzchowna; istota tego, co poznawalne (czy będzie to osoba, zjawisko naturalne, wydarzenie historyczne, fakt kulturowy) pozostaje dla poznającego rodzajem „rzeczy samej w sobie”, której istnienia nie może on podejrzewać.

A poznać coś znaczy poznać od wewnątrz, poprzez komunię, odsłaniając coś zarówno w przedmiocie poznania, jak i tym samym w sobie.

Z tego punktu widzenia wszystko, co zostało powiedziane powyżej, należy przypisać wiedzy pierwszego rodzaju. Są to pewnego rodzaju etykiety, identyfikujące przejawy talentu twórczego lub procesu twórczego, kojarzone z nimi raczej korelacyjnie niż znaczeniowo. Wyglądają na wystarczająco przekonujące, aby je wziąć pod uwagę, ale nie sądzę, że pomagają zrozumieć siłę stojącą za kreatywnością i jej sens egzystencjalny dla samej osoby.

Aby spróbować spojrzeć na problem twórczości od wewnątrz, należy przede wszystkim ustalić, jak rozumiemy istotę człowieka. Rzeczywiście, u podstaw każdej koncepcji psychologicznej, niezależnie od tego, jak racjonalnie może ona wyglądać, można znaleźć aksjomatyczne, logicznie nie do udowodnienia i eksperymentalnie nieweryfikowalne, ale rzekome wyobrażenie o tym, czym, a raczej kim jest Człowiek. Albo, jak mawiano w przeszłości, „kim jesteśmy, skąd jesteśmy i dokąd zmierzamy?”. Reprezentacja ta z góry określa wektor, możliwości i granice możliwości tego kierunku badań. Może nie zostać zrealizowany przez samego autora, naśladując coś oczywistego i jedynego możliwego, lub można na nim polegać świadomie i odpowiedzialnie.

Wyjdziemy z faktu, że człowiek jest z natury twórcą. Jak powiedziano, pierwotny aksjomat nie podlega dowodowi, ale różnorodne źródła świadczą o jego prawdziwości.

  • Antropologia biblijna i patrystyczna: człowiek jest nie tylko stworzony, ale ożywiony duchem twórczym i na tym właśnie polega jego podobieństwo do Stwórcy.
  • Psychologia humanistyczna, która widzi zadanie człowieka i gwarancję zdrowia jednostki i społeczeństwa w samorealizacji, czyli w pełnym ujawnieniu potencjału człowieka.
  • Współczesna psychoterapia (w szczególności różnorodne gałęzie arteterapii) i jej kierunek jako twórcza terapia wyrażania siebie: twórczość w różnych jej postaciach daje siłę do życia i przywraca zdrowie.
  • Najlepsza Praktyka Nauczania różne rodzaje sztuki (być może i nie tylko sztuki): w sprzyjających warunkach psychologicznych i pedagogicznych, prawie wszyscy studenci szkoły ogólnokształcące przejdź do poziomu kreatywności:
    - Tworzenie pełnoprawnych obrazów artystycznych. W pedagogice rosyjskiej przykładem jest nauczanie sztuk pięknych według systemu B.M. Niemenski, literatura
    – zdaniem Z.N. Nowlyanskaya i G.N. Kudina, wiele praktyk teatralnych i pedagogicznych itp. (Powyższe nie oznacza równości dzieci w ten szacunek, ale to już inne pytanie.)

Ogólne uzasadnienie psychologiczne tezy o twórczy charakter W fundamentalnym dziele odnajduję osobę wybitnego naukowca, a później także nauczyciela, teologa i duchownego V.V. Zenkovsky’ego, opublikowane ponad sto lat temu. W pracy tej Autorka pokazuje, że wbrew pozorom życie wewnętrzne człowieka nie podlega logice przyczynowej; kierują nim nie pewne obiektywne, niezależne czynniki, na które człowiek reaguje i do których się dostosowuje, ale jego wrodzona wewnętrzna aktywność, czyli wewnętrzna energia duszy, która działa teleologicznie, selektywnie przekształcając materię wszelkich obiektywnych wpływów i wrażeń .

Ta wewnętrzna energia charakteryzuje osobę jako istotę twórczą, która, jak mówi wielki kaznodzieja naszych czasów, metropolita Antoni z Suroza, potrzebuje „żyć od środka”, a nie tylko reagować na wpływy zewnętrzne.

Podkreślam: nie mówimy o osobie wybitni ludzie, ale o osobie jako takiej, w ogólne znaczenie słowa. Innymi słowy, kreatywność, twórcza samorealizacja jest normą istota ludzka. Twierdzeniu temu wydają się beznadziejnie zaprzeczać dane z badań testowych, które łącznie ograniczają liczbę „ludzi kreatywnych” do niewielkiego odsetka całej próby. Nie będę teraz omawiać zasadności zastosowanych metod ani kryteriów oceny wyników tych badań. Bardziej fundamentalne jest pytanie, co jest uważane za normalne.

Zwykle normę rozumie się statystycznie, gdy najprościej mówiąc za normalne uważa się to, co zdarza się dość często w rzeczywistych warunkach. Wychodzę jednak z zasadniczo innego, opartego na wartościach rozumienia normy, gdy za normalne uznaje się najwyższą możliwą, pełnię możliwości danej osoby. (W związku z tym, co zostało powiedziane, przypominam sobie powyższe dane dot osiągnięcia twórcze„zwykłe” dzieci w odpowiednich warunkach psychologicznych i pedagogicznych).

Rozumienie twórczej samorealizacji jako normy życia człowieka ostro nasuwa pytanie, co dzieje się z nami, zwłaszcza z dziećmi, gdy manifestacja energia wewnętrzna dusz, jak to często ma miejsce w tradycyjnych szkołach. Wspomniany na początku artykułu V. Bazarny twierdzi, że bez inspiracji twórczych dzieci znajdują się w okowach opresyjnych, wręcz nieznośnych doświadczeń pustki, bezsensu życia i nieznośnej plastyczności czasu. Rozwój tej sytuacji jest możliwy w dwóch kierunkach, jeden gorszy od drugiego. Pierwszą można porównać do śmierci pędów trawy zwiniętych pod asfalt i nie mających siły, by go rozbić. Konsekwencją tego jest brak sensu życia, poczucie nierzeczywistości siebie w świecie, depersonalizacja, depresja, tendencje samobójcze.

Obraz drugiego kierunku to wrzący, szczelnie zamknięty czajnik, który w pewnym momencie eksploduje. Konsekwencje - zachowania dewiacyjne, przestępcze, autodestrukcyjne, tzw. przestępstwa bez motywacji, „kompleks Herostratusa”, który nie znajduje innego sposobu, aby udowodnić, że żył na ziemi, jak zniszczyć to, co stworzyli inni. Biorąc to wszystko pod uwagę, można zmodyfikować podany na początku artykułu aforyzm V. Bazarnego i powiedzieć: osoba pozbawiona kreatywności jest albo potencjalnym pacjentem, albo potencjalnym przestępcą.

Mówiąc o twórczości jako koniecznej i uzdrawiającej formie ludzkiej egzystencji, mam na myśli oczywiście nie tylko twórczość artystyczną. Jak zostało powiedziane wielki filozof ALE. Lossky'ego potencjał twórczy tkwiący w człowieku ma początkowo „nadjakość”, czyli charakter uniwersalny. To nie przypadek, że wspomniana przez nas metoda twórczej terapii wyrażania siebie, opracowana i z sukcesem praktykowana przez M.E. Stormy'ego i jego zwolenników rozciąga się na niemal wszystkie sfery naszej aktywności, komunikacji i wypoczynku, w każdej z których możliwa jest aktualizacja „wewnętrznej energii duszy”.

Ale w dzieciństwie sztuka ma niezaprzeczalny priorytet, jako obszar, w którym dziecko może wcześnie i najskuteczniej zdobywać doświadczenie kreatywności jako takiej: generowania, ucieleśniania i prezentacji własnych pomysłów. Na czym opiera się to twierdzenie?

Powiedzieliśmy to już w korzystne warunki poznanie w większym lub mniejszym stopniu potencjału artystycznego i twórczego niższy stopień, objawia się u prawie wszystkich dzieci. Dodajmy do tego, że w żadnym innym rejonie nie ma dziecka w wieku przedszkolnym i młodszym wiek szkolny nie tworzy niczego, co można by uznać za wartościowe, a nawet stara się częściowo zaadoptować do elity zawodowej, jak to dzieje się w sztuce od ponad stu lat. I nie chodzi o to, że dzieci są postrzegane jako przyszli profesjonaliści, którzy wniosą do tego coś wartościowego kultura artystyczna ludzkości – może to po prostu nieprawda – ale w tym, że to, co tworzą, reprezentuje już niewątpliwą, choć naznaczoną wiekową oryginalnością, wartość artystyczną.

Z tą oryginalnością wiąże się kolejny argument przemawiający za priorytetem sztuki we wczesnym twórczym rozwoju dzieci. Osiągnięcia małe (ale wciąż bliższe adolescencja) dzieci w każdej dziedzinie nauki przyciąga fakt, że wyprzedzają swój wiek i myślą w zasadzie w taki sam sposób, jak dorośli naukowcy. Nie ma „nauki dziecięcej”, ale sztuka dziecięca istnieje i osoba mająca choć trochę doświadczenia pedagogicznego z wystarczającą dokładnością określi wiek autora rysunku lub kompozycji. (Przekonujący przykład: każdy powie, że autor genialnego czterowiersza dla dzieci „Niech zawsze świeci słońce!” ma około czterech lat.)

To połączenie pełnoprawnego kunsztu i oryginalności wieku mówi, z mojego punktu widzenia, o maksymalnej „przyjazności dla środowiska” tego rodzaju twórczości dla małych dzieci.

Powyższe pozwala stwierdzić, że wczesne wprowadzenie w doświadczenia artystyczne i twórcze jest warunkiem wręcz niezbędnym i najlepszym środkiem wychowania zamożnych psychicznie, moralnie i społecznie pokoleń. I istnieje wiele potwierdzeń tego.

Arteterapia jako rozgałęziona dziedzina korekcji zaburzeń psychicznych jest zbyt dobrze poznana, aby po raz kolejny potwierdzić jej znaczenie. Warto jednak wspomnieć o faktach wykraczających poza utarte wyobrażenia o jego możliwościach.

Wszyscy zgodzą się, że śpiew chóralny jest rzeczą pożyteczną zarówno z fizycznego, jak i mentalnego, psychologicznego punktu widzenia. Ale istnieją na przykład dowody na to, że w jednej z chińskich kolonii komisarz policji zaczął leczyć narkomanię regularnym śpiewem chóralnym. I uzyskał wynik 10 razy wyższy od tego, jaki osiągnięto w specjalnych placówkach za pomocą środków farmakologicznych i specjalnych psychotechnik, i faktycznie zbliżał się do stu procent. Wymaga to oczywiście sprawdzenia w innych warunkach, ale podkreślę słowo wymaga.

A oto dowody ze sfery karnej. Wybitny nauczyciel V.V. Suchomlinski napisał: „Im poważniejsza zbrodnia, tym więcej w niej nieludzkości, okrucieństwa, głupoty, tym gorsze intelektualne, estetyczne i moralne interesy rodziny”. I dalej: „Żaden ze sprawców zbrodni nie potrafił wymienić ani jednego dzieła muzyki symfonicznej, operowej czy kameralnej”. Ale tutaj odgaduje się również odwrotną zależność, co potwierdzają dane naukowe. W naszych czasach amerykański naukowiec M. Gardiner badał doświadczenia życiowe tysięcy młodych ludzi zarejestrowanych na policji. I nabrał przekonania, że ​​im aktywniej nastolatek zajmuje się muzyką, tym mniejsze jest ryzyko, że będzie miał konflikty z prawem, a na tych, którzy potrafią grać z kartki, nikt nie zwrócił uwagi policji. Autorka dochodzi do wniosku, że poważne lekcje muzyki prowadzone przez dziecko „całkowicie wykluczają doświadczenie kryminalne”

Inicjatywa wenezuelskiego muzyka i osoby publicznej J.A. Abreu, która angażuje dzieci od drugiego roku życia w lekcje muzyki – nie w poszukiwaniu maniaków, ale w imię adaptacja społeczna miliony dzieci z najbardziej defaworyzowanych grup społecznych i nazywa ten ruch programem zbawienia narodowego.

Można podać przykłady równie korzystnego wpływu teatru i innych rodzajów twórczości artystycznej, ale to, co zostało powiedziane, wystarczy, aby w skrócie wrócić do idei wyrażonej w tytule artykułu.

Kiedy dziecko osiągnęło stan wyczerpania nerwowego, straciło sen, popadło w depresję lub, nie daj Boże, myślało o samobójstwie, czyli gdy jest już chore, zwracamy się do arteterapii i przyciągamy do pomocy siły sztuki i twórczości artystycznej. Ale czy warto czekać na kłopoty? Dlaczego nie zaangażować się w arttrofilaksję, która wymaga jedynie tego, co – wydawałoby się – powinno już istnieć w szkole: powszechnej, powszechnie dostępnej, pełnoprawnej, twórczo zorientowanej edukacji artystycznej?

Co więcej, jak widzimy, może zapobiegać nie tylko problemom psychologicznym o różnym nasileniu, ale także chronić dorastające dziecko przed wpadnięciem w kręgi autodestrukcyjnego i przestępczego piekła, które słusznie nazywamy „strefami ryzyka”. Bo nie postępuje bezowocnymi i okrutnymi zakazami, ograniczeniami i karami (pamiętajcie o zalutowanym imbryku!), ale od dzieciństwa otwiera pozytywne, społecznie akceptowane wyjście z zamkniętej „wewnętrznej energii duszy” dorastającego człowieka.

Bo pozwala poczuć się autorem naprawdę obecnym na tym świecie, mającym prawo go twórczo zmieniać, ale też biorącym na siebie autorską odpowiedzialność za to, co swobodnie, z własnej inicjatywy, tworzy. Wszystko to napełnia codzienne życie człowieka znaczeniem i sprawia, że ​​w oczywisty sposób nieciekawe i nieatrakcyjne jest wszystko, co może je tylko zniszczyć.

O niezastąpionej roli edukacji plastycznej i twórczości w kształtowaniu osobowości dziecka, a co za tym idzie, w życiu społeczeństwa, można powiedzieć dużo więcej, a wielokrotnie już powiedziano. To tak ważny dla dzieci rozwój sfery sensorycznej, który w warunkach jednostronnie zracjonalizowanego wychowania pozostaje niedoceniony. Jest to rozwój duchowej wrażliwości i zaznajomienie się z trwałymi wartościami ludzkości, bez których jakąkolwiek wiedzę i „kompetencje” można łatwo obrócić w krzywdę. Jest to wzrost ogólnych zdolności umysłowych, aktywności intelektualnej i bardziej pomyślny rozwój innych dyscyplin szkolnych, który obserwuje się w każdym instytucja edukacyjna gdzie sztuka ma należne sobie miejsce. Jednak wieloletnie doświadczenie pokazuje, że z powodów trudnych do wyjaśnienia, tak jest znane fakty nie prowadzą do zmiany polityki kulturalnej i edukacyjnej państwa, która uparcie utrzymuje sztukę na marginesie edukacji powszechnej i w istocie coraz bardziej ją redukuje do zera.

Ale edukacja plastyczna niesie ze sobą także możliwości, których nie można przeoczyć i to na nie zwracam uwagę. Wprowadzenie do sztuki jest potężnym środkiem zapobiegania wielu katastrofom społecznym i zaburzenia psychiczne, którego rozwój wśród nowych pokoleń stanowi ogromne zagrożenie dla kultury narodowej, a w dającej się przewidzieć przyszłości dla samego istnienia społeczeństwa, ludu i państwa.

Lista wykorzystanych źródeł:

  1. Florensky PA Z dziedzictwa teologicznego. / Dzieła teologiczne. Wydanie 9. M.: Wydanie Patriarchatu Moskiewskiego, 1972. s. 85-248.
  2. Druzhinin VN Psychodiagnostyka zdolności ogólnych. M.: Akademia, 1996, 216 S.
  3. Maslow A. Dalekie granice ludzkiej psychiki. Petersburg: Eurazja, 1997.
  4. Praktyczny przewodnik po terapii kreatywnej ekspresji. wyd. JA. Burzliwy. M.: Projekt naukowy OPPP, 2002.
  5. Zenkovsky V.V. Problem przyczynowości psychicznej. Kijów, 1914.
  6. Slobodchikov V.V. Teoria i diagnostyka rozwoju w antropologii psychologicznej. // Psychologia uczenia się, 2014, nr 1, s. 3-14.
  7. Bazarny V.F. Zmęczenie neuropsychiczne uczniów w tradycyjnym środowisku szkolnym. - Sergiev Posad.: Min. opr. RF, 1995.
  8. Bazarny V.F. Wywiad. „Rosja Radziecka”, 23.10.2004.
  9. Sukhomlinsky V.V. Wybrane dzieła pedagogiczne. Tom 1. 1979.
  10. Kirnarskaya D.K. Zdolności muzyczne. - M.: Talenty-XX wiek, 2004

TRANSLITERACJA ZASOBÓW:

  1. Florenskiy PA Z bogoslovskogo naslediya. / Bogoslovskie trudyi. Vyip.9. iVf: Izdanie Moskovskoy patriarhii, 1972. str. 85-248.
  2. Druzhinin V.N. Psychodiagnostika obschih sposóbnostey. Moskwa: Akademia, 1996, 216 S.
  3. Maslou A. Dalnie predelyi chelovecheskoy psihiki. SPb.: Evraziya, 1997.
  4. Prakticheskoe rukovodstvo po terapii tvorcheskim samcrvyirazheniem. Pod czerwonym. JA. Burno. M.: Projekt Akademiczeski OPPP, 2002.
  5. Zenkovskiy V.V. Problem psihicheskoy prichinnosti. Kijów, 1914.
  6. Słobodckikow V.V. Teoriya i diagnostika razvitiya w psihologicheskoy antropologii. // Psychologia obucheniya, 2014, #1, s. 2014 3-14.
  7. Bazarnyiy V.F. Nervno-psihicheskoe utomlenie uchaschihsya v traditsionnoy shkolnoy srede. - Siergijew Posad.: Min.obr.RF", 1995.
  8. Bazarnyiy V.F. Wywiad. „Sowiecka Rosja”, 23.10.2004.
  9. Suhomlinskiy V.V. Izbrannyie pedagogicheskie sochineniya. Tomek 1.1979.
  10. Kirnarskaya D.K. Muzyikalnyie sposobynosti. - M.; Talantyi-HH Vek, 2004.

Melik-Paszajew, A.A. O profilaktycznym znaczeniu twórczości artystycznej / A.A. Melik-Pashaev // Numer tematyczny „Międzynarodowa lektura psychologiczno-pedagogiczna Chełpaniwskiej”, - K.: Gnoza, 2016. - 354 s. - T. 3. - VIP. 36. - S. 20-28. - 0,8 p.l. – ISBN 978-966-2760-34-7.

KREATYWNOŚĆ ARTYSTYCZNA - proces tworzenia nowych wartości estetycznych twórczości artystycznej jest elementem wszelkiego rodzaju społecznej i przemysłowej działalności człowieka, jednak w pełnej swej jakości znajduje wyraz w tworzeniu i wykonywaniu dzieł sztuki. Ideologiczną i estetyczną orientację twórczości wyznacza pozycja klasowa artysty, jego światopogląd i ideał estetyczny.

Twórczość w sztuce to innowacja zarówno w treści, jak i w formie dzieł sztuki. Zdolność do produktywnego myślenia jest z pewnością obowiązkowym znakiem talentu. Ale innowacja nie jest celem samym w sobie. Kreatywność jest konieczna, aby produkt działalności estetycznej miał zarówno nowość, jak i znaczenie społeczne; tak, aby jego powstanie i sposób wykorzystania odpowiadały interesom klas zaawansowanych i przyczyniały się do postępu społeczno-kulturowego. W przeciwieństwie do estetyki formalistycznej, która postrzega twórczość głównie jako konstruowanie nowych form i struktur, estetyka marksistowska wychodzi z faktu, że heurystyczna praca w sztuce charakteryzuje się tworzeniem nowych wartości społecznych w ramach takich struktur.

Twórczość artystyczna jest nierozerwalnie związana z rozwojem dziedzictwo kulturowe, z których artysta spontanicznie lub świadomie wybiera tradycje, które mają postępowe znaczenie i odpowiadają jego indywidualności. Twórczość z jednej strony polega na przyjmowaniu i rozwijaniu pewnych tradycji, z drugiej strony na odrzuceniu niektórych z nich, ich przezwyciężeniu. Proces twórczy jest dialektyczną jednością kreacji i negacji. Najważniejszą rzeczą w tej jedności jest stworzenie. Głoszenie destrukcji samo w sobie, charakterystyczne dla wielu teoretyków dekadencji i modernizmu, zamienia się w pseudoinnowację wykrwawiającą potencjał twórczy artysty. Aby móc iść do przodu w sztuce, nie powtarzając nikogo, trzeba dobrze znać dorobek swoich poprzedników.

W ujęciu społeczno-epistemologicznym twórczość jest figuratywnym odzwierciedleniem obiektywnego świata, jego nowej wizji i rozumienia przez artystę. Jest także aktualizacją osobowości artysty, jego doświadczenia życiowego. Autoekspresja, mająca charakter subiektywny, nie sprzeciwia się celowi, lecz jest formą jego odzwierciedlenia w dzieło sztuki. W tym wypadku owa autoekspresja okazuje się jednocześnie wyrazem idei powszechnie obowiązujących, popularnych i klasowych.

Wolność wyobraźni, fantazji i intuicji, szerokość światopoglądu, chęć wszechstronnej wiedzy o bycie są niezbędnymi składnikami kreatywności. Jednocześnie artysta potrzebuje także powściągliwości w wyborze i interpretacji materii życiowej, koncentracji i selektywności uwagi, ścisłej dyscypliny umysłu i serca. Holistyczne obraz artystyczny, w którym powstaje proces twórczy, rodzi się dopiero wtedy, gdy artysta potrafi dostrzec i głęboko zrozumieć naturalne i typowe sytuacje życiowe oraz fakty z własnej biografii. W tym charakterze twórczość artystyczna pełni funkcję twórczości według „praw piękna” (K. Marks).

Kształtowanie osobowości twórczej jest jednym z ważnych zadań teorii i praktyki pedagogicznej obecnego etapu. Jego rozwiązywanie należy rozpocząć już w dzieciństwie w wieku przedszkolnym. Najbardziej skutecznym sposobem jest aktywność wizualna dzieci w placówce przedszkolnej.

W procesie rysowania, modelowania, aplikacji dziecko doświadcza różnorodnych uczuć: raduje się piękny obraz, który sam stworzył, denerwuje się, jeśli coś nie wychodzi. Ale najważniejsze: tworząc obraz, dziecko zdobywa różnorodną wiedzę; jego poglądy na temat środowiska ulegają wyjaśnieniu i pogłębieniu; w trakcie pracy zaczyna rozumieć cechy przedmiotów, zapamiętywać je cechy i szczegółów, aby opanować drobne umiejętności i zdolności, uczy się z nich świadomie korzystać. Nawet Arystoteles zauważył: rysunek przyczynia się do wszechstronnego rozwoju dziecka. Pisali o tym wybitni nauczyciele przeszłości - Ya. A. Komensky, I. G. Pestalozzi, F. Froebel - i wielu krajowych badaczy. Ich prace świadczą o tym, że rysunek i inne rodzaje działalności artystycznej tworzą podstawę pełnoprawnej, znaczącej komunikacji między dziećmi i dorosłymi; pełnią funkcję terapeutyczną, odwracając uwagę dzieci od smutnych, smutnych wydarzeń, łagodzą napięcie nerwowe, lęki, powodują radosny, dobry nastrój, zapewniają pozytywny stan emocjonalny. Dlatego tak ważne jest szerokie włączenie proces pedagogiczny różnorodne działania artystyczne i twórcze. Tutaj każde dziecko może wyrazić siebie najpełniej, bez presji ze strony osoby dorosłej.

Kierowanie działalnością wizualną wymaga od wychowawcy wiedzy, czym jest kreatywność w ogóle, a zwłaszcza dziecięcej, znajomości jej specyfiki, umiejętności subtelnego, taktownego wspierania inicjatywy i samodzielności dziecka, przyczyniania się do nabywania niezbędnych umiejętności i umiejętności i rozwój potencjału twórczego. Znany badacz A. Lilov tak wyraził swoje rozumienie twórczości: „... twórczość ma swoje ogólne, jakościowo nowe cechy i cechy, które ją definiują, z których część została już dość przekonująco ujawniona przez teorię. Te ogólne regularne momenty są następujące:
Kreatywność jest zjawiskiem społecznym
- jego głęboka istota społeczna polega na tym, że tworzy społecznie potrzebne i społecznie użyteczne wartości, zaspokaja potrzeby społeczne, a zwłaszcza na tym, że jest najwyższą koncentracją przemieniającej roli świadomego podmiotu społecznego (klasa, ludzie, społeczeństwo) w jego interakcji z obiektywną rzeczywistością.”

Inny badacz, V. G. Zlotnikov, zwraca uwagę: twórczość artystyczna charakteryzuje ciągłą jedność poznania i wyobraźni, działania praktycznego i procesów umysłowych, jest specyficzną działalnością duchową i praktyczną, której efektem jest szczególny produkt materialny – dzieło sztuki.

Co to reprezentuje Sztuki piękne dziecko wiek przedszkolny? Nauczyciele domowi i psychologowie uważają kreatywność za tworzenie przez człowieka rzeczy obiektywnie i subiektywnie nowych. Jest to subiektywna nowość, będąca efektem twórczej aktywności dzieci w wieku przedszkolnym i wczesnoszkolnym. Rysując, wycinając i wklejając, przedszkolak tworzy dla siebie subiektywnie nową rzecz. Wytwór jego twórczości nie ma uniwersalnej nowości i wartości. Ale jego subiektywna wartość jest znacząca.

Aktywność wizualna dzieci, jako prototyp aktywności dorosłych, zawiera w sobie społeczno-historyczne doświadczenie pokoleń. Wiadomo, że doświadczenie to zostało wdrożone i zmaterializowane w narzędziach i produktach działania, a także w metodach działania wypracowanych przez praktykę społeczno-historyczną. Dziecko nie może nauczyć się tego doświadczenia bez pomocy osoby dorosłej. To dorosły jest nosicielem tego doświadczenia i jego przekaźnikiem. Przyswajając to doświadczenie, dziecko się rozwija. Jednocześnie sama aktywność wizualna, jako typowo dziecięca, obejmująca rysowanie, modelowanie i aplikacje, przyczynia się do wszechstronnego rozwoju dziecka.

Jak znani krajowi naukowcy definiują kreatywność dzieci? Jak określa się jego znaczenie dla kształtowania się osobowości dziecka?

Nauczyciel V.N. Shatskaya uważa: w warunkach ogólnych edukacja estetyczna Twórczość artystyczna dzieci jest raczej uważana za metodę najdoskonalszego opanowania pewnego rodzaju sztuką i kształtowaniem rozwiniętej estetycznie osobowości niż tworzeniem obiektywnych wartości artystycznych.

Badacz twórczości dziecięcej E.A. Flerina ocenia je jako świadome odbicie przez dziecko otaczającej rzeczywistości w rysunku, modelowaniu, konstruowaniu, refleksję zbudowaną na pracy wyobraźni, ukazywania własnych obserwacji, a także wrażeń odbieranych poprzez słowo, obraz i inne formy przekazu. sztuka. Dziecko nie kopiuje biernie otoczenia, ale przerabia je w związku ze zgromadzonymi doświadczeniami, postawą wobec przedstawianego.

A. A. Volkova stwierdza: „Wychowanie kreatywności ma wszechstronny i złożony wpływ na dziecko. Umysł (wiedza, myślenie, wyobraźnia), charakter (odwaga, wytrwałość), uczucia (miłość do piękna, pasja do obrazu, myśl) biorą udział w twórczej działalności dorosłych.Musimy kształcić te same aspekty osobowości u dziecka, aby skuteczniej rozwijać w nim kreatywność.Aby wzbogacić umysł dziecka różnymi pomysłami, pewna wiedza oznacza zapewnienie obfitego pożywienia dla kreatywności. Nauczyć patrzeć uważnie, być spostrzegawczym, oznacza wyjaśniać i kompletować pomysły. Dzięki temu dzieci będą mogły żywoj odtwarzać to, co widzą w swojej pracy. "

I. Ya. Lerner w następujący sposób definiuje cechy aktywności twórczej dziecka:
samodzielne przeniesienie zdobytej wcześniej wiedzy do nowej sytuacji;
wizja nowej funkcji obiektu (obiektu);
wizja problemu w standardowej sytuacji;
wizja struktury obiektu;
umiejętność alternatywnych rozwiązań;
łączenie znanych dotychczas metod działania z nowymi.

I. Tak. Lerner argumentuje: kreatywności można się nauczyć, ale to nauczanie jest szczególne, to nie to samo, czego zwykle uczy się wiedzy i umiejętności.

O słuszności tego pomysłu przekonaliśmy się we własnej praktyce. Zauważmy jednak: samodzielne przeniesienie zdobytej wcześniej wiedzy do nowej sytuacji (cecha pierwsza według Lernera) u dzieci może objawiać się, jeśli nauczą się postrzegać przedmioty, przedmioty rzeczywistości, nauczą się rozróżniać swoje formy, włączając w tym procesie ruch obu rąk wzdłuż konturu obiektu. (Innymi słowy, okrążając przedmiot, oglądając go, rysujemy - ołówkami, pędzlem, pisakami.) Tylko wtedy dzieci będą mogły samodzielnie posługiwać się tą metodą, tylko wtedy stopniowo nabędą umiejętności dowolność przedstawiania dowolnych obiektów, nawet tych, które nie mają wyraźnie ustalonego kształtu, np. chmur, kałuż, pływających kry, niestopionego śniegu.

Druga cecha według Lernera – wizja nowej funkcji przedmiotu (obiektu) – objawia się wtedy, gdy dziecko zaczyna posługiwać się przedmiotami zastępczymi, np. zamienia wycięte wąskie i szerokie paski na części przedmiotów lub przedmiotów; bawi się łyżkami, wyobrażając sobie, że gra w orkiestrze. Ta umiejętność wyodrębniania w procesie percepcji formy, części, które tworzymy u dzieci, prowadzi je do wizji struktury przedmiotu, opanowania sposobów jej transmisji w rysunku, modelowaniu i aplikacji. Dlatego zalecamy, aby na zajęciach kreatywnych uwzględnić w planie pracy temat „Nauczać, jak tworzyć wizerunki zwierząt, których kształt i struktura są opanowane”.

Zapoznanie dzieci z dziełami sztuki ( sztuka, literatura, muzyka), wprowadzamy je tym samym w świat standardów piękna, czyli m.in. wcielamy w życie te cele i zadania, o których mowa powyżej - w celu zrozumienia wyrazistości środków i rozwiązanie obrazowe, różnorodność kolorystyczna i konstrukcja kompozycyjna. Znając na przykład tajniki malarstwa Dymkowa, dziecko niewątpliwie z nich korzysta, tworząc wizerunki bajecznych zwierząt, ptaków; rozumie cechy ukazanych, zapamiętanych charakterystycznych cech.

Co charakteryzuje kreatywność? B. M. Teplov pisze w tym względzie: „Głównym warunkiem, jaki należy zapewnić w twórczości dzieci, jest szczerość. Bez niej wszystkie inne cnoty tracą znaczenie”.

Warunek ten spełnia oczywiście twórczość, „która rodzi się w dziecku samodzielnie, wypływając z potrzeby wewnętrznej, bez jakiejkolwiek świadomej stymulacji pedagogicznej”. Ale systematyczna praca pedagogiczna, zdaniem naukowca, nie może opierać się wyłącznie na samodzielnie rozwijającej się kreatywności, czego nie obserwuje się u wielu dzieci, choć te same dzieci, dzięki zorganizowanemu zaangażowaniu w działalność artystyczną, czasami wykazują wybitne zdolności twórcze.

Rodzi się zatem problem pedagogiczny – poszukiwanie takich bodźców do twórczości, które wzbudziłyby w dziecku autentyczną, skuteczną chęć „komponowania”. Taką zachętę znalazł Lew Tołstoj. Rozpoczynając naukę dzieci chłopskich, wielki pisarz rosyjski zrozumiał już, jak ważne jest zadanie „rozwijania kreatywności dzieci”; jako jedno z możliwych rozwiązań zaproponował dzieciom wspólne kompozycje (patrz artykuł „Kto od kogo powinien uczyć się pisać?”). Na czym zatem polega, według Lwa Tołstoja, istota włączania dzieci w twórczość artystyczną? Pokaż nie tylko produkt, ale także sam proces twórczy, pisanie, rysowanie itp. aby zobaczyć na własne oczy, jak „to się robi”. Następnie, jak pisze E. I. Ignatiew, krajowy badacz psychologii twórczości dziecięcej, dziecko „od prostego wyliczenia poszczególnych szczegółów na rysunku przechodzi do dokładnego przeniesienia cech przedstawianego przedmiotu. Jednocześnie rola słowa w aktywność wizualna, słowo coraz częściej nabiera znaczenia regulatora, który kieruje procesem obrazu, kontroluje metody i metody obrazu.

W procesie rysowania, modelowania dziecko doświadcza różnorodnych uczuć; jak już zauważyliśmy, cieszy się pięknym obrazem, denerwuje się, jeśli coś nie wychodzi, stara się osiągnąć satysfakcjonujący wynik lub odwrotnie, gubi się, poddaje się, odmawia nauki (w tym przypadku wrażliwy, uważny potrzebna jest postawa nauczyciela, jego pomoc). Pracując nad obrazem zdobywa wiedzę, doprecyzowuje i pogłębia swoje wyobrażenia o środowisku. Dziecko nie tylko nabywa nowe dla niego umiejętności i zdolności wzrokowe, poszerzając swoje możliwości twórcze, ale także uczy się z nich świadomie korzystać. Bardzo istotny czynnik z punktu widzenia rozwoju psychicznego. Przecież każde dziecko, tworząc obraz przedmiotu, przekazuje fabułę, uwzględnia swoje uczucia, rozumie, jak powinien wyglądać. Na tym polega istota twórczości plastycznej dzieci, która objawia się nie tylko wtedy, gdy dziecko samodzielnie wymyśla temat swojego rysunku, modelowania, zastosowania, ale także wtedy, gdy tworzy obraz zgodnie z instrukcjami nauczyciela, ustalając kompozycję, roztwór koloru i inne środki wyrazu, tworzenie ciekawych dodatków itp.
Analiza przepisów dotyczących twórczości dzieci znanych krajowych naukowców - G. V. Latunskaya, V. S. Kuzin, P. P. Pidkasistoy, I. Ya. Lerner, N. P. Sakulina, B. M. Teplov, E. A. Flerina - oraz nasze wieloletnie badania pozwalają nam sformułować jego roboczą definicję. Pod twórczością artystyczną dzieci w wieku przedszkolnym rozumiemy stworzenie subiektywnie nowego (istotnego przede wszystkim dla dziecka) produktu (rysunek, modelowanie, opowiadanie, taniec, piosenka, gra); kreacja (wynalazek) do znanych wcześniej niewykorzystanych szczegółów, które w nowy sposób charakteryzują powstały obraz (na rysunku, w historii itp.), różne wersje obrazu, sytuacje, ruchy, jego początek, koniec, nowe działania, cechy charakterystyczne bohaterowie itp. P.; wykorzystanie wyuczonych wcześniej sposobów przedstawiania lub środków wyrazu w nowej sytuacji (do przedstawiania obiektów o znajomym kształcie - na podstawie opanowania mimiki, gestów, zmian głosu itp.); wykazywać inicjatywę we wszystkim.

Przez kreatywność rozumiemy sam proces tworzenia obrazów bajki, historii, gier dramatyzacyjnych w rysowaniu itp., poszukiwanie sposobów, sposobów rozwiązania problemu, wizualnego, zabawnego, muzycznego, w procesie działania .

Z naszego rozumienia twórczości artystycznej oczywiste jest, że aby rozwijać kreatywność, dzieci potrzebują określonej wiedzy, umiejętności i zdolności, metod działania, których same bez pomocy dorosłych nie są w stanie opanować. Innymi słowy: mówimy o celowym uczeniu się, rozwijaniu bogatego doświadczenia artystycznego.

U dziecka (grupy młodsze) kreatywność w tworzeniu obrazu może objawiać się zmianą wielkości obiektów. Pozwólcie, że wyjaśnię ten pomysł: lekcja w toku, dzieci rzeźbią jabłka, a jeśli ktoś po wykonaniu zadania zdecyduje się na mniejsze lub większe jabłko, albo inny kolor (żółty, zielony), dla niego jest to już decyzja twórcza. Przejaw kreatywności młodsze przedszkolaki- to kilka dodatków do modelowania, rysowania, powiedzmy, kij - ogonek.

W miarę doskonalenia umiejętności (już w starszych grupach) twórcze rozwiązanie staje się coraz bardziej skomplikowane. Na rysunkach pojawiają się modele, aplikacje fantastyczne obrazy, bohaterowie baśni, pałace, magiczna przyroda, przestrzeń kosmiczna z latającymi statkami, a nawet astronauci pracujący na orbicie. I w tej sytuacji pozytywne nastawienie nauczyciela do inicjatywy i kreatywności dziecka jest ważną zachętą do rozwoju jego kreatywności. Nauczyciel zauważa i zachęca do twórczych odkryć dzieci, otwiera wystawę twórczości dzieci w grupie, w holu, holu, opracowuje placówkę z prac uczniów.

W twórczości dziecka należy wyróżnić trzy główne etapy, z których każdy z kolei może być szczegółowy i wymaga określonych metod i technik kierowania ze strony nauczyciela.

Pierwszym z nich jest pojawienie się, rozwój, świadomość i projekt idei. Temat nadchodzącego obrazu może określić samo dziecko lub zaproponować nauczyciel (o jego konkretnej decyzji decyduje tylko samo dziecko). Jak młodsze dziecko, tym bardziej sytuacyjny i niestabilny jest jego zamiar. Z naszych badań wynika, że ​​początkowo trzyletnie dzieci potrafią zrealizować swoje plany jedynie w 30–40 proc. przypadków. Reszta w zasadzie zmienia pomysł i z reguły nazywa to, co chce narysować, a następnie tworzy coś zupełnie innego. Czasami pomysł zmienia się kilka razy. Dopiero pod koniec roku, a nawet wtedy, pod warunkiem systematycznego prowadzenia zajęć (w 70-80 proc. przypadków), pomysł i realizacja dzieci zaczynają się pokrywać. Jaki jest powód? Z jednej strony sytuacyjny charakter myślenia dziecka: początkowo chciał narysować jeden przedmiot, nagle w jego polu widzenia pojawia się inny, który wydaje mu się ciekawszy. Z kolei dziecko, nazywając przedmiot obrazu, mając wciąż bardzo małe doświadczenie w działaniu, nie zawsze koreluje to, co zostało pomyślane, ze swoimi możliwościami obrazkowymi. Dlatego biorąc ołówek lub pędzel do ręki i zdając sobie sprawę ze swojej niemożności, porzuca pierwotny plan. Im starsze dzieci, im bogatsze jest ich doświadczenie w aktywności wizualnej, tym stabilniejsza staje się ich koncepcja.

Drugi etap to proces tworzenia wizerunku. Temat zadania nie tylko nie pozbawia dziecka możliwości wykazania się kreatywnością, ale także ukierunkowuje jego wyobraźnię, oczywiście jeśli nauczyciel nie reguluje decyzji. Zdecydowanie większe możliwości otwierają się wtedy, gdy dziecko tworzy obraz według własnego planu, gdy nauczyciel wyznacza jedynie kierunek wyboru tematu, treści obrazu. Zajęcia na tym etapie wymagają od dziecka opanowania metod obrazowania, wyraziste środki, specyficzne dla rysunku, rzeźbienia, aplikacji.

Trzeci etap – analiza wyników – jest ściśle powiązany z dwoma poprzednimi – stanowi ich logiczną kontynuację i uzupełnienie. Oglądanie i analiza tego, co stworzyły dzieci, odbywa się przy ich maksymalnej aktywności, co pozwala pełniej zrozumieć wynik. własne działania. Na zakończenie lekcji wszystko, co stworzone przez dzieci, zostaje wyeksponowane na specjalnym stojaku, tj. każde dziecko ma okazję zapoznać się z pracą całej grupy, zaznaczyć i uzasadnić swój wybór te, które najbardziej mu się podobały. Taktowne, prowadzące pytania nauczyciela pozwolą dzieciom zobaczyć twórcze znaleziska swoich towarzyszy, oryginalne i wyraziste rozwiązanie tematu.
Szczegółowa analiza rysunków, modeli lub aplikacji dzieci jest opcjonalna na każdej lekcji. Zależy to od funkcji i przeznaczenia wygenerowane obrazy. Ale oto, co jest ważne: dyskusję na temat pracy, ich analizę nauczyciel prowadzi za każdym razem w nowy sposób. Tak więc, jeśli dzieci zrobiły ozdoby świąteczne, to pod koniec lekcji wszystkie zabawki zostaną zawieszone na futrzanej piękności. Jeśli został stworzony kompozycja zbiorowa, a następnie pod koniec pracy nauczyciel zwraca uwagę forma ogólna zdjęcia i zachęca do zastanowienia się, czy panoramę można uzupełnić, wzbogacić, a przez to ciekawszą. Jeśli dzieci ozdobiły sukienkę lalki, to wszystko najlepsza praca„pojawić się w sklepie”, aby lalka lub kilka lalek mogło „wybrać” to, co im się podoba.

Eksperci wyróżniają trzy grupy środków, których celem jest podniesienie poziomu edukacji estetycznej: sztuka we wszystkich postaciach, otaczające życie, w tym przyroda, działalność artystyczna i twórcza. Dzięki tym połączonym środkom dziecko aktywnie uczestniczy w doświadczaniu twórczej aktywności dorosłych. Jednakże efektywne przywództwo jest to możliwe, pod warunkiem, że nauczyciel zna i uwzględnia procesy psychiczne leżące u podstaw kreatywności dzieci i, co najważniejsze, systematycznie je rozwija.

O jakich procesach psychicznych mówimy? Spośród wszystkich środków edukacji estetycznej, wszystkich rodzajów działalności artystycznej, wyróżniamy grupy ogólne które stanowią podstawę kreatywności.

1. Postrzeganie przedmiotów i zjawisk rzeczywistości oraz ich właściwości, które ma różnice indywidualne. Wiadomo, że w swoich rysunkach, modelach, aplikacjach dzieci odzwierciedlają wrażenia otrzymane z otaczającego je świata. Więc uformowali się różnorodne doświadczenia o tym świecie. Idee dotyczące przedmiotów i zjawisk powstają na podstawie ich percepcji. Dlatego najważniejszym warunkiem kreatywności jest rozwój percepcji dziecka (wzrokowej, dotykowej, kinestetycznej), aby wykształcić różnorodne doznania zmysłowe.

Jak prowadzić edukację, aby dzieci posiadały niezbędną wiedzę i pomysły? Psychologowie zauważają: synkretyzm, fuzja i brak wyrazistości obrazów percepcji są charakterystyczne dla dzieci w wieku przedszkolnym. Aby zobrazować przedmiot lub zjawisko, dziecko musi przedstawić wszystkie jego podstawowe właściwości i przekazać je w taki sposób, aby obraz był rozpoznawalny. Dla małego artysty jest to bardzo ważne.

Nauczyciel w sposób celowy kształtuje wiedzę i wyobrażenia o środowisku. Są to zarówno specjalne obserwacje, jak i badanie tematu podczas zabaw dydaktycznych. Nauczyciel kieruje percepcję dziecka na określone właściwości i cechy przedmiotów (zjawiska). W końcu nie wszystkie przedszkolaki przychodzą przedszkole, posiadający bogate doświadczenie w postrzeganiu otoczenia - figuratywnego, estetycznie kolorowego, pozytywnego emocjonalnie. Dla większości ogranicza się ona do fragmentacji, jednostronności, a często po prostu biedy. Aby rozwinąć percepcję estetyczną u dzieci, nauczyciel musi sam posiadać zdolność widzenia estetycznego. Nawet V. A. Sukhomlinsky podkreślał: „Nie można być nauczycielem bez opanowania subtelnej emocjonalnej i estetycznej wizji świata”.

Dzieci nie powinny tylko patrzeć na przedmiot, rozpoznawać i podkreślać jego właściwości: kształt, strukturę, kolor itp. Powinny dostrzegać jego walory artystyczne, które mają zostać przedstawione. Nie każdy jest w stanie samodzielnie określić piękno przedmiotu. Nauczyciel je pokazuje. W przeciwnym razie pojęcie „piękne” nie nabierze w oczach ucznia określonego znaczenia, pozostanie formalne. Ale aby zrozumiał, jak piękny ten lub inny przedmiot, to czy tamto zjawisko, sam nauczyciel, powtarzamy, musi czuć, widzieć piękno życia. Stale rozwija tę cechę w sobie i dzieciach.

Jak to zrobić? Dzień po dniu obserwuj z dziećmi zjawiska natury - jak pęcznieją pąki na drzewach, krzewach, jak stopniowo kwitną, pokrywając drzewo liśćmi. I jak różnorodne są szare chmury niesione wiatrem, jak szybko zmienia się ich kształt, położenie, kolor! Zwróć uwagę na piękno ruchu chmur, zmianę ich kształtu. Zobacz jak pięknie niebo i otaczające go obiekty rozświetlają promienie zachodzącego słońca.

Takie obserwacje można prowadzić na różnych obiektach. Umiejętność kontemplacji piękna, cieszenia się nim jest bardzo ważna dla rozwoju kreatywności dzieci. Nie bez powodu w Japonii, gdzie kultura percepcji estetycznej jest tak wysoka, nauczyciele rozwijają u dzieci umiejętność obserwacji, słuchania, zaglądania w otoczenie – wychwytywania różnicy w szumie deszczu, widzenia i słyszenia jak ciężkie krople głośno uderzają w szybę, jak radośnie opadający nagle letni „grzyb” dźwięczy „deszczem”.

Obiekty do obserwacji odnajdywane są codziennie. Ich celem jest poszerzanie wyobrażeń dzieci na temat świata, jego zmienności i piękna. Język rosyjski jest tak bogaty w epitety, porównania, metafory, wersety poetyckie! Kiedyś zwrócił na to uwagę N. P. Sakulina.

L. S. Wygotski, mówiąc o roli szkolenia, podkreślał, że szkolenie prowadzi do rozwoju. Jednocześnie zwracał uwagę na to, że: „Edukacja może dać więcej w rozwoju niż to, co zawiera się w jej bezpośrednich rezultatach. Przeniesiona na jeden punkt w sferze myśli dziecka, modyfikuje i odbudowuje wiele innych punktów. Może mieć odległe, ale nie tylko bezpośrednie skutki.

To właśnie taki długotrwały efekt, o którym możemy mówić w kontekście kształtowania się przedstawień figuratywnych u dzieci w procesie nauczania aktywności wzrokowej. To stwierdzenie nie jest przypadkowe. Dowodem na to są prace E. A. Bugrimenko, A. L. Vengera, K. N. Polivanowej, E. Yu. Sutkowej, których tematem jest przygotowanie dzieci do szkoły, diagnoza rozwoju umysłowego i jego korekta. Autorzy zauważają: „Niewystarczający poziom rozwoju przedstawień figuratywnych jest jedną z częstszych przyczyn trudności w nauce nie tylko w szóstym roku życia, ale także znacznie później (aż do klas starszych). Jednocześnie okres ich najintensywniejsza formacja przypada na wiek przedszkolny i początek szkoły podstawowej. Dlatego też, jeśli dziecko rozpoczynające naukę w szkole ma problemy, należy je jak najszybciej „rekompensować” zajęciami wzrokowo-konstruktywnymi – w wolnym czasie powinno zachęcać do rysowania , modelowanie, aplikacja i konstrukcja.”

Charakteryzując myślenie dziecka, psychologowie zwykle wyróżniają etapy: wizualno-efektywny, wizualno-figuratywny, logiczny. Wizualno-figuratywna opiera się na reprezentacjach wizualnych i ich transformacji jako środka rozwiązywania problemu psychicznego. Wiadomo, że wejście w nowy etap myślenia nie oznacza eliminacji jego poprzedniego etapu. Jest zachowany w dziecku, pomaga w rozwoju myślenia Nowa scena, stanowi podstawę do kształtowania różnorodnych działań i umiejętności. Co więcej, eksperci uważają, że ta forma myślenia jest konieczna nie tylko dla kreatywności dzieci, ale także dla kreatywności osoby wykonującej dowolny zawód. Dlatego tak ważne jest rozwijanie myślenia figuratywnego, a także wyobraźni, pozytywnego nastawienia emocjonalnego, opanowania sposobów przedstawiania, wyrazistych środków rysunku, modelowania i aplikacji.

Czasopismo " Edukacja przedszkolna" № 2, 2005

Napisz esej na podstawie przeczytanego tekstu.

Sformułuj jeden z problemów postawionych przez autora tekstu.

Skomentuj sformułowany problem. Umieść w komentarzu dwa przykłady ilustracji z przeczytanego tekstu, które Twoim zdaniem są istotne dla zrozumienia problemu w tekście źródłowym (unikaj nadmiernego cytowania). Wyjaśnij znaczenie każdego przykładu i wskaż związek semantyczny między nimi.

Objętość eseju wynosi co najmniej 150 słów.

Praca napisana bez oparcia się na przeczytanym tekście (a nie na tym tekście) nie podlega ocenie. Jeżeli esej jest parafrazą lub całkowitym przepisaniem tekstu źródłowego bez żadnych komentarzy, wówczas praca taka jest oceniana na 0 punktów.

Napisz esej starannie, czytelnym pismem.


(1) Z mojego punktu widzenia twórczość artystyczna to nie tylko sposób wyrażania siebie. (2) Czasami może stać się zbawienną słomką, której człowiek może przejść przez wiele ciężka próba i przetrwać. (3) A oto jeden z uderzających przykładów.

(4) Niesamowita kobieta, artystka-amatorka Evfrosinya Antonovna Kersnovskaya spędziła wiele lat w stalinowskim obozie, po czym zaczęła od początku szkicować całe swoje życie: swoje dzieciństwo w Besarabii, jak została aresztowana w Rumunii, jak została zesłana na Syberię. (5) Przez wiele lat przedstawiała życie, detale i komentowała swoje rysunki.

(6) Oto, co pisze do swojej matki:

(7) „Rysowałem je dla Ciebie, myśląc o Tobie... (8) Zacząłem rysować tam, w Norylsku, zaraz po wyjściu z obozu. (9) Nadal nie było ani materaca, ani prześcieradła, nie było nawet rogu. (10) Ale marzyłem już o narysowaniu czegoś pięknego, przypominającego przeszłość - przeszłość tamtą

był z Tobą nierozerwalnie związany, kochanie! (11) I jedyne, co przyszło mi do głowy, to narysować…”

(12) A teraz Euphrosyne tworzy na zdjęciach historię swojego życia, wszystkich swoich nieszczęść, aby uwolnić się od trudnych wspomnień, które otaczały ją po wyjściu z dwunastoletniego piekła. (13) Rysowała tym, czym musiała: kredkami, długopisem, czasem zabarwiała akwarelami.

(14) A te nieskomplikowane, ale tak szczegółowe, prawdziwe rysunki zadziwiają swoją przekonywalnością i wewnętrzną swobodą. (15) W latach 60-tych ubiegłego wieku skomponowała i narysowała przez nią aż dwanaście zeszytów ogólnych. (16) W 1991 roku ukazały się one jako osobna książka zatytułowana „Malowanie naskalne”. (17) I do dziś, patrząc na te rysunki, które narodziły się tak dawno temu, gdzieś w głębi duszy czuję, jak bardzo sztuka pomogła przetrwać temu niesamowitemu artyście i po prostu szlachetnej kobiecie.

(18) Oto inna historia. (19) Również artysta Borys Swiesznikow przez długi czas był w niewoli. (20) Jego albumy powstawały bezpośrednio tam, w niewoli, ale nie dotyczyły obozu, nie życia, jakie wówczas prowadził – były fantastyczne. (21) Przedstawiał jakąś fikcyjną rzeczywistość i niezwykłe miasta. (22) Cienkim piórkiem, najcieńszą, niemal przezroczystą srebrną kreską stworzył w swoich albumach równoległe, niezwykle tajemnicze, ekscytujące życie. (23) A później te albumy stały się dowodem na to, że jego wewnętrzny świat, fantazja, twórczość uratowały mu życie w tym obozie. (24) Przeżył dzięki kreatywności.

(25) Inny niezwykły artysta, Michaił Sokołow, współczesny Swiesznikowowi, więziony za ekstrawagancki wygląd, także próbował szukać w swojej twórczości wolności i zbawienia. (26) Rysował kredkami, a czasami końcówkami ołówków, małe obrazki o wymiarach trzy na trzy centymetry lub pięć na pięć centymetrów i chował pod poduszką.

(27) A te małe fantastyczne rysunki Sokołowa, moim zdaniem, są w pewnym sensie wspanialsze niż niektóre ogromne obrazy namalowane przez innego artystę w jasnej i wygodnej pracowni.

(28) Jak widać, możesz przedstawić rzeczywistość lub fantazję. (29) W obu przypadkach to, co przenosisz z głowy, z duszy, z serca, z pamięci na papier, uwalnia cię, uwalnia, nawet jeśli wokół są więzienne kraty. (30) Dlatego rola sztuki jest naprawdę wielka. (31) I nie ma znaczenia, co i jak to zrobisz: kreatywność nie zna granic, nie wymaga specjalnych narzędzi. (32) Ona, szczera i prawdomówna, po prostu żyje w człowieku, szuka wyjścia i zawsze jest gotowa bezinteresownie mu pomóc.

(wg L.A. Tiszkowa*)

*Leonid Aleksandrowicz Tiszkow (ur. 1953) to rosyjski rysownik, zajmuje się także grafiką książkową.

Wyjaśnienie.

Przykładowy zakres zagadnień:

1. Problem znaczenia twórczości artystycznej w życiu samego artysty. (Jaka jest korzyść z zbawiającej mocy twórczości artystycznej? Czy twórczość artystyczna może pomóc człowiekowi przetrwać, ocalić człowieka?)

2. Problem zrozumienia takiego zjawiska. jako dzieło sztuki. (Co to jest twórczość artystyczna? Czy istnieją granice kreatywności? Gdzie rodzi się twórczość artystyczna?)

3. Problem realności i fantastyki w sztuce. (Na czym powinna opierać się twórczość artystyczna: rzeczywistość czy fantazja?)

1. Twórczość artystyczna to nie tylko sposób wyrażania siebie, może przynieść ogromne korzyści: duchowo uwalnia człowieka, nawet jeśli przebywa w więzieniu. pomaga pozbyć się złych wspomnień. pokonać trudności, zanurza człowieka w inną rzeczywistość.

2. Na tym polega kreatywność artystyczna. co człowiek przenosi z głowy, z duszy, z serca na papier. Kreatywność nie zna granic, nie wymaga specjalnych narzędzi. Prawdziwa kreatywność może narodzić się zarówno w jasnym warsztacie artysty, jak i na maleńkiej kartce papieru.

3. Dla twórczości artystycznej nie ma znaczenia, czy dana osoba przedstawia rzeczywistość, czy fantazję. Pozostaje twórczy. Wielka moc co jest naprawdę nieograniczone.

ZASTOSOWANIE skład:

Czy kreatywność naprawdę pomaga człowiekowi przejść przez wiele trudnych prób i przetrwać? To właśnie to pytanie znajduje się w centrum uwagi rosyjskiego rysownika Leonida Aleksandrowicza Tiszkowa.

odkrywczy ten problem autorka omawia, jak ważną rolę może odegrać kreatywność w życiu każdego z nas. Aby przekonać o tym czytelnika, podaje uderzające przykłady tego, jak umiejętność zwrócenia się ku sztuce w najtrudniejszych momentach życia wpłynęła na ... Co zaskakujące, nawet w stalinowskich obozach, w więzieniu, w tajemnicy przed innymi, nasi bohaterowie napisali „coś pięknego, przypominającego przeszłość… fikcyjną rzeczywistość i niezwykłe miasta”. To nie przypadek, że autor tak trafnie opisuje wszystko, co łączyło bohaterów ze sztuką i pomagało im przetrwać:..... To właśnie te drobne szczegóły pozwoliły nam zrozumieć: „nieważne, co i jak to robisz ”, bo kreatywność nie wymaga specjalnych narzędzi i nie zna granic.

Stanowisko autora nie budzi wątpliwości. LA Tishkov jest przekonany, że rola sztuki jest naprawdę wielka. Artysta dochodzi do wniosku, że miłość do twórczości „żyje w człowieku”, że sztuka „jest gotowa mu bezinteresownie pomóc”.

Trudno nie zgodzić się ze stanowiskiem autora. Nie mogę nazwać siebie osobą kreatywną, ale nawet gdy jest mi smutno w domu, przy pianinie jest mi łatwiej. Sztuka jest oczywiście w stanie oczyścić duszę człowieka i zachować go jako osobę.

Chciałbym uzasadnić swój punkt widzenia, odwołując się do epickiej powieści Lwa Tołstoja „Wojna i pokój”. Na przykładzie Nikołaja Rostowa jesteśmy przekonani, że niezależnie od tego, jak beznadziejna może być sytuacja, istnieje siła, która może pomóc człowiekowi. Tak stało się z bohaterem Tołstoja, który stracił czterdzieści trzy tysiące. Czytasz refleksje bohatera i to rozumiesz jedyne wyjście z hańby, którą widzi Nikołaj Rostow - „kula w czoło”. Trudno sobie wyobrazić, jak wyglądałoby życie młody hrabia, gdyby nie śpiew Nataszy, który usłyszał. I Dołochow, pieniądze, spór i złośliwość – wszystko to schodzi na dalszy plan, pozostaje prawdziwa – czysta i wysoka – sztuka.

Twórczość Michaiła Bułhakowa „Mistrz i Małgorzata” pomaga zrozumieć, jak wielka jest rola kreatywności. Skupiono się na autorze powieści o Poncjuszu Piłacie. Z rozmowy Mistrza z sąsiadem profesora Strawińskiego w klinice dowiadujemy się o najszczęśliwszym okresie w życiu bohatera, który sam nazwał „złotym wiekiem”. Pacjent pamięta, jak pisał rozdział po rozdziale książkę, czytał ją swojej ukochanej Margaricie i wierzył, że całe jego życie jest w tej powieści. Bohater przyznaje, że pod koniec książki jego życie straciło sens. Historia napisana przez M. Bułhakowa nie pozostawia wątpliwości, że kreatywność może kształtować człowieka, być znaczeniem jego życia.

L.N. Tołstoj, M.A. Bułhakow, L.A. Tishkin pomagają czytelnikowi uświadomić sobie, że zwracając się do kreatywności, sztuka pozwala przemyśleć wszystko, co dzieje się wokół, aby przetrwać w trudnych chwilach.

Tekst LA. Tiszkow

(1) Z mojego punktu widzenia twórczość artystyczna to nie tylko sposób wyrażania siebie. (2) Czasami może stać się zbawienną słomką, dzięki której człowiek może przejść wiele trudnych prób i przeżyć. (3) A oto jeden z uderzających przykładów.
(4) Niesamowita kobieta, artystka-amatorka Evfrosinya Antonovna Kersnovskaya spędziła wiele lat w stalinowskim obozie, po czym zaczęła od początku szkicować całe swoje życie: swoje dzieciństwo w Besarabii, jak została aresztowana w Rumunii, jak została zesłana na Syberię. (5) Przez wiele lat przedstawiała życie, detale i komentowała swoje rysunki.
(6) Oto, co pisze do swojej matki:
(7) „Rysowałem je dla Ciebie, myśląc o Tobie... (8) Zacząłem rysować tam, w Norylsku, zaraz po wyjściu z obozu. (9) Nadal nie było ani materaca, ani prześcieradła, nie było nawet rogu. (10) Ale marzyłem już o narysowaniu czegoś pięknego, przypominającego przeszłość - przeszłość, która była nierozerwalnie związana z tobą, moja droga! (11) I jedyne, co przyszło mi do głowy, to narysować…”
(12) A teraz Euphrosyne tworzy na zdjęciach historię swojego życia, wszystkich swoich nieszczęść, aby uwolnić się od trudnych wspomnień, które otaczały ją po wyjściu z dwunastoletniego piekła. (13) Rysowała tym, czym musiała: kredkami, długopisem, czasem zabarwiała akwarelami.
(14) A te nieskomplikowane, ale tak szczegółowe, prawdziwe rysunki zadziwiają swoją przekonywalnością i wewnętrzną swobodą. (15) W latach 60-tych ubiegłego wieku skomponowała i narysowała przez nią aż dwanaście zeszytów ogólnych. (16) W 1991 roku ukazały się one jako osobna książka zatytułowana „Malowanie naskalne”. (17) I do dziś, patrząc na te rysunki, które narodziły się tak dawno temu, gdzieś w głębi duszy czuję, jak bardzo sztuka pomogła przetrwać temu niesamowitemu artyście i po prostu szlachetnej kobiecie.
(18) Oto inna historia. (19) Artysta Borys Swiesznikow również był długo więziony. (20) Jego albumy powstawały bezpośrednio tam, w niewoli, ale nie dotyczyły obozu, nie życia, jakie wówczas prowadził – były fantastyczne. (21) Przedstawiał jakąś fikcyjną rzeczywistość i niezwykłe miasta. (22) Cienkim piórkiem, najcieńszą, niemal przezroczystą srebrną kreską stworzył w swoich albumach równoległe, niezwykle tajemnicze, ekscytujące życie. (23) A później te albumy stały się dowodem na to, że jego wewnętrzny świat, fantazja, twórczość uratowały mu życie w tym obozie. (24) Przeżył dzięki kreatywności.
(25) Inny niezwykły artysta, Michaił Sokołow, współczesny Swiesznikowowi, więziony za ekstrawagancki wygląd, także próbował szukać w swojej twórczości wolności i zbawienia. (26) Rysował kredkami, a czasami końcówkami ołówków, małe obrazki o wymiarach trzy na trzy centymetry lub pięć na pięć centymetrów i chował pod poduszką.
(27) A te małe fantastyczne rysunki Sokołowa, moim zdaniem, są w pewnym sensie wspanialsze niż niektóre ogromne obrazy namalowane przez innego artystę w jasnej i wygodnej pracowni.
(28) Jak widzisz, możesz przedstawić rzeczywistość lub możesz przedstawić fantazję. (29) W obu przypadkach to, co przenosisz z głowy, z duszy, z serca, z pamięci na papier, uwalnia cię, uwalnia, nawet jeśli wokół są więzienne kraty. (30) Dlatego rola sztuki jest naprawdę wielka. (31) I nie ma znaczenia, co i jak to zrobisz: kreatywność nie zna granic, nie wymaga specjalnych narzędzi. (32) Ona, szczera i prawdomówna, po prostu żyje w człowieku, szuka wyjścia i zawsze jest gotowa bezinteresownie mu pomóc.

(wg L.A. Tiszkowa*)