Praca nad ujawnieniem obrazu artystycznego w pracach. „Praca nad artystycznym wizerunkiem dzieła muzycznego
Kształcenie dodatkowe kwiecień-maj 2018
Praca nad wizerunkiem artystycznym w dziełach fortepianowych
Erokhovets Olga Wiktorowna,
nauczyciel dodatkowa edukacja
stowarzyszenia interesów „Piano”
Państwowa Instytucja Edukacyjna „Słuckie Centrum Twórczości Dziecięcej”
Rozwój metodologiczny zajęcia
TEMAT: „Praca nad wizerunkiem artystycznym w utworach fortepianowych.”
Cel: odsłonić i wyrazić w wykonaniu figuratywną treść dzieła muzycznego.
Zadania:
edukacyjny
· popracuj nad ekspresją język muzyczny, pokonywanie trudności wykonawczych.
· doskonalić w przenośni - umiejętności artystyczne i techniczne wykonania.
rozwijający się
· opracować analityczno-syntetyczne procesy działania uczniów, aby stworzyć wyjściowy obraz zabawy.
· rozwijać figuratywną sferę percepcji dzieła muzycznego;
· rozwijać umiejętności praktycznego wykorzystania zdobytej wiedzy.
edukacyjny S
· kultywuj gust muzyczny.
· kształtowanie poczucia celu i chęci samodoskonalenia
Wiek ucznia: 12-14 lat.
Sprzęt: fortepian, ilustracje reprodukcji, biblioteka muzyczna, komputer.
Postęp lekcji:
1. Moment organizacyjny
Cześć chłopaki.
Jak sprawy w szkole?
Jaki miałeś nastrój, kiedy przyszedłeś na zajęcia?
Temat naszej lekcji: „Praca nad obrazem artystycznym w utworach fortepianowych”.
2. Część główna
Chłopaki, spójrzmy na reprodukcje obrazów I. Lewitana „Jesień”, „ Wczesna wiosna”, „Wiosna”, „Jezioro”, V. Vasnetsov „Bogatyrs” (załącznik 1). Obraz przedstawia różne pory roku. Jaką porę roku namalował artysta? Jakich kolorów użył do przedstawienia słonecznego wiosennego dnia, a jakich do zobrazowania złej jesiennej pogody? Jak artysta V. Vasnetsov przekazał nastrój bohaterów. Jak widać, za pomocą jasne odcienie artysta przedstawił kolorami słoneczny wiosenny dzień i odcienie szarości malował obrazy jesieni. Ale w obrazie V. Vasnetsova „Bogatyrs” artysta przedstawił nastrój ludzi. Widzimy, jak skoncentrowany jest Ilya Muromets, zmarszczył brwi, a Alosza Popowicz patrzy w dal, nawet przykładając rękę do oczu, aby słońce nie przeszkadzało w dostrzeżeniu czegoś ważnego w oddali.
Muzyka także oddaje nastrój, maluje w naszej wyobraźni obrazy natury, a nawet niektórych zdarzeń, wystarczy tylko wsłuchać się w dźwięki. Kompozytorzy „kolorują” swoje dzieła środkami wyrazu muzycznego. Posłuchajmy utworu muzycznego E. Griega „Poranek” (słuchanie nagrania audio). Jak można tak scharakteryzować obraz dźwięki muzyczne E. Grieg przedstawił, jaki obraz artysta malował dźwiękami; Jakimi środkami muzycznymi posłużył się kompozytor, aby oddać nastrój poranka? (wolne tempo, skalę główną, melodyjna melodia, dynamiczne odcienie). Posłuchajcie teraz utworu R. Korsakowa „Lot trzmiela” (słuchanie nagrania audio). Ta sztuka to akcja. Jak myślisz, dlaczego? Jak kompozytor przekazał dźwiękami brzęczenie trzmiela; Dlaczego pod koniec przedstawienia wydaje się, że trzmiel odleciał? Jakich środków wyrazu muzycznego użył R. Korsakow, przedstawiając lot trzmiela? ( szybkie tempo, wykonanie na skrzypcach, ich barwa, dotyk staccato, koniec utworu fortepian ). Można stwierdzić, że kompozytorzy tworząc utwór muzyczny posługują się środkami wyrazu muzycznego. Wymieńmy je. (tempo, uderzenia, odcienie dynamiczne, melodia, tryby durowy i molowy).
Teraz będziemy pracować nad ćwiczeniem. Nasze ćwiczenie rozwijające technikę akordową. Trudność polega na szerokim rozmieszczeniu dźwięków akordów. Będziemy pracować nad opcjami:
1) zagrajmy skrajne dźwięki akordu chwytnymi ruchami palców, zwróć uwagę, ręka musi zostać zresetowana po akordzie, ręka „cześć” (pokaz).
2) będziemy uczyć wariacji szybko i powoli, ale musimy starać się przygotować akordy z wyprzedzeniem, osiągając dokładność i precyzję wykonania.
Teraz będziemy pracować nad sztuką „NEP” białoruskiego kompozytora E. Glebowa (załącznik 2). Ta sztuka jest obrazem. Co kompozytor przedstawiał swoją muzyką (obraz natury, jakieś wydarzenie?). Można sobie wyobrazić, że jest to spotkanie dwóch chłopców ulicy. Wprowadzenie do sztuki ukazuje chód tych chłopaków (przykład 1). Bas musi być grany wyraźnie, stanowczo, stanowczo i podkreślony. Melodia następująca po wstępie przekazuje rozmowę chłopców, ich kłótnię i walkę (show). Charakter jednego znaku przekazywany jest w formie pytania, brzmi on w środkowym rejestrze jednogłosową melodią, a odpowiedź brzmi w górnym rejestrze przeskakującymi akordami, co nadaje odpowiedzi charakter sporu (przykład 2) . Za pomocą jakich środków wyrazu muzycznego E. Glebov przekazał intonację rozmowy w muzyce? Zagrajmy teraz pierwszą frazę z intonacją pytanie-odpowiedź. Odtwarzanie nagranego dźwięku.
Który dynamiczny odcień oddaje intonację pytania, a który odpowiedzi? (forte – pytanie, fortepian – odpowiedź).
W trzeciej zdaniu intonacja rozmowy uległa zmianie i stała się błagalna (przykład 3). Jakie środki wyrazu muzycznego pomogą nam przedstawić tę prośbę? (Dotyk fortepianu, dotyk legato). Gra i ćwiczy legato.
W ostatnie zdanie jeden chłopak zdaje się uciekać, a drugi go dogania, posłuchajcie (przykład 4), (pokaż). Wymyślmy tekst naszej melodii: „Dogonić, dogonić, dogonić mnie szybko”. Zagraj tę frazę z crescendo, doda to napięcia i wzmocni ogólną kulminację utworu.
Praca nad utworem muzycznym M. Malewicza „Kopciuszek jest smutny” (załącznik 3) .
Jaki obraz kompozytor „narysował” dźwiękami (łagodny, smutny obraz dziewczynki, która została sama w domu, podczas gdy jej siostry poszły bawić się na balu). Co środki muzyczne ukazany jest smutny nastrój bohaterki (tryb molowy, melodia z intonacjami westchnień, falowa dynamika). Uczniowie grający w sztukę.
Melodia składa się z krótkich motywów, w których słychać smutne westchnienia (przykład 1). Aby fraza nie zabrzmiała fragmentarycznie, będziemy dążyć do ostatniej nuty motywu i łączyć wszystkie motywy, „prowadząc” dźwięk do crescendo, do kulminacji. Pobawmy się podtekstem „i biegnę” w intonacji wznoszącej. Zagraj tę frazę jednoczącym ruchem ręki, dłonią „prowadzącą” nuty do najwyższego dźwięku (pokazywanie, granie).
Widzicie, w melodii pojawił się ruch, a my oddaliśmy nastrój bohaterki. Wzmacniajmy tę umiejętność.
W drugiej części partie zespołu nawiązują do motywów głosów (przykład 2). Grajcie tylko te melodie, przy których słychać apele. Przeanalizujmy ten fragment słowami: „biegnij ze mną” - Vika; „Biegam z tobą” - Alesya. Jest jasne? (Odtwarzanie nagranego dźwięku).
Graj teraz tak, jak napisano, z akompaniamentem, zwracając uwagę na związek dźwiękowy pomiędzy tematem a akompaniamentem. Temat powinien brzmieć jaśniej. Tam, gdzie tematy słyszane są w dwóch częściach jednocześnie, znów pomoże nam podtekst: „Razem idziemy”. Popracujmy nad synchronizacją dźwięku. Żebyście mogli zacząć wspólną zabawę, trzeba jednocześnie wziąć oddech. Jest jasne? (gra, ćwiczenie aftertaktu, synchronizacja brzmienia partii).
Ważną rolę przypisuje się solidnemu, dynamicznemu rozwojowi dzieła. Intonacja pytania brzmi we wstępie. Składa się z dwóch krótkich motywów. Pierwszą zagramy na forte, drugą na fortepianie, jak echo. Pierwsza fraza jest grana na fortepianie. To jest początek tej historii. Z każdą nową frazą brzmienie wzmaga się ku kulminacji, a napięcie wzrasta. Muzyka przekazuje emocje główny bohater, jej rozpacz. Kulminacja na końcu pierwszej części zapisana jest krótkimi motywami, kierunek ruchu jest skierowany w dół (przykład 4). Maleje także dynamika – od forte do fortepianu, stopniowo słabnąc pod koniec frazy. Zagraj pierwszą część, staraj się oddać nastrój muzyki (gra, zapamiętywanie ekspresyjnego wykonania pierwszej części).
W drugiej części tryb molowy zostaje zastąpiony trybem durowym i pojawia się nastrój radosny (przykład 3). Ogólny punkt kulminacyjny następuje pod koniec drugiej części. Zaczniemy grać pianissimo i rozwiniemy je do crescendo fortissimo, aby zwiększyć napięcie. Zwolnienie na końcu drugiej części potęguje wrażenie kompletności utworu. Ale kompozytor dodał zakończenie (przykład 5). Podobnie jest ze wstępem (krótkie motywy – westchnienia). W przeciwieństwie do wstępu brzmią jak kanon, nakładając jeden temat na drugi. Aby słuchacz je usłyszał, pierwsza nuta tematu musi być zagrana jaśniej, zagłębiając się głęboko w klawisze. (Odtwarzanie nagranego dźwięku).
Teraz nasza twórczość muzyczna brzmi bardziej wyraziście, przekazaliśmy dźwiękami nastrój, obraz, jaki zamierzył kompozytor tworząc tę wspaniałą muzykę.
3. Część końcowa
A teraz skonsolidujemy koncepcje teoretyczne omówione na lekcji. Zwracam uwagę na prezentację „Środki wyrazu muzycznego”. Na ekranie zobaczysz zadania, na które musisz odpowiedzieć (prezentacja slajdów).
4. Refleksja
Chłopaki, nasza lekcja dobiega końca. Możesz także przekazać, w jakim nastroju wychodzisz. Na stole są zdjęcia. Zrób zdjęcie z narysowaną chmurką - jeśli nie podobała Ci się lekcja; Słoneczko, jeśli wykonałeś dobrą robotę i wrócisz do domu w dobrym nastroju. Podsumowując, relaks.
Bibliografia:
1. Dla początkującego pianisty. Utwory współczesnych kompozytorów. Wydanie 7 – M.: Muzyka. 1987.
2. Utwory na fortepian. Numer 13 – M.: Muzyka. 1984.
3. Zasoby internetowe.
Aneks 1
Przesłanie metodyczne nauczyciela najwyższej kategorii kwalifikacji MAOU DOD CDOD MEC
Samsonova Tatyana Viktorovna na ten temat:
„Praca nad obrazem artystycznym w klasie fortepianu”
Praca nad wizerunkiem artystycznym prowadzona jest przez cały okres kształcenia młodego pianisty i stanowi wiodący kierunek w procesie rozwoju potencjału artystycznego i twórczego dziecka. W pracy z uczniem najważniejsze jest skupienie się na przemyśleniu charakteru i nastroju wykonywanej muzyki, poszukiwanie obrazów adekwatnych do zastanego nastroju utworu. A rolą nauczyciela pianisty jest stworzenie na lekcji artystycznej, twórczej, intelektualnej atmosfery, zaproszenie ucznia do twórczego dialogu, stworzenie atmosfery zrozumienia języka muzyki.
Wracając do tematu „Praca nad obrazem artystycznym na lekcjach fortepianu”, znów (za G.G. Neuhausem) porozmawiajmy o konwencji tę koncepcję. Faktem jest, że muzyka nie jest adekwatna do słowa, obrazu, idei. Pod pewnymi względami jest od nich bardziej szczegółowy, a jednocześnie szerszy. „Obraz i myśl” – jak trafnie zauważa S.E. Feinberg – „wydają się tonąć w głębinach treści muzycznych, nie są w stanie zapełnić całego ich tomu, wyjaśnić całego jego znaczenia. Konkretu języka muzycznego nie należy szukać w tym, że zastępuje on słowo. Muzyka może wiele wyrazić zarówno przed, jak i po słowach.” To jest ważne. Jednocześnie jasne jest, że w muzyce kryją się potężne siły figuratywnej ekspresji.
W codziennej praktyce mamy do czynienia głównie z utworami instrumentalnymi, które kierują naszą wyobraźnię w określonym kierunku. I bez względu na to, jak przekonujące są te obrazy dla każdego z nas, musimy zawsze pamiętać, że w każdym przypadku powstaje tylko jedna z wielu możliwych interpretacji, że zawsze można zaproponować inny artystyczny „pomysł” dzieła - poetycki, obrazowy, fabularny. Obrazy te mają dużą spójność: wzmacniają emocjonalną stronę odbioru muzyki, pomagając uporządkować plan interpretacji.
Czym więc jest obraz? S.E. Feinberg podaje następującą definicję: „Obraz jest wyrazem najbardziej wyrazistym percepcja muzyczna" Według N.I. Golubowskiej: „Muzyka jest językiem obrazów, budzi w nas obrazy uczuć, nastrojów, ujawnia złożone świat duchowy osoba, ucieleśnia wieloaspektowy świat wokół człowieka.” I S. Savshinsky ma głęboką rację, gdy zauważa, że „muzyka nie mówi o muzyce, ale o życiu ludzkiego ducha”.
Pracę nad wizerunkiem artystycznym należy rozpocząć natychmiast, od pierwszych kroków w nauce muzyki i instrument muzyczny. Jeżeli dziecko potrafi odtworzyć jakąś prostą melodię, postaramy się, aby pierwsze wykonanie było wyraziste, tak aby charakter wykonania dokładnie odpowiadał nastrojowi („treści”) tej melodii.
I tutaj bardzo ważne jest, aby uczeń grał melodię smutną ze smutkiem, wesołą - radośnie, uroczystą - uroczystą itp. Aby to zrobić, musimy „rozpalić” w dziecku zainteresowanie muzyką, połączyć muzykę z jego życiem i zabawami. A rozpoczynając zajęcia z małymi dziećmi, będziemy starali się nie przestraszyć ucznia czymś zbyt poważnym lub nudnym. W tym celu możesz zaproponować skojarzenia ze wszystkim, co jest znane i zrozumiałe dla rosnącej osoby.
Spróbujmy od razu „zanurzyć się” w muzykę, dając do młodego muzyka szansa od pierwszej chwili
Jednocześnie aktywnie działaj, kreując swój własny muzyczny wizerunek. Wszyscy, nawet najbardziej mały kawałek, powinien utkwić w umyśle młodego pianisty jako obraz holistyczny, rozbudzający fantazję i wyobraźnię.
A więc co przyczynia się do rozwoju twórcze myślenie dziecko? Naszym zdaniem jest to materiał muzyczny - jasny i różnorodny, bliski dzieciom muzycznymi obrazami i nastrojami; oraz ilustrację lub rysunek odpowiedni do charakteru wykonywanego utworu; tekst piosenek podtekstowych, najlepiej skomponowanych przez same dzieci. Jeśli przedstawienie przypadło Państwu do gustu i nie jest to piosenka, która ma już tekst, dzieci same układają słowa, odnajdując w nich własne historie fabularne, obrazy, znaczenia. Obrazowość percepcji treści znacznie ułatwia tytuł programu, który „wprowadza” dziecko w świat wykonywanej przez niego muzyki, a także skomponowane przez ucznia wersy poetyckie czy towarzysząca wykonaniu opowieść-esej utwór muzyczny.
Wszystko to pomaga stworzyć własny obraz muzyczny, a później znaleźć odpowiedni ruch ręki i odpowiednią paletę brzmieniową.
Dać się tym ponieść kreatywna praca nauczyciel „obciąża” ucznia swoim temperamentem, zainteresowaniami i „lotem pomysłów”, budząc w nim struny reakcji. Stwarza to warunki do rozwoju żywych wrażeń muzycznych, np udana praca nad wizerunkiem artystycznym.
Nauczyciele-pianiści zazwyczaj dzielą pracę nad utworem na kilka etapów, a każdy z nich ma swoje wiodące zadanie. W tym przypadku nieuchronnie coś pozostaje w tle. Refleksja na temat ujawnienia treści artystyczne dzieło musi być obecne na wszystkich etapach - od pierwszego zapoznania się z kompozycją aż do zakończenia pracy nad nią. A jeśli warunkowo podzielimy tę pracę na trzy etapy, możemy zauważyć, że:
Pierwszy etap poświęcony jest kreacji główny pomysł o spektaklu, o jego głównych obrazach artystycznych;
Drugi etap to stopniowe zagłębianie się w istotę badanego dzieła. Tutaj następuje dobór i opanowanie środków wyrazu artystycznego niezbędnych do realizacji koncepcji wykonawczej;
Trzeci etap podsumowuje całą dotychczasową pracę.
Utwór muzyczny otrzymuje pełną realizację wykonawczą, wymagającą od ucznia jedności uczuć i myśli, umiejętności i inspiracji.
Pamiętajmy, że oferując dziecku taki czy inny utwór muzyczny, należy wziąć pod uwagę poziom jego przygotowania wykonawczego, poziom kultury duchowej i światopoglądu intelektualnego.
Pierwsza znajomość dzieła ma ogromne znaczenie dla wszystkich kolejnych prac. Większość muzyków tak mówi przy pierwszym spotkaniu Nowa Muzyka Ważne są wrażenia emocjonalne, analiza teoretyczna lepiej odłożyć to na później. A jednak uczeń, zanim zasiądzie do fortepianu, musi mieć wyobrażenie o tym, co będzie grał. Kilka słów o kompozytorze, epoce, stylu, tytule dzieła (dlaczego sztuka nosi tytuł „Scherzo”, „Barkarola”, „Kołysanka”, „Bajka” itp.). Zadaniem takiego dialogu jest nadanie określonego kierunku myśleniu i odczuwaniu, wywołanie skojarzeń artystycznych i przedstawień figuratywnych.
Niewątpliwie bardziej przydatne jest połączenie słownego wyjaśnienia z demonstracją na instrumencie na żywo zarówno utworu jako całości, jak i jego poszczególnych części, szczegółów i technik wykonawczych. Sam nauczyciel powinien oczywiście wiedzieć jak najwięcej o pracy, nad którą będzie pracował z uczniem. Ogólną koncepcję i plan wykonania nakreśla nauczyciel od samego początku, ale w procesie współpracy mogą otworzyć się nowe horyzonty, pomysły artystyczne i znaczenia.
Profesor N. Golubovskaya, zwracając się do swoich uczniów, nie raz podkreślała: „Nigdy nie należy przychodzić na lekcję bez swojego stosunku do utworu i nie myśleć w ten sposób: najpierw nauczę się nut, a potem przyjdzie inspiracja do mnie albo ktoś pokaże jak trzeba zagrać. Łatwiej jest przełączyć się z obrazu błędnego na prawidłowy, niż z niczego na coś. Nigdy nie możemy pozwolić sobie na „pustość” w stosunku do utworów, które gramy.
Rozmowy o muzyce nie są łatwe. Myśli muzyczne czasami zawierają takie szerokie znaczenieże wszelkie wyjaśnienia ustne będą wydawać się zbyt wąskie. Jak stwierdził R. Schumann: „ Najlepszym sposobem rozmawiać o muzyce oznacza milczeć na jej temat.” Wiele wybitni muzycy wyrażać się w ten sam sposób. P. I. Czajkowski powiedział: „Moja symfonia jest oczywiście programowa, ale program jest taki, że zupełnie nie da się tego wyrazić słowami”.
Niemniej jednak w praktyce pedagogicznej nie da się obejść bez werbalnych wyjaśnień muzyki. A jeśli w rozmowie z bardziej zdolnymi uczniami można posługiwać się kategoriami ogólnymi, to inne dzieci często „reagują” tylko na konkretne obrazy. Zwróćmy uwagę, że na zajęciach bardzo ważne jest uważne monitorowanie swojej wypowiedzi, starając się, aby nasze osądy możliwie najdokładniej odzwierciedlały znaczenia i znaczenia. W tym przypadku to, co zostanie powiedziane, będzie jasne, konkretne i na temat. Ustaliwszy więc charakter i nastrój spektaklu, od razu podejmiemy próbę odnalezienia kolorystyki dźwięku, pulsu ruchu, elementarnych niuansów i środków technicznych wynikających z charakteru spektaklu, jego figuratywnej struktury.
Wszystko to to praca nad wizerunkiem artystycznym w klasie fortepianu, nad opanowaniem technik gry bezpośrednio związanych z wykonywaniem zadań.
G.A. Brokhina: „Po raz kolejny chciałbym zatrzymać się nad techniką podtekstu. Często to właśnie tekst pomaga zrozumieć naturę muzyki, osiągnąć naturalne frazowanie, odnaleźć charakter brzmienia. Zauważmy, że podtekst zawsze niesie ze sobą ładunek artystyczny i semantyczny.
Podam przykład z mojej praktyki. Pracując z uczniem klasy III nad sztuką R. Schumanna „Mały romans” napotkaliśmy pewne trudności. Ucząc się części każdej ręki z osobna, uczeń nadal nie potrafił rozszyfrować uderzeń i oddzielić tematu i towarzyszących mu akordów. Ekspresja i jasność emocjonalna w dużej mierze zależą od wykonania linii melodycznej, ponieważ melodia jest głównym nośnikiem znaczeń w utworze muzycznym. To właśnie tytuł spektaklu („Little Romance”) podsunął nam pomysł, że można by go zaśpiewać, gdyby zastąpiliśmy jakieś słowa. Przyjęliśmy bardzo prosty podtekst, ponieważ zostało to zrobione na lekcji, ale nadal staraliśmy się powiązać słowa z naturą muzyki. Wynik został osiągnięty natychmiast. Po pierwszym odtworzeniu studentka sama, bez mojej pomocy, obiema rękami połączyła zarówno temat, jak i akordy. Co więcej, zmienił się także charakter dźwięku: najwyraźniej sam tekst został dostosowany do pożądanego nastroju – dziewczyna zaczęła grać znacznie delikatniej i szczerzej. Później niewiele rozmawialiśmy o naturze dźwięku w tej formacji.
N.A. Peretrukhina: „W pracy ze starszymi uczniami ważną rolę odgrywają podobieństwa z innymi rodzajami sztuki - literaturą, poezją, malarstwem, architekturą itp. Obrazy wizualne, refleksji filozoficznych, analogii poetyckich, intelektualnych wycieczek w dziedzinę innych sztuk, a nawet nauki, nie należy uważać za próbę werbalnego powtórzenia treści dzieła muzycznego. Cel tutaj jest inny - „włączyć” myślenie figuratywne i skojarzeniowe, a tym samym wywołać reakcję emocjonalną. Fantazjujemy i rysujemy, wymyślamy „fabuły” i tytuły spektakli muzycznych, czytamy poezję i prozę, słuchamy muzyki wielkich kompozytorów w wykonaniu mistrzów, dyrygujemy, sami próbujemy komponować poezję i muzykę.
Polecam uczennicy klasy II twórcze zadanie„Galeria obrazów” (wybór skojarzonej serii obrazów). Słuchamy „Pocieszenia” F. Liszta (w wykonaniu ucznia szóstej klasy). Aglaya (10 lat) „rysuje” muzykę słowami: „To jest noc. Jezioro jest magiczne, głębokie. Pływa piękny łabędź. I gwiazdy. Królestwo Gwiazd! To jest niebiańska muzyka.”
Czasami moi uczniowie tworzą „albumy nastrojowe” poświęcone ich ulubionym kompozycjom muzycznym.
I tak album oparty na sztuce „Barkarola” B. Szczurowskiego, wykonany przez uczennicę V klasy Poliny Kryukowej, przedstawia akwarele pejzażowe, szkice i szkice, które stały się odzwierciedleniem artystycznych poszukiwań dziewczyny. Tutaj widzimy wiersze I. Bunina, M. Voloshin. Poprzez rysunek i słowo poetyckie dziewczyna osiąga figuratywne, artystyczne zrozumienie utworu muzycznego.
Jednak sama muzyka staje się czasem „pokusą” dla uzdolnionego artystycznie dziecka. „Nokturn” P.I. Czajkowskiego stał się dla Poliny „muzyką duszy”, co skłoniło 13-letnią dziewczynkę do pisania własnych wierszy.
Cicho srebrzące się dzwonienie wznosi się ku górze.
Gwiaździsty śnieg, jak śmiech, błyszczy blaskiem.
Duchy światła splatały się w bladoniebieskim powietrzu;
A długość dźwięków jest bolesna
będzie ograniczone do światła.
Cudowny stary sen ożył na wysokościach -
Czysty świat czystości w morzu snów...
Łatwe wstawanie, bicie dzwonów
odpływa
Do światów niekończących się radosnych wspomnień.
Pod wpływem poezji Andrieja Biełego i „Requiem” W.A. Mozarta powstały następujące wersety:
A każda chwila jest po prostu pomyłką
W pojęciu sprawiedliwości.
Ale spokojny uśmiech nigdy nie znika,
Ufając w miłosierdzie Boże.
I nie należy go karać bezmyślnie,
Który był surowo zachowany przez wieki.
Jeśli okrucieństwo odejdzie w zapomnienie
niezrozumiały
Zapanują nowe okrucieństwa.
Ale przez gorycz cierpienia, ciemność
gorycz,
Wierzę, że gwiezdna pamięć będzie trwać.
O Panie, daj nam tylko
święta cierpliwość!
Wszystko inne zostanie zapamiętane później.”
Zatem zauważamy, że ujawnienie znaczenie artystyczne utwór muzyczny możliwie najpełniej (aby brzmiał wyraźnie i wyraziście, adekwatnie do treści) – do tego powinni dążyć nauczyciel i uczeń we wspólnych poszukiwaniach.
Ważne jest, aby budzić w dziecku zainteresowanie kreatywnością, pamiętając o tym, że wszystkie dzieci są utalentowane. Pod wieloma względami droga dziecka w sztuce i kreatywności jest wyznaczana właśnie przez spotkanie z wrażliwym, kompetentnym Nauczycielem.
Maryszewa Oksana Aleksandrowna
Stanowisko:
Instytucja edukacyjna:
MBU DO „Krasnokholmskaya Dziecięca Szkoła Artystyczna”
Miejscowość: Miasto Krasny Chołm, obwód Twerski.
Nazwa materiału: lekcja publiczna
Temat:„Praca nad wizerunkiem artystycznym w programowych utworach fortepianowych”
Data publikacji: 05.10.2017
Rozdział: dodatkowa edukacja
KOMUNALNA INSTYTUCJA BUDŻETOWA
DODATKOWA EDUKACJA
„SZKOŁA ARTYSTYCZNA DLA DZIECI KRASNOKHOLMSKAYA”
Otwarta lekcja gry na pianinie
Temat: „Praca nad obrazem artystycznym w programie
dzieła fortepianowe”
Marysheva O.A.
nauczyciel pianina
miejska instytucja budżetowa
dodatkowa edukacja
„Krasnokholmska Dziecięca Szkoła Artystyczna”
Otwarta lekcja gry na pianinie
Temat
lekcja:"Stanowisko
artystyczny
oprogramowanie
fortepian
Pracuje."
Cel
lekcja: Ujawnić i wyrazić w wykonaniu figuratywną treść musicalu
Pracuje.
Cele Lekcji:
rozwijać Umiejętności twórcze dzieci;
aktywizować, stymulować, kierować procesem myślenia uczniów;
praca
wyrazistość
musical
przezwyciężenie
trudności z wydajnością;
utrwalenie umiejętności prawidłowego pedałowania;
osiągnięcie poziomu figuratywnej kompletności dzieła;
przyczyniają się do kształtowania pozytywnej motywacji i zainteresowania uczniów
proces uczenia.
Sprzęt i materiały:
instrument fortepianowy;
multimedialna obsługa lekcji: TV, DVD;
reprodukcje.
Typ lekcji: połączone.
Plan lekcji:
Część wprowadzająca
Część główna: praca nad pracą
Część końcowa
Wstęp
szkolenie
dalej
nauczyciel
niezbędny
rozwijać
doskonalić nie tylko umiejętności techniczne posługiwania się instrumentem swoich uczniów.
intensywnie
"zanurzać"
wykonywalny
"infekować"
Praca powinna poruszyć jego duszę i rozbudzić wyobraźnię. Już z egzekucji
Na początku nauki należy pozyskać od dziecka pierwsze melodie, aby je zagrało
wyraziście, ze zrozumieniem charakteru.
artystyczny
emocjonalny i poetycki początek pojawia się wyraźniej. Jeśli muzyka porwie ucznia,
emocjonalny
państwo
pozytywnie
pracowitość,
brać w czymś udział
ukierunkowane
uporczywy
niuanse, grając techniki wykonywania tego dzieła, tak aby w rezultacie to nastąpiło
brzmiał jasno, znacząco i wyraziście.
Muzyka w programie - miła muzyka instrumentalna; dzieła muzyczne,
posiadanie programu werbalnego, często poetyckiego i odsłanianie tego, co jest w nim zawarte
oprogramowanie
stosować
musical
wizualizacja, pisanie dźwięku, specyfikacja według gatunku.
Najprostsza forma muzyka programowa- program zdjęciowy (muzyczny
zdjęcia natury, festiwale ludowe, bitwy itp.).
NA ta lekcja pokazana zostanie praca nad artystycznym wizerunkiem fortepianu
dzieła Yu Szczurowskiego „Poranek” z pionierskiej suity „Winter”.
Główna część lekcji
Temat poranka podejmowało wielu artystów, poetów i kompozytorów.
reprodukcje
artyści:
sosna
„Mglisty poranek”, A. Adamow „Wczesny poranek”), poeci: Y. Polonsky „Poranek”, A. Puszkin
„Winter Morning”, kompozytorzy: P. Czajkowski „Winter Morning”, S. Prokofiew „Poranek”, E. Grieg
„Poranek” itp.
Zatem dzisiaj spróbujemy odsłonić i wyrazić w wykonaniu musical
obraz zimowego poranka. Aby zanurzyć się w atmosferę zimowego poranka, nauczyciel
proponuje obejrzenie zdjęć zimowego poranka przy muzyce P.I. Czajkowskiego „Zimowy poranek”.
Pokaz slajdów.
Prowadzone wspólnie z uczniem szczegółowa analiza działa w oparciu o propozycje.
Uczeń narysował obrazek do każdego zdania. Nad każdym trwają prace
wniosek. Uczeń najpierw mówi, jaki obraz chce w tym pokazać
zdanie, a następnie próbuje wyrazić swoją myśl, wykonując ją na fortepianie.
Praca nad wizerunkiem artystycznym to także praca nad realizacją dźwięku,
różnorodne techniki wykonawcze niezbędne do oddania charakteru
musical
Pracuje.
Apelacje
uwaga
działający
trudności,
które są przetwarzane oddzielnie.
Nauczyciel wraz z uczniem analizuje plan dynamiczny, uderzenia,
W spektaklu „Poranek” istotna jest rola pedału jako kolorowego narzędzia. Dźwięk jest dany
nie tylko nowe kolory i nowa barwa, ale także większa objętość i pełnia. Pedał
pomaga
odkryć
ekspresyjny
artystyczny
możliwości
Pedał łączy różne dźwięki w jedną harmonię, pomaga łączyć różne
elementy tekstury. W tym utworze pedał jest opóźniony, gra toczy się z opóźnieniem
pedał zwykle powoduje trudności u dzieci, dlatego konieczne jest przeprowadzenie specjalnego
popracuj nad utrwaleniem umiejętności tak, aby stopa nie uderzała w pedał ani nie unosiła się ponad niego,
i ciągle czułem to delikatnym dotykiem, przy stałym słuchowym monitorowaniu czystości
dźwięk.
Za samodzielną pracę student otrzymywał pracę domową do wyboru
wiersz o poranku. Uczeń czyta wiersz S. Smusenki „Poranek”:
Rano wzeszło słońce
Przed pierwszym ptakiem
Plecionka na wietrze
Promienie w warkoczach.
Chcę złapać słońce
Wcześnie tego ranka
Pieszczota i ciepło
Wszystko jest w białym świetle.
Jak szczęśliwi są wszyscy wokół
Zwierzęta, ptaki, ryby,
Rzeka, pole, ogród i łąka
Słoneczny uśmiech!
Po pracy wykonanej na lekcji uczeń wykonuje utwór „Poranek”,
w którym próbowała wyrazić artystyczny obraz obrazu zimowego poranka.
Na koniec lekcji nauczyciel zaprasza do wysłuchania i obejrzenia slajdów
praca E. Griega „Poranek”.
Wniosek
gra
student
przypomnieć
potrzeba ciągłego słuchania siebie, swojego występu jakby z zewnątrz, próbowania
Prawidłowy,
wyraziście,
emocjonalnie,
ogłoszenie
niedociągnięcia w celu ich późniejszego skorygowania.
Sukces można osiągnąć jedynie pracując nad ucieleśnieniem obrazu artystycznego
bez przerwy
rozwijający się
muzykalność
inteligencja,
emocjonalny
reakcja na coś
poprawa
produkcja dźwięku.
obrazy
uporczywie
Pracuje,
doskonali technikę pianistyczną, starając się wyraźniej przekazać w swoim wykonaniu
artystyczny obraz dzieła.
Ważne jest, aby na lekcji wykorzystywać różne techniki metodyczne w celu aktywizacji
twórcze myślenie ucznia, za aktywne zaangażowanie w pracę, tak aby lekcja była
ciekawe i nie nudne.
Do pracy w domu możesz zlecić kontynuację pracy rozpoczętej na zajęciach
wykonanie
akompaniament
dynamiczny
odcienie,
konsumpcja
pedały, praca nad artystycznym obrazem spektaklu.
Jeden z głównych wymagań G. Neuhausa dla osiągnięcia piękna artystycznego
wykonanie to wymóg prostoty i naturalności wyrazu. Cała praca
odbywająca się na jego zajęciach była cała możliwa praca nad muzyką i jej realizacja w
gra na fortepianie, czyli na „obrazie artystycznym” i fortepianie
technologia. Ten nauczyciel nie jest dobry, nawet jeśli ma mózg
zadowalają się opowieściami o „obrazie”, o „treści”, o „nastroju”, o „idei”, o
"poezja"
osiąga
najbardziej konkretny,
materiał
inkarnacje
sprawozdania
propozycje
niuanse,
doskonały
fortepian
technologia. Podobnie nauczyciel, który wyraźnie widzi tylko fortepian, nie jest dobry.
gra, „technika” fortepianowa, ale o muzyce, o jej znaczeniu i prawach, ma tylko
niejasny pomysł.
Opierając się na
możliwości
rozwój,
osiągnąć,
wykonywalny
"powiedział"
zrozumienie
nastroje,
postać
Pracuje
główny
artystyczny
zaczyna się
uczenie się
Pracuje.
Wykorzystana muzyka:
LICZBA PI. Czajkowski „Zimowy poranek” z „Albumu dla dzieci”
E. Grieg „Poranek” ze suity „Peer Gynt”.
Kuzminykh Nadieżda Waleriewna
Stanowisko: nauczyciel pianina
Instytucja edukacyjna: MBUDO „Dziecięca Szkoła Artystyczna nr 5 Joszkar-Ola”
Miejscowość: Yoshkar-Ola, Republika Mari El
Nazwa materiału: praca metodologiczna
Temat:„Praca nad obrazem artystycznym w program działa klasy młodsze w klasie fortepianu”
Data publikacji: 23.04.2017
Rozdział: dodatkowa edukacja
Komunalny organizacja finansowana przez państwo dodatkowa edukacja
„Dziecięca Szkoła Artystyczna nr 5 w Yoshkar-Ola”
Podsumowanie planu lekcja otwarta na temat:
„Praca nad wizerunkiem artystycznym w pracach programowych
Przygotował: wychowawca klasy
fortepian Kuzminykh N.V.
Yoshkar-Ola, 2016
Czas lekcji: 10.00-10.40
Lokalizacja: Mała sala Marii Republican College
Przedmiot akademicki:„Czytanie specjalistyczne i a vista” (fortepian)
Edukacyjny
program:
dodatkowy
przedprofesjonalne
ogólne wykształcenie
program
musical
sztuka
"Fortepian"
Informacje o uczniu: Gudina Ksenia
ocena: klasa trzecia, czas trwania nauki - 8 (9) lat.
Czas trwania lekcji(Przez program) - 40 min.
Forma zajęć: indywidualna
Typ lekcji:łączny.
Typ lekcji: lekcja uogólniania i systematyzowania tego, czego się nauczyliśmy.
Metody zarządzania:
Wizualny (słuchowy i wizualny);
Werbalne (porównania figuratywne, słowna ocena wykonania);
Problematyczne – szukaj;
Wyjaśniający – ilustracyjny;
Metody demonstracji i naśladowania, analiza porównawcza.
Środki techniczne: fortepian, stojaki, nuty, zeszyt ćwiczeń
student, pomoce wizualne, Centrum muzyczne.
Temat lekcji:
artystyczny
oprogramowanie
Pracuje
klasy młodsze w klasie fortepianu”
Cel lekcji:
Rozwój zestawu umiejętności wykonawczych, które przyczyniają się do holistycznego,
artystyczne wykonanie dzieła.
Cele Lekcji:
Edukacyjny:
Wykonanie poprawne stylistycznie i sensowne;
Świadomość logiki konstruowania fraz muzycznych i struktury formy
Pracuje;
Pracuj nad wyrazistością języka muzycznego, przezwyciężaniem
trudności z wydajnością;
Stabilizacja poczucia rytmu;
Ekspresyjne wykonanie linii melodycznej;
Rozwój myślenia frazującego;
Kształtowanie umiejętności precyzyjnego wykonywania linii;
Edukacyjny:
Rozwój wyobraźni twórczej
Rozwój uwagi, umiejętności słuchania i słyszenia muzyki;
Rozwój umiejętności ekspresji wykonawczej;
Edukacyjny:
edukacja myślenia intonacyjno-figuratywnego;
wspieranie pozytywnej motywacji w nauce oprogramowania
pracuje w klasie fortepianu;
krzewienie szacunku dla klasycznego dziedzictwa muzycznego.
Oszczędność zdrowia:
Prawidłowa postawa, pozycja ciała, rąk.
Wykorzystanie technologii edukacyjnych:
Technologia
problematyczny
szkolenie.
kreacja
problematyczny
sytuacje.
Problematyczny
są skompilowane
zajęcia:
fortepian,
w harmonii
muzyka,
zadania intelektualne.
Technologia
rozwijający się
szkolenie.
sekwencje
rozwój materiał edukacyjny to jeden z najważniejszych trendów w
nowoczesny
rozwój
Obowiązkowy
stan
skuteczny
szkolenie
rozwijający się
uczenie się można podzielić na 3 grupy: logiczne rozumienie tego, co się otrzymuje
edukacyjny
materiał,
praktyczny
rozwój
musical
Informacja,
twórcza praca z materiałami edukacyjnymi.
Technologia
tworzenie
motywacja
zajęcia.
rozwój
planów, przy wyborze materiału na lekcje nauczyciel powinien zawsze brać pod uwagę
postać
wymagania
studenci.
edukacyjny
materiał musi być dostępny w oparciu o ich istniejącą wiedzę i
polegaj na nich i doświadczenie życiowe dzieci, ale jednocześnie materialnie
powinno być dość skomplikowane i trudne.
4. Technologia oszczędzająca zdrowie. Styl komunikacji nauczyciela z uczniami
wpływa na stan zdrowia uczniów. Jeśli proces zdobywania wiedzy
ciekawy
zmotywowany,
asymilacja
materiał
przeciążać.
Aplikacja
technologie
złożony
techniki
metody
organizacje
wzmacnia
motywacja do studiowania przedmiotu, pomaga wywołać pozytywne emocje.
Plan lekcji:
1. Charakterystyka twórczości R. Yakhina
2. Funkcje stylu utwory fortepianowe R. Yakhina.
3. Spektakl „Na choince u Guzla”
charakter i główna idea spektaklu;
analiza formy jako całości i charakterystyka głównych sekcji; tonalny
frazowanie; teksturowany, rytmiczny, rytmiczny
osobliwości; dynamika;
jedność motywowo-tematyczna pomiędzy sekcjami;
4. szczegółowa praca nad głównymi trudnościami:
utrzymanie linii dźwiękowej;
cechy rytmiczne;
identyfikacja ogólnej linii rozwoju, kulminacja;
kontrast tonalny i figuratywny pomiędzy sekcjami;
Postęp lekcji.
Czas
Gradacja
Organizacyjny:
Zadania:
Wydajność
obecne dziewczyny
nauczyciele.
WSTĘP
kreacja
pozytywny
nastrój psychiczny
w klasie.
Cześć. Dzisiaj dalej lekcja otwarta uczeń 3-
I klasa Gudina Ksenia. Temat naszej lekcji: „Praca
artystyczny
oprogramowanie
PRODUKCJE
m l a d sh i h
klasa
klasa
fortepian „My
skontaktowałem się
sztuki teatralne” Rustema Yakhina „Na choince u Guzela” Slajd 2.
Zapoznanie z twórczością kompozytora.
m Mukhametchaze
Khin (1921-1993) - Tatarski
kompozytor, pianista, Artysta narodowy ZSRR (1986).
Pracował we wszystkich gatunkach muzyki klasycznej
Praca dyplomowa Yakhina po ukończeniu Moskwy
konserwatorium
fortepian
pierwszy koncert
instrumentalny
pisemny
Tatar
kompozytor. Nazywany jest także pierwszym Tatarem
pianista solowy,
zaangażowany w
koncert-
wykonywanie czynności.
Yakhin R. M. napisał 400 piosenek i romansów, z czego 13
wyraźny
dyplomy
bonusy
Wszystkie typy
zawody
Utwory na fortepian:
Koncert na fortepian i orkiestrę, Sonata, Suita (4
części), sztuki teatralne (ponad 20).
Nowy system uczuć, oryginalność intonacji, głęboka
Przyczyną była narodowość muzyki kompozytora
ogromną popularność nie tylko w naszej republice,
ale także daleko poza nią. Slajd 3
Krótki opis cyklu
Generalnie cykl składa się z trzech różnych spektakli:
„Pod choinką u Guzla”
Święty Mikołaj i niedźwiedź tańczą taniec rosyjski.
Walc (Güzel gra walca dla swoich gości)
Rozmowa
zawartość.
Zadania:
Zrób to
tonka
w i v o p i s n a
naszkicować,
pomalowane
ze światłem,
magiczny
radosny
nastrój.
d e t m ja
wakacje Nowy Rok- Ten
szczęście..
Nowy Rok to najwspanialsze, magiczne święto. My
Pomyśl życzenie
Koniecznie
zostanie spełniony.
Nazwa ustawia nas w postrzeganiu muzyki
Zgadza się... my
wprowadzić
elegancki
ozdobiony
wielobarwny
girlanda,
przyjaciół na imprezie sylwestrowej.
Spośród dostępnych słów na slajdzie w prezentacji wybierz
charakteryzować
Guzel.” Slajd nr 5
magia
po l o t nie,
podekscytowany, entuzjastycznie,
z szacunkiem,
natchniony. Poezję i muzykę można łączyć
się, często uzupełniają. Rosyjski poeta
Agnia Lwowna Barto napisała tak:
Co to jest Nowy Rok?
Śnieg i rozkosze pogody,
Podróżuje przez bajkę,
Przygoda z okrągłym tańcem!
To jest rzeczywistość i magia!
Konspiracje, czary!
Po prostu cud przemiany
Święto Dobrej Wróżki!
Spójrz na slajd. Nowy Rok jest najwspanialszy
wakacje.
Głównym elementem.
Twoja uwaga będzie skupiona na tej serii autorstwa R. Yakhina
przedstawione
wykonuje utwór w jego dotychczasowej wersji.
Charakter i główna idea spektaklu, analiza formy w
całości i cech poszczególnych części.
Następny
zawiera
szczegółowe
studiowanie tekstu. Nauczyciel wyjaśnia, że ważną rolę w
świadomość artystycznego obrazu dzieł sztuki
oprogramowanie
program
stwierdził
tytuł spektaklu.
Rozważamy formę spektaklu. Uczeń odpowiada na to
cechy,
musical
Przeznaczenie
postać
(Animatoleggiero - inspirowany, żywy i łatwy).
Wspólnie dochodzimy do tej części, w której jestem natchniony
Łączy w sobie pewną powolność i ruch.
istnieje pewien kontrast w stosunku do pierwszej części,
obecny
lekkość,
eteryczność.
Szybkość i lekkość – taki jest charakter Części II. III
część jest powrotem do nastroju części I.
Wyraźmy więc główną ideę kompozytora
z powyższych: grać
Guzel” jest napisany w formie trzech części i opiera się na
porównanie
Jest
skończone
praca,
dzięki
jedność motywowo-tematyczna pomiędzy sekcjami.
Zatrzymajmy się teraz i omówmy bardziej szczegółowo I
studenci.
obawy
zegar
Cechy części I:
Spójrz i powiedz mi, ile taktów jest w I
propozycja muzyczna? Uczeń odpowiada
Temat pierwszej części tańca (zawiera 8 taktów)
składa się z jednego powtarzającego się elementu pierwszego w
jedna oktawa, potem kolejna. Pracujemy nad elementem.
Główne trudności wykonawcze pierwszej części
część pierwsza: precyzja rytmiczna; dobry dubbing
dźwięk
dynamika.
Trwają prace nad pokonaniem tych trudności.
Następnie student wykonuje część 1, czyli pierwsze osiem taktów.
melodia.
Apelacje
uwaga ucznia na rozwój linii melodycznej. W
zawiera rytm mieszany (szesnastki,
ósemki);
artykulacja
palce prowadzą wspólną linię legato.
Osiągamy
natchniony nastrój, a muzyka była przesiąknięta
rodzaj dobroci i łaski.
nie tyle o delikatność, co o miękkość dźwięku.
Tutaj pojawia się także akcent, który podkreśla nutę.
„D” i „A” (2,4,6 taktów). Pracując nad frazą 2, prowadzimy
melodyczny
zwróć uwagę na linię dynamiczną (Do
crescendo
na mp).Łaska
trwa
być obecnym
akcent nadaje melodii pewną jasność, na co warto zwrócić uwagę
uwaga i lewa ręka, pojawia się tam akord
faktura, ułożone akordy z naciskiem na pierwszy
Osiągnąć
jedność
wykonanie
głośniki.
Pracujemy
wzór
osobno,
przegrywamy
akordy,
przeznaczony
artykulacja
Gramy osobno całą lewą ręką, robiąc wszystko
Dokładny
sh t r i h i.
czułość
gładkość
fragment.
Osiągamy
Dobry
dźwięk,
inwestowanie
Oni pomagają
uczucie
Dobry
piosenka
początek Zwracając uwagę na dynamiczne odcienie, dalej
odchylenia od tempa, gramy w całości 3 części.
Pedał. Spróbuj użyć cichego naciskania
pedał, nie po to, żeby był cięższy, ale żeby ułatwić realizację motywów,
jednocześnie wyraźnie tracąc wszystko.
Finał:
PRZEDŁOŻONA PRACA
i t około g około in
zajęcia.
DOM
ćwiczenia.
Na koniec lekcji wymieniamy aspekty, które były
przestudiowaliśmy podczas lekcji i pomogliśmy nam odkryć
artystyczny obraz dzieła.
3. Epoka powstania dzieła;
4. Oprogramowanie;
5. Forma pracy, określenie przedmiotu głównego
punkt kulminacyjny;
6. Opanowanie rytmu;
7. Interpretacja – dźwiękowa realizacja tekstu muzycznego,
gdzie tekstem nutowym jest zapisany na płycie plan budynku
papier. Nauczywszy się utworu na pamięć, zapisaliśmy go jako
ramę i dopiero po wykonaniu utworu na koncercie
Wniosek.
W tekście muzycznym ważna jest wyraźna intonacja fraz,
motywy. Muzyka ma swoje znaki interpunkcyjne – początki
intonacje,
zgodność pomaga organizować i usprawniać nasze
musical
praca,
osiągnąć
maksymalny
artystyczny
wyniki
Analiza lekcji:
Wynik lekcji pokazał, że zadania zostały postawione
nauczyciel, byli
w pełni ujawnione:
Jasność i przejrzystość przydzielonych zadań.9
Materiał muzyczny sprzyjający rozwojowi
zdolności twórcze dziecka.
Tworzenie serii figuratywnej (porównania figuratywne,
wspomnienia).
Aktywacja kontroli słuchowej.
Rozwój myślenia.
Okres pełnienia obowiązków koncepcje teoretyczne w kontekście
obraz muzyczny.
Samoanaliza przez studentów wykonanych utworów.
Praca domowa: popracuj nad ekspresją
solidność i stylistyczna precyzja wykonania.
Otwórz plan lekcji
Przedmiot: fortepian
PEŁNE IMIĘ I NAZWISKO. nauczyciel: Aleksandra Anatolijewna Popowa
FI uczennica: Natasza Moses
Rok nauki – klasa 5, wiek 11 lat
Temat lekcji: „Praca nad sztuką rosyjskiego kompozytora XIX wieku”
Przekaż dziecku cechy artystyczne obraz „Piosenka
skowronek"
op. 39 P.I. Czajkowski, poprzez analizę porównawczą ze sztuką
"Skowronek"
MI. Glinka.
Eliminuj błędy techniczne, pracując w trudnych obszarach
„Pieśń skowronka” P.I. Czajkowski. Otwarty plan lekcji
Charakterystyka ucznia.
Ksenia Gudina – uczennica III klasy fortepianu, lat 10. Bez muzyki
przygotowanie.
doskonały
musical
zrównoważony,
rozwinięte poczucie rytmu, rozwinięte ucho wewnętrzne do muzyki, wystarczające
obszerny zasób pojęć słuchowych, doskonała pamięć muzyczna.
Emocjonalnie wrażliwy na muzykę, pełen temperamentu. Uzależniająca natura.
Poważny, samokrytyczny.
Mimo swojego wieku cechuje go kultura wewnętrzna i inteligencja.
tematy
musical
udaje się
„dobry” i „celny” w szkole ogólnokształcącej.
przyjazny
kontakt
zajęcia
ma zastosowanie
poważnie,
Pracuje
narzędzie
entuzjastycznie,
Radzi sobie z bardzo złożonym repertuarem. Lubi występować
scena, dobrze
radzi sobie
różnorodność
podniecenie.
opanowana przez nią w całości, jej ręce są wolne i dobrze zorganizowane
grać na instrumencie. Jest niewielka niedogodność w ułożeniu rąk - nisko
wskutek
słabość
dłoniowy
udało się usunąć tę niedogodność, nadal aktywnie pracujemy
ułożenie rąk. Bardzo odpowiedzialny i skuteczny, umie wyznaczać cele
i zapewnić ich realizację. Potrafi wydajnie pracować samodzielnie.
Wykaz używanej literatury
Aleksiejew
Metodologia
szkolenie
fortepian.
Muzyka, 1978.
Asafiev B.V. Forma muzyczna jako proces. – M.: media EE,
Barenboima
fortepian
pedagogia
wydajność. – L., 1969.
Wybitni pianiści-nauczyciele sztuki fortepianowej. -M. –
Ginzburg L. O pracy nad utworem muzycznym: Metoda,
artykuł fabularny. – wyd. 2 – M., 1960.
Hoffman I. Gra na fortepianie Odpowiedzi na pytania dotyczące gry na fortepianie
gra. - M.: Klasyczny XXI, 2007.
Kauzova A.G., Nikolaeva A.I. Teoria i metodyka nauczania gry
fortepian: Podręcznik. zasiłek / w ramach ogólnych. wyd. G.M.Cypina – M.:
Włados, 2001.
Kogan G. U bram mistrzostwa. M.: Klasyka XXI, 2004
Korto A. O sztuce fortepianowej. - M.: Klasyka XXI, 2005.
10.Mazel LA O naturze i środkach muzyki: esej teoretyczny.
11. McKinnon L. Gra na pamięć. – M.: Klasyka XXI, 2006
12. Meduszewski
wzory
z czerwonym s t v a x
artystyczne oddziaływanie muzyki. – M.: Muzyka, 2010.
Zwykły
pianista
kompozytor:
Strony z notesu. – wyd. 2 – M., 1979.
14. Neuhaus G. G. O sztuce gry na fortepianie. wyd. 7, wyd. I
dodać. – M.: Deka-VS, 2007. 15. Nikolaev A.A. Eseje o historii
pedagogika fortepianowa i teoria pianistyki. – M., 1980.
15. Razhnikov V.G. Rezerwy pedagogiki muzycznej. – M., 1980.
16. Savshinsky
pianista
musical
praca. - M.: Klasyka XXI, 2004.
17. Tsypin G.M. Nauka gry na pianinie. – M., 1984
18. Schumann R. O muzyce i muzykach. - M., 1979. - T. 2-B.
nie rozwiązany
Ilyin // Problem. psychologia. 1986. - s. 138-147.
Budżet miejski instytucja edukacyjna
dodatkowa edukacja dla dzieci
„Dziecięca Szkoła Artystyczna” w Kamyshi
Rejon kurski, obwód kurski
Rozwój metodologiczny
Temat: "
Opracował: nauczyciel smyczków ludowych
narzędzia
Malutina Oksana Wiaczesławowna
2015
SPIS TREŚCI:
I.NOTATKA WYJAŚNIAJĄCA
II. TREŚĆ:
1. WSTĘP
2. ETAPY PRACY NAD PRACĄ:
projekt dźwięku
przygotowanie do występu koncertowego
3. WNIOSEK
III. BIBLIOGRAFIA
IV. WYKAZ ELEKTRONICZNYCH ZASOBÓW EDUKACYJNYCH
Notatka wyjaśniająca do rozwoju metodologicznego « Kształtowanie obrazu artystycznego dzieła muzycznego.” To rozwinięcie metodyczne przeznaczone jest dla nauczycieli przedszkoli, szkół średnich i szkół artystycznych. Praca ta ukazuje metody i metody pracy stosowane przy kreowaniu obrazu artystycznego wykonywanych dzieł. Głównym zadaniem jest nie tylko nauczenie uczniów, jak dobrze wykonywać utwory techniczne, ale także próba za pomocą dźwięków przekazania wszelkich myśli i uczuć, charakteru, obrazu, jakie kompozytor umieścił w swoim konkretna praca. Początkowym celem tej pracy jest rozwinięcie zainteresowania badaczem wśród studentów, a efektem końcowym jest rozwinięcie niezależności w działaniu i rozumieniu materiał muzyczny, sposoby jego przenoszenia. Jedną z cech wykonywania prac na zajęciach szkoleniowych jest kilka etapów pracy, które pomogą doprowadzić do pożądanego rezultatu. Sprzyja to temu, że nauczyciel tworzy pewien schemat pracy, zgodny przede wszystkim ze swoim doświadczeniem pedagogicznym i odpowiednio określa zdolności i cechy każdego ucznia. Mottem tej pracy mogą być słowa „od prostych do złożonych”. Cały zakres niezbędnych umiejętności domrysty: od najprostszych ruchów po złożone (kombinowane) ruchy, odpowiednie nowoczesny poziom umiejętności wykonawcy.
„Muzyka jest objawieniem wyższym niż mądrość i filozofia.
Muzyka powinna rozpalać ogień w duszy ludzkiej.
Muzyka jest popularną potrzebą”
/Ludwiga van Beethovena. /
Tak jak gimnastyka prostuje ciało, tak muzyka prostuje ludzką duszę.
/ W. Suchomliński /
Wstęp.
Obraz artystyczny to obraz ze sztuki stworzony przez autora dzieło sztuki aby jak najpełniej ukazać opisywane zjawisko rzeczywistości.
Głównym zadaniem nauczyciela jest nauczenie dziecka sensownego i zmysłowego przekazywania dźwiękami treści utworu i zamysłu kompozytora. Techniczna doskonałość i wirtuozja wykonania są jedynie środkiem do osiągnięcia wysoce artystycznego celu. „Mistrzostwo… w wykonaniu zaczyna się tam, gdzie znika techniczna błyskotliwość, gdzie słuchamy tylko muzyki, podziwiamy inspirację gry i zapominamy, w jaki sposób, jakimi środkami technicznymi muzyk osiągnął ten czy inny efekt wyrazisty…” – pisał D. Szostakowicz. - ...Cała najbogatsza technika tych muzyków, naprawdę nieograniczony kompleks wyraziste środki„, które są ich własnością, są zawsze całkowicie podporządkowane zadaniu jak najbardziej wyrazistego i przekonującego urzeczywistnienia zamysłu kompozytora, przekazując go słuchaczowi”.
Praca nad utworem muzycznym jest jednym z nich składniki proces wykonywania. Artystyczna interpretacja dzieła muzycznego odgrywa szczególnie ważną rolę zarówno w kształtowaniu przyszłego muzyka, jak i w późniejszym rozwoju jego umiejętności wykonawczych, myślenia muzycznego, gustu i poglądów estetycznych. Studiowanie konkretnego utworu muzycznego może dać dobre wyniki tylko pod warunkiem prawidłowego zrozumienia metod pracy nad nim, które opierają się na zasadzie uczenia się krok po kroku - sekwencyjnego.
Etapy pracy nad dziełem.
Tworzenie reprezentacji obrazu
Pracę nad dziełem można podzielić na cztery etapy. Oczywiście takie rozróżnienie jest warunkowe i uzależnione jest od indywidualnych danych studenta. Sam podział procesu pracy nad dziełem, czas trwania i treść poszczególnych jego etapów jest warunkowy.
Pierwszy etap
ogólne wstępne zapoznanie się ze spektaklem, jego głównymi obrazami artystycznymi, emocjonalnym tonem dzieła i zadaniami technicznymi.
Druga faza
głębsze studium sztuki, dobór środków wyrazu i ich opanowanie, szczegółowa praca nad sztuką w częściach i fragmentach.
Trzeci etap
jest to holistyczne i kompletne ucieleśnienie koncepcji spektaklu, oparte na głębokich i szczegółowych badaniach wstępnych.
Czwarty etap
osiągnięcie gotowości spektaklu, przygotowanie spektaklu do realizacji scenicznej, czyli jego mistrzowskie wykonanie na koncercie lub egzaminie.
Z reguły praca często wyszczególnia treść głównego, centralnego etapu dzieła (bez wątpienia najbardziej obszernego), a niewystarczającą uwagę poświęca się pierwszemu i ostatni etap w rezultacie utwór muzyczny traci swój rdzeń, jedność myśli, jaką włożył w niego autor. Fragmentaryczne wykonanie, zniekształcenia treści muzyczne, generuje fragmentaryczną percepcję, dlatego jednym z zadań nauczyciela jestrozwijanie umiejętności uchwycenia kompozycji utworu oraz określić miejsce i rolę każdego elementu w nim.
Pierwszy etap - zapoznanie się z materiałem muzycznym utworu
Początkowym celem pracy nauczyciela z uczniem jest zainteresowanie ucznia i wzbudzenie nim zainteresowania badacza.
Na pierwszym etapie student jedynie zakrywa ogólny charakter i emocjonalny ton utworu muzycznego. Stopniowo wrażenie to zaczyna się różnicować, początkowo jednak identyfikuje się tylko kilka elementów całości. Na etapie zapoznawania się z pracącel działalność pedagogiczna jest się rozwijać myślenie artystyczne uczniów, kształtowanie postawy wobec kreowania wizerunku spektaklu.
Geneza i rozwój wizerunku muzycznego u różnych dzieci przebiega różnie w zależności od stopnia ich talentu. Ale w każdym razie dobrze, gdy uczeń może wyrazić słowami swoją opinię na temat charakteru utworu - od tego w dużej mierze będzie zależeć jakość dźwięku, charakter uderzeń, artykulacja i ruchy gry.
Uczeń może zapoznać się z pracą, pokazując nauczycielowi, czytając z kartki (odgrywając szkic). Po zagraniu utworu przez nauczyciela uczeń musi samodzielnie lub przy pomocy nauczyciela zebrać informacje o kompozytorze, jego epoce, czasie powstania utworu; przestudiuj główne cechy stylu autora; określić emocjonalną strukturę pracy i postępowaniakrótka muzyczna analiza teoretyczna dzieła.
Pierwszy etappraca nad spektaklem stawia sobie następujące cele:zadania :
Rozumieć formę, styl, nastrój dzieła;
Prześledzić rozwój myśli autora, zrozumieć logikę jej rozwoju;
Rozumieć integralność treści utworu na podstawie muzycznej analizy teoretycznej (oznaczenia tempa, odcienie dynamiczne, charakter melodii, uderzenia);
Rozpoznawanie konturów formy dźwiękowej (wysokość, rytm,akcenty semantyczne, cezury);
Odkryj najbardziej zauważalne elementy wyrazistości.
Pogłębianie wstępnej analizy dzieła będzie kontynuowane przez cały czas pracy nad esejem. Pierwszy etap wprowadzający ułatwia uczniowi szybką orientację w konturach kształtu płótna dźwiękowego.
Druga faza - pracujemy nad subtelnościami i szczegółami
W drugim etapie ujawnienie planu następuje w oparciu o znacznie pełniejszą analizę, co stwarza możliwość syntetycznego podejścia do wykonywany utwór. Na tym etapie uczniowie, identyfikując wiodące elementy artystycznego obrazu dzieła muzycznego - melodię, harmonię, rytm itp., Ustalają swoją interakcję.
Cel Drugi etap pracy nad utworem muzycznym polega na szczegółowym przestudiowaniu tekstu autorskiego.
Skrupulatne studiowanie zapisu muzycznego wyjaśnia procesy powstawania dzieła, wyjaśnia wewnętrzne słuchowe rozumienie poszczególnych aspektów obrazu, uczy rozumieć i doceniać rolę poszczególnych środków wyrazu muzycznego w artystycznej całości.
Zadania drugi etap:
Przeanalizuj tekst muzyczny;
Określ charakterystyczne cechy w strukturze melodii - odnajdując w jej konturze akcenty semantyczne, kulminacje, niuanse agogiczne;
Praca nad technologią i ekspresja artystyczna wykonanie utworu (jakość dźwięku, jego barwa barwy i brzmienie kolorystyka, niuanse dynamiczne);
Osiągnij płynność i ciągłość prezentacji.
Kruszenie na ogniwa - izolowanie prostego od złożonego;
Liczenie na głos, wystukiwanie rytmu, gra na instrumencie;
Przesadne, hiperboliczne pokazywanie nauczyciela;
Używanie pytań wiodących;
- „słowo dźwiękowe” lub tekst interliniowy.
Analiza tekstu muzycznego jest jednym z głównych sposobów dokładnego zrozumienia konturów płótna muzycznego, koniecznie musi być połączona z czytaniem i zrozumieniem wskazówek scenicznych. Należy pamiętać, że każdy „przypadkowy”niedokładność gry na samym początku pracy prowadzi do zniekształcenia wyłaniającego się obrazu oraz że błędy popełnione podczas pierwszej analizy często zakorzeniają się i znacznie utrudniają naukę utworu.
Często słyszymy opinię, że wstępna analiza powinna być na tyle powolna, aby dziecko mogło zagrać całą partię utworu z rzędu bez popełniania błędów i zatrzymywania się. Nie jest to do końca poprawne, gdyż takie wolne tempo prowadzi do całkowitej bezsensowności gry. Dlatego też zaleca się stosowanie tej metody już na etapie analizy wstępnejkruszenie na określone części.
Prowadzony przez metoda metodyczna izolacyjnyod złożonych do prostych można ułatwić percepcję muzyki poprzez tymczasowe skupienie uwagi ucznia na niektórych zadaniach, pozwalając jedynie na przybliżone wykonanie innych. Na przykład, dzięki dokładnemu odczytaniu wysokości tonu i palcowania, możesz tymczasowo kontrolować metrykę tylko za pomocą ucha lub, zachowując dokładność i sensowność wykonania wszystkich trzech wymienionych komponentów, możesz stopniowo łączyć nowe (wyczucie fraz, dynamika, uderzenia itp.).
Rola metody powszechnej w praktyce jest ogromnawykonanie przedstawienia jako środka , sugerując sposoby opanowania określonych zadań wykonawczych i trudności. Wyżej wspomniana była demonstracja – występ niezbędny studentowi przed przystąpieniem do pracy nad utworem muzycznym. Jednak taka holistyczna ekspozycja przechodzi dalej w etap szczegółowej prezentacji poszczególnych szczegółów artystycznych i technicznych. Jednym z tych charakterystycznych momentów jest przesadna demonstracja, dobitnie pokazująca uczniowi szczegóły brzmieniowe i techniczne wykonania, które nie do końca mu się podobają.
Przydatne dla zwiększenia niezależności decyzji wykonawczychsposób zadawania pytań wiodących, na przykład: „Co Ci umknęło w tym utworze?”, „Czy brzmiało miło?” itp.
Aby kultywować samodzielność ucznia, metodę tę można zastosować także w zadaniach takich jak wyznaczanie palcowania w poszczególnych fragmentach utworu czy cezur pomiędzy strukturami melodycznymi. Zadaniem nauczyciela jest osiągnięcie przez ucznia samodzielności na określonym etapie pracy nad pracą.
Istota metody „dźwięk-słowo”, czyli tekstu interliniowego, polega na tym, że do frazy muzycznej lub wzoru intonacji dobiera się tekst werbalny, co pozwala dziecku dokładniej odczuć wyrazistość muzyki: akcenty intonacyjne, zakończenia fraz.
Trzeci etap – projekt dźwięku
Cel etap trzeci – połączenie wyuczonych szczegółów w całość, osiągnięcie jedności wszystkich składników dzieła, właściwej wyrazistości i sensowności wykonania.
„Widzę – słyszę – gram – kontroluję.”
Zadania ten etap pracy nad pracą:
Rozwijaj umiejętności myślenia słuchowego i zdolność wyobrażania sobie wyników swojego działania jeszcze przed jego wykonaniem;
Osiągnij płynną i łatwą wydajność (zarówno z notatek, jak i z pamięci);
Pokonać trudności motoryczne;
Połącz obrazy gier;
Pogłębij ekspresję gry;
Osiągnij jasny, dynamiczny dźwięk;
Wyjaśnij poprawne rytmicznie wykonanie, osiągnij jedność tempa.
Całkaetap pracy muzyka nad projektowaniem obrazu dźwiękowegostałyanaliza i kontrola słuchowa w trakcie realizacji. Dzięki myśleniu słuchowemu uczeń zaczyna pojmować logiczne powiązania eseju, jego relacje semantyczne. Stopniowo zaczyna antycypować i przewidywać początek tego czy innego fragmentu dzieła.
Aby rozwiązać zadania trzeciego etapu tworzenia reprezentacji obrazu, stosuje się:metody Pracuje:
Odtworzenia testowe całego utworu;
Zajęcia „w prezentacji” (bez instrumentu);
Dyrygowanie;
Porównanie małych fragmentów muzyki od siebie różne części;
Wiele powtórzeń;
Stopniowe wydłużanie się myśli muzycznej.
Próbne zabawy pozwolą wykonawcy określić proporcje detali kompozycji w całym płótnie i dopasować je między sobą. Dzięki próbnym wykonaniom domrys będzie w stanie określić stopień logiki przejść między konstrukcjami, wyeliminować niedokładności w rytmicznym rozwoju muzyki i dynamicznym rozwoju obrazu wykonawczego. Egzekucje próbne pozwolą Ci odkryć techniczne braki gry.
Konieczne jest połączenie całości prób próbnych z trwającą, dogłębną pracą nad szczegółami i fragmentami dzieła.
Oprócz wykonań próbnych jednym z ogniw w opanowaniu formy kompozycji powinno byćLekcje muzyka bez instrumentu , praca „w umyśle”, „w wyobraźni” – oderwanie się od realnych, gry problemów, wyłączenie automatyzmów palców (mięśni) doprowadzi do aktywizacji wyobraźni muzyka.
Metodologia kształtowania umiejętności wykonania utworu bez oparcia się na rzeczywistym brzmieniu powinna być budowana w oparciu o poziom indywidualnego przygotowania uczniów i mieć stopniowo rosnącą złożoność.
"Konduktor" Metoda pracy jest wyjątkową formą treningu, gdyż pozwala ogarnąć całą pracę „jednym ruchem okrężnym, ciągłą nitką łuku”. Takie pokrycie pomoże muzykowi oddać nieprzerwany przepływ strumienia dźwiękowego, co niewątpliwie przyczyni się do harmonii formy dzieła. Prowadzenie jest szczególnie ważne, gdyorganizacja konstrukcji tymczasowej grach, wzmacniając wyczucie rytmu muzyka.
W pracy nad trudnymi motorycznie fragmentami utworu przydatne są metody wielokrotnych powtórzeń i stopniowego wydłużania.
Czwarty etap – przygotowanie do występu koncertowego.
Uchwycenie całościowej formy dzieła jest możliwe tylko wtedy, gdy muzyk potrafi wznieść się ponad rzeczywistość i z bezpośredniego uczestnika wydarzeń zmienić się w reżysera spektaklu muzycznego.
Cel Ostatnim etapem pracy muzyka nad utworem jest osiągnięcie poziomu „estetycznej kompletności” interpretacji.
Jeden z głównychzadania , który wystawiany jest w końcowej fazie pracy nad spektaklem – przygotowania do realizacji scenicznej – tj„świetne wykonanie” co obejmuje niezbędną umiejętność postrzegania i przekazywania z nie mniejszą wewnętrzną pełnią całej różnorodności stanów, barw i obrazów dzieła. Ważne jest, aby po zakończeniu pracy nad spektaklem osiągnąć wewnętrzne wyzwolenie, swobodę twórczą i zdolność do działaniagrać utwór z całkowitą pewnością siebie, przekonaniem, przekonaniem w dowolnym ustawieniu, na dowolnym instrumencie, przed dowolną publicznością.
Przed przystąpieniem do ważnego przedstawienia spektakl należy „wystawić” w niecodziennym otoczeniu, na oczach słuchaczy. Sukces lub niepowodzenie takiej realizacji będzie wskaźnikiem stopnia ukończenia prac. Obecnie istnieje wiele technik pozwalających pokonać lęk sceniczny. Należą do nich ćwiczenia fizyczne i ćwiczenia oddechowe. Ale klucz do sukcesu w dużej mierze zależy od dobrego zapamiętywania tekstu i zapamiętywania utworu, szczegółowych, skomplikowanych technicznie fragmentów. Chciałbym zacytować te słowa słynny pianista I JA. Paderewskiego:„Jeśli nie ćwiczę przez jeden dzień, tylko to zauważam. Krytycy zauważają, że jeśli nie ćwiczę przez dwa dni. Jeśli nie będę ćwiczyć przez trzy dni, opinia publiczna to zauważy”. Chciałbym zacytować słowa A.P. Szchapowa, dzięki któremu możesz ugościć swoich uczniów występ koncertowy: „Przed występem wszelakie rozmowy o możliwym «podekscytowaniu», o niezbędnym «spokoju» są zupełnie niestosowne, nie ma potrzeby werbalnego przekonywania ucznia, że «wszystko gra».
Niepokój podczas występu jest całkowicie nieunikniony, powinien jednak prowadzić… nie do pogorszenia, ale do poprawy jakości gry. Na scenie nie powinien panować „spokój”, ale „ twórcza pewność siebie”, która tylko w niewielkim stopniu opiera się nie tylko na sugestii i autohipnozie, ale opiera się przede wszystkim na bardzo uogólnionym, ale jednocześnie bardzo realnym poczuciu ukończenia dzieła, jasności wszelkich zamierzeń artystycznych, całkowitym mistrzostwie koncepcji gier i aparatury technicznej, o braku wątpliwości, mgławic w obrazach pamięciowych, braku napięcia motorycznego.”
Wniosek.
Muzyka może magicznie pomagają w rozwoju, rozbudzają uczucia, zapewniają rozwój intelektualny. Jak pokazuje doświadczenie, pod wpływem lekcje muzyki Nawet dzieci z upośledzeniem umysłowym i upośledzeniem umysłowym zaczynają robić postępy.
Rola nauczyciela we wpajaniu uczniom prawidłowych wyobrażeń na temat struktury artystycznej i figuratywnej badanego dzieła jest bardzo odpowiedzialna. Jasne, głęboko świadome cel artystyczny to klucz do udanej pracy nad utworem muzycznym.
Podane metody pracy należy traktować jako przybliżony przykład, od którego każdy nauczyciel powinien opracować swój indywidualny schemat, zgodny ze swoim doświadczeniem pedagogicznym i uszczegółowić go według cech charakterystycznych każdego ucznia. Ogólnie rzecz biorąc, proponowane metody pracy mają na celu rozwój i wzbogacenie myślenia muzycznego dziecka. Jednocześnie tworzą twórcze powiązania, które powstają w komunikacji nauczyciela z uczniem na poszczególnych etapach kształcenia.
