Definicja komedii jako rodzaju literatury. Obowiązkowa lista dzieł dramatycznych

Co pozwala w krótkiej fabule pokazać konflikty społeczne, uczucia i relacje między bohaterami, ujawnić kwestie moralne. Tragedia, komedia, a nawet współczesne szkice to odmiany tej sztuki, która wywodzi się ze starożytnej Grecji.

Dramat: książka o złożonym charakterze

Przetłumaczone z greckie słowo„dramat” oznacza „akt”. Dramat (definicja w literaturze) to utwór eksponujący konflikt pomiędzy postaciami. Charakter bohaterów ujawnia się poprzez działania, a dusza - poprzez dialogi. Dzieła tego gatunku posiadają dynamiczną fabułę, komponowaną poprzez dialogi. aktorzy, rzadziej - monologi lub polilogi.

W latach 60. kroniki pojawiały się jako dramat. Przykłady dzieł Ostrowskiego „Minin-Sukhoruk”, „Woevoda”, „Vasilisa Melentievna” to najjaśniejsze przykłady ten rzadki gatunek. Tymi samymi zaletami wyróżniają się trylogia hrabiego A. K. Tołstoja: „Śmierć Iwana Groźnego”, „Car Fiodor Ioannowicz” i „Car Borys”, a także kroniki Czajewa („Car Wasilij Szujski”). Trzeszczący dramat jest nieodłącznym elementem twórczości Averkina: ” Masakra w Mamaewie„”, „Komedia o rosyjskim szlachcicu Frolu Skobejewie”, „Starożytność Kashirskaya”.

Współczesna dramaturgia

Dziś dramaturgia wciąż się rozwija, ale jednocześnie budowana jest według wszystkich klasycznych praw gatunku.

We współczesnej Rosji dramat w literaturze to takie nazwiska jak Nikołaj Erdman, Michaił Chusow. W miarę zacierania się granic i konwencji na pierwszy plan wysuwają się wątki liryczne i konfliktowe, które wpływają na Wystana Audena, Thomasa Bernharda i Martina McDonagha.

Wodewil ( od Francuzów wodewil Vau de Vire - sygn. w Normandii, skąd narodził się ten gatunek), jeden z gatunków utworu dramatycznego, lekka sztuka z zabawną intrygą, z dwuwierszami i tańcami. Początkowo pieśni dwuwierszowe w komediach jarmarcznych pierwszej połowy XVIII wieku nazywano wodewilem. Jako niezależny gatunek teatralny ukształtował się w latach Rewolucji Francuskiej, później, utraciwszy swą polityczną aktualność, stał się gatunkiem rozrywkowym i zyskał ogólnoeuropejską dystrybucję. Francuska klasyka. wodewil - O.E. Skryba E. Labiche – zachowało wiele cech gatunku „jako ludowego dzieła Francuzów”: żywiołowa zabawa, podpowiedzi tematyczne. W drugiej połowie XIX wieku zastąpiono ją operetką. W Rosji wodewil rozpowszechnił się na początku XIX wieku, odziedzicząc po operze komicznej z XVIII wieku zainteresowanie tematyką narodową. Słynny wodewil N.I. Chmielnicki, A.S. Griboedova, A.A. Szachowski, D.T. Lenski. Jednoaktowe sztuki A.P. Czechow kontynuował tradycję wodewilu (bez wierszy).

Dramat(z greckiego dramatu - dosł. akcja) 1) jeden z rodzajów literatury. Należy zarówno do literatury, jak i do teatru, będąc podstawową zasadą spektaklu, jest postrzegany także w czytaniu. Przeznaczony dla zbiorowego odbioru dramat zawsze skłaniał się ku najostrzejszym problemom społecznym i, w najbardziej uderzających przykładach, stał się popularny: jego podstawą są sprzeczności społeczno-historyczne lub odwieczne antynomie ludzkie (patrz Konflikt artystyczny); 2) Jeden z głównych gatunków dramatu jako gatunku literackiego, obok tragedii i komedii. Jak komedia, głównie gra Prywatność ludzi, ale jego głównym celem nie jest ośmieszenie moralności, ale ukazanie jednostki w jej dramatycznej relacji ze społeczeństwem. Podobnie jak tragedia, dramat ma tendencję do odtwarzania ostrych sprzeczności; jednocześnie jej konflikty nie są tak nieuniknione i napięte, że w zasadzie dają możliwość pomyślnego rozwiązania, a jej bohaterowie nie są tak wyjątkowi. Dramat, jako gatunek niezależny, rozwinął się w drugiej połowie XVIII w. wśród oświeceniowców (dramat drobnomieszczański we Francji i Niemczech), jego zainteresowanie porządkiem społecznym i sposobem życia, ideałami moralnymi środowiska demokratycznego oraz do wzmocnienia przyczyniła się psychologia przeciętnego człowieka realistyczne początki w sztuce europejskiej. W procesie rozwoju dramatu jego dramat wewnętrzny gęstnieje, szczęśliwe rozwiązanie zdarza się rzadziej, bohater zwykle pozostaje w sprzeczności ze społeczeństwem i samym sobą (Burza, Posag A.N. Ostrowskiego, sztuki Ibsena, Czechowa, Gorkiego).

Pokaz poboczny(od łac. intermedius - położony pośrodku), mały zabawa komiksowa lub scena rozgrywająca się pomiędzy aktami sztuki głównej. Powstała w XV wieku jako scena farsy domowej, będącej częścią misterium, następnie dramatu szkolnego (później tragedii i komedii). W Anglii nazywało się to interludium (od łac. inter – pomiędzy i ludus – gra). Otrzymano dystrybucję w Zap. Europa XVI- XVII wieki (w Hiszpanii jako niezależny gatunek teatr ludowy), w teatrze rosyjskim XVII - XVIII wieku. Pokaz poboczny przetrwał jako wstawiona do sztuki scena komiksowa lub muzyczna.

Komedia (łac. komedia, grecka komodia, od komos – wesoła procesja i oda – piosenka), rodzaj dramatu, w którym postacie, sytuacje i działania przedstawione są w zabawnych formach lub nasycone komiksem. Do klasycyzmu komedia oznaczała dzieło przeciwne tragedii, z obowiązkowym szczęśliwym zakończeniem; jego bohaterowie należeli z reguły do klas niższych. W wielu poetykach (m.in. N. Boileau) komedię określano jako gatunek najniższy. W literaturze oświeceniowej tę proporcję naruszało uznanie gatunku średniego – tzw. dramatu filistyńskiego.

Komedia ma na celu przede wszystkim ośmieszenie tego, co brzydkie (niestosowne, sprzeczne z ideałem lub normą społeczną), bohaterowie komedii są wewnętrznie nie do utrzymania, niespójni, nie odpowiadają swemu stanowisku, celowi, a to podawane jest jako ofiara śmiechu, które je obalają, spełniając w ten sposób ich „idealną” misję. . Gama komedii jest niezwykle szeroka – od satyry politycznej po lekki wodewilowy humor. „Szczerą twarzą” każdej komedii jest śmiech. Jest komedia charakterów, komedia pozycji, komedia codzienna, komedia intrygi, komedia liryczna, komedia satyryczna.

Najważniejszym środkiem efektu komicznego jest komedia słowna (alogizm, niezgodność z sytuacją, parodia, ironia, w najnowszej komedii dowcip i zabawa paradoksami). Za ojca komedii uważa się Arystofanesa, twórcę społeczno-politycznej komedii satyrycznej.

W Rosji komedię reprezentują dzieła Fonvizina, Gribojedowa, Gogola, Ostrowskiego.

Melodramat(z greckiego melos - pieśń, dramat - akcja), 1) gatunek dramaturgii, sztuka z ostrą intrygą, przesadną emocjonalnością, ostrym przeciwstawieniem dobra i zła, nurt moralny i pouczający. Melodramat powstał we Francji w latach 90. XIX wieku (sztuki J.M. Monvela). W Rosji melodramat pojawił się pod koniec lat 20. XIX wieku (sztuki N.V. Kukolnika, N.A. Polevoya).

Tragedia(z greckiej tragodia, dosł. pieśń kozła), gatunek dramatyczny oparty na tragicznym zderzeniu bohaterskich postaci, jego tragicznym wyniku, pełen patosu. Tragedia naznaczona jest surową powagą, ukazuje rzeczywistość najdobitniej, jako zlepek wewnętrznych sprzeczności, odsłania najgłębsze konflikty rzeczywistości w niezwykle intensywnej i bogatej formie, która nabiera znaczenia symbolu artystycznego; To nie przypadek, że większość tragedii jest pisana wierszem. Historycznie rzecz biorąc, tragedia istniała w różnych przejawach, ale samą istotę tragedii, a także estetyczną kategorię tragizmu, nadała literaturom europejskim tragedia i poetyka starożytnej Grecji.

grecki tragedia wynikała z rytuałów religijnych, była reprodukcją, scenicznym przedstawieniem mitu; wprowadziła widzów w jedną rzeczywistość całego narodu i jego historyczne losy. Doskonałe przykłady kompletnych, organicznych dzieł sztuki tragicznej podali Ajschylos, Sofokles; Bezwarunkową realnością tego, co się dzieje, szokuje widza, wywołując u niego najsilniejsze konflikty wewnętrzne i rozwiązując je w wyższej harmonii (poprzez katharsis).

Nowy rozkwit tragedii przypada na epokę kryzysu późnego renesansu i baroku. Tragedia Szekspira przedstawia nieskończoną rzeczywistość, głęboki kryzys ludzki świat. Tragedia Szekspira nie mieści się w ramach odrębnej (konfliktu czy charakteru bohatera), ale obejmuje wszystko, jak samą rzeczywistość; osobowość bohatera jest wewnętrznie otwarta, nie do końca określona, zdolna do zmian, nawet gwałtownych przesunięć.

Próbki tragedii klasycyzmu reprezentują dzieła P. Corneille'a, J. Racine'a. To są tragedie wysoki styl z zachowaniem trzech jedności; doskonałość estetyczna pojawia się w wyniku świadomej powściągliwości poety, jako wirtuoza czysta formuła konflikt życiowy.

Na przełomie XVIII i XIX w. F. Schiller tworzy tragedię, aktualizując styl „klasyczny”. W epoce romantyzmu tragedia zostaje „odwrócona” do antycznej – nie świat, ale jednostka wraz ze swoją duszą staje się kluczem do treści merytorycznej.

Tragedia oznacza zdolność osoby do podjęcia walki z niezadowalającą pozycją wyjściową.

Tragedia(od gr. Tragos – koza i oda – pieśń) – jeden z typów dramatu, który opiera się na konflikcie nie do pogodzenia niezwykła osobowość z niemożliwymi do pokonania okolicznościami zewnętrznymi. Zwykle bohater umiera (Romeo i Julia, Hamlet Szekspira). Tragedia ma swój początek w starożytnej Grecji, nazwa pochodzi od ludowego przedstawienia na cześć boga winiarstwa Dionizosa. Odprawiano tańce, pieśni i opowieści o jego cierpieniach, na zakończenie których składano w ofierze kozę.

Komedia(z gr. comoidia. Comos – wesoły tłum i oda – piosenka) – rodzaj wyobraźni dramatycznej, która przedstawia komiks w życie towarzyskie, zachowania i charakteru ludzi. Rozróżnij komedię sytuacyjną (intrygę) i komedię postaci.

Dramat - rodzaj dramaturgii pośredniej między tragedią a komedią (Burza A. Ostrowskiego, Skradzione szczęście I. Franko). Dramaty przedstawiają głównie życie prywatne człowieka i jego ostry konflikt ze społeczeństwem. Jednocześnie często kładzie się nacisk na uniwersalne ludzkie sprzeczności ucieleśnione w zachowaniach i działaniach konkretnych postaci.

Tajemnica(od gr. mysterion – sakrament, nabożeństwo, obrzęd) – gatunek masowego teatru religijnego epoki późne średniowiecze(XIV-XV wiek), powszechny w krajach zachodniej Nvrotty.

Pokaz poboczny(od łac. intermedius – co jest w środku) – mały spektakl lub scena komiczna, która rozgrywała się pomiędzy akcjami dramatu głównego. We współczesnym pop-artie istnieje jako niezależny gatunek.

Wodewil(z francuskiego wodewilu) lekki spektakl komediowy, w którym akcja dramatyczna łączy się z muzyką i tańcem.

Melodramat - gra z ostrą intrygą, przesadną emocjonalnością i tendencją moralno-dydaktyczną. Typowe dla melodramatu jest „happy end”, triumf dobrodziejstw. Gatunek melodramatu był popularny w XVIII w. XIX wieki później zyskał negatywną reputację.

Farsa(od łac. farcio zaczynam, wypełniam) to zachodnioeuropejska komedia ludowa z XIV-XVI w., która wywodzi się z zabawnych zabaw rytualnych i przerywników. Farsę charakteryzują główne cechy popularnych przedstawień o charakterze masowym, orientacji satyrycznej, niegrzecznego humoru. W czasach nowożytnych gatunek ten wszedł do repertuaru małych teatrów.

Jak zauważono, metody reprezentacji literackiej są często mieszane pewne rodzaje i gatunki. To zamieszanie jest dwojakiego rodzaju: w niektórych przypadkach ma miejsce swego rodzaju przeplatanie się, gdy zachowane są główne cechy gatunkowe; w innych zasady rodzajowe są zrównoważone, a dzieła nie można przypisać ani eposowi, ani duchowieństwu, ani dramatowi, w wyniku czego nazywane są formacjami sąsiadującymi lub mieszanymi. Najczęściej epika i liryka są mieszane.

Ballada(z Prowansji. ballar - do tańca) - małe dzieło poetyckie z ostrą dramatyczną fabułą miłosną, legendarno-historyczną, bohatersko-patriotyczną lub fantastyczna treść. Obraz wydarzeń łączy się w nim z wyraźnym poczuciem autorskim, epos łączy się z tekstami. Gatunek rozpowszechnił się w epoce romantyzmu (W. Żukowski, A. Puszkin, M. Lermontow, T. Szewczenko i in.).

Liryczny poemat epicki- utwór poetycki, w którym według W. Majakowskiego poeta opowiada o czasie i o sobie (wiersze W. Majakowskiego, A. Twardowskiego, S. Jesienina itp.).

wiersz dramatyczny- utwór napisany w formie dialogicznej, ale nieprzeznaczony do wystawiania na scenie. Przykłady tego gatunku: „Faust” Goethego, „Kain” Byrona, „W katakumbach” L. Ukrainki i inni.

Dramat jest jeden z trzech rodzajów literatury (obok epopei i liryki). Dramat należy jednocześnie do teatru i literatury: będąc podstawową zasadą spektaklu, dostrzegany jest także w czytaniu. Powstał na zasadzie ewolucji przedstawienia teatralne: znaczenie aktorów łączących pantomimę ze słowem mówionym zapoczątkowało jej pojawienie się jako rodzaju literatury. Przeznaczony dla zbiorowego odbioru dramat zawsze skupiał się na najostrzejszych problemach społecznych i, w najbardziej uderzających przykładach, stał się popularny; jego podstawą są sprzeczności społeczno-historyczne lub odwieczne, uniwersalne antynomie. Dominuje w nim dramat – własność dusza ludzka, rozbudzany przez sytuacje, w których to, co cenione i istotne dla człowieka, pozostaje niespełnione lub zagrożone. Większość dramatów opiera się na pojedynczym działaniu zewnętrznym z jego perypetiami (co odpowiada zasadzie jedności działania, której początki sięgają Arystotelesa). Akcja dramatyczna z reguły wiąże się z bezpośrednią konfrontacją bohaterów. Jest albo prześledzony od fabuły do rozwiązania, obejmując duże okresy czasu (dramat średniowieczny i orientalny, na przykład Shakuntala Kalidasy), albo jest prowadzony tylko w kulminacyjnym momencie, blisko rozwiązania ( starożytne tragedie lub wiele dramatów nowego czasu, na przykład „Posag”, 1879, A.N. Ostrovsky).

Zasady dramatu

Klasyczna estetyka XIX wieku absolutyzowała je zasady konstrukcji dramatu. Traktując dramat – za Heglem – jako reprodukcję zderzających się ze sobą impulsów wolicjonalnych („akcji” i „reakcji”), V. G. Belinsky uważał, że „w dramacie nie powinna być ani jedna osoba, która nie byłaby konieczna w mechanizmie jego przebiegu i rozwoju” oraz że „decyzja o wyborze ścieżki zależy od bohatera dramatu, a nie od wydarzenia”. Jednak w kronikach W. Szekspira i tragedii „Borys Godunow” A. S. Puszkina jedność działań zewnętrznych jest osłabiona, a u A. P. Czechowa jest ona całkowicie nieobecna: kilka równych historie. Często w dramacie dominuje akcja wewnętrzna, w której bohaterowie nie tyle coś robią, ile przeżywają stabilne sytuacje konfliktowe i intensywnie myślą. W dramacie przełomu XIX i połowy XX w. dominuje akcja wewnętrzna, której elementy obecne są już w tragediach „Król Edyp” Sofoklesa i „Hamlet” (1601) Szekspira, dominuje w dramacie końca XIX – połowy XX w. (G. Ibsen, M. Maeterlinck, Czechow, M. Gorki, B. Shaw, B. Brecht, współczesny dramat „intelektualny”, np.: J. Anouil). Zasada działania wewnętrznego została polemicznie proklamowana w Kwintesencji ibsenizmu Shawa (1891).

Podstawa kompozycji

Uniwersalną podstawą kompozycji dramatu jest artykulacja jego tekstu. na odcinkach scenicznych, w których jeden moment ściśle łączy się z drugim, sąsiadującym: przedstawionym, tzw czas rzeczywisty jednoznacznie odpowiada czasowi percepcji artystycznej (patrz).

Podział dramatu na odcinki odbywa się na różne sposoby. W ludowym dramacie średniowiecznym i orientalnym, a także u Szekspira, u Borysa Godunowa Puszkina, w sztukach Brechta miejsce i czas akcji często się zmieniają, co nadaje obrazowi niejako epicką swobodę. Dramat europejski XVII–XIX w. opiera się z reguły na kilku długich epizodach scenicznych, które pokrywają się z aktami przedstawień, co nadaje ukazywanemu kolorytowi autentyczności życia. Estetyka klasycyzmu nalegała na jak najbardziej zwięzłe panowanie nad przestrzenią i czasem; „trzy jedności” głoszone przez N. Boileau przetrwały do XIX wieku („Biada dowcipu”, A.S. Griboedova).

Dramat i ekspresja postaci

W dramacie wypowiedzi bohaterów odgrywają decydującą rolę., które oznaczają ich wolicjonalne działania i aktywne ujawnienie się, natomiast narracja (historie bohaterów o tym, co wydarzyło się wcześniej, przesłania posłańców, wprowadzenie głosu autora do spektaklu) jest podporządkowana, jeśli nie całkowicie nieobecna; słowa wypowiadane przez bohaterów tworzą w tekście ciągłą linię. Mowa teatralna i dramatyczna ma dwojaki charakter adresowania: aktor charakterystyczny wchodzi w dialog z partnerami scenicznymi i odwołuje się monologicznie do publiczności (patrz). Monologiczny początek mowy występuje w dramacie, po pierwsze, w sposób dorozumiany, w postaci replik włączanych do dialogu z boku, które nie otrzymują odpowiedzi (takie są wypowiedzi bohaterów Czechowa, które oznaczają przypływ emocji rozdartych i samotni ludzie); po drugie, w formie właściwych monologów, które odsłaniają ukryte przeżycia bohaterów i tym samym zwiększają dramaturgię akcji, poszerzają zakres tego, co jest ukazane i bezpośrednio ujawniają jego znaczenie. Łącząc dialogiczny kolokwializm i retorykę monologową, mowa w dramacie koncentruje apelatywno-efektywne możliwości języka i nabiera szczególnej energii artystycznej.

Historycznie wczesne stadia(od starożytności do F. Schillera i V. Hugo) D., przeważnie poetycki, szeroko opierający się na monologach (wylewy dusz bohaterów w „scenach patosu”, wypowiedzi posłańców, uwagi poza uwagami, bezpośrednie apele do publiczności), co zbliżyło ją do sztuki oratorskiej i liryki. W XIX i XX wieku skłonność bohaterów tradycyjnego dramatu poetyckiego do „rozkwitu aż do całkowitego wyczerpania” (Yu.A. Strindberg) jest często postrzegana z dystansem i ironią, jako hołd dla rutyny i fałszu. W dramacie XIX wieku, naznaczonym żywym zainteresowaniem życiem prywatnym, rodzinnym, dominuje zasada konwersacyjno-dialogiczna (Ostrowski, Czechow), retoryka monologowa zostaje zredukowana do minimum ( późne sztuki Ibsena). W XX wieku monolog ponownie aktywuje się w dramacie, który zwrócił się w stronę najgłębszych konfliktów społeczno-politycznych naszych czasów (Gorky, V.V. Mayakovsky, Brecht) i uniwersalnych antynomii bytu (Anui, J.P. Sartre).

Mowa w dramacie

Mowa w dramacie przeznaczonym do wypowiadania się w dużej przestrzeni przestrzeń teatralna, zaprojektowana na efekt masowy, potencjalnie dźwięczna, pełnogłosowa, czyli pełna teatralności („bez elokwencji nie ma pisarza dramatycznego” – zauważył D. Diderot). Teatr i dramat potrzebują sytuacji, w których bohater przemawia do publiczności (kulminacje Generalnego Inspektora, 1836, N.V. Gogol i Burze, 1859, A.N. Ostrowski, kluczowe epizody komedii Majakowskiego), a także w hiperboli teatralnej: postać dramatyczna potrzebuje głośniej i wyraźniej wymawianych słów, niż wymagają tego ukazane pozycje (publicystycznie barwny monolog Andrieja samotnie toczącego wózek dziecięcy w IV akcie Trzech sióstr, 1901, Czechow). Puszkin mówił o skłonności dramatu do konwencjonalności obrazów („Ze wszystkich kompozycji najbardziej nieprawdopodobne są te dramatyczne”. A.S. Puszkin. O tragedii, 1825), E. Zola i L.N. Tołstoj. Gotowość do lekkomyślnego oddawania się namiętnościom, skłonność do nagłych decyzji, do ostrych reakcji intelektualnych, do chwytliwego wyrażania myśli i uczuć są nieodłączne od bohaterów dramatu znacznie bardziej niż bohaterów dzieł narracyjnych. Scena „łączy w ciasnej przestrzeni, w odstępie około dwóch godzin, wszystkie ruchy, których nawet namiętna istota często może doświadczyć tylko przez długi okres życia” (Talma F. O teatrze.). Główny temat poszukiwań dramatopisarza jest znaczący i żywy, całkowicie wypełniający świadomość ruchów duchowych, będących głównie reakcjami na to, co dzieje się w świecie. ten moment: na właśnie wypowiedziane słowo, na czyjś ruch. Myśli, uczucia i intencje, niejasne i niejasne, są odtwarzane w mowie dramatycznej z mniejszą konkretnością i kompletnością niż w formie narracyjnej. Takie ograniczenia dramatu przełamuje sceniczna reprodukcja: intonacja, gesty i mimika aktorów (niekiedy rejestrowane przez pisarzy w uwagach) oddają odcienie przeżyć bohaterów.

Spotkanie dramatyczne

Celem dramatu, zdaniem Puszkina, jest „działanie na tłum, zajęcie jego ciekawości” i w tym celu uchwycenie „prawdy namiętności”: „Śmiech, litość i przerażenie to trzy struny naszej wyobraźni, wstrząśniętej sztuką dramatyczną” (A.S. Puszkin. O dramat i dramat ludowy „Marfa Posadnitsa”, 1830). Dramat jest szczególnie ściśle powiązany ze sferą śmiechu, gdyż w jego ramach ugruntował się i rozwinął teatr uroczystości masowe, w atmosferze zabawy i zabawy: „instynkt komediowy” jest „podstawową zasadą wszelkich umiejętności dramatycznych” (Mann T.). W poprzednich epokach – od starożytności po XIX wiek – główne cechy dramatu odpowiadały ogólnym nurtom literackim i ogólnoartystycznym. Przekształcający (idealizujący lub groteskowy) początek w sztuce dominował nad odtwarzającym, a przedstawiane zauważalnie odbiegało od form realnego życia, przez co dramat nie tylko skutecznie konkurował z gatunkiem epickim, ale był także postrzegany jako „korona poezji” ” (Beliński). W XIX i XX w. dążenie sztuki do realizmu i naturalności, odpowiadając dominacją powieści i spadkiem roli dramatu (szczególnie na Zachodzie w pierwszej połowie XIX w.), jednocześnie radykalnie zmieniła jego strukturę: pod wpływem doświadczeń powieściopisarzy tradycyjna umowność i hiperbolizm przedstawienia dramatycznego zaczęły redukować się do minimum (Ostrowski, Czechow, Gorki z ich pragnieniem codziennej i psychologicznej autentyczności obrazów). Jednak nowy dramat zachowuje również elementy „nieprawdopodobieństwa”. Nawet w światowo autentycznych sztukach Czechowa niektóre wypowiedzi bohaterów mają konwencjonalnie poetycki charakter.

Chociaż w system figuratywny dramat zawsze dominuje charakterystyka mowy, w tekście nastawiony jest na spektakularną ekspresję i uwzględnia możliwości techniki scenicznej. Stąd najważniejszym wymogiem dramatu jest jego sceniczna prezencja (uwarunkowana w ostatecznym rozrachunku ostrym konfliktem). Są jednak dramaty przeznaczone wyłącznie do czytania. Takich jest wiele sztuk krajów Wschodu, gdzie czasami rozkwit dramatu i teatru nie pokrywały się, hiszpańska powieść dramatyczna „Celestina” (koniec XV wieku), w literaturze XIX wieku – tragedia J. Byron, „Faust” (1808-31) IV.Goethe. Problematyczny jest stosunek Puszkina do sceny u Borysa Godunowa, a zwłaszcza do małych tragedii. Teatr XX wieku, z sukcesem opanowując niemal wszystkie gatunki i formy gatunkowe literatury, zaciera dotychczasową granicę pomiędzy dramatem właściwym a dramatem czytelniczym.

Na scenie

Podczas wystawiania dramat (podobnie jak inne dzieła literackie) jest nie tylko wystawiany, ale także tłumaczony przez aktorów i reżysera na język teatru: na podstawie tekst literacki Opracowywane są rysunki ról intonacyjno-gestowych, tworzone są scenerie, efekty dźwiękowe i mise en scene. Etap „dopełnienia” dramatu, w którym jego znaczenie zostaje wzbogacone i znacząco zmodyfikowane, pełni ważną funkcję artystyczną i kulturalną. Dzięki niemu dokonują się semantyczne akcenty literatury, które nieuchronnie towarzyszą jej życiu w świadomości odbiorców. Zakres interpretacji scenicznych dramatu w miarę przekonujący nowoczesne doświadczenie, bardzo szeroki. Tworząc właściwy, zaktualizowany tekst sceniczny, niepożądana jest zarówno ilustracyjność, dosłowność w odczytaniu dramatu i sprowadzenie przedstawienia do roli jego „interlinearności”, jak i arbitralne, modernizujące przekształcenie stworzonego wcześniej dzieła – jego przekształcenie w okazję reżyserowi wyrażenie własnych aspiracji dramatycznych. Pełen szacunku i ostrożności stosunek aktorów i reżysera do koncepcji treści, cech gatunku i stylu dzieła dramatycznego, a także do jego tekstu, staje się imperatywem w odniesieniu do klasyki.

jako rodzaj literatury

Dramat jako gatunek literacki obejmuje wiele gatunków.. Tragedia i komedia istnieją w całej historii dramatu; Średniowiecze charakteryzuje się dramatem liturgicznym, misteriami, cudami, moralnością, dramatem szkolnym. W XVIII wieku dramat ukształtował się jako gatunek, który później dominował w dramaturgii światowej (patrz). Powszechne są także melodramaty, farsy, wodewile. W dramat współczesny znaleziony ważna rola tragikomedie i tragiczne farsy panujące w teatrze absurdu.

U początków dramatu europejskiego leżą dzieła starożytnych greckich tragików Ajschylosa, Sofoklesa, Eurypidesa i komika Arystofanesa. Koncentrując się na formach uroczystości masowych o charakterze rytualnym i kultowym, nawiązując do tradycji liryki chóralnej i kaplica stworzyli oryginalny dramat, w którym bohaterowie porozumiewali się nie tylko między sobą, ale także z chórem, wyrażając sposób myślenia autora i publiczności. Dramat starożytnego Rzymu reprezentują Plautus, Terencjusz, Seneka. Dramatowi antycznemu powierzono rolę pedagoga publicznego; jest to nieodłączne od filozofii, wielkości tragicznych obrazów, jasności karnawałowo-satyrycznej gry w komedii. Teoria dramatu (zwłaszcza gatunku tragicznego) od czasów Arystotelesa pojawiała się w kulturze europejskiej w tym samym czasie, co teoria sztuki słownej w ogóle, co świadczyło o szczególnym znaczeniu rodzaj dramatyczny literatura.

Na wschodzie

Okres rozkwitu dramatu na Wschodzie przypada na czas późniejszy: w Indiach – od połowy I tysiąclecia naszej ery (Kalidasa, Bhasa, Shudraka); starożytny dramat indyjski w dużej mierze opierał się na fabułach epickich, motywach wedyjskich i formach lirycznych pieśni. Największymi dramatopisarzami w Japonii są Zeami (początek XV w.), w którego dziele po raz pierwszy ukończono dramat formę literacką(gatunek yokyoku) i Monzaemon Chikamatsu (koniec XVII - początek XVIII wieku). W XIII i XIV wieku w Chinach ukształtował się świecki dramat.

Europejski dramat współczesności

Europejski dramat czasów nowożytnych, oparty na zasadach sztuki antycznej (głównie w tragediach), dziedziczył jednocześnie tradycje średniowiecznego teatru ludowego, głównie komedio-farsy. Jej „złoty wiek” – angielski i hiszpański dramat renesansowy i barokowy, ucieleśniał tytanizm i dwoistość osobowości renesansu, jej wolność od bogów, a jednocześnie zależność od namiętności i potęgi pieniądza, integralność i niespójność przepływu historycznego Szekspira w iście ludowej formie dramatu, łączącej tragizm i komizm, realność i fantastyczność, charakteryzującej się swobodą kompozycyjną, różnorodnością fabuły, łączącą subtelny intelekt i poezję z szorstką farsą. Calderon de la Barca ucieleśniał idee barokowe: dwoistość świata (antynomia tego, co ziemskie i duchowe), nieuchronność cierpienia na ziemi i stoickie samowyzwolenie człowieka. Dramat francuskiego klasycyzmu również stał się klasykiem; tragedie P. Corneille'a i J. Racine'a psychologicznie głęboko odsłoniły konflikt osobistych uczuć i obowiązków wobec narodu i państwa. „Wielka Komedia” Moliera łączyła w sobie tradycje spektaklu ludowego z zasadami klasycyzmu, a satyrę na przywary społeczne z ludową pogodą ducha.

Idee i konflikty Oświecenia znalazły odzwierciedlenie w dramatach G. Lessinga, Diderota, P. Beaumarchais, K. Goldoniego; w gatunku dramatu drobnomieszczańskiego zakwestionowano powszechność norm klasycyzmu i nastąpiła demokratyzacja dramatu i jego języka. Najbardziej wymowną dramaturgię stworzyli romantycy (G. Kleist, Byron, P. Shelley, V. Hugo) na początku XIX w. Patos wolności jednostki i sprzeciwu wobec burżuazji był przekazywany jasne wydarzenia legendarne czy historyczne, odziane były w pełne liryzmu monologi.

Nowy rozkwit dramatu zachodnioeuropejskiego datuje się na przełom XIX i XX wieku: Ibsen, G. Hauptman, Strindberg, Shaw skupiają się na ostrych konfliktach społecznych i moralnych. W XX wieku tradycje dramaturgiczne tej epoki przejęli: R. Rolland, J. Priestley, S. O'Casey, Y. O'Neill, L. Pirandello, K. Chapek, A. Miller, E. de Filippo, F. Durrenmatt, E. Albee, T.Williams. Poczesne miejsce w sztuce zagranicznej zajmuje tzw. dramat intelektualny kojarzony z egzystencjalizmem (Sartre, Anouille); w drugiej połowie XX w. rozwinął się dramat absurdu (E. Ionesco, S. Beckett, G. Pinter i in.). Ostre konflikty społeczno-polityczne lat 20. i 40. XX wieku znalazły odzwierciedlenie w twórczości Brechta; jego teatr jest zdecydowanie racjonalistyczny, intensywny intelektualnie, szczerze mówiąc, warunkowy, oratorski i spotkania.

Rosyjski dramat

Status wysoka klasyka Dramat rosyjski zdobywany od lat 20. i 30. XIX w(Gribojedow, Puszkin, Gogol). Wielogatunkowa dramaturgia Ostrowskiego z jej przekrojowym konfliktem godność człowieka i siła pieniądza, ze stylem życia naznaczonym despotyzmem, z jego sympatią i szacunkiem dla „małego człowieka” oraz z przewagą form „podobnych do życia”, stała się decydująca w kształtowaniu się repertuar narodowy 19 wiek. Dramaty psychologiczne wypełnione trzeźwym realizmem stworzył L.N. Tołstoj. Na przełomie XIX i XX wieku w twórczości Czechowa nastąpiła radykalna zmiana dramatu, który po zrozumieniu emocjonalny dramat intelektualiści swoich czasów, ubrali głęboki dramat w formę żałobnie ironicznego liryzmu. Repliki i epizody jego sztuk są ze sobą powiązane skojarzeniowo, zgodnie z zasadą „kontrapunktu”, stany psychiczne bohaterów ujawniane są na tle zwykłego toku życia za pomocą podtekstu, rozwijanego przez Czechowa równolegle z symbolista Maeterlinck, który interesował się „tajemnicami ducha” i ukrytą „tragedią życia codziennego”.

U początków krajowego dramatu okresu sowieckiego leży dzieło Gorkiego, kontynuowane przez sztuki historyczne i rewolucyjne (N.F. Pogodin, B.A. Ławrenew, V.V. Wiszniewski, K.A. Trenev). jasne próbki dramat satyryczny stworzony przez Majakowskiego, M.A. Bułhakowa, N.R. Erdmana. Gatunek baśni, łączący lekki liryzm, heroizm i satyrę, rozwinął E.L. Schwartz. Dramat społeczno-psychologiczny reprezentują dzieła A.N. Afinogenowa, L.M. Leonowa, A.E. Korneichuka, A.N. Arbuzowa, a później - V.S. Rozowa, A.M. Wołodina. L.G.Zorina, R.Ibragimbekova, I.P.Druta, L.S.Petrushevskaya, V.I.Slavkina, A.M.Galina. Temat produkcji stał się podstawą społeczności ostre zagrania I.M. Dvoretsky i AI Gelman. Swego rodzaju „dramat moralności”, łączący analizę społeczno-psychologiczną z groteskowym nurtem wodewilu, stworzył A.V. Vampilov. Dla Ostatnia dekada sztuki N.V. Kolyady są sukcesem. Dramat XX wieku ma czasami początek liryczny („dramaty liryczne” Maeterlincka i A.A. Bloka) lub narrację (Brecht nazywał swoje sztuki „epickimi”). Wykorzystanie fragmentów narracyjnych i aktywny montaż epizodów scenicznych często nadaje twórczości dramaturgów posmak dokumentu. A jednocześnie to właśnie w tych dramatach otwarcie burzy się złudzenie autentyczności przedstawianego obrazu i oddaje hołd pokazaniu konwencji (bezpośrednie odwołanie postaci do publiczności; reprodukcja na scenie wspomnień lub snów bohatera ; fragmenty pieśniowo-liryczne wkraczające w akcję). W połowie XX wieku krąży i reprodukuje dokumentalny dramat prawdziwe wydarzenie, dokumenty historyczne, literatura wspomnieniowa(„Drogi kłamco”, 1963, J. Kilty, „Sixth of July”, 1962 i „Revolutionary Study”, 1978, M.F. Shatrova).

Od słowa dramat Dramat grecki, co oznacza akcję.

Jednym z założycieli rosyjskiej krytyki literackiej był V. G. Bieliński. I choć w starożytności podjęto poważne kroki w rozwoju koncepcji rodzaju literackiego (Arystoteles), to właśnie Bieliński jest właścicielem opartej na nauce teorii trzech rodzajów literackich, z którą szczegółowo można zapoznać się czytając artykuł Bielińskiego „Podział poezję na rodzaje i typy.”

Istnieją trzy rodzaje fikcji: epicki(z gr. Epos, narracja), liryczny(zwana lirą instrument muzyczny, z towarzyszeniem śpiewanych wersetów) i dramatyczny(z greckiego dramatu, akcja).

Przedstawiając czytelnikowi konkretny temat (czyli temat rozmowy), autor wybiera różne podejścia do niego:

Pierwsze podejście: można określić szczegółowo powiedzieć o podmiocie, o wydarzeniach z nim związanych, o okolicznościach istnienia tego podmiotu itp.; jednocześnie stanowisko autora będzie mniej lub bardziej zdystansowane, autor będzie pełnił rolę swego rodzaju kronikarza, narratora lub wybierze jednego z bohaterów na narratora; najważniejsze w takim dziele będzie właśnie historia, narracja jeśli chodzi o temat, wiodącym typem mowy będzie właśnie narracja; ten rodzaj literatury nazywa się epicką;

Drugie podejście: możesz powiedzieć nie tyle o wydarzeniach, ile o wrażenie, które wyprodukowali na temat autora, o tych uczuciaże zadzwonili; obraz świat wewnętrzny, przeżycia, wrażenia i będzie odnosić się do lirycznego gatunku literatury; Dokładnie doświadczenie staje się głównym wydarzeniem tekstu;

Trzecie podejście: możesz przedstawiać przedmiot w akcji, pokaż go na scenie; wprowadzić czytelnikowi i widzowi, w otoczeniu innych zjawisk; ten rodzaj literatury jest dramatyczny; w samym dramacie najrzadziej zabrzmi głos autora – w uwagach, czyli autorskich wyjaśnieniach akcji i replikach bohaterów.

Rozważ poniższą tabelę i spróbuj zapamiętać jej treść:

Gatunki fikcji

EPOPEJA	DRAMAT	TEKST PIOSENKI
(grecki - narracja) fabuła o wydarzeniach, losach bohaterów, ich działaniach i przygodach, obrazie zewnętrznej strony tego, co się dzieje (nawet uczucia ukazane są od strony ich zewnętrznej manifestacji). Autor może bezpośrednio wyrazić swój stosunek do tego, co się dzieje.	(grecki - akcja) obraz wydarzenia i relacje między postaciami na scenie(specjalny sposób pisania tekstu). Bezpośredni wyraz autorskiego punktu widzenia w tekście zawarty jest w uwagach.	(od nazwy instrumentu muzycznego) doświadczenie wydarzenia; przedstawienie uczuć, świata wewnętrznego, stanu emocjonalnego; uczucie staje się głównym wydarzeniem.

Każdy rodzaj literatury obejmuje z kolei wiele gatunków.

GATUNEK MUZYCZNY- To historycznie ugruntowany zespół dzieł, które łączy wspólne cechy treści i formy. Do grup tych zaliczają się powieści, opowiadania, wiersze, elegie, opowiadania, felietony, komedie itp. W krytyce literackiej często wprowadza się pojęcie typu literackiego, to coś więcej szerokie pojęcie niż gatunek. W tym przypadku powieść będzie uważana za rodzaj fikcji i gatunki - różne odmiany powieści, na przykład powieść przygodowa, detektywistyczna, psychologiczna, przypowieść, powieść dystopijna itp.

Przykłady relacji rodzaj-gatunek w literaturze:

Rodzaj: dramatyczny; pogląd: komedia; gatunek muzyczny: komedia sytuacyjna.
Rodzaj: epicki; pogląd: fabuła; gatunek muzyczny: opowieść fantasy itp.

Gatunki będące kategoriami historyczny pojawiają się, rozwijają i ostatecznie „wychodzą” z „aktywnej rezerwy” artystów, w zależności od epoki historycznej: starożytni poeci liryczni nie znali sonetu; Obecnie gatunek archaiczny stała się odą zrodzoną w starożytności, popularną w XVII-XVIII w.; romantyzm XIX stulecia powołanego do życia literatura detektywistyczna itp.

Rozważ poniższą tabelę, która zawiera listę typów i gatunków związanych z różnymi rodzajami sztuki słownej:

Rodzaje, typy i gatunki beletrystyki

EPOPEJA		DRAMAT		TEKST PIOSENKI
Ludowy	Autorski	Ludowy	Autorski	Ludowy	Autorski
Mit Wiersz (epos): Heroiczny Strogowoinskaja wspaniały- legendarny Historyczny... Bajka Bylina Myśl Legenda Tradycja Ballada Przypowieść Małe gatunki: przysłowia powiedzenia zagadki kołysanki...	epicka powieść: Historyczny. Fantastyczny Ryzykowny Psychologiczny R.-przypowieść utopijny Społeczny... Małe gatunki: Opowieść Fabuła Nowela Bajka Przypowieść Ballada Oświetlony. bajka...	Gra obrzęd dramat ludowy Raek szopka...	Tragedia Komedia: zaprowiantowanie, postacie, maski... Dramat: filozoficzny społeczny historyczny społeczno-filozoficzne. Wodewil Farsa Tragifarsa...	Piosenka	o tak Hymn Elegia Sonet Wiadomość Madrygał Romans Rondo Epigram...

Podkreśla to także współczesna krytyka literacka czwarty, sąsiadujący gatunek literatury, łączący cechy rodzaju epickiego i lirycznego: liryczno-epicki do którego się odnosi wiersz. Rzeczywiście, opowiadając czytelnikowi historię, wiersz objawia się jako epos; odsłaniając czytelnikowi głębię uczuć, wewnętrzny świat osoba, która opowiada tę historię, wiersz objawia się jako liryczny.

DRAMAT - specjalny rodzaj twórczość literacka. Dramat, oprócz formy werbalnej, tekstowej, ma także drugie „życie” po tekście – inscenizację sceniczną w formie performansu, spektaklu. Oprócz autora w organizacji spektaklu biorą udział reżyserzy, aktorzy, kostiumografowie, artyści, kompozytorzy, dekoratorzy, charakteryzatorzy, iluminatorzy, pracownicy sceniczni itp. Ich wspólne zadanie można podzielić na dwa etapy:

2) nadać interpretację reżyserską, nową interpretację zamierzenie autora w przedstawieniu scenicznym.

Ponieważ utwór dramatyczny przeznaczony jest do obowiązkowej (choć w większości przypadków „pośmiertnej zaocznej”) współpracy autora z teatrem, tekst utworu dramatycznego zorganizowany jest w sposób szczególny.

Przeczytajmy fragmenty pierwszych stron tekstu dramatu A. Ostrowskiego „Burza z piorunami”:

BURZA
Dramat w pięciu aktach
Osoby:

S avel P ro k o f i ch D i ko i, kupiec, znacząca osoba w mieście.
Bo r i s G r i g or e v i h, jego bratanek, młody człowiek przyzwoicie wykształcony.
M a rf a Ignatievn a K a b a o va (K a b a n i h a), bogaty kupiec, wdowa.
Tichon Iwanych Kabanow, jej syn.
Ka terina, jego żona.
Var v a r a, siostra Tichona.
K u l i g in, handlarz, zegarmistrz samouk, poszukujący perpetuum mobile.
(…)

Akcja rozgrywa się latem w mieście Kalinow nad brzegiem Wołgi. Pomiędzy trzecią a czwartą akcją mija 10 dni.
Wszystkie osoby, z wyjątkiem Borysa, są ubrane po rosyjsku.

KROK PIERWSZY
Ogród publiczny na wysokim brzegu Wołgi; za Wołgą, wiejski widok. Na scenie znajdują się dwie ławki i kilka krzaków.

Pierwsze zjawisko

Kuligin siedzi na ławce i patrzy na rzekę. Kudryash i Shapkin idą.
K u l i g i n (śpiewa). „W środku płaskiej doliny, na równej wysokości…” (Przestaje śpiewać.) Cuda, zaprawdę trzeba to powiedzieć, cuda! Kręcony! Tutaj, mój bracie, od pięćdziesięciu lat codziennie patrzę na Wołgę i nie widzę wystarczająco dużo.
K u d r i sh. I co?
K u l i g i n. Widok jest niezwykły! Uroda! Dusza się raduje!
(…)
B o r i s. Wakacje; co robić w domu!
D ja k o y. Znajdź pracę, jeśli chcesz. Raz ci mówiłem, dwa razy mówiłem: „Nie waż się mnie spotkać”; rozumiesz to wszystko! Czy jest dla Ciebie wystarczająco dużo miejsca? Gdziekolwiek jesteś, tu jesteś! Pa, do cholery! Dlaczego stoisz jak filar! Mówią ci, prawda?
B o r i s. Słucham, co innego mogę zrobić!
D ja k o y (patrzy na Borysa). Oblałeś! Nawet nie chcę rozmawiać z tobą, z jezuitą. (Odjazd.) Tutaj jest to narzucone! (Pluwa i odchodzi.)

Zauważyłeś, że w odróżnieniu od autora eposu (pracy narracyjnej) autor nie opowiada długiej historii bohaterów, ale wskazuje ich na „liście”, podając krótkie niezbędne informacje o każdym z nich, w zależności od własnego planu: kto nazywa się, ile ma lat kto, kto jest kim w tym miejscu i w tym społeczeństwie, w którym toczy się akcja, kto do kogo należy itp. Ta „lista” aktorów nazywa się plakat.

Ostrowski dalej zauważył, Gdzie akcja ma miejsce ile czasu przechodzi pomiędzy pewnymi momentami akcji, jak są ubrani postacie; w przypisach do pierwszego aktu jest napisane: kto jest na scenie, Co robisz postacie, co on robi Każda z nich. W kolejnych fragmentach tekstu autor krótko stwierdza, w nawiasach: Do kogo bohaterowie stosować z przemową, czym one są gesty i postawy z którego intonacja Mówią. Wyjaśnienia te kierowane są przede wszystkim do artystów i reżysera i nazywane są tzw uwagi.

To, co się dzieje, podzielone jest na części kompozycyjne - działania(Lub dzieje), które z kolei są również podzielone na zjawiska(Lub sceny, Lub obrazy). Tłumaczy się to tym, że akcja sceniczna jest ściśle ograniczona w czasie: przedstawienie trwa zwykle 2-3 godziny i w tym czasie autor i aktorzy muszą wyrazić wszystko, dla czego utwór został napisany i wystawiony.

Wszystkie zjawiska, jak widać, są również podzielone na małe (a czasem duże!) Fragmenty, którymi są słowa – monologi i dialogi – postacie. Jednocześnie autor zawsze wskazuje, do którego z bohaterów należy, nazywając go po imieniu, jakby dając mu „mikrofon”. Te słowa bohaterów dramatu nazywają się repliki. Jak już zauważyłeś, słowom bohaterów często towarzyszą uwagi.

Więc,
Organizacja tekstu utworu dramatycznego i niezbędne terminy:

PLAKAT- jest to lista aktorów z objaśnieniami autora;

REPLIKA- to słowa bohaterów dzieła dramatycznego; repliki organizują się dialogi sceniczne bohaterów;

ZJAWISKO(albo obraz, albo scena) to kompletny fabularnie fragment tekstu utworu dramatycznego; każde zjawisko (scena, obraz) jest oddzielnym, zakończonym momentem akcji scenicznej, innymi słowy epizodem.

Ponieważ dramat jest akcją sceniczną, spektaklem teatralnym, przeznaczony jest nie tyle do komunikacji jednego czytelnika z tekstem autora (jak powieści, opowiadania, wiersze, wiersze, gdzie czytelnik i dzieło „komunikują” tete-a- tete, sami ze sobą), ile za masowy kontakt dzieła z publicznością. Do teatrów przychodzą setki i tysiące ludzi. A utrzymanie ich uwagi jest bardzo, bardzo trudne. Dlatego podstawą każdego przedstawienia jest twórczość autora Praca literacka- powinien opierać się na zainteresowaniu publiczności i wytrwale go „utrzymywać”. Dramaturg pomaga w tym dramaturgowi intryga.

INTRYGA(od łac. Intricare, „zmylić”) - 1) intrygi, ukryte działania, zwykle niestosowne, mające na celu coś osiągnąć; 2) stosunek postaci i okoliczności zapewniający rozwój akcji dzieło sztuki. (Słownik wyrazów obcych, 1988.)

Innymi słowy, intryga to rodzaj tajemnicy, zagadki, często organizowanej przez jednego z bohaterów dla własnych celów, której rozwiązanie jest podstawą dramatycznej akcji. Żadna sztuka nie może obejść się bez intrygi, bo inaczej nie będzie interesująca dla czytelników i widzów.

Przejdźmy teraz do treść dzieł dramatycznych. Jest to przede wszystkim związane z rodzajem i gatunkiem dramatu. Istnieją trzy typy dzieła dramatyczne: tragedia, komedia i dramat (nie mylić, nazwa gatunku jest taka sama, jak nazwa gatunku literatury, ale są to różne terminy).

	Tragedia	Komedia	Dramat
Epoka i kultura wyglądu:	Starożytna Grecja. Powstały z rytualnych świąt kapłańskich poświęconych bogom i bohaterom z mitów	Starożytna Grecja. Powstało z ludowego kalendarza uroczystych procesji.	Zachodnia Europa, XVIII wiek. Stał się swego rodzaju gatunkiem „pośrednim” pomiędzy tragedią a komedią.
Podstawa działki:	Pierwotnie: mitologiczny i wątki historyczne. Później – zwrotne, kulminacyjne, momenty w historii i losach człowieka	historie domowe, Powiązany życie codzienne osoby i relacji w rodzinie, z sąsiadami, współpracownikami itp.	Potrafi wykorzystać fabułę, postać oraz tragedie i komedie
Główne postacie:	Początkowo: bogowie, bohaterowie mitów, postacie historyczne; Później - silne, niebanalne osobowości, potężne postacie, niosące jakąś ideę, w imię której zgadzają się poświęcić wszystko.	Zwykli ludzie, mieszczanie, wieśniacy ze swoimi codziennymi zmartwieniami, smutkami i radościami, trikami, sukcesami i porażkami.	Dowolni bohaterowie.
Konflikt:	Tragiczne lub nie do rozwiązania. Opiera się na wielkich „wiecznych” pytaniach o byt.	Komiczne, czyli dające się rozwiązać w trakcie poprawnych (z punktu widzenia autora) działań bohaterów.	Dramatyczny: Głębia sprzeczności jest bliska tragiczności, ale bohaterowie nie są nosicielami idei.
Cele kreatywne:	Pokaż walkę człowieka i okoliczności, człowieka i losu, człowieka i społeczeństwa w ostrości sprzeczności, siłę ludzkiego ducha w słuszności i błędzie.	Naśmiewaj się z występku, pokazuj jego niemoc i stratę przed prawdą wartości życiowe prosta osoba.	Ukazać złożoność i niespójność ludzkiego życia, niedoskonałość społeczeństwa, niedoskonałość ludzkiej natury
Przykłady:	Sofokles. Edyp Rex W. Szekspir. Mała wioska W. Wiszniewski. Optymistyczna tragedia	Arystofanes. Chmury Molier. Tartuffe N. Gogola. Rewident księgowy A. Ostrowski. Nasi ludzie – liczmy! M. Bułhakow. Iwan Wasiliewicz	H.Ibsena. Domek dla lalek A. Ostrowski. Burza M. Gorki. Na dnie

Ważnym aspektem dzieła dramatycznego jest kompozycja. Istnieje kilka rodzajów kompozycji dramatu jako rodzaju literatury. Rozważmy niektóre z nich:

Kompozycja opowieści- Ten ogół wszystkich relacji między postaciami, system ich mowy-gestów i czynów-działań, które łączy jeden cel autorski, czyli główny temat dzieła dramatycznego. Zestaw ten ma na celu ukazanie charakterów bohaterów, przyczyn ich uzależnienia od cech codziennych i psychologicznych.

Dynamiczna kompozycja- zorganizowane przez autora łącząc wszystkie ostre punkty dramatycznej akcji(ekspozycja --> wzrost akcji --> konflikt --> rozwiązanie --> wzrost --> punkt kulminacyjny --> spadek itp.). Kompozycja dynamiczna jest charakterystyczna zarówno dla całości dzieła, jak i jego poszczególnych elementów: akcji, aktów, zjawisk, scen, obrazów itp.

Kompozycja dialogiczna- Ten techniki tworzenia dialogu dramatycznego, których może być wiele:

Każda postać prowadzi swój własny temat i ma swój własny nastrój emocjonalny (różna tematyka);
Tematy zmieniają się okresowo: od wskazówki do wskazówki, od odcinka do odcinka, od akcji do akcji (zmiana tematu);
Temat jest rozwijany w dialogu przez jedną postać i podejmowany przez inną (przechwytywanie tematu);
Temat jednego bohatera w dialogu zostaje przerwany przez innego, ale nie opuszcza dialogu (przerwanie tematu);
Postacie odchodzą od tematu, a następnie do niego wracają;
Do tematu porzuconego w jednym dialogu bohaterowie powracają w innym;
Temat można przerwać bez dokończenia (przerwa w temacie).

Ponieważ utwór dramatyczny przeznaczony jest do wystawienia w teatrze, na który przychodzą setki widzów, rozważany przez autora zakres zjawisk życiowych ( tematyka) musi być istotne dla widza – w przeciwnym razie widz opuści teatr. Dlatego dramatopisarz wybiera sztukę tematy zdeterminowane albo epoką, albo odwiecznymi potrzebami człowieka, przede wszystkim duchowymi, Z pewnością. To samo można powiedzieć o kwestie, czyli o tych sprawach, które nurtują autora i które stawia przed sądem czytelnika i widza.

A. N. Ostrowski zwrócił się do tematów z życia rosyjskich kupców, małych i dużych urzędników, mieszczan, twórczych, przede wszystkim publiczności teatralnej - czyli tych części rosyjskiego społeczeństwa, które były mu dobrze znane i studiowały zarówno od strony pozytywnej, jak i negatywnej . A problemy poruszane przez dramatopisarza dotyczyły także sfery publicznej:

Jak może przebić się w życiu młody, inteligentny, utalentowany człowiek, który ze względu na biedę i pochodzenie nie ma silnego wsparcia w postaci bogatego i wpływowego krewnego lub znajomego? („Wystarczy prostoty dla każdego mądrego człowieka”)
Gdzie podziało się sumienie rosyjskich kupców? Jak to się stało, że w pogoni za zyskiem zarówno córka, jak i zięć byli gotowi okraść teścia i zostawić go w więzieniu dłużnika, aby nie spłacić długów? („Własni ludzie - rozstrzygnijmy!”)
Dlaczego matka sprzedaje urodę swojej córki? ("Posag")
Co powinna zrobić piękna, ale biedna i pozbawiona ochrony dziewczyna, aby jej miłość i honor nie zostały zrujnowane? ("Posag")
Jak osoba, która czuje, kocha i pragnie wolności, może żyć wśród „ciemnego królestwa” ignorantów i tyranów? („Burza z piorunami”) itp.

A. Czechow dedykował swoje sztuki ludziom z innych kręgów: inteligencji rosyjskiej, ostatnim „odłamkom” rodziny szlacheckie i ludzie sztuki. Ale intelektualiści Czechowa zbyt głęboko wikłają się w „wieczne” kwestie, które pozbawiają ich możliwości podejmowania decyzji; jego właściciele, ubóstwiając sad wiśniowy jako ogólnorosyjski skarb, nie robią nic, aby go uratować i przygotowują się do wyjazdu akurat w momencie wycinania sadu; a aktorzy, artyści i pisarze Czechowa na scenie są zupełnie inni od „gwiazd”, „idoli”, których oklaskuje publiczność: są małostkowi, skąpi, przeklinają rubla, kłócą się z bliskimi, tchórzliwie znoszą już wymarłe a teraz wcale nie kochający, ale nudny i uciążliwy związek... A problemy sztuk Czechowa również w dużej mierze wynikają z czasu:

Czy można ocalić przemijające życie i jak to zrobić? („Wujek Iwan”, „ Wiśniowy Sad")
Ale czy bohaterowie Czechowa będą tego z taką czcią oczekiwali „jutro”, „później”, „kiedyś”? ("Trzy siostry")
Dlaczego czas mija, a człowiek się nie zmienia? („Mewa”, „Trzy siostry”, „Wujek Wania”)
Czy będzie kiedyś szczęśliwy koniec tej ścieżki, tych wędrówek, które przypadają na los narodzonego człowieka? („Wiśniowy sad”)
Czym jest szczęście, chwała, wielkość? ("Frajer")
Dlaczego człowiek musi cierpieć, aby uwolnić się od złudzeń i odkryć swój talent? ("Frajer")
Dlaczego sztuka wymaga od człowieka tak strasznych poświęceń? ("Frajer")
Czy człowiek jest w stanie wydostać się z rutyny, w którą się wpędził? („Trzy siostry”, „Wiśniowy sad”, „Mewa”)
Jak zachować piękny „wiśniowy ogród” – naszą Rosję – taką, jaką ją kochamy i pamiętamy? („Wiśniowy sad”) itp.

Sztuki Czechowa przeniesione do dramaturgii rosyjskiej nowe konkrety akcja sceniczna: na scenie nie odbywają się żadne specjalne wydarzenia, „przygody”. Nawet niezwykłe wydarzenia (na przykład próba samobójcza i samobójstwo Trepleva w Mewie) dzieją się jedynie „za kulisami”. Na scenie bohaterowie tylko rozmawiają: kłócą się o drobnostki, układają relacje, które są już dla wszystkich jasne, nie rozmawiają o niczym znaczące rzeczy znudzić się i porozmawiać o tym, co wydarzyło się „za kulisami”. Ale ich dialogi przepełnione są potężną energią wewnętrznego działania: za błahymi uwagami kryje się ciężka ludzka samotność, świadomość własnego niepokoju, czegoś niedokonanego, a bardzo ważnego, bez czego życie nigdy nie będzie lepsze. Ta właściwość sztuk Czechowa pozwoliła uznać je za sztuki o wewnętrznej dynamice i stała się nowym krokiem w rozwoju rosyjskiej dramaturgii.

Wiele osób często pyta: Dlaczego przy stawianiu takich problemów i rozwijaniu fabuły spektaklu „Wiśniowy sad” i „Mewa” to komedie? Nie zapominaj, że nie zostały one zdefiniowane przez krytyków, ale przez samego autora. Wróć do stołu. Jaki jest twórczy cel komedii?

Zgadza się, wyśmiewanie występku. Czechow natomiast naśmiewa się, a raczej chichocze – subtelnie, ironicznie, pięknie i smutno – nie tyle z wad, ile z niezgodności, „nieprawidłowości” życia współczesnego człowieka, czy to ziemianin, pisarz, lekarz lub ktoś inny: wielka aktorka - chciwa; sławny pisarz- dziobak; „do Moskwy, do Moskwy” – i całe życie spędzimy na prowincjonalnej pustyni; właściciel ziemski pochodzący ze szlacheckiej i zamożnej rodziny - i pójdzie do banku jako zwykły pracownik, nie mający pojęcia o bankowości; nie ma pieniędzy - i dajemy złoto żebrakowi łobuzowi; będziemy zmieniać świat - i spadamy ze schodów... To jest dokładnie to rozbieżność, co przytłacza sztuki Czechowa (właściwie podstawę komiksu) i czyni z nich komedie w najwyższym wydaniu, starożytny sens słowami: to są prawdziwe „komedie życia”.

Przełomowa epoka (koniec XIX – początek XX w.) wymagała od dramaturgów zwrócenia uwagi na nowe tematy, a przede wszystkim na samo zjawisko „człowieka”. M. Gorki w spektaklu „Na dole” rysuje straszny model „dna” społeczeństwa ludzkiego, tworząc na scenie rodzaj mieszkalnego domu-jaskini, jakby mieszczącego cały świat jego współczesnego relacje międzyludzkie. Ale „dno” Gorkiego to nie tylko bieda i niepokój. Dusza ma także „dno” i otwarcie głuchych mroczne sekrety ta dusza ucieleśniała się w obrazach Barona, Kleszcza, Aktora, Kostylewa, Asha... prawdziwe, rzeczywiste życie. Nikt nie odmieni Twojego życia, chyba że Ty sam – to wynik obserwacji autorki bohaterów dramatu. I dlatego dramat Gorkiego „Na dole” określa się gatunkowo jako społeczno-filozoficzny. Kluczowymi problemami Gorkiego były:

Jaka jest prawdziwa prawda o życiu?
W jakim stopniu człowiek jest w stanie przejąć kontrolę nad własnym losem? Co zrobiłeś, aby Twoje życie było inne, takie, jakie chciałbyś, żeby było?
Kto jest winien, że próbuje „wyskoczyć z tramwaju” i zacząć nowe życie przegrany?
Jak dzisiaj należy postrzegać człowieka, współczesny autor, za chwilę?
Litować się czy potępiać? Co naprawdę pomaga człowiekowi?
Jak odpowiedzialne jest społeczeństwo i środowisko za życie człowieka? Itd.

Analizując utwór dramatyczny, będziesz potrzebować umiejętności, które nabyłeś podczas wykonywania zadań związanych z analizą odcinka utworu.

Bądź ostrożny, ściśle przestrzegaj planu analizy.

Tematy 15 i 16 są ze sobą ściśle powiązane, więc pomyślne ukończenie pracy jest możliwe tylko po szczegółowym przestudiowaniu materiały teoretyczne na te tematy.

A.S.Gribojedow. Komedia „Biada dowcipu”
N. Gogola. Komedia „Inspektor”
A. N. Ostrowski. Komedia „Własni ludzie – osiedlajmy się!”; dramaty „Burza z piorunami”, „Posag”
A.P. Czechow. Spektakl „Wiśniowy sad”
M. Gorki. Spektakl „Na dnie”