Menu
domZdrowie

Journal of the Art of Drawing and Painting (DeAgostini). Narzędzia w kolekcji

Sztuka rysunku i malarstwa 1

Pierwszy numer serii czasopism rysunkowych

Liczba załączników: paleta, 4 farby, pędzel, 3 kartki papieru.

W 2013 roku ukazała się seria magazynów poświęconych rysunkom DeAgostiniego - Sztuka rysowania i malowania. W artykule - przegląd pierwszego numeru magazynu oraz wszystkie rozkładówki pierwszego numeru magazynu.

Sztuka rysunku i malarstwa #1- farby akwarelowe (4 kolory, nazwa farby sygnowana z boku każdej kuwety), biała plastikowa paleta w kształcie kwiatka, pędzel do rysowania, biały papier kredowy do rysowania (3 arkusze, gruby, wysoki jakość) ..

Oficjalna data premiery pierwszego numeru serii to 15.01.2013. A w sumie obiecują aż 100 pokoi!

Magazynek z nawiasami, więc teczka prawdopodobnie będzie z pierścieniami. Folder wychodzi z drugim numerem (plus z drugim numerem będzie 5 kolorowych arkuszy rysunków).

Sztaluga (wersja mini) i szkicownik sprzedawane są osobno - cena wynosi odpowiednio 299 i 699 rubli.

Wydanie nakładowe 350.000.

Jakość farby w pokoju jest taka sobie. Jeśli naprawdę masz zamiar rysować - kup normalne. Ale ogólnie rzecz biorąc, ważniejsza jest tutaj inspiracja, jaką daje magazyn.

Dostępne w sprzedaży - tutaj jest 1 numer
A oto ogólna część serii.

Dla porównania zobacz także recenzję pierwszego numeru starej serii rysunków Fabbri - The Jolly Artist.

Sztuka rysunku i malarstwa, wydanie 1

Sztuka Rysunku i Malarstwa 1 - plansza demonstracyjna (duży format).

Odwrotna strona demo.

Odwrotna strona opakowania z załącznikami do numeru.

papier rysunkowy, paleta, farby, pędzel.

Okładka pierwszego numeru magazynu z serii.

Rysowanie jest łatwe. Pierwszą lekcją jest rysowanie jabłka ołówkiem.

Pierwsza lekcja rysunku.

Kończymy rysować jabłko.

letni krajobraz- praca z farbami.

Lekcja krajobrazu.

Koniec lekcji (pejzaż).

Malowanie akwarelami.

Martwa natura z owocami.

Lekcja - narysuj martwą naturę.

Ostatnie poprawki (martwa natura).

Moc koloru.

Wazon kolażowy z kwiatami.

Kolaż, słownik.

Odwrotna strona magazynu - OGŁOSZENIE II numeru.

Wstaw z datami wydania.

Paleta, 4 farby w kuwetach, pędzel.

Zapowiedź II numeru - będzie teczka na czasopisma i 5 kolorowych arkuszy do rysowania.

  • Wesoły artysta
  • Sztuka rysunku i malarstwa
  • Niemieckie artykuły rysunkowe: farby i ołówki, pisaki, kredki
  • Zestaw do rysowania
  • Schipper
  • Sztuka kaligrafii
  • Malowanie Smeshariki
  • Kolorowy karton z wzorami
  • Kręcone nożyczki i zestawy do kreatywności
  • Żel i klej do dekoracji
  • Farby akrylowe
  • Owady i ich przyjaciele #10 recenzja
  • Owady i ich przyjaciele #9 recenzja
  • Sztuka rysunku i malarstwa (seria testowa)
  • Drewniana sztaluga stołowa
  • Rysunek: DUŻO papieru, farby i pędzli

    Zebraliśmy serię Merry Artist – tam magazyn był do rysowania dla dzieci, jest łatwiej, tutaj jest bardziej dla dorosłych, albo dla nastolatków, nie jest łatwo. I tutaj nie ma różnych „żetonów i żartów”, których w Wesołym Artystce było wiele.
    Ogólnie rzecz biorąc, wciąż myślimy… liczb jest za dużo – aż 100! Trzeba rysować przez całe 2 lata. :-))

    Rysowałem obrazy dla tego magazynu. Jutro zrobię zdjęcie i pokażę.

    Czekamy na zdjęcia!

    Czy został narysowany farbami z magazynu, czy przez innych? ..
    Jaka jest jakość papieru w porównaniu do zwykłej akwareli lub do rysowania? ..
    Ogólnie rzecz biorąc, jest świetnie - i prawdę mówiąc, wydaje się, że całkiem możliwe jest nauczenie się rysowania.

    Podróżniku, brawo!

    Dziękuję!
    Jakość papieru BARDZO DOBRA, narysowałam jabłko na zwykłym. Rysowane farbami z magazynu.

    Przepraszam, ale gdzie mogę kupić numer 1, po prostu przegapiłem zakup

    póki istnieje
    Ale to pewnie niedługo się skończy, pierwsze numery już bardzo długo nie są w sprzedaży.

    Bardzo interesujące. Chciałbym nauczyć się dobrze rysować, ale gdzie mogę kupić brakujące cyfry?
    Marina Władimirowna

    Tutaj jest

    Ale nie należy zwlekać z zakupem - stare numery znikają ze sprzedaży, bardzo trudno je później znaleźć!

    Spojrzałem na cenę: w Rosji kosztuje 139 rubli, a na Ukrainie będzie kosztować 100 rubli, czyli 25 UAH. Myślę, że serial ukaże się we wrześniu, kiedy zacznie się sezon szkolny, chociaż rozumiem, że serial jest przeznaczony bardziej dla dorosłych. Myślę, że cena za pierwszy numer jest normalna. Na Ukrainie myślę, że pierwszy numer będzie kosztować 10 hrywien lub 40 rubli, raz w Rosji 59.
    Widziałam 6 kolorów (swoją drogą, tuby są dość duże), akwarele plus podobna lub taka sama paleta plus pędzelek, cena to 6 UAH czyli 24 ruble. Ale tutaj cena dotyczy również magazynu i 3 kartek papieru, więc 40 lub 59 za tak niską cenę.

    Zdecydowanie uważam, że ta seria jest całkowicie nieadekwatna.
    Materiały malarskie nie kosztują tak dużo; dostępne w sprzedaży, w dowolnej jakości - teraz nie ma z tym problemów;
    Nie da się nauczyć rysować z czasopism – mówię jako osoba, która ukończyła studia Szkoła Artystyczna od utalentowanego nauczyciela. Talent do rysowania jest dawany od urodzenia, podobnie jak słuch do muzyki – niektórzy go mają, inni nie – w różnym stopniu. Ci, którzy to mają – rysują od urodzenia i nie potrafią rysować – myślą obrazami, wyobrażają sobie w głowie i próbują tłumaczyć na papierze – w wieku półtora roku ich córka narysowała wieloryba, nie potrafiąc poprawnie mówić . W szkole plastycznej widziałem nieopodal studiujących - uwierzcie mi, od razu jest jasne - komu się to daje, komu nie daje się (nie uważam się za szczególnie utalentowanego, rysuję - ale nie jestem artysta, raczej projektant)
    Ci, którym Bóg nie dał talentu, nie będą potrafili rysować – żadne czasopismo nie pomoże. Wszelkie próby powtórzenia tego, co przeczytasz, zakończą się niepowodzeniem.

    Tak, tak naprawdę nie można nauczyć się rysować z czasopism, ale można po prostu nauczyć się rysować (szczególnie dla dzieci). To prawda, że ​​​​to czasopismo nadal nie jest zbyt interesujące dla dzieci, jest bardziej dla dorosłych, a dorosły może uczyć się z dobrych książek i kursów.

    Piszę o dorosłych, o odbiorcy, dla którego powstał magazyn.
    Z moich obserwacji wynika, że ​​rysowania dzieci powinna uczyć osoba dorosła, ktokolwiek – mama, tata, babcia, nauczyciel koła. Ci, którzy w przyjaźni mają matkę z ołówkiem, rysują dobrze do 5 roku życia. Kto nie widzi w życiu procesu tłumaczenia obrazu na czystą tabliczkę – dla tych do 7 roku życia okazuje się, że to trzylatki – oceniam po moich dzieciach i moich przedszkolakach.
    A dla prawdziwej techniki artystycznej - do mistrza - do pracowni lub szkoły artystycznej. Bardzo lubiłam zajęcia w szkole plastycznej, przez 4 lata, 3 razy w tygodniu, po 3 pełne godziny – i nie nudziłam się – latałam biegając.

    Ukończyłam też szkołę plastyczną – jednak uczyłam się przez 6 lat i pod koniec nie mogłam już tego znieść. Więziono tam absolutnie wszystkich - z roku na rok było coraz więcej osób noszących okulary, do 6 roku życia wszyscy nosili okulary i to w mocnych okularach. Tak się nazywa szkolenie zawodowe. Oczywiście jest w tym plus - z łatwością mogę nauczyć dzieci rysować. :-) I tak, jeśli ktoś z mojej rodziny uczy dzieci (na co dzień) - nawet nie uczy, a po prostu pokazuje, jak i czego - dzieci rysują łatwo i cudownie. I bardzo lubią rysować. :-) Kupuję opakowania farb, ołówków, albumów i pisaków. :-))

    Ja też skończyłam szkołę plastyczną, ale nie uważam pisma za bezużyteczne. Talent po przeczytaniu magazynu oczywiście się nie pojawi, ale dla ogólnej erudycji – czemu nie? Jeśli ktoś ma potrzebę rysowania i robi to dla siebie i sprawia mu to przyjemność - kogo to obchodzi, że jest to nędzne? Ci, którzy lubią karaoke, również nie zawsze mają głos i słuch (znowu talent do karaoke jest bezużyteczny). A ktoś na przykład uczy się tańczyć walca (lub taniec brzucha) - dla siebie, a nie po to, aby zostać zawodowym tancerzem i występować na konkursach.

    Tak, niewiele osób musi osiągnąć poziom zawodowy, ale dla ogólnego rozwoju można studiować książki i czasopisma.
    Jak wersja dla dzieci Bardziej podobał mi się Wesoły Artysta – było więcej ciekawych zadań dla dzieci. To propozycja dla starszych dzieci, młodzieży i dorosłych.

    Uważany jedynie za magazyn czytelniczy – 13 000 – 14 000 za komplet – to mało? Ile książek do ogólnego rozwoju, w tym rysowania!
    W tym wydaniu nie ma moim zdaniem odpowiedniego połączenia ceny i korzyści. Dla mnie to spekulacja oparta na fałszywych nadziejach. Odwiązałem zysk od wydawcy, ale nie umiałem rysować, nie uczyłem się, tylko czytałem o rysowaniu (ale za duże pieniądze).

    Tutaj – tutaj całkowicie się zgadzam – za te pieniądze można całować półka na książki zbieraj doskonałe zeszyty do rysowania, plus kupuj potrzebne materiały (a nie zbieraj 2-3 tubki przez cały rok - jakiś nonsens) ... A jeśli chodzi o rysunek - WSZYSTKO jest w promocji, bierz i ucz się. Magazyn jest dla tych, którzy mają nadzieję, że tego nauczą... Tak nie jest, cuda się nie zdarzają, tego trzeba się będzie nauczyć samemu. I łatwiej – z książek, a nie z magazynu. Według magazynu - jak okazuje się jakaś rozrywka.

    Niż zbierać cały zestaw - oczywiście, że lepiej mieć jeden dobra książka rysując. Ale ta rozmowa przypomniała mi argumenty, że lepiej kupić jedną porcelanową lalkę kolekcjonerską niż 80 pań z epoki. I kupujemy :)

    :-)) Zgadzać się. To samo z czasopismami dla dzieci – świetnych książek są setki, ale dzieci nadal bardzo kochają głupie czasopisma dla dzieci i czekają na nowe numery.
    Dobre rzeczy to jedno, a masowe i regularne to drugie. :-)) Dobre i kolekcjonerskie rzeczy są na całe życie; możesz chcieć wyrzucić jakieś okresowe bzdury, może po kilku latach, ale... Może nie chcesz. :-)

    Magazyn mi się podobał

    A jednak te przybory plastyczne, które znajdują się w magazynie, wcale mi nie przeszkadzają i nie widzę w tym magazynie nic złego. Oczywiście rysowania poważniej musisz nauczyć się od specjalisty, na przykład w szkole artystycznej - możesz ukończyć Akademię Sztuk Pięknych, ale nie możesz nauczyć się rysować.

    Mam numer 43, ale skończyłem zbieranie

    Nie, tak naprawdę nie zaczęliśmy zbierać, jest wiele książek do rysowania. Właśnie kupiłem tylko kilka pokoi.

Poniżej zostaną zaprezentowani artyści, którzy słyną na całym świecie ze swojej umiejętności rysowania zwykłym ołówkiem łupkowym. Każdy z nich ma swój styl, osobowość, a także ulubione tematy kreatywności. Ponadto nazwisko każdego autora jest również linkiem do osobistej galerii internetowej artysty, w której można bardziej szczegółowo zapoznać się z rysunkami ołówkiem i biografią każdego z nich.
Przeglądając zdjęcia, na pewno coś zauważycie ciekawe funkcje na zdjęciach wszystkich. Niektóre wyróżniają się miękkością linii, płynne przejścia jasne cienie i opływowe kształty. Inni wręcz przeciwnie, w swoich pracach używają twardych linii i wyraźnych pociągnięć, które dają dramatyczny efekt.
Wcześniej na naszej stronie publikowaliśmy już wizerunki niektórych mistrzów. Oto lista artykułów, w których można zobaczyć równie atrakcyjne rysunki ołówkiem.

  • Album z niesamowitymi ilustracjami Mattiasa Adolfssona;

JD Hillberry’ego

Naturalne zdolności i silna chęć zwrócenia uwagi na swoją twórczość pojawiły się u JD Hillberry'ego już jako dziecko. Chęć i talent uczyniły mistrza jednym z najlepszych artystów rysunku ołówkiem na świecie. Jeszcze podczas studiów w Wyoming zaczął rozwijać własną technikę, mieszając węgiel drzewny i grafit, aby uzyskać zdjęcie realistyczny efekt w swoich rysunkach. JD wykorzystuje światło monochromatyczne, aby zwrócić uwagę widza na grę światłocienia i faktury. Przez całą swoją karierę starał się wyjść poza realizm i ekspresję. Po przeprowadzce do Kolorado w 1989 roku Hillberry zaczął eksperymentować z fałszywymi rysunkami. Tradycyjnie tego typu prace wykonywane są olejami, ale on z powodzeniem oddał realizm fabuły za pomocą ołówka. Widz, patrząc na takie obrazy, jest zwiedziony, myśląc, że przedmiot znajduje się w ramce lub w oknie, chociaż w rzeczywistości wszystkie te elementy są narysowane. Pracując w swoim studiu w Westminster w Kolorado, JD Hillberry swoimi rysunkami nieustannie poszerza percepcję publiczności.

Briana Dueya

Brian jest jednym z najlepszych niesamowici artyści rysunek ołówkiem, który pięknie współpracuje z ołówkiem, tworząc inspirujące dzieła sztuki. Oto co mówi o swojej twórczości i o sobie:
„Nazywam się Brian Duey. Urodziłem się i wychowałem w Grand Rapids w stanie Michigan. Uczęszczałem do szkoły publicznej w małej wiosce Granville, gdzie po raz pierwszy zetknąłem się ze sztuką. Nigdy nie myślałem o powadze mojego hobby, ale odkryłem w wieku 20 lat poczułem silny pociąg do rysowania ołówkiem. Siedziałem sam w domu i z nudów wziąłem ołówek i zacząłem rysować. Od razu pokochałem rysowanie i chciałem to robić cały czas. Z każdym rysunkiem byłem coraz lepszy.W trakcie pracy wypracowałem sobie własną technikę i oryginalne triki.Dążę do tworzenia realistyczne rysunki i dodać własne pomysły koncepcyjne. Często jestem pytany co mnie inspiruje i gdzie nauczyłem się rysować. Śmiało mogę stwierdzić, że jestem samoukiem.
Moje ilustracje były publikowane w książkach i kartkach okolicznościowych, na okładkach płyt CD i w różnych magazynach. Pracą komercyjną zajmuję się od 2005 roku i przez ten czas pozyskałem klientów na całym świecie. Większość moich zamówień pochodzi ze Stanów Zjednoczonych, Wielkiej Brytanii i Kanady, ale pracuję również z klientami w Irlandii. Moje obrazy były pokazywane w galeriach w Stanach Zjednoczonych. W 2007 roku poproszono mnie o namalowanie portretu Britney Spears, który znajdował się w galerii sztuki w Hollywood w Kalifornii. To wydarzenie było transmitowane przez MTV i stałem się sławny na całym świecie. Nie zamierzam na tym poprzestać i dalej pracować. Mam nowe pomysły i plany. Jednym z moich celów na przyszłość jest wydanie edukacyjnego książeczki do rysowania.

T. S. Abe

Choć prac Abe nie znaleźliśmy zbyt wielu, to z jej ilustracji wynika, że ​​jest to mistrzyni wysokiej klasy. Artystka doskonale włada ołówkiem i umiejętnie przedstawia skomplikowane pomysły, stosując ją własne metody. Obrazy Abe są harmonijne i zrównoważone, złożone, a jednocześnie łatwe do zrozumienia. Jest jedną z najbardziej utalentowanych artystek rysujących ołówkiem naszych czasów.

Cezara Del Valle

Artysta w swoich pracach wykorzystuje specjalną, unikalną technikę rysowania ołówkiem. Ilustracje Cezara nie tylko ukazują jego talent, ale także odzwierciedlają subtelne postrzeganie otoczenia przez autora.

Henryk

Prace Henrika można podziwiać w Galerii Sztuki Deviant. Jego rysunki są ciekawym przykładem sztuki ołówkowej. Mistrz w cudowny sposób wykorzystuje odcienie czerni i bieli, aby przekazać oryginalne obrazy i niezwykłe pomysły.

Jeśli Twoim marzeniem jest nauczyć się rysować jak prawdziwy artysta, ale nie masz czasu na pójście do szkoły artystycznej ani pieniędzy na zatrudnienie korepetytora, nie rozpaczaj! Możesz uczyć się samodzielnie w domu, w wolnym i dogodnym czasie. Najważniejsze jest staranne przygotowanie, ponieważ sam będziesz swoim nauczycielem.

Przede wszystkim musisz zrozumieć, jakiego rodzaju wiedzę musisz opanować. Zdecydowany w samokształcenie mieć odpowiednie książki. W instytucje edukacyjne dla malarzy nauczane są następujące dyscypliny: rysunek, malarstwo, kompozycja, nauka o kolorze, anatomia i perspektywa. Jeśli zdecydujesz się na samodzielne studiowanie kursu rysunku, będziesz potrzebować zestawu poniższych podręczników.

Rysunek

Podstawy edukacyjnego rysunku akademickiego. Mikołaj Lee.

Autor przekazuje cały kurs akademicki, konsekwentnie udostępniając wszystkie materiały program Szkoła Artystyczna. Krok po kroku z łatwością opanujesz rysowanie prostych brył geometrycznych (sześcian, walec, kula, stożek, piramida), które stanowią podstawę projektów bardziej skomplikowanych obiektów, takich jak wazony greckie, kapitele, meble, domy, ciało ludzkie. Z tej książki dowiesz się podstaw perspektywy liniowej, metody konstrukcyjnej konstrukcji na rysunku, pojęcia proporcji obiektów i ich znaczenia na rysunku, a także wiedzy o anatomii plastycznej ciała ludzkiego.

Rysunek. Szkice i szkice. V. K. Kuzin

Wykonywanie szkiców i szkiców ważna rola w rozwoju wyrazistości rysunku, integralności wizji, umiejętności przekazania proporcji i głównych cech pozy. Ta książka przedstawić cię możliwości artystyczne linie i plamy, a także różne materiały do ​​szkicowania. Tutaj jest mnóstwo przykładów szkiców. wybitni artyści. Ponadto poznasz rolę szkiców w tworzeniu kompozycji oraz opanujesz techniki i schematy konstruowania szkiców i szkiców.

Gra światła i cienia dla artystów. Burne’a Hogartha

Z tej książki dowiesz się o wszystkich rodzajach oświetlenia i jego wpływie na materialność. Zrozumiesz, czym jest czarno-biały rysunek na płaszczyźnie i jaką rolę odgrywa światło w modelowaniu formy. Będziesz miał pojęcie, jakie są kategorie światła i cienia oraz jak światło wpływa na wyrazistość kompozycji. Zrozumiesz także, czym różni się od siebie światło płaskie rozproszone, światło księżyca, światło rzeźbiarskie, światło przestrzenne, światło fragmentaryczne, światło oślepiające, światło wyraziste. Podsumowując, w tym samouczku odkryjesz setki definicji światła i zyskasz głębsze zrozumienie jego funkcji na rysunku.

Obraz

Technika Malarstwo akwarelowe. P. P. Revyakin

Ta książka, opublikowana jeszcze w czasach sowieckich, jest uniwersalnym przewodnikiem malarstwo akademickie. Daje szerokie pojęcie o wpływie oświetlenia na kolor i ujawnia tak podstawowe pojęcia w malarstwie, jak światło własne i odbite, temperatura barwowa, światłocień i lokalna barwa przedmiotu. W tym samouczku zapoznamy Cię z wrażliwością naszego wzroku na kolor i różne rodzaje kontrasty kolorów. Dowiesz się, jakie materiały są potrzebne podczas pracy z akwarelami, a także interakcji różnych pigmentów z papierem. Opisuje szczegółową metodologię klasycznego sposobu modelowania kształtu obiektów za pomocą akwareli, a także podaje pojęcie perspektywy i planów w malarstwie. Duża część książki poświęcona jest pisaniu konstrukcje architektoniczne, więc będzie przydatna nawet dla architektów, aby ją przeczytać.

Podstawy malarstwa. Mogilewcew V. A.

Książka ta przeznaczona jest do profesjonalnego szkolenia w zakresie portretu. Zarysowuje podstawową wiedzę z akademickiego malarstwa olejnego w gatunku portretu. Znajduje się tam również opis listy. niezbędne materiały, etapy rysowania pędzlem na płótnie, schemat dopracowania detali (oczy, nos, usta). A także tutaj rozważane są relacje kolorystyczne i wyraziste środki malarskie. Książka podzielona jest na 4 działy: głowa, portret z rękami, figura, kopiowanie. W każdym rozdziale autor szczegółowo opisuje wszystkie etapy pracy od koncepcji, szkicowania po uszczegółowienie i uogólnienie gotowy portret. Oprócz tej książki Mohylewcew ma dwie inne doskonałe książki „Podstawy rysunku” oraz „Szkice i rysunek edukacyjny”, które również zasługują na uwagę i mogą służyć jako alternatywa dla powyższych podręczników rysunku.

Ukończony kurs malarstwa olejnego. Hennesa Ruissinga

W tej książce znajdziesz opis materiałów do malarstwa olejnego, przepisy na podkłady, sposoby wykonania krosna, oklejenia go płótnem i sklejenia podkładem. Autor demonstruje wszystkie etapy pracy: od szkicu po stworzenie gotowego produktu malowanie płótna. Z tej książki dowiesz się, jak pracować nożem paletowym, czym różnią się farby pastowate i glazury, co to jest perspektywa powietrzna I . Są tu proste przykłady rozwoju technik malarstwa olejnego w głównych gatunkach. Ponadto autorka podaje koncepcję kontrastów kolorystycznych i sposobów ich wykorzystania w malarstwie, a także daje rady, jak uniknąć wielu błędów podczas pracy z farbami dla początkujących.

Kurs malarstwa akwarelowego. Krajobraz w kilka minut. Keitha Fenwicka.

Jeśli wolisz akwarelę, ta książka ułatwi jej opanowanie pejzaż. Zawiera wiele ilustrowanych przykładów. Dzięki niemu opanujesz technikę malowania detali krajobrazu, które czasami sprawiają trudności początkującym - są to woda, detale architektoniczne, kamienie, pojedyncze drzewa. Autor szczegółowo rozważa sposoby pisania różnych efektów atmosferycznych, architektonicznych i górska sceneria, uczy różnych technik pisania nieba, lasu, wody. Zdradza sekrety swojej palety, pokazuje możliwości zastosowania płynu maskującego i daje wiele drobnych praktycznych wskazówek.

Anatomia

Obraz osoby. Gottfrieda Bammesa

Zdecydowanie najlepszy autor, jakiego można znaleźć, studiując artystę plastycznego. Bammes nie tylko profesjonalnie objaśnia anatomię postaci ludzkiej, ale także daje wyobrażenie o obrazie postaci na płaszczyźnie. Jego najlepsza książka, Anatomia dla artystów, niestety nie została przetłumaczona na język rosyjski. Zatem każdy, kto nie posiada Niemiecki, polecam zapoznać się z dwiema książkami w języku rosyjskim: „Wizerunek osoby” i „Wizerunek osoby. Podstawy czerpania z życia”, które są kompilacją oryginalnej książki w języku rosyjskim. Pierwsza książka jest szczegółowym kursem anatomii i daje pełny obraz budowy, proporcji ciała ludzkiego, obraz statycznej i dynamicznej sylwetki ludzkiej. Druga książka poświęcona jest bardziej szczegółowo procesowi rysowania figury na płaszczyźnie i pozwoli ci ją opanować różne drogi modelowanie kształtu ciała człowieka.

florystyka

Sztuka koloru. Johannesa Ittena

Książka ta jest obszerną pracą na temat teorii koloru. Wprowadzi Cię w fizyczną naturę koloru, omówi podstawy harmonii kolorów i da pełny obraz systemu kolorów. Poznasz nie tylko budowę koloru, wszelkie rodzaje kontrastu kolorów, harmonię kolorów i teorię ekspresji koloru, które są podstawą wielu podręczników z zakresu nauki o kolorze, ale także poszerzysz swoje rozumienie koloru o głębszą wiedzę. Autorka zagłębia się w badania semantyki koloru, subiektywnego postrzegania koloru, przestrzennego wpływu światła na kolor. Ponadto Itten zwraca uwagę na teorię wrażeń barwnych, co jest szczególnie ważne dla malarzy zainteresowanych realistyczną transmisją obiektów w ośrodku światła-powietrza.

Kompozycja

Podstawy kompozycji. N. M. Sokolnikova.

Pomimo tego, że podręcznik ten przeznaczony jest dla uczniów klas 5-8, moim zdaniem jest to przydatna książka zarówno dla początkującego, jak i doświadczonego artysty. Tutaj, w prostej formie, zarysowane są podstawy kompozycji i bardzo dobrze dobrane przykłady, które jasno oddają logikę kompozycyjnego rozmieszczenia obiektów na płaszczyźnie. Książka wprowadza czytelnika w elementarne zasady i środki kompozycyjne, znaczenie przekątnych w przekazywaniu ruchu, linie sił formatu, sposoby podkreślania fabuły i środka kompozycyjnego, zasadę złotego podziału, symetrię i asymetrię. Ogólnie rzecz biorąc, tutaj znajdziesz wszystko, co musisz wziąć pod uwagę przy tworzeniu dowolnej kompozycji, w tym praktyczne wskazówki, które są łatwe do przyswojenia i zastosowania.

Dzięki takiemu zestawowi tutoriali możesz samodzielnie opanować proces nauki rysowania! Wszystkie te książki można łatwo pobrać z Internetu, ale jeszcze lepiej byłoby kupić ich oryginały do ​​czytania na komputerze. Na koniec jeszcze jedna rada – staraj się sięgać przede wszystkim do literatury metodycznej autorów akademickich, a unikaj powierzchownych broszur w miękkiej oprawie, o chwytliwych tytułach, które z reguły nie przekazują wiedzy systemowej.

I sztuka rysowania- najpopularniejszy i najbardziej pouczający przewodnik rysunkowy, będący źródłem inspiracji dla wielu pokoleń artystów. Autorka w prosty i konstruktywny sposób przekazuje podstawowe zasady sztuki rysunkowej. Ponadto Pogaini przedstawia pełny opis anatomiczny każdej części ciała, w tym kości szkieletowych i mięśni. Książka zawiera wiele ilustracji, które w przejrzysty sposób pokazują proces tworzenia gotowego rysunku. Ta książka jest przydatna dla każdego artysty - zarówno początkującego, jak i już ugruntowanego.

Celem tej książki jest wskazanie drogi tym, którzy chcą naucz się rysować. Podstawowe zasady sztuki rysunkowej starałem się przekazać w prosty i konstruktywny sposób. Pracuj w kolejności sugerowanej na lekcjach. Zacznij od punktu i sumiennie idź do Ostatnia strona. Wyniki Cię zaskoczą!

Teraz, zanim zaczniemy lekcje rysunku Dam ci kilka rad:

Pamiętaj, że twoją ręką steruje mózg. Prawidłowe przestudiowanie obiektów, które chcesz narysować, pomoże ci pracować bardziej konstruktywnie.

Sztuka rysowania wymaga znacznej koncentracji uwagi, ale długotrwała koncentracja może przytępić twoją percepcję, a tym samym zmniejszyć twoje umiejętności. Radzę częściej odrywać się od pracy, co nie tylko pozwoli Ci się zrelaksować, ale także odświeżyć osłabioną uwagę.

Upewnij się, że papier, na którym będziesz rysować, jest czysty. Nigdy nie rób lekcji rysowania na brudnym lub niechlujnym papierze.

Jeśli zauważysz, że Twój rysunek zaczyna się rozmazywać i brudzić, najlepiej zacząć od nowa na czystej kartce papieru lub jeszcze lepiej odtworzyć rysunek na kalce technicznej lub szablonie przymocowanym do papieru rysunkowego taśmą samoprzylepną. Rysuj tak długo, jak to możliwe, starając się nie poprawiać rysunku tak bardzo, jak to możliwe. Następnie przykryj powstały rysunek nową kartką kalki i kontynuuj naukę rysowania, wprowadzając najpierw niezbędne poprawki.

Używaj tej metody stale, kopiując i poprawiając rysunek na czystych kartkach kalki, aż będziesz zadowolony ze swojej pracy.

Ułóż wszystkie arkusze kalki z rysunkami w odpowiedniej kolejności, jeden po drugim. Dzięki temu będziesz mógł krok po kroku śledzić postęp prac.

Rysuj średnio miękkim ołówkiem. Do rysowania polecam ołówki oznaczone B, 2B.

Trzymaj ołówek mocno, ale lekko.

Nie dociskaj ołówka na siłę, nie zostawiaj nim bruzd na papierze.

Kiedy rysujesz, dobrze jest kierować się sobą, na przykład mówiąc na głos: „Ta linia zaokrągla się tutaj od prawej do lewej..., w górę lub w dół” i tak dalej. „Ta linia jest pionowa, ta linia jest pozioma, a ta kończy się tutaj…”

Na pierwszy rzut oka ta metoda może wydawać się głupia, ale pomoże Ci bardziej, niż myślisz.

Kopiując rysunki z tej książki, powiększ je, aby ułatwić lepsze dopracowanie szczegółów.

Unikaj defetyzmu. Możesz osiągnąć wszystko, czego naprawdę chcesz.

Naucz się rysować szczerze. Na początku nie próbuj być zbyt mądry. Zanim wypracujesz własny styl, musisz doskonale opanować technikę rysowania. Powodzenia!

Zobacz także inne tutoriale:

Natalia MARKOWA,
kierownik działu graficznego
Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych
ich. JAK. Puszkin, Moskwa

SZTUKA RYSOWANIA

Rysunek jest szeroko rozpowszechnioną formą sztuki i pierwszą, z którą człowiek spotyka się w swoim doświadczeniu estetycznym. Może to zabrzmi górnolotnie, ale bazgroły naszych dzieci są dowodem oswojenia się ze sztuką grafiki. Niewiele osób sięga po pędzle i farby, glinę, kamień i nóż, ale ołówki, akwarele i papier są wiernymi towarzyszami każdego dzieciństwa. Potem, dorastając, oglądamy w muzeach obrazy i rzeźby, a grafiki na długo znikają z naszego pola widzenia, bo ze względu na dużą wrażliwość na światło muszą być przechowywane w teczkach w zamkniętych szafkach. Tylko przez krótki czas rysunki pojawiają się przed widzem na wystawach. I odkrywamy tę sztukę i zaczynamy poznawać ją na nowo.

Narzędzie do zrozumienia świata

Rysunek - widok oryginalny Dzieła wizualne. W formie najprostszej obraz liniowy, który ma charakter przygotowawczy, znajduje się w najstarszych dziełach człowieka - w malowidła naskalne Paleolit, odkryty w jaskiniach Lascaux (Francja) i Altamira (Hiszpania).

Rzeźbiarze starożytnego Egiptu narysowali węglem kontur przyszłego posągu na kamieniu i rozpoczęli nad nim pracę; Greccy malarze waz używali go również do celów przygotowawczych. W średniowieczu ołówek ołówkowy był nieodzownym towarzyszem artysty: malarz ikon rysował nim kontur kompozycji na zagruntowanej desce, miniaturysta - ozdoby i rysunki fabularne na pergaminie przyszłego rękopisu.

Villarda d’Honnecourt. Fragmenty z „księgi próbek”.
OK. 1235. Biblioteka Narodowa w Paryżu

Czas przyniósł nam wyjątkowy zabytek średniowiecznej grafiki – album rysunków XIII-wiecznego francuskiego architekta Villarda d'Honnecourt. Na jej kartach znajdują się niezwykłe, zgeometryzowane rysunki postaci zbudowanych według kanonów gotyku. Ujawniają ścisłe proporcje proporcji, według których zbudowano wspaniałe posągi zdobiące fasady. gotyckie katedry. Jednak we wszystkich przytoczonych przykładach mamy do czynienia z prostym esejem linearnym o charakterze bezosobowym (co odpowiada strukturze tych okresów kultury, które podporządkowały osobowość kategoriom uniwersalnym).

O rysunku europejskim jako sztuce możemy mówić już od XV wieku. W ciągu ostatnich sześciu stuleci wielka ilość artyści stworzyli morze rysunków, wśród których znajduje się wiele arcydzieł, które pod względem artystycznym nie ustępują obrazom, freskom i pomnikom.

Co się wydarzyło, co dało impuls do szybkiego rozwoju grafiki?

Rozwój renesansowego indywidualizmu, świadomość artysty jako twórcy, a nie bezimiennego wykonawcy woli Bożej, zdecydowany zwrot w stronę świata ziemskiego (i ku człowiekowi) oraz pragnienie uchwycenia jego piękna z maksymalną dokładnością i w całej swojej różnorodności. Rysunek stał się dla artysty potężnym narzędziem w zrozumieniu świata, badaniu jego różnych form – czy jest to urządzenie kwiatu, czy struktura postaci ludzkiej. A ponieważ różni artyści różnie widzieli i różnie postrzegali i odmiennie przekazywali nawet podobne motywy i przedmioty, ich prace graficzne różnią się od siebie tak samo, jak pozostawione przez wielu ludzi autografy. Sposób rysowania linii, cieniowania, rozmieszczenia obrazu na płaszczyźnie jest unikalny dla każdego wielkiego mistrza, dlatego też zasadne jest mówienie na rysunkach o indywidualnym charakterze pisma artysty.

W osiągnięciu tych nowych celów bardzo pomocny okazał się rozwój produkcji papieru. Papier, sprowadzony do Europy (Hiszpania) przez Arabów ze Wschodu w XIV wieku, został należycie doceniony jako tańszy i łatwiejszy w produkcji materiał na dokumenty i książki niż pergamin. Wynalazek druku spowodował w XV wieku rozkwit papieru; wiele papierni działało we Włoszech, Francji i Niemczech. I choć papier nie był zbyt tani, to jednak traktowano go z należytą starannością i ceniono, to jednak wystarczał do powszechnego stosowania w warsztatach artystów.

linia i punkt

Jakim językiem mówi grafika? Jakich środków wyrazu używa?

Jednym z głównych i oryginalnych elementów języka graficznego jest linia. Po pierwsze, przedstawia, tworzy iluzję plastycznej formy. Po drugie, linia ma swój własny rytm. Rytm linii może wyrażać wzrost, formację, ruch (na rysunkach Van Gogha) lub może pełnić funkcje dekoracyjne, jak Botticellego czy Schongauera.

Sandro (Alessandro) Botticellego. Alegoria płodności lub jesieni.
OK. 1480–1485 Długopis w kolorze brązowym po naszkicowaniu czarną kredą na zagruntowanym różowo papierze. Brytyjskie Muzeum, Londyn

Długopis w kolorze brązowym po naszkicowaniu czarną kredą na zagruntowanym różowo papierze. Muzeum Brytyjskie w Londynie

Claude Lorrain. Krajobraz w rzymskiej Kampanii.
OK. 1650. Pędzel, bistre. Muzeum Brytyjskie w Londynie

I ta właściwość zbliża się do muzyki. Równie ważne są w nim interwały i pauzy (według niemieckiego artysty Maxa Liebermanna „rysunek to sztuka pomijania”). I wreszcie linia oddaje nam temperament, doświadczenie czy nastrój artysty, ma możliwości wyrazu. Może być spokojna i gładka, jak Matisse czy Modigliani, ale może też być rozdarta, kłująca, jak niemieccy ekspresjoniści.

Kolejnym ważnym elementem wyrazistego środka grafiki jest plama. Stosowany jest głównie przez artystów przy pracy pędzlem w technikach „mokrych”: akwareli, tuszu, sepii czy bistre. Można to jednak uzyskać stosując cieniowanie i techniki „suche”, takie jak ołówek, węgiel drzewny, sangwina, kreda czarna i kolorowa, sos, pastel. Plamą artysta często przekazuje uogólnione formy obiektów, często gęsty cień.

Georgesa Seurata. Wsparcie mostu w Courbevoie. OK. 1886.
Sos, podkreślenie kredą lub gwaszem. Prywatna kolekcja

Przezroczyste pagórki pędzlowe służą do stworzenia wrażenia wody, chmur, świateł i cieni. „Krajobraz w rzymskiej Kampanii” Claude’a Lorraina jest niesamowity w wykonaniu: w nim majestatyczna panorama przedmieść Rzymu, zanurzona w porannej mgle, została odtworzona przez artystę za pomocą pędzla miękkich plam brązowego bistre o różnym nasyceniu .

Aby podkreślić objętość, kształt, podkreślić cienie, rysownik często ucieka się do kreskowania. Warto zauważyć, że samo zadanie - stworzenie iluzji trójwymiarowej objętości na płaszczyźnie kartki papieru - powstało dopiero w XV wieku i jest kojarzone z estetyką renesansową. Andrea Mantegna jako pierwsza zastosowała ukośne cieniowanie za pomocą pióra i uzyskała na rysunkach wrażenie potężnej, niemal rzeźbiarskiej płaskorzeźby.

Andrea Mantegna. Mężczyzna leżący na kamiennej płycie (studium postaci zmarłego Chrystusa).
Pióro i brązowy tusz na szkicu czarną kredą British Museum w Londynie

Jednak wylęganie może również działać jako niezależna technika. Graficzny portret papieża Juliusza II został w całości zbudowany przez Rafaela na swobodnym, szerokim, równoległym kreskowaniu z ostro zaostrzoną sangwiną; za jego pomocą budowane są formy, zaznaczane są ograniczające je powierzchnie i kładzione są cienie.

Rafał Santi. Portret papieża Juliusza II
(studium do fresku „Sprawiedliwość” w zwrotkach Watykanu).
1511. Kolekcja Sanguine Devonshire, Chatsworth

Ale najczęściej obserwujemy połączenie różnych technik i technik na jednym rysunku. Najczęściej spotykane jest połączenie rysunku liniowego piórem lub ołówkiem z pędzlem w tonacji jasnożółto-brązowej lub szaro-niebieskiej, połączenie sangwinicznej, czarnej i białej kredy (tzw. technika, niezwykle popularna w XVIII wieku we Francji ze względu na możliwość kolorystyczną).

Szkicuj, szkicuj, studiuj

Główne rodzaje rysunku - szkic, szkic, studium - ukształtowały się we włoskiej sztuce renesansu w XV-XVI wieku. w praktyce prac przygotowawczych artystów nad dziełem. Nieco później dodano do nich rysunek, powstały jako samodzielne dzieło sztuki. Zachowując swoje funkcje pomocnicze, wszelkie rodzaje rysunku z biegiem czasu zyskiwały same w sobie coraz większą wartość estetyczną.

naszkicować często służy celach przygotowawczych, ale może też być niezależny.

Rembrandta Harmenszoona van Rijna. Śpiąca kobieta (Hendrikje Stoffels).
OK. 1655. Pędzel brązowy. Muzeum Brytyjskie w Londynie

Najważniejsze w tym jest szybkość wykonania i skoncentrowana realizacja planu. Jeśli rysunek zostanie „naszkicowany” z życia, najlepiej zachowa świeżość wrażenia. Najbardziej atrakcyjną stroną szkicu jest to, że indywidualny charakter pisma artysty objawia się w nim wyraźnie, jak nigdzie indziej. Wybitnymi mistrzami szkicu byli Parmigianino, Gainsborough, Rembrandt, Watteau, Tiepolo.

Pióro i pędzel w odcieniu brązu, podkreślenie w kolorze białym.
Biblioteka Pierponta Morgana w Nowym Jorku

Szkic - zawsze ma charakter przygotowawczy, nawet jeśli praca ostatecznie nie powstała. Artysta zarysowuje w nim ogólny układ grup i postaci, rozkład światła i cienia (oświetlenie), główne elementy konstrukcyjne przyszłej kompozycji. Szkic może mieć różny stopień szczegółowości.

Etiuda- wiąże się z badaniem przyrody i polega na badaniu szczegółów kompozycji na odrębnych rysunkach. W licznych szkicach artysta pracuje nad jego poszczególnymi częściami – grupami, pojedynczymi postaciami, aż po dokładne studia głów, ramion, nóg, torsów, draperiów, tła krajobrazu czy nawet ukazanych na zdjęciu obiektów, detali kostiumów.

(studium do obrazu „Święto Różańcowe”). 1506.
Pędzel brązowy, białe refleksy, na niebieskim papierze weneckim.
Kolekcja grafik Albertina, Wiedeń

Petera Paula Rubensa. Wizerunek Madonny niesionej przez aniołów
(badanie malarstwa ołtarzowego). OK. 1608. Kreda sangwiniczna i czarna.
Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych. JAK. Puszkin

Trzeba powiedzieć, że nie wszyscy artyści potrzebowali rysowania w równym stopniu. Wybitni koloryści, Tycjan czy Velasquez, którzy z barwnej masy bezpośrednio na płótnie tworzyli ekstrawagancje barwne, nie pozostawili po sobie prawie żadnych rysunków. Rysunki holenderskich mistrzów martwej natury są praktycznie nieznane, gdyż artyści tego gatunku rozwinęli praktykę tworzenia studiów pojedynczych obiektów lub grup obiektów w kolorze, akwareli lub oleju. Nie znamy rysunków Vermeera i Caravaggia.

Własnoręcznie wykonane dzieło sztuki

Rysunek jako samodzielne dzieło sztuki rozwinął się w epoce manieryzmu – w drugiej tercji XVI wieku. Umiejętności wybitnych rysowników renesansu i uniwersalne znaczenie, jakie rysunek nabył w sztuce włoskiej, podniosły go do tego stopnia, że ​​sztuce rysunkowej zaczęto nadawać wszechogarniające znaczenie. Stanowił podstawę wszelkiej twórczości, był potrzebny malarzom i rzeźbiarzom, rytownikom i architektom, mistrzom sztuki użytkowej.

We Florencji w XVI wieku pojęcie „sztuki rysunku” ( art del disign) stała się w ogóle synonimem sztuki. (Jest to bardzo symptomatyczne, jeśli przypomnimy sobie, że podręcznik dla artystów, opracowany pod koniec XIV wieku przez florenckiego Cennino Cenniniego, podsumowujący doświadczenia poprzednich pokoleń malarzy od Giotta do autora, nosił tytuł „Księgi sztuki , czyli Traktat o malarstwie”).

To właśnie rysunek okazał się sztuką, w której najwyraźniej i najbardziej bezpośrednio ujawniała się główna godność artysty: siła jego wyobraźni, wynalazek, umiejętność komponowania kompozycji z głowy. Teoretycy sztuki na wszelkie możliwe sposoby podkreślali bliskość sztuk pięknych z innymi sztukami wolnymi (muzyką, poezją), naukami ścisłymi, filozofią, próbując wyprowadzić ją z pola rzemiosła, do którego zaliczana była w poprzednich stuleciach.

Znalazło to nawet odzwierciedlenie w terminologii: nazwano szkic pensiero- pomyślałem lub koncetto- koncepcja, pomysł, główny pomysły– pierwsza myśl, nadająca jej znaczenie platońskiego pierwowzoru. Wszystko to nadało rysunkowi wartość intelektualną. Rysowanie było postrzegane jako rodzaj aktywności intelektualnej. Wiąże się to z komplikacją treści semantycznej rysunków, w której zawarta jest ukryta gra obrazów i znaczeń. Gotowe szkice kompozycji malarskich posłużyły jako modele dla prac graficznych o charakterze samodzielnym. Dotyczy to szczególnie twórczości artystów manierystycznych XVI wieku.

Często takie samodzielne kompozycje przeznaczone były do ​​przełożenia na rycinę, dla kolekcjonerów lub jako prezent. Najczęściej jednak nie pełnią one żadnej funkcji przygotowawczej czy ilustracyjnej, a same w sobie są cenne ze względu na oryginalność kompozycji, kunszt techniki. Te prace graficzne charakteryzują się starannością, wyrafinowaniem, fantazyjnym wykonaniem dekoracyjnym i złożonym, alegorycznym językiem obrazów. Rysunki takie powstawały z wyobraźni, „od głowy”, doceniały zawiłość kompozycji i pomysłowość fabuły, często przedstawiając odmiany alegorii humanistycznych „naukowców” (obarczonych humanitarną wiedzą).

Wybitnym przykładem grafiki manierystycznej jest rysunek słynnego holenderskiego rytownika Hendrika Goltziusa „Wenus, Ceres i Bachus”. „Bez Bachusa i Ceres Wenus zamarza” – to zdanie z starożytna komedia Terentia posłużyła za podstawę ludową na przełomie XVI-XVII w. alegoria ucieleśniająca związek przyjemności zmysłowych.

Hendrik Goltzius. Wenus, Ceres i Bachus. 1604.
Pióro w dwóch odcieniach brązu na zagruntowanym płótnie.

Na pierwszym planie uosabia ją grupa doskonale pięknych postaci trzech bóstw. W głębinach Kupidyn hartuje w ogniu strzały miłości, które wspierają kłosy pszenicy (cecha Ceres) i liście winorośli (cecha Bachusa). Obok niego artysta przedstawił siebie trzymającego nad ołtarzem dłuta grawerskie, porównując w ten sposób ich ostrość ze strzałami Kupidyna, czy ukazując zaangażowanie sztuki w sferę boską.

Fakt, że włączył do kompozycji autoportret, świadczy o wyjątkowej wadze, jaką przywiązywał do dzieła, słusznie uważając je za swoje główne dzieło. Tworząc swój gigantyczny rysunek (2,8 x 1,7 metra!), Goltzius mógł mieć przed oczami karykatury Leonarda czy Rafaela jako model, z którym chciał mu dorównać, a nawet przewyższyć. Jeżeli rysunki te miały charakter przygotowawczy i to decydowało o ich ogromnych rozmiarach, to manierystyk Goltzius stworzył samodzielne „arcydzieło pióra” ze złożonym programem alegorycznym jako kreacją samą w sobie, chcąc podkreślić znaczenie rysunku, który w oczach manierystów jest równoznaczne z samym pojęciem sztuki.

A później w niezależnych rysunkach malarze znaleźli najbardziej odpowiednią formę realizacji swoich fantazji. Mistrzowie wszelkiego rodzaju scherzi di fantasy I capricci (Włoski. - gra fantasy, żarty, dzieła w swobodnej, kapryśnej formie) byli Wenecjanie Giovanni Battista Tiepolo i Francesco Guardi. Rysunki Guardiego w przewrotny sposób łączą prawdziwe zakątki Wenecji z zabytkami z innych miejsc lub wymyślonymi przez artystę. Zgodność z terminami muzycznymi ma charakter nie tylko formalny: kompozycje Tiepolo, po mistrzowsku naszkicowane szybkimi i fantazyjnymi liniami pióra, przywołują na myśl skrzypcowe kaprysy. W jego artystycznych podmuchach powietrza wilgotne powietrze Wenecji zdaje się drżeć i migotać.

Giovanniego Battisty Tiepolo. Błogosławieństwo.
OK. 1750. Pióro i pędzel w kolorze brązowym Biuro grawerskie w Berlinie

Seria ta może być kontynuacją koszmarów Goi, fantastycznych wizji Williama Blake’a, surrealistycznych zabaw z podświadomością Salvadora Dali.

Dość wcześnie portret wyróżniał się jako samodzielny temat na rysunku. Rozwój grafiki portretowej zrodził się z renesansowego pragnienia utrwalenia swojego wyglądu dla potomności, ale także dla bliskich i przyjaciół. Portrety zostały wymienione, przesłane w prezencie. Całe galerie współczesnych pozostawili nam mistrzowie francuskiego portretu ołówkiem z XVI wieku.

Francois Cloueta. Portret króla Karola IX.
lata 60. XVI wieku. Włoski ołówek, optymistyczny.
Państwowy Ermitaż, Sankt Petersburg

Francois Cloueta.
Margarita Francuska jako dziecko. Kreda czarno-czerwona, akwarela.
OK. 1560. Muzeum Condé w Chantilly

Wspaniałe przykłady rysunków portretowych podaje twórczość Hansa Holbeina (Holbeina) Młodszego. specjalny kierunek w sztuce rokoko wykonał pastelowy portret, wykonany kolorowymi kredkami. To obraz graficzny łatwiej ucieleśniał intymność i intymność, której szukano nowa sztuka zmęczony barokową pompatycznością.

Hansa Holbeina Młodszego. Czytanie Johna More'a Jr.
1526–1527 Kreda czarna i kolorowa. Zgromadzenie Królewskie, Windsor

Hansa Holbeina Młodszego.
Portret Anny, córki Mayera Mayera.
OK. 1526. Kreda czarna i kolorowa.
Publiczna kolekcja sztuki, Bazylea

Specjalna sekcja w rysunek portretowy wykonuje autoportret. W nim ze szczególną ostrością ujawnia się dokładność i wyrazistość cech charakterystycznych dla portretu graficznego, duchowa otwartość, większa bezpośredniość i prawdomówność w porównaniu z malarstwem. Wyjątkowa pod tym względem jest postać Rembrandta, który stworzył około stu (!) swoich wizerunków w malarstwie, akwafortie i rysunku. Razem tworzą kronikę jego życia duchowego. W rysunku artysta, zwłaszcza w młodości, wzorował się na swojej twarzy, ucząc się wyrażania różnych emocji, często był dla siebie bezlitosny.

Rembrandta Harmenszoona van Rijna. Autoportret. 1637.
Sanguina. Galeria Narodowa w Waszyngtonie

A jednak najbardziej uderzający przykład pozostawił Dürer. Rysunek autoportretowy, w którym artysta wyobrażał sobie siebie nago, to nie tylko szkic roboczy z modelki, w którym artysta zamiast modelki wykorzystuje siebie. To zdumiewająco szczera nocna rozmowa artysty z samym sobą lub z Bogiem: „Panie, kim jestem? Dlaczego posłałeś mnie na ten świat?” Religijność tkwiąca w świadomości Dürera nie opuściła go nawet w najodważniejszych renesansowych spostrzeżeniach. I ten rysunek był urodzony by to samo napięcie duchowe, co obrazy Apokalipsy i malowniczy „Autoportret na obraz Chrystusa”, w którym artysta jednak nadaje swojemu występowi większą reprezentatywność.

Albrechta Durera. Autoportret. 1506.
Pióro i pędzel szary ton, podświetlenie białe,
na zielonym zagruntowanym papierze.
Zbiór grafik. Muzeum Zamkowe. Weimar

Całkiem odmienne, ziemskie i praktyczne okoliczności spowodowały pojawienie się i niezwykle szerokie rozpowszechnienie wśród Holendrów rysunków wykonanych jako gotowe kompozycje graficzne. artyści XVII wiek. Przeznaczone były do ​​sprzedaży na powstałym w Holandii wolnym rynku sztuki. Takie kompozycje były podpisywane przez artystę, tak aby osoba kupująca dzieło wiedziała, czyj rysunek kupuje.

W pracach tych znalazła odzwierciedlenie cała różnorodność motywów pejzażowych i codziennych holenderskiego „złotego wieku”, a techniki graficzne stosowane przez rysowników były równie różnorodne: od akwareli A. van Ostade’a naśladujących malarstwo lżejszymi i prostszymi środkami, po te wykonane włoskim ołówkiem lub długopisem z cieniem, sangwiną lub kolorowymi kredkami kompozycji Ludolfa Backhuizena, Jana van Goyena, Allarta Everdingena, Nicolasa Berchema, Cornelisa Bega, zachowując przy tym całą specyfikę konwencji języka graficznego, którą doskonale wyczuli .

podobna sytuacja można zobaczyć w XIX w. wraz z upowszechnieniem się akwareli pejzażowej, zarówno za sprawą niesamowitej pasji do tej techniki, jak i zamiłowania do podróży, które po raz pierwszy szeroko ogarnęło ówczesnych Europejczyków.

Cechy estetyczne obrazu graficznego

Rysunek pod względem technicznym może, podobnie jak rzeźba, ukazać walory wolumetryczno-plastyczne modelu, ale może też zbliżyć się do języka malarstwa. Zwłaszcza w przypadku stosowania miękkich materiałów z cieniowaniem, takich jak węgiel, sos, miękki ołówek, pastel, czy „mokre” techniki kolorystyczne lub monochromatyczne – akwarela, sepia, tusz, a nawet nakładane, jak w malarstwie, pędzlem. A jednak w głębi duszy język i struktura figuratywna grafiki znacznie różnią się od innych sztuk.

Z kilku przykładów, które poruszyliśmy, można już wyciągnąć wnioski na temat cech sztuki rysunkowej. Po pierwsze – to minimalizm funduszy używany przez malarza. W rzeczywistości rysunek, z wyjątkiem akwareli, jest mocno ograniczony kolorem, prawie go pozbawiony. Artysta operuje niewielką liczbą odcieni, jednak przeważnie pracuje w czerni i bieli.

Z tego wynikają inne właściwości tej sztuki - zwięzłość i konwencjonalność język artystyczny. Obraz na rysunku można stworzyć kilkoma liniami lub pociągnięciami pędzla, szybkość i zwięzłość w nim wyrażeń przypomina aforyzm lub pisanie kursywą, charakteryzuje się prostotą i uogólnieniem form. Już w pierwotnym pomyśle rysunek zawiera wszystko, co będzie w gotowej kompozycji, tyle że w zwiniętym, skoncentrowanym wyrazie. Rysunek może ujawnić krawędź idei figuratywnej w taki sposób, że może nie zostać ona zrealizowana w gotowym dziele.

Leonardo da Vinci. Studium głowy wojownika do tektury „Bitwa pod Anghiari”.
OK. 1503–1504 Czerwona kreda na papierze. Muzeum Sztuk Pięknych w Budapeszcie

Poniesiony przypływem inspiracji, artysta ucieka się do odważna konwencja, deformacja, groteska powstałe w wyniku ostrego i dokładnego przekazu natury. (Nawiasem mówiąc, właśnie dlatego karykatura jest gatunkiem należącym wyłącznie do dziedziny grafiki. Pierwsze groteskowe obrazy należą do Leonarda da Vinci. Uważał, że artysta nie powinien unikać tego, co brzydkie lub nadmiernie wyraziste, ponieważ te cechy równoważą piękno rozlane na świecie, ale w jego malarstwie dominowały wzniosłe obrazy. W XVII wieku Gverchino i wielki rzeźbiarz Gian Lorenzo Bernini w XVIII wieku całe albumy z karykaturami współczesnych i wydarzeń politycznych skompilowali Włoch Pier Leone Ghezzi i Anglik Thomas Rowlandson. Spośród późniejszych artystów Honore Daumier i Toulouse-Lautrec z powodzeniem stosowali technikę groteskową.)

Henriego de Toulouse-Lautreca. Yvette Guilbert przed kurtyną.
 1894. Kreda i akwarela. Muzeum Szkoły Rysunku, Rhode Island

Ale nawet jeśli artysta starannie odtworzy na rysunku rzeczywisty obiekt, nigdy nie będzie on miał takiego stopnia iluzorycznego charakteru jak w malarstwie. I nie tylko dlatego, że nie ma koloru obiektowego. W obrazie graficznym widzimy nie tylko sam obraz, ale także środki artystyczne, które go tworzą: sieć linii, kresek i plam na powierzchni podstawy. Niezamalowana kartka papieru, nawet z najbardziej obszernym obrazem, jednoznacznie przypomni nam, że obraz powstał na płaszczyźnie dwuwymiarowej. Dlatego umowność i płaskość są niezbędnymi składnikami estetyki rysunku. A doświadczony rysownik, mający doskonałe wyczucie specyfiki pracy w grafice, zawsze bardzo dba o powierzchnię podłoża, doceniając w niej jej walory strukturalne i zachowując równowagę pomiędzy płaszczyzną arkusza a objętością obrazu.

Szczególny związek z samolotem jest jedną z podstawowych właściwości grafiki. Powierzchnia kartki papieru odgrywa aktywną rolę w tworzeniu obrazu graficznego. W odróżnieniu od płótna czy deski, które są całkowicie ukryte pod kilkoma warstwami farby, która nawet w najbardziej szczegółowym rysunku, poprzez pociągnięcia i pociągnięcia, poprzez subtelne rozmycia akwareli, bistre, przekształca płaszczyznę w iluzję trójwymiarowego świata, sepia lub atrament, powierzchnia papieru zawsze prześwituje. Dlatego na rysunku ważniejsze jest położenie linii i ich kombinacja, a także ich cechy: zginanie, nacisk, prędkość lub powolność ich stosowania.

Szybkie, rozsuwane włazy stworzą wrażenie tafli wody, trawy czy np. stołu na białym prześcieradle. Wręcz przeciwnie, linie podkreślające objętość przedmiotu lub figury sprawiają, że postrzegamy otoczenie białe tło jako medium powietrzne. Już jedna linia narysowana na arkuszu wyznacza już sposób postrzegania kompozycji: linia pozioma podzieli arkusz na górę, która mimowolnie, przez analogię do świata widzialnego, będzie postrzegana jako niebo, a dół - „ziemia”. . Dwie zbiegające się linie sprawią wrażenie perspektywy uciekającej w dal i tak dalej.

Doskonałym przykładem takiego lakonicznego rysunku jest widok portu w Antwerpii, naszkicowany w albumie Dürera podczas podróży do Holandii w 1520 roku. Dwa rzędy form obiektów, zmniejszających się równomiernie w miarę oddalania się – mury miejskie i łodzie wzdłuż wybrzeża – tworzą obraz miasta portowego, „portret okolicy”, natomiast większość arkusz pozostał pusty. Jednak samo umiejscowienie obrazu na kartce i dwie, trzy linie na horyzoncie z całą pewnością powoduje, że widzimy ziemię, wodę i niebo na równie białej otaczającej powierzchni, a równomiernie białe tło papieru przyjmujemy za rozproszone światło w pochmurne dni pogoda panująca na tych nizinnych terenach.

Albrechta Durera. Port w Antwerpii.
1520. Pióro, atrament. Kolekcja grafik Albertina, Wiedeń

Oficjalny cel rysunku, sama jego natura, determinuje jego istotę duża swoboda kompozycyjna. Bo o jakiej przemyślanej, przemyślanej kompozycji można mówić, skoro arkusz wypełniony jest studiami poszczególnych obiektów, dłoni, stóp, części draperii? Wymagały tego względy praktyczne: wszystkie poprawiane detale i ogólny układ figury musiały być, jak to się mówi, pod ręką, najlepiej skupione na jednym arkuszu, aby ułatwić pracę przy tworzeniu ostatecznego szkicu figury lub kompozycji lub przenoszeniu je do kartonu. Jednak wielki mistrz, nawet w małych formach, nawet w szkicach pomocniczych, często nieświadomie pokazuje swój gust i umiejętność wykańczania szkiców, układania odrębnych wątków na jednej kartce, co nadaje tym arkuszom własną wartość estetyczną.

Antoine Watteau lubił wykonywać szkice jednej postaci w różnych odsłonach, nieco różniących się od siebie. Takie szkolenie pozwoliło mu osiągnąć tylko to, co wrodzone harmonia muzyczna grupy figur w swoich kompozycjach malarskich. (Jedno z badań wykazało nawet, że konstrukcja grup figur na obrazach Watteau odpowiada płynnemu rytmowi tanecznych ruchów menueta.) Ale w arkuszach szkiców ujawniają się te same subtelne niuanse i odcienie nieco zmieniającego się wyrazu w zależności od kąta obróć, od samego początku lekki ruch. A dwa niezależne studia postaci na arkuszu mimowolnie łączą się w figuralny „duet”.

Antoine’a Watteau. Naszkicować. 1710.
Kreda czerwona, czarno-biała na kremowym papierze.
Ze zbiorów prywatnych, Nowy Jork

Antoine’a Watteau. Naszkicować. 1710. Sanguina,
Ołówek włoski, jasny wash w tonacji jasnobrązowego,
jasne białe podświetlenie. Rijksmuseum w Amsterdamie

Watteau często portretował aktorów teatralnych. Kiedy jednak malował lub malował postacie swoich hucznych uroczystości, sama postać stawała się „aktorem”, a dialog prowadzony był poprzez pozy i gesty postaci występujących w scenie. Tutaj liczyły się niuanse - lekko uniesione ramię i zadarty nos, lekkie nachylenie tułowia, półobrócony wygląd. Artysta nauczył się wyłapywać te niuanse przede wszystkim w szkicach graficznych.

Ta swoboda w układzie obrazu na arkuszu jest zarezerwowana dla rysunku i in ta walizka gdy jest on pomyślany jako dzieło niezależne. Odważne eksperymenty z kątami spotykamy w sztuce końca XIX i XX wieku właśnie w rysunkach. Edgar Degas, który teatr baletowy znał jak nikt inny, poznawał ten świat ze wszystkich stron, na scenie i za kulisami. W jego pastelach zostaje przesunięty zwykły frontalny punkt widzenia na lożę, spektakl spektaklu otwiera się przed nami fragmentarycznie – albo z orkiestronu, albo z bocznej loży, albo z górnej kondygnacji.

Niesamowite rozwiązanie proponuje Henri Matisse w szkicu portretowym kobiety opierającej się na oparciu krzesła. Postać jest odcięta krawędziami prześcieradła, ale jednocześnie pierwszy plan (na którym sugeruje się krzesło służące jako podpórka) pozostaje pusty. Ale przy takiej kompozycji, która tworzy „ramę” dłoni i kartkę papieru, oczy są szczególnie wyraziste na twarzy, spojrzenie jest nieco roztargnione, zamyślone, nieco nieśmiałe, a jednocześnie gotowe do uśmiechu . Obfitość powietrza w rysunku, „melodyjne” linie konturu, niewątpliwy urok modelki oddają naturalność i swobodę rysunku, pomimo pozornie przemyślanej kompozycji.

Henryk Matisse. Studium modelki pochylonej nad głową
z rękami skrzyżowanymi na oparciu krzesła (Lidia Delectorskaya).
1934. ołówek grafitowy. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Najwyraźniej oryginalność sztuki rysunkowej przejawia się w szkicach i szkicach. Charakteryzują się niezwykłą swobodą wykonania, spontaniczność i impulsywność wyraz twórczego pomysłu. Często wypełnione są szybko przecinającymi się liniami, sprawiając wrażenie splątanych, splecionych w kulkę lub plamkę. Vasari mówi o takich rysunkach, że są „wykonane w formie plamy i przypływu inspiracji”. Aby je scharakteryzować, znajduje takie definicje jak odwaga, siła, wolność.

Wpatrując się w zawiłości tych linii i plam, próbując nadać im sens, zidentyfikować bohaterów „historii” i zrozumieć jej zderzenie, łączymy się z najskrytszą tajemnicą kreatywności i doświadczamy niezwykłych emocji. Tylko rysunek może z taką wyrazistością przedstawić przełożenie wrażenia wizualnego lub wewnętrznego doświadczenia na obraz artystyczny. Jednocześnie „zaraża” nas uczuciami bliskimi tym, jakie posiadał sam mistrz w momencie rysowania, rozbudza w nas własną fantazję. To poczucie przynależności do procesu twórczego daje widzowi radość doznań estetycznych i jest integralną cechą odbioru dzieł graficznych.

„Rysunek jest najbardziej bezpośrednim, impulsywnym wyrazem twórczości artystycznej... Rysunek to obserwacja, refleksja, twórczość, połączone ze sobą i ujawnione w żywym procesie ich wzajemnego połączenia. Rysunek to obraz artystyczny w powijakach” – jeden z najlepszych krajowych ekspertów w dziedzinie rysunku, V.N. Graszczenkow.

A ponieważ obraz graficzny rodzi się na naszych oczach, posiada ruchliwość zewnętrzną i wewnętrzną, jest otwarty na naszą wyobraźnię, swobodnie go myśleć i rozwijać w dowolnym kierunku, jego zmienność odczuwamy jako niekompletność, niekompletność . Poczucie właśnie przerwanej pracy, którą w każdej chwili można kontynuować, cząstki jakiejś technicznej, a co najważniejsze twórczej niekompletności, jest zawsze obecne nawet w najbardziej dopracowanym obrazie graficznym.

Rysunek swój pierwszy rozkwit przeżył w czasach, gdy kompletność formalna i techniczna dzieł była obowiązkowym wymogiem dzieł sztuki. I tylko na rysunku niekompletność wynikająca z samej natury tej sztuki nie wpłynęła na jego ocenę estetyczną, gdyż na rysunku, zdaniem Delacroix, „ledwie zarysowany kontur lub szkic, przepojony prawdziwym uczuciem, może stać się w jego ekspresyjność na tym samym poziomie co najbardziej kompletne dzieła.”

Sam ze sobą

O wszystkich wskazanych powyżej walorach estetycznych rysunku zadecydowało jego szczególne, bliskie i intymne powiązanie z osobowością artysty.

Od samego początku rysunek nie był przeznaczony dla wścibskich oczu. Według znanego niemieckiego krytyka sztuki Maxa Friedländera „rysując artysta jest sam ze sobą; rysunek jest monologiem.

Ze względu na swój pomocniczy cel w procesie tworzenia obrazu, istnienie arkuszy graficznych przez długi czas ogranicza się do ścian warsztatu. Co prawda, tutaj rysunki, zwłaszcza mistrza kierującego pracownią, zostały docenione, utrwalone i stanowiły swego rodzaju „kapitał artystyczny” warsztatu, który został przekazany następcy. Służyły jako wzorce do nauczania, niewyczerpany magazyn wynalazków artystycznych i gotowe modele do malarstwa.

Wiadomo, z jaką pieczołowitością Rubens zapisał w testamencie losy swojego setnego dziedzictwa graficznego, dopuszczając jego sprzedaż jedynie w przypadku, gdy żaden z jego synów ani zięciów nie wybierze ścieżki artystycznej. Rysunki ukradziono, żeby zapożyczyć pomysł, podpatrzeć nową metodę artystyczną: Vasari opowiada takie historie w biografii swojego idola Michała Anioła; w Holandii w XVI w. znany próby w przypadku kradzieży rysunków. I choć dość wcześnie, bo już w XVI w., niemal równocześnie z narodzinami nowej sztuki, pojawili się jej wielbiciele – kolekcjonerzy rysunków, to jednak zbiory prywatne były dostępne dla wąskiego kręgu odbiorców.

Być może pierwszym poważnym kolekcjonerem rysunków był Vasari. Jego „Księga rysunków” była swego rodzaju dodatkiem do „Biografii”. Składał się z pięciu tomów 610? 460 mm, zawierały graficzne portrety artystów, których biografie opisał, otoczone ich rysunkami. Vasari uporządkował rysunki według autorów i szkół, system ten stał się podstawą współczesnej klasyfikacji. Doceniając ich estetyczną doskonałość, umieścił rysunki w skomplikowanych, narysowanych przez siebie ramach; nadal służą do odnalezienia rozrzuconych arkuszy z jego kolekcji w podziemiach muzeów na całym świecie.

Chociaż przykłady publicznych wystaw malarstwa można znaleźć już w starożytna epoka, kwestia zasadności eksponowania rysunku na wystawach budziła kontrowersje już na początku XX wieku.

O jednym z takich sporów wspomina w „Notatkach kolekcjonera” jeden z najstarszych i największych kolekcjonerów epoki sowieckiej, A.A. Sidorow: „…to był ten przyjacielski spór o rysunek, o jego prawo do wystawiania razem z obrazem na równi z obrazem. „Rysunek nie jest obrazem. Ludzie chodzą na wystawy, żeby oglądać obrazy, a nie ich fragmenty i nie wykroje do nich” – powiedział jeden z uczestników Związku, znany pejzażysta. Pasternak z charakterystyczną dla siebie miękkością odpowiedział: „Nie, cokolwiek powiesz, rysunek żyje swoim życiem, którego na obrazie czasem nie ma. Rysunek ma swój urok.

Aranżacja ekspozycji graficznych weszła w praktykę życia artystycznego w dobie secesji – stylu, który swoje ukształtowanie zawdzięcza grafice i niezwykle podniósł swój status artystyczny.

Ale właśnie dzięki „ukryciu” rysunku przed uwagą innych ludzi artysta czuje się bardziej wolny od norm twórczości artystycznej, stylu i tradycji. kreatywne poszukiwania ujawniają się w grafice odważniej i bezpośrednio. W swoim historycznym rozwoju rysunek często wyprzedzał rozwój malarstwa.

Łatwa dostępność materiałów i szybkość techniki rysunkowej zaowocowały większą „reakcją” grafiki na wymagania czasu. W rysunku wcześniej niż w malarstwie wypracowano nowo pojawiające się tematy, pojawiły się nowe gatunki. Narodziny pejzażu jako samodzielnego gatunku malarstwa datuje się na lata 30. XVII wieku, natomiast w rysunkach obraz natury jako samodzielnego tematu pojawia się sto lat wcześniej. Akwarelowe pejzaże Dürera, leśne zarośla Albrechta Altdorfera i Wolfa Hubera, alpejskie widoki Pietera Brueghela Starszego niewątpliwie były wykorzystywane przez artystów w ich obrazach, ale jednocześnie pozostały pierwszymi przykładami „czystego” pejzaż w historii sztuki.

Pietera Brueghela. Alpejski krajobraz z rysownikiem.
OK. 1556. Pióro w odcieniu brązu Salern Collection, Londyn

Czasem widać, jak zaangażowanie artysty w różne nurty stylistyczne objawia się w grafice i malarstwie. Ryciny Hendrika Goltziusa oddają się swemu twórcy najzdolniejszy przedstawiciel późnoeuropejski manieryzm koniec XVI wieku, wirtuoz dotyku i autor skomplikowanych kompozycji alegorycznych. Jego rysunki krajobrazowe w prosty i duchowy sposób oddają prawdziwe widoki holenderskiego krajobrazu - ruiny starożytnego zamku Bredero, panoramę okolic Haarlemu. Były to pierwsze przykłady holenderskiego krajobrazu narodowego, wyprzedzające o dziesięciolecia obrazy innych malarzy pejzażystów.

Dla większości klasycznych mistrzów rysunki są nierozerwalnie związane z ich twórczością malarską - wspólnością tematów, fabuł, obrazów, jednego stylu.

Zdarza się jednak, że rysunek pozwala ujawnić takie aspekty talentu artysty, które nie zostały zrealizowane w głównym nurcie jego twórczości. Trudno sobie wyobrazić, że lśniące kolorami, genialne portrety rodziny królewskiej, sceny festiwale ludowe za gobeliny i ponure satyryczne fantazje „Caprichos” tworzy ta sama osoba – królewski malarz Goya. Rysunki pędzlem i tuszem, odzwierciedlające odwrotną stronę życia ówczesnej Hiszpanii, ze wszystkimi jej klasowymi i religijnymi uprzedzeniami i przywarami, Goya robił naprawdę równolegle z wykonywaniem królewskich rozkazów i złożyły się na trzy duże albumy. Następnie artysta wybrał kilkadziesiąt z nich i przełożył je na akwafortę. Tak powstała seria „Caprichos” – jedno z arcydzieł światowej grafiki drukowanej.

Francisco Goya. Gotowe do latania czarownice
(z albumu Madryt). 1796–1797.
Mycie pędzla i tuszu. Ze zbiorów prywatnych, Paryż

Tiepolo posiada grupę rysunków przedstawiających szkice widoków miasta – dziedzińców Wenecji widzianych z okna pracowni artysty. Te arkusze graficzne wykonane są w sposób niezwykle prosty i dokładny w reprodukcji natury. Wydaje się, że mistrz magicznych uroczystości, przedstawień teatralnych, w które pod jego pędzlem przekształciła się każda fabuła, znalazł na tych rysunkach odpoczynek od wspaniałych fantazji. W dziedzictwo artystyczne surowe klasycystyczne szkice drzew Poussina zadziwiają niemal romantycznym podnieceniem.

Na ścieżce odkryć naukowych

Estetyka sztuki renesansu wymagała od artysty znajomości natury, umiejętności oddania jej w sztuce w sposób żywy. W tym celu na warsztatach artystycznych badano zasady perspektywy i budowę ludzkiego ciała. To w rysunku wypracowano odpowiednie umiejętności, ale ponadto aż do wynalezienia fotografii w połowie XIX wieku rysunek pozostał jedyny sposób utrwalać odkrycia naukowe w makro- i mikrokosmosie.

Artyści stworzyli ilustracje do anatomii i traktaty medyczne, książki o obyczajach i ubiorach, atlasy geograficzne, botaniczne, zoologiczne. A na tych wczesnych ilustracjach naukowych dokładność obrazu jest nierozerwalnie związana z artystyczną ekspresją, na tych rysunkach nie ma nawet śladu beznamiętnej suchości. A rysunki takiego geniusza jak Leonardo nie ustępują jego studiom artystycznym.

Leonardo da Vinci. Szkice roślin.
Pióro według rysunku sangwiny. Biblioteka Królewska zamku Windsor

Wiadomo, że Leonardo da Vinci dokonał wizjonerskich odkryć z różnych dziedzin wiedzy naukowej i to właśnie rysunki sprowadziły do ​​nas te projekty. Z piórem i ołówkiem w dłoniach obserwował przyrodę, zastanawiał się, porównywał, próbując rozpoznać wspólne wzorce. Trzy kody not naukowych Leonarda są bogato opatrzone objaśniającymi ilustracjami. Jednak artysta nie może przestać być artystą, gdy koncentruje się na rysunku naukowym, a wiele z tych szkiców ma wyraz artystyczny o wielkiej mocy. Na przykład rysowanie silna burza, który kiedyś zaobserwował u podnóża Alp, w jego rysowaniu rozwija się w powszechny kataklizm, który ujawnia wściekłą siłę natury.