एक पेंटिंग एक तस्वीर से किस प्रकार भिन्न है? बैलेरिना खींचे जाते हैं, यह डेगास है। पृष्ठभूमि हल्के नीले कोहरे के साथ फिल्म "द लॉर्ड ऑफ द रिंग्स" की तरह है
"मुझे बहुत समय पहले एहसास हुआ कि कला इतिहासकारों के लिए, आत्म-अभिव्यक्ति पदार्थ से अधिक महत्वपूर्ण है।"
एल्डर रियाज़ानोव
“मैं, मास्को के एक प्रसिद्ध चित्रकार का बेटा, अपना बचपन और युवावस्था उन कलाकारों के बीच क्यों बिता रहा हूँ, जिनके संग्रह में अधिक पेंटिंगऔर ग्राफिक्स अन्यथा की तुलना में क्षेत्रीय संग्रहालय, क्या कला इतिहासकारों की बात सुननी चाहिए, जो कभी पैदा नहीं हुए, उनके हाथों में ब्रश नहीं थे?
अलेक्जेंडर ग्रेमिट्सिख
विकिपीडिया में, पेंटिंग के संबंध में "चित्र" शब्द को "कला का एक काम" के रूप में परिभाषित किया गया है जिसमें एक पूर्ण चरित्र है (स्केच और अध्ययन के विपरीत) और स्वतंत्र कलात्मक मूल्य।" पेंटिंग के संबंध में "एट्यूड", "स्केच" और "स्केच" की अवधारणाओं को आम तौर पर विकिपीडिया पर एक साथ जोड़ दिया जाता है और एक अवधारणा तक सीमित कर दिया जाता है - एक स्केच, कलाकार की अपनी पेंटिंग के लिए प्रारंभिक सामग्री।
आइए देखें कि क्या यह व्यवहार में सच है:
मुझे कहना होगा कि सभी कलात्मक शब्दावली का निर्माण 19वीं शताब्दी में हुआ था, यदि पहले भी नहीं। उन दिनों, न केवल यहाँ, बल्कि पूरे यूरोप में, सभ्य लोगों को विशेष रूप से फ्रेंच भाषा में बात करनी होती थी, जैसा कि चित्रकला में अभी भी उपयोग की जाने वाली शब्दावली से प्रमाणित होता है। तो शब्द "एट्यूड" फ्रांसीसी "एट्यूड" से आया है, और "स्केच" - उदाहरण के लिए, फ्रांसीसी "एस्क्विस" से। चित्रकारों के ग्राहक मुख्य रूप से बहुत विशाल, कम से कम कहें तो, कमरों में रहते थे, जिन्हें विशाल कैनवस के साथ सजावट की आवश्यकता होती थी, जो स्वाभाविक रूप से, प्रकृति से चित्रित करना असंभव था। यह स्पष्ट है कि ऐसी स्थितियों में केवल अंतिम उत्पाद का मूल्यांकन किया गया था - एक बड़ी तस्वीर (लेकिन, वैसे, इसका भुगतान विशेष रूप से किया गया था)। चूँकि प्राकृतिक कृतियाँ, जिनसे वास्तव में रेखाचित्र संबंधित हैं, दीवार पर टांगना कभी किसी के मन में नहीं आया, उनके लिए धन प्राप्त करना असंभव था, और इसलिए, यदि वे लिखे गए थे, तो यह केवल कुछ बड़े चित्र के लिए दृश्य सामग्री का समर्थन करने के रूप में था और रेखाचित्रों से भी कम महत्वपूर्ण थे, जिन्हें सावधानीपूर्वक लिखा गया था क्योंकि उन्हें ग्राहक के अनुमोदन के लिए प्रस्तुत किया जाना था।
यहीं पर, "ओचकोव के समय और क्रीमिया की विजय" से, लंबे समय से अप्रचलित परिभाषाएँ स्थानांतरित हो गईं कलात्मक शब्दविकिपीडिया के लिए! हां, और अन्य शब्दकोशों में, अफसोस, भी, और वहां से - हमारे दिमाग में।
हालाँकि, द्वारा देर से XIXसदियों से, समाज के लोकतंत्रीकरण के साथ, चित्रकला में अंतिम उत्पाद क्या हो सकता है, इस पर विचार नाटकीय रूप से बदल गए हैं। यदि फ्रांसीसी प्रभाववादियों को अभी भी उनके काम की प्रकृति के लिए दोषी ठहराया गया था, तो ए.के. सावरसोव ने अपने छात्रों से "प्रकृति से सीखने" का आग्रह किया। उदाहरण के लिए, रूसी कलाकारों में से, कॉन्स्टेंटिन कोरोविन अपने प्राकृतिक अध्ययन के लिए प्रसिद्ध हो गए; उन्होंने व्यावहारिक रूप से विषयगत पेंटिंग बिल्कुल नहीं लिखीं। हम पहले से ही 21वीं सदी में जी रहे हैं, लेकिन चित्रकला के संबंध में हम 200 साल पहले की इसकी शब्दावली की समझ का उपयोग करना जारी रखते हैं, एक विरोधाभास, और इससे अधिक कुछ नहीं!
रोज़मर्रा के भाषण में उपयोग की जाने वाली पेंटिंग की सबसे सरल शर्तों की गलतफहमी, उनकी ऐसी प्राचीन समझ के आधार पर, सम्मानित कला समीक्षकों द्वारा जानबूझकर आम जनता पर थोपी गई है, जो कि बिल्कुल स्पष्ट है, क्योंकि वे पेशेवर रूप से कला में कुछ भी नहीं समझते हैं, डाल सकते हैं समान्य व्यक्तिएक मृत अंत में. इसलिए, इस लेख में मैं वर्तमान स्थिति के संबंध में पेंटिंग में आमतौर पर इस्तेमाल होने वाले मुख्य शब्दों पर विचार करना चाहूंगा।
"लिखें" शब्द का अर्थ(बेशक, दूसरे शब्दांश पर उच्चारण के साथ)
रूसी में, "लिखें" शब्द का मूल अर्थ "अक्षर और संख्याएँ लिखना" है। पेंटिंग में, पेशेवर "चित्र पेंट करें" शब्द का उपयोग एक शब्द के रूप में करते हैं। यदि कलाकार कहता है: "मैंने एक चित्र बनाया", तो इस मामले में वह पेशेवर शब्दावली का उपयोग नहीं करता है, बल्कि बस रोजमर्रा की भाषा बोलता है, जैसे आम लोग, से असंबंधित कलात्मक गतिविधि. पारिभाषिक अर्थ में, वे चारकोल, सेंगुइन, पेंसिल, पेस्टल से चित्र बनाते हैं, लेकिन तेल चित्रकला से नहीं। "कलाकार की यह तस्वीर तेल से बनाई गई है," केवल वही व्यक्ति कह सकता है जो चित्रकला से दूर है। और इसमें कुछ भी भयानक नहीं है, यह इतना महत्वपूर्ण नहीं है। इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि आप नहीं जानते कि लाल क्राप्लाक या कैडमियम पीला क्या है और आपने कभी किसी प्रकार के अम्बर या जले हुए सिएना के बारे में नहीं सुना है। टाइटल कलात्मक पेंट, जो कुछ रंगों को सटीक रूप से निर्दिष्ट करता है (आखिरकार, लाल और पीला और नीला दोनों अलग-अलग हैं), किसी गैर-विशेषज्ञ के लिए यह जानना बिल्कुल आवश्यक नहीं है, और कला इतिहासकार ऐसे संकीर्ण पेशेवर सटीक शब्दों का अतिक्रमण नहीं करते हैं।
दूसरी ओर, ये सज्जन, "कला के प्रभारी", या, अधिक सरलता से, आलोचक, यानी, कला के विषय पर लिखने वाले पत्रकार, अन्य सभी लोगों पर सफलतापूर्वक यह गलत विचार थोपते हैं कि कला, वे कहते हैं, "समझा जाना चाहिए।" कला के बारे में कौन जानता है? बेशक, कला इतिहासकारों के अलावा कोई नहीं!
इस प्रकार, हमें यह सफलतापूर्वक समझाया गया है ललित कलाहम कुछ नहीं जानते और कुछ नहीं समझते। और सबसे दिलचस्प बात यह है कि हम इससे पूरी तरह सहमत हैं! आप किससे नहीं पूछेंगे: "मैं पेंटिंग नहीं समझता", "मैं कला नहीं समझता" ..., और इसी भावना से।
और वास्तव में समझने लायक क्या है? कला, जिसमें ललित कला भी शामिल है, हमारे लिए बनाई गई है, आम लोग, और "विशेषज्ञों" के लिए नहीं, यह सौंदर्यशास्त्र को आकर्षित करता है, जो स्वभाव से हम सभी में निहित है। कला में दर्शक, पाठक, श्रोता के लिए दो ही मापदंड होते हैं - पसंद और नापसंद। क्या आप कोई उबाऊ किताब पढ़ेंगे? देखना ख़राब फ़िल्मया एक नाटक? क्या आप ओपेरा, संगीत, कोई गाना सुनेंगे जो आपको पसंद नहीं है? क्या आप काज़िमिर मालेविच को एक शानदार कलाकार मानते हैं, और वेलिमिर खलेबनिकोव - शानदार कवि? नहीं? वाहवाही! आप कला में महान हैं!
लेकिन आपके और मेरे लिए, जैसा कि पीटर ने कहा, "अन्य अनजाने मूर्खों से पहचान करने के लिए", फिर भी, इस मामले में पेंटिंग से संबंधित कुछ सामान्य, अक्सर रोजमर्रा के भाषण में पाए जाने वाले शब्दों को अपने लिए स्पष्ट करना आवश्यक है।
कलाकार के चित्र के लिए सामग्री
गैर-पेशेवर, सभी समान कला इतिहासकारों के सुझाव पर, आमतौर पर ऐसा मानते हैं असली तस्वीरतेल को विशेष रूप से कैनवास पर चित्रित किया जाना चाहिए, और कलात्मक कार्डबोर्ड जैसी अन्य बुनियादी चीजें आम तौर पर ध्यान देने योग्य नहीं होती हैं। फिर मोना लिसा को पेंटिंग नहीं माना जाना चाहिए, क्योंकि लियोनार्डो ने अपने काम के लिए लिंडन बोर्ड का इस्तेमाल किया था।
कार्डबोर्ड को प्राइम किया जाता है ताकि सफेद यौगिक के साथ पेंट उसमें न समा जाए, तथाकथित प्राइमर, जिसमें चाक और गोंद होता है, या रंगीन प्राइमर, अगर कलाकार को इसकी आवश्यकता होती है, यानी विशेष कला कार्डबोर्ड, काम के लिए आश्चर्यजनक रूप से सुविधाजनक है, खासकर खुली हवा में। कार्डबोर्ड एक कॉम्पैक्ट, बल्कि घना पदार्थ है जो कैनवास के विपरीत, ब्रश के दबाव में नहीं झुकता है। कमरे में तापमान और आर्द्रता में परिवर्तन के प्रभाव में, कैनवास कभी-कभी ढीला हो जाता है, कभी-कभी खिंच जाता है, समय के साथ उसमें से पेंट उखड़ जाते हैं, लेकिन कार्डबोर्ड से नहीं। कार्डबोर्ड पर पेंटिंग कार्डबोर्ड जितनी ही टिकाऊ होती है, और टिकाऊपन के मामले में कैनवास कार्डबोर्ड से भी आगे निकल जाता है।
हार्डबोर्ड के बारे में भी यही कहा जा सकता है, हालाँकि यह कार्डबोर्ड से कहीं अधिक भारी होता है। सोवियत कलाकार अक्सर हार्डबोर्ड को स्वयं प्राइम करते थे, या यूं कहें कि इसे लिखने में अधिक सुविधाजनक बनाने के लिए और ब्रश स्प्रिंग न हो, इसके लिए वे विशेष रूप से प्राइम किए गए कैनवास को हार्डबोर्ड पर चिपकाते थे। वहां आप हैं एक प्रमुख उदाहरण, बकाइन के साथ स्थिर जीवन काफी चित्र आकार है:
और कैनवास के बारे में क्या? विशेष रूप से उनके साथ कलाकार रूस का साम्राज्य 1862 तक काम किया, जब रूसी उद्योग ने कलात्मक कार्डबोर्ड का उत्पादन शुरू किया।
कैनवास के लिए एक भारी स्ट्रेचर और उस पर कैनवास के अच्छे खिंचाव की आवश्यकता होती है। उसी समय, आपको काम खत्म होने के बाद पेंट सूखने तक लंबे समय तक इंतजार करना होगा, अन्यथा कैनवास को रोल नहीं किया जा सकता है, क्योंकि गीले पेंट एक साथ चिपक जाएंगे और तस्वीर पूरी तरह से बर्बाद हो जाएगी। पेंट पूरे एक महीने तक सूख सकते हैं। यहां कलाकार को मजबूरन डाउनटाइम शुरू करना पड़ता है। परिवहन के लिए, चित्र, यदि वह बड़ा है, तो उसे स्ट्रेचर से हटा दिया जाता है, सावधानीपूर्वक पेंटिंग के साथ एक बड़े बब्बिन पर मोड़ दिया जाता है ताकि पेंटिंग को नुकसान न पहुंचे। अगला चरण - जगह पर डिलीवरी के बाद, स्ट्रेचर पर कैनवास को फिर से फैलाएं, सही ढंग से, विकृतियों के बिना, कोनों में झुर्रियां और शिथिलता के बिना, लेकिन अत्यधिक तनाव के बिना (यह सब पेंटिंग परत को भी नुकसान पहुंचा सकता है)। और समय के साथ, आर्द्रता और तापमान में परिवर्तन के प्रभाव में, स्ट्रेचर पर खींचा गया कैनवास शिथिल हो सकता है या, इसके विपरीत, बहुत अधिक खिंच सकता है, जिससे कैनवास के फटने का भी खतरा हो सकता है। इसके परिणामस्वरूप, पेंट की परत उखड़ सकती है, जिससे पेंटिंग खराब हो सकती है या बर्बाद हो सकती है। इसीलिए हॉल और स्टोररूम में कला संग्रहालयइसलिए आर्द्रता और तापमान की स्थिरता की सख्ती से निगरानी करें।
कलात्मक कार्डबोर्ड के कई फायदे हैं। यह हल्का है, खुली हवा के लिए छोड़कर, इसे क्लिप के साथ एक विशेष लकड़ी के फ्रेम में रखा जा सकता है, जिसके शीर्ष पर ले जाने के लिए एक बेल्ट हैंडल होता है। इस उपयोगी उपकरण का अंदाजा मेरे पिता के कागजात में संरक्षित रेखाचित्रों के लिए एक ऐसे फ्रेम के चित्र से मिलता है, जिसे मेरे पिता ने किसी बढ़ई से मंगवाया था। यहाँ चित्र है:
कभी-कभी चित्रकार रेखाचित्र बनाने के लिए अपने साथ दो कार्डबोर्ड ले जाता है। पहले एक का प्रयोग किया जाता है और फिर यदि का
प्रकाश या मनोदशा बदल गई है, या किसी अन्य उद्देश्य ने ध्यान आकर्षित किया है, कलाकार दूसरा कार्डबोर्ड लेता है और उस पर पहले से ही लिखता है। काम ख़त्म करने के बाद, वह गत्ते, जो अभी भी कच्चे हैं, को फ्रेम के अंदर घुमाता है और उन्हें क्लैंप से ठीक करता है। कार्डबोर्ड एक दूसरे को स्पर्श नहीं करते. साथ ही, पेंटिंग अक्षुण्ण और अहानिकर बनी रहती है। यह वर्कशॉप में सूख जाएगा.
अत: 1862 के बाद जब इसकी स्थापना हुई औद्योगिक उत्पादनप्राइमेड आर्ट कार्डबोर्ड से, चित्रकार धीरे-धीरे कार्डबोर्ड के साथ खुली हवा में अधिक से अधिक यात्रा करने लगे।
सज्जन, कला समीक्षक, जो इस सब के बारे में कुछ भी नहीं जानते हैं, और जिन्होंने स्वयं एक भी अध्ययन नहीं लिखा है, कलात्मक कार्डबोर्ड के प्रति तिरस्कारपूर्ण हैं, किसी कारण से कार्डबोर्ड पर पेंटिंग को स्पष्ट रूप से अधूरा मानते हैं, केवल इस तथ्य से आगे बढ़ते हुए कि ज्यादातर रेखाचित्र कार्डबोर्ड पर लिखे जाते हैं, जैसा कि हम नीचे देखेंगे, हमेशा समाप्त होते हैं, सावधानीपूर्वक तैयार किए गए काम, अक्सर बहुत महान काम की आवश्यकता होती है। इसके अलावा, "एट्यूड" शब्द का भी आविष्कार किया गया था, जिसका उपयोग अधूरे काम, लापरवाही और ... अधूरेपन के पर्याय के रूप में किया गया था! लेकिन मैं पूछना चाहता हूं कि क्रियान्वयन में लापरवाही या चित्र के अधूरेपन का इस बात से क्या लेना-देना है कि उस पर क्या लिखा है? हाँ, और कैनवस पर कोई रेखाचित्र नहीं हैं, है ना?
वैसे, पेंटिंग समाजवादी यथार्थवाद की शैली में है सोवियत कलाकारनिकोलाई ओविचिनिकोव "इन द शॉप", जो सितंबर 2016 में वी.वी. पुतिन ने डी.ए. कार्डबोर्ड पर मेदवेदेव लिखा हुआ है.
कड़ाई से बोलते हुए, यह एक पेंटिंग नहीं है, बल्कि कलाकार द्वारा सीधे कारखाने की कार्यशाला में बनाया गया एक पूर्ण-स्तरीय अध्ययन है, लेकिन इस शब्दावली पर नीचे चर्चा की जाएगी।
सबसे महत्वपूर्ण बात वह सामग्री नहीं है जिस पर पेंटिंग लगाई जाती है, बल्कि यह है कि कलाकार वास्तविकता, मनोदशा, अपनी भावनाओं को प्रतिबिंबित करने और उन्हें दर्शक तक पहुंचाने में कैसे कामयाब रहा। आधार सामग्री, चाहे वह कैनवास, कार्डबोर्ड, हार्डबोर्ड, कागज, बोर्ड या यहां तक कि पतली गैल्वनाइज्ड लोहा हो, का इससे कोई लेना-देना नहीं है। प्रतिभा, अनुभव, एक अच्छा कला विद्यालय महत्वपूर्ण हैं। वे कहते हैं कि अब्रामत्सेवो में एस.आई. ममोनतोव ने एक बार घर की छत बदल दी। एम.ए. व्रुबेल ने छत के लोहे का एक टुकड़ा उठाया और उस पर बकाइन लिखा। तो अब क्या, यह व्रुबेल नहीं है?
यहां "डी.पी. स्मिरनोवा का चित्र, ट्रायोखगोर्नया कारख़ाना का एक कर्मचारी, यूएसएसआर के सर्वोच्च सोवियत का एक डिप्टी" है।
सोवियत कलाकार सर्गेई फेडोरोविच सोलोविओव की कृतियाँ। यह भी गैल्वेनाइज्ड लोहे पर बनाया जाता है। यह चित्र, 37.5x31.5 सेमी के मामूली आकार से अधिक और ऐसे आधिकारिक नाम के कारण, स्पष्ट रूप से एक उत्पादन नेता के बड़े कस्टम-निर्मित चित्र के लिए एक वास्तविक अध्ययन है। जाहिर है, जब मॉडल कलाकार के स्टूडियो में पोज देने आया, तो उसके पास और कुछ नहीं था, इसलिए उसने एक पूरी तरह से तैयार छोटी सी तस्वीर लिखी। महिला चित्र, जिसे फिर, शायद कुछ मामूली बदलावों के साथ, एक बड़े कैनवास पर स्थानांतरित कर दिया गया।कभी-कभी, उस समय हर चीज की कमी के कारण, सोवियत कलाकार कागज पर भी तेल के पेंट से पेंटिंग करते थे, जो कि इसके लिए बिल्कुल भी इरादा नहीं था। इसलिए, विशेष रूप से, कभी-कभी मेरे पिता ने अभिनय किया। फिर, मेरे पिता की मृत्यु के बाद, मुझे यह कागज कार्डबोर्ड पर चिपकाना पड़ा। ("बर्फ गिरी" कार्डबोर्ड, तेल पर कागज; 61.5x82; 1969)
क्यों, उन्होंने तो फटे हुए बोरे के बर्लेप पर भी लिखा! और इसने अच्छा काम किया!
यहाँ, उदाहरण के लिए, पिता "अध्यक्ष" का कार्य है। उनकी कहानी इस प्रकार है: उनके पिता को अल्ताई में सामूहिक फार्मों में से एक में, बियस्क के पास, एक व्यापारिक यात्रा मिली, जिसमें वहां के अध्यक्ष, सोशलिस्ट लेबर के हीरो को लिखने का काम सौंपा गया था। स्वाभाविक रूप से, सामूहिक फ़ार्म पर कोई कैनवास नहीं था, प्राइम किए गए कैनवास की तो बात ही छोड़ दें, इसलिए मेरे पिता ने कुछ बड़े बैग को फाड़ दिया, उसे तुरंत खींच लिया, तुरंत स्ट्रेचर को एक साथ खटखटाया, बर्लेप को प्राइम किया और चेयरमैन का एक चित्र चित्रित किया। इसके बाद, घटनाओं के 50 साल बाद, मुझे इस काम को पहले से ही सामान्य स्ट्रेचर पर खींचना पड़ा।
या इधर शरद ऋतु परिदृश्य"क्रिमसन ऑटम", जो मेरे पिता द्वारा किसी दूरदराज के गांव में लिखा गया था, वह भी इसी तरह की तकनीक का उपयोग कर रहा था:
इस प्रकार: यदि आप बिना सोचे-समझे एक विशाल बहु-मीटर चित्र लिखते हैं, तो आपको इसे विशेष रूप से बाद के परिवहन के लिए कैनवास पर चित्रित करना होगा, न कि कलात्मक मूल्य के लिए!
अन्य मामलों में, इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि किस पर लिखना है, अन्यथा सबसे पहले पी.एम. द्वारा खरीदा गया। त्रेताकोव दो ETUDE एम.ए. कार्डबोर्ड पर व्रुबेल, कोई रास्ता नहीं कलात्मक मूल्यप्रतिनिधित्व नहीं किया.
अध्ययन और रेखाचित्र
आख़िरकार, आप जो भी कहें, एक एट्यूड बिल्कुल तैयार है, आकार में अपेक्षाकृत छोटा है प्राकृतिकएक कार्य जो खुली हवा (परिदृश्य) या कहें तो स्टूडियो (अभी भी जीवन, चित्र) में किया जाता है और पूरी तरह से स्वतंत्र कार्य है। हालाँकि, भविष्य में रेखाचित्रों का उपयोग एक बड़े चित्र को चित्रित करने के लिए भी किया जा सकता है, कभी-कभी एक विशाल मल्टी-मीटर कैनवास भी, जो पहले से ही केवल स्टूडियो में ही संभव है। एक अध्ययन में, विशेष रूप से परिदृश्यों के लिए, अक्सर आयाम होते हैं, मोटे तौर पर कहें तो, 60 गुणा 80 सेमी से अधिक नहीं, यानी एक व्यक्ति द्वारा ले जाने के लिए सुविधाजनक आकार। यहां ऐसे क्षेत्रीय अध्ययन का एक उदाहरण दिया गया है:
एक एट्यूड एक सत्र का हो सकता है, एक सत्र में, यानी एक दिन में लिखा जा सकता है। लेकिन ऐसा बहुत कम होता है, अक्सर एक अध्ययन के लिए कई या कई सत्रों की आवश्यकता होती है। एक बहु-सत्रीय अध्ययन, खासकर यदि यह एक प्राकृतिक परिदृश्य है, तो कभी-कभी कई वर्षों के काम की आवश्यकता होती है। यह आमतौर पर तब होता है जब मौसम तेजी से और लंबे समय तक बदलता है, और वांछित स्थिति अब अगले साल ही दिखाई देगी। ठीक है, उदाहरण के लिए, आप लिखते हैं सुनहरी शरद ऋतुतेज धूप में, अभी भी कुछ सत्र बाकी हैं, और फिर पूरे एक महीने तक बारिश होती रही, अनजाने में अगले साल इस जगह पर आना जरूरी हो जाएगा।
इस प्रकार, Etude एक प्राकृतिक कार्य है, कला का एक तैयार काम, जिस पर चित्रकार द्वारा उचित मात्रा में श्रम खर्च किया गया है, यानी, रोजमर्रा की भाषा में, एक तैयार तेल चित्रकला अपेक्षाकृत है बड़े आकार.
बेशक, अधूरे रेखाचित्र भी हैं, लेकिन एक बहु-मीटर बड़ी तस्वीर भी अधूरी हो सकती है। इसलिए, जैसा कि हम देख सकते हैं, सम्मानित कला इतिहासकारों का विचार, जो लंबे समय से पुराना है, 100 से अधिक वर्षों से अपना पूर्व अर्थ खो चुका है, यह है कि एक अध्ययन अनिवार्य रूप से अधूरा और महत्वहीन कलात्मक मूल्य का कुछ है, जो दुर्भाग्य से, उन्होंने दृढ़ता से हमारे सिर में डाल दिया है, और जो, अफसोस, शब्दकोशों में भी परिलक्षित होता है, आज लंबे समय से इसकी थोड़ी सी भी नींव नहीं है।
स्केच
एक स्केच एक एट्यूड से इस मायने में भिन्न होता है कि यह हमेशा एक बड़ी विषयगत पेंटिंग की तैयारी के लिए ही बनाया जाता है ( बहुचित्रित रचनाकिसी विशिष्ट विषय पर. उदाहरण के लिए, सुरिकोव द्वारा "मॉर्निंग ऑफ़ द स्ट्रेलत्सी एक्ज़ीक्यूशन")। स्केच में पूर्णता हमेशा मौजूद नहीं होती है, और इस मामले में इसमें स्केच का चरित्र होता है। आइए दो रेखाचित्रों की तुलना करें महान कामसोवियत कलाकार क्लाउडिया टुटेवोल। पहले मामले में, स्केच मेरे लिए एक कार्यशील सामग्री के रूप में बनाया गया था (वीडीएनकेएच में कॉसमॉस पैवेलियन के लिए एक पैनल के लिए स्केच)
दूसरे मामले में (अल्मा-अता में अबाई ओपेरा और बैले थियेटर की छत के प्लैफॉन्ड का स्केच), स्केच को कलात्मक परिषद द्वारा अनुमोदन के लिए बनाया गया था, जैसा कि स्केच के निचले और ऊपरी बाएं हिस्सों में हस्ताक्षर और टिकटों से प्रमाणित है। इसलिए, यह पूरी तरह से पूरा हो गया है और समाप्त हो गया है, कोई स्केचनेस नहीं है, यानी। यहां लापरवाही या अक्षमता की कोई गंध नहीं है. उदाहरण के लिए, वास्तुकला में, यह संबंधित वास्तुशिल्प संरचना का एक मॉडल होगा।
किसी पेंटिंग के लिए एक स्केच किसी व्यक्ति के हाथ, पैर, कान, चेहरे, आकृति या सिर, घोड़े, कुत्ते, अन्य जानवरों या यहां तक कि एक ट्रैक्टर, एक ट्रक, किसी भी वस्तु या कपड़ों के टुकड़े की पूरी छवि हो सकती है, और यहां तक कि सावधानीपूर्वक लिखी या खींची गई छवि भी हो सकती है। इस पलचित्रकार की दिलचस्पी आम तौर पर ऐसी किसी भी चीज़ में होती है जिसे कलाकार के भविष्य के बड़े चित्र में शामिल किया जा सके। इसके अलावा, यह सब कभी-कभी कैनवास, कार्डबोर्ड या हार्डबोर्ड के एक ही टुकड़े पर फिट हो सकता है।
ऐसे रेखाचित्र, जो कभी-कभी अधूरे, लापरवाही से, जल्दबाजी में बनाए जाते हैं, उन्हें रेखाचित्र भी कहा जाता है, यानी, कलाकार, एक बड़ी बहु-आकृति रचना को डिजाइन करने की प्रक्रिया में, कागज, कार्डबोर्ड, कैनवास, आदि की शीट पर "स्केच" करता है।
इसके अलावा, रेखाचित्र को कलाकार द्वारा क्षण के प्रभाव में अनायास बनाए गए त्वरित रेखाचित्र भी कहा जाता है। एक उदाहरण वी.जी. का रेखाचित्र है। ग्रेमिट्सिख "अवे" 25.5x17 कागज, पेंसिल; 1940 का दशक।
वी.जी. ग्रेमिट्स्की "विजिटिंग" पेपर, पेंसिल; 25.5x17; 1940 के दशक |
जैसा कि आप देख सकते हैं, कलाकार ने हाथ में आए रैपिंग पेपर के पहले टुकड़े पर, ठीक उसी तरह, अपने लिए, रेखाचित्र बनाया एक साधारण पेंसिल से, यह भी स्पष्ट रूप से बांह के नीचे छिपा हुआ है, जिस शैली का दृश्य वह देख रहा है।
लेकिन मॉस्को के कलाकार इगोर रैडोमन ने मेरे पिता को चित्रित किया, जो कलाकारों के अकादमीचेस्काया डाचा हाउस में कहीं बिस्तर पर आराम कर रहे थे:
सभी प्रकार की बैठकों और सभाओं में कलाकार, जिनमें सोवियत काल में असंख्य थे, लगातार ऊब रहे थे, और इस तथ्य से खुश थे कि वे एक-दूसरे के पेंसिल स्केच बना रहे थे। मेरे संग्रह में विभिन्न कलाकारों द्वारा बनाए गए कई समान रेखाचित्र हैं।
एक स्केच न केवल पेंसिल से बनाया जा सकता है, बल्कि ऑयल पेंट, सेंगुइन, पेस्टल, चारकोल, पेन और किसी भी चीज़ से, यहां तक कि बॉलपॉइंट पेन से भी बनाया जा सकता है, क्योंकि एक सच्चा कलाकार अपने पेशे के बिना एक मिनट भी नहीं रह सकता है। यथार्थवादी कलाकारों के लिए, यह वातानुकूलित प्रतिवर्त के स्तर पर किसी प्रकार का पेशेवर उन्माद है जिसके लिए निरंतर प्रशिक्षण, कौशल में सुधार की आवश्यकता होती है, जो वास्तव में, एक वास्तविक कलाकार को अलग करता है जो अपना पूरा जीवन दैनिक और प्रति घंटा कला के लिए समर्पित करता है, तथाकथित "आधुनिक" कलाकारों और अवांट-गार्डे कलाकारों से जिन्हें कुछ भी करने में सक्षम होने की आवश्यकता नहीं है, और इसलिए किसी प्रशिक्षण की आवश्यकता नहीं है - कोई कौशल नहीं है, सान करने के लिए कुछ भी नहीं है, अपने आप को वर्गों और त्रिकोणों को चित्रित करने के लिए जानें!
वैसे, स्केच, कलाकार को इसे पूरा करने में लगने वाले समय के आधार पर, पूरी तरह से तैयार ड्राइंग में भी बदल सकता है। यहां हमारे पास पूरी तरह से समाप्त है शिशु चित्रपेंसिल "वोलोडा एट द गेम" मुरम चित्रकार वासिली वासिलीविच सेरोव, लेकिन फिर भी - यह एक स्केच है!
रेखाचित्र बड़े पैमाने पर कलाकार के काम की प्रक्रिया में सहायक होते हैं विषयगत चित्र. रेखाचित्र न केवल तेल में, बल्कि लकड़ी का कोयला या पेंसिल, टेंपरा आदि में भी बनाये जाते हैं। स्केच में, इसके अलावा, संपूर्ण भविष्य बड़ा है मल्टी-फिगर पेंटिंगकलाकार।
उदाहरण के तौर पर, सोवियत कलाकार ग्रिगोरी गॉर्डन की एक बड़ी विषयगत पेंटिंग "कमांडर्स ऑफ द सिविल वॉर" के लिए दो रेखाचित्र उद्धृत किए जा सकते हैं, जो वास्तव में, गृह युद्ध के सबसे प्रसिद्ध लाल कमांडरों का एक समूह चित्र है।
सबसे पहले, चित्रकार ने उन सभी को एक लाल बैनर की पृष्ठभूमि के सामने पंक्तिबद्ध करने का निर्णय लिया,
लेकिन फिर ऐसी रचना उन्हें उबाऊ लगने लगी, और उन्होंने इसे थोड़ा जटिल बनाने का फैसला किया:
जैसा कि आप देख सकते हैं, इस मामले में, रेखाचित्र टेम्परा में बनाए गए हैं, और इसके अलावा, दोनों कार्यों की रेखाचित्रता के बावजूद, यानी। कार्यान्वयन की अपूर्णता और स्पष्ट लापरवाही के कारण, भविष्य की बड़ी तस्वीर के सभी नायक काफी पहचानने योग्य हैं। हम स्पष्ट रूप से वोरोशिलोव, बुडायनी, शॉकर्स, फ्रुंज़े, चापेव, पार्कहोमेंको इत्यादि को देखते हैं।
और यहां पहले से उल्लेखित मुरम कलाकार वी.वी. द्वारा एक बड़ी विषयगत पेंटिंग "द अरेस्ट ऑफ अलेक्जेंडर उल्यानोव" का एक स्केच है। सेरोव:
निःसंदेह, परिणाम मूल इरादे से भिन्न होने की संभावना है। एक सच्चा कलाकार, एक नियम के रूप में, अपने दिमाग से कोई नई चीज़ नहीं निकालता। वह लगातार अपनी रुचि के विषय पर गहराई से विचार कर रहे हैं। वह इस पर विचार करता है, पुनर्विचार करता है, खूब निरीक्षण करता है, प्रासंगिक साहित्य पढ़ता है। यदि भविष्य के विषयगत चित्र में कोई परिदृश्य है, तो संबंधित प्राकृतिक रेखाचित्र लिखे जाते हैं, जिन्हें बाद में, आमतौर पर थोड़े संशोधित रूप में, चित्र में स्थानांतरित कर दिया जाता है। कभी-कभी कई पूर्ण-स्तरीय अध्ययनों से व्यक्तिगत विवरण एक ही बार में एक बड़ी तस्वीर में स्थानांतरित कर दिए जाते हैं।
हालाँकि, एक पूर्ण पैमाने का अध्ययन, एक रेखाचित्र और एक रेखाचित्र के विपरीत, जैसा कि हम पहले ही देख चुके हैं, एक स्वतंत्र और आवश्यक रूप से पूरी तरह से तैयार कार्य है। यहां आपके लिए एक प्रमुख उदाहरण है. 1952 के वसंत में एक बड़ी विषयगत पेंटिंग "लेनिन और गोर्की इन गोर्की" के लिए ऑर्डर प्राप्त करने के बाद, मेरे पिता ने मॉस्को के पास लेनिनस्की गोर्की की कई यात्राएं कीं और वहां कैनवास पर दो बड़े रेखाचित्र चित्रित किए। सबसे पहले, गोर्की. वसंत। कैनवास, तेल; 60x80 सेमी",
और फिर - “लेनिन हिल्स में, कैनवास पर तेल; 78.5x57 सेमी.
इसके बाद, अंतिम बड़ी तस्वीर में, पिता ने दूसरे अध्ययन को आधार बनाया, कदमों को थोड़ा पीछे धकेला और मैक्सिम गोर्की को लेनिन के साथ बात करते हुए उनके सामने रखा। एट्यूड से “गोर्की। वसंत।" उन्होंने पृष्ठभूमि में प्रकृति की एक पुरानी स्थिति ली, केंद्रीय आंकड़ों की तुलना में मंडप के साथ परिदृश्य को काफी कम कर दिया। फिर भी, दोनों अध्ययन, प्रत्येक अपने आप में एक पूर्ण स्वतंत्र पार्क परिदृश्य है, जो उनके पिता के कई अन्य प्राकृतिक परिदृश्यों से अलग नहीं है। यदि मैंने यह कहानी यहां नहीं बताई होती, तो आप, यदि आप कम से कम तीन बार कला समीक्षक होते, तो कभी यह अनुमान नहीं लगा पाते कि इन दोनों कार्यों का उपयोग समाजवादी यथार्थवाद की तस्वीर बनाने के लिए किया गया था, है ना? तो हम कैसे कह सकते हैं कि रेखाचित्रों का पूर्ण चरित्र और स्वतंत्र कलात्मक मूल्य नहीं है? (विकिपीडिया में परिभाषा याद करें)।
एक बड़े विषयगत बहु-चित्रित चित्र पर एक विशाल और लंबे काम, उपस्थिति की आवश्यकता होती है विशाल राशिरेखाचित्र और रेखाचित्र। यह विशेष रूप से कार्यशाला में लिखा जाता है, अक्सर कई वर्षों तक। कम से कम ए. ए. इवानोव को उनकी विशाल पेंटिंग "द अपीयरेंस ऑफ क्राइस्ट टू द पीपल" को लें, जिस पर कलाकार ने बीस वर्षों तक काम किया - 1837 से 1857 तक, या वासिली सुरिकोव, जिन्होंने अपनी प्रत्येक पेंटिंग पर तीन से पांच वर्षों तक काम किया।
एक चित्र और एक अध्ययन में क्या अंतर है?
एक एट्यूड, कला का एक स्वतंत्र और पूरी तरह से तैयार काम होने के नाते, एक पेंटिंग से मुख्य रूप से इस मायने में भिन्न होता है कि इसे प्रकृति से चित्रित किया गया है। चित्र को विशेष रूप से कार्यशाला में भारी मात्रा में सामग्री - रेखाचित्र, रेखाचित्र, रेखाचित्र, पेंसिल रेखाचित्र और तस्वीरों के आधार पर चित्रित किया गया है। कभी-कभी आपको अध्ययन करना पड़ता है एक बड़ी संख्या कीसाहित्य और पत्रिकाएँ, जबकि कथानक, यानी चित्र का विषय, कलाकार द्वारा स्वयं आविष्कार किया जाता है, या ग्राहक द्वारा निर्देशित किया जाता है। और इससे भी महत्वपूर्ण बात यह है कि पेंटिंग हमेशा कलाकार के प्रारंभिक इरादे का प्रतीक होती है, जबकि स्केच ज्यादातर सहज रूप से लिखा जाता है - कलाकार स्केचबुक लेता है और एक मकसद की तलाश में जाता है, यानी। जिस तरह का वह लिखेगा. जहां देखा, वहीं रुककर लिखा।
बड़े विषयगत चित्र बनाने के लिए विशेष रूप से लिखे गए कोई अपवाद और रेखाचित्र नहीं हैं। जिस मामले का मैंने ऊपर उल्लेख किया है, मेरे पिता को सबसे पहले गोर्की लेनिन्स्की में एक गज़ेबो मिला, उन्होंने फैसला किया कि वह लेनिन और गोर्की को इसके सामने रखेंगे, और उसके बाद ही इस गज़ेबो के साथ प्रकृति से दो अध्ययनों को चित्रित किया।
मूलतः कोई ऐसा कह सकता है जो कुछ भी प्रकृति से लिखा गया है वह एक अध्ययन है, चाहे वह एक परिदृश्य हो, स्थिर जीवन हो या चित्र हो, और वह सब कुछ जिसके लिए प्रारंभिक योजना की आवश्यकता होती है, कई और विविध प्रारंभिक सामग्रियों के साथ लंबे समय तक काम करना - यह एक तस्वीर है।
निश्चित रूप से, एक पेंटिंग को एक बड़े, और कभी-कभी बस विशाल आकार का युग-निर्माण कैनवास कहा जा सकता है। ऐसे ही एक कलाकार थे हेनरिक इप्पोलिटोविच सेमिरैडस्की। इसलिए उन्होंने इतनी बड़ी पेंटिंग बनाईं कि वे स्टूडियो में छत से लटक गईं और फर्श तक पहुंच गईं, और, ध्यान रखें, यह ख्रुश्चेव में होने से बहुत दूर था। इसलिए, इंपीरियल एकेडमी ऑफ आर्ट्स के शिक्षाविद और प्रोफेसर को लगातार सीढ़ियाँ चढ़नी पड़ती थीं, उनके पास कभी-कभी इतने बड़े काम होते थे। जी.आई. सेमीराडस्की पर ज्यादातर बड़े फंतासी चित्र थे प्राचीन विषय, जिसकी साजिशें उसने अपने दिमाग से निकाल लीं, क्योंकि वास्तविक जीवन प्राचीन ग्रीसऔर सम्राट नीरो के समय में रोम को वह अपनी आँखों से नहीं देख सकता था।
हालाँकि, चित्र आकार में काफी मामूली हो सकता है, विशेष रूप से शैली चित्रों के लिए, यानी कलाकारों द्वारा रोजमर्रा के दृश्यों को दर्शाने वाली पेंटिंग। उदाहरण के लिए, पावेल फेडोटोव द्वारा प्रसिद्ध "कोर्टशिप ऑफ ए मेजर" का आकार काफी बड़ा है - केवल 58.3x75 सेमी। लेकिन, जैसा कि आप स्वयं समझते हैं, यह स्पष्ट रूप से व्यापारी के रहने वाले कमरे में प्रकृति से नहीं लिखा गया था।
सामान्य तौर पर ऐतिहासिक तस्वीर एक विशेष रूप से काल्पनिक चीज़ है। उदाहरण के लिए, दोनों भाइयों वासनेत्सोव ने ऐतिहासिक सामग्री पर लिखा, लेकिन बहुत अलग। एक ने XIV में मास्को के जीवन और वास्तुकला को फिर से बनाया XVII सदी, दूसरे ने आधार के रूप में रूसी लोक कथाओं और महाकाव्यों को लिया। लेकिन अगर अपोलिनारिस, गंभीरता से, पर वैज्ञानिक स्तर, जो इतिहास और पुरातत्व में लगे हुए थे, विभिन्न ऐतिहासिक और पुरातात्विक समाजों के सदस्य थे, इतिहास पर ज्ञान के प्रसार के एक भावुक समर्थक होने के नाते, प्राचीन दस्तावेजों और पुरातात्विक खुदाई के परिणामों के आधार पर मध्ययुगीन मास्को के जीवन और विचारों को "जैसा था" फिर से बनाने की मांग की, जिसमें उन्होंने खुद कभी-कभी व्यक्तिगत रूप से भाग लिया, उनके बड़े भाई, विक्टर की पेंटिंग पहले से ही प्रकृति में पूरी तरह से काल्पनिक थीं।
युद्ध चित्र भी इसी श्रेणी में हैं। जैसा कि कला इतिहास की कुछ महिलाएँ कल्पना करती हैं, उन्हें युद्ध के मैदान में ही जीवन से चित्रित करना बिल्कुल हास्यास्पद है। प्रसिद्ध रूसी युद्ध चित्रकार वी.वी. वीरेशचागिन, जिन्होंने व्यक्तिगत रूप से कई लड़ाइयों को देखा, और कभी-कभी उनमें प्रत्यक्ष भाग भी लिया, उन्होंने अपने चित्रों को विशेष रूप से स्मृति से चित्रित किया, स्वाभाविक रूप से स्टूडियो में, सैन्य अभियानों के थिएटरों में उनके द्वारा बनाए गए कई रेखाचित्रों के आधार पर। इसके अलावा, वसीली वासिलीविच ने बहुत कुछ पढ़ा, प्रत्यक्षदर्शियों का साक्षात्कार लिया, प्रॉप्स पर बहुत पैसा खर्च किया - उन्होंने हथियार, वर्दी, उपकरण खरीदे, जिन्हें उन्होंने प्रकृति से चित्रित किया, इस प्रकार उन चित्रों के लिए रेखाचित्र तैयार किए जिनकी उन्होंने कल्पना की थी।
किसी परिदृश्य को दर्शाने वाली बड़ी पेंटिंग भी प्राकृतिक चीजें नहीं हैं, बल्कि कलाकार द्वारा अपने दिमाग से आविष्कार की गई हैं और प्राकृतिक रेखाचित्रों के आधार पर बनाई गई हैं। एक बार मुझे लगभग 60 गुणा 80 सेमी आकार का एक रेखाचित्र देखने को मिला, जिसके आधार पर आई.आई. शिश्किन ने अपनी प्रसिद्ध बड़ी पेंटिंग "राई" को चित्रित किया, जिसका आकार पहले से ही 107 गुणा 187 सेमी था। स्केच कैनवास पर था और तस्वीर में सब कुछ वैसा ही दर्शाया गया था, केवल सड़क दर्शक से सीधे पाइंस तक नहीं जाती थी, बल्कि कुछ हद तक बग़ल में जाती थी और पाइंस की संख्या अलग थी। इस मामले में, प्राकृतिक अध्ययन स्पष्ट रूप से एक बड़ी लैंडस्केप पेंटिंग बनाने के आधार के रूप में कार्य करता है, लेकिन अपने आप में यह पूरी तरह से तैयार और सावधानीपूर्वक तैयार किया गया काम है।
इस प्रकार, कोई न केवल किसी पेंटिंग के स्केच के बारे में बात कर सकता है, बल्कि किसी पेंटिंग के स्केच के बारे में भी बात कर सकता है, यदि स्केच विशेष रूप से उसके लिए लिखा गया हो। अधिकतर यह बात परिदृश्य पर लागू होती है। यदि आई.आई. शिश्किन ने खुद को ऊपर उल्लिखित रेखाचित्र तक ही सीमित रखा और किसी कारण से इस पर कोई बड़ा काम नहीं लिखा, अब कला इतिहासकार करेंगे ट्रीटीकोव गैलरीआई.आई. की तस्वीर का घमंड शिश्किन "राई" 60x80 सेमी, इसमें संदेह नहीं है कि यह प्रकृति का एक अध्ययन है।
आइए संक्षेप में बताएं:
एक पेंटिंग, एक स्केच के विपरीत, आवश्यक रूप से कलाकार की प्रारंभिक योजना, लंबे प्रतिबिंब की आवश्यकता होती है, और हमेशा निष्पादन और सजावट की संपूर्णता से अलग होती है, इसलिए बोलने के लिए, लिखे जाने से। किसी भी आकार की पेंटिंग हमेशा कलाकार द्वारा स्टूडियो में सबसे विविध सामग्री के आधार पर चित्रित की जाती है: तस्वीरें, प्रारंभिक रेखाचित्र और रेखाचित्र, और, यदि आवश्यक हो, पूर्व-लिखित क्षेत्र अध्ययनों के आधार पर। एक चित्र, चाहे वह छोटा भी हो, और उससे भी बड़े आकार का, हमेशा खुली हवा में नहीं चित्रित किया जाता है, भले ही वह एक परिदृश्य हो (ऐसे विशालकाय चित्र को अपने साथ मैदान में या जंगल में खींचने का प्रयास करें!), लेकिन कलाकार के स्टूडियो में। एक बड़ा चित्र निश्चित रूप से कैनवास पर लिखा जाता है, जो परिवहन के लिए बड़े कैनवास की असाधारण सुविधा के अलावा और कुछ नहीं है।
विषयगत चित्र - जैसा कि शब्द से ही पता चलता है, यह एक विशिष्ट विषय पर एक चित्र है। प्रायः यह बड़े आकार की बहु-आकृति रचना होती है। यह शब्द सोवियत कला के इतिहास में पहले से ही उत्पन्न हुआ था, इसलिए इसका उपयोग अक्सर तथाकथित समाजवादी यथार्थवाद के कार्यों के लिए किया जाता है, उदाहरण के लिए, नागरिक, महान के विषय पर देशभक्ति युद्ध, या कहें, "अक्टूबर में लेनिन"। चूँकि ऐसे कार्यों का आकार अक्सर बहुत बड़ा होता है, चित्रकार, निश्चित रूप से, अपने स्टूडियो में ऐसी तस्वीर पर काम करता है, और इसे कैनवास पर लिखता है। "कोसैक ने तुर्की सुल्तान को एक पत्र लिखा" आई.ई. रेपिन, जिसका आकार 2.03 गुणा 3.58 मीटर है, को सैद्धांतिक रूप से एक विषयगत पेंटिंग भी कहा जा सकता है, हालांकि वहां समाजवादी यथार्थवाद की कोई गंध नहीं है। इसे कार्यशाला में इल्या एफिमोविच द्वारा कई रेखाचित्रों और रेखाचित्रों के आधार पर भी लिखा गया था, साथ ही, उदाहरण के लिए, "वोल्गा पर बजरा ढोने वाले" (1.31 गुणा 2.81 मीटर)।
शैली चित्रकला - नाम से आता है फ़्रेंच शब्द"शैली" आमतौर पर काम है
छोटा वार्तालाप अंशइसे न केवल कैनवास पर, बल्कि कार्डबोर्ड या हार्डबोर्ड पर भी बनाया जा सकता है। यह सामग्री 20वीं शताब्दी में ही व्यापक रूप से वितरित होनी शुरू हो गई थी।
ऐसी भी एक बात है शैली चित्र. बस एक चित्र एक तटस्थ पृष्ठभूमि पर एक व्यक्ति का एक चित्र है, लेकिन जब ऐसी पृष्ठभूमि होती है जो वस्तुओं, लोगों या यहां तक कि एक औद्योगिक परिदृश्य को दर्शाती है जो दर्शक को प्रेरित करती है, उदाहरण के लिए, चित्रित व्यक्ति का व्यवसाय, तो यह पहले से ही एक शैली का चित्र है। एक उदाहरण महिला चित्र "वयोवृद्ध" की शैली है खनिक का श्रम"सोवियत कलाकार क्लाउडिया अलेक्जेंड्रोवना टुटेवोल के काम का उल्लेख यहां पहले ही किया जा चुका है:
एट्यूड, जैसा कि हमने ऊपर कहा, एक पूरी तरह से तैयार स्वतंत्र कार्य है, लेकिन निश्चित रूप से प्राकृतिक है। यह पूरी तरह से स्वतंत्र कला कृति है, लेकिन यह कलाकार की एक बड़ी तस्वीर के लिए सहायक सामग्री के रूप में भी काम कर सकती है, जो किसी भी तरह से इसके कलात्मक मूल्य को कम नहीं करती है। यह स्थिर जीवन, चित्र, परिदृश्य, आंतरिक भाग हो सकता है। स्केच, अपने अपेक्षाकृत छोटे आकार के कारण, उपरोक्त सभी सामग्रियों पर लिखा गया है, लेकिन इसमें मुख्य बात, निश्चित रूप से, चित्रकार के काम की गुणवत्ता, स्थिर जीवन में एक रचना बनाने की उसकी क्षमता, एक चित्र में मॉडल के चरित्र को प्रतिबिंबित करना, समुद्र की उत्तेजना या शांति, सर्दियों के जंगल की ठंड, सूर्यास्त की सुंदरता, सुनहरी शरद ऋतु का आकर्षण या एक परिदृश्य में प्रकृति के वसंत मूड को व्यक्त करना है।
रेखाचित्र एक सहायक कार्य है, इसका उद्देश्य भविष्य की रचना का विचार निश्चित करना है
विषयगत चित्र. उदाहरण के तौर पर, आइए ई. डी. इश्मामेतोव की पेंटिंग "वर्जिन लैंड्स" का एक स्केच लें। इसमें, कलाकार ने रचना और रंग, चरित्र, पात्रों की मुद्राएँ विकसित कीं और फिर इस विषय पर एक बड़ा चित्र चित्रित किया। चित्रकार हमेशा चित्र के स्केच पर बहुत ध्यान से सोचता है। आमतौर पर, एक स्केच की विशेषता एक निश्चित अपूर्णता, अपूर्णता होती है। यह इस तथ्य के कारण है कि कलाकार को अक्सर इसे खत्म करने की आवश्यकता नहीं होती है, यहां एक और कार्य है - रचना विकल्पों का विकास भविष्य की तस्वीर, इसके मूल उद्देश्य का परिशोधन। इसलिए, स्केच में अक्सर स्केच का चरित्र होता है। लेकिन यह पूरी तरह से तैयार, सावधानीपूर्वक तैयार किया गया काम भी हो सकता है, खासकर जब स्केच चयन समिति द्वारा अनुमोदन के लिए हो, जैसा कि हम पहले ही थिएटर के लिए छत के स्केच के उदाहरण में देख चुके हैं। क्लाउडिया टुटेवोल द्वारा अल्मा-अता में अबाई।एक रेखाचित्र, यदि यह किसी चित्र पर काम करने की प्रक्रिया में बनाया गया है, तो यह भी एक विशुद्ध रूप से सहायक कार्य है, अधूरा है, विस्तार से नहीं बनाया गया है।
यह जल्दी-जल्दी लिखा या खींचा जाता है, लेकिन लापरवाही से अच्छे कलाकारउसमें ऐसा नहीं होता. आप किसी मॉडल के प्रमुख को तुरंत लिख सकते हैं, जो बाद में एक शानदार तैयार चित्र में बदल जाएगा, या आप किसी आकृति का त्वरित स्केच बना सकते हैं जिसे बाद में एक बड़ी तस्वीर की संरचना बनाने के लिए आवश्यक हो सकता है, और स्केच एक स्वतंत्र कार्य बना रहेगा, जो संग्राहकों और शौकीनों के लिए दिलचस्प होगा। उदाहरण के लिए, यहाँ वी.जी. का एक रेखाचित्र है। ग्रेमित्स्की "नृत्य":हालाँकि, जैसा कि हमने ऊपर देखा, रेखाचित्र पूरी तरह से स्वतंत्र भी हो सकते हैं।
एक स्केच में आमतौर पर एक स्केच का चरित्र भी होता है, लेकिन एक स्केच अनिवार्य रूप से भविष्य की तस्वीर, उसकी पूरी संरचना के लिए एक योजना है, जबकि एक तस्वीर के लिए एक स्केच किसी चीज़ का एक त्वरित स्केच होता है, जिसे सिद्धांत रूप से, भविष्य की तस्वीर में शामिल किया जा सकता है।
पेंटिंग में कुछ अन्य सामान्य शब्दों के बारे में:
एक बार मुझे यह जानकर बहुत आश्चर्य हुआ कि स्टाफिंग "लोगों या जानवरों की आकृतियों के स्पष्ट चित्रण के बिना एक तेल चित्रकला है।" वास्तव में, स्टाफेज लोगों या जानवरों की छोटी आकृतियाँ हैं, जिन्हें कलाकार द्वारा पुनर्जीवित करने के लिए परिदृश्य में उकेरा गया है।
से एक और शब्द परिदृश्य चित्रकला- ट्यूनिंग कांटा। यह एक उज्ज्वल स्थान है, जो परिदृश्य की सामान्य पृष्ठभूमि के विपरीत है। आमतौर पर यह किसी प्रकार का स्टाफिंग होता है। इसका एक उदाहरण ताशकंद के एक कलाकार का काम है
वी.एम. कोविनिना " पहाड़ी परिदृश्यचमकीले लाल राष्ट्रीय कपड़े पहने एक लड़की की आकृति के साथ।
यह अजीब है जब किसी कैनवास को कोई भी कहा जाता है तैल चित्र, यहां तक कि छोटे आकार का भी, और यहां तक कि कार्डबोर्ड पर भी लिखा हुआ। “लिनन सबसे सरल बुनाई का एक चिकना और घना लिनन कपड़ा है; सबसे पतली किस्मों को कैम्ब्रिक कहा जाता था, सबसे मोटे - कैनवास, कैनवास, बराबर, आदि। (विकिपीडिया)। इस प्रकार, कैनवास न तो कार्डबोर्ड हो सकता है और न ही हार्डबोर्ड, पेंटिंग के संबंध में यह निश्चित रूप से एक कैनवास है।
चित्रकला में, विशाल आकार के चित्रों को कैनवस कहा जाता है, और आमतौर पर किसी युग-निर्माण विषय पर। इस प्रकार, हम कह सकते हैं कि वासिली सुरिकोव के ब्रश के नीचे से केवल कैनवस निकले, लेकिन कॉन्स्टेंटिन कोरोविन मुख्य रूप से अपने एट्यूड कार्यों के लिए प्रसिद्ध हुए। यदि ऐवाज़ोव्स्की की "द नाइंथ वेव" को पूरी तरह से एक कैनवास कहा जा सकता है, तो फेडोटोव द्वारा पहले से उल्लिखित छोटे काम "फ्रेश कैवेलियर" के संबंध में, यह केवल हास्यास्पद होगा, इस तथ्य के बावजूद कि यह कैनवास पर भी चित्रित है।
मिट्टी के बारे में थोड़ा और: गेसो क्या है? यह एक विशेष प्राइमर है, जो चाक पर भी आधारित है, जिसका उपयोग लकड़ी के बोर्ड को ढकने के लिए किया जाता है। पहले में पश्चिमी यूरोपचित्र अक्सर बोर्डों पर लिखे जाते थे, रूस में - चिह्न, और हमेशा। यह बेहद असुविधाजनक सामग्री है. हॉलैंड में, एक समय में, बोर्डों को 50 वर्षों तक सुखाया जाता था, उसके बाद ही उन्हें काम पर लिया जाता था। अब कलाकार शायद ही कभी गेसो का उपयोग करते हैं, क्योंकि पेंट, प्राइमर की मोटी परत के साथ, समय के साथ या हल्के झटके से आसानी से छिल जाता है। हाँ, और आधुनिक आइकन चित्रकार इसका कम से कम उपयोग करते हैं।
अंत में, मैं स्पष्टता के लिए कुछ और उदाहरण दूंगा:
वी.जी. का कार्य ग्रेमिट्स्की, जिसे "एट्यूड" कहा जाता है। वास्तव में, जैसा कि नाम से पता चलता है, यह एक कार्यकर्ता का पूर्ण पैमाने पर एक-सत्रीय शैली का चित्र है, जिसे कुइबिशेव हाइड्रोइलेक्ट्रिक पावर स्टेशन के निर्माण के समय उसके कार्यस्थल पर चित्रित किया गया है।
और यहाँ ताशकंद कलाकार वालेरी कोविनिन का एक शैली चित्र है:
यह स्पष्ट रूप से एक एकल-सत्रीय चित्र नहीं है, यहां कलाकार ने अपने सहयोगी को, जो उसके मॉडल के रूप में काम करता था, सत्रों की संख्या से स्पष्ट रूप से पीड़ा दी, जो काम के सावधानीपूर्वक लेखन और उसके आकार दोनों से स्पष्ट है। लेकिन फिर भी यह पुरुष चित्रएक पेंटिंग नहीं, बल्कि एक बहु-सत्रीय प्राकृतिक अध्ययन, जो किसी भी तरह से इसके कलात्मक मूल्य को कम नहीं करता है।
इस अंतिम दावे के प्रमाण में, प्रसिद्ध महिला चित्र "द गर्ल इन द सनलाइट" पर विचार करें। उनके चचेरे भाई, मारिया सिमोनोविच वी.ए. सेरोव ने 1888 की पूरी गर्मियों में, हर धूप वाले दिन को ध्यान में रखते हुए, प्रकृति से पेंटिंग की (बादल वाले दिनों में उन्होंने "अतिवृद्धि तालाब" परिदृश्य को चित्रित किया)। प्रारंभिक डिज़ाइन (हमने इसके बारे में ऊपर कहा था प्रसिद्ध कलाकारभी अनुपस्थित था, वह बस अपने शब्दों में, "कुछ उत्साहवर्धक लिखना चाहता था।"
इस प्रकार, यहां हम एक विशिष्ट बहु-सत्रीय प्राकृतिक अध्ययन से ज्यादा कुछ नहीं कर रहे हैं, जो एक तात्कालिक इच्छा पर लिखा गया है। सौभाग्य से पी.एम. त्रेताकोव, जिन्होंने यह काम खरीदा था, अभी तक नहीं जानते थे कि "ललित कला में एक अध्ययन - भविष्य के काम के लिए एक प्रारंभिक रेखाचित्र है।" (विकिपीडिया) हाँ, और वैलेन्टिन सेरोव ने अत्यधिक गैर-व्यावसायिकता दिखाई, कुछ दो प्रारंभिक रेखाचित्रों पर खर्च किया - एक लड़की का चित्र और एक तालाब के साथ एक परिदृश्य, जितना कि 90 दिन!
इसी तरह के और भी कई उदाहरण दिए जा सकते हैं, लेकिन मुझे डर है कि मैंने पाठक को पहले ही बहुत थका दिया है। मुझे आशा है कि मैं अभी भी आम जनता को सबसे अधिक इस्तेमाल किए जाने वाले कुछ कलात्मक शब्दों को समझाने में अपना मामूली योगदान देने में कामयाब रहा हूं, जिनमें कभी-कभी, ईमानदारी से कहें तो कलाकार भी भ्रमित हो जाते हैं।
अलेक्जेंडर ग्रेमिट्सिख
अवतार पर: वी.एम. कोविनिन "संडे बाज़ार के लिए। काराकल्पकस्तान।" कैनवास पर तेल 98x178. 1971 (यह एक विशिष्ट बड़ी शैली की पेंटिंग है)
विश्व संस्कृति के साथ संवाद शुरू करना, आधुनिक आदमीउसके स्तर तक पहुंचने के लिए प्रयास बर्बाद नहीं करता है, बल्कि इसके विपरीत, उसे अपने स्तर पर गिराने की कोशिश करता है। (कोई चतुर)
फोटोग्राफी के आविष्कार से पहले, पेंटिंग को पर्यावरण को यथासंभव सटीक रूप से प्रतिबिंबित करने के एक उपकरण के रूप में देखा जाता था। चित्रकला को जितना अधिक प्रामाणिक रूप से चित्रित किया जाता था, उसे उतना ही बेहतर माना जाता था असली दुनिया. 1839 में फोटोग्राफी और 1895 में सिनेमा के आगमन के साथ, चित्रकला की समझ में काफी विस्तार हुआ, हालांकि अन्य लोग अभी भी एक संकीर्ण कार्यात्मक दृष्टिकोण का पालन करते हैं।
एक तस्वीर एक पेंटिंग से किस प्रकार भिन्न है?
बातो डुगरज़ापोव "क्रिसमस"।
एक तस्वीर हमारे लिए एक पल को कैद करती है, यानी किसी वस्तु की पूरी तरह से ठोस, तात्कालिक स्थिति। हालाँकि, कलाकार चाहे कितना भी विस्तृत और विश्वसनीय विवरण क्यों न लिखता हो, सबसे पहले वह सामान्य लिखता है जो वह मॉडल में देखता है, यानी सबसे विशिष्ट और अभिव्यंजक।
इसलिए, फोटोग्राफी (फोटो कलाकारों के बहुत कम कार्यों को छोड़कर) एक विश्वकोश में एक तस्वीर के समान एक चित्रण है: एक गिलहरी ऐसी दिखती है, बच्चों, और फोटो एलबम का मालिक 20 साल पहले ऐसा दिखता था जब वह स्नान कर रहा था।
बातो डुगरज़ापोव "क्रीमिया"।
आधुनिक कलाकार ने प्रकृति की नकल करने से इनकार कर दिया है - फोटोग्राफी और फिल्मांकन करना कहीं बेहतर और तेज है। प्रकृतिवाद चित्रकला को दोहराव और तुच्छता के अँधेरे में धकेल देता है। इसके अलावा, प्रकृति का पुनरुत्पादन नहीं किया जा सकता है। जब दर्शक चित्र के केवल सबसे सतही पहलू को ही देखता है - सूचना का प्रसारण "जहाँ क्या था", तो पेंटिंग की समझ बेहद ख़राब और विकृत हो जाएगी।
चित्र मूल रूप से निर्मित की गैर-पहचान के कारण फोटोग्राफी से भिन्न है, और यह बन गया है मूलभूत अंतरसुरम्य और के बीच फोटोग्राफिक छवि. कलाकार अपनी इच्छा से निर्णय लेता है कि क्या और कैसे छोड़ना है, क्या और कैसे उजागर करना है, चित्र से क्या बाहर करना है, कभी-कभी सतही सामान्य ज्ञान के विपरीत भी।
बातो डुगरज़ापोव "टेरेस"।
कैनवास पर एक सुरम्य तेल चित्रकला चित्रित वस्तु को दिखाने और उसकी छाप व्यक्त करने में पूर्ण और सार्वभौमिक होने का दावा करती है। एक असंगत तरीके से, एक वॉल्यूम एक सपाट कैनवास पर दिखाई देता है, जीवंत और खूबसूरत दुनियाकलाकार द्वारा बनाया गया.
हम तस्वीर में प्रवेश कर सकते हैं और पक्षियों को गाते हुए सुन सकते हैं, एक फूलदार घास के मैदान की गंध महसूस कर सकते हैं, सूर्य द्वारा गर्म किए गए पानी की गर्मी को महसूस कर सकते हैं, आंदोलन देख सकते हैं - स्पष्ट रूप से समझ सकते हैं कि यह सब केवल हमारे दिमाग में और हमारे सामने होता है, और लेखक ने यह सब हमें बताया है।
"अल्ला प्राइमा" क्या है?
बातो डुगरज़ापोव "मॉर्निंग"।
यदि पहले सबसे छोटे विवरण को लिखने के आभूषण तरीके का स्वागत किया गया था, जब चित्र को महीनों या वर्षों तक चित्रित किया गया था और फिर सावधानीपूर्वक वार्निश किया गया था, तो 19-20 वीं शताब्दी में "अल्ला प्राइमा" की अवधारणा सामने आई - लैटिन से "ऑल प्राइमा विस्टा" (पहली नज़र में) और इसका अर्थ है पेस्टी पेंट के साथ सहज पेंटिंग।
पहले सत्र के बाद पेंटिंग तैयार हो जाती है। पेंट्स को ज्यादातर पैलेट पर मिलाया जाता है जहां वे ताजा और चमकदार दिखाई देते हैं। खुली हवा में लिखते समय, यह बहुत है उपयुक्त रास्ताकाम।
पेस्टोसिटी राहत, पेंट परत की असमानता, प्लास्टिक स्ट्रोक में प्रकट होती है और विषय के भौतिक पक्ष पर जोर देने और गतिशीलता देने का कार्य करती है। तस्वीरें तस्वीरों की तुलना में अधिक विशाल और जानकारीपूर्ण हैं, वे अनावश्यक स्पष्टीकरण और विवरण के विनिर्देश के बिना, स्थानीय रंग के धब्बों के साथ दर्शकों को भावनात्मक रूप से प्रभावित कर सकते हैं। कभी-कभी इस ठोसीकरण की कमी के कारण भी।
बातो डुगरझापोव "दोपहर। नावें.
प्रतीत होता है कि अव्यवस्थित स्ट्रोक और हल्के धब्बों का विकल्प फोटोग्राफी की तुलना में बहुत अधिक भावनात्मक है और पुराने पॉलिश तरीके से गति व्यक्त होती है - घास पर सनस्पॉट का खेल, पानी पर चमक, पत्तियों का हिलना आदि।
दुर्भाग्य से, एक दर्शक जो चित्रात्मक संस्कृति के अर्थ में पूरी तरह से जंगली है, व्यापक स्ट्रोक और धारियों के साथ चित्रित अल्ला प्राइमा के कार्यों को देखने के बाद, रुकने और झाँकने की जहमत नहीं उठाता, बल्कि अपने गाल फुलाता है और, "मैं भी इसे इस तरह फैला सकता हूँ" शब्दों के साथ, अपनी श्रेष्ठता की चेतना के साथ, घुंघराले-चित्रित लाख की कृतियों की तलाश में आगे बढ़ता है, जहां कल्पना और सहानुभूति के काम की आवश्यकता नहीं होती है।
आइए उसे जाने दें, और फिर, उदाहरण के लिए, कलाकार बातो डुगरज़ापोव की तस्वीर "प्लेन एयर" पर विचार करें। इस दिलचस्प तस्वीर में हम क्या देखते हैं?
बातो डुगरझापोव प्लेन एयर।
जो लोग यह देखना चाहते हैं कि पात्रों के जूते कैसे सिलते हैं - कुछ नहीं। समझ की लहर में डूबा हुआ दर्शक सबसे पहले ढेर सारी धूप देखता है। फिर हम कई कलाकारों को ग्रीष्मकालीन पोशाकों में चित्रफलक पर और एक दाढ़ी वाले कलाकार को जींस पहने और हाथ में ब्रश लिए हुए देखते हैं। फिर गर्मी आती है पत्थर की दीवारसूर्य की रोशनी के साथ उनके ऊपर विस्टेरिया चढ़ रहा है, नीला आकाशपत्तों के अंतराल में, तटबंध की मुंडेर और उसके पीछे समुद्र। पत्ते को विवरण और रगों में नहीं लिखा गया है क्योंकि यह हिलता है, हिलता है, और प्रकाश भी चलता है, छाया चलती है, और दूरी में समुद्र से प्रतिबिंब हर मिनट बदलता है ...
तस्वीर का मिजाज बिल्कुल अद्भुत है, यह सिर्फ रोशनी और सकारात्मकता बिखेरता है। और साथ ही, सूचक से इंगित करना और समझाना असंभव है - यह यह है, और यहाँ कुछ है। बस इसे तस्वीर से थोड़ा दूर हटकर काफी देर तक देखने की जरूरत है। और यह केवल एक फ़ाइल है, मैं कल्पना करता हूं कि इसे मूल में कैसे कार्य करना चाहिए!
बातो डुगरझापोव "रेखाचित्र"।
इसी प्रकार, पेंटिंग "अध्ययन पर" "स्वयं प्रकट होती है"। पहला - सूरज की रोशनी के अराजक धब्बे और समुद्र के प्रतिबिंब। फिर - भूरे बालों वाला कलाकार चित्रफलक की ओर झुक गया। फिर - समुद्र ही: चमकता हुआ समुद्र, यह चलता है, चिंता करता है, लहरों से सूर्य का प्रतिबिंब व्यावहारिक रूप से आंखों को अंधा कर देता है (यह समझना असंभव है कि यह कैसे किया जाता है), समुद्र में - चट्टानें, पत्थर और नावें, बाईं ओर, फिर से, एक चढ़ाई वाला पौधा, संभवतः अंगूर।
एक गर्म सुबह का माहौल अविश्वसनीय रूप से व्यक्त किया गया है (और यह सुबह है, क्योंकि जब सूरज अधिक होता है, तो समुद्र उस तरह चमकता नहीं है, यह नीला हो जाता है), दक्षिणी तट की सुंदरता और इस सुंदरता की प्रशंसा।
बातो डुगरझापोव "दक्षिणी शाम"
बातो डुगरज़ापोव की पेंटिंग एक विशेष चमकदार वातावरण में डूबी हुई हैं, जो कलाकार की उच्च चित्रात्मक संस्कृति, रंग और स्थानिक संबंधों की सूक्ष्म समझ की बात करती है। उनके काम उनकी ताजगी, रेखाओं और रंग के धब्बों की लय की तीव्रता, रोमांटिक उत्साह, प्रकाश-अंतरिक्ष संबंधों की सूक्ष्म धारणा के लिए उल्लेखनीय हैं।
विशेष सहजता के साथ, बड़े स्ट्रोक के साथ, वह रंग, प्रकाश और जीवन की गतिशीलता में प्रकृति की एक पूर्ण, अभिन्न छवि बनाता है ... सूरज की किरणों में सब कुछ चमकता है, यहां तक कि जहां छाया होती है, प्रतिबिंब चमकते हैं, जो विशेष रूप से हड़ताली और मनभावन है। स्वतंत्र रूप से फेंके जाने पर, रंग एक दूसरे के ऊपर गिरते हैं और एक बहुरंगी सामंजस्य और लय बनाते हैं, जिसमें रंगों का खेल विशेष महत्व रखता है।
बातो डुगरझापोव "लेक कोमो"।
बातो डुगरझापोव का जन्म 1966 में चिता में हुआ था। स्नातक की उपाधि कला स्कूलटॉम्स्क और मॉस्को स्टेट एकेडमिक आर्ट इंस्टीट्यूट में। में और। सुरिकोव। कलाकार की कृतियाँ रूस, अमेरिका, फ्रांस, इटली और स्पेन में निजी संग्रह में हैं।
के. यू. स्टारोखामस्काया
किसी भी शैली की पेंटिंग (स्थिर जीवन से लेकर धार्मिक पेंटिंग तक) है कलात्मक छवि, कलाकार की कल्पना और व्यक्तिगत दृष्टिकोण की मदद से बनाया गया। कलाकार का विश्वदृष्टिकोण और दृष्टिकोण पर्यावरण के प्रभाव में बनता है - युग, राज्य, समाज, परिवार, जीवन शैली, आदि। महान कलाकारों की कला हमेशा आत्म-चित्र के चश्मे से एक युग का चित्र होती है, एक ऐसा व्यक्ति जो आसपास की वास्तविकता और समय की भावना से गुजरता है। 
आइकन एक कालातीत घटना है, यह ईश्वर का रहस्योद्घाटन है, जिसकी सहायता से प्रस्तुत किया गया है दृश्य साधन. आइकन पेंटिंग में सबसे महत्वपूर्ण सिद्धांत स्थापित सिद्धांतों का पालन करना है। आइकन पेंटिंग के सिद्धांत इतने अजीब हैं कि चर्च के इतिहास और धर्मशास्त्र से अपरिचित व्यक्ति हैरान हो सकता है: प्रतिनिधित्व के प्राचीन सिद्धांतों का पालन क्यों करें? शायद आइकन पेंटिंग के मूल में खड़े उस्तादों को पुनर्जागरण के दौरान विकसित हुई तकनीक में महारत हासिल नहीं थी? और शायद हमें उपलब्धियों को स्थानांतरित करना चाहिए यूरोपीय सभ्यतायह प्राचीन कला? 
तो, एक आइकन शास्त्रीय पेंटिंग से इतना अलग क्यों है? और यह अंतर किस तकनीकी माध्यम से प्राप्त किया जाता है?
आइकन पेंटर अपने व्यक्तिगत विश्वदृष्टिकोण से आइकन में कुछ भी स्थानांतरित नहीं करता है जो किसी भी तरह से चर्च ऑफ क्राइस्ट के विश्वदृष्टिकोण से भिन्न हो। आइकन चित्रकार चर्च के विश्वदृष्टि का संवाहक बन जाता है। आइकन आसपास की अस्थायी वास्तविकता को प्रतिबिंबित करने की कोशिश नहीं करता है, यह वर्तमान की समस्याओं, इस दुनिया की क्षणिक अशांति की परवाह नहीं करता है। एक आइकन दूसरी, शाश्वत दुनिया के लिए एक खिड़की है। 
चित्र अनिवार्य रूप से लेखक के व्यक्तित्व को दर्शाता है, कार्य उसकी व्यक्तिगत, मौलिक विशेषताओं को दर्शाता है, इसके अलावा, प्रत्येक कलाकार अपनी स्वयं की व्यक्त अनूठी शैली को खोजने का प्रयास करता है। में से एक सर्वोच्च उपलब्धियाँलेखक की गतिविधि - एक नई शैली का निर्माण, चित्रकला में दिशा। मास्टर के कैनवस उनके नाम, छवि और जीवनी से अटूट रूप से जुड़े हुए हैं।
चित्र ईमानदार है, यानी कामुक है, यह भावनाओं को व्यक्त करता है, क्योंकि कला भावनाओं के माध्यम से दुनिया को जानने का एक तरीका दर्शाती है।
यह प्रतीक आध्यात्मिक है, भावहीन है, भावहीन है। पसंद चर्च गायनऔर पढ़ना, आइकन स्वीकार नहीं करता भावनात्मक तरीकेप्रभाव।
पेंटिंग लेखक के व्यक्तित्व से संवाद करने का एक तरीका है। आइकन भगवान और उनके संतों के साथ संचार का एक साधन है।
एक पेंटिंग के विपरीत, एक आइकन सीधे तौर पर मानव आत्मा को बचाने का काम करता है।
हमने एक आइकन और एक पेंटिंग और कौन से के बीच आंतरिक अंतर पर प्रकाश डाला है बाहरी मतभेदक्या हम पता लगा सकते हैं?
सबसे पहले, आइकन सच्चे ईश्वर का एक वसीयतनामा है, यह एक विशुद्ध धार्मिक घटना है। कैनोनिकल आइकन में अर्थपूर्ण अर्थ से रहित यादृच्छिक सजावट नहीं होती है।
एक आइकन और एक पेंटिंग के बीच मुख्य अंतर:
1. पारंपरिकता, वास्तविक रूपों और प्रतीकवाद की कुछ विकृति।
आइकन में शारीरिकता कम हो गई है, और आध्यात्मिकता प्रकट हुई है। आकृति का बढ़ा हुआ अनुपात, आयतन की कमी। आइकन में हमारी दुनिया की वस्तुओं में निहित भारीपन, वजन का अभाव है।
2. विपरीत परिप्रेक्ष्य.
चित्र प्रत्यक्ष परिप्रेक्ष्य के नियमों के अनुसार बनाया गया है, लुप्त बिंदु क्षितिज पर है, और यह हमेशा समान होता है। आइकन को एक विपरीत परिप्रेक्ष्य की विशेषता है, जहां लुप्त बिंदु विमान की गहराई में नहीं, बल्कि आइकन के सामने खड़े व्यक्ति में स्थित होता है। इस प्रकार हमारी दुनिया, पृथ्वी की दुनिया में स्वर्गीय दुनिया की उपस्थिति का विचार अपनी अभिव्यक्ति पाता है। और समानांतर रेखाएंआइकन पर वे एकत्रित नहीं होते हैं, बल्कि इसके विपरीत, आइकन अंतरिक्ष में विस्तारित होते हैं।
3. अनुपस्थिति वाह्य स्रोतस्वेता।
प्रकाश, मानो आइकन के भीतर से, चेहरों और आकृतियों से, उनकी गहराई से पवित्रता का सार है। आइकन चमकदार है, और यह सिद्धांत ताबोर पर्वत पर हमारे प्रभु के परिवर्तन की धार्मिक सुसमाचार की गवाही पर आधारित है। रूढ़िवादी प्रभामंडल ईश्वर की अनुपचारित रोशनी है, जो संत के हृदय में पैदा होती है और उनके रूपांतरित शरीर के साथ एक संपूर्ण का निर्माण करती है।
4. आइकन में रंग विशेष रूप से प्रतीकात्मक कार्य करता है।
शहीदों के प्रतीक पर लाल रंग बलिदान का प्रतीक है, या शाही शक्ति. सोना गैर-वस्तु प्रकाश का प्रतीक है, जिसकी प्रकृति अन्य भौतिक पदार्थों से बिल्कुल अलग है। इसे पेंट से व्यक्त क्यों नहीं किया जा सकता. चिह्नों पर सोना सांसारिक सोने, धन के विचार के विपरीत है। ऐसे रंग भी हैं जो आइकन पर सोने की उपस्थिति को प्रतिस्थापित करते हैं - गेरू, लाल और सफेद। आइकन पर काले रंग का उपयोग केवल उन मामलों में किया जाता है जब बुराई या अंडरवर्ल्ड की ताकतों को दिखाना आवश्यक होता है।
6. आइकन में कोई समय नहीं है. सभी घटनाएँ एक ही समय में घटती हैं।
अक्सर, एक आइकन पर कई अलग-अलग विषयों को दर्शाया जाता है, कभी-कभी ये एक संत के जीवन के दृश्य होते हैं, जो जन्म से लेकर विश्राम तक की उनकी पूरी यात्रा को दर्शाते हैं। यह अनंत काल की दुनिया में आइकन की भागीदारी को दर्शाता है, जहां सब कुछ एक ही समय में खुला है, या बल्कि, समय बस अनुपस्थित है। चित्र में, इसके विपरीत, यह एक ही समय तल में घटित होता है।
तो, एक विहित चिह्न और एक पेंटिंग के बीच अंतर स्पष्ट है।
एक आइकन का मुख्य कार्य, एक तस्वीर के विपरीत जो दुनिया के कामुक पक्ष को व्यक्त करता है, आध्यात्मिक दुनिया की वास्तविकता को प्रकट करना है, एक संत की वास्तविक उपस्थिति की भावना प्राप्त करने में मदद करना है, देवता की माँया प्रभु, हृदय को खोलने और पश्चाताप प्रार्थना या स्तुतिगान के जन्म में योगदान देने के लिए, जिसके माध्यम से किसी व्यक्ति का मन, हृदय और संपूर्ण जीवन पवित्र होता है।
आइकन-पेंटिंग कार्यशाला "मापा आइकन" में यह संभव है
वाह, बढ़िया पेंटिंग! - काम की सराहना की और गलत शब्दावली से कलाकार को तुरंत नाराज कर दिया
दोस्तों, आप शायद जानते होंगे कि एक अच्छा, लेकिन प्रभावशाली कलाकार नाराज हो सकता है यदि आप उसे बताएं कि वह ऐसा है अपनी ही तस्वीर बनाता है. यह कहने जैसा है कि जहाज़ समुद्र में चलते हैं... लेकिन हम सभी जानते हैं कि जहाज़ समुद्र में चलते हैं!
फिर भी, एक व्यक्ति जो ललित कला से दूर है वह अक्सर यह नहीं कह सकता कि पेंटिंग क्या है, ड्राइंग क्या है और वे एक दूसरे से कैसे भिन्न हैं। इसलिए, उसके लिए "ड्राइंग" और "लेखन" एक ही हैं। लेकिन मास्टर को यह बताने का प्रयास करें कि उसके पास कैनवास पर एक अच्छा "चित्रण" है!
अब और नहीं आसान तरीकाएक संवेदनशील रचनात्मक प्रकृति को चोट पहुँचाने के लिए, भले ही एक साधारण दर्शक तुरंत यह नहीं समझ पाएगा कि यहाँ क्या गलत और आपत्तिजनक है।
पेंटिंग और ड्राइंग निकट और यहां तक कि संबंधित अवधारणाएं हैं, लेकिन स्पष्ट रूप से एक दूसरे से अलग हैं। साथ ही यह भी सर्वविदित है कि चित्र कब चित्रित होते हैं और कब चित्रित होते हैं।
आइए इसे जानने का प्रयास करें दृश्य कला में शब्दावली. मेरा विश्वास करें, यह न केवल उन लोगों के लिए महत्वपूर्ण है जो रचनात्मकता में लगे हुए हैं, बल्कि दिलचस्प भी हैं।
पेंटिंग और ड्राइंग के बीच अंतर
सख्त औपचारिक भाषा में बोलते हुए, चित्रकला - यह एक समतल पर किसी भी छवि, वस्तु और घटना की एक छवि है। आप चॉक, पेन, पेंसिल, पेंट - हर उस चीज़ से चित्र बना सकते हैं जो किसी विशेष सतह पर निशान छोड़ती है।
सामान्य तौर पर, कांच पर हीरे से खरोंचना या, उदाहरण के लिए, किसी पाठ में पेन से ग्राफिक्स बनाना और गोदना भी चित्रकारी है।
और यहां चित्रकारी - यह भी वस्तुओं और घटनाओं की एक छवि है, लेकिन केवल पेंट के उपयोग के साथ। यानी, शुष्क और औपचारिक भाषा में कहें तो पेंटिंग ड्राइंग के विकल्पों में से एक है, जिसमें ब्रश को एक उपकरण के रूप में उपयोग किया जाता है, और पेंट एक साधन है जो एक छवि बनाता है।
दूसरे शब्दों में, ड्राइंग ग्राफिक्स है और माना जाता हैआधिकारिक तौर पर, कागज पर जो कुछ भी किया जाता है वह ग्राफिक्स है, और अजीब तरह से, जल रंग को भी ग्राफिक्स माना जाता है। हालाँकि कई रचनाएँ चित्रात्मक और कागज़ी भी मानी जाती हैं
तो, जो कुछ कागज पर है वह ग्राफिक्स है, और बाकी सब कुछ पेंटिंग है... कैनवास, लकड़ी, कांच, दीवार पर
स्कूल में ड्राइंग पाठ याद है? वहां पूरे विषय को यही कहा जाता था: ललित कला। पेंटिंग या ड्राइंग में कोई अलग पाठ नहीं था, बस आज उन्हें तेल से काम करना सिखाया जाता था, और अगले दिन - पेंसिल से।
इसलिए यह व्यापक धारणा है कि पेंटिंग केवल ड्राइंग का एक प्रकार है। औपचारिक रूप से, यह ऐसा है, वास्तविकता में - अन्यथा।
ललित कला - छवियाँ खींचने की कला = ललित कला, विभिन्न प्रकार की पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला का संयोजन
वास्तव में, ऐसा पदानुक्रम ही वास्तविक नौकरशाही है। दृश्य कलाओं में आज एक स्पष्ट विभाजन है: चित्रकारी- यह घने पदार्थों पर ब्रश और पेंट के साथ काम है, चित्रकलाकागज पर अन्य सभी सामग्रियों का उपयोग होता है।
यह इतना सख्त और वैज्ञानिक नहीं हो सकता है, लेकिन कला की दुनिया को कई लोग पसंद करते हैं क्योंकि यह विज्ञान के अधीन नहीं है, और इसलिए इसके कानूनों को सख्त वर्गीकरण और शब्दावली के अनुरूप नहीं होना पड़ता है।
एक और बारीकियां है: शब्द के बारे में सोचो "चित्रकारी"- यह दो हिस्सों से मिलकर बना है: "रहना"और "लिखना". इसकी अलग-अलग तरीकों से व्याख्या की जा सकती है, लेकिन कई कलाकारों का कहना है कि पेंट के साथ काम करना इसलिए जीवंत है क्योंकि कैनवास पर लगाने के बाद पेंट खुद सूख जाते हैं और अपने गुणों को कुछ हद तक बदल देते हैं, यानी वे अपना जीवन जीते हैं।
और छवि का अपना गतिशील जीवन होता है, चित्र जीवंत होता है।या चित्रण- जीवंत तरीके से लिखना। ... सामान्य तौर पर, मेरी राय में, शब्द चित्रण उच्च और सुंदर लगता है
सजीव चित्रों को देखना और उन पर विचार करना
तो, हमने इस भाग को समझ लिया: पेंटिंग पेंट के साथ काम करना है, ड्राइंग अन्य साधनों का उपयोग है। इसके अतिरिक्त, चित्रफलक पेंटिंग, और स्मारकीय, और सजावटी भी ड्राइंग के समान रूपों से भिन्न होते हैं।
दीवारों पर पेंट लगाना हम बात कर रहे हैंपेंटिंग के बारे में, उन्हें क्रेयॉन से सजाएं - यह पहले से ही ड्राइंग है।
पेंटिंग या चित्रकारी?
अन्य, कम नहीं गर्म विषय- चित्र बनाने की प्रक्रिया को कैसे कॉल करें। ऐसा लगता है कि छवि बनी है तो खींची भी जा रही है. और यदि वे किसी पत्र के बारे में बात करते हैं, तो उनका मतलब आमतौर पर एक पाठ होता है।
यहां शब्दावली की गहरी ऐतिहासिक जड़ें हैं।रूस में चित्रकला धीरे-धीरे आइकन पेंटिंग से विकसित हुई, जब उस्तादों ने इसे पुनर्जीवित करने, और अधिक जीवंत बनाने का प्रयास करना शुरू किया बाइबिल रूपांकनों, उन्हीं तकनीकों का उपयोग करते हुए, और फिर पूरी तरह से उन चित्रों पर स्विच कर दिया जिनका धर्म से कोई लेना-देना नहीं था।
लेकिन चूंकि प्रतीक मूलतः "लिखा", फिर यह शब्द चित्रकला की ओर चला गया और आज तैलचित्र भी चित्रित किये जाते हैं।
मैं अक्सर पाप करता हूं और आमतौर पर अपनी तस्वीरें "पेंट" करता हूं
यदि हम चित्रकारी की बात कर रहे हैं, तो यहाँ सभी कार्य चित्रित हैं, चाहे वे कितने भी महत्वपूर्ण क्यों न हों। बेशक, आप कह सकते हैं कि कलाकार ने पेंसिल से एक महाकाव्य कैनवास "लिखा", लेकिन यह एक स्वतंत्रता से ज्यादा कुछ नहीं है।
क्या आप कैनवास पर चित्रकारी कर सकते हैं?
सामान्य तौर पर, यह कहने की प्रथा है कि वे कैनवास पर तेल से चित्र बनाते हैं, लेकिन, उदाहरण के लिए, वे केवल कागज पर चित्र बनाते हैं। लेकिन ये पूर्ण नियम नहीं हैं.
उदाहरण के लिए, पेंट से पेंटिंग करने से पहले, कलाकार कैनवास पर एक पेंसिल स्केच बना सकता है।यह एक चित्र है, इसका लेखक बनाता है। और जब इस चित्र पर पेंट लगाया जाता है तभी चित्र बनना शुरू होता है।
हालाँकि, किसी ने कैनवास पर पेंसिल, चारकोल से चित्र बनाने से मना नहीं किया है... एकमात्र सवाल यह है कि कपड़े के कैनवास पर चित्र बनाना सूखी तकनीकों के लिए बहुत सुविधाजनक नहीं है, जब तक कि निश्चित रूप से, यह एक ऐसी जगह नहीं है जहाँ हर चीज़ का उपयोग किया जा सकता है।
यही बात किसी भी अन्य बुनियादी बातों के लिए भी सच है, न केवल चित्रफलक पेंटिंग आपको चित्रों को चित्रित करने की अनुमति देती है। उदाहरण के लिए, स्मारकीय पेंटिंग इसमें विभिन्न रंगों से चित्र बनाना शामिल है वास्तुशिल्प वस्तुएंमुखौटा, सजावटी पेंटिंग - यह विभिन्न वस्तुओं और आंतरिक विवरणों पर एक पत्र है, - ये विभिन्न भित्तिचित्रों और भित्तिचित्रों के साथ कमरे के अंदर की दीवार पेंटिंग हैं - स्नैग
उसी समय, यदि हम एक गिलास या जग लें और उसे रंग दें, उदाहरण के लिए, स्याही से, तो यह पहले से ही होगा सजावटी ड्राइंग . इसका मतलब यह है कि यह इस आधार पर निर्भर नहीं करता है कि हम पेंटिंग में लगे हैं या ड्राइंग में। यह सब उन सामग्रियों के बारे में है जिनसे चित्र बनाया जाता है।
और अंत में: यह मत मानिए कि पेंटिंग पेशेवरों के लिए है, और ड्राइंग शौकीनों के लिए है। बिल्कुल नहीं! अक्सर, पेंसिल, पेस्टल या क्रेयॉन से ऐसे काम बनाए जाते हैं जो तेल या ऐक्रेलिक पेंटिंग से कम भव्य और शानदार नहीं होते हैं।
और किसी कार्य को बनाने की जटिलता, उदाहरण के लिए, केवल पेंसिल से, बहुत अधिक है। इसलिए, यदि आप चित्र बनाना पसंद करते हैं, तो अपने आप को यातना देना और अपने आप को बिना किसी असफलता के पेंट से लिखने के लिए मजबूर करना बिल्कुल भी आवश्यक नहीं है - जो आपको सबसे अच्छा लगता है उसके साथ उत्कृष्ट कृतियाँ बनाना काफी संभव है।
ग्राफ़िक्स में पोर्ट्रेट के मास्टर
केवल इस मामले में, वैसे, आप अपने काम में खुद को और अपनी भावनाओं को पूरी तरह से व्यक्त करने में सक्षम होंगे, चाहे कैनवास पर, कागज पर, कांच पर या दीवार पर! वे प्राथमिक हैं, और सामग्री और तकनीकें केवल उपकरण हैं, जिनमें से आप अपने लिए सबसे सुविधाजनक चुनते हैं।
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अपने प्रश्न नीचे टिप्पणियों में पूछें, मैं आमतौर पर सभी प्रश्नों का उत्तर तुरंत देता हूँ
विश्व संस्कृति के साथ संवाद शुरू करते हुए, आधुनिक मनुष्य अपने स्तर तक बढ़ने के लिए अपने प्रयासों को बर्बाद नहीं करता है, बल्कि, इसके विपरीत, इसे अपने स्तर तक कम करने की कोशिश करता है। (कोई चतुर)
फोटोग्राफी के आविष्कार से पहले, पेंटिंग को शायद पर्यावरण के स्पष्ट प्रतिबिंब के लिए एक उपकरण के रूप में देखा जाता था। पेंटिंग को उतना ही बेहतर माना जाता था, जितनी अधिक प्रामाणिकता से वह वास्तविक दुनिया को दिखाती थी। 1839 में फोटोग्राफी और 1895 में सिनेमा के आगमन के साथ, पेंटिंग के बारे में जागरूकता में काफी विस्तार हुआ, हालांकि अन्य लोग अभी भी इस समय एक संकीर्ण कार्यात्मक व्यवसाय से जुड़े हुए हैं।
फोटो और पेंटिंग में क्या अंतर है?
बातो डुगरज़ापोव "क्रिसमस"।
एक तस्वीर हमारे लिए एक क्षण, दूसरे शब्दों में, किसी वस्तु की एक बहुत ही विशिष्ट, क्षणिक स्थिति को कैद करती है। चित्रकार, चाहे उसने विवरण कितनी भी सावधानी से और प्रशंसनीय ढंग से लिखा हो, सबसे पहले वह सामान्य लिखता है जो वह मॉडल में देखता है, दूसरे शब्दों में, सबसे अजीब और अभिव्यंजक।
इसलिए, एक तस्वीर (फोटो कलाकारों के बहुत कम कार्यों को छोड़कर) एक विश्वकोश में एक तस्वीर के समान एक चित्रण है: एक गिलहरी ऐसी दिखती है, बच्चों, और फोटो एलबम का मालिक 20 साल पहले ऐसा दिखता था जब वह स्नान में नहाया हुआ था।
बातो डुगरज़ापोव "क्रीमिया"।
आधुनिक चित्रकार ने प्रकृति की नकल करने से इनकार कर दिया है - फोटोग्राफी और फिल्मांकन इसे और भी बेहतर और तेज़ बना देगा। प्रकृतिवाद चित्रकला को दोहराव और तुच्छता के अँधेरे में धकेल देता है। इसके अलावा, प्रकृति का पुनरुत्पादन नहीं किया जा सकता है। जब दर्शक चित्र की केवल सबसे सतही बारीकियों को स्वीकार करता है - सूचना का प्रसारण "कहां क्या था", तो पेंटिंग के बारे में जागरूकता बहुत कम और विकृत हो जाएगी।
जो किया गया था उसकी पहचान न होने के कारण तस्वीर मूल रूप से फोटो से भिन्न है, और यह रंगीन और फोटोग्राफिक छवि के बीच मूलभूत अंतर बन गया है। चित्रकार अपनी स्वतंत्र इच्छा से निर्णय लेता है कि क्या और कैसे छोड़ना है, क्या और कैसे उजागर करना है, क्या चित्र से बाहर करना है, कभी-कभी सतही सामान्य ज्ञान के विपरीत भी।
बातो डुगरज़ापोव "टेरेस"।
कैनवास पर एक रंगीन पेंटिंग चित्रित वस्तु को दिखाने और उससे जुड़ी यादों को व्यक्त करने में पूर्ण और सार्वभौमिक होने का दावा करती है। एक असंगत तरीके से, एक वॉल्यूम एक सपाट कैनवास पर दिखाई देता है, जीवंत और खूबसूरत दुनियाकलाकार द्वारा बनाया गया.
हम तस्वीर में प्रवेश कर सकते हैं और पक्षियों को गाते हुए सुन सकते हैं, एक खिलते घास के मैदान की गंध महसूस कर सकते हैं, सूरज द्वारा गर्म किए गए पानी की गर्मी को महसूस कर सकते हैं, आंदोलन देख सकते हैं - स्पष्ट रूप से यह महसूस करते हुए कि यह सब विशेष रूप से हमारे दिमाग में और हमारे सामने होता है, और यह सब हमें निर्माता द्वारा दिया गया था।
"अल्ला प्राइमा" क्या है?
बातो डुगरज़ापोव "मॉर्निंग"।
यदि इससे पहले, सबसे छोटे विवरण को लिखने के आभूषण तरीके का स्वागत किया गया था, जब चित्र को महीनों, या वर्षों तक चित्रित किया गया था और फिर श्रमसाध्य रूप से वार्निश किया गया था, तो 19-20 वीं शताब्दी में "अल्ला प्राइमा" की अवधारणा दिखाई दी - लैटिन से "ऑल प्राइमा विस्टा" (पहली नज़र में) और पेस्टी पेंट के साथ सहज पेंटिंग का मतलब है।
पहले सत्र के बाद पेंटिंग तैयार हो जाती है। पेंट अधिकतर पैमाने पर मिश्रित होते हैं, जहां वे ताज़ा और चमकदार लगते हैं। खुली हवा में लिखते समय यह काम करने का एक बहुत ही उपयुक्त तरीका है।
पेस्टोसिटी प्लास्टिक ब्रशस्ट्रोक में चमकदार परत की राहत, उत्तलता में प्रकट होती है और वस्तु के भौतिक पक्ष पर जोर देने और गतिशीलता देने का कार्य करती है। तस्वीरें तस्वीरों की तुलना में अधिक विशाल और जानकारीपूर्ण हैं, वे अनावश्यक स्पष्टीकरण और विवरण के विनिर्देश के बिना, स्थानीय रंग के धब्बों के साथ दर्शकों को कामुक रूप से प्रभावित कर सकते हैं। समय-समय पर इस ठोसीकरण के अभाव के कारण भी.
बातो डुगरझापोव "दोपहर। नावें.
पहली नज़र में प्रतीत होने वाले अराजक स्ट्रोक और हल्के धब्बों का विकल्प एक तस्वीर की तुलना में बहुत अधिक भावनात्मक है, और प्राचीन पॉलिश तरीके से गति व्यक्त होती है - घास पर सनस्पॉट का खेल, पानी पर चमक, पत्तियों का हिलना आदि।
दुर्भाग्य से, रंगीन संस्कृति के अर्थ में पूरी तरह से जंगली, व्यापक स्ट्रोक और धारियों में चित्रित अल्ला प्राइमा के कार्यों को देखने के बाद, दर्शक खुद को धीमा करने और झाँकने की परेशानी नहीं देता है, लेकिन अपने गालों को फुलाता है और, "मैं भी इसे इस तरह फैला सकता हूं" शब्दों के साथ, अपने लाभ की चेतना के साथ, लाख घुंघराले-चित्रित रचनाओं की तलाश में आगे बढ़ता है, जहां कल्पना और सहानुभूति के काम की आवश्यकता नहीं होती है।
आइए उसे जाने दें, और बाद में हम देखेंगे, उदाहरण के लिए, कलाकार बातो डुगरज़ापोव की एक पेंटिंग "प्लेन एयर"। इस आकर्षक चित्र में हम क्या देखते हैं?
बातो डुगरझापोव प्लेन एयर।
जो लोग यह देखना चाहते हैं कि पात्रों के जूते कैसे सिलते हैं - कुछ नहीं। जागरूकता की लहर से जुड़ा दर्शक सबसे पहले ढेर सारी धूप देखता है। फिर हम कई कलाकारों को ग्रीष्मकालीन पोशाकों में चित्रफलक पर और एक दाढ़ी वाले कलाकार को जींस पहने और हाथ में ब्रश लिए हुए देखते हैं। फिर एक गर्म पत्थर की दीवार है जिसके ऊपर सूरज से रोशन घुमावदार विस्टेरिया है, पत्तों के अंतराल में एक नीला आकाश, तटबंध का एक पैरापेट और उसके पीछे समुद्र है। इसलिए, पत्ते को विवरण और रगों में नहीं लिखा गया है, कि यह चलता है, हिलता है, और प्रकाश भी चलता है, छाया चलती है, और दूरी में समुद्र से प्रतिबिंब हर मिनट बदलता है ...
तस्वीर का मिजाज बिल्कुल अद्भुत है, यह सिर्फ रोशनी और सकारात्मकता बिखेरता है। और साथ ही, सूचक से इंगित करना और समझाना असंभव है - यह यह है, और यहाँ कुछ है। इसे देखने के लिए बस तस्वीर से थोड़ा दूर हटकर काफी देर तक इसे देखना जरूरी है। साथ ही, यह केवल एक फ़ाइल है, मैं स्वयं कल्पना करता हूँ - इसे मूल में कैसे कार्य करना चाहिए!
बातो डुगरझापोव "रेखाचित्र"।
इसी प्रकार, पेंटिंग "अध्ययन पर" "स्वयं प्रकट होती है"। सबसे पहले - सूरज की रोशनी के अराजक धब्बे और समुद्र के प्रतिबिंब। फिर - एक भूरे बालों वाला चित्रकार एक चित्रफलक पर झुका। फिर - समुद्र ही: विशाल समुद्र, यह चलता है, चिंता करता है, लहरों से सूरज की चमक वास्तव में आंखों को अंधा कर देती है (यह कैसे बनाया जाता है - यह महसूस करना अवास्तविक है), समुद्र में - पहाड़, कंकड़ और नावें, बाईं ओर फिर से एक चढ़ाई वाला पौधा, शायद अंगूर।
एक गर्म सुबह का माहौल अवर्णनीय रूप से व्यक्त किया गया है (और यह सुबह है, क्योंकि जब सूरज अधिक होता है, तो समुद्र उस तरह चमकता नहीं है, यह नीला हो जाता है), दक्षिणी तट की सुंदरता और इस सुंदरता की प्रशंसा।
बातो डुगरझापोव "दक्षिणी शाम"
बातो डुगरज़ापोव की पेंटिंग एक असामान्य चमकदार वातावरण में डूबी हुई हैं, जो कलाकार की उच्चतम रंगीन संस्कृति, रंग और स्थानिक संबंधों के बारे में संकीर्ण जागरूकता की बात करती है। उनके काम उनकी ताजगी, रेखाओं और रंग के धब्बों की लय की तीव्रता, रोमांटिक उत्साह, प्रकाश-स्थान अनुपात की संकीर्ण धारणा के लिए उल्लेखनीय हैं।
विशेष सहजता के साथ, बड़े स्ट्रोक के साथ, वह रंग, प्रकाश और वास्तविक गतिशीलता में प्रकृति की एक पूर्ण, अभिन्न छवि बनाता है ... सूरज की किरणों में सब कुछ चमकता है, यहां तक कि जहां छाया होती है, प्रतिबिंब चमकते हैं, जो विशेष रूप से हड़ताली और मनोरंजक है। स्वतंत्र रूप से फेंके जाने पर, रंग एक दूसरे के ऊपर स्थित होते हैं और एक बहुरंगी सामंजस्य और लय बनाते हैं, जिसमें रंगों के अतिप्रवाह का विशेष महत्व होता है।
बातो डुगरझापोव "लेक कोमो"।
बातो डुगरझापोव का जन्म 1966 में चिता में हुआ था। उन्होंने टॉम्स्क में कला विद्यालय और मेट्रोपॉलिटन म्यूनिसिपल अकादमिक कला संस्थान से स्नातक की उपाधि प्राप्त की। में और। सुरिकोव। कलाकार की कृतियाँ रूस, अमेरिका, फ्रांस, इटली और स्पेन में निजी संग्रह में हैं।
के. यू. स्टारोखामस्काया
