Holenderscy malarze martwe natury z kwiatami. Martwa natura w XVII-wiecznej Holandii

Jan Kalwin Jan Kalwin(1509-1564) - reformator kościoła i założyciel jednego z nurtów protestantyzmu. Podstawą kościoła kalwińskiego są tzw. kongregacje – wspólnoty autonomiczne zarządzane przez pastora, diakona i starszych wybranych spośród świeckich. Kalwinizm był bardzo popularny w Holandii w XVI wieku. uczył, że codzienne rzeczy mają ukryte znaczenie, a za każdym obrazem powinna kryć się lekcja moralna. Przedmioty ukazane w martwych naturach są niejednoznaczne: nadano im wydźwięk budujący, religijny lub inny. Na przykład ostrygi uważano za symbol erotyczny, co było oczywiste dla współczesnych: ostrygi rzekomo stymulowały potencję seksualną, a Wenus, bogini miłości, narodziła się ze skorupy winy. Z jednej strony ostrygi nawiązywały do doczesnych pokus, z drugiej zaś otwarta muszla oznaczała duszę gotową opuścić ciało, czyli obiecywała zbawienie. Oczywiście nie było ścisłych zasad czytania martwej natury, a widz odgadł dokładnie te symbole na płótnie, które chciał zobaczyć. Ponadto nie można zapominać, że każdy obiekt był częścią kompozycji i można go było odczytać na różne sposoby – w zależności od kontekstu i ogólnego przesłania martwej natury.

kwiat martwa natura

Do XVIII wieku bukiet kwiatów z reguły symbolizował słabość, ponieważ ziemskie radości są tak przemijające, jak piękno kwiatu. Symbolika roślin jest szczególnie złożona i niejednoznaczna, a także popularna w Europa XVI-XVII wieków księgi emblematów, gdzie alegorycznym ilustracjom i mottom towarzyszyły teksty objaśniające. Kompozycje kwiatowe nie były łatwe w interpretacji: ten sam kwiat miał wiele znaczeń, czasem wręcz przeciwnych. Na przykład narcyz wskazywał na miłość własną i jednocześnie był uważany za symbol Matki Bożej. W martwych naturach z reguły zachowano oba znaczenia obrazu, a widz miał swobodę wyboru jednego z dwóch znaczeń lub ich połączenia.

Kompozycje kwiatowe często uzupełniano owocami, drobnymi przedmiotami, wizerunkami zwierząt. Obrazy te wyrażały główną ideę dzieła, podkreślając motyw przemijania, więdnięcia, grzeszności wszystkiego, co ziemskie i niezniszczalności cnót.

Jana Davidsa de Heema. Kwiaty w wazonie. Między 1606 a 1684 rokiem Państwowy Ermitaż

Na zdjęciu: Jan Davidsz de Heem Jana Davidsa de Heema(1606-1684) Holenderski malarz znany ze swoich martwych natur kwiatowych. u podstawy wazonu artysta przedstawił symbole kruchości: zwiędłe i połamane kwiaty, kruszące się płatki i suszone strąki grochu. Oto ślimak - kojarzy się z duszą grzesznika Wśród innych takich negatywnych obrazów znajdują się gady i płazy (jaszczurki, żaby), a także gąsienice, myszy, muchy i inne zwierzęta pełzające po ziemi lub żyjące w błocie.. W centrum bukietu widzimy symbole skromności i czystości: polne kwiaty, fiołki i niezapominajki. Otaczają je tulipany, symbolizujące przemijające piękno i bezsensowne marnotrawstwo (uprawa tulipanów uważana była w Holandii za jedno z najbardziej próżnych i do tego niezbyt tanich zajęć); bujne róże i maki, przypominające kruchość życia. Kompozycja druga zostaje zwieńczona duży kwiat, które mają wartość dodatnią. Niebieska tęczówka reprezentuje odpuszczenie grzechów i wskazuje na możliwość zbawienia przez cnotę. Czerwony mak, tradycyjnie kojarzony ze snem i śmiercią, zmienił swoją interpretację ze względu na swoje umiejscowienie w bukiecie: tutaj oznacza pojednawczą ofiarę Chrystusa Już w średniowieczu wierzono, że kwiaty maku rosną na ziemi nawodnionej krwią Chrystusa.. Innymi symbolami zbawienia są kłoski chleba, a motyl siedzący na łodydze reprezentuje nieśmiertelną duszę.

Jana Baumana. Kwiaty, owoce i małpa. Pierwsza połowa XVII wieku Muzeum Historii i Sztuki Serpuchowa

Malarstwo Jana Baumana Jana (Jean-Jacques’a) Baumana(1601-1653) - malarz, mistrz martwej natury. Mieszkał i pracował w Niemczech i Holandii.„Kwiaty, owoce i małpa” - dobry przykład nawarstwienie semantyczne i niejednoznaczność martwej natury i znajdujących się na niej obiektów. Na pierwszy rzut oka połączenie roślin i zwierząt wydaje się przypadkowe. W rzeczywistości ta martwa natura przypomina także o przemijaniu życia i grzeszności ziemskiej egzystencji. Każdy przedstawiony obiekt niesie ze sobą pewną ideę: ślimaka i jaszczurkę ta sprawa wskazywać na śmiertelność wszystkiego, co ziemskie; tulipan leżący w pobliżu miski z owocami symbolizuje szybkie więdnięcie; muszle rozrzucone na stole wskazują na stratę pieniędzy W XVII wieku w Holandii dużą popularnością cieszyło się kolekcjonowanie wszelkiego rodzaju „ciekawostek”, w tym muszelek.; a małpa z brzoskwinią wskazuje na grzech pierworodny i zepsucie. Z drugiej strony trzepoczący motyl i owoce: kiście winogron, jabłek, brzoskwiń i gruszek - mówią o nieśmiertelności duszy i pokutnej ofierze Chrystusa. Na innym, alegorycznym poziomie, przedstawione na obrazie owoce, owoce, kwiaty i zwierzęta reprezentują cztery żywioły: muszle i ślimaki – wodę; motyl - powietrze; owoce i kwiaty - ziemia; małpa jest ogniem.

Martwa natura w sklepie mięsnym

Petera Artsena. Sklep mięsny, czyli kuchnia z ucieczką do Egiptu. 1551 Muzeum Sztuki Karoliny Północnej

Wizerunek sklepu mięsnego tradycyjnie kojarzony jest z ideą życia fizycznego, uosobieniem żywiołu ziemi, a także z obżarstwom. Na obrazie Petera Aartsena Peter Aartsen ( 1508-1575) był malarzem holenderskim, znanym również jako Pieter Long. Wśród jego dzieł znajdują się sceny rodzajowe oparte na opowieściach ewangelicznych, a także obrazy rynków i sklepów. niemal całą przestrzeń zajmuje stół zawalony jedzeniem. Widzimy wiele rodzajów mięsa: zabity drób i rozbite tusze, wątróbkę i szynkę, szynki i kiełbasy. Obrazy te symbolizują nieumiarkowanie, obżarstwo i przywiązanie do cielesnych przyjemności. Skupmy się teraz na tle. Po lewej stronie obrazu, w otworze okiennym, umieszczono ewangeliczną scenę ucieczki do Egiptu, która ostro kontrastuje z martwą naturą na pierwszym planie. Dziewica Maryja rozdaje ostatni kawałek chleba biednej dziewczynie. Zwróćcie uwagę, że nad naczyniem znajduje się okno, na którym leżą w poprzek dwie ryby (symbol ukrzyżowania) – symbol chrześcijaństwa i Chrystusa. Po prawej stronie w głębi znajduje się tawerna. Wesołe towarzystwo zasiada przy stole przy ognisku, pije i zajada ostrygi, które jak pamiętamy kojarzą się z pożądaniem. Obok stołu wisi zarżnięte zwłoki, wskazujące na nieuchronność śmierci i przemijalność ziemskich radości. Rzeźnik w czerwonej koszuli rozcieńcza wino wodą. Scena ta nawiązuje do głównej idei martwej natury i nawiązuje do przypowieści o syn marnotrawny Przypomnijmy, że w przypowieści o synu marnotrawnym jest kilka wątków. Jedna z nich opowiada o najmłodszym synu, który otrzymawszy majątek od ojca, sprzedał wszystko i wydał pieniądze na rozwiązłe życie.. Scena w karczmie, a także w sklepie mięsnym pełnym jedzenia, mówi o próżnym, rozpustnym życiu, przywiązaniu do ziemskich przyjemności, przyjemnych dla ciała, ale wyniszczających dla duszy. W scenie ucieczki do Egiptu bohaterowie są praktycznie zwróceni tyłem do widza: wnikają głębiej w obraz, oddalając się od sklepu mięsnego. To metafora ucieczki od rozpustnego życia pełnego zmysłowych radości. Porzucenie ich jest jednym ze sposobów na ocalenie duszy.

Martwa natura w sklepie rybnym

Martwa natura z rybami jest alegorią żywiołu wody. Prace tego typu, podobnie jak sklepy mięsne, często wchodziły w skład tzw. cyklu pierwszych żywiołów. W Zachodnia Europa powszechne były duże cykle malarskie, składające się z kilku obrazów i z reguły wiszące w jednym pomieszczeniu. Na przykład cykl pór roku (gdzie za pomocą alegorii przedstawiono lato, jesień, zima i wiosna) lub cykl żywiołów (ogień, woda, ziemia i powietrze). i z reguły zostały stworzone, aby ozdobić pałacowe jadalnie. Na pierwszym planie obrazy Fransa Snydersa Fransa Snydersa(1579-1657) – malarz flamandzki, autor martwych natur i barokowych kompozycji zwierzęcych.„Sklep rybny” przedstawia wiele ryb. Są tu okonie i jesiotry, karaś, sum, łosoś i inne owoce morza. Część została już wycięta, część czeka na swoją kolej. Te wizerunki ryb nie niosą ze sobą żadnego podtekstu – śpiewają o bogactwie Flandrii.

Fransa Snydersa. Sklep rybny. 1616

Obok chłopca widzimy kosz z prezentami, które otrzymał na Mikołajki W katolicyzmie dzień Świętego Mikołaja obchodzony jest 6 grudnia. W to święto, podobnie jak w Boże Narodzenie, dzieciom wręcza się prezenty.. Wskazują na to drewniane czerwone buciki przywiązane do kosza. Oprócz słodyczy, owoców i orzechów w koszyku znajdują się pręty - jako wskazówka wychowania „kija i marchewki”. Zawartość koszyka mówi o radościach i smutkach ludzkiego życia, które nieustannie się uzupełniają. Kobieta wyjaśnia dziecku, że posłuszne dzieci otrzymują prezenty, a złe dzieci otrzymują karę. Chłopiec cofnął się z przerażeniem: myślał, że zamiast słodyczy otrzyma ciosy rózgami. Po prawej stronie widzimy otwór okienny, w którym widać plac miejski. Pod oknami stoi grupa dzieci i radośnie pozdrawia na balkonie marionetkowego błazna. Błazen jest nieodłącznym atrybutem uroczystości ludowych.

Martwa natura z nakrytym stołem

W licznych wariacjach na temat nakrycia stołu na płótnach holenderskich mistrzów widzimy chleb i ciasta, orzechy i cytryny, kiełbasy i szynki, homary i raki, dania z ostryg, ryb czy pustych muszli. Możesz zrozumieć te martwe natury w zależności od zestawu obiektów.

Gerrita Willemsa Hedy. Szynka i sztućce. 1649 Muzeum Państwowe sztuki piękne. A.S. Puszkin

Na obrazie Gerrita Willemsa Hedy Gerrita Willemsa Hedy(1620-1702) malarz martwych natur i syn malarza Willema Klasa Hedy. widzimy naczynie, dzbanek, wysoki szklany kielich i przewrócony wazon, garnek z musztardą, szynkę, zmiętą serwetkę i cytrynę. To tradycyjny i ulubiony zestaw Khedy. Lokalizacja przedmiotów i ich wybór nie są przypadkowe. Srebro symbolizuje ziemskie bogactwa a ich daremność, szynka - przyjemności cielesne, atrakcyjny wygląd i kwaśna cytryna w środku oznacza zdradę. Zgaszona świeca oznacza słabość i przemijalność. ludzka egzystencja, bałagan na stole - do zniszczenia. Wysokie szkło „fletowe” (w XVII wieku takie kieliszki służyły jako miarka ze znakami) jest kruche, podobnie jak życie człowieka, a jednocześnie symbolizuje umiar i zdolność człowieka do kontrolowania swoich impulsów. Ogólnie rzecz biorąc, w tej martwej naturze, podobnie jak w wielu innych „śniadaniach”, za pomocą przedmiotów rozgrywany jest temat marności marności i bezsensu ziemskich przyjemności.

Piotr Klas. Martwa natura z grillem, śledziem, ostrygami i fajką. 1624 Kolekcja Sotheby’s/prywatna

Większość obiektów przedstawiona jest w martwej naturze Pietera Claesza Piotr Klas(1596-1661) – malarz holenderski, autor wielu martwych natur. Wraz z Khedą uważany jest za założyciela harlemskiej szkoły martwej natury z jej geometrycznymi monochromatycznymi obrazami. są symbolami erotycznymi. Ostrygi, fajka, wino odnoszą się do krótkich i wątpliwych przyjemności cielesnych. Ale to tylko jedna z wersji czytania martwej natury. Spójrzmy na te obrazy z innej perspektywy. Zatem muszle są symbolami kruchości ciała; fajka, za pomocą której nie tylko paliła, ale także puszczała bańki mydlane, jest symbolem nagłości śmierci. Współczesny Claesowi, holenderski poeta Willem Godschalk van Fockenborch, w wierszu „Moja nadzieja jest dymem” napisał:

Jak widać, bycie jest jak palenie fajki,
A jaka jest różnica - naprawdę nie wiem:
Jeden to po prostu wiatr, drugi to po prostu dym. Za. Jewgienij Witkowski

Temat przemijania ludzkiej egzystencji zostaje przeciwstawiony nieśmiertelności duszy, a oznaki słabości okazują się nagle symbolami zbawienia. Chleb i kieliszek wina w tle kojarzą się z Ciałem i Krwią Jezusa i wskazują na sakrament sakramentu. Śledź – kolejny symbol Chrystusa – przypomina nam o poście i postnym jedzeniu. A otwarte muszle z ostrygami mogą zmienić swoje negatywne znaczenie na dokładnie przeciwne, oznaczające duszę ludzką oddzieloną od ciała i gotową do wejścia w życie wieczne.

Różne poziomy interpretacji obiektów dyskretnie mówią widzowi, że człowiek zawsze ma swobodę wyboru pomiędzy duchowością a wiecznością i ziemską przemijalnością.

Vanitas, czyli martwa natura „naukowca”.

Gatunek tzw. „wyuczonej” martwej natury nazwano vanitas – po łacinie oznacza to „marność nad marnościami”, innymi słowy – „memento mori” („pamiętaj o śmierci”). To najbardziej intelektualny rodzaj martwej natury, alegoria wieczności sztuki, kruchości ziemskiej chwały i życia ludzkiego.

Juriana van Strecka. Próżność. 1670 Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych. A.S. Puszkin

Miecz i hełm z luksusowym pióropuszem na obrazie Juriana van Strecka Juriana van Strecka(1632-1687) - malarz amsterdamski, znany z martwych natur i portretów. wskazują na przemijalność ziemskiej chwały. Róg myśliwski symbolizuje bogactwa, których nie można zabrać ze sobą do innego życia. W „naukowych” martwych naturach często pojawiają się wizerunki otwartych książek lub beztrosko leżących papierów z napisami. Nie tylko zachęcają do myślenia o przedstawionych przedmiotach, ale także pozwalają na wykorzystanie ich zgodnie z ich przeznaczeniem: przeczytanie otwartych stron lub wykonanie tego, co jest zapisane w notatnik muzyczny muzyka. Van Streck przedstawił szkic głowy chłopca i otwartą książkę: to tragedia Sofoklesa „Elektra” przetłumaczona na język niderlandzki. Obrazy te wskazują, że sztuka jest wieczna. Ale strony książki są pogięte, a rysunek wgnieciony. Są to oznaki początku zniszczeń, sugerujące, że nawet sztuka nie przyda się po śmierci. Czaszka także mówi o nieuchronności śmierci, jednak owinięty wokół niej kłos chleba symbolizuje nadzieję na zmartwychwstanie i życie wieczne. Już w połowie XVII w. czaszka spleciona z kłosem chleba lub zimozielonym bluszczem stała się obowiązkowym tematem martwych natur w stylu vanitas.

Źródła

Vipper B.R. Problem i rozwój martwej natury.
Zvezdina Yu. N. Emblematyka w świecie starożytnej martwej natury. Do problemu odczytania symbolu.
Tarasow Yu.A. Holenderski martwa natura XVII wiek.
Szczerbaczowa M. I. Martwa natura w malarstwie holenderskim.
Widoczny obraz i ukryte znaczenie. Alegorie i emblematy w malarstwie Flandrii i Holandii drugiej połowy XVI – XVII wieku. Katalog wystawy. Muzeum Puszkina im. A.S. Puszkin.

Niezwykłe zjawisko w historii światowej sztuki plastycznej miało miejsce na północy Europa XVII wiek. Jest znany jako holenderska martwa natura i jest uważany za jeden ze szczytów malarstwa olejnego.

Koneserzy i profesjonaliści tak mają mocne przekonanieże nigdy w historii sztuki nie widziano tak wielu wspaniałych mistrzów, którzy posiadali najwyższą technikę i stworzyli tak wiele arcydzieł światowej klasy, żyjąc na małym skrawku kontynentu europejskiego.

Nowe znaczenie zawodu artysty

Od tego czasu zawód artysty nabrał w Holandii szczególnego znaczenia początek XVII wieku, było skutkiem pojawienia się po pierwszych rewolucjach antyfeudalnych początków nowego ustroju burżuazyjnego, ukształtowania się klasy mieszczan miejskich i zamożnych chłopów. Dla malarzy byli to potencjalni klienci, którzy ukształtowali modę na dzieła sztuki, sprawiając, że holenderska martwa natura stała się poszukiwanym towarem na wschodzącym rynku.

Na północnych ziemiach Holandii najbardziej wpływową ideologią stały się reformistyczne nurty chrześcijaństwa, które zrodziły się w walce z katolicyzmem. Ta okoliczność między innymi sprawiła, że martwa natura Holendrów stała się głównym gatunkiem całych warsztatów artystycznych.Duchowi przywódcy protestantyzmu, w szczególności kalwini, zaprzeczali zbawiennej wartości rzeźby i malarstwa o tematyce religijnej, a nawet wyrzucili muzykę ze środowiska kościoła, co zmusiło malarzy do poszukiwania nowych tematów.

W sąsiedniej Flandrii, która pozostawała pod wpływem katolików, sztuki piękne rozwijały się według innych praw, jednak sąsiedztwo terytorialne doprowadziło do nieuniknionego wzajemnego wpływu. Naukowcy - historycy sztuki - znajdują wiele rzeczy, które łączą martwą naturę holenderską i flamandzką, zwracając uwagę na ich nieodłączne kardynalne różnice i unikalne cechy.

Martwa natura z wczesnym kwiatem

„Czysty” gatunek martwej natury, który pojawił się w XVII wieku, przybiera w Holandii szczególne formy i symboliczną nazwę „ciche życie” – Stilleven. Pod wieloma względami holenderska martwa natura stała się odbiciem agresywna działalność Kompania Wschodnioindyjska, która sprowadzała ze Wschodu towary luksusowe, niespotykane wcześniej w Europie. Z Persji firma sprowadziła pierwsze tulipany, które później stały się symbolem Holandii i to właśnie kwiaty ukazane na obrazach stały się najpopularniejszą ozdobą budynków mieszkalnych, licznych urzędów, sklepów i banków.

Przeznaczenie mistrzowsko malowanych kompozycji kwiatowych było różnorodne. Ozdabiając domy i biura, podkreślały dobro swoich właścicieli, a dla sprzedawców sadzonek kwiatów, cebul tulipanów były czymś, co dziś nazywa się produktem reklamy wizualnej: plakatami i broszurami. Dlatego holenderska martwa natura z kwiatami to przede wszystkim dokładne botanicznie przedstawienie kwiatów i owoców, a jednocześnie wypełnione wieloma symbolami i alegoriami. To najlepsze płótna całych warsztatów, na których czele stoją Ambrosius Bosschaert Starszy, Jakob de Hein Młodszy, Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar i inni.

Nakryte stoły i śniadania

Malarstwo w Holandii w XVII wieku nie mogło uniknąć wpływu nowych stosunków społecznych i rozwoju gospodarki. Holenderska martwa natura z XVII wieku była dochodowym towarem i organizowano duże warsztaty do „produkcji” obrazów. Oprócz malarzy, wśród których pojawiła się ścisła specjalizacja i podział pracy, pracowali tam ci, którzy przygotowywali podstawy do obrazów - deski lub płótno, gruntowali, robili ramy itp. Ostra konkurencja, jak w każdym stosunkach rynkowych, doprowadziła do wzrostu jakość martwych natur na bardzo wysokim poziomie.

Specjalizacja gatunkowa artystów przybrała także charakter geograficzny. Kompozycje kwiatowe malowano w wielu holenderskich miastach – Utrechcie, Delft, Hadze, jednak to właśnie Haarlem stał się ośrodkiem rozwoju martwych natur przedstawiających nakryte stoły, jedzenie i gotowe posiłki. Takie płótna mogą mieć różną skalę i charakter, od złożonych i wielotematycznych po zwięzłe. Były „śniadania” – martwe natury autorstwa holenderskich artystów przedstawiające różne etapy posiłku. Przedstawiają obecność osoby w postaci okruchów, ugryzionych bułek itp. Opowiedzieli ciekawe historie pełen aluzji i moralizatorskich symboli typowych dla malarstwa tamtych czasów. Za szczególnie znaczące uważa się obrazy Nicholasa Gillisa, Florisa Gerritsa van Schotena, Clary Peters, Hansa Van Essena, Rulofa Kootsa i innych.

Tonalna martwa natura. Pieter Claesz i Willem Claesz Heda

Dla współczesnych symbole, którymi nasycona jest tradycyjna holenderska martwa natura, były istotne i zrozumiałe. Obrazy przypominały treścią wielostronicowe książki i za to były szczególnie cenione. Istnieje jednak koncepcja, która nie mniej imponuje zarówno nowoczesnym koneserom, jak i miłośnikom sztuki. Nazywa się to „tonalną martwą naturą”, a najważniejsze są w niej najwyższe umiejętności techniczne, zaskakująco wyrafinowana kolorystyka, niesamowita umiejętność przekazywania subtelnych niuansów oświetlenia.

Cechy te są pod każdym względem spójne z płótnami dwóch czołowych mistrzów, których obrazy uważane są za najlepsze przykłady tonalnej martwej natury: Pietera Claesza i Willema Claesza Heada. Wybrali kompozycje z niewielkiej liczby pozbawionych obiektów żywe kolory i szczególna dekoracyjność, która nie przeszkodziła im w stworzeniu rzeczy o niesamowitej urodzie i wyrazistości, których wartość nie maleje z biegiem czasu.

Próżność

Temat przemijania życia, równości przed śmiercią zarówno króla, jak i żebraka, był bardzo popularny w literaturze i filozofii tego okresu przejściowego. Natomiast w malarstwie znalazła wyraz w obrazach przedstawiających sceny, których głównym elementem była czaszka. Gatunek ten nazwano vanitas - od łacińskiego „marności nad marnościami”. Popularności martwych natur, na wzór traktatów filozoficznych, sprzyjał rozwój nauki i edukacji, której ośrodkiem był słynny w całej Europie uniwersytet w Lejdzie.

Vanitas zajmuje poważne miejsce w twórczości wielu holenderskich mistrzów tamtych czasów: Jacoba de Geina Młodszego, Davida Geina, Harmena Stenwijka i innych najważniejszych zagadnień życia.

Sztuczne obrazy

Od tego czasu obrazy są najpopularniejszą ozdobą holenderskich wnętrz późne średniowiecze na które stać rosnącą populację miejską. Aby zainteresować kupujących, artyści uciekali się do różnych sztuczek. Jeśli pozwalały na to umiejętności, tworzyli „sztuczki”, czyli „trompe-l'oeil”, od francuskiego trompe-l „oeil – złudzenie optyczne. Chodziło o to, że typowa holenderska martwa natura to kwiaty i owoce, złamany ptak i ryby, czy przedmioty związane z nauką – książki, przyrządy optyczne itp. – zawierały w sobie całkowitą iluzję rzeczywistości. Książka, która wysunęła się z przestrzeni obrazu i zaraz spadnie, mucha, która wylądowała na wazonie, który chcesz slam, to typowe wątki dla fałszywego obrazu.

Obrazy czołowych mistrzów martwej natury w stylu „tromple” – Gerarda Dou, Samuela van Hoogstratena i innych – często przedstawiają wbudowaną w ścianę niszę z półkami, na których znajduje się wiele różnych rzeczy. Techniczny kunszt artysty w oddaniu faktur i powierzchni, światła i cienia był tak duży, że sama ręka sięgnęła po książkę lub szklankę.

Czas kwitnienia i czas zachodu słońca

W połowie XVII wieku główne odmiany martwej natury na obrazach holenderskich mistrzów osiągnęły swój szczyt. „Luksusowa” martwa natura staje się popularna, ponieważ zamożność mieszczan rośnie, a bogate naczynia, cenne tkaniny i obfitość jedzenia nie wyglądają obco we wnętrzu miejskiej kamienicy lub bogatej wiejskiej posiadłości.

Obrazy powiększają się, zadziwiają różnorodnością faktur. Jednocześnie autorzy szukają sposobów na zwiększenie rozrywki dla widza. Aby to zrobić, tradycyjną holenderską martwą naturę - z owocami i kwiatami, trofeami myśliwskimi i naczyniami z różnych materiałów - uzupełniają egzotyczne owady lub małe zwierzęta i ptaki. Oprócz tworzenia typowych alegorycznych skojarzeń, artysta często wprowadzał je po prostu dla pozytywnych emocji, aby zwiększyć komercyjny urok fabuły.

Mistrzowie „luksusowej martwej natury” – Jan van Huysum, Jan Davids de Heem, Francois Reykhals, Willem Kalf – stali się zwiastunami nadchodzącego czasu, kiedy istotna stała się zwiększona dekoracyjność, robiąca imponujące wrażenie.

Koniec złotego wieku

Zmieniały się priorytety i moda, wpływ dogmatów religijnych na wybór tematów dla malarzy stopniowo odchodził w przeszłość, sama koncepcja złotego wieku, jaką znało malarstwo holenderskie, odchodziła w przeszłość. Martwa natura weszła do historii tej epoki jako jedna z najważniejszych i najbardziej imponujących stron.

Holenderscy artyści osiągnęli wielkie osiągnięcia w tworzeniu sztuki realistycznej, przedstawiającej rzeczywistość w naturalny sposób, właśnie dlatego, że na taką sztukę było zapotrzebowanie w holenderskim społeczeństwie.

Dla Holenderscy artyści w sztuce było ważnym malarstwem sztalugowym. Płótna Holendrów tego czasu nie mają takich wymiarów jak dzieła Rubensa i raczej nie decydują monumentalny i dekoracyjny zadaniem klientami holenderskich malarzy byli wysłannicy rządzącego kierownictwa organizacji, ale także drugiej klasy – mieszczanie, rzemieślnicy.

Jednym z głównych zadań malarzy holenderskich był człowiek i środowisko. Główne miejsce w malarstwie holenderskim zajmował codzienny gatunek oraz portret, pejzaż i martwa natura. Im lepiej malarze bezstronnie i głębiej portretowali świat przyrody, tym bardziej znaczące i wymagające były wątki ich dzieł.

Malarze holenderscy wystawiali dzieła na sprzedaż, handlowali swoimi obrazami na jarmarkach. Ich dzieła kupowali głównie ludzie z wyższych warstw społeczeństwa – bogaci chłopi, rzemieślnicy, kupcy, właściciele manufaktur. Zwykłych ludzi nie było na to stać, dlatego z przyjemnością oglądali i podziwiali obrazy. Ogólna lokalizacja sztuki w jej najlepszym wydaniu XVII wiek pozbawiony tak potężnych konsumentów, jak dwór, szlachta i kościół.

Prace wykonano w małym formacie, licząc na skromne i niezbyt duże wyposażenie domów holenderskich. Jednym z ulubionych zajęć Holendrów było malarstwo sztalugowe, ponieważ był otwarty z dużą pewnością i na różne sposoby odzwierciedlał rzeczywistość działań. Na obrazach Holendrów rzeczywistość ich kraju jest im bliska, chcieli zobaczyć to, co dobrze znają – morze i statki, przyrodę swojej krainy, swój dom, tok życia, to, co otaczali ich wszędzie.

Jedna ważna motywacja do nauki środowisko pojawiły się w malarstwie holenderskim w tak naturalnych formach i z tak wyraźną ciągłością, jak nigdzie indziej w sztuce holenderskiej tamtych czasów. Pod tym względem związana jest również głębia jego skali: powstały w nim portrety i pejzaże, martwe natury i gatunek codzienny. Jednostki z nich to martwa natura, obraz gospodarstwa domowego jako pierwsze ukształtowały się w Holandii w dojrzałych formach i osiągnęły taki rozkwit, że stały się jedynym przykładem tego gatunku.

W pierwszych dwóch dekadach wyraźnie ujawnia się główny nastrój poszukiwań głównych holenderskich artystów, sprzeciwiający się właściwym nurtom artystycznym - pociąg do prawidłowego odwzorowania rzeczywistości, do trafności jej wyrażenia. Nie przez przypadek holenderskich artystów zafascynowała sztuka Caravaggia. Działalność tzw. karawagistów utrechckich – G. Honthorsta, H. Terbruggena, D. Van Baburena – ukazała wpływ na holenderską kulturę artystyczną.

Tworzyli malarze holenderscy w latach 20. i 30. XVII wieku główny widok odpowiedni, drobno figurowy obraz, który przedstawia sceny z życia prostych chłopów i ich codzienne zajęcia. W latach 40. - 50 malowanie domu to jeden z głównych gatunków, którego autorzy w historii zyskali miano „małych Holendrów” albo ze względu na prostotę fabuły, albo ze względu na niewielkie rozmiary obrazów, a może i jedno i drugie. Cechy dobrodusznego humoru podsycały wizerunki chłopów na obrazach Adriana van Ostade. Był demokratycznym pisarzem codziennym i zabawnym gawędziarzem Jana Steena.

Jednym z najważniejszych malarzy portretowych Holandii, twórcą holenderskiego portretu realistycznego był Franza Halsa. Sławę przyniosły mu zbiorowe portrety cechów strzeleckich, w których wyrażał ideały młodej republiki, poczucie wolności, równości i koleżeństwa.

Szczytem holenderskiego realizmu jest Harmensa van Rijna Rembrandta, wyróżniająca się niezwykłą żywotnością i emocjonalnością, głębokim człowieczeństwem obrazów, dużą rozpiętością tematyczną. Malował obrazy historyczne, biblijne, mitologiczne i codzienne, portrety i pejzaże, był jednym z nich najwięksi mistrzowie akwaforta i rysunek. Ale bez względu na technikę, w której pracował, w centrum jego uwagi zawsze była osoba, jego osoba wewnętrzny świat. Często odnajdywał swoich bohaterów wśród holenderskiej biedoty. W swoich pracach Rembrandt łączył siłę i penetrację cechy psychologiczne z wyjątkowym kunsztem malarskim, w którym najważniejsza jest wierna tonacja światłocienia.

W pierwszej tercji XVII w. ukształtowały się poglądy na holenderski pejzaż realistyczny, który rozkwitł w połowie stulecia. Pejzaż mistrzów niderlandzkich nie jest przyrodą w ogóle, jak w malarstwie klasycystów, ale narodowym, czyli pejzażem holenderskim: wiatraki, pustynne wydmy, kanały, po których latem pływają łódki, a zimą wrotkarze. Artyści starali się oddać atmosferę pory roku, wilgotnego powietrza i przestrzeni.

Martwa natura zyskuje jasny rozwój w malarstwie holenderskim, różni się charakterem niewielkim rozmiarem. Piotr Klas I Willema Khedy najczęściej przedstawiały tzw. śniadania: dania z szynką lub ciastem na stosunkowo skromnie podanym stole. Niedawną obecność człowieka wyczuwa się w nieładzie, w naturalności, z jaką układają się rzeczy, które mu do tej pory służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest dokładnie przemyślana. W umiejętnym ułożeniu przedmioty ukazane są w taki sposób, że ma się wrażenie, jakby żyło się w wewnętrznym życiu rzeczy, nie bez powodu Holendrzy nazywali martwą naturę „still leven” – „ciche życie”, a nie „nature morte” " - "martwa natura".

Martwa natura. Pietera Claesza i Willema Hedy

Subtelność, prawdziwość w odtwarzaniu rzeczywistości łączy się u holenderskich mistrzów z żywym wyczuciem piękna, ujawniającego się w każdym jego zjawisku, nawet tym najbardziej niepozornym i codziennym. Ta cecha holenderskiego geniuszu artystycznego ujawniła się chyba najdobitniej w martwej naturze; nieprzypadkowo ten gatunek był ulubieńcem Holandii.

Holendrzy nazywali martwą naturę „stilleven”, co oznacza „spokojne życie” i to słowo wyraża znaczenie, jakie holenderscy malarze nadawali obrazowi rzeczy nieporównywalnie trafniej niż „nature morte” – martwa natura. W przedmiotach nieożywionych widzieli szczególne, ukryte życie związane z życiem człowieka, z jego życiem, nawykami, upodobaniami. Malarze holenderscy stworzyli wrażenie naturalnego „nieporządku” w układzie rzeczy: pokazali pokrojone ciasto, obraną cytrynę ze skórką wiszącą spiralnie, niedokończony kieliszek wina, płonącą świecę, otwartą książkę – to zawsze wydaje się, że ktoś dotknął tych przedmiotów, po prostu ich użył, zawsze odczuwa się niewidzialną obecność osoby.

Czołowymi mistrzami holenderskiej martwej natury pierwszej połowy XVII wieku byli Pieter Klas (1597/98-1661) i Willem Heda (1594-ok. 1680). Ulubionym tematem ich martwych natur są tzw. „śniadania”. W „Śniadaniu z homarem” V. Khedy obiekty tzw różne kształty i materiał - dzbanek do kawy, szklanka, cytryna, fajans, srebrny talerz itp. - są ze sobą porównywane w taki sposób, aby ukazać cechy i atrakcyjność każdego z nich. Dzięki różnorodnym technikom Kheda doskonale oddaje materiał i specyfikę ich faktury; Tym samym odblask światła inaczej gra na powierzchni szkła i metalu: na szkle - jasny, o ostrych konturach, na metalu - blady, matowy, na złoconym szkle - błyszczący, jasny. Wszystkie elementy kompozycji łączy światło i kolor - szaro-zielona kolorystyka.

W „Martwej naturze ze świecą” P. Klassa niezwykła jest nie tylko trafność oddania walorów materialnych przedmiotów – kompozycja i oświetlenie nadają im dużej wyrazistości emocjonalnej.

Martwe natury Klassa i Khedy przepełnione są szczególnym nastrojem, który ich łączy – jest to nastrój intymności i komfortu, dający początek idei ugruntowanej i spokojne życie dom mieszczański, w którym króluje dobrobyt i gdzie we wszystkim widać troskę ludzkich rąk i uważne oczy pana. Twierdzą holenderscy malarze wartość estetyczna rzeczy, a martwa natura niejako pośrednio śpiewa o sposobie życia, z którym ich istnienie jest nierozerwalnie związane. Dlatego można go uznać za jeden z artystyczne wcielenia ważny temat Sztuka holenderska - temat z życia osoby prywatnej. Główną decyzję otrzymała w r Malarstwo rodzajowe.[&&] Rotenberg IE Sztuka zachodnioeuropejska XVII wieku. Moskwa, 1971;

W drugiej połowie XVII w. w społeczeństwie holenderskim zachodziły zmiany: wzrastało dążenie mieszczaństwa do arystokratyzacji. Skromne „Śniadania” Klasa i Khedy ustępują miejsca bogatym „deserom” Abrahama van Beyerna I Willema Kalfa, na które składały się efektowne naczynia fajansowe, naczynia srebrne, cenne kielichy i muszle w martwych naturach. Konstrukcje kompozytowe stają się coraz trudniejsze, farby stają się bardziej dekoracyjne. W przyszłości martwa natura traci swoją demokrację, intymność, duchowość i poezję. Zamienia się we wspaniałą dekorację domu wysokiej rangi klientów. Przy całej dekoracyjności i kunszcie wykonania, późne martwe natury zapowiadają upadek wielkiego holenderskiego malarstwa realistycznego, które weszło na rynek początek XVIII stulecia i spowodowane degeneracją społeczną mieszczaństwa niderlandzkiego w ostatniej tercji XVII w., rozprzestrzenianiem się nowych kierunków w sztuce związanych z przyciąganiem mieszczaństwa do gustów francuskiej szlachty. Sztuka holenderska traci związki z tradycją demokratyczną, traci realistyczne podstawy, traci swoją tożsamość narodową i wkracza w okres długiego upadku.

Martwa natura („Stilleven” – co po niderlandzku oznacza „ciche życie”) – to osobliwa i dość popularna gałąź malarstwa holenderskiego. Holenderska martwa natura XVII wieku charakteryzuje się wąską specjalizacją holenderskich mistrzów w tym gatunku. Temat „Kwiaty i owoce” obejmuje z reguły różnorodne owady. „Trofea myśliwskie” to przede wszystkim trofea myśliwskie – martwe ptaki i zwierzyna łowna. „Śniadania” i „Desery”, a także wizerunki ryb – żywych i śpiących, rozmaitych ptaków – to tylko część najsłynniejszych tematów martwych natur. W sumie te pojedyncze działki charakteryzują duże zainteresowanie Holendrów działkami Życie codzienne i ich ulubione rozrywki oraz zamiłowanie do egzotyki odległych krain (w kompozycjach pojawiają się dziwaczne muszelki i owoce). Często w pracach z motywami „żywej” i „martwej” natury ukryty jest podtekst symboliczny, łatwo zrozumiały dla wykształconego widza XVII wieku.

Zatem połączenie poszczególnych przedmiotów mogłoby służyć jako wskazówka dla kruchości ziemskiej egzystencji: więdnące róże, kadzielnica, świeca, zegarek; lub związane z moralnie potępionymi nawykami: pochodniami, fajkami; lub wskazywał na romans; pisanie, instrumenty muzyczne, kocioł. Nie ulega wątpliwości, że znaczenie tych kompozycji jest znacznie szersze niż ich treść symboliczna.

Holenderskie martwe natury przyciągają przede wszystkim artystyczną wyrazistością, kompletnością i umiejętnością ukazywania życia duchowego obiektywnego świata. Preferując wielkoformatowe obrazy z dużą ilością wszelkiego rodzaju obiektów, malarze holenderscy ograniczają się do kilku obiektów kontemplacji, dążąc do ostatecznej jedności kompozycyjnej i kolorystycznej.

Martwa natura to jeden z gatunków, którymi zajmują się Holendrzy cechy narodowe pojawił się szczególnie wyraźnie. Martwe natury przedstawiające skromne sprzęty gospodarstwa domowego, tak powszechne w malarstwie holenderskim i bardzo rzadkie we flamandzkim, czy martwe natury z przedmiotami gospodarstwa domowego zamożnych warstw społeczeństwa. Martwe natury Pietera Claesza i Willema Hedy, spowijane zimnym, rozproszonym światłem, o niemal monochromatycznej gamie barw, czy martwe natury malowane później przez Willema Kalfa, gdzie na życzenie artysty złote oświetlenie ożywia formy i żywe kolory obiektów ze zmierzchu. Wszystkie mają wspólne cechy narodowe, które nie pozwolą pomylić ich z malarstwem innej szkoły, w tym spokrewnionej z nią flamandzkiej. W holenderskiej martwej naturze zawsze panuje spokojna kontemplacja i szczególne zamiłowanie do przenoszenia realnych form namacalnie materialnego świata.

De Heem zyskał powszechne uznanie dzięki swoim wspaniałym przedstawieniom kwiatów i owoców. Szczegółowość obrazu aż do najmniejszego szczegółu, połączył z genialnym wyborem zabarwienie i wyrafinowany smak w konstrukcji kompozycji. Malował kwiaty w bukietach i wazonach, w których często fruwają motyle i owady, wianki z kwiatów w niszach, okna i wizerunki Madonn w odcienie szarości, girlandy owoców, martwe natury z kieliszkami wypełnionymi winem, winogronami i innymi owocami i przetworami. Hem po mistrzowsku wykorzystał możliwości koloru i osiągnął wysoki stopień przezroczystości, jego obrazy przyrody nieożywionej są całkowicie realistyczne. Jego obrazy znajdują się w niemal wszystkich ważniejszych galeriach sztuki. Znaczącą dystrybucję otrzymała w XVII wieku martwa natura w Holandii, która wyróżniała się swoim charakterem. Holenderscy artyści wybierali do swoich martwych natur różnorodne przedmioty, wiedzieli, jak je doskonale skomponować, aby wydobyć cechy każdego przedmiotu i jego życie wewnętrzne, nierozerwalnie związane z życiem człowieka. Holenderscy malarze XVII wieku Pieter Claesz (ok. 1597-1661) i Willem Heda (1594-1680/1682) malowali liczne wersje „śniadań”, przedstawiające szynki, rumiane bułeczki, ciasta z jeżynami, kruche szklane kieliszki do połowy wypełnione winem na stole, z niesamowitą umiejętnością, przekazując kolor, objętość, fakturę każdego przedmiotu. Niedawną obecność człowieka wyczuwa się w nieładzie, przypadkowym uporządkowaniu rzeczy, które mu właśnie służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest dokładnie przemyślana i znaleziona. Dyskretna szaro-złota, oliwkowa gama tonalna ujednolica tematy i nadaje szczególną dźwięczność czystym kolorom, które podkreślają świeżość świeżo ściętej cytryny lub miękki jedwab niebieskiej wstążki. Z czasem „śniadania” mistrzów martwej natury, malarzy Klasa i Hedy ustępują miejsca „deserom” holenderskich artystów Abrahama van Beijerena (1620/1621-1690) i Willema Kalfa (1622-1693). Martwe natury Beierena są surowe pod względem kompozycji, bogate emocjonalnie, kolorowe. Willem Kalf przez całe życie malował w sposób swobodny i demokratyczne „kuchnie” – garnki, warzywa i martwe natury, arystokratyczny w doborze wykwintnych przedmiotów szlachetnych, pełen powściągliwej szlachetności, jak srebrne naczynia, kielichy, muszle nasycone wewnętrznym wypaleniem barw . W dalszym rozwoju martwa natura podąża tymi samymi ścieżkami, co wszystkie sztuka holenderska, tracąc swoją demokrację, swoją duchowość i poezję, swój urok. Martwa natura staje się ozdobą domu wysoko postawionych klientów. Przy całej dekoracyjności i kunszcie wykonania, późne martwe natury zapowiadają upadek malarstwa holenderskiego. Degeneracja społeczna, dobrze znana arystokratyzacja burżuazji holenderskiej w ostatniej tercji XVII w., dają początek tendencji do zbliżenia się z poglądy estetyczne Francuska szlachta prowadzi do idealizacji obrazy artystyczne, ich szlifowanie. Sztuka traci związki z tradycją demokratyczną, traci realistyczne podstawy i wkracza w okres długiego upadku. Mocno wyczerpana wojnami z Anglią Holandia traci pozycję wielkiej potęgi handlowej i największego ośrodka artystycznego.

Willem Heda (ok. 1594 - ok. 1682) to jeden z pierwszych mistrzów holenderskiej martwej natury XVII w., którego twórczość była wysoko ceniona przez współczesnych. Szczególnie popularny w Holandii był taki rodzaj płótna jak „śniadanie”. Stworzono je na każdy gust: od bogatych po skromniejsze. Obraz „Śniadanie z krabem” wyróżnia się nietypową dla holenderskiej martwej natury duży rozmiar(Dodatek I). Ogólna gama pracy jest zimna, srebrno-szara z kilkoma różowawymi i brązowymi plamami. Kheda znakomicie przedstawiła nakryty stół, na którym w misterny bałagan ułożone są składniki śniadania. Na naczyniu leży krab z wypisanymi wszystkimi cechami, obok niego żółknie cytryna, której elegancko wycięta skórka zwisa, przekręcając się. Po prawej stronie znajdują się zielone oliwki i przepyszna bułka ze złotą skórką. Szklane i metalowe naczynia dodają martwej naturze solidności, ich kolor niemal zlewa się z całością.

Po przejściu przez szereg etapów, z których każdy miał swoje specyficzne i szczególne znaczenie, holenderska martwa natura szeroko objęła świat rzeczy i przyrodę organiczną. Od pierwszego etapu twórczości artystów początku stulecia, wraz z utrwaleniem rzeczy, które zdawały się być na wystawie, malarze kolejnego pokolenia przeszli do skromnych „śniadań” z przedmiotami metalowymi i szklanymi zgrupowanymi na białym tle. obrus (Klas, Kheda). Te „śniadania” wyróżniają się prostotą przedstawionych rzeczy: bułka, cynowe naczynia, szklane naczynia – to główne elementy obrazów utrzymanych w szarawej kolorystyce. Kilka ryb na obrazach Ormei i Puttera, martwa natura kuchenna autorstwa rotterdamskich artystów odzwierciedla skromne purytańskie gusta warstw demokratycznych pierwszej połowy stulecia.

Ale wraz z ustanowieniem ustroju republikańskiego i późniejszym wzmocnieniem władzy klasy burżuazyjnej, a następnie jej stopniową arystokratyzacją, zmieniają się także wymagania wobec sztuki. Martwa natura traci swój skromny, prosty charakter. „Śniadania” stają się bardziej luksusowe i okazałe, zachwycając bogactwem kolorów. Obecnie zbudowane są na połączeniu ciepłych odcieni dywanowych obrusów oraz pomarańczowych, żółtych i czerwonych owoców ułożonych na naczyniach z fajansu z Delft lub chińskiej porcelany, ożywionych blaskiem złoconych kielichów i szklanych kielichów, na których powierzchni gra światło. Dowody pełnej własności przeniesienia materiału i oświetlenia, nasycone kolorem, martwe natury Kalfa, Beierena, Strecka charakteryzują czas największego rozkwitu martwej natury.

Nie tylko czas wpłynął na tematykę i powstawanie martwej natury, ale także wiele innych rzeczy: cechy lokalne, typowa dla danego miasta struktura gospodarcza, często determinuje tematykę, a nawet interpretację dzieła. lokalny artysta. To nie przypadek, że w szybko rozwijającym się Haarlemie, z jego silnymi stowarzyszeniami obywateli, jako pierwszy rozwinął się rodzaj tonalnej martwej natury, a w centrum życia gospodarczego i kulturalnego Holandii – Amsterdamu – twórcy luksusowych deserów Kalf i Streck kontynuowali. Bliskość wybrzeża Scheveningen zainspirowała Beierena mieszkającego w Hadze do stworzenia martwej natury z rybami, a w centrum uniwersyteckim – Lejdzie – pojawiła się przemyślana martwa natura z wizerunkiem czaszki i klepsydry, co powinno przypominać kruchość ziemskiej egzystencji. Natychmiast rozesłano zdjęcia przedstawiające naukowca otoczonego folio, globusami i innymi przedmiotami do użytku naukowego, często zajmującymi cały pierwszy plan.

Ścisły podział martwych natur na gatunki jest niemożliwy, gdyż często na jednym obrazie łączono kilka motywów, można jednak wyróżnić gatunki najczęściej spotykane.

Encyklopedyczny YouTube

1 / 5

Holenderska martwa natura. Jak napisać chryzantemę

Ermitaż. Malarstwo Małego Holendra

Luwr: Najbardziej duże muzeum pokój. 10 flamandzkie i Malarstwo holenderskie XVII wiek. Rubensa, Rembrandta

Holenderska martwa natura.

Ermitaż. Sztuka Flandrii i Holandii

Napisy na filmie obcojęzycznym

kwiat martwa natura

W martwych naturach kwiatowych artyści przedstawiali tulipany, róże, mieczyki, hiacynty, goździki, lilie, irysy, konwalie, niezapominajki, fiołki, altówki, stokrotki, czarnuszki, rozmaryn, zawilce, nagietek, lewkoj, ślaz i inne kwiaty.

Jednym z pierwszych artystów XVII wieku, który malował wazony z kwiatami, był Jakub (Jacques) de Gheyn Młodszy (1565-1629). Jego twórczość charakteryzuje się wydłużonym wertykalnym formatem obrazów, wielopoziomowym układem kwiatów z naprzemiennie dużymi i małymi roślinami, a także zastosowaniem technik, które staną się bardzo popularne wśród artystów tego gatunku: zatapiania bukietu kwiatów w niszy i przedstawiający małe zwierzęta obok wazonu.

Pojawienie się owadów, zwierząt i ptaków, muszli w martwych naturach kwiatowych jako detali pomocniczych jest odzwierciedleniem tradycji wykorzystywania ukrytych znaczeń przedstawianych przedmiotów, które mają znaczenie symboliczne. Różne symbole pojawiają się w martwych naturach wszystkich gatunków.

Naśladowcami Jacoba de Geina Młodszego byli Jan Baptist van Fornenburg (1585-1649) i Jacob Wauters Vosmar (1584-1641).

Fornenburg malował bukiety tulipanów, żonkili, róż, pęcherzycy, natomiast w jego obrazach pojawiają się motywy „marności marności” i klasycznego „sztuczki”.

cecha charakterystyczna Na obrazach Vosmara pojawia się także motyw „marności nad marnościami” w postaci opadającej róży. Często przedstawiał w martwych naturach muchę, motyla pokrzywowego, motyla kapuścianego, ważkę i pszczołę.

Założycielem całej dynastii mistrzów martwej natury z kwiatami i owocami był Ambrosius Bosschaert Starszy (1573-1621). W skład dynastii wchodziło trzech synów (Johannes, Abraham i Ambrosius), dwóch szwagrów (Johannes i Balthasar van der Asty) oraz zięć (Hieronymus Sweerts).

Bosschaert tworzył małe martwe natury z bukietem w wazonie (w niektórych przypadkach był to wazon z chińskiej porcelany) umieszczonym we wnęce lub na parapecie. Jako otoczenie na jego obrazach, oprócz małych zwierząt, pojawiają się muszle.

Wśród synów Bosschaerta talent artysty najwyraźniej objawił się u Johannesa Bosschaerta (1610/11 - po 1629). Cechy charakterystyczne jego twórczości - układ obiektów wzdłuż przekątnej obrazu i matowo-metaliczna kolorystyka.

Ambrosius Bosschaert Młodszy (1609-1645) posługiwał się technikami czarno-białego modelowania karawagistów z Utrechtu.

Abraham Bosschaert (1612/1613 - 1643) kopiował techniki swoich braci.

Bracia żony Ambrosiusa Bosschaerta, Johannes i Balthasar van der Asta, kontynuowali tradycje Bosschaerta.

Znany jest tylko jeden obraz Johannesa van der Asta.

Duże znaczenie dla rozwoju martwej natury miała twórczość najstarszego z braci – Baltasara van der Asta (1593/1594 – 1657), który pozostawił po sobie bogatą dziedzictwo twórcze- ponad 125 obrazów. Lubił przedstawiać na stole kosz kwiatów lub naczynie z owocami, a na pierwszym planie wzdłuż krawędzi stołu umieszczał muszelki, owoce i motyle. Niektóre z jego obrazów przedstawiają papugi.

Roelant Saverey (1576-1639) należy do szkoły Ambrosiusa Bosschaerta Starszego. Jego martwe natury zbudowane są na zasadzie bukietu kwiatów umieszczonego w niszy. Do obrazów dodał motywy „marności nad marnościami”, wykorzystując świtę: chrząszcza grabarza, muchę gnojową, martwego motyla i inne owady, a także jaszczurki.

Twórczość Ambrosiusa Bosschaerta wywarła wpływ na takich artystów jak Antoni Claes I (1592-1636), jego imiennik Antoni Claes II (1606/1608 - 1652) i zięć Ambrosiusa Bosschaerta Starszego - Hieronymus Swerts.

W twórczości Hansa Bollongiera (ok. 1600 r. – po 1670 r.) szeroko stosowano techniki karawagizmu utrechckiego. Za pomocą światłocienia artysta wyodrębnił kwiaty na tle zmierzchu.

Dalszy rozwój martwej natury kwiatowej można było zaobserwować w twórczości mistrzów Middelburga: Christoffela van den Berghe (ok. 1590 - po 1642), którzy w martwych naturach kwiatowych przedstawiali elementy „marności marności”: butelkę wina, tabakierka, fajka, karty do gry i czaszka; oraz Johannes Goodart, który szeroko wykorzystywał owady i ptaki jako otoczenie.

Do szkoły mistrzów martwej natury kwiatowej z Dordrechtu zaliczają się Bartholomeus Abrahams Asstein (1607 (?) - 1667 lub później), Abraham van Calrath (1642-1722), ojciec słynnego malarza pejzaży i zwierząt Alberta Cuypa Jacoba Gerritsa Cuypa (1594 - 1651/1652). Ich twórczość charakteryzuje się powszechnym wykorzystaniem światłocienia.

„Stoły serwowane” („Śniadania”, „Desery”, „Bankiety”)

Ojczyzną i centrum „zastawionych stołów” był Haarlem. Warunkiem powstania tego typu martwej natury było powszechne wykorzystanie portretów członków cechu strzeleckiego podczas bankietu w XVI wieku. Stopniowo obraz nakrytego stołu stał się niezależnym gatunkiem.

Zestaw elementów składających się na martwą naturę pierwotnie obejmował tradycyjne holenderskie produkty: sery, szynkę, bułki, owoce i piwo. Jednak później w martwych naturach zaczęło pojawiać się coraz więcej dań charakterystycznych dla uroczystych okazji czy stołów zamożnych mieszczan: dziczyzny, wina, pasztetów (najdroższy był placek z jeżynami). Oprócz tradycyjnych śledzi pojawiły się homary, krewetki i ostrygi.

Zaczęto używać drogich naczyń ze srebra i chińskiej porcelany, dzbanków i tańców. Artyści szczególną uwagę zwrócili na okulary: römer, Berkemeier, szkło pass-glass, szkło-flet, szkło weneckie, szkło akeley. Najbardziej wykwintnym był kielich Nautilus.

Częstymi atrybutami martwych natur były solniczka i nóż stołowy. Jako kolorowy akcent często stosowano pół obraną cytrynę.

Jedną z najwcześniejszych martwych natur przedstawiających holenderskie nakrycie stołu jest Nakryty stół Nicholasa Gillisa (ok. 1580 r. - po 1632 r.). Artysta w swoich obrazach posługiwał się wzniosłym punktem widzenia.

Martwe natury Florisa Gerritsa van Schotena (około 1590 - po 1655) charakteryzują się złożonością, stosował duża liczba przedmiotów, przy czym głównym przedmiotem często jest stos serów. W wielu przypadkach stosował technikę odsunięcia akcentu grupy martwych natur od geometrycznego środka obrazu.

Wybitną postacią w tego typu malarstwie martwej natury był Floris van Dyck (1575-1651). Centrum jego obrazów stanowiła piramida serów, tło rozpłynęło się we mgle.

Clara Peters (1594-1657) specjalizowała się w tym samym typie martwej natury. Często przedstawiała drogie dania dla smakoszy, homary i ostrygi. W niektórych swoich martwych naturach używała obniżonego punktu widzenia, niemal na poziomie stołu.

Kompozycje bliskie Petersowi tworzył Hans van Essen (1587/1589 – po 1648).

Rulof Coots (1592/1593 - 1655) stosował technikę umyślnego zaniedbania, talerz lub nóż na jego obrazach wisiał w połowie odległości od krawędzi stołu. Jako jeden z pierwszych stworzył płótna przedstawiające nie nakryty stół, a stół ze śladami zjedzonego śniadania, wprowadzając do obrazów motywy „marności nad marnościami”: zegarów, książek, opadłych winogron.

NA wczesna faza jego twórczości stworzył obrazy tego gatunku i Peter Klas.

Tonalna martwa natura

Na czele tonalnej holenderskiej martwej natury stanęli mieszkający w Haarlemie Pieter Klas i Willem Klas Heda.

Tradycja przedstawiania pani domu, kucharki czy służby została zachowana, choć coraz częściej schodzą one na dalszy plan. Na pierwszym planie znajdowały się przybory kuchenne oraz mięso, ryby i wiele warzyw przyniesionych do kuchni: dynia, rzepa, rutabaga, kapusta, marchew, groszek, fasola, cebula i ogórki. Bogatsi mieli na swoich stołach kalafiory, melony, karczochy i szparagi.

Pieter Cornelis van Rijk (1568-1628) malował w tradycji XVI wieku, czasem ze scenami biblijnymi w tle.

Cornelis Jacobs Delff (1571-1643) korzystał z podwyższonego punktu obserwacyjnego i lubił umieszczać przybory kuchenne na pierwszym planie.

Znany mistrz „nakrytych stołów” Floris Gerrits van Schoten malował także sceny kuchenne, czasem włączał do swoich martwych natur motywy rodzajowe.

Cornelis Pieters Begi (1631/1632 - 1664) poszedł jeszcze dalej, włączając w to satyra, który w swojej martwej naturze odwiedzał chłopów.

Malarz gatunkowy i portretowy Gottfried Schalken (1643-1706) przedstawił spiżarnię z beczkami wina i zapasami.

Grupa mistrzów gatunku krajowego, bracia Cornelis i Hermann Saftlevens (1607/1608 - 1681 i 1609-1685), Pieter de Blot (1601-1658), Hendrik Martens Sorg (1611-1670) i Eckbert van der Poel ( 1621-1664) tworzył także martwe natury „kuchenne” o tematyce gatunkowej, choć w ich malarstwie dominowały przedmioty gospodarstwa domowego.

Niedaleko dzieł malarzy gatunkowych z Rotterdamu znajdują się martwe natury słynnego mistrza „chłopskich śniadań” Philips Angel.

W przeciwieństwie do artystów, którzy przedstawiali kuchnie zamożnego mieszczanina z jego czystością i porządkiem, Francois Reykhals (po 1600 - 1647) malował kuchnie biednych chłopów.

Ponad 60 jego prac poświęconych było tematyce martwej kuchni kuchennej słynnego mistrza „luksusowych” martwych natur Willema Kalfa.

Martwa natura „Ryba”.

Haga stała się kolebką martwej natury z rybami. Bliskość Scheveningen sprzyjała artystom nie tylko pisaniu filmów o tematyce morskiej, ale także tworzeniu specjalny rodzaj malarstwo martwej natury - obrazy przedstawiające ryby i zwierzęta morskie.

Twórcami tego typu martwej natury byli: Pieter de Putter, Pieter van Scheyenborg i Pieter van Noort.

Wybrany Pieter de Putter (1600-1659). wysoka temperatura widok, z którego dobrze widać stół z rybami, czasem do martwej natury dodawana była siatka.

Pieter van Scheyenborg (? - po 1657) malował ryby na szarym lub brązowym tle.

Szczególny kolor miały obrazy Pietera van Noorta (ok. 1600 r. -?), który barwnie oddał blask łusek.

Głównym przedstawicielem tego kierunku malarstwa stał się Abraham van Beijeren (1620/1621 - 1690), który zajmował się także wieloma innymi gatunkami martwej natury, a także malował mariny. Przedstawiał ryby zarówno na stole, jak i na brzegu morza.

Być może uczniem van Beierena był Izaak van Duynen (1628 - 1677/1681).

Do mistrzów martwej natury „rybnej” można zaliczyć także pejzażystę Alberta Cuypa (1620-1691).

Mistrzowie z Utrechtu Willem Ormea (1611-1673) i jego uczeń Jacob Gillig (ok. 1630-1701) lubili martwą naturę „rybną”.

„Marność nad marnościami” (Vanitas, Memento mori, „nauczona” martwa natura)

ważne miejsce w Malarstwo holenderskie zajmował się martwą naturą filozoficzną i moralistyczną, która otrzymała łacińską nazwę „vanitas” („marność nad marnościami”).

„W ideowych podstawach tego kierunku w swoisty sposób splatają się średniowieczne idee o kruchości wszystkiego, co ziemskie, moralizujące tendencje kalwinizmu i humanistyczny ideał człowieka mądrego dążącego do prawdy i piękna”.

Najczęstszymi symbolami słabości w martwych naturach „próżności próżności” były: czaszka, zgaszona świeca, zegary, książki, instrumenty muzyczne, zwiędłe kwiaty, przewrócone lub stłuczone naczynia, karty i kości do gry, fajki, bańki mydlane, foki , globus itp. .d. Czasami artysta włączał do dzieła kartkę pergaminu z łacińskim powiedzeniem na temat „marności nad marnościami”.

Pierwszą martwą naturę z XVII wieku, która do nas dotarła, należącą do gatunku „marności nad marnościami”, napisał Jacob de Gein Młodszy.

„W górnej części niszy, na kapitelach flankujących ją pylonów, znajdują się rzeźbiarskie wizerunki kobiety i postacie męskie, a na zworniku łuku niszy wybito napis łaciński: „HUMANA VANA”, co można przetłumaczyć jako „ludzkie zamieszanie jest daremne”. To motto pozwala zrozumieć symbolikę postaci, z których pierwsza, jakby ostrzegając przed ulotnością mydlanej kuli, wskazuje ją palcem, a druga, jakby zastanawiając się nad daremnością ludzkich czynów, w zamyśleniu oparła głowę na zgiętym w łokciu ramieniu. Ważność łacińskiego powiedzenia potwierdza wizerunek czaszki – symbolu śmierci, która tłumi zarówno dobre, jak i złe uczynki ludzkie oraz bańka mydlana wyrażający tragiczny los materia naturalna, skazana na zanik w wirze bytu.

Jacob de Gijn Młodszy mieszkał w Lejdzie, mieście, w którym otwarto pierwszy holenderski uniwersytet i będącym ośrodkiem drukarstwa. To właśnie Lejda stała się centrum martwej natury „naukowców”.

Duży wpływ na rozwój martwej natury typu „marności nad marnościami” wywarła działalność lejdeńskiego malarza Davida Baileya i skupionych wokół niego mistrzów.

Jan Davids de Heem (1606-1684) był pionierem nowego gatunku martwej natury. Próbował swoich sił w różnych gatunkach: kwiat, naukowiec, martwa natura kuchenna. W 1636 roku artysta przeniósł się do Antwerpii i wpadł pod wpływy Malarstwo flamandzkie. Zaczął tworzyć luksusowe martwe natury, przeładowane jasnymi i kolorowymi owocami, homarami, papugami… Martwe natury kwiatowe również miały wyraźny ślad flamandzki, wyróżniający się barokową symfonią kolorów.

Warsztaty odbył z Janem Davidszem de Heemem duża ilość studenci i asystenci. Oprócz syna mistrza, Cornelisa de Heema, jego bezpośrednimi uczniami byli Peter de Ring, Nicholas van Gelder, Johannes Bormann, Martinus Nellius, Matthijs Naive, Jan Mortel, Simon Luttihuis, Cornelis Kick. Z kolei Kik wychował zdolnych uczniów – Eliasa van den Broeka i Jacoba van Valskapelle.

Techniki Jana Davidsa de Heema zostały dobrze opanowane przez jego syna Cornelisa de Heema (1631-1695). Jednocześnie w jego obrazach jest więcej powietrza.

Najzdolniejszym uczniem Jana Davidsza de Heema był Pieter de Ring (1615-1660). Cechą charakterystyczną jego martwych natur była nieodzowna obecność pierścienia z sygnetem, nawiązującym do nazwiska artysty (pierścień po niderlandzku - pierścionek).

Kolejnym wybitnym uczniem Jana Davidsza de Heema był Nicholas van Gelder (1623/1636 – ok. 1676), który swoje martwe natury tworzył pod wpływem Willema Kalfa.

Bardziej proste i intymne są martwe natury następców Jana Davidsza de Heema – Johannesa Bormanna i Martinusa Nelliusa (? – po 1706).

Luksusowe martwe natury tworzył także Simon Luttihuis (1610 -?), dodając do nich motywy „marności nad marnościami”.

Inny uczeń Jana Davidsza de Heema, Cornelis Kick (1631/1632 - 1681), wykorzystywał w swoich obrazach szkice plenerowe. Techniki plenerowe przekazał swoim uczniom Eliasowi van den Broekowi (1650-1708) i Jacobowi van Walskapelle (1644-1727), których martwe natury charakteryzują się subtelną transmisją medium świetlno-powietrznego.

Z warsztatu Jana Davidsza de Heem wyszli także mistrzowie martwej natury „marności nad marnościami” Maria van Oosterwijk oraz dwaj mistrzowie późnej martwej natury kwiatowej Jacob Rotius (1644 – 1681/1682) i Abraham Mignon.

W okresie pierwszych „luksusowych” martwych natur Jana Davidsza de Hema powstało także kilka prac na ten temat Francois Reykhalsa.

Pragnienie blasku jest charakterystyczne dla luksusowych martwych natur Abrahama van Beierena. Niezbędny atrybut te obrazy były zegarkami kieszonkowymi.

Jeden z nielicznych naśladowców Beyerena, Abraham Susenir, lubił przedstawiać srebrne naczynia.

Duży wpływ na artystów wywarły „luksusowe” martwe natury Willema Kalfa (1619-1693). Kalf często stosował w nich naczynia ze złota, srebra i chińskiej porcelany. Jednocześnie obrazy zostały opatrzone symbolami „marności nad marnościami”: świecznikiem i zegarkiem kieszonkowym. Kalf często wybierał format pionowy. Jego twórczość podzielona jest na okresy pobytu we Francji i powrotu do Amsterdamu. Dla późny okres charakteryzuje się zmniejszeniem liczby obiektów przedstawionych na zdjęciu i ponurym tłem.

Naśladowcami Kalfa byli Jurian van Streck, jego syn Hendrik van Streck (1659 -?), Christian Jans Streep (1634-1673) i Barent van der Meer (1659 - do 1702).

Inny naśladowca Kalfa, Peter Gerrits Rustraten (1627-1698), poszedł drogą zbliżania „luksusowych” martwych natur do „fałszywych”.

Wraz z Aalstem Matthäus Bloom jest jednym z pionierów martwej natury z trofeami myśliwskimi.

Szereg obrazów na ten temat wykonał Nicholas van Gelder (1623/1636 - ok. 1676).

Trofea myśliwskie sportretował także Melchior de Hondekuter.

Temat polowań na martwą naturę podjął słynny mistrz pejzażu Jan Baptysta Venix (1621-1660), który przedstawiał martwe sarny i łabędzie. Jego syn Jan Veniks stworzył co najmniej sto obrazów przedstawiających bite zające na tle kamiennej niszy lub pejzażu parkowego.

Kolejnym uczniem Jana Chrzciciela Weenixa był Willem Frederik van Rooyen (1645/1654 - 1742), który także wkomponował w pejzaż wizerunki zwierząt.

Zwolennikiem ceremonialnej martwej natury myśliwskiej, podobnie jak Aalst i Royen, był Dirk de Bry. Reprezentował trofea sokolnicze, rozrywkę arystokratów i zamożnych mieszczan.

Wraz z ozdobnymi płótnami „trofeów myśliwskich” rozpowszechniła się martwa natura myśliwska „komorowa”. Jan Vonk (ok. 1630 - 1660?), Cornelis Lelienberg (1626 - po 1676), uczeń Aalsta Willem Gau Ferguson (ok. 1633 - po 1695), Hendrik de Fromenthue (1633/1634 - po 1694) i Pieter Harmens Verelst (1618- 1678), a także jego syn Simon Peters Verelst (1644-1721).

Martwe natury myśliwskie „Komnatowe” tworzyli malarze zajmujący się innymi gatunkami martwej natury: Abraham Mignon, Abraham van Beyeren, Jacob Biltius. Słynny pejzażysta Salomon van Ruisdael (1600/1603 - 1670), autor „Martwej natury z grą Batten” (1661) i „Trofea myśliwskie” (1662) oraz malarz gatunkowy, uczeń Adriana van Ostade, Cornelisa Dusarta (1660- 1704) oddał hołd martwej naturze myśliwskiej.

Martwa natura ze zwierzętami

Założycielami gatunku byli Otto Marseus van Skrik (1619/1620 - 1678) i Matthias Vythos (1627-1703).

Skrik założył na swojej posiadłości terrarium z owadami, pająkami, wężami i innymi zwierzętami, które przedstawiał na swoich obrazach. Lubił tworzyć złożone kompozycje z egzotycznymi roślinami i zwierzętami, wprowadzając do nich wydźwięk filozoficzny. Na przykład na drezdeńskim obrazie „Wąż w ptasim gnieździe” motyle zbierają nektar z kwiatów, drozd łapie motyle i karmi je pisklęciem, kolejne pisklę połyka wąż ścigany przez gronostaja.

Withhos wolał przedstawiać osty i inne rośliny na pierwszym planie obrazów, wśród których pełzają węże, jaszczurki, pająki i owady. Jako tło przedstawił włoski krajobraz, wspomnienie podróży do Włoch.

Christian Jans Streep namalował osty i krety na wzór Krzyku.

Abraham de Hoes bardzo starannie i blisko natury przedstawił różne rodzaje kretów, jaszczurek, węży i motyli.

Właścicielem kilku płócien przedstawiających zwierzęta jest Willem van Aelst. Jego uczennica Rahel Reusch rozpoczęła karierę twórczą od naśladowania Skrika, ale potem wypracowała własny styl, który charakteryzuje się wizerunkiem małych żywych stworzeń na tle złotego krajobrazu.

Pieter Klass „Śniadanie z szynką” 1647

Eksperci twierdzą, że każda martwa natura ma swoje ukryte znaczenie, które było zrozumiałe dla współczesnych. I możemy się tylko domyślać, co i komu artysta chciał powiedzieć.

G Holenderska martwa natura z XVII wieku charakteryzuje się wąską specjalizacją holenderskich mistrzów w obrębie gatunku. Temat „Kwiaty i owoce” obejmuje z reguły różnorodne owady. „Trofea myśliwskie” to przede wszystkim trofea myśliwskie – martwe ptaki i zwierzyna łowna. „Śniadania” i „Desery”, a także wizerunki ryb – żywych i śpiących, rozmaitych ptaków – to tylko część najsłynniejszych motywów martwych natur.

W sumie te odrębne wątki charakteryzują żywe zainteresowanie Holendrów wątkami życia codziennego, ich ulubionymi rozrywkami i zamiłowaniem do egzotyki odległych krain (w kompozycjach obecne są dziwaczne muszle i owoce). Często w pracach o motywach „żywej” i „martwej” natury kładzie się symboliczny podtekst, który jest łatwo zrozumiały dla wykształconego widza XVII wieku.

Holenderskie martwe natury przyciągają przede wszystkim artystyczną wyrazistością, kompletnością i umiejętnością ukazywania życia duchowego obiektywnego świata.

W przeciwieństwie do Flamandów, którzy preferują obrazy wielkoformatowe z dużą ilością wszelkiego rodzaju obiektów, malarze holenderscy ograniczają się do kilku obiektów kontemplacji, dążąc do ostatecznej jedności kompozycyjnej i kolorystycznej. Martwa natura („Stilleven” – po niderlandzku „ciche życie”) to osobliwa i dość popularna gałąź malarstwa holenderskiego.