Na jakie rodzaje sztuki dzielimy się? Pojęcie obrazu artystycznego w sztuce

Definiując sztukę jako pojedyncze zjawisko, należy pamiętać, że taka „sztuka w ogóle” jest abstrakcją, abstrakcją. W praktyce istnieją różne rodzaje sztuki, z których każda ma swoją specyfikę, stawia specjalne zadania i ma własne środki do ich rozwiązania. Dystrybucja dzieł sztuki według nich wspólne cechy zwaną klasyfikacją sztuk. Klasyfikacja pozwala lepiej zrozumieć postać osobna praca należący do tego czy innego typu.

Po pierwsze, sztukę tradycyjnie dzieli się ze względu na sposób, w jaki „istnieje” i w jaki sposób jest postrzegana tymczasowy I przestrzenny . Sztuki temporalne wyróżniają się tym, że dzieła rozwijają się i są postrzegane w czasie. W tym przypadku dzieło sztuki często okazuje się nierozerwalnie związane z osobą: autorem lub wykonawcą. Sztuki tymczasowe obejmują sztukę mowy lub poezji, taniec, muzykę i kino. Przestrzenne - malarstwo, grafika, rzeźba, architektura, sztuka użytkowa, design. Teatr zajmuje miejsce pośrednie – spektakl umiejscowiony jest w określonej przestrzeni, lecz akcja rozgrywa się w czasie. Najczęściej teatr nazywany jest sztuką syntetyczną, gdyż (podobnie jak kino) łączy i syntetyzuje osiągnięcia różne sztuki- poezja, muzyka, malarstwo.

Należy zaznaczyć, że ze względu na różnorodność i złożoność form sztuki ścisłe ich rozróżnienie według określonych kryteriów okazuje się praktycznie niemożliwe, można jedynie mówić o dominacji określonych środków wyrazu, form i metod. Zatem taniec, pantomima, teatr i kino nie w pełni mieszczą się w klasyfikacji czasoprzestrzennej. Element konwencji wpisany jest także w inną zasadę podziału sztuk, polegającą na dominacji figuratywności lub wyrazistości w arsenale środków artystycznych.

Do sztuk pięknych zalicza się bezwarunkowo malarstwo, grafikę i rzeźbę. Jedną z kluczowych zasad tworzenia obrazów jest zasada naśladowania - mimesis. Obrazy konstruowane są na podobieństwo rzeczywistych obiektów lub zjawisk, są rozpoznawalne i przeznaczone do percepcji wzrokowej. Obraz stworzony przez artystę zdaje się odsyłać widza do jego źródła – Zrobię prototyp Lub prototyp . Jednocześnie mentalna korelacja obrazu i prototypu, sztuki i rzeczywistości często wpływa na estetyczną ocenę dzieła sztuki - patrząc na obraz, mimowolnie „porównujemy” go z własnymi wyobrażeniami na temat przedstawianych zjawisk. Ten moment rozpoznania, łączący nasze doświadczenie z obrazem artystycznym, umożliwia kontakt artysty z widzem. Jednocześnie nawyk oglądania w sztuce jedynie tego, co znane i rozpoznawalne, stwarza czasem barierę pomiędzy widzem a dziełem należącym do minionej epoki lub należący do kultury z innym systemem wartości niż nasz. Nowoczesną sztukę piękną (od końca XIX w.) cechuje tendencja do ekspresyjności. Skrajnym przejawem tego trendu jest sztuka nieobiektywna, który rozkwitł w latach dwudziestych ubiegłego wieku. Twórczość artystów awangardowych tej epoki, ze względu na sposób tworzenia i zastosowaną technikę, zaliczana była do sztuk pięknych, a ze względu na charakter obrazów i wyraziste środki– do wyrazistych. Można powiedzieć, że ekspresja była obecna w malarstwie, rzeźbie i grafice od zawsze, jednak w XX wieku została „wydobyta na powierzchnię”.

Sztuki ekspresyjne obejmują muzykę, taniec i architekturę. Obrazy tworzone przez te sztuki nie mają bezpośrednich prototypów wśród otaczających je przedmiotów czy zjawisk, mogą jedynie budzić pewne skojarzenia. Dzieła muzyki i architektury powstają nie w oparciu o obserwację konkretnych zjawisk, ale w oparciu o „totalne” wrażenia rzeczywistości, które artysta czerpie ze swojego wewnętrznego świata. Można powiedzieć, że te sztuki też tworzą obrazy, ale abstrakcyjne. Dzieła wyrażające przede wszystkim stan wewnętrzny autora, z całą jego „niejasnością”, czasami wywierają głębokie oddziaływanie. wpływ psychologiczny. Przede wszystkim dotyczy to muzyki – żadna inna sztuka nie jest w stanie z taką siłą wpłynąć na nastrój i uczucia człowieka. To nie przypadek, że w wielu kulturach zajęcia muzyczne uważano za sposób na uporządkowanie i zharmonizowanie duszy. Taniec także potrafi urzekać widza i zarażać go określonym nastrojem, choć tutaj zakres oddziaływania jest nieco węższy. Dlatego z reguły potrzebuje akompaniament muzyczny. Architektura ma inny wpływ. Obrazy architektoniczne są statyczne i najczęściej wymagają długotrwałego badania i odczuwania. Jednak wrażenie architektury czasami okazuje się głębsze - długi pobyt człowieka w określonym środowisku architektonicznym może wpłynąć na jego stan wewnętrzny, tworząc nastrój psychiczny.

Poezja, teatr, kino zajmują pozycję pośrednią - ekspresja i figuratywność są im w równym stopniu nieodłączne. Połączenie to ułatwia zestawienie na scenie lub ekranie osiągnięć innych sztuk. Syntetyczny charakter teatru i kina nie polega jednak tylko na tym. Specyficznym środkiem oddziaływania jest tu gra aktorska, która łączy w sobie także figuratywność (aktor portretuje, „pokazuje” postać) i ekspresję (różne uczucia wyrażane są poprzez mimikę, głos i ruch). Aktorstwo to „niezbędne minimum” akcji teatralnej, bez której nie może ona mieć miejsca.

Sytuacja jest nieco bardziej skomplikowana w przypadku poezji lub sztuka werbalna. Główną cechą poezji jest jej szczególny materiał – słowo. Słowo ma wielostronne oddziaływanie: niesie treść ideologiczna– myśli, tworzy widzialne obrazy – obrazy, ma wyrazistą „fizyczność” – fonem. Idealnie każde słowo tekst poetycki(a poezja jest jakby „idealnym przykładem” literatury) harmonijnie łączy znaczenie, obraz i melodię.

Krótkie zapoznanie się z rodzajami sztuki pozwala docenić różnorodność sfery twórczości artystycznej - muzyka i taniec, teatr i architektura ujawniają się na swój sposób wewnętrzny świat istoty ludzkie, charakteryzują czas ich powstania, kulturę danej epoki. Jednak przy historycznym podejściu do badań nad kulturą artystyczną pierwszeństwo mają z reguły sztuki piękne, stosowane i architektura. Powodem tej preferencji jest przede wszystkim fakt, że dzieła przestrzenne potrafią długo przetrwać czas swego powstania. Przedstawienia teatralne starożytności, muzyka Starożytne Chiny znane jedynie z opisów. Na podstawie danych etnograficznych możemy się domyślić, jak wyglądały tańce ludzi epoki paleolitu, a tuż przed naszymi oczami pojawiają się pomniki sztuki przechowujące ciepło rąk naszych odległych przodków. Dzięki zachowanym dziełom architektury, malarstwa i rzeźby możemy zobaczyć pozostałości starożytnych miast, twarze wielkich ludzi przeszłości, możemy sobie wyobrazić, czym zachwycali się i do czego dążyli przedstawiciele dawnych kultur.

Znaczące jest również to, że postrzeganie sztuk przestrzennych nie wymaga znacznych inwestycji czasu, a znajomość zabytków sztuki pozwala szybko zorientować się w wyglądzie kulturowym epoki. Nowoczesna technologia drukowanie i cyfrowe przetwarzanie informacji wizualnych pozwala zobaczyć słynne arcydzieła malarstwa przy minimalnym zniekształceniu kolorów. Nieco bardziej skomplikowana sytuacja jest w przypadku trójwymiarowych sztuk przestrzennych – rzeźby i architektury. Ich pełne postrzeganie wymaga zmiany punktu widzenia. Jednak i tutaj wykorzystanie kilku fotografii pozwala zorientować się w intencji artysty i jej ucieleśnieniu w materiale.

Trudność w odbiorze dzieł sztuki i architektury w porównaniu z poezją polega na tym, że posługują się one własnym, konwencjonalnym językiem – językiem linii, koloru, objętości, którego zrozumienie wymaga pewnego przygotowania. Jednak ta „wada” sztuk wizualnych ma też swoją pozytywną stronę – dzieła architektury, pomniki sztuki użytkowej, malarstwo, w odróżnieniu od dzieł literatury, nie potrzebują tłumaczeń, ich potoczny język jest międzynarodowy, w pewnym stopniu przekracza bariery, łącząc epoki, kraje i cywilizacje. Epokę prehistoryczną lub starożytne kultury, których pisma nie można odczytać, znamy dzięki zachowanym artefaktom, z których najbardziej pouczające dla kulturoznawcy są pomniki sztuki.

Badając sztukę światową, będziemy także opierać się przede wszystkim na zabytkach architektury, rzeźby i malarstwa, jeśli to możliwe i w niezbędnym zakresie, uzupełniając ich rozważania przykładami z historii muzyki, teatru i literatury.

Zanim jednak przejdziemy do historycznych rozważań nad kulturą artystyczną, należy zapoznać się ze specyficznym językiem sztuki plastycznej, a także z przyjętym w niej podziałem na typy i gatunki. Informacje te podsumowano w Tabeli 1 poniżej.

Tabela 1

Rodzaje i gatunki sztuk pięknych.

Malarze i rzeźbiarze, projektanci i architekci – wszyscy ci ludzie każdego dnia wnoszą do naszego życia piękno i harmonię. Dzięki nim oglądamy posągi w muzeach i podziwiamy obrazy, jesteśmy zachwyceni pięknem starożytnych budowli. Nowoczesny sztuka zadziwia nas, klasyka daje do myślenia. Ale w każdym razie twory ludzkie otaczają nas wszędzie. Dlatego warto zrozumieć ten problem.

Rodzaje sztuk pięknych

Sztuka piękna jest przestrzenna. Oznacza to, że ma obiektywną formę, która nie zmienia się w czasie. I właśnie po wyglądzie tej formy rozróżnia się rodzaje sztuk pięknych.

Można je podzielić na kilka kategorii. Na przykład do czasu pojawienia się. Do XIX wieku za główne uważano tylko trzy typy: rzeźbę, malarstwo i architekturę. Ale historia sztuk pięknych rozwinęła się, a wkrótce dołączyła do nich grafika. Później pojawiły się inne: sztuka i rzemiosło, dekoracja teatralna, projektowanie i inne.

Dziś nie ma zgody co do tego, jakie rodzaje sztuk pięknych należy wyróżnić. Ale jest kilka podstawowych, których istnienie nie budzi żadnych kontrowersji.

Obraz

Rysunek to rodzaj sztuki plastycznej, w której obrazy są przekazywane za pomocą farb. Nakłada się je na twardą powierzchnię: płótno, szkło, papier, kamień i wiele innych.

Używany do malowania różne kolory. Mogą być olejne i akwarelowe, silikatowe i ceramiczne. Jednocześnie jest malowanie woskiem, malowanie emalią i inne. Zależy to od tego, jakie substancje zostaną nałożone na powierzchnię i jak zostaną tam utrwalone.

W malarstwie można wyróżnić dwa kierunki: sztalugowy i monumentalny. Pierwsza łączy wszystkie prace, które powstały na różnych płótnach. Jej nazwa pochodzi od słowa „maszyna”, co oznacza sztalugi. Ale malarstwo monumentalne to sztuka piękna reprodukowana na różnych konstrukcjach architektonicznych. Są to wszelkiego rodzaju świątynie, zamki, kościoły.

Architektura

Budownictwo to monumentalna forma sztuki, której celem jest wznoszenie budynków. Jest to praktycznie jedyna kategoria, która ma nie tylko walory estetyczne, ale pełni także funkcje praktyczne. W końcu architektura obejmuje budowę budynków i budowli służących do życia i działalności ludzi.

Nie odtwarza rzeczywistości, ale wyraża pragnienia i potrzeby ludzkości. Dlatego też najlepiej prześledzić w nim historię sztuk pięknych. W Inne czasy Sposób życia i wyobrażenia o pięknie były bardzo różne. Z tego powodu architektura umożliwia prześledzenie lotu ludzkiej myśli.

Gatunek ten charakteryzuje się także wysokim stopniem zależności od środowisko. Na przykład w formularzu konstrukcje architektoniczne pod wpływem klimatu i warunki geograficzne, charakter krajobrazu i wiele więcej.

Rzeźba

To starożytna sztuka piękna, której próbki mają trójwymiarowy wygląd. Wykonuje się je metodą odlewania, dłutowania, ciosania.

Do wykonywania rzeźb używa się głównie kamienia, brązu, drewna czy marmuru. Ale w Ostatnio Nie mniej popularne stały się beton, plastik i inne sztuczne materiały.

Rzeźba ma dwie główne odmiany. Może być okrągły lub wytłaczany. W tym przypadku drugi typ dzieli się na wysoki, niski i wpuszczany.

Podobnie jak w malarstwie, tak i w rzeźbie istnieją kierunki monumentalne i sztalugowe. Ale przedmioty dekoracyjne są również rozróżniane osobno. Monumentalne rzeźby w formie pomników zdobią ulice i zaznaczają ważne miejsca. Sztalugi służą do dekoracji pomieszczeń od wewnątrz. A dekoracyjne, niczym małe plastikowe przedmioty, ozdabiają życie codzienne.

Grafika

Jest to dekoracyjna sztuka plastyczna składająca się z rysunków i drukowanych obrazów artystycznych. Grafika różni się od malarstwa zastosowanymi materiałami, technikami i formami. Do tworzenia rycin lub litografii wykorzystuje się specjalne maszyny i urządzenia do drukowania obrazów. A rysunki są wykonane tuszem, ołówkiem i innymi podobnymi materiałami, które umożliwiają odtworzenie kształtów obiektów i ich oświetlenia.

Grafiki mogą być sztalugowe, książkowe i użytkowe. Pierwsza powstaje dzięki specjalne urządzenia. Są to ryciny, rysunki, szkice. Drugi zdobi strony książek lub ich okładki. A trzeci to wszelkiego rodzaju etykiety, opakowania, marki.

Rozważane są pierwsze dzieła graficzne rysunki jaskini. Ale jej największym osiągnięciem jest malowanie waz w starożytnej Grecji.

Sztuka i rzemiosło

To szczególny rodzaj działalność twórcza, która polega na tworzeniu różnorodnych artykułów gospodarstwa domowego. Zaspokajają nasze potrzeby estetyczne i często pełnią funkcje użytkowe. Co więcej, były one wcześniej wykonywane właśnie ze względów praktycznych.

Nie każda wystawa dzieł sztuki może pochwalić się obecnością przedmiotów dekoracyjnych i użytkowych, ale każdy dom je ma. Należą do nich biżuteria i ceramika, malowane szkło, przedmioty haftowane i wiele innych.

Sztuka piękna i użytkowa odzwierciedla przede wszystkim charakter narodowy. Faktem jest, że jego ważnym elementem jest sztuka i rzemiosło ludowe. A one z kolei opierają się na zwyczajach, tradycjach, wierzeniach i sposobie życia ludzi.

Od sztuki teatralnej i dekoracyjnej po projektowanie

Na przestrzeni dziejów pojawiało się coraz więcej nowych rodzajów sztuk pięknych. Wraz z powstaniem pierwszej świątyni Melpomene powstała sztuka teatralna i dekoracyjna, która polega na wykonywaniu rekwizytów, kostiumów, scenografii, a nawet makijażu.

A design, jako jeden z rodzajów sztuki, choć pojawił się w czasach starożytnych, dopiero niedawno został wyodrębniony do osobnej kategorii, mającej swoje własne prawa, techniki i cechy.

Gatunki sztuk pięknych

Każda praca powstała spod pióra, młotka czy ołówka mistrza poświęcona jest konkretnemu tematowi. Przecież tworząc go, twórca chciał przekazać swoje myśli, uczucia, a nawet fabułę. To właśnie dzięki tym cechom rozróżnia się gatunki sztuk pięknych.

Po raz pierwszy o jakiejkolwiek systematyzacji ogromnej ilości dziedzictwa kulturowego pomyślano w Holandii w XVI wieku. W tym czasie wyróżniono tylko dwie kategorie: gatunki wysokie i niskie. Do pierwszego zaliczało się wszystko, co przyczyniło się do duchowego wzbogacenia człowieka. Były to dzieła poświęcone mitom, religii, wydarzenia historyczne. A po drugie – sprawy związane z życiem codziennym. To ludzie, przedmioty, przyroda.

Gatunki są formami ukazywania życia w sztukach wizualnych. A one zmieniają się wraz z nim, rozwijają i ewoluują. Mijają całe epoki sztuk pięknych, zanim pewne gatunki się nabiorą nowe znaczenie, inni umierają, inni się rodzą. Ale jest kilka głównych, które przetrwały stulecia i nadal istnieją z powodzeniem.

Historia i mitologia

DO wysokie gatunki Renesans obejmował historię i mitologię. Uważano, że nie są do tego przeznaczone zwykły człowiek, ale dla osoby o wysokim poziomie kultury.

Gatunek historyczny jest jednym z głównych w sztukach plastycznych. Jego zadaniem jest odtworzenie wydarzeń z przeszłości i teraźniejszości, które mają ogromne znaczenie dla narodu, kraju lub jednostki osada. Jej fundamenty zostały położone już w starożytnym Egipcie. Ale w pełni ukształtował się już we Włoszech, w okresie renesansu, w dziełach Uccello.

Gatunek mitologiczny obejmuje dzieła sztuki odzwierciedlające tematy legendarne. Już w środku starożytna sztuka jego pierwsze przykłady pojawiły się, gdy eposy stały się powszechne pouczające historie. Ale najbardziej znane są dzieła renesansu. Na przykład freski Rafaela lub obrazy Botticellego.

Tematem dzieł sztuki z gatunku religijnego są różne epizody z Ewangelii, Biblii i innych. podobne książki. W malarstwie jego słynnymi mistrzami byli Rafael i Michał Anioł. Ale gatunek ten znalazł także odzwierciedlenie w rycinach, rzeźbie, a nawet architekturze, biorąc pod uwagę budowę świątyń i kościołów.

Wojna i życie

Przedstawianie wojny w sztuce zaczęło się już w starożytności. Ale temat ten był aktywnie rozwijany w XVI wieku. Wszelkiego rodzaju kampanie, bitwy i zwycięstwa znalazły wyraz w rzeźbach, obrazach, rycinach i gobelinach tamtych czasów. Dzieła sztuki na ten temat nazywane są gatunkiem bitewnym. Samo słowo ma francuskie korzenie i jest tłumaczone jako „wojna”. Artyści malujący takie obrazy nazywani są malarzami bitewnymi.

Dla kontrastu jest gatunek codzienny w sztukach pięknych. Reprezentuje dzieła odzwierciedlające życie codzienne. Trudno prześledzić historię tego trendu, ponieważ gdy tylko człowiek nauczył się posługiwać narzędziami, zaczął uwieczniać swoją trudną codzienność. Gatunek codzienny w sztuce pozwala zapoznać się z wydarzeniami, które miały miejsce tysiące lat temu.

Ludzie i przyroda

Portret to wizerunek osoby w sztuce. To jeden z najstarszych gatunków. Co ciekawe, pierwotnie miał znaczenie kultowe. Portrety utożsamiano z duszą zmarłej osoby. Ale rozwinęła się kultura sztuk pięknych, a dziś ten gatunek pozwala nam oglądać wizerunki ludzi z minionych epok. Co daje wyobrażenie o ubiorze, modzie i gustach tamtych czasów.

Krajobraz to gatunek sztuki, w którym głównym tematem jest natura. Pochodzi z Holandii. Ale samo malarstwo pejzażowe jest bardzo różnorodne. Może wyświetlać zarówno prawdziwe, jak i fantastyczna przyroda. W zależności od rodzaju obrazu wyróżnia się krajobrazy wiejskie i miejskie. Ten ostatni obejmuje takie podgatunki, jak przemysł i weduta. Ponadto mówią o istnieniu krajobrazów panoramicznych i kameralnych.

Wyróżnia się także gatunek zwierzęcy. Są to dzieła sztuki przedstawiające zwierzęta.

Motyw morski

Pejzaże morskie reprezentują przede wszystkim wczesne Malarstwo holenderskie. Sztuka piękna tego kraju dała początek gatunkowi marin. Charakteryzuje się odbiciami morza we wszystkich formach. Artyści morscy malują kipiące elementy i spokojne tafle wody, hałaśliwe bitwy i samotne żaglówki. Pierwszy obraz tego gatunku pochodzi z XVI wieku. Na nim Cornelis Antonis przedstawił flotę portugalską.

Choć marina to raczej gatunek malarstwa, motywy wodne można odnaleźć nie tylko na obrazach. Na przykład sztuka dekoracyjna często wykorzystuje elementy pejzaży morskich. Mogą to być gobeliny, biżuteria, ryciny.

Rzeczy

Martwa natura to przede wszystkim także gatunek malarstwa. Jego nazwa została przetłumaczona z francuskiego jako „martwa natura”. W rzeczywistości bohaterami martwych natur są różne przedmioty nieożywione. Zwykle są to przedmioty codziennego użytku, a także warzywa, owoce i kwiaty.

Główną cechę martwej natury można uznać za jej pozorną bezmyślność. Jednak to gatunek filozoficzny, który przez cały czas odzwierciedlał powiązania między człowiekiem a światem zewnętrznym.

Prototypy martwych natur można znaleźć m.in monumentalne malarstwo Pompeje. Później ten gatunek stał się częścią innych obrazów. Na przykład obrazy religijne. Jednak nazwa, która się za nim kryje, powstała dopiero w XVI wieku.

Sztuka piękna to sposób rozumienia rzeczywistości i miejsca w niej człowieka. Pozwala na odtworzenie rzeczywistości za pomocą różnych obrazów wizualnych. Dzieła tej sztuki znajdują miejsce nie tylko w muzeach czy na wystawach, ale także na ulicach miast, w domach i bibliotekach, w książkach, a nawet kopertach. Są wszędzie wokół nas. A jedyne, co możemy zrobić, to nauczyć się doceniać, rozumieć i chronić niesamowite dziedzictwo, które odziedziczyliśmy od wielkich mistrzów minionych epok.

Koncepcja sztuki

Słowo " sztuka" zarówno w języku rosyjskim, jak i w wielu innych językach jest używany w dwóch znaczeniach:

• V wąski w pewnym sensie jest to specyficzna forma praktyczno-duchowego poznawania świata;
• V szeroki- najwyższy poziom umiejętności, umiejętności, niezależnie od tego, w jaki sposób się one manifestują (sztuka pieca, lekarza, piekarza itp.).

- szczególny podsystem duchowej sfery życia społecznego, jakim jest twórcze odtwarzanie rzeczywistości w obrazach artystycznych.

Początkowo sztukę nazywano wysokim stopniem mistrzostwa w jakiejkolwiek materii. To znaczenie tego słowa jest nadal obecne w języku, gdy mówimy o sztuce lekarza lub nauczyciela, o sztuce walki lub oratorium. Później coraz częściej zaczęto używać pojęcia „sztuka” do określenia specjalnych działań mających na celu odzwierciedlenie i przekształcanie świata zgodnie z standardy estetyczne, tj. zgodnie z prawami piękna. Jednocześnie zachowano pierwotne znaczenie tego słowa, ponieważ do stworzenia czegoś pięknego wymagane są najwyższe umiejętności.

Temat sztuka to świat i człowiek w całokształcie ich wzajemnych relacji.

Forma istnienia sztuka - dzieło sztuki (wiersz, malarstwo, performance, film itp.).

Sztuka również używa specjalnego oznacza dla reprodukcja realnej rzeczywistości: dla literatury jest to słowo, dla muzyki – dźwięk, dla sztuk pięknych – kolor, dla rzeźby – objętość.

Cel sztuka jest podwójna: dla twórcy jest ekspresja artystyczna, dla widza - rozkoszowanie się pięknem. Ogólnie rzecz biorąc, piękno jest tak blisko związane ze sztuką, jak prawda z nauką, a dobro z moralnością.

Sztuka jest ważnym składnikiem kultury duchowej ludzkości, formą poznania i refleksji nad otaczającą człowieka rzeczywistością. Pod względem potencjału rozumienia i przekształcania rzeczywistości sztuka nie ustępuje nauce. Różne są jednak sposoby rozumienia świata przez naukę i sztukę: jeśli nauka posługuje się w tym celu ścisłymi i jednoznacznymi pojęciami, to robi to sztuka.

Sztuka, jako samodzielna gałąź produkcji duchowej, wyrosła z produkcji materialnej i początkowo została w nią wpleciona jako moment estetyczny, ale czysto użytkowy. Jest z natury artystą i stara się w ten czy inny sposób wprowadzać piękno wszędzie. Działalność estetyczna człowieka nieustannie objawia się w życiu codziennym, życie publiczne i nie tylko w sztuce. Wydarzenie estetyczne poznawanie świata osobą społeczną.

Funkcje sztuki

Sztuka wykonuje serię funkcje publiczne.

Funkcje sztuki można wyróżnić, podsumowując to, co zostało powiedziane:

• funkcja estetyczna pozwala odtworzyć rzeczywistość zgodnie z prawami piękna, kształtuje gust estetyczny;
• funkcja społeczna przejawia się w tym, że sztuka oddziałuje ideologicznie na społeczeństwo, przekształcając tym samym rzeczywistość społeczną;
• funkcje kompensacyjne pozwala przywrócić równowagę psychiczną, rozwiązać problemy psychologiczne, aby na chwilę „odskoczyć” od szarej codzienności, zrekompensować brak piękna i harmonii w codzienności;
• funkcja hedoniczna odzwierciedla zdolność sztuki do sprawiania przyjemności człowiekowi;
• funkcja poznawcza pozwala zrozumieć rzeczywistość i analizować ją za pomocą obrazów artystycznych;
• funkcja prognostyczna odzwierciedla zdolność sztuki do prognozowania i przewidywania przyszłości;
• funkcję edukacyjną przejawia się w zdolności dzieł sztuki do kształtowania osobowości człowieka.

Funkcja poznawcza

Przede wszystkim to edukacyjny funkcjonować. Dzieła sztuki są cennym źródłem informacji o złożonych procesach społecznych.

Oczywiście nie wszystko w otaczającym nas świecie interesuje się sztuką, a jeśli tak, to w różnym stopniu, a samo podejście sztuki do przedmiotu jej poznania, perspektywa jej widzenia jest bardzo specyficzna w porównaniu z innymi formy świadomość społeczna. Głównym przedmiotem wiedzy w sztuce zawsze był i pozostaje. Dlatego sztuka w ogóle i w szczególności fikcja zwane studiami ludzkimi.

Funkcja edukacyjna

Edukacyjny funkcja - zdolność do wywierania istotnego wpływu na światopogląd ideowy formacja moralna osoby, samodoskonalenia lub upadku.

Jednak funkcje poznawcze i edukacyjne nie są specyficzne dla sztuki: inne formy świadomości społecznej również pełnią te funkcje.

Funkcja estetyczna

Specyficzną funkcją sztuki, która czyni ją sztuką w prawdziwym znaczeniu tego słowa, jest jej estetyka funkcjonować.

Postrzegając i rozumiejąc dzieło sztuki, nie tylko przyswajamy jego treść (podobnie jak treść fizyki, biologii, matematyki), ale przekazujemy tę treść przez serce, emocje i nadajemy zmysłowo specyficznym obrazom stworzonym przez artystę ocenę estetyczną jako piękny lub brzydki, wzniosły lub podły, tragiczny lub komiczny. Sztuka kształtuje w nas umiejętność dokonywania takich ocen estetycznych, odróżniania tego, co naprawdę piękne i wzniosłe, od wszelkiego rodzaju namiastek.

Funkcja hedoniczna

W sztuce elementy poznawcze, edukacyjne i estetyczne łączą się w jedno. Dzięki chwili estetycznej cieszymy się treścią dzieła sztuki i to w procesie rozkoszowania jesteśmy oświeceni i wykształceni. W związku z tym mówią o hedonistyczny(przetłumaczone z greckiego - przyjemność) Funkcje sztuka.

Wiele wieków w społeczno-filozoficznym i literatura estetyczna Trwa debata na temat związku piękna w sztuce z rzeczywistością. W tym przypadku ujawniają się dwa główne stanowiska. Według jednego z nich (w Rosji wspierał go N.G. Czernyszewski) piękno w życiu jest zawsze i pod każdym względem wyższe niż piękno w sztuce. Sztuka jawi się w tym przypadku jako kopia typowych postaci i przedmiotów samej rzeczywistości oraz jako jej namiastka. Oczywiście preferowana jest koncepcja alternatywna (G.V.F. Hegel, A.I. Herzen i in.): piękno w sztuce jest wyższe niż piękno w życiu, ponieważ artysta widzi dokładniej i głębiej, czuje się silniejszy i jaśniejszy i dlatego może inspirować swoją sztuką innych. W przeciwnym razie (będąc substytutem lub wręcz duplikatem) sztuka nie byłaby społeczeństwu potrzebna.

Dzieła sztuki, będąc obiektywnym ucieleśnieniem ludzkiego geniuszu, stają się najważniejszymi wartościami duchowymi i przekazywanymi z pokolenia na pokolenie, własnością społeczeństwa estetycznego. Opanowanie kultury, edukacja estetyczna niemożliwe bez zapoznania się z art. Dzieła sztuki minionych wieków utrwalają duchowy świat tysięcy pokoleń, bez opanowania którego człowiek nie może stać się osobą w prawdziwym tego słowa znaczeniu. Każdy człowiek jest swego rodzaju pomostem pomiędzy przeszłością a przyszłością. Musi opanować to, co pozostawiło mu poprzednie pokolenie, twórczo zrozumieć swoje duchowe doświadczenia, zrozumieć swoje myśli, uczucia, radości i cierpienia, wzloty i upadki, a wszystko to przekazać swoim potomkom. Tylko w ten sposób biegnie historia, a w tym ruchu wielka armia należy do sztuki, która wyraża złożoność i bogactwo duchowego świata człowieka.

Rodzaje sztuki

Pierwotna forma sztuki była szczególna synkretyczny(niezróżnicowany) kompleks działalności twórczej. Dla prymitywny człowiek nie było odrębnej muzyki, literatury czy teatru. Wszystko połączyło się w jedną rytualną akcję. Z tego synkretycznego działania zaczęły wyłaniać się później odrębne rodzaje sztuki.

Rodzaje sztuki- są to ugruntowane historycznie formy artystycznej refleksji nad światem, wykorzystujące specjalne środki do budowania obrazu - dźwięk, kolor, ruch ciała, słowa itp. Każdy rodzaj sztuki ma swoje szczególne odmiany - rodzaje i gatunki, które razem zapewniają różnorodność postawa artystyczna do rzeczywistości. Rozważmy krótko główne rodzaje sztuki i niektóre ich odmiany.

Literatura wykorzystuje środki werbalne i pisemne do budowania obrazów. Istnieją trzy główne rodzaje literatury - dramat, poezja epicka i liryczna oraz liczne gatunki - tragedia, komedia, powieść, opowiadanie, wiersz, elegia, opowiadanie, esej, felieton itp.

Muzyka używa środków dźwiękowych. Muzykę dzielimy na wokalną (przeznaczoną do śpiewania) i instrumentalną. Gatunki muzyczne - opera, symfonia, uwertura, suita, romans, sonata itp.

Taniec wykorzystuje ruchy plastyczne do konstruowania obrazów. Są rytualne, ludowe, balowe,

taniec nowoczesny, balet. Kierunki i style tańca - walc, tango, fokstrot, samba, polonez itp.

Obraz przedstawia rzeczywistość na płaszczyźnie za pomocą koloru. Gatunki malarstwa - portret, martwa natura, pejzaż, a także codzienne, zwierzęce (przedstawienie zwierząt), gatunki historyczne.

Architektura tworzy środowisko przestrzenne w postaci budowli i budynków służących życiu człowieka. Dzieli się na mieszkalne, publiczne, ogrodnicze, przemysłowe itp. Również wyróżniony style architektoniczne- gotyk, barok, rokoko, secesja, klasycyzm itp.

Rzeźba tworzy dzieła sztuki posiadające objętość i trójwymiarowy kształt. Rzeźba może być okrągła (popiersie, posąg) i reliefowa (obraz wypukły). Według wielkości dzieli się na sztalugowe, dekoracyjne i monumentalne.

Sztuka i rzemiosło związane ze stosowanymi potrzebami. To zawiera obiekty artystyczne które można wykorzystać w życiu codziennym - naczynia, tkaniny, narzędzia, meble, odzież, biżuterię itp.

Teatr organizuje specjalny występ sceniczny poprzez występ aktorów. Teatr może być dramatyczny, operowy, lalkowy itp.

Cyrk prezentuje spektakularny i zabawny występ z niezwykłymi, ryzykownymi i zabawnymi liczbami na specjalnej arenie. Są to akrobatyka, balansowanie, gimnastyka, jazda konna, żonglerka, sztuczki magiczne, pantomima, klaunowanie, tresura zwierząt itp.

Film to rozwój spektakli teatralnych w oparciu o nowoczesne techniczne środki audiowizualne. Rodzaje kina obejmują filmy fabularne, dokumentalne i animowane. Gatunki obejmują komedie, dramaty, melodramaty, filmy przygodowe, kryminały, thrillery itp.

Zdjęcie rejestruje dokumentalne obrazy wizualne za pomocą środków technicznych – optycznych, chemicznych lub cyfrowych. Gatunki fotografii odpowiadają gatunkom malarstwa.

Scena obejmuje małe formy sztuk performatywnych - dramat, muzykę, choreografię, iluzje, występy cyrkowe, autorskie przedstawienia itp.

Do wymienionych typów dzieł sztuki można dodać grafikę, sztukę radiową itp.

Aby pokazać wspólne cechy różne rodzaje sztuk i ich różnic, zaproponowano różne podstawy ich klasyfikacji. Wyróżnia się zatem rodzaje sztuki:

• według liczby zastosowanych środków - prostych (malarstwo, rzeźba, poezja, muzyka) i złożonych lub syntetycznych (balet, teatr, kino);
• w zakresie relacji dzieła sztuki do rzeczywistości – malarskiej, przedstawiającej rzeczywistość, jej kopiowaniu (malarstwo realistyczne, rzeźba, fotografia) i ekspresyjnej, gdzie fantazja i wyobraźnia artysty tworzą nową rzeczywistość (ornament, muzyka);
• w odniesieniu do przestrzeni i czasu - przestrzenny (sztuki plastyczne, rzeźba, architektura), czasowy (literatura, muzyka) i przestrzenno-czasowy (teatr, kino);
• według czasu powstania - tradycyjne (poezja, taniec, muzyka) i nowe (fotografia, kino, telewizja, wideo), zwykle wykorzystujące dość skomplikowane środki techniczne do budowania wizerunku;
• według stopnia przydatności w życiu codziennym - stosowane (sztuka dekoracyjna i użytkowa) i piękne (muzyka, taniec).

Każdy typ, rodzaj lub gatunek odzwierciedla szczególną stronę lub aspekt ludzkiego życia, ale razem wzięte te elementy sztuki zapewniają kompleksowy artystyczny obraz świata.

Zapotrzebowanie na twórczość artystyczną lub czerpanie przyjemności z dzieł sztuki wzrasta wraz z rozwojem poziom kulturowy osoba. Sztuka staje się tym bardziej konieczna, im dalej człowiek znajduje się od stanu zwierzęcego.

Liczba stylów i trendów jest ogromna, jeśli nie nieskończona. Kluczowa cecha, według których można pogrupować dzieła w style, są powszechnymi zasadami myślenie artystyczne. Zmiana jednego sposobu myślenia artystycznego na inny (naprzemienne rodzaje kompozycji, techniki konstrukcje przestrzenne, cechy kolorystyczne) nie jest przypadkowe. Historycznie zmieniło się także nasze postrzeganie sztuki.
Budując system stylów w porządku hierarchicznym, będziemy trzymać się tradycji europocentrycznej. Najważniejszym pojęciem w historii sztuki jest pojęcie epoki. Każda epoka charakteryzuje się pewnym „obrazem świata”, na który składają się idee filozoficzne, religijne, polityczne, pomysły naukowe, cechy psychologiczneświatopogląd, standardy etyczne i moralne, estetyczne kryteria życia, którymi odróżnia się jedną epokę od drugiej. Są to epoka prymitywna, epoka starożytnego świata, starożytność, średniowiecze, renesans i epoka nowożytna.
Style w sztuce nie mają wyraźnych granic, płynnie przechodzą w siebie i podlegają ciągłemu rozwojowi, mieszaniu się i przeciwstawianiu. W ramach jednego historycznego stylu artystycznego zawsze rodzi się nowy, który z kolei przechodzi w następny. Wiele stylów współistnieje jednocześnie i dlatego nie ma w ogóle „czystych stylów”.
W tym samym czasie epoka historyczna Kilka stylów może współistnieć. Na przykład klasycyzm, akademizm i barok w XVII wieku, rokoko i neoklasycyzm w XVIII wieku, romantyzm i akademizm w XIX wieku. Style takie jak klasycyzm i barok nazywane są wielkimi stylami, ponieważ dotyczą wszystkich rodzajów sztuki: architektury, malarstwa, sztuki dekoracyjnej i użytkowej, literatury, muzyki.
Należy rozróżnić: style artystyczne, kierunki, ruchy, szkoły i cechy indywidualne style indywidualni mistrzowie. W obrębie jednego stylu może istnieć kilka ruchów artystycznych. Na kierunek artystyczny składają się zarówno cechy charakterystyczne dla danej epoki, jak i unikalne sposoby myślenia artystycznego. Na przykład styl secesyjny obejmuje szereg nurtów z przełomu wieków: postimpresjonizm, symbolizm, fowizm itp. Z drugiej strony pojęcie symboliki jako nurtu artystycznego jest dobrze rozwinięte w literaturze, natomiast w malarstwie jest bardzo niejasne i łączy artystów tak odmiennych stylistycznie, że często interpretuje się ich jedynie jako światopogląd, który ich łączy.

Poniżej zostaną podane definicje epok, stylów i trendów, które w taki czy inny sposób znajdują odzwierciedlenie we współczesnej sztuce pięknej i dekoracyjnej.

	- styl artystyczny, który rozwinął się w krajach Europy Zachodniej i Środkowej w XII-XV wieku. Był efektem wielowiekowej ewolucji sztuki średniowiecznej, jej najwyższym etapem i jednocześnie pierwszym w historii ogólnoeuropejskim, międzynarodowym stylem artystycznym. Zajmował się wszystkimi rodzajami sztuki – architekturą, rzeźbą, malarstwem, witrażami, projekt książki, sztuka i rzemiosło. Podstawą stylu gotyckiego była architektura, którą charakteryzują ostrołukowe łuki skierowane ku górze, wielokolorowe witraże i wizualna dematerializacja formy. Elementy sztuki gotyckiej często można odnaleźć we współczesnym wystroju wnętrz, zwłaszcza w malowidłach ściennych, rzadziej w malarstwie sztalugowym. Od końca ubiegłego wieku istnieje subkultura gotycka, która wyraźnie objawia się w muzyce, poezji i projektowaniu ubiorów.
	(Renesans) - (renesans francuski, włoski Rinascimento) Era w kulturze i rozwój ideologiczny szereg krajów Europy Zachodniej i Środkowej, a także niektóre kraje Europy Wschodniej. Główne cechy charakterystyczne kultury renesansu: charakter świecki, humanistyczny światopogląd, odwołanie do starożytnego dziedzictwa kulturowego, swego rodzaju jego „odrodzenie” (stąd nazwa). Kultura renesansu ma specyficzne cechy epoki przejściowej od średniowiecza do czasów nowożytnych, w której przeplatające się stare i nowe tworzą wyjątkowy, jakościowo nowy stop. Trudnym pytaniem są chronologiczne granice renesansu (we Włoszech - 14-16 wieków, w innych krajach - 15-16 wieków), jego rozmieszczenie terytorialne i cechy narodowe. Elementy tego stylu w Sztuka współczesna dość często stosowany w malarstwie ściennym, rzadziej w malarstwie sztalugowym.
	- (z włoskiego maniera - recepcja, sposób bycia) napływa Sztuka europejska XVI wiek. Przedstawiciele manieryzmu odeszli od renesansowego harmonijnego postrzegania świata, humanistycznej koncepcji człowieka jako doskonałego tworu natury. Wnikliwe postrzeganie życia łączyło się z programowym pragnieniem nie podążania za naturą, ale wyrażenia subiektywnej „wewnętrznej idei” obrazu artystycznego zrodzonego w duszy artysty. Najdobitniej objawiło się to we Włoszech. Dla włoskiego manieryzmu lat dwudziestych XVI wieku. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) charakteryzują się dramatyczną ostrością obrazów, tragicznym światopoglądem, złożonością i przesadną ekspresją póz i motywów ruchu, wydłużonymi proporcjami postaci, dysonansami kolorystycznymi oraz światła i cienia. Ostatnio zaczęto go używać przez historyków sztuki do określenia zjawisk w sztuce współczesnej związanych z przemianami stylów historycznych.
	- historyczny styl artystyczny, który rozpowszechnił się początkowo w środkowych Włoszech. XVI-XVII w., a następnie w XVII-XVIII w. we Francji, Hiszpanii, Flandrii i Niemczech. Szerzej, terminem tym określa się stale odnawiające się tendencje do postawy niespokojnej, romantycznej, myślenia w formach ekspresyjnych, dynamicznych. Wreszcie w każdym czasie, w niemal każdym historycznym stylu artystycznym można odnaleźć swój „okres baroku” jako etap najwyższego rozkwitu twórczego, napięcia emocji, wybuchowości form.
	- styl artystyczny w Sztuka zachodnioeuropejska XVII - wcześnie XIX w., a w języku rosyjskim XVIII – wczesny. XIX, który jako ideał do naśladowania zwrócił się do dziedzictwa starożytnego. Przejawiało się to w architekturze, rzeźbie, malarstwie, sztuce zdobniczej i użytkowej. Artyści klasyczni uważali się za starożytność najwyższe osiągnięcie i uczyniło to swoim standardem w sztuce, który starali się naśladować. Z czasem przerodziło się to w akademizm.
	- kierunek w sztuce europejskiej i rosyjskiej lat 20.-30. XIX wieku, który zastąpił klasycyzm. Romantycy podkreślali indywidualność, przeciwstawiając idealne piękno klasycyzmu „niedoskonałej” rzeczywistości. Artystów przyciągały jasne, rzadkie, niezwykłe zjawiska, a także obrazy o fantastycznej naturze. W sztuce romantyzmu duża rola odgrywa ostrą indywidualną percepcję i doświadczenie. Romantyzm uwolnił sztukę od abstrakcyjnych dogmatów klasycyzmu i zwrócił ją ku historii narodowej i obrazom folkloru.
	- (z łac. sentyment - uczucie) - kierunek w sztuce zachodniej drugiej połowy XVIII wieku, wyrażający rozczarowanie „cywilizacją” opartą na ideałach „rozumu” (ideologia oświeceniowa). S. głosi uczucie, samotniczą refleksję i prostotę wiejskiego życia „małego człowieka”. J. J. Rousseau uważany jest za ideologa S.
	- kierunek w sztuce, który stara się jak najprawdziwiej i wiarygodnie oddać zarówno formę zewnętrzną, jak i istotę zjawisk i rzeczy. Jak metoda twórczałączy cechy indywidualne i typowe podczas tworzenia obrazu. Najdłuższy istniejący kierunek, rozwijający się od prymitywna era po dziś dzień.
	- kierunek w Europie kultura artystyczna koniec XIX-początek XX wieku. Pojawiająca się jako reakcja na dominację norm mieszczańskiego „zdrowego rozsądku” w sferze humanitarnej (w filozofii, estetyce – pozytywizm, w sztuce – naturalizm), symbolika ukształtowała się przede wszystkim w literatura francuska koniec lat 60.-70. XIX wieku, później rozpowszechnił się w Belgii, Niemczech, Austrii, Norwegii i Rosji. Zasady estetyczne symbolika w dużej mierze nawiązywała do idei romantyzmu, a także do niektórych doktryn filozofii idealistycznej A. Schopenhauera, E. Hartmanna, częściowo F. Nietzschego, do twórczości i teoretyzowania Niemiecki kompozytor R. Wagnera. Symbolika przeciwstawiała żywą rzeczywistość światu wizji i snów. Uniwersalne narzędzie do zrozumienia tajemnic istnienia i indywidualna świadomość uważany był za symbol wygenerowany przez poetycką wnikliwość i wyrażający nieziemskie znaczenie zjawisk ukrytych przed zwykłą świadomością. Twórczy artysta był postrzegany jako pośrednik między realnym a nadzmysłowym, wszędzie odnajdujący „znaki” światowej harmonii, proroczo odgadujący znaki przyszłości, jak w współczesne zjawiska oraz w wydarzeniach z przeszłości.
	- (z francuskiego impresja - impresja) kierunek w sztuce tego ostatniego trzecie XIX- początek XX wieku, który powstał we Francji. Nazwa została wpisana krytyk sztuki L. Leroya, który lekceważąco wypowiadał się na temat wystawy artystów w 1874 r., na której prezentowany był m.in. obraz C. Moneta „Wschód słońca”. Wrażenie". Impresjonizm utwierdzał piękno realnego świata, podkreślając świeżość pierwszego wrażenia i zmienność otoczenia. Dominująca dbałość o rozwiązywanie problemów czysto obrazowych ograniczyła tradycyjną koncepcję rysunku jako głównego elementu dzieła sztuki. Impresjonizm wywarł ogromny wpływ na sztukę kraje europejskie i USA, rozbudziło zainteresowanie historiami z życia wziętymi. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley itp.)
	- ruch w malarstwie (synonim dywizjonizmu), który rozwinął się w ramach neoimpresjonizmu. Neoimpresjonizm narodził się we Francji w 1885 roku i rozprzestrzenił się także na Belgię i Włochy. Neoimpresjoniści starali się zastosować w sztuce najnowsze osiągnięcia optyki, zgodnie z którymi malarstwo wykonane z odrębnych punktów barw podstawowych daje w odbiorze wzrokowym fuzję barw i całą gamę malarstwa. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
	Postimpresjonizm- warunkowa zbiorcza nazwa głównych kierunków Malarstwo francuskie Rozdział XIX - I kwarta XX wiek Sztuka postimpresjonizmu powstała jako reakcja na impresjonizm, który skupiał się na przekazie chwili, na poczuciu malowniczości i utracie zainteresowania kształtem przedmiotów. Do postimpresjonistów zaliczają się P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh i inni.
	- styl w sztuce europejskiej i amerykańskiej przełomu XIX i XX wieku. Modowany, piłowany, piłowany, miał papi-pieczęć i został wydany w ten sam sposób, w ten sam sposób. Naturalne formy stają się także przedmiotem nowoczesności. Tłumaczy to nie tylko zainteresowanie motywami roślinnymi w dziełach secesji, ale także samą ich strukturę kompozycyjną i plastyczną – bogactwo krzywoliniowych konturów, płynne, nierówne kontury zewnętrzne przypominające formy roślinne. Z nowoczesnością ściśle związana jest symbolika, która stanowiła estetyczną i filozoficzną podstawę nowoczesności, opierając się na nowoczesności jako plastycznej realizacji jej idei. Secesja miała różne nazwy w różnych krajach, które w zasadzie były synonimami: Art Nouveau – we Francji, Secesja – w Austrii, Art Nouveau – w Niemczech, Liberty – we Włoszech.
	- (od francuskiego modern - modern) ogólna nazwa szeregu ruchów artystycznych pierwszej połowy XX wieku, które charakteryzują się negacją tradycyjne formy i estetyka przeszłości. Modernizm jest bliski awangardy i przeciwieństwem akademizmu.
	- nazwa łącząca szereg ruchów artystycznych powszechnych w latach 1905-1930. (Fowizm, Kubizm, Futuryzm, Ekspresjonizm, Dadaizm, Surrealizm). Wszystkie te kierunki łączy chęć odnowienia języka sztuki, przemyślenia na nowo jego zadań i uzyskania wolności wypowiedzi artystycznej.
	- kierunek w sztuce XIX - n.e. XX wieku, oparty na lekcjach twórczych Artysta francuski Paul Cezanne, który wszelkie formy obrazu sprowadził do najprostszych figur geometrycznych, a kolor do kontrastujących struktur ciepłych i zimnych tonów. Cezanne był jednym z punktów wyjścia kubizmu. W dużym stopniu cezanneizm wpłynął także na rodzimą szkołę malarstwa realistycznego.
	- (od Fauve - Wild) ruch awangardowy w sztuce francuskiej AD. XX wiek Określenie „dziki” nadane przez współczesną krytykę grupie artystów występujących w 1905 roku w paryskim Salonie Niezależnych miało charakter ironiczny. Do tej grupy należeli A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen i inni.Fowistów łączyło pociąganie do lakonicznej wyrazistości form i intensywnych rozwiązań kolorystycznych, poszukiwanie impulsów w twórczości pierwotnej, sztuce średniowiecza i Wschodu.
	- celowe uproszczenie środków wizualnych, naśladownictwo prymitywnych etapów rozwoju sztuki. Termin ten odnosi się do tzw. naiwna sztuka artystów, którzy nie otrzymali specjalnego wykształcenia, ale zajmują się ogółem proces artystyczny rozdział XIX - początek XX wiek. Twórczość tych artystów - N. Pirosmaniego, A. Russo, V. Selivanova i innych - charakteryzuje się swoistą dziecinnością w interpretacji natury, połączeniem uogólnionej formy i drobnej dosłowności w szczegółach. Prymitywizm formy wcale nie przesądza o prymitywności treści. Często służy jako źródło dla profesjonalistów, zasadniczo zapożyczając od ludowych sztuka prymitywna formy, obrazy, metody. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse czerpali inspirację z prymitywizmu.
	- kierunek w sztuce, który rozwinął się w oparciu o kanony starożytności i renesansu. Było to powszechne w wielu europejskich szkołach artystycznych od XVI do XIX wieku. Akademictwo się odwróciło tradycje klasyczne w system „wiecznych” zasad i przepisów krępujących poszukiwania twórcze, próbował przeciwstawić niedoskonałą żywą przyrodę „wysokim”, udoskonalonym, nienarodowym i ponadczasowym formom piękna, doprowadzonym do perfekcji. Akademicyzm charakteryzuje się preferowaniem tematów z mitologii starożytnej, tematów biblijnych lub historycznych przed tematami ze współczesnego życia artysty.
	- (kubizm francuski, od sześcianu - sześcianu) kierunek w sztuce pierwszej ćwierci XX wieku. Plastyczny język kubizmu opierał się na deformacji i dekompozycji obiektów na płaszczyznach geometrycznych, plastycznej zmianie kształtu. Narodziny kubizmu przypadły na lata 1907-1908 – w przededniu I wojny światowej. Niekwestionowanym liderem tego nurtu był poeta i publicysta G. Apollinaire. Ruch ten jako jeden z pierwszych ucieleśniał wiodące kierunki dalszego rozwoju sztuki XX wieku. Jednym z tych nurtów była dominacja koncepcji nad wartością artystyczną obrazu. Za ojców kubizmu uważa się J. Braque i P. Picasso. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris i inni dołączyli do powstającego ruchu.
	- ruch w literaturze, malarstwie i kinie, który powstał w 1924 roku we Francji. W znaczący sposób przyczynił się do ukształtowania świadomości współczesnego człowieka. Głównymi postaciami ruchu są Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Joan Miro i wielu innych artystów z całego świata. Surrealizm wyrażał ideę istnienia poza rzeczywistością, szczególnie ważną rolę odgrywa tutaj absurd, nieświadomość, sny i marzenia. Jedną z charakterystycznych metod surrealistycznego artysty jest odejście od świadomej twórczości, co czyni ją narzędziem, różne sposoby wydobywanie dziwacznych obrazów podświadomości, podobnych do halucynacji. Surrealizm przetrwał kilka kryzysów, przetrwał II wojnę światową i stopniowo się z nią zlał Kultura popularna, krzyżując się z transawangardą, wpisał się jako integralna część postmodernizmu.
	- (od łac. futurum - przyszłość) ruch literacko-artystyczny w sztuce lat 1910-tych. Przypisując sobie rolę prototypu sztuki przyszłości, futuryzm jako swój program główny wysunął ideę burzenia stereotypów kulturowych, a w zamian zaproponował apologię technologii i anizmu technologii miejskiej jako głównych przejawów teraźniejszości i przyszłość. Ważną ideą artystyczną futuryzmu było poszukiwanie plastycznego wyrazu prędkości ruchu jako głównego znaku tempa współczesnego życia. Rosyjska wersja futuryzmu nazywała się kybofuturyzmem i opierała się na połączeniu plastycznych zasad francuskiego kubizmu z europejskimi instalacjami ogólnej estetyki futuryzmu pizma.

Sztuka jest twórczym odzwierciedleniem światopoglądu danej osoby. Wyraża się w licznych formach dzieł sztuki, takich jak rodzaje sztuki, rodzaje i gatunki.

Istnieją główne grupy sztuki, które powstały w wyniku środków reprodukcji, za pomocą których ludzie tworzą obrazy artystyczne:

Przestrzenny lub plastyka.

Każda grupa składa się bezpośrednio z gatunków, które charakteryzują się sposobem przenoszenia materiału.

Typy przestrzenne obejmują liczne rodzaje sztuk zdobniczych i użytkowych, sztuk pięknych, fotografii i architektury.

Na sztukę dekoracyjną i użytkową z kolei składają się: rzeźba, malarstwo, wyroby zdobnicze, grafika z kamieniem i metalem, papier-mache, ceramiką, koronką, haftem.

Na sztukę piękną składają się ruchy graficzne w sztuce: litografia, grawerowanie; malarstwo - monumentalne, sztalugowe, pejzażowe, martwa natura, portretowe, gatunkowe historyczne i codzienne, zwierzęcość, malarstwo ikonowe; oraz rzeźba - rzeźba reliefowa i wolumetryczna.

Dynamiczny- tymczasowe formy sztuki. Różnią się one od typów tworzyw sztucznych głównie obecnością podstawy składu, która ujawnia się z czasem.

Obejmuje to dwa duże typy: literaturę i muzykę.

Sztuka literackiej refleksji światopoglądowej dzieli się na literaturę: beletrystyczną, historyczną, naukową, edukacyjną, referencyjną.

Kierunek muzyczny w sztuce dzieli się na: gatunek (marsz, pieśń, symfonia itp.) i typ (teatr, kameralność, symfonia itp.).

Przestrzennie- tymczasowy rodzaje sztuki lub widowiskowe, estetyczne, implikujące takie rodzaje jak: kino, choreografia, sztuki performatywne i literatura.

Sztuka teatralna składa się z następujących sekcji dzieł: dramatyczna praca, utwór tragiczny i komediowy, muzyczny.

Zdjęcia obejmują: dramat, fantasy, komedię, tragedię, reżyserię historyczną.

Do wyświetlenia malarstwo artystyczneświat to za mało, tylko jeden kierunek sztuki. Stało się to podstawą do powstania tak różnorodnych typów i form postrzegania świata przez ludzi. Rodzaje sztuki różnią się między sobą przedmiotem obrazu i zastosowanymi środkami wizualnymi.

Opcja 2

Czym właściwie jest sztuka, właściwie nie jest do końca jasne, gdyż sztuka może oznaczać zupełnie inne działania i to zupełnie różne kształty. Nawet prosta komunikacja między ludźmi może być sztuką, jeśli na przykład jedna osoba mówi coś drugiej, to w pewnym stopniu zajmuje się sztuką monologu.

Niemniej jednak klasyfikacja istnieje i jest dość jasna, oparta na formach, które powstają historycznie. Od czasów starożytnych ludzie mogli wykonywać czynności, które nie przynosiły bezpośrednio żadnej praktycznej korzyści (na przykład malowanie), ale zapewniały coś innego i tak pojawiła się czysta sztuka. Sztuka stosowana również powstały, ale na tle praktycznych korzyści ludzie mogli na przykład robić ubrania lub niektóre artykuły gospodarstwa domowego, które były ozdobione dodatkowymi elementami.

Te dwie formy nadal istnieją, często się mieszają, a także zacierają granice między sztuką a życiem codziennym. Typowym przykładem jest ludowa sztuka użytkowa. Na przykład ozdoby, które są używane po prostu do niektórych przedmiotów lub powierzchni, ale jednocześnie mogą zawierać złożone kody przekazywane w określonej społeczności, klanie lub ludziach.

Jeśli mówimy o odmianach, do których w większości należą czysta sztuka, wówczas powinniśmy wyróżnić: malarstwo lub sztuki piękne, rzeźbę, muzykę, architekturę. Ponadto istnieje warstwa tzw. sztuki kinetycznej, która reprezentuje opcje takie jak taniec, pantomima lub coś podobnego. Osobną częścią są także różne, powiedzmy, różne gatunki, takich jak teatr.

Sztuka współczesna często oferuje mieszankę różnych gatunków i może być czymś całkowicie zaskakującym. Przykładowo instalacja może być połączeniem muzyki, malarstwa i sztuki kinetycznej. Może istnieć sztuka konceptualna lub sztuka akcji, która generalnie reprezentuje pewne działania, które można wykonać w wybranej (z pewnych powodów) przestrzeni i o określonym znaczeniu i sekwencji.

Często współcześni twórcy tworzą sztukę z jakiegoś działania jako takiego i tutaj także granica między codziennością a sztuką w jakiś sposób się zaciera. Jednak gatunki akademickie istnieją do dziś.