Rzadkie rysunki Leonarda da Vinci. Leonardo da Vinci - biografia i obrazy artysty z gatunku Wysokiego Renesansu - Art Challenge

Człowiek witruwiański – Leonardo da Vinci. Rysunek piórem, akwarelą i metalowym ołówkiem w pamiętnikach mistrza. 1490. 34,3 x 24,5 cm

To nie tylko jeden z najbardziej znanych rysunków Leonarda da Vinci, ale najczęściej powielany za pomocą środki masowego przekazu obraz. Często występuje w różnych pomoc naukowa, wykorzystywany jest w reklamach i plakatach, a nawet w kinie – wystarczy przypomnieć dwuznacznie przyjętą przez publiczność i krytykę Kodu Da Vinci. Ta sława się należy najwyższa jakość wizerunek i jego znaczenie dla współczesnego człowieka.

Człowiek witruwiański to także arcydzieło Dzieła wizualne i owoce badań naukowych. Rysunek ten powstał jako ilustracja do książki Leonarda poświęconej jednemu z dzieł Witruwiusza, słynnego rzymskiego architekta. Podobnie jak sam Leonardo, Witruwiusz był człowiekiem niezwykle utalentowanym i o szerokich zainteresowaniach. Znał dobrze mechanikę i posiadał wiedzę encyklopedyczną. Zainteresowanie Leonarda tą niezwykłą osobą jest zrozumiałe, ponieważ on sam był osobą bardzo wszechstronną i lubił nie tylko sztukę w jej różnych przejawach, ale także naukę.

„Człowiek witruwiański” to dowcipny i nowatorski sposób na zademonstrowanie swoich czasów idealne proporcje postać ludzka. Rysunek przedstawia postać mężczyzny w dwóch pozycjach. W tym przypadku kontury obrazów nakładają się na siebie i są wpisane odpowiednio w kwadrat i okrąg. Obydwa figury geometryczne mają wspólne punkty kontaktowe. Obraz ten pokazuje, jakie powinny być prawidłowe proporcje ciała człowieka według opisu pozostawionego przez Witruwiusza w jego książce O architekturze. W szerokim znaczeniu Pojęcie architektury można zastosować do zasad konstrukcji Ludzkie ciało, co z powodzeniem zademonstrował Leonardo da Vinci.

Rola „Człowieka witruwiańskiego” w rozwoju i rozkwicie sztuki Włoski renesans ekstremalnie duży. Po upadku Cesarstwa Rzymskiego ogromna wiedza poprzednich pokoleń nt ludzkie proporcje i struktura ciała zostały utracone i stopniowo zapomniane. W sztuka średniowieczna wizerunki ludzi znacznie różniły się od tych, które były w starożytności. Leonardo był w stanie wykazać, w jaki sposób boski plan faktycznie odzwierciedla się w strukturze ludzkiego ciała. Jego rysunek stał się wzorem dla artystów wszystkich czasów. Używał go nawet wielki Le Corbusier do tworzenia własnych dzieł, które wpłynęły na architekturę całego XX wieku. Ze względu na symbolikę obrazu wielu uważa go za odzwierciedlenie struktury całego wszechświata (pępek postaci jest środkiem koła, co budzi skojarzenia z centrum wszechświata).

Oprócz ogromnej historycznej i wartość naukowa, „Człowiek witruwiański” niesie ze sobą także znaczny ładunek estetyczny. Rysunek wykonany jest cienkimi, precyzyjnymi liniami, idealnie oddającymi charakter formy ludzkie. Obraz stworzony przez Leonarda jest bardzo wyrazisty i zapadający w pamięć. Trudno znaleźć cywilizowaną osobę, która nie widziała tego obrazu i nie zna jego autora.

Człowiek witruwiański to rysunek sporządzony przez Leonarda da Vinci około 1490-92 jako ilustracja do książki poświęconej twórczości Witruwiusza i umieszczony w jednym z jego dzienników. Przedstawia postać nagiego mężczyzny w dwóch nałożonych na siebie pozycjach: z rozłożonymi rękami i nogami, wpisanego w okrąg; z rozłożonymi rękami i nogami złączonymi, wpisanymi w kwadrat. Liczba i jej objaśnienia nazywane są czasami proporcjami kanonicznymi.

To nie tylko jeden z najbardziej znanych rysunków Leonarda da Vinci, ale najbardziej nagłośniony w mediach obraz. Często spotyka się go w rozmaitych podręcznikach, wykorzystuje się w reklamach i plakatach, a nawet w przebłyskach filmowych – wystarczy pamiętać o dwuznacznie akceptowanym przez opinię publiczną i krytyce Kodu Da Vinci. Swoją sławę zawdzięcza najwyższej jakości obrazu i jego znaczeniu dla współczesnego człowieka.

„Człowiek witruwiański” to zarówno arcydzieło sztuki, jak i owoc badań naukowych.

Rysunek ten powstał jako ilustracja do książki Leonarda poświęconej jednemu z dzieł Witruwiusza, słynnego rzymskiego architekta. Podobnie jak sam Leonardo, Witruwiusz był człowiekiem niezwykle utalentowanym i o szerokich zainteresowaniach. Znał dobrze mechanikę i posiadał wiedzę encyklopedyczną. Zainteresowanie Leonarda tą niezwykłą osobą jest zrozumiałe, ponieważ on sam był osobą bardzo wszechstronną i lubił nie tylko sztukę w jej różnych przejawach, ale także naukę.

Wykonanie rysunku

Rysunek wykonany piórem, tuszem i akwarelą. metalowy ołówek, wymiary obrazu to 34,3x24,5 centymetra. Obecnie znajduje się w zbiorach Galerii Accademia w Wenecji.

Człowiek witruwiański. Rysunek narysowany przez Leonarda da Vinci.

Rola „Człowieka witruwiańskiego” w rozwoju sztuki i rozkwicie włoskiego renesansu jest niezwykle wielka.

. Po upadku Cesarstwa Rzymskiego znaczna część wiedzy poprzednich pokoleń na temat proporcji człowieka i budowy ciała została utracona i stopniowo zapomniana. W sztuce średniowiecznej wizerunki ludzi znacznie różniły się od tych w starożytności. Leonardo był w stanie wykazać, w jaki sposób boski plan faktycznie odzwierciedla się w strukturze ludzkiego ciała. Jego rysunek stał się wzorem dla artystów wszystkich czasów. Używał go nawet wielki Le Corbusier do tworzenia własnych dzieł, które wpłynęły na architekturę całego XX wieku. Ze względu na symbolikę obrazu wielu uważa go za odzwierciedlenie struktury całego wszechświata (pępek postaci jest środkiem koła, co budzi skojarzenia z centrum wszechświata).

Rysunek jest zarówno dziełem naukowym, jak i dziełem sztuki

, jest także przykładem zainteresowania Leonarda proporcjami.

Proporcje ciała człowieka

Jak wynika z dołączonych notatek Leonarda, powstał on w celu określenia proporcji (męskiego) ciała ludzkiego, jak opisano w traktatach starożytnego rzymskiego architekta Witruwiusza, który o ciele ludzkim pisał m.in.

Oprócz ogromnego znaczenia historycznego i naukowego „Człowiek witruwiański” niesie ze sobą także znaczny ładunek estetyczny. Rysunek wykonany jest cienkimi, precyzyjnymi liniami, idealnie oddającymi ludzkie postacie. Obraz stworzony przez Leonarda jest bardzo wyrazisty i zapadający w pamięć. Trudno znaleźć cywilizowaną osobę, która nie widziała tego obrazu i nie zna jego autora.

Cały świat zna Leonarda da Vinci jako utalentowanego malarza i wybitnego naukowca. Ale przez całe dorosłe życie Włoch pasjonował się anatomią, a prace anatomiczne, które napisał przez całe życie, nigdy nie zostały ukończone i opublikowane. Nowoczesne technologie pozwolił brytyjskim naukowcom zdigitalizować notatki naukowca, a teraz cały świat może zobaczyć pełne realizmu i szczegółowe w najdrobniejszych szczegółach rysunki anatomiczne Leonarda da Vinci.

Jak to się wszystko zaczęło...

Jeszcze będąc uczniem słynnego włoskiego malarza Andrei Verrocchio, młody Leonardo zainteresował się twórczością Antonio del Pollaiolo, pierwszego w historii malarza, który badał budowę ludzkich mięśni. Obrazy Antonio, które początkujący artysta szczegółowo przestudiował, stały się pierwszym krokiem w znajomości anatomii.

Pierwsza praca nad anatomią

Pierwszy naukowy manuskrypt dotyczący anatomii wyszedł spod ręki Leonarda w 1484 roku i już wtedy przestał on uważać anatomię za przedmiot dyscyplina pomocnicza do rzeźby i malarstwa. Jednak pierwsze szkice anatomiczne Leonarda da Vinci pojawiły się 6 lat wcześniej, w 1478 roku.

Kod Windsora

Ogromne, rękopiśmienne dzieło Da Vinci, składające się z 234 arkuszy, zawiera 600 rysunków ołówkiem, które bezpośrednio nawiązują do budowa anatomiczna osoba. Te szkice zaczęły się gromadzić koniec XVI wieku Pompeo Leoni, a teraz to świetna robota przechowywanych w Bibliotece Windsor.

Pozwolenie na otwarcie

Najaktywniejszy naukowiec zaczął studiować anatomię w latach 1510-1511 i po uzyskaniu pozwolenia na sekcję zwłok rozpoczął pracę w szpitalach północnych Włoch we współpracy z zawodowym lekarzem i anatomem Torre.

Z tego okresu życia wielkiego naukowca zachowało się ponad 300 rysunków, które mieszczą się w 13 tomach rękopiśmiennego dzieła.

Rysunek czaszki

Tradycyjnie Leonardo rozpoczynał naukę anatomii od głowy, a 2 kwietnia 1489 roku narodził się szczegółowy rysunek ludzkiej czaszki. Innowacją w nauce było to, że artysta po raz pierwszy przedstawił zatokę czołową, wnosząc tym samym znaczący wkład w historię rozwoju anatomii.

Leonardo przywiązywał dużą wagę do badania serca. Był pierwszym z ówczesnych lekarzy i anatomów, który jasno określił jego funkcję i przeznaczenie. Ocenił go jako gęsty, muskularny narząd zasilany tętnicami i żyłami.

Kategorycznie sprzeciwiał się także podziałowi serca na dwie komory. Swoje badania opierał na wiedzy praktycznej, a naukowiec argumentował, że ten najważniejszy narząd jest podzielony zastawkami na cztery nierówne części.

Jako artysta Leonardo interesował się budową ludzkiego ciała, a zwłaszcza kręgosłupa i stawów. Jego rysunek kręgosłupa jest tak dokładny i unikalny jak na tamte czasy, ponieważ naukowcy mogli dokładnie zbadać kręgosłup dopiero wraz z pojawieniem się promieni rentgenowskich i rezonansu magnetycznego.

Pierwszy z ówczesnych anatomów Leonardo dokładnie określił liczbę ludzkich kręgów i wyraźnie narysował cały kręgosłup.

Anatomia i mechanika

Zafascynowany mechaniką Da Vinci dużą wagę przywiązywał do badania budowy mięśni i temu właśnie zagadnieniu poświęcona jest większość jego rysunków.

Geniusz naukowca i artysty objawił się w stworzeniu szklanego modelu ludzkiego ciała, na którym wyraźnie widać było ruch krwi. I tu słynny rysunek Człowiek witruwiański dokładnie oddaje proporcje ludzkiego ciała. Chociaż to Człowiek witruwiański skrywa o wiele więcej tajemnic i zagadek.

płód w łonie matki

Być może najsłynniejszy dziś rysunek Leonarda, przedstawiający płód w rzekomym łonie kobiety.

Pomijając pewne nieścisłości, artysta tak umiejętnie przedstawił powstające życie, że rysunek ten do dziś umieszczany jest jako ilustracja na łamach podręczników anatomii.

Rysunki z notatkami

Wiele ilustracji uzupełniono teksty naukowe, a niektórzy wręcz przeciwnie, szczegółowo opisali wszystkie działania wielkiego naukowca. Jak widać z tych notatek i rysunków, to właśnie anatomia była upodobaniem artysty i naukowca, któremu poświęcił się bardzo jego tętniące życiem życie.

Twórca anatomii dynamicznej

W tych odległych czasach trudno było znaleźć osobę, która studiowałaby tak dokładnie i na poziomie najdrobniejsze szczegóły znał budowę ludzkiego ciała. Wszystkie swoje rysunki opatrywał szczegółowymi komentarzami i nie zdając sobie z tego sprawy, stał się twórcą anatomii dynamicznej.

Oprócz budowy mięśni i szkieletu badał lokalizację narządów zmysłów, chociaż w niektórych kwestiach mylił się co do ich przeznaczenia i lokalizacji. Leonardo da Vinci doskonale ucieleśniał swoją wiedzę anatomiczną w swoich obrazach, które stały się prawdziwymi arcydziełami malarstwa.

najcenniejsze dla nowoczesna nauka i, ogólnie rzecz biorąc, zrozumienie rozwoju wiedza naukowaŚredniowiecze, przedstawiają ilustracje narządów i części ciała ludzkiego w przekroju. To ponownie to potwierdza. Że artysta i naukowiec zawsze starał się dotrzeć do samej istoty, oświetlić przedmiot swoich badań ze wszystkich stron.

Nowoczesna nauka anatomiczna

Z punktu widzenia dzisiejszej wiedzy można śmiało stwierdzić, że rysunki anatomiczne Leonarda da Vinci były przełomem w medycynie średniowiecza.

Wielu naukowców kwestionuje obecnie dokładność jego obrazów i dochodzi do konsensusu, że jego wiedza z zakresu anatomii znacznie wyprzedzała swoje czasy, a Leonardo mógł zobaczyć to, co naukowcy dopiero teraz odkrywają, dzięki trójwymiarowej grafice i nowym technologiom.

Dziedzictwo

Po śmierci Leonarda da Vinci wszystkie rękopisy naukowca odziedziczył jego uczeń i kolega Francesco Melzi. Melzi podjął się systematyzacji dzieł, ale jego wiedza wystarczyła jedynie na notatki o sztuce.

Reszta dziedzictwa rozprzestrzeniła się do kolekcji prywatnych i tylko w XVIII wiek rozpoczęto systematyzację prac z zakresu anatomii i medycyny. Szczególnie interesujące były Quaderni d'Anatomia (Zeszyty anatomiczne) i tzw. Kodeks Windsora, opublikowany dopiero w 1901 roku.

Nowoczesność

Dziś obszerne prace z zakresu anatomii, podobnie jak inne rękopisy wielkiego człowieka, są digitalizowane dobra jakość i są dostępne do wglądu. Oprócz arcydzieł malarstwa mistrza dużym zainteresowaniem cieszą się także rysunki anatomiczne, zarówno pod względem estetycznym, jak i punkt naukowy wizja.

Wreszcie

Można długo spierać się o to, jakie nieścisłości popełnił da Vinci w swoich rękopisach anatomicznych, ale nie można nie dziwić się pragnieniu naukowca dotarcia do sedna esencji, poznania natury i istoty ludzkiego ciała.

Jeśli jeszcze nie przeczytałeś artykułu o serwisie zamieszczonego na naszym portalu, koniecznie to zrób! Okazuje się, że wiele rzeczy codziennego użytku, z których korzystamy, to wynalazki wielkiego mistrza.

Wiele osiągnięć naukowych utalentowanego malarza, wynalazcy i naukowca, w tym wspaniałe, pełne szczegółów rysunki anatomiczne, po raz kolejny udowadniają, że człowiek ten znacznie wyprzedził czas, w którym żył i tworzył.

Ekologia życia. Czy zastanawialiście się kiedyś, jak tacy mistrzowie jak Leonardo da Vinci, Jan van Eyck czy Albrecht Dürer tworzyli grafiki przypominające rysunki ołówkiem?

Czy zastanawialiście się kiedyś, jak tacy mistrzowie jak Leonardo da Vinci, Jan van Eyck czy Albrecht Dürer tworzyli grafiki przypominające rysunki ołówkiem? Z jakiegoś powodu nigdy nie zastanawiałam się, co to jest, dopóki nie natknęłam się na książkę Susan Dorothei White.

Do innych technik tworzenia grafik zalicza technikę srebrnej igły. W końcu byłem pewien, że wszystkie rysunki przypominające ołówek zostały wykonane ołówkiem. Ale tego tam nie było. Wiele z nich zostało stworzonych przez rzemieślników przy użyciu srebrnej igły. Właśnie wraz z pojawieniem się komfortu proste ołówki pomyślnie zapomniano o tak zwanej technice srebrnego ołówka.

Leonardo da Vinci, Popiersie wojownika z profilu

Znaczenie tego polegało na tym, że powierzchnię prześcieradła lub płótna pokrywano specjalnym roztworem, dzięki czemu ta powierzchnia stała się nieco luźna. Zwykle była to warstwa mieszanki kości zwierzęcych, kleju na żelatynie, gipsu, kredy i żółtka jaja. Gips i żółtko jaja zawierają siarkę. Dlatego też rysunek rysowany zaokrągloną srebrną końcówką (cienką jak igła) stopniowo ciemniał lub stawał się brązowy. Tylko siarka reagowała ze srebrem. Trzeba było pracować bardzo precyzyjnie. Na takiej warstwie bazowej luźnej masy nie można już pracować z gumką.

Dziś mamy wszelkie szanse, aby ożywić tę technikę. Dla współcześni artyści sprzedam specjalne zestawy z chemikaliami do warstwy bazowej. I dołączone są srebrne ołówki, ale już prostsze. Na przykład renesansowe srebrne ołówki były kawałkami brązu lub miedzi. Na drobno szlifowanej końcówce osadzono srebro. Sama rękojeść została pięknie obszyta i ozdobiona bakhato, a do koronki dołączono nawet pierścionek, aby tak drogi instrument można było przywiązać do paska i nie zgubić. Wykopałem więc w głębinach Internetu słabe pozory świetności minionych wieków.

A to nowoczesne srebrne ołówki. Przede wszystkim „uśmiechnął się” ślad ze srebrnej łyżki.

Mieszankę do warstwy bazowej można również wykonać z materiałów, które są dość przystępne w sklepach ze sztuką: wymieszaj gumę arabską ze zwykłym gwaszem cynkowym.

Teraz z jeszcze większym szacunkiem patrzę na twórczość dawnych mistrzów. To prawda, jeśli zapytasz, co nie podobało się prostemu ołówkowi, nie będę w stanie na nic odpowiedzieć. Ponieważ jest pozbawiona możliwości szybkiego wypróbowania techniki srebrnej igły. Ale doświadczeni ludzie mówią, że srebrny ołówek na papierze (lub innej przetworzonej powierzchni) daje bardzo piękne efekty, a przyjemność z tego procesu jest podwójna. opublikowany

Do 1514 - 1515 nawiązuje do powstania arcydzieła wielkiego mistrza – „La Gioconda”.
Do niedawna sądzono, że portret ten powstał znacznie wcześniej, we Florencji, około 1503 roku. Uwierzyli historii Vasariego, który napisał: „Leonardo podjął się wykonania dla Francesco del Gioconde portretu Monny Lisy, jego żony, a po pracy nad nim przez cztery lata i pozostawił go niedokończonego. Dzieło to znajduje się obecnie u króla Francji w Fontainebleau. Nawiasem mówiąc, Leonardo uciekł się do następne spotkanie: ponieważ Madonna Lisa była bardzo piękna, pisząc portret, zatrzymywał ludzi grających na lirze lub śpiewających, a zawsze byli błazny, którzy wspierali jej pogodę ducha i usuwali melancholię, jaką malarstwo zwykle nadaje portretom.

Cała ta historia jest błędna od początku do końca. Według Venturiego „Monna Lisa, później Gioconda, była wytworem fantazji powieściopisarza, biografa Aretina, George'a Vasariego”. Venturi w 1925 roku zasugerował, że Gioconda to portret księżnej Costanza d „Avalos, wdowy po Federigo del Balzo, zaśpiewany w krótkim wierszu Eneo Irpino, w którym wspomina się również o jej portrecie namalowanym przez Leonarda. Costanza była kochanką Giuliano Medici, który po ślubie z Filibertem Sabaudzkim oddał portret Leonardowi.

Na samym Ostatnio Pedretti wysunął nową hipotezę: portret w Luwrze przedstawia wdowę po Giovannim Antonio Brandano o imieniu Pacifica, która była także kochanką Giuliano de' Medici i urodziła jego syna Ippolito w 1511 roku.
Tak czy inaczej, wersja Vasariusa jest wątpliwa, ponieważ w żaden sposób nie wyjaśnia, dlaczego portret żony Francesco del Giocondo pozostał w rękach Leonarda i został przez niego wywieziony do Francji.

2. Dama z gronostajem ok. 1488-1490

Olej na desce.
54,8 x 40,3 cm
Muzeum Czartorych w Krakowie

„Dama z gronostajem” to nieśmiertelna siedemnastoletnia Cecilia Gallerani, ulubienica Lodovico Sforzy. Córka z XV wieku. Przebiegła czarodziejka. Ulubiony z pałacu mediolańskiego. Pojawia się przed nami czuła i mądra, nieśmiała i niepoważna. Proste i złożone. Tajemniczo atrakcyjna, o niemal statycznej twarzy, wciąż ma w sobie magnetyzm niezwykłego, ukrytego ruchu. Ale co nadaje wyglądowi młodej damy tę magiczną żywotność? Uśmiech. Ledwie dotknęła kącików swoich czystych warg. Ukryła się w lekko spuchniętych dziewczęcych dołeczkach w pobliżu ust i niczym błyskawica błysnęła w odpowiedzi ciemnymi, rozszerzonymi źrenicami, przykrytymi zaokrąglonymi, cebulowatymi powiekami. Przyjrzyj się bliżej subtelnym, duchowym rysom „Damy z gronostajem”, jej pełnej dostojeństwa postawie, surowym, ale eleganckim strojom i renesansowi z jego wspaniałymi dziełami natychmiast pojawi się przed tobą. mistrzowie geniuszu sztuka. Cecylia Gallerani. Ona, niczym mała planeta, odzwierciedlała blask okrutnego, brzydkiego i pięknego, wyjątkowego XV wieku.

3. Fresk Ostatnia Wieczerza 1494-1498

Olej i tempera na gipsie.
460 x 880 cm
Santa Maria del Grazia, Mediolan, Włochy

Od lewej do prawej na całej szerokości obrazu rozciąga się stół z jedzeniem. Przy stole naprzeciw nas, w grupach po trzy osoby, siedzi dwanaście postaci z Chrystusem pośrodku. Apostołowie rozmawiają z ożywieniem. O czym mówią i o czym jest obraz? Z zeznań Ammoretiego należy stwierdzić, że obraz „ Ostatnia Wieczerza„ukończono w 1497 r. Niestety Leonardo da Vinci namalował go farbami, z których część okazała się bardzo krucha. Pięćdziesiąt lat po zakończeniu obraz, zdaniem Vasariego, znajdował się w najbardziej opłakanym stanie. Jednak jeśli co tym razem udało się spełnić życzenie króla Franciszka I wyrażone szesnaście lat po ukończeniu obrazu i rozbiwszy mur przenieść obraz do Francji, wtedy może udałoby się go zachować. Ale tak się nie dało zrobione.W 1500 r. woda zalała posiłek. Ponadto w 1652 r. wyłamano drzwi w ścianie pod obliczem Zbawiciela, niszcząc nogi tej postaci.Obraz był kilkakrotnie bezskutecznie odnawiany.generałowie, którzy poszli za nim, ignorując jego rozkaz, zamienili to miejsce w stajnię, a później w magazyn siana.

4. Portret Ginevry de Benci ok. 1475 - 1478

Tempera i olej na desce
38,1 x 37 cm
Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Obraz ten, znajdujący się obecnie w National Gallery of Art w Waszyngtonie, przedstawia młodą damę w górzystym krajobrazie, na którym igrają odbicia od rzeki. Istnieć różne punkty wizja dotycząca identyfikacji osoby portretowanej; Zdania ekspertów na temat datowania tego dzieła są również podzielone. Niektórzy nazywają to pierwszym Okres florencki twórczość Leonarda, inni wręcz przeciwnie, Mediolanu. Większość badaczy przychyla się do hipotezy, że na portrecie przedstawiona jest Ginevra Benci (jej imię nawiązują do widocznych w tle kompozycji gałązek jałowca, ginepro). Powstał w okresie, gdy Leonardo uwolnił się od studenckiej zależności od sztuki Verrocchio, czyli około 1475 roku.

5. Portret muzyka 1485-1490

Olej na desce.
43x31cm
Biblioteka Ambrosiano w Mediolanie, Włochy

Zawierają portrety przypisywane Leonardo wspólne cechy: ich tło jest zaciemnione, półfigurowy obraz modela, zwykle w trzech czwartych obrotu, pomaga przedstawić go widzowi w całej jego indywidualnej specyfice. Imiona portretowanych nie są znane, mimo usilnych wysiłków historyków sztuki, aby je ujawnić, a także pomimo dokumentów potwierdzających działalność mistrza. Wiele portretów Leonarda kojarzy się z atmosferą dworu Sforzów, gdzie decydującą rolę odegrała gloryfikacja jednostki, odzwierciedlająca chwałę dworu. Czystość form, dostojność póz w połączeniu z wnikliwym wglądem w charakter modelki przybliżają portrety artysty do najnowocześniejszych osiągnięć sztuki tamtych czasów. ten gatunek sztuka - z dziełami Antonello da Messina. Wychodzą daleko poza pamiątkowy formalizm mistrzów XV wieku, rozwijając rodzaj portretu, który oddaje stan ducha bohatera i pozwala znacznie pogłębić charakterystykę obrazu. W tzw. Portrecie muzyka z Ambrosiana w Mediolanie jego model bywa utożsamiany z regentem katedry mediolańskiej Francino Gaffurio, choć w rzeczywistości przedstawia tylko młodego mężczyznę z kartką papieru nutowego. Pewną geometrię można dostrzec także w przenoszeniu wolumenów tworzyw sztucznych, zdradzającą wpływy toskańskie. Czapka na głowie i masa kręconych włosów tworzą dwie półkule po bokach twarzy; ostrość konturów i światłocień świadczą już o znajomości mistrza z tradycjami lombardzkimi i portretami Antonello da Messina. Mocno odrestaurowany, przepisany, a może nawet pozostawiony niedokończony, choć na dość zaawansowanym etapie prac, jest to jedyny egzemplarz w twórczości Leonarda męski portret- jeśli rzeczywiście jest dziełem samego artysty - przedstawia osobę o inteligentnym i stanowczym spojrzeniu. Nie dając się ponieść retorycznej gloryfikacji jednostki, Leonardo w wewnętrznym świetle twarzy i spojrzenia portretowanej osoby oddaje swoją wrodzoną siłę moralną.

6. Madonna z kwiatkiem ( Madonnę Benois) 1478 - 1480

Olej przeniesiony z deski na płótno
48x31,5cm
Ermitaż, Sankt Petersburg, Rosja

Młody malarz Leonardo da Vinci, który właśnie ukończył studia, namalował ten obraz we Florencji pod koniec lat siedemdziesiątych XV wieku. Została przyjęta z entuzjazmem, wykonano wiele kopii, które na początku XVI wieku… zaginęły.
Trzysta lat później trupa wędrownych aktorów koncertowała w Astrachaniu. Jeden ze sług Melpomeny zaproponował miejscowemu wielbicielowi muz i najbogatszemu z kupców miasta, Aleksandrowi Sapożnikowowi, zakup pociemniałego ze starości obrazu, namalowanego na desce. Transakcja doszła do skutku.
Wiele lat później jego wnuczka Maria wyszła za mąż. Do stworzenia nieznanego Włocha dołączony był także luksusowy dodatek, na który początkowo mało kto zwracał uwagę. Nie wiadomo, co by się z nim stało, gdyby odnoszący sukcesy architekt i przyszły rektor Akademii Sztuk Leonty Benois (syn jeszcze bardziej znanego architekta) nie został mężem Marii Aleksandrownej i gdyby jego młodszy brat nie został sławny artysta, krytyk sztuki i organizator stowarzyszenia „Świat Sztuki” Alexander. „Słysząc uporczywe prośby brata Leonty’ego i jego żony” – wspomina – „musiałem zostać w Berlinie. Faktem jest, że poinstruowali mnie, abym pokazał swój obraz słynnemu Bode. ”(W nawiasie zaznaczamy, że Bode jest jednym z głównych autorytetów w dziedzinie historii Sztuka europejska, Dyrektor Stanu Muzea berlińskie). Jego nie było, ale w muzeum było kilku światowej klasy specjalistów. Ich wyrok był surowy: obraz nie jest dziełem Leonarda, lecz namalował go jeden z jego kolegów w pracowni Verrocchio. Później sam Bode potwierdził ten wniosek.
Przez cały rok „Madonna” z domu Sapożnikowów leżała w paryskim mieszkaniu Aleksandra Nikołajewicza, po czym została zabrana z powrotem do Petersburga i zwrócona właścicielom. Jednak już po ośmiu latach (było to już w 1914 r.), gdy znajdował się w krzątaninie związanej z przygotowaniami wystawy rosyjskiej w Paryżu, otrzymał wizytówka z nazwiskiem jednego z berlińskich specjalistów: „Profesor Moller Walde”.
„Nie miałam czasu zgodzić się na jego przyjęcie” – powiedziała Aleksander Benois, - gdy jego własna osobowość rzuciła się na mnie z okrzykiem: „Teraz jestem głęboko przekonany, że twoją Madonną jest Leonardo!” Natychmiast, nie siadając, nie pozwalając mi opamiętać się, czerwony z podniecenia, zaczął wyciągać z ogromnej, ciasno wypchanej teczki stos fotografii tych niewątpliwych rysunków Leonarda, które były w jego oczach (a właściwie ) potwierdzenie jego zaufania w autorstwo wielkiego mistrza.
Benois odrzucił ofertę sprzedaży arcydzieła muzeom Berlina, przekazując je do kolekcji Cesarskiego Ermitażu. Tam obraz znajduje się do dziś, znany całemu światu pod pseudonimem „Madonna Benois”.

7. Madonna w grocie 1483-1486

Olej na desce (przeniesiony na płótno)
199 x 122 cm
Luwr, Paryż, Francja

Obraz przeznaczony był do dekoracji ołtarza (ramę obrazu stanowił rzeźbiony drewniany ołtarz) w kaplicy Niepokalanej kościoła San Francesco Grande w Mediolanie. 25 kwietnia 1483 roku członkowie Bractwa Najświętszego Poczęcia zlecili wykonanie obrazu (kompozycja centralna to Madonna z Dzieciątkiem, kompozycje boczne to Muzyczne Anioły) u Leonarda, któremu powierzono wykonanie najważniejszej części ołtarza , a także bracia Ambrogio i Evangelista de Predis. Obecnie historycy sztuki uważają, że oba płótna o identycznej tematyce, z których jedno znajduje się w Luwrze, a drugie w National Gallery w Londynie, są wariantami obrazu wykonanego w tym samym celu. Podpisowa Madonna na skałach z Paryża (Luwr) pierwotnie zdobiła ołtarz kościoła San Francesco Grande; być może został on podarowany przez samego Leonarda królowi Francji Ludwikowi XII w dowód wdzięczności za pośrednictwo w konflikcie między klientami a artystami dotyczącym płacenia za obrazy. W ołtarzu zastąpiono go kompozycją znajdującą się obecnie w Londynie. Po raz pierwszy Leonardo był w stanie rozwiązać problem łączenia postacie ludzkie z krajobrazem, który stopniowo zajmował czołowe miejsce w swoim programie artystycznym.

8. Jan Chrzciciel 1512

Olej na desce
69 x 57 cm
Luwr, Paryż

Można sądzić, że pierwszym zamysłem artysty było przedstawienie anioła ewangelizującego, gdyby tylko było to zgodne z dziwną postacią, która wywołuje u widza raczej uczucie zażenowania niż entuzjastycznego zdumienia. Dostrzegamy w nim tego samego ducha ironii, który jest charakterystyczny dla Mony Lisy, nie ma jednak pejzażu, na który można by tę ironię rzutować, oddając bardziej złożone połączenia pomiędzy człowiekiem a przyrodą. Z tego powodu Jan Chrzciciel robi na widzu dziwne, wręcz dwuznaczne wrażenie. Tymczasem obraz z pewnością należy do kręgu twórczości Leonarda, a jego konstrukcja jest jedną z najbardziej nowatorskich, gdyż w postaci św. Jana mistrz syntetyzował swoje poszukiwania środków wyrazu uczuć i natury ludzkiej jako całości. Przeciążony symboliką i iluzjami obraz ten wydaje się istnieć na granicy tajemnicy i rzeczywistości.

9. Leda z łabędziem 1508 - 1515

Olej na desce.
130x77,5
Galeria Uffizi, Florencja, Włochy

Mona Lisa powstała w czasach, gdy Leonardo Vinci był tak pochłonięty studiowaniem konstrukcji kobiece ciało, anatomia i problemy związane z rodzeniem dzieci, które oddzielają jego artystyczne i zainteresowania naukowe Prawie niemożliwe. W ciągu tych lat naszkicował ludzki embrion w macicy i stworzył ostatnią z kilku wersji obrazu „Leda” na ten temat starożytny mit o narodzinach Kastora i Polluksa ze związku śmiertelnej dziewczyny Ledy i Zeusa, który przybrał postać łabędzia. Leonardo był zaręczony anatomia porównawcza i interesowały go analogie pomiędzy wszystkimi formami organicznymi.

10. Autoportret 1514 - 1516

Czerwona sangwina (kreda).
33,3 x 21,3 cm
Galeria Narodowa w Turynie we Włoszech

DO ostatnie latażycie to autoportret Leonarda z Turynu.

I ten autoportret najwyraźniej nawiązuje również do opisu Lomazza: „Jego głowa była zakryta długie włosy, brwi były tak gęste, a broda tak długa, że ​​wydawał się prawdziwym uosobieniem szlachetnej nauki, jakim był już druid Hermes i starożytny Prometeusz.
Najwięcej czerpią dawni biografowie Leonarda da Vinci atrakcyjne cechy jego wygląd:
Według Vasariego:
„Swoim blaskiem swego wyglądu, który ukazywał najwyższe piękno, przywrócił jasność każdej zasmuconej duszy”.
Zdaniem Anonimowego:
„Był przystojny, proporcjonalnie złożony, pełen wdzięku i miał atrakcyjną twarz. Nosił czerwony płaszcz sięgający do kolan, choć w tamtym czasie modne były długie ubrania. Piękna broda opadająca do połowy klatki piersiowej, kręcona i dobrze zaczesana.
BES Brockhaus i Efron:
„Vinci był przystojny, pięknie zbudowany, miał ogromną siłę siła fizyczna, był zaznajomiony ze sztuką rycerską, jazdą konną, tańcem, szermierką itp.”

Źródło: abc-people.com