Najsłynniejsze obrazy Bryullowa, dla których nadano mu przydomek „Karol Wielki”. Karl Bryullov – biografia i malarstwo artysty z gatunku neoklasycyzmu, romantyzmu – Art Challenge
Urodzony w rodzinie artysty, akademika i pedagoga Akademii Sztuk Pięknych. Już w dzieciństwie ojciec dużo z nim pracował, co nie mogło nie pozostawić śladu w jego twórczości. W swojej twórczości na ogół nawiązywał do stylu, który Akademia Sztuk Pięknych uparcie wprowadzała w swoje mury. Jednak, jak zobaczymy, trendy również nie pozostawiły Bryulłowa obojętnym. Wspaniale ukończył Akademię, otrzymał Wielki Złoty Medal, a następnie doskonalił swoje umiejętności we Włoszech, gdzie szybko osiągnął sukces Europejskie uznanie. Tematyka wielu jego obrazów inspirowana jest motywami włoskimi. Bryullov jest właścicielem obrazów historycznych i historycznych motyw mitologiczny i dalej codzienne historie. Malował także ilustracje do dzieła literackie i mnóstwo portretów.
Obraz odtwarza śmierć starożytne miasto Pompejusz podczas erupcji Wezuwiusza w 79 r. n.e. To ogromne płótno o wysokości 4,5 metra i długości 6,5 metra.
Najbardziej złożone tło krajobrazowe, kompozycja wielofigurowa wymagało wysiłku fizycznego i twórczego. Sukces obrazu tłumaczy się burzliwym dramatem sceny, blaskiem i jasnością kolorów, zakresem kompozycyjnym, rzeźbiarską przejrzystością i wyrazistością form.
Wezuwiusz otworzył usta – wyleciał dym, chmura płomieni
Szeroko rozwinięta jak flaga bojowa,
Ziemia jest wzburzona - od kołyszących się kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.
Najważniejsze, że malarz przekonująco pokazał: żadnego, najbardziej bezlitosnego i nieodparte siły nie jest w stanie zniszczyć osoby w człowieku. Przyglądając się obrazowi, można zauważyć, że nawet w chwili śmierci każdy z przedstawionych na nim osób nie tyle szuka zbawienia dla siebie, ile stara się przede wszystkim ocalić bliskie mu osoby. Tym samym mężczyzna znajdujący się w samym centrum obrazu, wyciągając otwartą dłoń lewej ręki ku groźnemu niebu, chroni nie siebie przed spadającymi kamieniami, ale swoją żonę, którą okrył płaszczem. Kobieta, pochylona i pochylona całym ciałem do przodu, próbuje swoim ciałem zasłonić dzieci.
Oto dorosłe dzieci próbujące wyciągnąć starego ojca spod ognia. Tutaj matka przekonuje syna, aby ją opuścił i uratował się. A oto pan młody z martwą panną młodą w ramionach.
Oczywiście nie wszyscy ludzie są jednakowo wierni i przyzwoici. W obrazie pojawia się zarówno bestialski strach, zmuszający jeźdźca na koniu do szybkiego ratowania się, jak i nienasycona chciwość, z jaką ksiądz przywłaszcza sobie kościelne skarby, wykorzystując powszechną panikę. Ale nie ma ich wielu.
Jednak na obrazie dominuje szlachetność i miłość.
Twórczość Bryulłowa nosi wyraźny ślad wpływu romantyzmu. Widać to zarówno w wyborze tematu, jak i w ognistej kolorystyce obrazu. Ale z drugiej strony widać tu także wpływ klasycyzmu, któremu Bryullov był zawsze wierny – postacie ludzi bardzo przypominają doskonałe antyczne rzeźby. Niewiele dzieł sztuki zaznało triumfu twórczości Bryullowa.
Słynny angielski pisarz Walter Scott spędził dwie godziny w pobliżu obrazu i ocenił dzieło rosyjskiego mistrza jako epopeję historyczną. Kiedy autor wkroczył ojczyzna, ciepło go powitano już w Odessie (przybył drogą morską), a szczególnie entuzjastycznie w Moskwie. To właśnie na „tronie matki” artystę powitano poetyckimi zwrotkami E.A. Baratyńskiego:
Przyniosłeś trofea pokojowe
Z tobą pod baldachimem twojego ojca,
I stał się „Ostatnim dniem Pompei”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla!
Być może najbardziej słynny portret Pędzle Bryullova. Przed nami uczniowie hrabiny Samoilovej – Giovanna i Amazilia Pacini. Ten uroczyste malowanie portretów: młoda piękność Giovanna w postaci Amazonki, trzymająca konia przed werandą domu, na jej spotkanie wybiegły psy i dziewczynka, patrzy na siostrę z podziwem i uwielbieniem. Portret zdaje się być wypełniony ruchami i dźwiękami: szczekają psy, wydaje się, że wciąż słychać echo tupotu dziecięcych stóp w rozbrzmiewających echem korytarzach pałacu. Koń jest gorący, ale jeździec spokojnie siedzi na jego szerokim grzbiecie. Bryullov z wielką wprawą maluje powiewający szmaragdowy szalik jeźdźca na tle ciemnej zieleni parku – zieleń na zieleni. Święto będzie przepełnione radosnym uczuciem zachwytu nad świątecznym bogactwem i różnorodnością życia.
Modelem tego obrazu był rzymski mieszkaniec – pulchna osoba o okrągłej twarzy, którą przedstawił zbierającą winogrona. Stojąc na schodach, w lewej ręce trzyma kosz winogron i prawa ręka ma zamiar zerwać kiść winogron, ale podziwia grę świateł w jagodach wypełnionych bursztynem. Artysta przyłapał ją na tym.
Hojne włoskie słońce prześwieca przez zielone liście, płonie złotem w winogronach, błyska jasnym płomieniem na fioletowej pelerynie zarzuconej na lewe ramię młodej kobiety, w rumieńcu jej policzków, w zakrzywieniu jej szkarłatnych ust, przeszywa ją bujny biust, który eksponuje bluzka zsunięta z ramienia.
"Włoskie południe" - dojrzała, kwitnąca kobieta, pasująca do dojrzałych i soczystych owoców pielęgnowanych włoskim słońcem. Buria światła i kolorów, typowo włoska, południowa postawa twarzy nie wymaga pokazywania otoczenia, aby podkreślić scenę akcji .
Obraz oparty jest na historii biblijnej. Batszeba jest żoną Uriasza, przyjaciela króla Dawida. Dawid zabił Uriasza i uczynił Batszebę swoją żoną, która urodziła mu syna, przyszłego króla Salomona, słynącego ze swej mądrości. Artysta połączył w obrazie idealne piękno prawda życiowa. Pisze piękno kobiece ciało, ale przy wszystkich formach rzeźbiarskich przypominających klasycyzm, to piękno nie jest zimne, ale żywe, ciepłe. Fabuła mitologiczna w duchu romantyzmu zabarwiony jest pikantnością orientalnej egzotyki: śnieżnobiała piękność Batszeby przełamana jest przez ciemnoskóre ciało czarnoskórej kobiety.
Przed nami dramat z życia kastylijskiego króla Portugalii Alfonsa IV. Nadworna dama żony syna królewskiego Don Pedro Inessy urzekła swoją urodą niemowlę, które po śmierci żony potajemnie ją poślubiło, bo... ojciec miał inną kandydatkę na żonę dla swojego syna. Doradcy króla odkryli tajemnicę jego syna i wyjawili ją Alfonsowi.
Don Pedro odmówił poślubienia zalotnika swojego ojca. Następnie decyzją Rady Królewskiej postanowiono zabić Inessę. Po oczekiwaniu na moment, w którym Don Pedro wyruszy na polowanie, król wraz ze swoimi doradcami udali się do Inessy. Kiedy Inessa zdała sobie sprawę, co ich czeka, rzuciła się do stóp króla. Nieszczęsna kobieta szlochała i błagała o życie. Początkowo król zlitował się nad młodą kobietą, ale jego doradcy przekonali ją, aby nie ulegała niepotrzebnej litości i zabili matkę dwójki dzieci.
Don Pedro nie wybaczył ojcu takiej zdrady i po jego śmierci odnalazł bezpośrednich zabójców i dokonał ich egzekucji. Artystce udało się oddać uczucia matki żarliwie błagającej swoich zabójców. Król i jego sługi przedstawieni są w ciemnych, ponurych kolorach, postacie Inessy i dzieci wyróżniają się jako jasny punkt. I znowu w przedstawieniu kobiety Bryullov pozostaje wierny klasycyzmowi, a przy wyborze tematu, w przedstawieniu pasji skłania się w stronę romantyzmu.
Portret ceremonialny córki słynnego miłośnika teatru i artysty Shishmareva. Portret namalowany jest w formie Malarstwo rodzajowe, Siostry schodzą po marmurowych schodach do ogrodu. Pies szybko biegnie im do stóp. Poniżej etiopski służący trzyma konie arabskie. Ruchy „Amazonek” są płynne i piękne. Ich kostiumy są wykwintne. Kolory niebieskich, szkarłatnych i czarnych ubrań są głębokie i bogate.
Ten obraz jest szczytem twórczości Bryullova jako malarza portretowego. To triumfalny przejaw piękna i duchowej siły niezależnej, jasnej, wolnej osobowości. Bryullov i Julia Samoilova kochali się. Poznali się w Rzymie, a ich miłość ułatwiła hojna włoska natura. Artystka przedstawiła ją wraz z uczennicą wychodzącą z salonu domu: porywczą, porywczą, olśniewająco piękną, urzekającą pachnącą młodością i namiętnością natury. Artysta Kiprensky powiedział, że z takim powodzeniem można stworzyć portret kobiety, którą nie tylko bez końca podziwiasz, ale którą kochasz namiętnie i szaleńczo...
Drugi tytuł obrazu to „Maskarada”. Ten główny pomysł artysta.
Tam, z tyłu sali, odbywa się maskarada. Ale w świecie kłamstw Samoilova, pełna ludzkiej godności, z pogardą zrzuciła maskę i dumnie pokazuje swoją otwartą twarz. Ona jest szczera. Nie kryje swojej miłości do potępionej na tym balu artystki i swojego stosunku do społeczeństwa, które ona i jej siostrzenica wyzywająco odchodzą.
A tam, z tyłu sali, tłum w maskach nadal się bawi, są przedstawiciele Wyższe sfery którzy są przyzwyczajeni do mówienia jednego, robienia innego i myślenia o czymś innym. Istnieje tam całkowicie fałszywe społeczeństwo, z którym Bryullov tak często nie zgadzał się ze swoimi poglądami. Samoilova odegrała ogromną rolę w życiu artysty – wspierała go zarówno finansowo, jak i duchowo trudne chwileŻycie Bryulłowa.
Ten autoportret uważany jest za jeden z najlepszych w malarstwie światowym. Artysta oddał w nim nastrój, jaki towarzyszył mu u schyłku życia. Bryullov był w tym czasie poważnie chory. Mistrz przedstawia siebie leżącego na krześle. Czerwona poduszka, na której zmęczona spoczywa głowa, podkreśla chorowitą bladość twarzy. Dłoń wychudzonego ramienia, bezsilnie opuszczona z podłokietnika, wzmacnia motyw cierpienie fizyczne. Jednakże uważa się, że do cierpienia fizycznego dodaje się udrękę psychiczną. Wygląd zapadniętych, zmęczonych oczu mówi o nich wyraziście. To arcydzieło powstało w zaledwie dwie godziny.
Malarstwo ilustracyjne wiersz o tym samym tytule Puszkin. Przedstawił „nieśmiałe żony” Khana Gireja w ogrodzie przy basenie, obserwujące ruchy ryb w wodzie. Obserwuje ich eunuch. Z zainteresowaniem i zachwytem artysta przekazuje egzotykę Wschodu: fantazyjne orientalne stroje, bujny luksus natury - wszystko to nadaje obrazowi świąteczną dekorację. W filmie nie ma dramatu. jak w wierszu. Idylliczny nastrój sprawia, że jest to malownicza ilustracja do wierszy:
Beztrosko czekając na chana,
Wokół zabawnej fontanny
Na jedwabnych dywanach
Siedzieli w tłumie igraszek
I z dziecięcą radością patrzyli,
Jak ryba w czystych głębinach
Szedłem po marmurowym dnie.
Celowo, żeby sprowadzić ją na dół od innych
Porzucili złote kolczyki.
Obraz namalowano w 1827 r. To jest scena z wiejskie życie, widziana w jednym z włoskich miejsc. Bryullov zamienił to w elegancki spektakl baletowy.
Młoda wieśniaczka, jak pełna wdzięku tancerka, wspięła się na palce i rozłożyła elastyczne ramiona, ledwo dotykając winorośli kiścią czarnych winogron. Muzykalność jej pozy podkreśla lekka sukienka dopasowana do jej smukłych nóg – chiton. Nić koralowca podkreśla smukłą szyję i rumianą twarz otoczoną kręconymi brązowymi włosami.
Kolejna dziewczyna, leżąca swobodnie na schodach domu. dzwoni w dzwoneczki tamburynu i kokieteryjnie spogląda na widza.
W zabawne towarzystwo interweniuje młodszy brat w krótkiej koszulce – coś w rodzaju bachicznego kupidyna, który niesie butelkę wina.
Dziękuję, cudowna kolekcja!
Autoportret
1848
Płótno, olej
64,1 x 54 (góra – półowalna)
Osobowość ludzka jest interesująca dla artysty epoki romantyzmu ze względu na jej różnorodność i nieprzewidywalność życia wewnętrznego. Konsekwencją tego zainteresowania był rozwój gatunku autoportretu. „Autoportret” został napisany przez K.P. Bryullova zaraz po poważnej chorobie w jednej sesji, dlatego tak naturalnie zabrzmiał w nim jeden z kluczowych tematów romantyzmu - walka bezsilnego ciała i potężnego ducha. Kolor jest skrajnie zdematerializowany, czarno-czerwona dominuje uwydatnia bladość twarzy, pełnej wewnętrznego spalania, włosy przyrównane są do języków płomieni. Bezradnie opadła dłoń i wychudzony wygląd zaprzeczają energetycznemu obrazowi płótna. Półkoliste wykończenie kadru, czarna bluzka, fryzura z kozią bródką i ułożenie dłoni przywodzą na myśl dawnych mistrzów (współcześni nazywali artystę „Rosjaninem van Dyckiem”). Bryullov przedstawia siebie zarówno jako rozczarowanego „syna stulecia”, jak i „wybranego z bogów”. Krytycy pisali o „Autoportrecie” K.P. Bryullov: „Cała jego natura jest przed tobą; obraz wyraża jednocześnie wiele stron ducha, które objawiły się obserwującemu umysłowi artysty nie podczas jednego spotkania, ale podczas wielu różnych spotkań; dlatego im głębiej wpatrujesz się w portret Bryulłowa, tym więcej odkrywasz w nim wszechstronną prawdę i głębię”.
Bryullov (przed 1822 - Bryullo) Aleksander Pawłowicz
Chodzenie w wózku
1845-1846
Płótno, olej
42,5 x 52,6
Przed nami jeden ze wspaniałych przykładów rosyjskich portretów grupowych. Napisany dość późno, bo w latach czterdziestych XIX wieku, zachowuje pogodę ducha poprzedniej epoki. Obraz przedstawia: wielką księżną Jekaterinę Michajłownę (1827–1894), córkę wielkiego księcia Michaiła Pawłowicza i wielkiej księżnej Eleny Pawłownej, poślubioną (od 1851 r.) księżną Meklemburgii-Strelitz, honorową kochanką Cesarskiej Akademii Sztuk; druhna honorowa baronowa Maria Logginovna Zeddeler (1825–1868), poślubiła baronową Weymarn; druhna Lidia Kharlampievna Zherebtsova, późniejsza żona D.P. Chruszczowa; Izba Frau Natalya Konstantinovna Schiebel, córka lekarza poczty petersburskiej K. Schiebela. Malarstwo nie było dziedziną szczególnie bliską A.P. Bryullovowi, ale nawet w tym niewielkim dziele pozostaje wierny podstawom swojej sztuki – swobodzie obrazu, zwiewności, niemal prace akwarelowe pędzlem, miniaturową grą kolorów i, co najważniejsze, zachowuje podnoszącego na duchu ducha młodości
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Jeździec
1832
Płótno, olej
291,5 x 206
Przedstawione są siostry Giovannina i Amazilia Pacini, uczennice hrabiny Yu.P. Samoilovej, z którą Bryullov pozostawał w bliskiej przyjaźni. W filmie „Horsewoman” ważna jest nie tyle narracja, co akcja. Najstarsza z sióstr gwałtownie zatrzymuje rozpalonego konia, ale ona sama pozostaje absolutnie spokojna. Dzika siła poddająca się kruchemu pięknu to jeden z ulubionych motywów romantyzmu. Twarz dziewczyny jest idealnie piękna. W czasach Bryullova włoski typ wyglądu uchodził za doskonały, a artysta bawił się nim z przyjemnością. Wykwintna gra kolorów, połyskujące tkaniny – każdy szczegół zdaje się głosić splendor tego „najlepszego ze światów”.
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret mężczyzny
1838
płótno, olej
88,7 x 71
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret A.N. Golicyna
1840
płótno, olej
194,5 x 142
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret A.N. Lwowa
1824
płótno, olej
62,3 x 49,5
Lwów Aleksander Nikołajewicz (1786-1849), stan i osoba publiczna. Syn architekta N.A. Lwowa i M.A. Dyakowej. W 1831 r. „za gorliwe wypełnianie powierzonych mu obowiązków w walce z cholerą w Moskwie” otrzymał tytuł szambelana. Od początku lat trzydziestych XIX w. zakładał w swoich majątkach państwowe banki pożyczkowe dla chłopów
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret A.N. Strugowszczykowa
1840
Płótno, olej
80x66,4
Strugowszczykow Aleksander Nikołajewicz (1808–1878), urzędnik wojskowy, poeta, tłumacz. Znawca i wielbiciel twórczości J.V. Goethego. Współcześni uważali go za najlepszego tłumacza Fausta. Bliski przyjaciel Bryulłow. Zewnętrznie portret jest prosty - przedstawia mężczyznę na krześle Voltaire'a z książką w dłoni. Portret powstał w czasie, gdy Strugowszczikow pracował nad tłumaczeniem fragmentów Fausta. Ten bohater literacki znów zaczyna przyciągać uwagę oświeconego społeczeństwa, ale już nie z „prometejskimi”, bezbożnymi cechami, jak w XVIII wieku, ale z „mefistofelskim” zimnym sceptycyzmem. Tak przedstawiony jest Strugowszczykow: blada, wychudła twarz naznaczona myślami, oczy pozbawione blasku, cienkie, nerwowe dłonie zmęczone leżące na podłokietnikach krzesła. Zanim widz stanie się prawdziwym „bohaterem naszych czasów”, przedstawicielem pokolenia „ dodatkowe osoby”, dobrze znany z literatury lat czterdziestych XIX wieku.
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret aktora A.N. Ramazanowa
1821-1822
płótno, olej
64,5 x 52,5
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret architekta I.A. Monighettiego
1840
płótno, olej
49,5 x 42,5
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret wielkiej księżnej Eleny Pawłownej
1829
płótno, olej
73,4x59; (owalny)
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret Wielka Księżna Maria Nikołajewna
1837
płótno, olej
60,2 x 48
Wielka Księżna Maria Nikołajewna (1819-1876), najstarsza córka Mikołaj I, od 1839 r. - żona księcia Maksymiliana z Leuchtenberg, od 1854 r. - w morganatycznym małżeństwie z hrabią G.A. Stroganowem. Prezes Cesarskiej Akademii Sztuk (1852-1864), przewodniczący Towarzystwa Artystów (1852-1876)
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret adiutanta generalnego hrabiego V.A. Perowskiego
1837
płótno, olej
247,2 x 155,2
Perowski Wasilij Aleksiejewicz (1794–1857), uczestnik wojny Ojczyźnianej 1812 r. Służył w Sztabie Generalnym Gwardii, w Pułku Strażników Życia Jaeger; w 1816 r. towarzyszył wielkiemu księciu Mikołajowi Pawłowiczowi w podróży zagranicznej. Adiutant generalny (1833). Generalny gubernator Orenburga; dowódca oddzielnego korpusu Orenburga (1833–1842, 1851–1857). Generał kawalerii (1843). Członek Rada Państwa(1845). W 1855 roku otrzymał tytuł hrabiowski. Brat pisarza A.A. Perovsky (pseudonim - Antony Pogorelsky). Przyjaciel V.A. Żukowski, A.S. Puszkin. W latach 1822–1824 przebywał we Włoszech, gdzie poznał K.P. Bryulłow. W latach 1835–1836 mieszkał w Moskwie. Portret sięga popiersia, nie ma w nim zbędnych atrybutów, jednakże odznacza się cechami ostentacji. Bohater ukazany jest na tle kłębiących się chmur, gra światła i cienia na jego twarzy, mistrzowsko oddana przez Bryulłowa, podkreśla wygląd i charakter Perowskiego nieugięta wola i determinacja.
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret hrabiny O.I. Orłowej-Davydovej z córką Natalią Władimirowną
1834
płótno, olej
195x126
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret hrabiny OP Fersen
1838
płótno, olej
68 x 55 (owalny)
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret dzieci Wołkonskich z czarną miłością
1843
płótno, olej
146,1 × 124,1
Portret przedstawia kuzynki: księżną Elżbietę Grigoriewną (1838–1891), córkę szambelana księcia G.P. Wołkońskiego i księżną Sofię Dmitriewną (1841–1875), córkę szambelana księcia D.P. Wołkońskiego. Portret można śmiało nazwać ceremonialnym, gdyż dziewczęta, mimo młodego wieku, ukazane są w dworskich strojach ceremonialnych. Pojawienie się takiego stroju wiąże się z dekretem Mikołaja I z 27 lutego 1834 r., który wprowadził specjalny „mundur” do strojów dworskich. Chęć wykazania w strojach ludowych elementów narodowych doprowadziła do tego, że zaczęto je ozdabiać złotym haftem, a sam krój przypominał rosyjską szatę wahadłową z odległych czasów. Dodaj do tego stylizowane „długie” (długie) rękawy czerwonej aksamitnej szaty, a otrzymasz coś, co ironicznie nazywa się „francuską sukienką”. Stylizowany kokosznik na głowie pięcioletniej Elżbiety (właściwie kokosznik to chłopskie nakrycie głowy dla kobiet) podkreśla, że dama dworu, niezależnie od swojego wieku, jest zawsze Damą. Napisane później w Petersburgu triumfalny powrót z Włoch w wyniku przemyślanej pracy - obrazu „Ostatni dzień Pompei”, portret po raz kolejny pokazuje genialne umiejętności malarskie Karla Bryullova.
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret EI Durnovy
1836
płótno, olej
71,5 x 62
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret I.A. Kryłowa
1839
płótno, olej
102,3 x 86,2
Kryłow Iwan Andriejewicz (1768 lub 1769–1844), bajkopisarz, pisarz, dramaturg, dziennikarz. Służył w Izbie Skarbowej (1783–1787), w Wyprawie Górskiej (1787–1788). Potem odszedł na wiele lat służba publiczna i zajął się pracą literacką. Publikował czasopisma satyryczne „Poczta duchów” (1789), „Spectator” (1792), gdzie kontynuował tradycje edukacyjne N.I. Nowikowa. W 1792 r. Kryłow został objęty dozorem policyjnym, a pod koniec 1793 r. opuścił na kilka lat Petersburg. W 1806 roku pisarz wrócił do stolicy i odwiedził salon literacko-artystyczny A.N. Olenina, zbliżył się do G.R. Derzhavin, A.S. Szyszkowa, następnie utrzymywał bliskie kontakty z pisarzami kręgu Puszkina. Jego komedie „Sklep z modą” (1806), „Lekcja dla córek” (1807) i inne wystawiane były na deskach teatrów petersburskich.W 1809 r. ukazał się pierwszy tom bajek. Kryłow był członkiem licznych towarzystw literackich i artystycznych. W 1811 został wybrany członkiem Akademii Rosyjskiej, w 1823 otrzymał od niej złoty medal za zasługi literackie, a gdy Akademia Rosyjska została przekształcona w Katedrę Języka i Literatury Rosyjskiej Cesarskiej Akademii Nauk w Petersburgu ( 1841) został pierwszym akademikiem tego wydziału. Mimo że portret nie jest ukończony (dłoń namalował uczeń K.A. Bryullowa, F.A. Goretsky z gipsowego odlewu ręki nieżyjącego już I.A. Kryłowa), nosi on cechy malarskiego mistrzostwa Bryullowa, które tak zachwyciły publiczność. Szczególnie efektowne wrażenie robi wyrazisty kontrast czarnego surduta i ciemnoczerwonego płonącego tła – połączenie, które szczególnie często będzie pojawiać się w późniejszych portretach mistrza.
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret włoskiego prawnika Francesco Ascaniego
1834
Drewno, olej
55,4x46; (owal w prostokącie)
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret KA Janish
1841
płótno, olej
67 x 57,7
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret księcia M.A. Obolenskiego
1840-1846
płótno, olej
123,7 x 106,7
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret M.A. Beka z córką
1840
Płótno, olej
246,5 x 193,5
Słynna petersburska piękność z epoki A.S. Puszkina i M.Yu Lermontowa, z którą była bliską krewną, dwudziestoletnia Maria Arkadyevna Bek (1819–1889), córka senatora A.A. Stołypina, spokojnie i naturalnie pozuje dla Bryulłowa. Artysta nie raz malował podobne portrety, wykazując się błyskotliwą umiejętnością oddania materialności każdego szczegółu dzieła. Błękitna aksamitna suknia, obszyta futrem atłasowa stuła, marmurowy ozdobny wazon, gęsty stos dywanu i lśniący jedwab obicia krzesła – wszystko to jest dowodem mistrzostwa artysty w tajnikach rzemiosła. Być może portret ten byłby kolejnym sukcesem na liście ceremonialnych portretów Bryullowa, gdyby nie sama modelka. Za zimną maską damy towarzystwa kryje się subtelna, wrażliwa, poetycka natura. Owdowiała w wieku 22 lat, później wyszła ponownie za mąż za Pawła Wyzemskiego, syna wybitnego rosyjskiego poety Piotra Wiazemskiego. Piotr Andriejewicz, opisując to wydarzenie w liście do V.A. Żukowskiego, zauważa, że jego synowa „jest piękną, grzeczną twarzą i duszą, pobożną, wychowaną w rodzinie swojego dziadka, hrabiego Mordwinowa”. Portret zdobił dom Wiazemskich, a później dom córki Marii Arkadyjewnej z pierwszego małżeństwa, Marii Iwanowny (zamężnej z hrabiną Lamsdorf) w majątku Aszitkowo w guberni moskiewskiej. Po tragicznych wydarzeniach października 1917 r. został skonfiskowany i przekazany do Funduszu Muzeum Narodowego, a stamtąd w 1920 r. do Galerii Trietiakowskiej.
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret M.I. Alekseevy
1837-1840
płótno, olej
92 x 73; (owalny)
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret Marii Ardalyovny Kikiny
1821-1822
płótno, olej
82,6 x 71,7
Kikina Maria Ardalyovna (1787-1820), z domu Torsukova, żona P.A. Kikina
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret Michała Anioła Lanciego
1851
Płótno, olej
61,8 x 49,5
Lanci Michelangelo (1779–1867), włoski archeolog, profesor języków orientalnych, znajomy artysty. Artysta, przedstawiając starszego naukowca, nie kryje wieku swojego bohatera. Lanci podniósł wzrok na widza, jakby usłyszał pytanie lub czekał na odpowiedź, jakby widz stał się rozmówcą bohatera. To uczucie potęguje gest ręki, który artysta zauważył w przypadkowym ruchu. Szczególną rolę odgrywa kolor, oparty na połączeniu czerwieni i srebrno-szarego. Zielonkawo-brązowe tło skutecznie podkreśla harmonię dwóch dominujących barw.
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret N.V. Kukolnika
1836
Płótno, olej
117 x 81,7
Kukolnik Nestor Wasiljewicz (1809–1868), poeta, prozaik, dramaturg. Autor dramatów o losach artystów i poetów. Oficjalne wsparcie otrzymał dramat „Ręka Wszechmogącego ocaliła Ojczyznę”. Na przełomie lat 30. i 40. XIX w. napisał szereg dzieł m.in temat historyczny, w którym monarcha jawi się jako najwyższy przejaw woli ludu. Ułożone wieczory literackie, często uczestniczyli w nich K.P. Bryulłow, F.P. Tołstoj, M.I. Glinka i inni.Wydawca „Gazety Artystycznej”. Bryullov starał się stworzyć wizerunek romantycznego poety. Osobowość sprzeczna, żyjąca w świecie emocji i marzeń, skłonna do melancholii – tak postrzegała prawdziwego twórcę epoka romantyzmu. Wrażenie powściągliwości i niedopowiedzenia potęguje ponura kolorystyka, gra cieni i niezrozumiały, tajemniczy pejzaż. W głębi widać żagiel – symbol niezrozumianej, samotnej duszy poety. Lalkarz ukazany jest jako angielski dandys o ironicznym spojrzeniu: rozczarowanie i sceptycyzm stały się modą i zasadą dobrych manier.
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret Platona Wasiljewicza Kukolnika
1837-1839
płótno, olej
113,8 x 82,5
Kukolnik Platon Wasiliewicz (ok. 1804–1848), brat N.V. Kukolnika. Pracował w Niżyńskim Gimnazjum Nauk Wyższych i wykładał na Uniwersytecie Wileńskim. Był zarządcą majątków księcia N.N. Nowosiltsewa. W 1838 przeszedł na emeryturę i zamieszkał w Petersburgu.
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret rzeźbiarza I.P. Vitali
1836-1837
płótno, olej
94,2 x 76,3
Witalij Iwan Pietrowicz (1794–1855), urodzony we Włoszech rzeźbiarz, monumentalista, portrecista i pedagog. W latach 1818-1841 mieszkał w Moskwie, gdzie założył własny warsztat. Przyczynił się do otwarcia Klasy Życia w Moskwie w 1832 r. Autor rydwanu chwały i płaskorzeźby „Wyzwolenie Moskwy” dla Bramy Triumfalnej (1829–1834), fontann na Łubiance (1935) i Teatralnej (1835–1836) kwadraty itp. Od 1841 r. Witalij zajmował się rejestracją rzeźbiarską Katedra św. Izaaka w Petersburgu. Wykonał szereg portretów rzeźbiarskich, m.in. K.P. Bryullov (1836) i A.S. Puszkin (1837). Poeta napisał do żony: „Udało mi się już odwiedzić Bryulłowa. Znalazłem go w pracowni jakiegoś rzeźbiarza, gdzie mieszka. Jest rozdrażniony, boi się rosyjskiego chłodu i innych rzeczy, tęskni za Włochami i jest bardzo niezadowolony z Moskwy”. Bryullov portretuje Witalija jako natchnionego twórcę, z nieziemskim blaskiem na czole, który nie pasuje do jego dobrodusznej, opuchniętej twarzy i typowego wyglądu moskiewskiego człowieka na ulicy. Vitali pracuje nad portretem K.P. Bryulłow.
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret sekretarza stanu P.A. Kikina
1821-1822
płótno, olej
82x71
Bryullov (przed 1822 r. - Bryullo) Karol Pawłowicz
Portret artysty Ya.F. Yanenko w zbroi
1841
płótno, olej
58x49,2
Bugajewski-Glagorenny Iwan Wasiljewicz
Autoportret
1814
płótno, olej
67 x 54,7
Bułhakowa Olga Wasiliewna
Teatr. Aktorka Marina Neyolova
1976
Płótno, olej
143 x 266
Neyolova Marina Mstislavovna (ur. 1947), aktorka teatralna i filmowa, długie lata służy w teatrze Sovremennik. Zasłużony Artysta RFSRR, laureat Nagrody Lenina Komsomola. Artysta wyraził jedno z najbardziej charakterystycznych zainteresowań „lat siedemdziesiątych” - przedstawianie karnawałów, różnego rodzaju przedstawień i festiwali. Bułhakow przedstawia świat jako arenę teatralną ostrą i intensywną dramatyczna akcja. Rzeczywistość ukazuje się jakby w podwójnym odbiciu – zarówno w figuratywnej interpretacji słynnej aktorki, jak i w misternej akcji teatralnej. Znajomy framework gatunek portretowy zostały rozsunięte. Kompozycja, której akcja rozgrywa się niczym na proscenium, rozwija się linearnie na pierwszym planie obrazu. Krucha postać aktorki ukazana jest w centrum, na scena teatralna przedzielona zasłoną na pół. Bohaterka portretu to osoba czująca i myśląca kreatywna osoba- porównywany jest z bohaterami spektaklu, symbolizującymi radość, smutek, walkę dobra ze złem. Konkretne teatralne postacie i detale przeplatają się z kolorem i rytmicznymi fragmentami, które są już czymś w rodzaju „autorskich wskazówek”. Wszystko to pomaga skomplikować treść figuratywną i wzbogacić język plastyczny. Połączenie dwóch heterogenicznych wymiarów – „widzialnego” i „doświadczonego” – jest charakterystyczną cechą sztuki metaforycznej moskiewskich artystów lat siedemdziesiątych.
Burliuk Dawid Dawidowicz
Portret futurystycznego bojownika pieśni Wasilija Kamenskiego
1916
Płótno, olej, farba brązowa
97 x 65,5
Kamenski Wasilij Wasiljewicz (1884–1961) był znaną postacią rosyjskiego futuryzmu – pisarzem i artystą, a ponadto jednym z pierwszych rosyjskich lotników. Davida Burliuka nazywano „szefem kuchni rosyjskiego futuryzmu”. Wiele uwagi poświęcił strategii wyznaczania nowych kierunków w sztuce lat 1910-tych. Na portrecie Burliuk nie stara się wiernie oddać wyglądu swojego przyjaciela. Niemniej jednak kręcona głowa Kamenskiego i jego charakterystyczna owalna twarz są dość rozpoznawalne. Malarz posługując się artystycznymi zasadami sztuki prymitywnej tworzy żywy obraz osoby poszukującej nowych kierunków w twórczości; smutna muza z kwiatkiem w dłoni nad głową Kamenskiego odchodzi w przeszłość. Ta kompozycja nie ma ścisłej koncepcji góry i dołu, lewej i prawej strony. Można go odwrócić tak, aby krajobraz znalazł się na dole kompozycji, a jego format zmienił się z pionowego na poziomy. Utwór ten ma wiele dziarskich początków, drażniąc publiczność, przyzwyczajoną do ufania nakazom klasyki.
"Autoportret"
1836
Karl Petrovich Bryullov to wybitny rosyjski malarz historyczny, portrecista, pejzażysta, autor monumentalnych obrazów; zdobywca nagród honorowych: duże złote medale za obrazy „Pojawienie się trzech aniołów Abrahamowi pod dębem Mamre” (1821) i „Ostatni dzień Pompejów” (1834), zamówienie Anna III stopni; Członek Akademii Mediolańskiej i Parmy, Akademii św. Łukasza w Rzymie, profesor Akademii Sztuk w Petersburgu i Florencji, honorowy współpracownik paryskiej Akademii Sztuk.
„Dziewczyna zbierająca winogrona w okolicach Neapolu”
1827
olej na płótnie 62x32,5
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
„Włoszka spodziewająca się dziecka”
1830
karton, akwarela, ołówek graficzny 19x22,5cm,
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
„Portret hrabiny Julii Pawłownej Samoilovej z Giovaniną Pacini i małym czarnym chłopcem”
1832-1834
Olej na płótnie 51 x 73
Muzeum Hillwooda
Waszyngton
Szczytem stał się obraz „Ostatni dzień Pompei” (1827–1833). osiągnięcia twórcze, pojedynczy wybuch błyskotliwego talentu i wirtuozowskich umiejętności artysty. Tłumy widzów w Rzymie, Mediolanie, Paryżu (złoty medal 1834) i Petersburgu były zahipnotyzowane wspaniałością pomysłu i wykonania. Płótno zostało podarowane przez klienta Anatolija Demidowa carowi Mikołajowi I.
Wybiera się na zwiedzanie ruin Pompei i Herkulanum, nawet nie podejrzewając, że ta podróż doprowadzi go na sam szczyt kreatywności. Bryullov był zszokowany tym, co zobaczył – wiedza o tragedii nie mogła przyćmić ostrości percepcji. Artysta miał poczucie, że nigdzie indziej nie znalazłby tak uderzającego obrazu nagle przerwanego życia. Mieszkańcy starożytnych Pompejów zasłużyli swoją śmiercią na nieśmiertelność.
Bryulłow nie raz wracał do zniszczonego miasta, w jego umyśle pojawiał się obraz, w którym ślepe żywioły nie tylko odbierały ludzkie życie, ale także obnażały dusze. 
„Ostatni dzień Pompejów”
1830-1833
Płótno, olej. 456,5 x 651 cm
Państwowe Muzeum Rosyjskie
„Portret księżnej Elżbiety Pawłownej Saltykowej”
1841
Olej na płótnie 200 x 142
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
„Portret Yu.P. Samoilovej z adoptowaną córką Amalią”
1842
Olej na płótnie 249 x 176
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
„Portret księżniczki A.A. Bagration”
1849
olej na płótnie 60 x 52,8 cm
Moskwa
"Chodzić"
1849
Papier, akwarela 31 x 46
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Narcyz patrzący w wodę”
1819
olej na płótnie 162 x 209,5
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
„Fortuna Swietłana”
1836
Państwowe Muzeum Sztuki w Niżnym Nowogrodzie
Jedyna praca K.P. Bryullova o tematyce narodowej, powstała bezpośrednio po powrocie artysty z Włoch. Romantyczna fabuła płótna ze sceną Wróżenie Objawienia Pańskiego inspirowany popularną wówczas balladą „Swietłana” V.A. Żukowskiego. Obraz ma jednak charakter niezależny, można go uznać za swego rodzaju obrazową paralelę do słynnego dzieła literackiego.
„Portret księżniczki E.P. Saltykowej”
1833-1835
papier, akwarela 44 x 33,6 cm
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
1834
Olej na płótnie 195 x 126
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Portret Wielkiej Księżnej Eleny Pawłownej z córką Marią”
1830
Olej na płótnie 265 x 185
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
„Portret autora i baronowej E.N.Meller-Zakomelskiej z dziewczyną na łódce”
1833-1835
„Fontanna Bakczysaraju”
1849
Ogólnorosyjskie Muzeum A.S. Puszkina
„Portret sióstr A.A. i OAShishmarevs”
1839
Olej na płótnie 281 x 213
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
„Słodkie wody w pobliżu Konstantynopola”
1849
akwarela, 69 x 87 cm.
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
Inessa de Castro jest córką Pedro Fernandeza de Castro z kastylijskiej rodziny królewskiej.
Jako nadworna dama żony infanta Don Pedro, syna króla Portugalii Alfonsa IV, Inessa de Castro urzekła swą urodą Infanta, który po śmierci żony (1345) poślubił ją potajemnie.
Doradcy króla ujawnili tajemnicę niemowlęcia. Don Pedro, zapytany przez ojca, nie odważył się powiedzieć prawdy, ale jednocześnie nie zgodził się poślubić innej. Następnie rada królewska podjęła decyzję o zabiciu Inessy de Castro.
Któregoś dnia, gdy Don Pedro był na polowaniu, król udał się do Inessy de Castro, lecz wzruszony widokiem nieszczęsnej kobiety, która rzuciła mu się do stóp z dziećmi, błagając o litość, nie odważył się spełnić swego okrutne zamiary.
Doradcom królewskim udało się jednak uzyskać zgodę na popełnienie morderstwa i jeszcze tego samego dnia Inessa de Castro została zamordowana.
Po śmierci Alfonsa IV mordercy Inessy de Castro uciekli do Kastylii, ale zostali wydani w zamian za hiszpańskich zbiegów i brutalnie straceni.
Dwa lata później król uroczyście ogłosił, że za pozwoleniem papieża poślubił Inessę de Castro, nakazał wynieść jej ciało z grobu, ubrać się w szaty królewskie, założyć koronę, zasiąść na tronie i nadano królewskie zaszczyty. Następnie ciało zostało uroczyście pochowane w grobowcu królewskim, nad którym wzniesiono wspaniały pomnik z białego marmuru, zwieńczony wizerunkiem Inessy de Castro w koronie na głowie.
„Śmierć Inessy de Castro”
1834
olej na płótnie, 213 x 299,5
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
Obraz „Jeździec” został namalowany w 1832 roku na zlecenie hrabiny Julii Pawłownej Samoiłowej. Na obroży psa przedstawionego na tym portrecie artystka napisała imię „Samoilova”. W 1832 roku obraz był wystawiany w Mediolanie, w Galerii Brera. A potem było wiele odpowiedzi na to, które zebrał i przetłumaczył jeden z wiernych uczniów Bryulłowa, artysta Michaił Żeleznow. Płótno znajdowało się w kolekcji hrabiny, która została sprzedana w 1872 roku, na krótko przed śmiercią zbankrutowanej Samoilovej.
W 1896 r. zakupiono „Jeździcę” do galerii P. M. Tretiakowa. Początkowo przypuszczano, że obraz przedstawia samą hrabinę, ale historycy sztuki udowodnili, że tak nie jest, porównując obraz z późniejszymi pracami Bryulłowa „Portret hrabiny Yu.P. Samoilova ze swoją uczennicą Giovanniną i małym czarnym chłopcem” oraz „Portret hrabiny Yu.P. Samoilova opuszcza bal ze swoją adoptowaną córką Amatsilią. Obraz przedstawia dwie uczennice hrabiny Samoilovej – Giovaninę i Amazilię Pacini. Amazilia Pacini była córką włoskiego kompozytora Giovanniego Paciniego, przyjaciela Yu Samoilovej. Niewiele wiadomo o Jovaninie.
"Jeździec"
1832
Olej na płótnie 291,5 x 206
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Pod dębem Bogorodickim”
1835
Olej na płótnie 61 x 74
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Portret cesarzowej Aleksandry Fiodorowna”
1837
Regionalne Muzeum Sztuki
Woroneż
Rosja
„Oblężenie Pskowa przez króla polskiego Stefana Batorego w 1581 r.”
1843
Olej na płótnie 482 x 675
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Zakonnice z klasztoru Najświętszego Serca w Rzymie śpiewają na organach”
1849
Olej na płótnie 53,4 x 76,3 (góra - półowal)
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Inwazja Generyka na Rzym”
1836
olej na płótnie 88 x 117,9
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Przerwana randka”
1827
karton, akwarela, ołówek graficzny, 23 x 187 cm.
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa.
„Impreza w Albano”
Lata 30. XIX wieku
papier, akwarela, werniks, ołówek graficzny, 24,7 x 33 cm.
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Sen dziewczyny o świcie”
Lata 30. XIX wieku
Muzeum sztuki piękne ich. JAK. Puszkin
„Sen zakonnicy”
1831
papier, akwarela, werniks, 22,5x27,4
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
„Dolina Itom przed burzą”
1835
Akwarela, papier.
Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Puszkina
Moskwa
„Świątynia Apolla Epikurejczyka w Phigalii”
1835
akwarela, papier
Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin
Moskwa
„Diana, Endymion i Satyr”
1849
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Satyr i bachantka”
1824
olej na płótnie, 25,5 x 21 cm.
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
„Erminia z pasterzami”
1824
Olej na płótnie 98,2 x 137,3
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Batszeba”
1832
Olej na płótnie 173 x 125,5
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
Za początek jego kompozycji gatunkowych posłużył obraz „Poranek” namalowany przez Bryulłowa w 1823 roku. Była to pierwsza próba artysty studiowania prawdziwego życia.
Pracując nad obrazem „Poranek” Bryullov napisał do Towarzystwa Zachęty Artystów: „Oświetliłem modela w słońcu, zakładając oświetlenie od tyłu, tak aby twarz i klatka piersiowa znajdowały się w cieniu i odbijały się od fontanny oświetlone przez słońce, co sprawia, że wszelkie cienie są o wiele przyjemniejsze w porównaniu ze zwykłym oświetleniem z okna.” Postawiony przez Bryullova problem oświetlenia, czyli badanie natury w naturalnym środowisku, mówił o realistycznych dążeniach artysty.
Kontaktując się kreatywne porady od starych mistrzów Bryulłow wolał Tycjana, jak za jego czasów w Wenecji Tiatoretto i Veronese. W Tycjanie młodego Bryulłowa najbardziej pociągała umiejętność przekazywania oświetlenia. Postanowił skopiować dzieło wielkiego Wenecjanina do rzymskiej kolekcji Schara. Dowiedziawszy się o zakazie od właścicieli, Bryullov był zmuszony ograniczyć się do zwiedzania ich pałacu, gdzie, jak sam przyznaje, próbował przynajmniej „ukryć oczami” sztukę starego mistrza.
Malarstwo Bryullova przyciągało uwagę świeżością koncepcji, spontanicznością obserwacji i nowatorstwem zadań malarskich. Została bardzo ciepło przyjęta przez współczesną prasę, która szczegółowo ją opisała.
„W tym obrazie” – pisali w „Notatkach z ojczyzny” – „zawiera się prawdziwa magia malarstwa: wyrwana ze słodkiego snu dziewczyna biegnie do fontanny, aby odświeżyć się wodą. Obydwa uchwyty umieściła pod wpustem i niecierpliwie czeka, aż napełnią się wodą, która szemrząc, spływa na nie cienkim strumieniem. Cała jej uwaga skupiona jest na tym ostatnim. . . Tymczasem promienie wschodzące słońce przebijają się jak przez bursztyn, przez jej urocze ucho. To jest prawdziwy urok!” – entuzjastycznie zakończył swój opis autor artykułu.
„Włoski poranek”
1823
Kunsthalle
Kil
Do obrazu „Włoskie popołudnie” (1827) Bryullov wybrał jako model niską, gęstą kobietę, wypełnioną sokiem jak kiść winogron, która urzekająca urokiem i nieokiełznaną radością bycia symbolizuje rozkwit ludzkiej siły .
„Włoskie popołudnie”
1827
Olej na płótnie 64 x 55
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
„Portret U.M. Smirnowej”
1837-1840
olej na płótnie 90x71,5
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
„Śpiąca Juno”
(etiuda)
1839-43, olej na płótnie,
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Portret Wielkiej Księżnej Eleny Pawłownej”
1829
Olej na płótnie 73,4 x 59 (owal)
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Portret Wielkiej Księżnej Olgi Nikołajewnej”
(1822-1892).
1837
Olej na płótnie 46 x 38 (owal)
Regionalne Muzeum Sztuki w Samarze
Skrzydlak
„Portret hrabiny O.I. Orłowej-Davydovej z córką”
1834
Olej na płótnie 195 x 126
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Portret M.M. Beka z córką”
1840
Olej na płótnie 246,5 x 193
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Portret dzieci Wołkonskich z czarnym wrzosem”
1843
Olej na płótnie 146,1 x 124,1
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Jeźdźcy. Portret E.I. Mussara i E. Mussara”
1849
Karton, akwarela, biały, ołówek włoski 69 x 59,9
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Portret Wielkiej Księżnej Marii Nikołajewnej”
Etiuda.
1837
olej na płótnie 60,2x48
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
"Autoportret"
1848
Karton, olej 64,1 x 54
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Portret bajkopisarza Iwana Andriejewicza Kryłowa”
1839
Olej na płótnie 102,3 x 86,2
Państwowa Galeria Trietiakowska
Moskwa
„Geniusz sztuki”
1817-1820
kreda, pastel, węgiel na papierze,
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
Bryullow, namalowawszy obraz na temat ustalony przez Akademię Sztuk Pięknych, otrzymał złoty medal i został wystawiony na wystawie akademickiej w 1821 roku.
Abraham jest przede wszystkim założycielem narodu izraelskiego aktor wydarzenia biblijne.
W południowym upale trzech podróżników podeszło do Abrahama, siedzącego w pobliżu namiotu rozbitego w dębowym gaju mamwryjskim, i poprosiło o schronienie. Abraham ciepło przyjął gości, nie podejrzewając, że są to aniołowie. Podczas posiłku jeden z nich przepowiedział Abrahamowi, że będzie miał dziecko. Wkrótce proroctwo się spełniło – żona Abrahama, Sara, urodziła syna, któremu nadano imię Izaak (Rdz 18; 1-16).
„Pojawienie się trzech aniołów Abrahamowi pod dębem Mamre”
1821
Olej na płótnie 113x144cm
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
„Spowiedź Włocha”
1827-1830
papier, akwarela 26,2x18,7
Państwowe Muzeum Rosyjskie
Sankt Petersburg
Publikacje w dziale Muzea
Starożytna tragedia rzymska, która stała się triumfem Karla Bryulłowa
23 grudnia 1799 roku urodził się Karol Bryulłow. Karl, syn urodzonego we Francji rzeźbiarza Paula Brulleau, był jednym z siedmiorga dzieci w rodzinie. Jego bracia Paweł, Iwan i Fedor również zostali malarzami, a brat Aleksander – architektem. Jednak najbardziej znany był Karol, który w 1833 roku namalował „Ostatni dzień Pompejów”, główne dzieło jego życia. „Kultura.RF” przypomniała sobie, jak powstawał ten obraz.
Karol Bryulłow. Autoportret. 1836
Historia stworzenia
Obraz powstał we Włoszech, gdzie w 1822 roku artysta udał się na czteroletni wyjazd emerytalny z Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych. Ale mieszkał tam przez 13 lat.
Fabuła opowiada o starożytnej tragedii rzymskiej - śmierci starożytnego miasta Pompeje, położonego u podnóża Wezuwiusza: 24 sierpnia 79 r. n.e. mi. Erupcja wulkanu pochłonęła życie dwóch tysięcy mieszkańców.
W 1748 roku inżynier wojskowy Rocque de Alcubierre rozpoczął wykopaliska archeologiczne w miejscu tragedii. Odkrycie Pompejów stało się sensacją i znalazło odzwierciedlenie w twórczości różnych ludzi. Tak więc w 1825 r. ukazała się opera Giovanniego Paciniego, a w 1834 r. powieść historyczna Anglika Edwarda Bulwer-Lyttona poświęcona śmierci Pompejów.
Bryullov po raz pierwszy odwiedził miejsce wykopalisk w 1827 roku. Wybierając się do ruin, 28-letni artysta nie miał pojęcia, że ta wyprawa okaże się dla niego fatalna: „Nie można przejść przez te ruiny, nie czując w sobie zupełnie nowego uczucia, które sprawi, że zapomnisz o wszystkim oprócz strasznego wydarzenia z tym miastem”.– napisał artysta.
Uczucia, których doświadczył Karl Bryullov podczas wykopalisk, nie opuściły go. Tak narodził się pomysł płótna o tematyce historycznej. Pracując nad fabułą, malarz zapoznawał się ze źródłami archeologicznymi i literackimi. „Wziąłem tę scenerię z życia, nie wycofując się ani nie dodając, stojąc tyłem do bram miasta, aby zobaczyć część Wezuwiusza jako główny powód» . Wzorami postaci byli Włosi – potomkowie starożytnych mieszkańców Pompejów.
Na przecięciu klasycyzmu i romantyzmu
W tej pracy Bryullov objawia się nie jako tradycyjny klasycysta, ale jako artysta ruchu romantycznego. Zatem jego fabuła historyczna poświęcona jest nie jednemu bohaterowi, ale tragedii całego narodu. A jako fabułę wybrał nie wyidealizowany obraz lub pomysł, ale prawdziwy fakt historyczny.
To prawda, że Bryullov buduje kompozycję obrazu w tradycji klasycyzmu - jako cykl poszczególnych epizodów zamkniętych w trójkącie.
Po lewej stronie obrazu, w tle, przedstawiono kilka osób na stopniach dużego budynku grobowca Skaurusa. Kobieta patrzy bezpośrednio na widza z przerażeniem w oczach. A za nią artysta z pudełkiem farb na głowie: to autoportret Bryullowa przeżywającego tragedię wraz ze swoimi bohaterami.
Bliżej widza - małżonkowie z dziećmi, która próbuje uciec przed lawą, a na pierwszym planie kobieta przytula córki... Obok niej stoi Chrześcijański ksiądz, który już powierzył swój los Bogu i dlatego jest spokojny. W głębi obrazu widzimy pogańskiego księdza rzymskiego, który próbuje uciec, zabierając kosztowności rytualne. Tutaj Bryullov nawiązuje do upadku starożytnego pogańskiego świata Rzymian i początku ery chrześcijańskiej.
Po prawej stronie obrazu, w tle, jeździec na koniu, który stanął dęba. A bliżej widza ogarnięty przerażeniem pan młody, który próbuje trzymać w ramionach narzeczoną (ma na sobie wianek z róż), która straciła przytomność. Na pierwszym planie dwóch synów niesie na rękach starego ojca. A obok nich młody mężczyzna, błaga matkę, aby wstała i uciekła dalej od tego wszechogarniającego żywiołu. Swoją drogą ten młody człowiek to nikt inny jak Pliniusz Młodszy, który faktycznie uciekł i zostawił wspomnienia z tragedii. Oto fragment jego listu do Tacyta: „Patrzę wstecz. Ogarnęła nas gęsta czarna mgła, rozprzestrzeniająca się niczym strumień po ziemi. Wszędzie wokół zapadła noc, w przeciwieństwie do nocy bezksiężycowej czy pochmurnej: ciemno robi się tylko w zamkniętym pokoju przy zgaszonym świetle. Słychać było krzyki kobiet, piski dzieci i krzyki mężczyzn, jedni wołali do rodziców, inni do dzieci lub żon i próbowali ich rozpoznać po głosach. Niektórzy opłakiwali własną śmierć, inni śmierć bliskich, niektórzy w obawie przed śmiercią modlili się o śmierć; wielu podniosło ręce do bogów; większość wyjaśniała, że bogów nigdzie nie ma i dla świata była to ostatnia wieczna noc”..
Na zdjęciu nie ma głównego bohatera, ale są centralni: złotowłose dziecko przy leżącym na ziemi ciele zmarłej matki w żółtej tunice - symbol upadku starego świata i narodzin nowego, to jest przeciwieństwo życia i śmierci – w najlepsze tradycje romantyzm.
Na tym zdjęciu Bryullov pokazał się także jako innowator, wykorzystując dwa źródła światła - gorące czerwone światło w tle, oddające wrażenie zbliżającej się lawy i zimne zielonkawo-niebieskie na pierwszym planie, dodając dodatkowego dramatyzmu fabule.
Jasny i bogaty kolor tego obrazu również narusza tradycje klasyczne i pozwala mówić o artyście jako o romantyku.
Malowanie procesji triumfalnej
Karl Bryullov pracował na płótnie przez sześć lat – od 1827 do 1833 roku.
Obraz został po raz pierwszy zaprezentowany publiczności w 1833 roku na wystawie w Mediolanie – i od razu wywołał sensację. Artystę uhonorowano rzymskim triumfem, a w prasie pojawiły się pochwalne recenzje obrazu. Bryullowa witano brawami na ulicy, a podczas jego podróży po granicach włoskich księstw nie potrzebowali paszportu: wierzono, że każdy Włoch znał go już z widzenia.
W 1834 roku na Salonie Paryskim zaprezentowano Ostatni dzień Pompejów. Krytyka francuska okazała się bardziej powściągliwa niż włoska. Ale profesjonaliści docenili pracę, wręczając Bryullovowi złoty medal Akademia Francuska sztuka
Płótno wywołało sensację w Europie i było niecierpliwie oczekiwane w Rosji. W tym samym roku został wysłany do Petersburga. Po obejrzeniu obrazu Mikołaj I wyraził chęć osobistego spotkania z autorem, jednak artysta udał się z hrabią Władimirem Davydowem w podróż do Grecji i wrócił do ojczyzny dopiero w grudniu 1835 roku.
11 czerwca 1836 w Sali Okrągłej Akademia Rosyjska gdzie wystawiono obraz „Ostatni dzień Pompejów”, zgromadzili się goście honorowi, członkowie Akademii, artyści i po prostu miłośnicy sztuki. Autor obrazu, „wielki Karol”, został wniesiony do sali na rękach przy entuzjastycznych krzykach gości. „Tłumy gości, można powiedzieć, wdzierały się do sal Akademii, żeby popatrzeć na Pompeje”., pisze współczesny i świadek sukcesu, jakiego nie znał żaden rosyjski artysta.
Klient i właściciel obrazu, Anatolij Demidow, podarował go cesarzowi, a Mikołaj I umieścił go w Ermitażu, gdzie pozostawał przez 60 lat. A w 1897 roku został przeniesiony do Muzeum Rosyjskiego.
Zdjęcie dosłownie podekscytowało wszystko społeczeństwo rosyjskie I najlepsze umysły ten czas.
Trofea pokojowe sztuki
Przyniosłeś to pod baldachim swojego ojca.
I był „Ostatni dzień Pompejów”
Pierwszy dzień rosyjskiego pędzla! -
o obrazie pisał poeta Jewgienij Boratyński.
Aleksander Puszkin poświęcił jej także wiersze:
Wezuwiusz otworzył usta - dym uniósł się w chmurze, płomienie
Szeroko rozwinięta jako flaga bojowa.
Ziemia jest wzburzona - od chwiejnych kolumn
Idole upadają! Naród napędzany strachem
Pod kamiennym deszczem, pod płonącym popiołem,
Tłumy, stare i młode, wybiegają z miasta.
Michaił Lermontow wspomina także „Ostatni dzień Pompejów” w powieści „Księżniczka Ligowska”: „Jeśli kochasz sztukę, to mam dla ciebie bardzo dobrą wiadomość: obraz Bryullowa „Ostatni dzień Pompejów” jedzie do Petersburga. Wiedziały o niej całe Włochy, Francuzi ją skarcili., - Lermontow wyraźnie wiedział o recenzjach paryskiej prasy.
Rosyjski historyk i podróżnik Aleksander Turgieniew powiedział, że ten obraz był chwałą Rosji i Włoch.
A Nikołaj Gogol poświęcił obraz duży artykuł, pismo: „Jego pędzel zawiera tę poezję, którą tylko czujesz i którą zawsze możesz rozpoznać: nasze uczucia zawsze wiedzą i widzą nawet cechy, ale ich słowa nigdy tego nie powiedzą. Jego kolor jest tak jasny, że prawie nigdy wcześniej nie był, jego kolory płoną i rzucają się w oczy. Byliby nie do zniesienia, gdyby artysta pojawił się na poziomie niższym niż Bryullow, ale wraz z nim odziani są w tę harmonię i oddychają tą wewnętrzną muzyką, którą wypełnione są żywe przedmioty natury”..
Wszystkie osiągnięcia i sukcesy Karla Bryullova w dziedzinie portretu zostały uznane za niezaprzeczalne i najlepsze. Dzieła te zostały docenione nawet przez najsurowszych krytyków, m.in Władimir Stasow I Aleksander Benois. Współcześni Karla uważali za wielkie szczęście i radość posiadanie portretu Karola Bryulłowa lub jednego z jego dzieł. Przez całe życie mistrz stworzył dużą liczbę obrazów i portretów akwarelowych. Karierę twórczą rozpoczął w Petersburgu, przed wyjazdem do Włoch.
We Włoszech Bryullov opanował wiele rodzajów różnych gatunków portretów. Obejmowało to wszystko, od uroczystego portretu konnego po małoformatowy portret akwarelowy. Na przykład portrety G.N. I VA Oleniny, które mistrz namalował w 1827 roku oraz portret K.A. I M.Ya. Naryszkina, który również został napisany w 1827 roku. Karlowi Bryullovowi udało się doskonale opanować technikę akwareli, doprowadzając swoje umiejętności do perfekcji. Biżuteryjna delikatność i precyzja nadają jego dziełom jakość cennej pamiątki, co tylko podsyca zainteresowanie i dumę właścicieli.
Jednym z arcydzieł mistrza jest, później uważano, że tak było MG Razumowska. Obraz namalowano w roku 1830. Twarz dziewczyny ukazana jest w najbardziej subtelny sposób, przy użyciu techniki miniatury. Czerwono-biało-złoty turban został namalowany dość szeroko i swobodnie. Wzór dłoni jest przezroczysty, utrzymany w niemal tej samej tonacji. Autorka złożyła hołd romantycznemu orientalizmowi, który stworzył modę na orientalne szale, turbany itp. W ten sposób powstała pewna elegancka naturalność pozy, przekształcając tę egzotykę w fenomen wysokiego stylu. Istnieje również gust romantyczny, który docenia piękno niekompletności. Charakterystycznie pokazane są ramiona, strój i draperia szala, ledwo można je odczytać w nieważkich konturach ołówka. Portret ceremonialny najbardziej podlega tradycjonalizmowi norm etykiety świeckiej „kamiości”, które zapewniają widzowi świąteczną powagę autodemonstracji modela.
Karlowi Bryullovowi zawsze udało się znaleźć prawdziwą, gatunkową motywację dla kondycji swojego modela, na przykład: amazonka wraca ze spaceru, siostry Shishmarev wybierają się na przejażdżkę konną, Samoilova opuszcza piłkę, Saltykova siada, aby odpocząć, jakby przed wejściem do salonu, gdzie wcieli się w rolę życzliwej gospodyni, albo np. Madame Beck przyprowadza do salonu swoje dziecko na pokaz. Zajmując się głównie portretami osób prywatnych, Bryullov musiał znaleźć takie formuły i zasady ceremonialnego przedstawienia w samej rzeczywistości, ale konieczne było także nadanie im codziennej perswazji.
Wszystko to widać na zdjęciu "Jeździec", w którym napisano 1832 rok. Obraz ten został namalowany specjalnie dla hrabiny Julii Samoilovej, która była o godz miejsce stałego pobytu we Włoszech, w Mediolanie, miała dość luksusową willę. Obraz przedstawia uczniów Giovanninę i Amaciliję Pacini. Pasja Bryullova do Samoilovej, która była szczególnie ekscentryczna, bogata, wiodąca niezależna i darmowy obrazżycie, znajduje odzwierciedlenie w kilku dziełach Karla Bryullova.
To dzieło Karla Bryullova jest uważane za jedno z jego najlepsze prace, które zostały wykonane w stylu ceremonialnym. Na portrecie widać Yu.P. Samoilowa z Giovannim Pacinim i czarnym miłośnikiem, obraz powstał w latach 1832-1834. Bohaterka obrazu niemal wbiega do pokoju, uśmiecha się radośnie i radośnie do widza, nieostrożnym ruchem rzuca szal w ręce blackamoor, ściskając jednocześnie Giovanninę, która patrzy na nią z podziwem i podziwem.
Karl Bryullov dokładnie opisał to swoje dzieło w liście do Aleksandra Turgieniewa w 1832 roku. „Pani Samoilova przyleciała tu z Neapolu, znalazłem ją w jednym ze sklepów”.. Bryullov przedstawił ją w pozycji biegnącej piękności z czarną miłością i jej źrenicą. Pisał o tym w liście do przyjaciela. Pisał w Petersburgu nowy portret Tak. Samoilova opuszcza bal, który ukazał się w 1839 roku. Portret powstał, gdy Samoilova przybyła do Rosji, aby objąć spadek, który pozostawił jej hrabia Juliusz Lita. Obraz ten stanowił doskonałe uzupełnienie cyklu prac Karla poświęconych słynnej pięknu.
Podobno przebudzenie twórcza wyobraźnia Bryullowa pobudziła ta strona życia, w której jest świątecznie i świątecznie jasne życie. Znalazł się w świecie, w którym panuje ekscytacja i gdzie jest mnóstwo luksusu i błogości. Ale to także świat bezpośrednich uczuć i swobodne ruchy dusze, w których objawia się poczucie pełni i piękna życia, że tak powiem, równoznaczne z jego światem Malarstwo włoskie. Fakt, że w ogóle nie pociągało go oficjalne znaczenie i powaga, najwyraźniej jest powodem, dla którego Bryullov nie tylko nie został nadwornym portrecistą, ale próbował wszelkimi możliwymi, a czasem ryzykownymi środkami, unikać takich ról. Odwaga, z jaką uniknął konieczności malowania samego cesarza, została zapamiętana przez wielu współczesnych.
Bryulłow wykorzystał spóźnienie Mikołaja do warsztatu: „… wziął kapelusz i opuścił dziedziniec, nakazując mu powiadomić władcę, jeśli przybędzie: Karol Pawłowicz spodziewał się Waszej Królewskiej Mości, ale wiedząc, że nigdy się nie spóźniacie, doszedł do wniosku, że coś was opóźniło i że odłożyliście sesję do innego razu”. Dwadzieścia minut po wyznaczonej godzinie władca przybył do warsztatu Bryulłowa w towarzystwie Grigorowicza, zdziwił się, że nie zastał Bryullowa w domu, i po wysłuchaniu… wyjaśnień w sprawie powiedział Grigorowiczowi: „Co za niecierpliwy człowieku!” Potem oczywiście nie było już mowy o portrecie. Niemal demonstracyjnie porzucił pracę nad portretem Aleksandry Fiodorowna podczas jazdy konnej po tym, jak cesarzowa odwołała kilka sesji. Czysto artystyczny instynkt zdawał się zmuszać Bryulłowa do zdystansowania się od środowiska dworskiego.
Wśród dzieł mistrza znajduje się portret jego przyjaciela, słynnego bajkopisarza I. Kryłowa. Portret namalowano w 1839 r. Na nim Iwan Kryłow ma 70 lat. Portret powstał szybko – w jednej sesji.
W samej naturze przepychu Karla Bryullova kryje się coś całkowicie sprzecznego. Balansowanie na krawędzi sceny rodzajowej stwarza niebezpieczeństwo utraty zadań prawdziwie portretowych. Portret M.L. Skinienie z córką, o czym zapisano 1840 roku, pokazuje ten fakt z dużą jasnością.
O ile w XVIII wieku umownie wybrane otoczenie zajmowało pozycję podrzędną w stosunku do portretowanej osoby, pełniło rolę komentarza i dekoracyjnego akompaniamentu, o tyle w wymienionym portrecie luksusowe wyposażenie salonu, pomalowane farbą Bryullowa zwykła kolorowa jasność, przekonująca reprodukcja szlachetnych aksamitów, brązu, marmuru, staje się równym obiektem uwagi i zainteresowania widza. Bohaterka portretu jawi się nam jako wzruszająca i troskliwa matka.
Portrety ceremonialne.
Zasadnicza różnica między portretami formalnymi a wszelkimi intymnymi objawia się w pewnym kontemplacyjnym zaabsorbowaniu sobą. Nie bojąc się anachronizmu, można powiedzieć, że są to portrety „z długim czasem naświetlania”. Demonstracja to rodzaj niewidzialnego hobby Karla Bryullova.
W tych obrazach też nie znika, jest i tutaj. Ale to tutaj udaje jej się zdobyć pewną nową jakość. Prawie zawsze zakłada się komunikację z widzem, tylko to jest inne w porównaniu do portrety XVIII wiek, atmosfera, inne społeczeństwo i inne formy komunikacji. Coś z jego kręgu, a nie standardowa, uśmiechnięta uprzejmość przewidziana przez normy świeckiej etykiety.
Występy sceniczne portret I.P. Witalij poprzedził wykonany w Moskwie rysunek przedstawiający rzeźbiarza w szacie, z wystającymi grzywkami. Całość odbyła się w domowej atmosferze. Ten sam wygląd dobrodusznego grubasa łączy się w malowniczym portrecie z wzruszający wyraz skupiona uwaga, co powinno nam przedstawiać artystę stronniczo przyglądającego się własnej twórczości. Na twarzy głównego bohatera portretu widać pewną celowość. Wygląda na to, że Karl zmusił mężczyznę do odegrania roli, która nie była jego. Chociaż nie ma nic bardziej naturalnego niż wykorzystanie dość tradycyjnego motywu „artysty w pracowni” podczas przedstawiania innego artysty.
Witalij przygląda się wykonanemu przez siebie popiersiu Bryulłowa, które pojawiło się przed nim na stojaku. Taka fabuła nie jest pozbawiona dowcipu, sugerując twórcze połączenie rzeźby i malarstwa. Po co Bryulłow malowniczy portret ułożył swego rodzaju program, wskazujący na przynależność Witalija do cechu artystów, bardzo typowego dla metody portretowej Bryulłowa, która zawsze starała się, jak to ujął Gogol, ukazać osobę „w najwyższym łasce jego natury”, czyli wzniosłej nad prozą codzienną.
Portret N.V. Lalkarz, powstały w 1836 roku, jest swego rodzaju wzorcowym przykładem metody portretowej Bryulłowa. Wiadomo, że artyści romantyczni najczęściej sięgali po portret, gdy modelka pochodziła z bliskiego kręgu: przyjaciół artystów lub pisarzy, gdy można było uzyskać swobodę wypowiedzi, gdyż w tym przypadku tradycyjne normy relacji z klientami utraciły swój obowiązkowy charakter.
Do przedstawicieli „typowych” romantyków można zaliczyć także przedstawicieli Aleksandra Strugowszczikowa na portrecie namalowanym w 1840 r. Portret przedstawia jednego z przedstawicieli warsztatu literackiego, poetę i tłumacza Literatura niemiecka. Osoba przedstawiona na portretach była tłumaczką Goethego, w tym Fausta. Bieliński w jednym ze swoich listów z 1838 r. pisał o Strugowszczikowie: „Ma talent, dobrze tłumaczy Goethego”. Strugowszczykow wykonał specjalny szkic Puszkina na łożu śmierci w mieszkaniu poety. Należał do pokolenia młodych ludzi żyjących w epoce postdekabrystycznej, był zupełnym „człowiekiem lat czterdziestych” – epoki „myślenia i rozumu”. To było pokolenie, które doskonale wszystko rozumiało.
Portier został napisany jako swego rodzaju uzasadnienie przyjaźni Glinki z Kukolnikowem. A może także za udział w „braterstwie marionetkowym”. „...Krytycy mieli rację, że całe towarzystwo lalkarzy nie wprowadziło do naszej literatury ani jednej nowej, silnej myśli, nie wypracowało ani jednej zdrowej zasady społecznej, tak jak salony naszych mecenasów z ich Żukowskimi i Wiazemskimi, tego nie zrobił. Ale wpływ literacki tego ostatniego w latach 1820 i 1830 wynikał z innego środowiska. Pogrom z 14 grudnia na długo przerwał polowanie zaawansowani ludzie społeczeństwo, w które należy się wtrącać Polityka wewnętrzna nasze życie, a ścieżki do niego zostały zablokowane”.
Portret Strugowszczykowa po prostu przypomina nam słowa Puszkina: „Pobili Zorię… Stary Dante wypada mi z rąk, Werset rozpoczęty na moich ustach, nieprzeczytany, ucichł – Duch odlatuje daleko”.
Autoportret, w którym napisano 1848 roku, to jeden z najlepszych autoportretów mistrza. „Mały, pulchny, z dobroduszną, śmiejącą się twarzą, Bryullov bardziej przypominał beztroskiego właściciela ziemskiego niż wielkiego artystę, ale kiedy mówił o sztuce, można było teraz zauważyć, że płonął w nim święty ogień” - dokładnie tak widziała to ojczyzna wielkiego artysty i malarza. Warto zwrócić uwagę na godną pozazdroszczenia śmiałość w używaniu wyrażenia „święty ogień”, które współczesnym uszom wydaje się wzniosłe. Być może, w kontekście jeszcze wówczas nie zatraconych umiejętności kultury retorycznej, umożliwiło to także wyraźne rozróżnienie, bez mieszania, poziomów kompetencji niskich i wysokich sylab.
Oczywiście konieczna jest umiejętność rozpoznawania przez widza różnego rodzaju odniesień, ale także umiejętność i znajomość precedensów artystycznych. W tym miejscu warto przypomnieć, że sztuka pierwszej połowy XIX wieku miała na myśli takiego odbiorcę i była adresowana specjalnie do niego.
Bryullov namalował kilka portretów grupowych. Mimo wszystkich różnic indywidualnych, twórcze dążenie Bryullowa do gatunkowania portretu grupowego było ideologicznie bliskie twórczości A. Venetsianova, który w tym czasie przy śniadaniu tworzył portret swojej rodziny.
