बैले दिखाई दिया। शास्त्रीय नृत्य पद

परिचय। 3

1. 1900 से पहले का बैले 4

1.1. अदालती प्रदर्शन के रूप में बैले की उत्पत्ति। 4

1.2. ज्ञानोदय के युग में बैले। 5

1.3. रोमांटिक बैले. 7

2. बैले 20वीं सदी। 9

2.1. रूसी बैले एस.पी. दिगिलेव। 9

2.2. संयुक्त राज्य अमेरिका में बैले..10

3. विश्व बैले। 12

3.1. ग्रेट ब्रिटेन। 12

3.2. सोवियत रूसऔर अन्य देश..13

3.3. फ़्रांस. 14

जर्मनी. 15

निष्कर्ष। 16

प्रयुक्त साहित्य की सूची...18

बैले - दृश्य नाट्य कला, जहां अभिव्यक्ति का मुख्य साधन तथाकथित "शास्त्रीय" (ऐतिहासिक रूप से स्थापित, सख्त नियमों के अधीन) नृत्य है; इस कला रूप से संबंधित एक सुंदर कृति।

बैले का कथानक लिब्रेटो (स्क्रिप्ट) में प्रस्तुत किया गया है। लिब्रेटो के आधार पर, संगीत लिखा जाता है जो काम की भावनात्मक और अर्थपूर्ण सामग्री को व्यक्त करता है, फिर नृत्य और पैंटोमाइम दृश्य और वेशभूषा बनाई जाती है। एक पटकथा लेखक, संगीतकार, कोरियोग्राफर और कलाकार बैले के निर्माण में भाग लेते हैं। बिना किसी कथानक के बैले भी हैं, जहां कोरियोग्राफी विशेष रूप से संगीत की सामग्री को व्यक्त करती है। अक्सर बैले में उस संगीत का उपयोग किया जाता है जो मूल रूप से संगीतकार द्वारा नृत्य के लिए नहीं बनाया गया था (रिमस्की-कोर्साकोव द्वारा शेहेरज़ादे, शुमान द्वारा कार्निवल, आदि)। नृत्य मुख्य घटक है बैले प्रदर्शन. बैले में शास्त्रीय नृत्य और चरित्र नृत्य, बॉलरूम, लोक और कुछ मामलों में कलाबाजी और लयबद्ध-प्लास्टिक नृत्य शामिल हैं। केवल शास्त्रीय या केवल चरित्र नृत्य पर आधारित प्रदर्शन होते हैं, लेकिन आधुनिक पश्चिमी बैले में भी।

पुनर्जागरण के दौरान बैले की उत्पत्ति इटली के राजसी दरबारों में हुई और जैसे-जैसे इसकी लोकप्रियता बढ़ी और प्रदर्शन तकनीकों में सुधार हुआ, यह पूरे यूरोप में फैल गया, और बाद में उत्तरी और उत्तरी पर विजय प्राप्त की। दक्षिण अमेरिका, एशिया और ऑस्ट्रेलिया।

18वीं शताब्दी के अधिकांश समय में। बैले का विकास मुख्यतः इटली में हुआ; 19वीं सदी की शुरुआत में फ़्रांस और बाद में रूस, बैले मंडली के लिए प्रसिद्ध हो गए। 20 वीं सदी में बैले ने संयुक्त राज्य अमेरिका (विशेषकर न्यूयॉर्क), ग्रेट ब्रिटेन और सोवियत संघ के मंचों पर एक मजबूत स्थान पर कब्जा कर लिया।

निबंध का उद्देश्य नाट्य कला के एक रूप के रूप में बैले के उद्भव और विकास के इतिहास का पता लगाना है।

कार्य निबंध के विषय पर साहित्य का अध्ययन और विश्लेषण करना है।

1. 1900 से पहले का बैले

1.1. कोर्ट प्रदर्शन के रूप में बैले की उत्पत्ति

मध्य युग के अंत में, इतालवी राजकुमारों ने भुगतान किया बहुत ध्यान देनाशानदार महल उत्सव. नृत्य ने उनमें एक महत्वपूर्ण स्थान ले लिया, जिससे पेशेवर नृत्य गुरुओं की आवश्यकता उत्पन्न हुई।

आरंभिक इतालवी नृत्य शिक्षकों के कौशल ने महान फ्रांसीसी को प्रभावित किया, जो 1494 में चार्ल्स आठवीं की सेना के साथ इटली में प्रवेश करते समय नेपल्स साम्राज्य के सिंहासन पर अपना दावा पेश करते थे। परिणामस्वरूप, इतालवी नृत्य गुरुओं को फ्रांसीसी दरबार में आमंत्रित किया जाने लगा। यह नृत्य हेनरी द्वितीय (शासनकाल 1547-1559) की पत्नी और चार्ल्स IX (शासनकाल 1560-1574) की मां कैथरीन डी मेडिसी के युग में फला-फूला। हेनरी तृतीय(शासनकाल 1574-1589)। कैथरीन डे मेडिसी के निमंत्रण पर, इटालियन बाल्डासारिनो डी बेलगियोइओसो (फ्रांस में उन्हें बल्थाजार डी ब्यूजॉयक्स कहा जाता था) ने अदालती प्रदर्शनों का मंचन किया, जिनमें से सबसे प्रसिद्ध को क्वीन्स कॉमेडी बैले (1581) कहा गया और आम तौर पर इसे इतिहास में पहला माना जाता है। म्यूज़िकल थिएटरबैले प्रदर्शन. तीन फ्रांसीसी राजाओं - हेनरी चतुर्थ (1533-1610), लुई XIII (1601-1643) और लुई XIV (1638-1715) के शासनकाल के दौरान - नृत्य शिक्षकों ने बॉलरूम नृत्य के क्षेत्र में और उन रूपों में खुद को प्रतिष्ठित किया जो विकसित हुए थे। कोर्ट बैलेट के ढांचे के भीतर। उसी युग में इंग्लैंड में, अर्थात्। एलिजाबेथ प्रथम के शासनकाल के दौरान, एक समान प्रक्रिया हुई, जिसे तथाकथित प्रस्तुतियों में अभिव्यक्ति मिली। व्हाइटहॉल में अदालत में मुखौटे। इटली प्रौद्योगिकी में पेशेवर नृत्यखुद को समृद्ध करना जारी रखा, नृत्य पर पहला काम सामने आया (फैब्रीज़ियो कारोसो द्वारा इल बल्लारिनो, 1581 और सेसारे नेग्री द्वारा ले ग्रैटी डी'अमोरे, 1602)।

17वीं सदी के मध्य में. कोर्ट बैलेट में निहित सख्त रूपों से विचलन हुआ है। बैले नर्तकअब वे हॉल के स्तर से ऊपर उठाए गए मंच पर प्रदर्शन करते थे और दर्शकों से अलग हो जाते थे, जैसा कि मामला था, उदाहरण के लिए, 17 वीं शताब्दी की शुरुआत में कार्डिनल रिशेल्यू द्वारा निर्मित थिएटर में। इस थिएटर में इटालियन शैलीउनके महल में स्थित था और एक प्रोसेनियम था, जिसने मंच भ्रम और शानदार प्रभाव पैदा करने के लिए अतिरिक्त अवसर खोले। इसलिए इसे साफ-सुथरा तैयार किया गया नाट्य रूपनृत्य।

लुई XIV के शासनकाल के दौरान, कोर्ट बैले प्रदर्शन पेरिस और अंदर दोनों जगह विशेष वैभव पर पहुंच गया पैलेस ऑफ़ वर्सेलिस. "सन किंग", दूसरों के बीच, बैले ऑफ द नाइट (1653) में सूर्य के रूप में प्रकट हुए।

बैले नृत्य की कई विशेषताएं जो आज तक बची हुई हैं, उन्हें बैले की उत्पत्ति और इसके पहले कलाकारों - नेक शिष्टाचार में प्रशिक्षित दरबारियों - के व्यवहार की शैली द्वारा समझाया गया है। सभी रईस तलवारबाजी की कला से परिचित थे, और इसकी कई तकनीकों का उपयोग नृत्य में किया जाता था: उदाहरण के लिए, "टर्निंग आउट", यानी। पैरों की एक स्थिति जिसमें वे कूल्हे से पैर तक बाहर की ओर मुड़े होते हैं। बैले में पैरों, सिर और भुजाओं की आवश्यक स्थिति भी फ़ेंसर्स के समान होती है।

1661 में, लुई XIV ने रॉयल संगीत और नृत्य अकादमी बनाई, जिसमें 13 प्रमुख नृत्य गुरुओं को एकजुट किया गया, जिन्हें नृत्य परंपराओं को बनाए रखने के लिए बुलाया गया था।

1.2. ज्ञानोदय के युग में बैले

18वीं सदी में नृत्य की दोनों शैलियाँ - उत्कृष्ट और गुणी - तेजी से विकसित हुईं। नाट्य नृत्य के क्षेत्र में ऐसे स्वामी प्रकट हुए जिन्होंने अपना स्वयं का निर्माण किया व्यक्तिगत शैली. डुप्रे के साथ, प्रतिभाशाली गैटन वेस्ट्रिस (1729-1808), अत्यधिक तकनीकी पियरे गार्डेल (1758-1840) और नवप्रवर्तक ऑगस्टे वेस्ट्रिस (1760-1842) भी थे, जो अपनी असामान्य उपस्थिति और अभूतपूर्व ऊंचाई (यानी करने की क्षमता) से प्रतिष्ठित थे। ऊंचा कूदो)। सरल और हल्के कपड़े, जो फ्रांसीसी क्रांति की पूर्व संध्या पर फैशन में आए, ने समुद्री डाकू और लिफ्टों (विशेष कूद आंदोलनों) को करने की अधिक स्वतंत्रता दी, और उनके प्रति आकर्षण सार्वभौमिक हो गया, जिसने परंपरा के अनुयायियों को परेशान किया।

हालाँकि, प्रौद्योगिकी के विकास की तुलना में बैले के विकास के लिए और भी अधिक महत्वपूर्ण ज्ञानोदय द्वारा उत्पन्न इस कला के प्रति नया दृष्टिकोण था। ओपेरा से बैले को अलग कर दिया गया, और ए नये प्रकार का नाट्य प्रदर्शन, जहां अभिव्यक्ति के साधन नृत्य और मूकाभिनय थे। जीन जॉर्जेस नोवरे (1727-1810) इस आंदोलन के सबसे महत्वपूर्ण कोरियोग्राफर थे, न केवल एक नवोन्मेषी अभ्यासकर्ता थे, बल्कि बहुत ठोस प्रकाशनों के लेखक भी थे। उनके लेटर्स ऑन डांस एंड बैले (1760) ने इसकी नींव रखी सौंदर्य संबंधी नींवबैले की कला, और उनके कई कथन आज भी महत्व नहीं खोते हैं। नोवरे 1760 के दशक में स्टटगार्ट में कई बैले डी'एक्शन, "प्रभावी बैले" (यानी एक कथानक के साथ बैले) के निर्देशक के रूप में प्रसिद्ध हुए और 1776 में उन्हें पेरिस ओपेरा में कोरियोग्राफर के रूप में आमंत्रित किया गया। काफी कठिनाइयों को पार करने के बाद , वह बैले हाउ को मंजूरी देने में कामयाब रहे स्वतंत्र रूपइस प्रसिद्ध ओपेरा हाउस में प्रदर्शन.

बैले पूरे यूरोप में फैलने लगा। 18वीं सदी के मध्य तक. राजसी अदालतेंहर जगह उन्होंने वर्साय की विलासिता की नकल करने की कोशिश की, साथ ही कई शहरों में उन्होंने इसे खोला ओपेरा हाउस, ताकि नर्तकों और नृत्य शिक्षकों, जिनकी संख्या अधिक से अधिक थी, को आसानी से रोजगार मिल सके। न केवल फ्रांस में, बल्कि अन्य देशों में भी, कोरियोग्राफरों ने ऐसे नवाचारों का प्रस्ताव रखा जो बैले के विकास के लिए महत्वपूर्ण थे। ऑस्ट्रिया में, फ्रांज हिल्फर्डिंग (1710-1768) उन पहले प्रस्तुतियों में से एक थे जिन्होंने कथानक को चेहरे के भाव और नृत्य के माध्यम से प्रस्तुत किया था। इटालियन शिक्षक, गेनारो मागरी ने नाट्य नृत्य पर एक विस्तृत पाठ्यपुस्तक प्रकाशित की, जैसा कि यह बन गया पिछले साल काफ़्रांस में पुराने शासन के पतन से पहले.

जब 1789 की क्रांति शुरू हुई, तो बैले ने पहले ही खुद को स्थापित कर लिया था विशेष प्रकारकला में। जनता मंचीय चेहरे के भावों की परंपराओं की आदी हो गई और ज्ञानोदय के विचारों के प्रभाव में नृत्य ने खुद को उस कृत्रिमता से मुक्त कर लिया जिसके खिलाफ नोवरे ने लड़ाई लड़ी। बैले को अब अदालती जीवन की एक घटना के रूप में नहीं देखा जाता था।

रूसी प्रभाव इस तथ्य में प्रकट हुआ कि चार्ल्स लुईस डिडेलॉट, जो पहले सेंट पीटर्सबर्ग में कोरियोग्राफर के रूप में काम करते थे, को पेरिस ओपेरा में अपने सबसे प्रसिद्ध बैले फ्लोरा और ज़ेफायर (के.ए. कावोस द्वारा संगीत) के मंचन के लिए आमंत्रित किया गया था। सेंट पीटर्सबर्ग लौटकर और कई वर्षों तक वहां काम करते हुए, डिडेलॉट ने थिएटर में न केवल एक विशाल नए प्रदर्शनों की विरासत छोड़ी, जिसमें रूसी विषयों पर आधारित बैले भी शामिल थे, जैसे काकेशस का कैदी(कावोस द्वारा संगीत, 1823), लेकिन बैले स्कूल में शिक्षण का उच्च स्तर भी था, जिसे बाद में दुनिया में सर्वश्रेष्ठ के रूप में मान्यता दी गई।

1790 के दशक में प्रभावित हुए आधुनिक फैशन, महिलाओं की बैले पोशाक बहुत हल्की और ढीली हो गई, ताकि शरीर की रेखाएं नीचे देखी जा सकें; साथ ही, उन्होंने हील वाले जूतों को त्याग दिया और उनकी जगह हल्के, बिना हील वाले जूते ले लिए।

1.3. रोमांटिक बैले

जब यूरोप में शांति स्थापित हुई (1815), तब तक एक नई पीढ़ी अतीत में बहुत कम रुचि के साथ बड़ी हो चुकी थी। पिछले युग में जो अंतर्निहित था उसे भुला दिया गया, रूमानियत का एक नया सौंदर्यशास्त्र पैदा हुआ, जो सभी कलाओं में फैल गया। रूमानियतवाद ने न केवल पुराने और अप्रचलित लगने वाले पुराने रूपों को नष्ट कर दिया, बल्कि प्रेरणा के नए स्रोतों की तलाश की। युवा रोमांटिक कलाकारों ने अलौकिक और विदेशी घटनाओं की ओर रुख किया; वे संस्कृति से आकर्षित हुए दूर देशऔर पुरातनता. रूमानियतवाद की पहली अभिव्यक्तियाँ विशेष रूप से प्रभावशाली थीं, और नाट्य कला के कई अन्य रूपों की तुलना में बैले इससे लंबे समय तक प्रभावित रहा।

मारिया टैग्लियोनी (1804-1884) के प्रभाव में बैले कला के बारे में कई विचार पूरी तरह से बदल गए। अपने पिता द्वारा कोरियोग्राफ की गई ला सिल्फाइड (1832) में प्रदर्शित होकर, उन्होंने एक नई प्रकार की बैले नायिका के लिए मंच खोला: अलौकिक अतिथि दूसरी दुनिया. उनके नृत्य में वह शालीनता थी जिसने इस आदर्श अस्तित्व के निर्माण में योगदान दिया। हालाँकि टैग्लियोनी अपने पैर की उंगलियों पर खड़ी होने वाली पहली महिला नहीं थी, जैसा कि इतिहासकारों ने बार-बार गलत तरीके से कहा है, वह उस चीज़ को बदलने में कामयाब रही जो उसके सामने सिर्फ एक चाल थी अभिव्यक्ति का साधनमायावी, अलौकिक छवियों में निहित विशेष गुणों को व्यक्त करने के लिए।

रोमांटिक युग के अधिकांश बैले का संगीत उन संगीतकारों द्वारा लिखा गया था जो हल्की शैलियों में विशेषज्ञ थे। उनमें से सबसे महत्वपूर्ण गिजेल और कॉर्सेर के संगीत के लेखक ए एडम थे। उन दिनों बैले संगीत ऑर्डर पर लिखा जाता था, और यह नहीं माना जाता था कि यह इतना गंभीर काम था कि इसे संगीत समारोहों में प्रस्तुत किया जा सकता था; नृत्य के लिए इच्छित मार्ग मधुर थे, और उनका निर्माण सरल था, जबकि संगीत को केवल एपिसोड के साथ, सृजन करना चाहिए सामान्य मनोदशाप्रदर्शन।

यह सब पाँच सौ साल से भी पहले उत्तरी इटली में शुरू हुआ था। यह पुनर्जागरण था विशिष्ट सुविधाएंजो संस्कृति, मानवतावाद और मानवकेंद्रितवाद की धर्मनिरपेक्ष प्रकृति थी, अर्थात, सबसे पहले, मनुष्य और उसकी गतिविधियों में रुचि।

पुनर्जागरण के दौरान, इतालवी राजकुमारों ने महल उत्सवों का आयोजन किया जिसमें नृत्य ने महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। हालाँकि, हॉल की तरह शानदार वस्त्रों ने असंगठित आवाजाही की अनुमति नहीं दी। इसलिए, विशेष शिक्षक थे - नृत्य गुरु, जो नर्तकियों का मार्गदर्शन करने के लिए, रईसों के साथ आंदोलनों और व्यक्तिगत आकृतियों का अभ्यास करते थे। धीरे-धीरे, नृत्य अधिक से अधिक नाटकीय हो गया, और "बैले" शब्द स्वयं ऐसी रचनाओं को दर्शाता है जो किसी कथानक को नहीं, बल्कि चरित्र की संपत्ति या स्थिति को व्यक्त करती हैं।

15वीं शताब्दी के अंत तक इस प्रकार के बैले को बनाए गए चश्मों में शामिल कर लिया गया प्रसिद्ध कविऔर कलाकार. 1496 में, लियोनार्डो दा विंची ने नर्तकियों के लिए पोशाकें बनाईं और ड्यूक ऑफ मिलान की दावत के लिए मंच प्रभावों का आविष्कार किया।

1494 में, जब फ्रांस के राजा चार्ल्स अष्टम नेपल्स के सिंहासन पर दावा करते हुए इटली में प्रवेश किया, तो उनके दरबारी इतालवी नृत्य शिक्षकों के कौशल से प्रभावित हुए। परिणामस्वरूप, नृत्य गुरुओं को फ्रांसीसी दरबार में आमंत्रित किया जाने लगा। उसी समय, नोटेशन की आवश्यकता उत्पन्न हुई - नृत्य रिकॉर्ड करने की एक प्रणाली। पहली ज्ञात प्रणाली के लेखक तुआन अर्बो थे। उन्होंने संगीत संकेतों के साथ डांस स्टेप्स लिखे।

फ्रांस में विकास जारी रहा...

फ्रांसीसी रानी कैथरीन डे मेडिसी ने इतालवी बाल्डासारिनो डि बेलगियोइओसो (फ्रांस में उन्हें बल्थाजार डी ब्यूजॉयक्स कहा जाता था) को अदालत में प्रदर्शन के लिए आमंत्रित किया। इसके बाद बैले ने खुद को एक ऐसी शैली के रूप में स्थापित किया जहां नाटक, "गाई गई कहानी" (पाठ) और नृत्य ने एक सतत गतिविधि बनाई। इस शैली में सबसे पहला और सबसे प्रसिद्ध माना जाता है "सर्सी, या क्वीन्स कॉमेडी बैले", 1581 में मंचन किया गया। कथानक उधार लिया गया था प्राचीन पौराणिक कथा. शानदार वेशभूषा और मुखौटों में कुलीन महिलाओं और रईसों द्वारा नृत्य किया जाता था।

16वीं शताब्दी में जैसे-जैसे इसका विकास हुआ वाद्य संगीतनृत्य तकनीक भी अधिक जटिल हो गई। 17वीं सदी के फ़्रांस में, छद्मवेशी बैले दिखाई देने लगे, और फिर वीरतापूर्ण और शानदार कथानकों पर भव्य मेलोड्रामैटिक बैले, जहाँ नृत्य प्रसंगों को गायन अरिया और कविता पाठ के साथ जोड़ा गया - "द बैले ऑफ़ अलसीना" (1610), "द ट्रायम्फ मिनर्वा की'' (1615), ''लिबरेशन ऑफ रिनाल्डो'' (1617)। ऐसे बैले शामिल थे अलग-अलग नंबर, जो आज एक डायवर्टिसमेंट जैसा दिखता है, और बाद में भविष्य के बैले के महत्वपूर्ण संरचनात्मक रूपों में से एक बन जाएगा।

बाद में, फ्रांस के राजा लुई XIII, जो नृत्य के शौकीन थे और उन्होंने संगीत की उत्कृष्ट शिक्षा प्राप्त की थी, बैले प्रदर्शन "द मेरलेज़ोन बैले" (15 मार्च, 1635) के लेखक थे। यह कथानक ब्लैकबर्ड्स के शिकार के रोमांच के बारे में था - जो राजा के पसंदीदा शगलों में से एक था। बैले में 16 कृत्य शामिल थे। महामहिम ने न केवल लिब्रेटो, संगीत, कोरियोग्राफी, स्केच किए गए दृश्यों और पोशाक डिजाइनों की रचना की, बल्कि दो भूमिकाएँ भी निभाईं: एक चारा व्यापारी और एक किसान।

युवा कला का पहला चरण. महान पियरे ब्यूचैम्प

राजा लुई XIV के समय में कोर्ट बैले का प्रदर्शन विशेष वैभव पर पहुंच गया। क्योंकि तभी नृत्य कुछ नियमों के अनुसार किया जाने लगा। इन्हें सबसे पहले फ्रांसीसी कोरियोग्राफर पियरे ब्यूचैम्प (1637-1705) द्वारा तैयार किया गया था।

"बैले ऑफ द नाइट" में सूर्य की भूमिका निभाने के बाद लुई XIV को अपना प्रसिद्ध उपनाम "सन किंग" मिला। उन्हें नृत्य करना और नाटकों में भाग लेना पसंद था। 1661 में, उन्होंने रॉयल संगीत और नृत्य अकादमी खोली, जहाँ 13 प्रमुख नृत्य गुरुओं को आमंत्रित किया गया। उनका कर्तव्य संरक्षण करना था नृत्य परंपराएँ.

अकादमी के निदेशक, पियरे ब्यूचैम्प ने नृत्य की एक महान शैली के सिद्धांतों को लिखा, जिसका आधार पैरों का उलटाव (एन डेहोर्स) था। यह स्थिति दी मानव शरीरस्वतंत्र रूप से घूमने का अवसर अलग-अलग पक्ष. उन्होंने सभी आंदोलनों को समूहों में विभाजित किया: स्क्वैट्स (प्ली), जंप्स (स्लाइड्स, एंट्रेचैट, कैब्रिओल, जेटे, जंप में लटकने की क्षमता - ऊंचाई), रोटेशन (पिरूएट्स, फाउट्स), बॉडी पोजिशन (रवैया, अरबी)। इन आंदोलनों का क्रियान्वयन पैरों की पांच स्थितियों और भुजाओं की तीन स्थितियों (पोर्ट डी ब्रा) के आधार पर किया गया। सब कुछ चालू है शास्त्रीय नृत्यपैरों और भुजाओं की इन स्थितियों से व्युत्पन्न हुआ।

उनका वर्गीकरण आज भी जीवित है, और फ्रांसीसी शब्दावली दुनिया भर के कलाकारों के लिए आम हो गई है, जैसे लैटिन डॉक्टरों के लिए है।

ब्यूचैम्प ने नृत्यों को तीन मुख्य प्रकारों में विभाजित करके शास्त्रीय बैले में एक अमूल्य योगदान दिया: गंभीर, अर्ध-चरित्र और हास्य। गंभीर नृत्य (आधुनिक शास्त्रीय का प्रोटोटाइप) के लिए प्रदर्शन की अकादमिक कठोरता की आवश्यकता होती है, बाहरी सौंदर्य, अनुग्रह - प्रभाव के कगार पर भी। यह एक "महान" नृत्य था जिसका उपयोग राजा, देवता, की भूमिका निभाने के लिए किया जाता था। पौराणिक नायक. अर्ध-विशेषता - संयुक्त देहाती, परिदृश्य और शानदार नृत्य, जिनका उपयोग प्रकृति की शक्तियों या मानव जुनून को चित्रित करने के लिए किया जाता था। क्रोधियों, अप्सराओं और व्यंग्यकारों के नृत्य भी उसके नियमों का पालन करते थे। अंत में, हास्य नृत्य को उत्कृष्टता से प्रतिष्ठित किया गया और इसमें अतिरंजित आंदोलनों और सुधार की अनुमति दी गई। शास्त्रीय रंगमंच की कॉमेडी में पाए जाने वाले विचित्र और विदेशी नृत्यों के लिए इसकी आवश्यकता थी।

इस प्रकार बैले का निर्माण शुरू हुआ, जो XVIII सदीअंतराल और विपथन से एक स्वतंत्र कला के रूप में विकसित हुई।

पहला थिएटर. प्रथम मंडली

अधिक से अधिक लोकप्रियता प्राप्त करते हुए, बैले महल के हॉलों में तंग हो गया। ब्यूचैम्प के नेतृत्व में, पेरिस ओपेरा बनाया गया, जहाँ वह कोरियोग्राफर थे, लेकिन प्रदर्शन पिछले प्रदर्शनों से लगभग अलग नहीं थे। उनमें उन्हीं दरबारियों ने भाग लिया, जिन्होंने धीमी मिनट, गावोटे और पावने का प्रदर्शन किया। भारी पोशाक, ऊँची एड़ी और मुखौटे ने महिलाओं को जटिल गतिविधियाँ करने से रोका। फिर पियरे ब्यूचैम्प ने केवल पुरुष नर्तकों की एक बैले मंडली बनाई। उनके नृत्य अधिक भव्यता और लालित्य से प्रतिष्ठित थे। मंच पर महिलाएं पेरिस ओपेराकेवल 1681 में प्रकट हुआ। बड़े समूहनर्तकियों ने जटिल गतिविधियों को समकालिक रूप से करना शुरू कर दिया और एकल कलाकारों के साथ प्रदर्शन करना शुरू कर दिया; एकल नृत्य ने सार्थक रूप से पात्रों की उदात्तता और भावनाओं की ताकत को व्यक्त किया; जोड़े नृत्य करते हैंएक पास डी ड्यूक्स में गठित। अत्यधिक पारंपरिक, सदाचार की ओर झुकाव वाला, नृत्य संगीत पर निर्भर था और व्यवहार और सिद्धांत में इसके साथ समान अधिकार चाहता था।

फ़्रांसीसी कोरियोग्राफी को नाटककार मोलिअर और संगीतकार जे. कुलीनता में” (1670)। संगीतकार बनकर लूली ने इस शैली का निर्माण किया संगीतमय त्रासदी, जहां क्लासिकिज्म का सौंदर्यशास्त्र प्रतिबिंबित हुआ: छवियों की स्मारकीयता, विकास का स्पष्ट तर्क, स्वाद की कठोरता, रूपों की सटीकता। गीतात्मक त्रासदियों की कार्रवाई को प्लास्टिक और सजावटी जुलूसों, पैंटोमाइम्स और नृत्यों द्वारा प्रबलित किया गया था।

बैले थियेटर के सुधार से प्रदर्शन कौशल में वृद्धि हुई - नर्तक एल. पेकोर्ट और जे. बैलोन दिखाई दिए। मैडेमोसेले लाफोंटेन लूली के ओपेरा-बैले द ट्रायम्फ ऑफ लव में प्रदर्शन करने वाली पहली पेशेवर नर्तकी बनीं। बाद में उन्हें "नृत्य की रानी" के रूप में जाना जाने लगा।

गंभीर नृत्य एक विस्तृत स्कर्ट में किए गए, जिसे रीड हुप्स द्वारा आयोजित किया गया था। उसके जूते के पंजे नीचे से दिखाई दे रहे थे। पुरुषों ने ब्रोकेड कुइरासेस और पहना था शॉर्ट स्कर्टरीड फ्रेम पर जिन्हें "बैरल" कहा जाता है। सभी के जूते ऊँची एड़ी के थे। इसके अलावा, उन्होंने अपने चेहरे को गोल मास्क से ढका हुआ था अलग - अलग रंग, चरित्र की प्रकृति पर निर्भर करता है।

अर्ध-विशेषता वाले बैले में, पोशाकें हल्की थीं, लेकिन नृत्य की विशेषता बताने वाली विशेषताएँ जोड़ी गईं - दरांती, टोकरियाँ, स्पैटुला, तेंदुए की खाल और अन्य। हास्य नृत्यों के लिए पोशाक को इतनी सख्ती से विनियमित नहीं किया गया था - निर्देशक ने कलाकार की कल्पना पर भरोसा किया।

इसी समय, प्रतीकों की एक पूरी प्रणाली का जन्म हुआ। उदाहरण के लिए, यदि कोई कलाकार अपनी हथेली के किनारे को अपने माथे पर चलाता है, तो इसका मतलब एक मुकुट होता है, यानी। राजा; छाती पर हथियार क्रॉसवाइज मुड़े - "मर गया"; अपने हाथ की अनामिका की ओर इशारा किया - "मैं शादी करना चाहता हूँ" या "शादी"; हाथों से लहर जैसी गतिविधियों का चित्रण - "जहाज पर रवाना हुआ।"

बैले यूरोप को मंत्रमुग्ध कर देता है

इसके साथ ही बैले का सर्वांगीण विकास हुआ बड़े शहरउनके अपने थिएटर, कोरियोग्राफर और कलाकार सामने आने लगे। इस प्रकार, बैले अपनी मातृभूमि - इटली में लौट आया, जहां 18वीं शताब्दी तक इसने प्रदर्शन की अपनी शैली विकसित कर ली थी, जो तकनीकी उत्कृष्टता और अधिक सहजता में फ्रांसीसी तौर-तरीकों से भिन्न थी। फ्रेंच और इतालवी स्कूलशास्त्रीय बैले में यह सदियों तक जारी रहेगा।

17वीं शताब्दी में, बैले नीदरलैंड में दिखाई दिया। इंग्लैंड में, बुर्जुआ क्रांति और प्रदर्शन पर प्रतिबंध के कारण, बैले थिएटर थोड़ी देर बाद विकसित हुआ - केवल राजशाही की बहाली के दौरान। 1722 में, डेनमार्क में पहला कोर्ट थिएटर बनाया गया, जहाँ पेशेवर नर्तकियों ने मोलिरे की कॉमेडी और बैले में भाग लिया। और केवल 18वीं शताब्दी के अंत में डेनिश बैले को स्वतंत्रता प्राप्त हुई। 18वीं सदी में बैले जर्मनी, स्वीडन और हॉलैंड में भी मौजूद था। इटालियंस और फ्रेंच से उधार लिए गए प्रदर्शन के रूप राष्ट्रीय स्वाद से समृद्ध थे।

बैले दूसरों की तुलना में बाद में रूस आया यूरोपीय देश, लेकिन यहीं पर उन्होंने अपना उत्कर्ष पाया, और यह अन्य शताब्दियों की कहानी है जो एक अलग अध्याय की हकदार है।

बैले एक काफी युवा कला है. यह चार सौ वर्ष से कुछ अधिक पुराना है, यद्यपि नृत्य प्राचीन काल से ही मानव जीवन का श्रृंगार करता रहा है। बैले का जन्म पुनर्जागरण के दौरान उत्तरी इटली में हुआ था। इतालवी राजकुमारों को भव्य महल उत्सव पसंद थे, जिसमें नृत्य एक महत्वपूर्ण स्थान रखता था। ग्रामीण नृत्य दरबारी महिलाओं और सज्जनों के लिए उपयुक्त नहीं थे। उनकी पोशाक, उन हॉलों की तरह जहां उन्होंने नृत्य किया था, असंगठित आंदोलन की अनुमति नहीं देती थी। विशेष शिक्षकों - नृत्य गुरुओं - ने दरबारी नृत्यों में व्यवस्था बहाल करने का प्रयास किया। उन्होंने पहले से ही रईसों के साथ व्यक्तिगत आकृतियों और नृत्य गतिविधियों का अभ्यास किया और नर्तकियों के समूहों का नेतृत्व किया। धीरे-धीरे यह नृत्य और अधिक नाटकीय हो गया।

शब्द "बैले" 16वीं शताब्दी के अंत में सामने आया (इतालवी बैलेटो से - नृत्य के लिए)। लेकिन तब इसका मतलब प्रदर्शन नहीं था, बल्कि एक निश्चित मनोदशा को व्यक्त करने वाला एक नृत्य एपिसोड था। इस तरह के "बैले" में आमतौर पर पात्रों के थोड़े परस्पर जुड़े हुए "निकास" शामिल होते हैं - ज्यादातर अक्सर नायक यूनानी मिथक. ऐसे "आउटपुट" के बाद शुरू हुआ सामान्य नृत्य- "ग्रैंड बैले"।

पहला बैले प्रदर्शन क्वीन्स कॉमेडी बैले था, जिसका मंचन 1581 में फ्रांस में किया गया था। इटालियन कोरियोग्राफरबाल्टज़ारिनी डि बेल्जियोइसो। ऐसा फ्रांस में ही हुआ था इससे आगे का विकासबैले सबसे पहले ये छद्मवेशी बैले थे, और फिर वीरतापूर्ण और शानदार कथानकों के साथ भव्य मेलोड्रामैटिक बैले, जहां नृत्य प्रसंगों की जगह स्वर अरिया और कविता पाठ ने ले ली। चौंकिए मत, उस समय बैले सिर्फ एक नृत्य प्रदर्शन नहीं था।

लुई XIV के शासनकाल के दौरान, कोर्ट बैले प्रदर्शन विशेष वैभव पर पहुंच गया। लुईस को स्वयं बैले में भाग लेना पसंद था, और "बैले ऑफ द नाइट" में सूर्य की भूमिका निभाने के बाद उन्हें अपना प्रसिद्ध उपनाम "द सन किंग" मिला।

1661 में उन्होंने रॉयल संगीत और नृत्य अकादमी बनाई, जिसमें 13 प्रमुख नृत्य गुरु शामिल थे। उनकी जिम्मेदारी नृत्य परंपराओं को संरक्षित करना था। अकादमी के निदेशक, शाही नृत्य शिक्षक पियरे ब्यूचैम्प ने शास्त्रीय नृत्य के पांच मुख्य पदों की पहचान की।

जल्द ही पेरिस ओपेरा खोला गया, और उसी ब्यूचैम्प को कोरियोग्राफर नियुक्त किया गया। उनके नेतृत्व में एक बैले मंडली का गठन किया गया। सबसे पहले, इसमें केवल पुरुष शामिल थे। महिलाएं 1681 में ही पेरिस ओपेरा के मंच पर दिखाई दीं।

थिएटर ने संगीतकार लूली द्वारा ओपेरा और बैले और नाटककार मोलिरे द्वारा कॉमेडी और बैले का मंचन किया। सबसे पहले, दरबारियों ने उनमें भाग लिया, और प्रदर्शन महल के प्रदर्शन से लगभग अलग नहीं थे। पहले से उल्लेखित धीमे मिनट, गावोटे और पावने नृत्य किए गए। मास्क, भारी पोशाक और ऊँची एड़ी ने महिलाओं को जटिल गतिविधियाँ करने से रोका। इसीलिए पुरुषों का नृत्यवे तब अधिक अनुग्रह और लालित्य से प्रतिष्ठित थे।

को 18वीं सदी के मध्यसदी, बैले ने यूरोप में बहुत लोकप्रियता हासिल की। यूरोप के सभी कुलीन दरबारों ने फ्रांसीसी शाही दरबार की विलासिता की नकल करने की कोशिश की। शहरों में ओपेरा हाउस खुले। अनेक नर्तकों और नृत्य शिक्षकों को आसानी से काम मिल गया।

जल्द ही, फैशन के प्रभाव में, महिलाओं की बैले पोशाकें बहुत हल्की और मुक्त हो गईं, और शरीर की रेखाएँ नीचे देखी जा सकती थीं। नर्तकियों ने ऊँची एड़ी के जूतों को त्याग दिया और उनके स्थान पर हल्के एड़ी के जूते पहने। कम बोझिल हो गया पुरुष का सूट: घुटनों तक तंग पतलून और मोज़ा ने नर्तक की आकृति को देखना संभव बना दिया।

प्रत्येक नवाचार ने नृत्य को और अधिक सार्थक बना दिया, और नृत्य तकनीक- उच्चतर. धीरे-धीरे, बैले ओपेरा से अलग हो गया और एक स्वतंत्र कला बन गया।

हालाँकि फ्रेंच बैले स्कूलवह अपनी शालीनता और लचीलेपन के लिए प्रसिद्ध थी; उसे निष्पादन की एक निश्चित शीतलता और औपचारिकता की विशेषता थी। इसलिए, कोरियोग्राफरों और कलाकारों ने अभिव्यक्ति के अन्य साधनों की तलाश की।

में देर से XVIIIसदी, कला में एक नई दिशा का जन्म हुआ - रूमानियत, जिसका बैले पर गहरा प्रभाव पड़ा। एक रोमांटिक बैले में, नर्तक नुकीले जूतों पर खड़ा था। मारिया टैग्लियोनी ऐसा करने वाली पहली थीं, जिन्होंने बैले के बारे में पिछले विचारों को पूरी तरह से बदल दिया। बैले ला सिल्फाइड में, वह दूसरी दुनिया से आए एक नाजुक प्राणी के रूप में दिखाई दीं। सफलता आश्चर्यजनक थी.

इस समय, कई अद्भुत बैले सामने आए, लेकिन, दुर्भाग्य से, रोमांटिक बैले अपने उत्कर्ष का अंतिम काल बन गया नृत्य कलापश्चिम में। दूसरे से 19वीं सदी का आधा हिस्साशताब्दी, बैले, अपना पूर्व महत्व खोकर, ओपेरा के उपांग में बदल गया। केवल 20वीं सदी के 30 के दशक में, रूसी बैले के प्रभाव में, यूरोप में इस कला रूप का पुनरुद्धार शुरू हुआ।

रूस में, पहला बैले प्रदर्शन - "द बैले ऑफ़ ऑर्फ़ियस एंड यूरीडाइस" - का मंचन 8 फरवरी, 1673 को ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच के दरबार में किया गया था। औपचारिक और धीमे नृत्यों में गायन और भाषण के साथ बारी-बारी से सुंदर मुद्राओं, धनुषों और चालों का परिवर्तन शामिल होता था। नहीं महत्वपूर्ण भूमिकाउन्होंने मंच नृत्य के विकास में कोई भूमिका नहीं निभाई। यह सिर्फ एक और शाही "मज़ा" था जिसने लोगों को अपनी असामान्यता और नवीनता से आकर्षित किया।

केवल एक चौथाई सदी बाद, पीटर I के सुधारों के लिए धन्यवाद, संगीत और नृत्य ने रूसी समाज के रोजमर्रा के जीवन में प्रवेश किया। कुलीन वर्ग के लिए शैक्षणिक संस्थानोंअनिवार्य नृत्य प्रशिक्षण शुरू किया गया। संगीतकार, ओपेरा कलाकार और बैले कंपनियाँ.

1738 में, रूस में पहला बैले स्कूल खुला, और तीन साल बाद, महल के नौकरों में से 12 लड़के और 12 लड़कियाँ रूस में पहले पेशेवर नर्तक बने। सबसे पहले उन्होंने विदेशी मास्टर्स के बैले में पात्रों के रूप में प्रदर्शन किया (जैसा कि कोर डी बैले नर्तक कहा जाता था), और बाद में मुख्य भूमिकाओं में। उस समय के अद्भुत नर्तक टिमोफ़े बुब्लिकोव न केवल सेंट पीटर्सबर्ग में, बल्कि वियना में भी चमके।

19वीं सदी की शुरुआत में रूसी बैले कला पहुंची रचनात्मक परिपक्वता. रूसी नर्तकों ने नृत्य में अभिव्यंजना और आध्यात्मिकता ला दी। इसे बहुत सटीक रूप से महसूस करते हुए, ए.एस. पुश्किन ने अपने समकालीन अव्दोत्या इस्तोमिना के नृत्य को "आत्मा से भरी उड़ान" कहा।

इस समय बैले ने नाट्य कला के अन्य रूपों के बीच एक विशेषाधिकार प्राप्त स्थान पर कब्जा कर लिया। अधिकारियों ने उस पर बहुत ध्यान दिया, बशर्ते सरकारी सब्सिडी. मॉस्को और सेंट पीटर्सबर्ग बैले मंडलों ने अच्छी तरह से सुसज्जित थिएटरों और स्नातकों में प्रदर्शन किया थिएटर स्कूलनर्तकियों, संगीतकारों और सज्जाकारों के कर्मचारियों की वार्षिक पूर्ति की जाती थी।

हमारे बैले थिएटर के इतिहास में अक्सर उन विदेशी मास्टर्स के नाम मिलते हैं जिन्होंने रूसी बैले के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। सबसे पहले, ये हैं चार्ल्स डिडेलॉट, आर्थर सेंट-लियोन और मारियस पेटिपा। उन्होंने रूसी बैले स्कूल बनाने में मदद की। लेकिन प्रतिभाशाली रूसी कलाकारों ने भी अपने शिक्षकों की प्रतिभा को प्रकट करने का अवसर दिया। इसने हमेशा यूरोप के सबसे बड़े कोरियोग्राफरों को मॉस्को और सेंट पीटर्सबर्ग की ओर आकर्षित किया। दुनिया में कहीं भी उन्हें रूस जितनी बड़ी, प्रतिभाशाली और अच्छी तरह से प्रशिक्षित मंडली नहीं मिली।

में मध्य 19 वींसदी, यथार्थवाद रूसी साहित्य और कला में आया। कोरियोग्राफरों ने उत्साहपूर्वक, लेकिन कोई फायदा नहीं हुआ, यथार्थवादी प्रदर्शन बनाने की कोशिश की। उन्होंने इस बात पर ध्यान नहीं दिया कि बैले एक पारंपरिक कला है और बैले में यथार्थवाद चित्रकला और साहित्य में यथार्थवाद से काफी भिन्न है। बैले कला का संकट शुरू हुआ।

रूसी बैले के इतिहास में एक नया चरण तब शुरू हुआ जब महान रूसी संगीतकार पी. त्चिकोवस्की ने पहली बार बैले के लिए संगीत तैयार किया। वह था " स्वान झील"इससे पहले, बैले संगीत को गंभीरता से नहीं लिया जाता था। इसे निचला रूप माना जाता था संगीत रचनात्मकता, नृत्य के साथ बस एक संगत।

त्चिकोवस्की को धन्यवाद बैले संगीतओपेरा और के साथ-साथ एक गंभीर कला बन गई है सिम्फोनिक संगीत. पहले संगीतपूरी तरह से नृत्य पर निर्भर था, अब नृत्य को संगीत का पालन करना था। अभिव्यक्ति के नए साधनों और प्रदर्शन के निर्माण के लिए एक नए दृष्टिकोण की आवश्यकता थी।

रूसी बैले का आगे का विकास मॉस्को कोरियोग्राफर ए. गोर्स्की के नाम से जुड़ा है, जिन्होंने पैंटोमाइम की पुरानी तकनीकों को त्यागकर बैले प्रदर्शन में आधुनिक निर्देशन तकनीकों का इस्तेमाल किया। दे रही है बडा महत्वप्रदर्शन के सुरम्य डिजाइन ने सर्वश्रेष्ठ कलाकारों को काम करने के लिए आकर्षित किया।

लेकिन बैले कला के सच्चे सुधारक मिखाइल फ़ोकिन हैं, जिन्होंने बैले प्रदर्शन के पारंपरिक निर्माण के खिलाफ विद्रोह किया। उन्होंने तर्क दिया कि नाटक का विषय, उसका संगीत और जिस युग में कार्रवाई होती है, हर बार अलग-अलग विचारों की आवश्यकता होती है। नृत्य कला, एक अलग नृत्य पैटर्न। बैले "इजिप्टियन नाइट्स" का मंचन करते समय, फोकिन वी. ब्रायसोव की कविता और प्राचीन मिस्र के चित्रों से प्रेरित थे, और बैले "पेत्रुस्का" की छवियां ए. ब्लोक की कविता से प्रेरित थीं। बैले "डैफनीस एंड क्लो" में उन्होंने नुकीले जूतों पर नृत्य करना छोड़ दिया और स्वतंत्र, लचीली हरकतों के साथ प्राचीन भित्तिचित्रों को पुनर्जीवित किया। उनके "चोपिनियाना" ने माहौल को पुनर्जीवित कर दिया रोमांटिक बैले. फ़ोकिन ने लिखा है कि "वह बैले-मज़ा से और नृत्य से एक समझने योग्य, बोलचाल की भाषा में एक बैले-नाटक बनाने का सपना देखते हैं।" और वह सफल हुआ.

1908 में, पेरिस में रूसी बैले नर्तकियों का वार्षिक प्रदर्शन शुरू हुआ, जिसका आयोजन किया गया था नाटकीय आकृतिएस. पी. डायगिलेव। रूस के नर्तकियों के नाम - वास्लाव निजिंस्की, तमारा कारसविना, एडॉल्फ बोल्म - दुनिया भर में जाने गए। लेकिन इस पंक्ति में सबसे पहले नाम है अतुलनीय अन्ना पावलोवा का।

पावलोवा - गीतात्मक, नाजुक, लम्बी शारीरिक रेखाओं के साथ, विशाल आँखें - रोमांटिक बैलेरीना को चित्रित करने वाली उत्कीर्णन। उनकी नायिकाओं ने एक सौहार्दपूर्ण, आध्यात्मिक जीवन या किसी अधूरी बात के बारे में उदासी और उदासी का एक विशुद्ध रूसी सपना व्यक्त किया। "द डाइंग स्वान" द्वारा निर्मित महान बैलेरीनापावलोवा, 20वीं सदी की शुरुआत में रूसी बैले का एक काव्यात्मक प्रतीक है।

यह तब था, जब रूसी कलाकारों के कौशल के प्रभाव में, पश्चिमी बैले ने खुद को हिलाया और दूसरी हवा पाई।

बाद अक्टूबर क्रांति 1917 में, कई बैले थिएटर हस्तियों ने रूस छोड़ दिया, लेकिन इसके बावजूद, रूसी बैले स्कूल बच गया। एक नए जीवन की दिशा में आंदोलन की करुणा, क्रांतिकारी विषय और सबसे महत्वपूर्ण रूप से रचनात्मक प्रयोग की गुंजाइश ने बैले मास्टर्स को प्रेरित किया। उनका काम करीब लाना था कोरियोग्राफिक कलालोगों के लिए, इसे और अधिक महत्वपूर्ण और सुलभ बनाना।

इस प्रकार नाटकीय बैले की शैली का उदय हुआ। ये आमतौर पर प्रसिद्ध कथानकों पर आधारित प्रदर्शन थे साहित्यिक कार्य, जो नाटकीय प्रदर्शन के नियमों के अनुसार बनाए गए थे। विषयवस्तु को मूकाभिनय और आलंकारिक नृत्य के माध्यम से प्रस्तुत किया गया। 20वीं सदी के मध्य में, नाटकीय बैले संकट में था। कोरियोग्राफरों ने मंच प्रभावों की मदद से प्रदर्शन के मनोरंजन मूल्य को बढ़ाते हुए, बैले की इस शैली को संरक्षित करने का प्रयास किया, लेकिन, अफसोस, व्यर्थ।

1950 के दशक के अंत में एक महत्वपूर्ण मोड़ आया। नई पीढ़ी के कोरियोग्राफरों और नर्तकियों ने भूली हुई शैलियों को पुनर्जीवित किया है - वन-एक्ट बैले, बैले सिम्फनी, कोरियोग्राफिक मिनिएचर। और 1970 के दशक के बाद से, स्वतंत्र बैले मंडली उभर कर सामने आई हैं ओपेरा और बैले थिएटर. इनकी संख्या लगातार बढ़ती जा रही है, इनके बीच स्टूडियो सामने आ रहे हैं मुक्त नृत्यऔर आधुनिक नृत्य. लेकिन अकादमिक बैले और शास्त्रीय नृत्य विद्यालय अभी भी हमारे देश में अग्रणी बने हुए हैं।

यह दिलचस्प है

अतीत के बैले में सम्मेलनों की एक पूरी प्रणाली थी। उदाहरण के लिए, यदि कोई कलाकार अपनी हथेली के किनारे को अपने माथे पर चलाता है, जिसका अर्थ है कि उसके सिर पर एक मुकुट है, तो इसका मतलब "राजा" था; अपनी बाहों को अपनी छाती पर क्रॉसवाइज मोड़ लिया, जिसका अर्थ है कि वह "मर गया"; हाथ की अनामिका की ओर इशारा किया गया, जहां आमतौर पर अंगूठी पहनी जाती है - "मैं शादी करना चाहता हूं" या "शादी करना"; अपने हाथों से लहर जैसी हरकतें करने लगा, जिसका मतलब है कि वह "जहाज पर सवार हुआ" इत्यादि। बेशक, ये सभी इशारे केवल कोरियोग्राफरों, अभिनेताओं और मुट्ठी भर बैलेटोमेन - बैले के नियमित आगंतुकों - के लिए ही समझ में आते थे।

बैले (फ्रेंच बैले, लैटिन बैलो से - मैं नृत्य करता हूं) एक प्रकार की मंच कला है, जिसकी अभिव्यक्ति का मुख्य साधन संगीत और नृत्य से अटूट रूप से जुड़ा हुआ है।

अक्सर, बैले किसी प्रकार के कथानक, नाटकीय अवधारणा, लिब्रेटो पर आधारित होता है, लेकिन कथानक रहित बैले भी होते हैं। बैले नृत्य के मुख्य प्रकार शास्त्रीय नृत्य और चरित्र नृत्य हैं। यहां एक महत्वपूर्ण भूमिका पैंटोमाइम द्वारा निभाई जाती है, जिसकी मदद से अभिनेता पात्रों की भावनाओं, एक-दूसरे के साथ उनकी "बातचीत" और जो हो रहा है उसका सार व्यक्त करते हैं। में आधुनिक बैलेजिम्नास्टिक और कलाबाजी के तत्वों का भी व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है।

बैले का जन्म

बैले की उत्पत्ति पुनर्जागरण (XVI सदी) के दौरान इटली में हुई, शुरुआत में एक एकल क्रिया या मनोदशा से एकजुट एक नृत्य दृश्य के रूप में, एक एपिसोड संगीत प्रदर्शन, ओपेरा इटली से उधार लिया गया, कोर्ट बैले फ्रांस में एक शानदार औपचारिक तमाशे के रूप में विकसित हुआ। संगीतमय आधारपहले बैले (द क्वीन्स कॉमेडी बैले, 1581) में लोक और दरबारी नृत्य शामिल थे जो एक प्राचीन सूट का हिस्सा थे। 17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, नई नाट्य शैलियाँ सामने आईं, जैसे कॉमेडी-बैले, ओपेरा-बैले, जिसमें महत्वपूर्ण स्थानबैले संगीत को दिया जाता है और उसे नाटकीय बनाने का प्रयास किया जाता है। लेकिन 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फ्रांसीसी कोरियोग्राफर जे.जे. नोवर द्वारा किए गए सुधारों की बदौलत बैले मंच कला का एक स्वतंत्र रूप बन गया। फ्रांसीसी प्रबुद्धता के सौंदर्यशास्त्र के आधार पर, उन्होंने ऐसे प्रदर्शन बनाए जिनमें सामग्री नाटकीय रूप से अभिव्यंजक रूप से प्रकट होती है प्लास्टिक छवियां, ने "एक कार्यक्रम जो नर्तक की गतिविधियों और कार्यों को निर्धारित करता है" के रूप में संगीत की सक्रिय भूमिका की पुष्टि की।

बैले का और विकास

बैले का आगे विकास और विकास रूमानियत के युग में हुआ।

आधुनिक बैले पोशाक (नाटक "द नटक्रैकर" से शुगर प्लम परी की पोशाक)

30 के दशक में वापस वर्ष XVIIIवी फ्रांसीसी बैलेरीना कैमार्गो ने अपनी स्कर्ट (टुटू) को छोटा कर दिया और हील्स को त्याग दिया, जिससे उन्हें अपने नृत्य में स्किड्स लाने की अनुमति मिली। 18वीं सदी के अंत तक. बैले पोशाक बहुत हल्की और मुक्त हो जाती है, जो नृत्य तकनीक के तेजी से विकास में बहुत योगदान देती है। अपने नृत्य को और अधिक हवादार बनाने की कोशिश करते हुए, कलाकारों ने अपने पैर की उंगलियों पर खड़े होने की कोशिश की, जिसके कारण पॉइंट जूते का आविष्कार हुआ। भविष्य में, उंगली तकनीक महिला नृत्यसक्रिय रूप से विकसित हो रहा है। अभिव्यक्ति के साधन के रूप में पॉइंट नृत्य का उपयोग करने वाली पहली मारिया टैग्लियोनी थीं।

बैले के नाटकीयकरण के लिए बैले संगीत के विकास की आवश्यकता थी। बीथोवेन ने अपने बैले "द वर्क्स ऑफ प्रोमेथियस" (1801) में बैले को सिम्फनीज़ करने का पहला प्रयास किया। एडम के बैले गिजेल (1841) और कॉर्सेर (1856) में रोमांटिक निर्देशन स्थापित किया गया था। डेलिबेस के बैले कोपेलिया (1870) और सिल्विया (1876) को पहला सिम्फनीज़ बैले माना जाता है। उसी समय, बैले संगीत के लिए एक सरलीकृत दृष्टिकोण उभरा (सी. पुगना, एल. मिंकस, आर. ड्रिगो, आदि के बैले में), मधुर संगीत के रूप में, लय में स्पष्ट, केवल नृत्य के लिए एक संगत के रूप में कार्य करता है।

बैले रूस में प्रवेश करता है और शुरुआत में पीटर I के तहत भी फैलने लगता है। XVIII सदी 1738 में, फ्रांसीसी नृत्य गुरु जीन-बैप्टिस्ट लांडे के अनुरोध पर, रूस में पहला बैले डांस स्कूल सेंट पीटर्सबर्ग (अब रूसी बैले की वागनोवा अकादमी) में खोला गया था।

रूसी बैले का इतिहास 1738 में शुरू होता है। यह तब था, श्री लांडे के अनुरोध के लिए धन्यवाद, कि रूस में बैले कला का पहला स्कूल सामने आया - अब विश्व प्रसिद्ध सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ डांस का नाम एग्रीपिना याकोवलेना वागनोवा के नाम पर रखा गया है। रूसी सिंहासन के शासकों ने हमेशा नृत्य कला के विकास की परवाह की है। मिखाइल फेडोरोविच रूसी राजाओं में से पहले थे जिन्होंने अपने दरबार के कर्मचारियों में नर्तक की एक नई स्थिति पेश की। यह इवान लॉडगिन था। उन्हें न केवल स्वयं नृत्य करना था, बल्कि दूसरों को भी यह कला सिखानी थी। उनतीस नवयुवकों को उसके अधीन रखा गया। पहला थिएटर ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच के अधीन दिखाई दिया। तब नाटक के अभिनयों के बीच मंच नृत्य दिखाने की प्रथा थी, जिसे बैले कहा जाता था। बाद में, सम्राट पीटर द ग्रेट के विशेष आदेश से, नृत्य अदालत के शिष्टाचार का एक अभिन्न अंग बन गया। अठारहवीं शताब्दी के 30 के दशक में, कुलीन युवा नृत्य सीखने के लिए बाध्य थे। पीटर्सबर्ग में बॉलरूम डांसजेंट्री में एक अनिवार्य अनुशासन बन गया कैडेट कोर. ग्रीष्मकालीन थिएटर के उद्घाटन के साथ ग्रीष्मकालीन उद्यान, सर्दी - आउटबिल्डिंग में शीत महलकैडेट बैले नृत्य में भाग लेना शुरू करते हैं। कोर में नृत्य शिक्षक जीन-बैप्टिस्ट लांडे थे। वह अच्छी तरह से समझते थे कि भविष्य में रईस खुद को बैले कला के लिए समर्पित नहीं करेंगे। हालाँकि उन्होंने पेशेवरों के बराबर बैले में नृत्य किया। लांडे ने, किसी और की तरह, रूसी बैले थियेटर की आवश्यकता को नहीं देखा। सितंबर 1737 में, उन्होंने एक याचिका दायर की जिसमें वह एक नया विशेष स्कूल बनाने की आवश्यकता को उचित ठहराने में सक्षम थे, जहां लड़कियां और लड़के सरल उत्पत्तिकोरियोग्राफिक कला का अध्ययन करेंगे। जल्द ही ऐसी अनुमति मिल गयी. महल के नौकरों में से बारह लड़कियों और बारह दुबले-पतले लड़कों को चुना गया, जिन्हें लांडे ने पढ़ाना शुरू किया। दैनिक कार्य परिणाम लेकर आया, जनता ने जो देखा उससे प्रसन्न हुई। 1743 से, लांडे के पूर्व छात्रों को बैले नर्तक के रूप में वेतन दिया जाने लगा। स्कूल बहुत जल्दी रूसी मंच को उत्कृष्ट कोर डी बैले नर्तक और शानदार एकल कलाकार प्रदान करने में कामयाब रहा। नाम इतिहास में बने हुए हैं सर्वोत्तम छात्रपहला सेट: अक्षिन्या सर्गेइवा, अव्दोत्या टिमोफीवा, एलिसैवेटा ज़ोरिना, अफानसी टोपोरकोव, एंड्री नेस्टरोव

राष्ट्रीय पहचानगतिविधियों की बदौलत 19वीं सदी की शुरुआत में रूसी बैले ने आकार लेना शुरू किया फ़्रेंच कोरियोग्राफरश्री-एल. डिडलो. डिडेलॉट कोर डी बैले की भूमिका, नृत्य और पैंटोमाइम के बीच संबंध को मजबूत करता है, और महिलाओं के नृत्य की प्राथमिकता पर जोर देता है।

बैले संगीत में एक वास्तविक क्रांति त्चिकोवस्की द्वारा की गई, जिन्होंने इसमें निरंतर सिम्फोनिक विकास, गहरी आलंकारिक सामग्री और नाटकीय अभिव्यक्ति पेश की। उनके बैले "स्वान लेक" (1877), "स्लीपिंग ब्यूटी" (1890), और "द नटक्रैकर" (1892) के संगीत ने, सिम्फोनिक संगीत के साथ, क्रिया के आंतरिक प्रवाह को प्रकट करने की क्षमता हासिल कर ली। पात्रों के चरित्र उनकी बातचीत, विकास और संघर्ष में। कोरियोग्राफी में, त्चिकोवस्की के नवाचार को कोरियोग्राफर मारियस पेटिपा और एल. आई. इवानोव ने मूर्त रूप दिया, जिन्होंने नृत्य के सिम्फनीज़ेशन की नींव रखी। सिम्फनीज़िंग बैले संगीत की परंपरा को ग्लेज़ुनोव ने बैले "रेमोंडा" (1898), "द यंग लेडी द सर्वेंट" (1900), और "द सीज़न्स" (1900) में जारी रखा।

20वीं सदी की शुरुआत नवोन्मेषी खोजों, रूढ़िवादिता पर काबू पाने की इच्छा, अकादमिक परंपराओं से चिह्नित थी बैले XIXशतक। उनके बैले में, कोरियोग्राफर बोल्शोई रंगमंचए. ए. गोर्स्की ने विकास की निरंतरता हासिल करने की कोशिश की नाटकीय कार्रवाई, ऐतिहासिक प्रामाणिकता, एक जन के रूप में कोर डी बैले की भूमिका को मजबूत करने की कोशिश की अभिनेता, मूकाभिनय और नृत्य के अलगाव को दूर करने के लिए। एम. एम. फ़ोकिन ने बैले में विचारों और छवियों की सीमा का महत्वपूर्ण रूप से विस्तार करके, इसे नए रूपों और शैलियों के साथ समृद्ध करके रूसी बैले कला में एक बड़ा योगदान दिया। उनके बैले "चोपिनियाना", "पेट्रुष्का", "फायरबर्ड" और "रूसी सीज़न" के लिए अन्य प्रस्तुतियों ने विदेशों में रूसी बैले को प्रसिद्धि दिलाई। विजय प्राप्त की विश्व प्रसिद्धिफॉकिन द्वारा अन्ना पावलोवा के लिए बनाया गया लघु "द डाइंग स्वान" (1907)। 1911-13 में "रूसी सीज़न" के आधार पर इसका गठन किया गया था स्थायी मंडली"डायगिलेव का रूसी बैले"। फ़ोकिन के मंडली छोड़ने के बाद, वास्लाव निजिंस्की इसके कोरियोग्राफर बन गए। उनका सबसे प्रसिद्ध प्रोडक्शन स्ट्राविंस्की के संगीत पर आधारित बैले "द राइट ऑफ स्प्रिंग" था।

आधुनिक नृत्य

आधुनिक नृत्य नृत्य की कला में एक दिशा है जो कोरियोग्राफरों की रचनात्मक स्वतंत्रता के पक्ष में बैले के सख्त मानदंडों से प्रस्थान के परिणामस्वरूप 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में दिखाई दी।

बैले मुक्त नृत्य से प्रेरित था, जिसके रचनाकारों को इतनी रुचि नहीं थी नई टेक्नोलॉजीनृत्य या कोरियोग्राफी, उतना ही नृत्य जितना एक विशेष दर्शन जो जीवन बदल सकता है। यह आंदोलन, जो बीसवीं सदी की शुरुआत में उभरा (इसाडोरा डंकन को इसका संस्थापक माना जाता है), ने कई प्रवृत्तियों के स्रोत के रूप में कार्य किया। आधुनिक नृत्यऔर बैले के सुधार को ही प्रोत्साहन दिया।

कॉपीपास्टर द्वारा बुधवार, 15/08/2007 - 01:11 को प्रस्तुत किया गया

बैले एक काफी युवा कला है. यह चार सौ वर्ष से कुछ अधिक पुराना है, यद्यपि नृत्य प्राचीन काल से ही मानव जीवन का श्रृंगार करता रहा है।

बैले का जन्म पुनर्जागरण के दौरान उत्तरी इटली में हुआ था। इतालवी राजकुमारों को भव्य महल उत्सव पसंद थे, जिसमें नृत्य एक महत्वपूर्ण स्थान रखता था। ग्रामीण नृत्य दरबारी महिलाओं और सज्जनों के लिए उपयुक्त नहीं थे। उनकी पोशाक, उन हॉलों की तरह जहां उन्होंने नृत्य किया था, असंगठित आंदोलन की अनुमति नहीं देती थी। विशेष शिक्षकों - नृत्य गुरुओं - ने दरबारी नृत्यों में व्यवस्था बहाल करने का प्रयास किया। उन्होंने पहले से ही रईसों के साथ व्यक्तिगत आकृतियों और नृत्य गतिविधियों का अभ्यास किया और नर्तकियों के समूहों का नेतृत्व किया। धीरे-धीरे यह नृत्य और अधिक नाटकीय हो गया।

शब्द "बैले" 16वीं शताब्दी के अंत में सामने आया (इतालवी बैलेटो से - नृत्य के लिए)। लेकिन तब इसका मतलब प्रदर्शन नहीं था, बल्कि एक निश्चित मनोदशा को व्यक्त करने वाला एक नृत्य एपिसोड था। इस तरह के "बैले" में आमतौर पर पात्रों के थोड़े परस्पर जुड़े हुए "आउटपुट" शामिल होते हैं - जो अक्सर ग्रीक मिथकों के नायक होते हैं। ऐसे "निकास" के बाद सामान्य नृत्य शुरू हुआ - "भव्य बैले"।

पहला बैले प्रदर्शन क्वीन्स कॉमेडी बैले था, जिसका मंचन 1581 में फ़्रांस में इतालवी कोरियोग्राफर बाल्टज़ारिनी डी बेलगियोसो द्वारा किया गया था। यह फ्रांस में था कि बैले का आगे विकास हुआ। सबसे पहले ये छद्मवेशी बैले थे, और फिर वीरतापूर्ण और शानदार कथानकों के साथ भव्य मेलोड्रामैटिक बैले, जहां नृत्य प्रसंगों की जगह स्वर अरिया और कविता पाठ ने ले ली। चौंकिए मत, उस समय बैले सिर्फ एक नृत्य प्रदर्शन नहीं था।

थिएटर ने संगीतकार लूली द्वारा ओपेरा और बैले और नाटककार मोलिरे द्वारा कॉमेडी और बैले का मंचन किया। सबसे पहले, दरबारियों ने उनमें भाग लिया, और प्रदर्शन महल के प्रदर्शन से लगभग अलग नहीं थे। पहले से उल्लेखित धीमे मिनट, गावोटे और पावने नृत्य किए गए। मास्क, भारी पोशाक और ऊँची एड़ी ने महिलाओं को जटिल गतिविधियाँ करने से रोका। इसलिए, पुरुषों के नृत्य तब अधिक अनुग्रह और लालित्य से प्रतिष्ठित होते थे।

18वीं सदी के मध्य तक बैले ने यूरोप में काफी लोकप्रियता हासिल कर ली। यूरोप के सभी कुलीन दरबारों ने फ्रांसीसी शाही दरबार की विलासिता की नकल करने की कोशिश की। शहरों में ओपेरा हाउस खुले। अनेक नर्तकों और नृत्य शिक्षकों को आसानी से काम मिल गया।

जल्द ही, फैशन के प्रभाव में, महिलाओं की बैले पोशाकें बहुत हल्की और मुक्त हो गईं, और शरीर की रेखाएँ नीचे देखी जा सकती थीं। नर्तकियों ने ऊँची एड़ी के जूतों को त्याग दिया और उनके स्थान पर हल्के एड़ी के जूते पहने। पुरुषों की पोशाक भी कम भारी हो गई: घुटनों तक तंग पतलून और मोज़ा ने नर्तक की आकृति को देखना संभव बना दिया।

प्रत्येक नवाचार ने नृत्य को अधिक सार्थक और नृत्य तकनीक को उच्चतर बना दिया। धीरे-धीरे, बैले ओपेरा से अलग हो गया और एक स्वतंत्र कला बन गया।

हालाँकि फ्रांसीसी बैले स्कूल अपनी सुंदरता और लचीलेपन के लिए प्रसिद्ध था, लेकिन इसमें प्रदर्शन की एक निश्चित शीतलता और औपचारिकता की विशेषता थी। इसलिए, कोरियोग्राफरों और कलाकारों ने अभिव्यक्ति के अन्य साधनों की तलाश की।

18वीं सदी के अंत में कला में एक नई दिशा का जन्म हुआ - रूमानियत, जिसका बैले पर गहरा प्रभाव पड़ा। एक रोमांटिक बैले में, नर्तक नुकीले जूतों पर खड़ा था। मारिया टैग्लियोनी ऐसा करने वाली पहली थीं, जिन्होंने बैले के बारे में पिछले विचारों को पूरी तरह से बदल दिया। बैले ला सिल्फाइड में, वह दूसरी दुनिया से आए एक नाजुक प्राणी के रूप में दिखाई दीं। सफलता आश्चर्यजनक थी.

इस समय, कई अद्भुत बैले दिखाई दिए, लेकिन, दुर्भाग्य से, रोमांटिक बैले पश्चिम में नृत्य कला के उत्कर्ष का अंतिम काल बन गया। 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से, बैले, अपना पूर्व महत्व खोकर, ओपेरा के उपांग में बदल गया। केवल 20वीं सदी के 30 के दशक में, रूसी बैले के प्रभाव में, यूरोप में इस कला रूप का पुनरुद्धार शुरू हुआ।

रूस में, पहला बैले प्रदर्शन - "द बैले ऑफ़ ऑर्फ़ियस एंड यूरीडाइस" - का मंचन 8 फरवरी, 1673 को ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच के दरबार में किया गया था। औपचारिक और धीमे नृत्यों में गायन और भाषण के साथ बारी-बारी से सुंदर मुद्राओं, धनुषों और चालों का परिवर्तन शामिल होता था। उन्होंने मंच नृत्य के विकास में कोई महत्वपूर्ण भूमिका नहीं निभाई। यह सिर्फ एक और शाही "मज़ा" था जिसने लोगों को अपनी असामान्यता और नवीनता से आकर्षित किया।

केवल एक चौथाई सदी बाद, पीटर I के सुधारों के लिए धन्यवाद, संगीत और नृत्य ने रूसी समाज के रोजमर्रा के जीवन में प्रवेश किया। महान शैक्षणिक संस्थानों में अनिवार्य नृत्य प्रशिक्षण शुरू किया गया। विदेशों से आयातित संगीतकारों, ओपेरा कलाकारों और बैले मंडलों ने दरबार में प्रदर्शन करना शुरू कर दिया।

19वीं शताब्दी की शुरुआत में, रूसी बैले कला रचनात्मक परिपक्वता तक पहुंच गई। रूसी नर्तकों ने नृत्य में अभिव्यंजना और आध्यात्मिकता ला दी। इसे बहुत सटीक रूप से महसूस करते हुए, ए.एस. पुश्किन ने अपने समकालीन अव्दोत्या इस्तोमिना के नृत्य को "आत्मा से भरी उड़ान" कहा।

इस समय बैले ने नाट्य कला के अन्य रूपों के बीच एक विशेषाधिकार प्राप्त स्थान पर कब्जा कर लिया। अधिकारियों ने इस पर बहुत ध्यान दिया और सरकारी सब्सिडी प्रदान की। मॉस्को और सेंट पीटर्सबर्ग बैले मंडलों ने अच्छी तरह से सुसज्जित थिएटरों में प्रदर्शन किया, और थिएटर स्कूलों के स्नातक हर साल नर्तकियों, संगीतकारों और सज्जाकारों के कर्मचारियों में शामिल होते थे।

आर्थर सेंट-लियोन

19वीं सदी के मध्य में रूसी साहित्य और कला में यथार्थवाद आया। कोरियोग्राफरों ने उत्साहपूर्वक, लेकिन कोई फायदा नहीं हुआ, यथार्थवादी प्रदर्शन बनाने की कोशिश की। उन्होंने इस बात पर ध्यान नहीं दिया कि बैले एक पारंपरिक कला है और बैले में यथार्थवाद चित्रकला और साहित्य में यथार्थवाद से काफी भिन्न है। बैले कला का संकट शुरू हुआ।

रूसी बैले के इतिहास में एक नया चरण तब शुरू हुआ जब महान रूसी संगीतकार पी. त्चिकोवस्की ने पहली बार बैले के लिए संगीत तैयार किया। यह स्वान झील थी। इससे पहले बैले संगीत को गंभीरता से नहीं लिया जाता था. इसे निम्न प्रकार की संगीत रचनात्मकता माना जाता था, जो नृत्य के साथ एक संगत मात्र थी।

त्चिकोवस्की के लिए धन्यवाद, ओपेरा और सिम्फोनिक संगीत के साथ-साथ बैले संगीत एक गंभीर कला बन गया। पहले संगीत पूरी तरह से नृत्य पर निर्भर था, अब नृत्य को संगीत के अधीन होना पड़ा। अभिव्यक्ति के नए साधनों और प्रदर्शन के निर्माण के लिए एक नए दृष्टिकोण की आवश्यकता थी।

रूसी बैले का आगे का विकास मॉस्को कोरियोग्राफर ए. गोर्स्की के नाम से जुड़ा है, जिन्होंने पैंटोमाइम की पुरानी तकनीकों को त्यागकर बैले प्रदर्शन में आधुनिक निर्देशन तकनीकों का इस्तेमाल किया। प्रदर्शन के सुरम्य डिजाइन को बहुत महत्व देते हुए, उन्होंने सर्वश्रेष्ठ कलाकारों को काम करने के लिए आकर्षित किया।

लेकिन बैले कला के सच्चे सुधारक मिखाइल फ़ोकिन हैं, जिन्होंने बैले प्रदर्शन के पारंपरिक निर्माण के खिलाफ विद्रोह किया। उन्होंने तर्क दिया कि नाटक का विषय, उसका संगीत और जिस युग में कार्रवाई होती है, उसके लिए हर बार अलग-अलग नृत्य आंदोलनों और एक अलग नृत्य पैटर्न की आवश्यकता होती है। बैले "इजिप्टियन नाइट्स" का मंचन करते समय, फोकिन वी. ब्रायसोव की कविता और प्राचीन मिस्र के चित्रों से प्रेरित थे, और बैले "पेत्रुस्का" की छवियां ए. ब्लोक की कविता से प्रेरित थीं। बैले डेफनीस और क्लो में, उन्होंने नुकीले जूतों पर नृत्य करना छोड़ दिया और स्वतंत्र, लचीली गतिविधियों के साथ प्राचीन भित्तिचित्रों को पुनर्जीवित किया। उनके चोपिनियाना ने रोमांटिक बैले के माहौल को पुनर्जीवित कर दिया। फ़ोकिन ने लिखा है कि "वह बैले-मज़ा से और नृत्य से एक समझने योग्य, बोलचाल की भाषा में एक बैले-नाटक बनाने का सपना देखते हैं।" और वह सफल हुआ.

अन्ना पावलोवा

1908 में, पेरिस में रूसी बैले नर्तकियों का वार्षिक प्रदर्शन शुरू हुआ, जिसका आयोजन थिएटर कलाकार एस.पी. डायगिलेव ने किया था। रूस के नर्तकियों के नाम - वास्लाव निजिंस्की, तमारा कारसविना, एडॉल्फ बोल्म - दुनिया भर में जाने गए। लेकिन इस पंक्ति में सबसे पहले नाम है अतुलनीय अन्ना पावलोवा का।

पावलोवा - गीतात्मक, नाजुक, लम्बी शारीरिक रेखाओं के साथ, विशाल आँखें - रोमांटिक बैलेरीना को चित्रित करने वाली उत्कीर्णन। उनकी नायिकाओं ने एक सौहार्दपूर्ण, आध्यात्मिक जीवन या किसी अधूरी बात के बारे में उदासी और उदासी का एक विशुद्ध रूसी सपना व्यक्त किया। महान बैलेरीना पावलोवा द्वारा निर्मित "द डाइंग स्वान", 20वीं सदी की शुरुआत में रूसी बैले का एक काव्यात्मक प्रतीक है।

1917 की अक्टूबर क्रांति के बाद, बैले थिएटर के कई कलाकारों ने रूस छोड़ दिया, लेकिन इसके बावजूद, रूसी बैले का स्कूल बच गया। एक नए जीवन की दिशा में आंदोलन की करुणा, क्रांतिकारी विषय और सबसे महत्वपूर्ण रूप से रचनात्मक प्रयोग की गुंजाइश ने बैले मास्टर्स को प्रेरित किया। उनके सामने एक कार्य था: कोरियोग्राफिक कला को लोगों के करीब लाना, इसे और अधिक महत्वपूर्ण और सुलभ बनाना।

इस प्रकार नाटकीय बैले की शैली का उदय हुआ। ये आमतौर पर प्रसिद्ध साहित्यिक कृतियों के कथानकों पर आधारित प्रदर्शन थे, जो नाटकीय प्रदर्शन के नियमों के अनुसार बनाए गए थे। विषयवस्तु को मूकाभिनय और आलंकारिक नृत्य के माध्यम से प्रस्तुत किया गया। 20वीं सदी के मध्य में, नाटकीय बैले संकट में था। कोरियोग्राफरों ने मंच प्रभावों की मदद से प्रदर्शन के मनोरंजन मूल्य को बढ़ाते हुए, बैले की इस शैली को संरक्षित करने का प्रयास किया, लेकिन, अफसोस, व्यर्थ।

1950 के दशक के अंत में एक महत्वपूर्ण मोड़ आया। नई पीढ़ी के कोरियोग्राफरों और नर्तकियों ने भूली हुई शैलियों को पुनर्जीवित किया है - वन-एक्ट बैले, बैले सिम्फनी, कोरियोग्राफिक मिनिएचर। और 1970 के दशक के बाद से, ओपेरा और बैले थिएटरों से स्वतंत्र, स्वतंत्र बैले मंडलियां उभरी हैं। उनकी संख्या लगातार बढ़ रही है, और उनके बीच मुफ्त नृत्य और आधुनिक नृत्य स्टूडियो दिखाई दे रहे हैं।