Znani kompozytorzy Białorusi. Urodziny obchodzi słynny białoruski kompozytor, Artysta Ludowy ZSRR i Republiki Białorusi, Zasłużony Artysta Igor Łuchenok

W XVIII wieku Białoruś była częścią Rzeczypospolitej Obojga Narodów. Pod koniec stulecia Rzeczpospolita Obojga Narodów została podzielona na trzy państwa i przestała istnieć jako niezależna jednostka polityczna. Ziemie białoruskie w 1795 r. całkowicie oddalili się od Rosji, stając się północno-zachodnim regionem Imperium Rosyjskiego.

Na tle trudnych wydarzeń politycznych Białoruś przeżywała czas intensyfikacji życia duchowego związanego z zakorzenieniem Kultura narodowa idee Oświecenia. Rozwój nauki, oświaty i sztuki wynikał z chęci dostosowania się najwyższych warstw arystokratycznych do europejskiej mody i odbywał się w ramach szeroko rozwiniętej filantropii. Mecenasami sztuki byli w drugiej połowie XVIII wieku. Białoruscy magnaci I. Chraptowicz, A. Tizengauz, Radziwiłłowie, Ogińscy, Sapiehowie i in. Pod ich patronatem rozwijała się nowa architektura klasycystyczna, tworzono wspaniałe zespoły krajobrazowe, rozwijała się sztuka zdobnicza i użytkowa.

W kulturze muzycznej tamtych czasów współistniała duchowa i aktywnie rozwijająca się muzyka świecka, profesjonalna wykonywanie czynności i amatorskie (najczęściej arystokratyczne) muzykowanie, istniały prywatne dworskie i szkolne teatry muzyczne. W drugiej połowie XVIII w. położono podwaliny pod rozwój twórczość kompozytora narodowego i powstały pierwsze przykłady muzyki operowej, orkiestrowej, kameralno-instrumentalnej i kameralno-wokalnej.

Rozprzestrzenianie się idei Oświecenia na terytorium Białorusi stało się bodźcem do rozwoju sztuki teatralnej i pojawienia się musical teatru opery i baletu . Za stosunkowo krótkoterminowe całe terytorium Białorusi pokryto siecią teatrów muzycznych. W latach 50. XVIII w. Powstały teatry Radziwiłłowów w Nieświeżu i Słucku, w latach 70. i 80. powstał teatr słonimski Michała Kazimierza Ogińskiego, teatr grodzieński Antoniego Tizengauza, teatry Rużanskiego i Dreczyńskiego Sapegi, teatr Szklowski Siemiona Zoricha.

Zdobył największą sławę Teatr Słonim M. Kaz. Ogińskiego. Wyróżniał się ogromnymi rozmiarami, ogromną pojemnością widowni i doskonałymi możliwościami artystycznej oprawy przedstawień. Progresywna „maszyneria” zapewniła niezwykłe efekty, które potrafiły pobudzić wyobraźnię nawet współczesnego widza: na scenę swobodnie wjechała kawalkada koni, która pod pewnymi manipulacjami zamieniła się w jezioro, po którym pływały małe łódki i fałszywe statki.

Dobrze wyszkolone były zespoły białoruskich teatrów magnackich, w których występowali najczęściej aktorzy pańszczyźniani. Dzięki wysokiemu poziomowi warsztatu grodzieńska trupa baletowa stała się później podstawą Teatru Warszawskiego, a trupa baletowa Szklowa stanowiła trzon teatru w Petersburgu. Repertuar dworskich teatrów magnackich składał się głównie z opery zachodnioeuropejskie i baletowe. Bardzo niewielką jego część zajmowały dzieła autorów krajowych. Powstały grupy performerskie profesjonalni muzycy, wśród których znaczną część stanowili specjalnie zaproszeni w tym celu wykonawcy zagraniczni. Lokalni muzycy (poddani i wolni) byli początkowo w mniejszości, ale z biegiem czasu ich liczba stale rosła. Białoruscy artyści mogli kształcić się za granicą, dokąd potentat wysyłał ich na własny koszt, lub zdobywać umiejętności śpiewu, tańca i gry na instrumentach muzycznych od obcokrajowców bezpośrednio w kaplicy lub trupie operowo-baletowej.

specjalny Grupa społeczna wśród artystów teatru muzycznego należeli wywodzący się z wyższych sfer muzycy-amatorzy, do których należeli zwłaszcza Michał Kazimir Ogiński i Matej Radizivil.

Michał Kazimierz Ogiński (1728 – 1800) – polityk, filantrop, światły meloman i kompozytor – pochodził z czasów starożytnych rodzina szlachecka. Otrzymał wszechstronne wykształcenie, zrobił karierę wojskową, był wielokrotnie wybierany na posła do Sejmu i brał czynny udział w życiu politycznym. Stanowisko dyplomatyczne hetmana Wielkiego Księstwa Litewskiego umożliwiało częste wyjazdy za granicę. W latach 50. XVIII w. Ogiński odwiedził Berlin, Wiedeń, Paryż i Petersburg, w latach 80. - Akwizgran, Brukselę, Amsterdam, Hagę, odwiedził centra kulturalne Anglii, w latach 90. - był w Prusach i na Śląsku, po czym wrócił na terytorium Wielkiego Księstwa (w Wilnie i Warszawie). Podczas swoich podróży hetman nawiązał osobiste kontakty z głowami koronowanymi, a także ze znanymi filozofami, pisarzami, artystami i muzykami. Hetman utrzymywał przyjazne stosunki z Haydnem, któremu zaproponował fabułę oratorium „Stworzenie świata”.

Po ślubie z Aleksandrą Sapiehą w 1761 r. Michał Kazimierz otrzymał gospodarkę słonimską i rozpoczął aktywną działalność filantropijną na ziemi słonimskiej. W krótkim czasie z jego inicjatywy zbudowano kanał łączący baseny Morza Bałtyckiego i Czarnego, poprowadzono drogi przez bagna Polesia, otwarto manufaktury i drukarnie. W połowie lat 80. Oginski założył w Słonimiu centrum artystyczne z okazałym teatrem do wystawiania oper i baletów, w którym działały dwa zespoły operowo-baletowe oraz wysoce profesjonalna orkiestra, porównywalna z orkiestrą w Mannheim. Do „posiadłości muz” przybywali znani zachodnioeuropejscy i lokalni architekci, artyści, kompozytorzy, dyrygenci, śpiewacy i instrumentaliści. W szkole teatralnej kształcili się utalentowani muzycy i tancerze.

Michał Kazimir pokazał się na wiele twórczych sposobów. Dobrze rysował, pisał wiersze i libretta operowe, komponował muzykę, grał na kilku instrumentach muzycznych. W młodzieńcze lata pobierał lekcje u znanych skrzypków zachodnioeuropejskich. Następnie doskonalił swoje umiejętności w domu: był solistą w koncertach skrzypcowych, wykonywał pierwszą partię skrzypiec w domowej orkiestrze, brał udział w wykonaniach kwartetów smyczkowych Haydna, Boccheriniego i Stamitza. Oprócz skrzypiec opanował sztukę gry na klarnecie, za co otrzymał od współczesnych przydomek „klarnet hetmański”. Wiadomo również, że był wspaniałym harfistą i wprowadził zmiany w parametrach technicznych tego instrumentu.

Twórczość muzyczna Ogińskiego również była zróżnicowana. Z pośrednich źródeł wynika, że był on autorem pięciu oper, z których nie zachowało się kilkadziesiąt. Obecnie odnaleziono i wprowadzono do współczesnej praktyki muzycznej 12 pieśni bez akompaniamentu w rękopisie z 1770 r. oraz 14 pieśni z towarzyszeniem dwojga skrzypiec i basu, opublikowanych w wydaniach warszawskich z 1768 r. Opus ten stał się znany jako cykl pieśni „Da Kasi ”, napisany własnymi słowami. Te lakoniczne pieśni wyrażają charakterystyczne dla epoki idee prostoty i naturalności. Jednoczącym obrazem cyklu jest młoda wieśniaczka Kasia, która inspiruje wyrafinowanego młodego filozofa, w imieniu którego opowiadana jest ta historia, do tworzenia lirycznych i pouczających, filozoficznych i humorystycznych skeczy muzycznych. Nazwy piosenek („Ab Shchyrym Serdtsy”, „Nespadzyavany Dobry Dzen”, „Kotsik - Verabey”, „Ab Plavanni”, „Roznyya Thicks”, „Ab Masks” itp.) wskazują odcienie nastroju i odzwierciedlają pouczający doświadczenie, jakie narrator wydobywa z różnorodności zjawisk życiowych.

Za swoje piosenki M. Kaz. Oginsky wybiera tradycyjną formę dwuwierszową. Ich melodia jest typowym przykładem klasyczny styl i ma charakterystyczne zaokrąglone końce. Należy zauważyć że część wokalna, prawdopodobnie dla łatwości wykonania, dubbingowany ze skrzypcami. Rytm pieśni zawiera figury poloneza i menueta. Przezroczysta tekstura staje się bardziej złożona tylko w otwierających i zamykających ritornellos. W budynku obraz artystyczny w każdej miniaturze dominuje śpiewający głos.

Jeden z najwybitniejszych przedstawicieli białoruskiego amatorstwa muzycznego, drugi połowa XVIII V. był Matej Radziwiłł (1751 – 1821) - utalentowany poeta, kompozytor, osoba publiczna, który przez wiele lat mieszkał w Nieświeżu. Po śmierci ojca Mateja jego matka wyszła za mąż za hetmana litewskiego, wojewodę księcia wileńskiego Michała Kazimierza Radziwiłła („Rybonka”), właściciela Nieświeża, twórcę teatru operowo-baletowego i kaplicy. Chłopiec spędził dzieciństwo w tym ośrodku muz, gdzie Matei nabył i edukacja muzyczna.

Po ukończeniu studiów ogólne wykształcenie w 1770 r. M. Radziwiłł udał się na zwiedzanie świata. Odwiedził Drezno, Gdańsk, Pragę, Karlowe Wary, zapoznał się z osiągnięciami sztuka muzyczna.

Pod koniec lat 70. Radziwiel wrócił do Nieświeża, gdzie dużo komunikował się ze swoim przyrodnim bratem Karolem Stanisławem Radziwielem („Pane Kokhanku”), głównym filantropem, który przyczynił się do powstania Teatru w Nieświeżu. W tym czasie w teatrze pracowały światowe gwiazdy D. Albertini i J. Dusik, a na scenie wystawiano opery Paisiello, Cimarosy, Sartiego i Hollanda. Niemal codziennie w kaplicy w Nieświeżu odbywały się koncerty, podczas których wykonywano m.in. dzieła Haydna.

W latach 80. Matej Radziwiłł został kasztelanem wileńskim i otrzymał ziemie w Nowogródku oraz innych miejscowościach na Białorusi i w Polsce. Jednocześnie nasiliła się działalność twórcza filantropa - stworzył libretto do opery „Agatka” z muzyką niemieckiego kompozytora J. Hollanda, wystawionej w Nieświeżu w 1784 r., a w 1786 r. napisał operę „Woit of the Wieś w Albie”, dla której był librecistą, kompozytorem i wykonawcą jednej z głównych ról.

W 1790 r. M. Radziwiłł został mianowany opiekunem młodego Dominika, który po śmierci ojca „Pane Kohanku” pozostał jedynym dziedzicem wszystkich ziem. Z tego powodu Matej Radziwiel został zmuszony do pozostania w Nieświeżu podczas drugiego rozbioru Rzeczypospolitej Obojga Narodów. Mimo to wspierał powstanie T. Kościuszki, uzbroił kilka oddziałów powstańczych i dał wolność chłopom, którzy zdecydowali się dołączyć do powstańców. M. Radziwiłł pozostał w Nieświeżu do końca swoich dni i tam został pochowany.

Z twórczość muzyczna kompozytor amator znany z divetimento i 6 polonezów dla Orkiestra Kameralna, 3 polonezy fortepianowe, serenada na kwartet smyczkowy i sonata na skrzypce i fortepian. Dzieła te, powstałe w latach 1788 - 1797, poświęcone są elektorowi saskiemu Antoniemu i księżnej Annie, z którymi przyjaźnił się Radziwiel. Wszystkie prace utrzymane są w tym samym stylu. Cechuje je lekki obraz, proste środki wyrazu, klarowne formy i wszechobecna współbrzmienie.

Divertimento na orkiestrę składa się z trzech części: Allegro moderato – Adagio – Allegro scherzando. Język muzyczny utworu charakteryzują wpływy stylu klasycznego, latające tematy nawiązujące do stylu Mannheima, wyraźna harmonia z przewagą toniki, przejrzysta faktura i symetria formy. Utwór ten można zaliczyć do przykładów codziennego muzykowania z elementami styl muzyczny era.

Najwybitniejsi kompozytorzy, którzy żyją w koniec XVIII wieku był związany z Białorusią, są Osip Kozłowski i niemiecki kompozytor Jana Hollanda.

Osip Kozłowski (1757 – 1831 ) - pochodzi z rodziny białoruskiej szlachty. W Rosji O. Kozłowski zaliczany był do założycieli narodu szkoła kompozytorska. Jest autorem słynnego hymnu „Grzmot zwycięstwa, zadzwoń” (do słów G. Derzhavina, 1791), wielu dzieł orkiestrowych, muzycznych, teatralnych i kameralnych.

Osip Antonowicz Kozłowski urodził się w obwodzie sławgorodskim, na farmie Kozłowskich w pobliżu dawnego Propoiska, w biednej rodzina szlachecka. Talent muzyczny chłopca zauważył jego wujek, V. F. Trutowski, znany muzyk, kamerzysta na dworze Katarzyny II i kolekcjoner rosyjskich pieśni ludowych. Siedmioletniego Osipa zabrał na studia do Warszawy, do kaplicy przy katedrze św. Yana, gdzie Kozłowski nabył umiejętności śpiewaka chóralnego, skrzypka i organisty. Od 1773 do 1786 muzyk pracował jako guwerner w domu hrabiów Ogińskich, ucząc Michała Kleofasa i jego siostrę Józefę. W latach 1786–1796 O. Kozłowski służył jako oficer armii rosyjskiej i brał udział w zdobyciu Oczakowa. Po przyjęciu do orszaku księcia G. Potiomkina został przeniesiony do Petersburga. Tutaj w 1791 roku stworzył uroczystego poloneza „Rzuć grzmot zwycięstwa”, po którym zyskał sławę jako kompozytor. Od 1799 r. Kozłowski pracował w Dyrekcji Teatrów Cesarskich, najpierw jako inspektor, a od 1803 r. jako dyrektor muzyczny. Prowadził orkiestry, organizował uroczystości dworskie, nadzorował kształcenie muzyków w szkole teatralnej. W 1819 roku z powodu ciężkiej choroby kompozytor odszedł ze służby i najwyraźniej przestał działalność twórcza. W latach 20. XIX w. muzyk odwiedził na krótko Białoruś, odwiedził Zalesie, majątek Michała Kleofasa Ogińskiego i filantropa L. Rokitskiego w Gorodiszczach. O. Kozłowski zmarł w Petersburgu w 1831 r.

Sławę kompozytora przyniosły mu polonezy symfoniczne i fortepianowe, szereg oper, melodramatów i muzyki do tragedii V. Ozerowa, Y. Knyazhnina, P. Katenina i innych, a także „Pieśni rosyjskie”, które stały się zwiastunem klasycznego romansu rosyjskiego na głos i fortepian (do słów G. Derzhavina, A. Sumarokowa, Yu. Neledinsky-Meletsky'ego i innych poetów rosyjskich).

W ciągu swojego życia O. Kozłowski stworzył wiele dzieł. Wszystkie swoje dzieła podpisywał „amatorskim”, chociaż w istocie był kompozytorem wysoce profesjonalnym. Powodem tego było pochodzenie społeczne muzyka: był zubożałym szlachcicem, stale potrzebującym wsparcia filantropijnego i jeśli dla wielu szlachciców komponowanie muzyki było raczej kaprysem, to dla O. Kozłowskiego było to pilną koniecznością.

Niemiecki kompozytor Jan David Holland (1746 – 1827) wszedł do historii muzyki białoruskiej jako autor pierwszej opery narodowej „Agatka”, napisanej do libretta białoruskiego filantropa, librecisty i kompozytora M. Radziwiłła.

Jan David Holland urodził się 17 marca 1746 roku w niemieckim mieście St. Andreasberg. Od 1771 mieszkał w Hamburgu. W tym mieście od 1776 roku objął stanowisko dyrektora muzycznego Hamburga katedra, gdzie miał szczęście współpracować z F. E. Bachem. Od połowy lat 70. do początków lat 80. XVIII w. Na koncertach stale wykonywano symfonie, kantaty, oratoria, utwory wokalne i instrumentalne Hollanda.

W 1782 roku kompozytor przeniósł się do Rzeczypospolitej i pracował na dworze właściciela Nieświeża, Karola Radziwiłła (Panie Kokhanku). W Nieświeżu Holandia stworzyła opery komiczne „Agatka, czyli przybycie mistrza”, „Bogactwo cudzego nikomu nie służy”, balet „Orfeusz i Eurydyka”, kwartet smyczkowy i kantata dedykowana swojemu patronowi Karolowi Radziwiel. Wiadomo, że w 1790 muzyk działał w Grodnie i Warszawie, a od 1802 przez następne 23 lata wykładał teorię muzyki na Wydziale Literatury i Sztuk Wyzwolonych Uniwersytetu Wileńskiego, kierował chórem i orkiestrą. Swoje doświadczenie pedagogiczne podsumował w muzycznej pracy teoretycznej „Traktat akademicki o prawdziwej sztuce muzycznej”. Do dzieł tego okresu zalicza się sześciogłosowy kanon poświęcony cesarzowi rosyjskiemu Mikołajowi I (1826) oraz różnorodne utwory na klawesyn (preludia, ronda, polonezy, marsze), łączące w sobie cechy klasyczne i sentymentalne. J. D. Holland zmarł w Wilnie w 1827 r.

Opera komiczna J. D. Gollanda „Agatka, czyli przybycie mistrza” ma ogromne znaczenie dla białoruskiej kultury muzycznej. Jej premiera odbyła się 17 września 1784 roku w Nieświeżu i zbiegła się z przybyciem króla Stanisława Augusta. Popularność tej opery była tak wielka, że po premierze przez czterdzieści lat nie schodziła ze scen Warszawy, Krakowa, Lublina, Poznania i Lwowa.

Gatunek dzieła autorzy (kompozytor J. Holland i librecista M. Radziwiłł) określili jako „operetka”. Treść Agatki nawiązywała także do bezpretensjonalnej fabuły oper komicznych. Młoda chłopka pańszczyźniana, sierota Agatka, kocha wiejskiego chłopca Antka Całkę. Ich małżeństwu przeszkadza starszy Piyashka, który chce wydać Agatkę za innego mężczyznę, Antka Gaidaka. Na skutek identycznych imion bohaterów powstaje łańcuch komicznych nieporozumień. Opiekunka dziewczynki Walenta i stara panna Platyukhova próbują pomóc zakochanej parze, ale ich wysiłki są daremne. Tylko mądry pan, właściciel wsi, niszczy intrygę Piyashki i daje szczęście kochankom. Finałem opery jest uwielbienie sprawiedliwego mistrza.

Fabuła ujawniła wątki charakterystyczne dla ówczesnych oper: liryczno-sielski (miłość pary chłopskiej, opisywana jako scena pasterska), dramatyczny (przeszkody na drodze kochanków do szczęścia), komediowo-satyryczny (skoncentrowany w bohaterach Valenta, Piyashka i Platyukhova) i panegiryczno-dydaktyczny (interwencja dobrego pana, który rozwiązuje wszelkie sprzeczności). Jednocześnie w „Agatce” wyraźnie wyczuwalny był lokalny zasmak, przejawiający się w charakterystycznym dla czasów pańszczyzny konflikcie społecznym.

Opera składa się z trzech aktów. Przejrzysta struktura zbudowana jest na klasycznej zasadzie „trzech jedności” (miejsca, czasu i akcji). Język muzyczny Opera bliska jest normom stylu klasycznego, choć w arii Walensa z I aktu panuje słowiański posmak. Najbardziej rozwinięty cechy muzyczne obdarzeni Agatką i Antkiem Całką (występują w kilku ariach i zespołach). Ich stylistyka przemówienie muzyczne blisko włoskiego arie operowe, wyróżnia się szlachetnością i wyrafinowaniem intonacji.

Odcinki zespołowe i chóralne Agatki wykonywane są w tradycji oper liryczno-komicznych. Zatem końcowy refren zbudowany jest na zasadzie wodewilowych wersetów, w których solowy refren każdej postaci przeplata się z refrenem chóralnym.

„Agatka” posługuje się małą orkiestrą (oboje, rogi, trąbki i grupa ciągów). Uwertura, niezwiązana tematycznie z treścią opery, stwarza nastrój świąteczny i zapowiada szczęśliwe zakończenie.

„Agatka” J.D. Gollanda położyła podwaliny pod rozwój tradycji białoruskiego teatru muzycznego, stając się pierwszym dziełem operowym poświęconym lokalnym bohaterom i odzwierciedlającym (choć nie na poziomie muzycznym) lokalny klimat.

MUZYKA BIAŁORUSKA XIX WIEKU

Pierwsza połowa XIX wieku – wiek romantyzmu w sztuce europejskiej – stała się dla Białorusi czasem prób utworzenia narodowej szkoły kompozytorskiej.

Romantyczne nurty w sztuce białoruskiej pierwszego połowa XIX wieku V. wyrażali swoje zainteresowanie historią narodową i sztuką ludową. Pisarz i etnograf P. Szpilewski w esejach i artykułach w czasopismach rosyjskich i białoruskich ujawniał sposób życia Białorusinów. Pisarze białoruscy Y. Chechot, Y. Barshchevsky, V. Dunin-Martsinkevich, A. Rypinsky i V. Korotynsky po raz pierwszy skupiają się na życiu Język białoruski i wykorzystaj je w swojej twórczości motywy folklorystyczne, co znalazło odzwierciedlenie w dorobku ówczesnej literatury białoruskiej - wierszach „Taras na Parnasie” i „Eneida na lewą stronę”. Trendy romantyczne przejawiają się także w malarstwie białoruskim, w malarstwie artystów J. Dammla, J. Aleszkiewicza, K. Rusetskiego, N. Ordy, I. Chruckiego i innych.

Życie muzyczne Białorusi przeżywa ożywienie związane z powszechną demokratyzacją. W miastach i miasteczkach, osiedlach i kościołach odbywają się koncerty muzyki symfonicznej, kameralno-instrumentalnej i oratoryjnej. Wykonywane są symfonie i oratoria Haydna, Mozarta i Beethovena, kameralne dzieła instrumentalne I. Pleyela, L. Boccheriniego, K. Stamitza. Na potrzeby miast tworzone są lokalne orkiestry miejskie (miejska orkiestra symfoniczna pojawiła się w Mińsku w 1803 r.), małe zespoły kameralne, a także orkiestry przy placówkach oświatowych – gimnazjach, seminariach, internatach. Muzyka przekształca się z przywileju najwyższych kręgów społeczeństwa w bardziej demokratyczną formę sztuki, dostępną dla wszystkich warstw społeczeństwa.

Jedną z form życia muzycznego jest kubki I salony. W pierwszych trzydziestu latach XIX w. Szczególnie popularne na Białorusi są salony hrabiego R. Tizengauza w Żołudku w obwodzie grodzieńskim, hrabiego L. Rokitskiego w Gorodiszczach w obwodzie mińskim i księcia M. Kl. Ogińskiego w Zalesiu. Stopniowo powstawały kręgi muzyczne w domach średniej szlachty, wśród pisarzy, muzyków, poetów - w domu krewnych kompozytora S. Monyuszki, u ojca kompozytora F. Miladowskiego itp. Koło muzyczno-dramatyczne, słynie W. Dunin-Marcinkiewicz na czele, który wystawił białoruską operę „Sielanka” S. Moniuszki (na podstawie „Idylli” Dunina-Marcinkiewicza).

W latach 20. - 50. XIX w. odgrywają główną rolę w kształceniu białoruskich muzyków zawodowych muzyczne pensjonaty. Te prywatne instytucje edukacyjne zapewniły wystarczająco poważne umiejętności wykonawcze, co przyczyniło się do wzrostu profesjonalizmu białoruskich muzyków-wykonawców.

Najważniejszym wydarzeniem politycznym drugiej połowy XIX w. była klęska ruchu narodowowyzwoleńczego w wyniku stłumienia powstania w latach 1863–1864. Miało to negatywny wpływ na rozwój kultury białoruskiej. Zakazano białoruskiego słowa drukowanego, a w szkołach zaprzestano nauczania języka białoruskiego, uznanego za „produkt polonizacji”. Wiele pisarze narodowi którzy brali udział w powstaniu zostali zesłani na Syberię.

Dopiero na początku lat 80. nastąpił gwałtowny rozwój kultury białoruskiej. Pojawiły się podstawowe opracowania z zakresu etnografii i folkloru białoruskiego, m.in. „Materiały do badań nad życiem i językiem ludności rosyjskiej Terytorium Północno-Zachodniego” P. Szeina (1887 – 1902) oraz dziesięć numerów „Białoruskiego Biuletynu Kolekcja” E. Romanowa (1885 – 1910). Udowodniły to prace naukowców Białorusini ma bogatą kulturę i prawo do jej rozwoju. Gromadzenie materiałów folklorystycznych i etnograficznych przyczyniło się do rozwoju literatury, a zapisów folkloru muzycznego pojawiło się później, bo już w XX wieku. wpłynął na rozwój sztuki muzycznej.

Lata 80. i 90. to także początek działalności klasyków białoruskich: M. Bogdanowicza, J. Kupały, Y. Kolosa. Zauważalny jest wzrost w dziedzinie sztuk pięknych. Metoda realistyczna jest charakterystyczna dla malarstwa N. Silivanovica, S. Zaryanko, A. Goravsky'ego, F. Ruszczyca, S. Bogusza. Ich płótna wychwalają piękno przyrody Białorusi i sposób życia jej mieszkańców. Aktywność nabiera ogromnego znaczenia stowarzyszenia muzyczne, w ramach których odbywają się publiczne koncerty, wieczory muzyczne, wykłady na temat życia i twórczości wielkich kompozytorów i muzyków w białoruskich miastach. Towarzystwa prowadzą specjalne placówki oświatowe, organizują wycieczki po wybitnych rosyjskich i zagraniczni wykonawcy. Mińskie Towarzystwo Muzyczne, którego jednym z organizatorów był kompozytor Michaił Elski, powstało w 1880 roku.

W 1890 roku w Mińsku otwarto miejski teatr zimowy (obecnie budynek Teatru Dramatycznego im. Janki Kupały), w którym rozpoczęła pracę kompania operowa, który po raz pierwszy zapoznał mieszkańców Mińska z zagranicznymi i rosyjskimi przedstawieniami operowymi.

Intensywna działalność koncertowa białoruskich muzyków stała się bodźcem do twórczości. Utalentowani białoruscy skrzypkowie i pianiści, m.in. M. Elski, I. Gliński, K. Martsinkiewicz i inni, byli twórcami znacznej części własnego repertuaru wykonawczego. Komponowanie muzyki wybitni wykonawcy stała się główną formą praktyki kompozytorskiej drugiej połowy XIX wieku. Oni napisali koncerty instrumentalne, fantazje, wariacje, polonezy i mazurki koncertowe, miniatury.

Działał na przełomie XVIII i XIX w Michał Kleofas Ogiński (1765 – 1833) – autor światowej sławy poloneza „Pożegnanie Ojczyzny”, kompozytor, którego polscy muzykolodzy uważają za poprzednika F. Chopina. Był bratankiem Michała Kazimierza Ogińskiego i zawsze czuł się patriotą swojej ojczyzny.

Słynny polityk, muzyk i kompozytor urodził się 25 września 1765 roku w majątku Guzov pod Warszawą. W 1772 roku ojciec Michała został mianowany ambasadorem w Wiedniu i zabrał ze sobą na rok rodzinę. Siedmioletni Michał miał szczęście go odwiedzić Opera Wiedeńska, co zrobiło na nim niezatarte wrażenie. Od 1773 roku matka i syn wrócili do Guzowa, gdzie Michał Kleofas mógł systematycznie uczyć się w domu pod okiem francuskiego nauczyciela Jeana Raleigha i nauczyciela muzyki Osipa Kozłowskiego. Kozłowski nauczył Ogińskiego gry na klawesynach i skrzypcach, teorii i historii muzyki, kompozycji, dając mu gruntowne wykształcenie wiedzę muzyczną. Nauczyciel i uczeń wspólnie odwiedzili mieszkanie M. Kaza. Ogińskiego w Słonimiu, gdzie uczestniczyli w przedstawieniach teatralnych i koncertach kaplicy.

M.Kl. Ogiński zrobił szybką karierę polityczną - w wieku 19 lat został posłem na Sejm, w wieku 25 lat objął stanowisko ambasadora, pracował w Holandii i Anglii, Francji i Niemczech, Austrii, Włoszech, Rosji. Wszędzie Oginski starał się zapoznać z życiem muzycznym kraju, przesiąknąć jego duchem. Znał osobiście Haydna i Mozarta, pobierał lekcje u słynnych skrzypków tamtych czasów G. Viottiego, P. Baio i innych.

Od 1792 r. Michał Kazimierz pełnił funkcję skarbnika Wielkiego Księstwa Litewskiego. W 1794 r. został uczestnikiem powstania T. Kościuszki. Po klęsce powstania Oginski został pozbawiony całego majątku i wyemigrował za granicę. Licząc na odrodzenie Wielkiego Księstwa przy pomocy Napoleona, napisał na jego cześć operę „Zelis i Valcour, czyli Bonaparte w Kairze” z własnym libretto.

Podczas przystąpienia Aleksandra I Oginski otrzymał możliwość powrotu do ojczyzny. Po złożeniu przysięgi wierności cesarzowi rosyjskiemu przybył w 1802 r. do Petersburga, mając nadzieję na osiągnięcie porozumienia z Aleksandrem I w sprawie odrodzenia Wielkiego Księstwa Litewskiego. Po niepowodzeniu w tym przedsięwzięciu M. Kl. Oginsky osiąga sukces w sprawach majątkowych - jego rodzinne majątki zostają mu zwrócone. W tym samym 1802 r. M. Kl. Oginski przeniósł się do swojej posiadłości Zalesie koło Smorgonu, gdzie pozostał przez 20 lat. W tym czasie Zalesie stało się głównym ośrodkiem kulturalnym. W tym czasie Oginsky komponował kameralne miniatury wokalne i instrumentalne, a także pisał notatki muzyczne i estetyczne, które później umieścił w swojej książce „Listy o muzyce”.

Aktywna była także działalność filantropijna M. Kl. Ogińskiego. W Zalesiu, Smorgoni i Mołodecznie na własny koszt otwierał szkoły dla miejscowej młodzieży i dbał o obniżenie podatków od chłopów. Często odwiedzając Wilno, przygotowywał do druku swoje polonezy i romanse (wydane w Wilnie w 1817 r.), nawiązał kontakty z miejscową inteligencją i zaangażował się w prace Uniwersytetu Wileńskiego. Stając po stronie Rosji w czasie wojny 1812 r., po zakończeniu działań wojennych ponownie wrócił do Zalesia.

W 1822 roku Oginski opuścił Białoruś na zawsze. Ostatnie lataŻycie spędził we Włoszech, gdzie zajmował się działalnością literacką, muzyczną i wydawniczą. Tutaj opublikował swoje najnowsze prace, wspomnienia i „Listy o muzyce”. W 1833 M.Kl. Oginski zmarł.

Ważne miejsce w twórczym dziedzictwie Ogińskiego zajmuje polonezy, które kompozytor pisał przez całe życie. Wśród 26 przykładów tego gatunku znajdują się duszpasterskie, pompatyczne i uroczyste, fanfarowe i głęboko kontemplacyjne. Rozwiązania fakturalne polonezów sięgają od niezwykle prostych (melodia i akompaniament akordowy) po bogate w barwy i efekty rejestracyjne. Dzieła Ogińskiego charakteryzują się tradycyjną formą – są przeważnie trzyczęściowe, z kontrastującymi częściami środkowymi. Liryzm i orientacja psychologiczna Polonezów zbliżają te dzieła do stylu romantyków. Wśród innych dzieł fortepianowych kompozytora znajdują się walce, mazurki, galopy i menuet.

Jasny przedstawiciel Twórczość białoruskiego kompozytora pierwszej połowy XIX wieku. Jest Napoleon Orda (1807 – 1883) - wspaniały muzyk i artysta, pochodzący ze szlacheckiego pochodzenia. Urodzony 11 lutego 1807 roku w majątku rodzinnym Worotsewicze, powiat kobryński, województwo grodzieńskie. Od dzieciństwa chłopiec był przesiąknięty pięknem białoruskiej przyrody i melodią pieśni ludowych, które przez całe życie były dla niego źródłem inspiracji zarówno w muzyce, jak i malarstwie.

N. Orda otrzymał dobre wykształcenie domowe, ogólne, muzyczne i artystyczne. W wieku dwunastu lat został przyjęty do gimnazjum w mieście Świsłocz, po czym wstąpił na Wydział Fizyki i Matematyki Uniwersytetu Wileńskiego.

W 1827 r. Orda został wydalony z uczelni za przynależność do tajnego stowarzyszenia studenckiego „Zoryane”, bliskiego organizacjom dekabrystów. Młody człowiek został aresztowany, spędził w więzieniu 15 miesięcy, a po wyjściu na wolność nakazano mu zamieszkiwanie wyłącznie na rodzinnym majątku w ramach swoistego „aresztu domowego”.

W 1831 r. Horda wyemigrowała za granicę. Pieszo objechał Austrię, Włochy, Szwajcarię, a w 1833 osiadł w Paryżu. Tutaj zbliżył się do poety A. Mickiewicza i kompozytora F. Chopina, u których zaczął pobierać lekcje muzyki. Orda stał się stałym uczestnikiem wieczorów muzycznych w domu Chopina, podczas których często wykonywał on własne utwory fortepianowe. Nie zapominając o swojej pasji do malarstwa, N. Orda rozpoczął systematyczne studia u pejzażysty Pierre'a Girarda.

W 1838 r. w Paryżu z inicjatywy N. Ordy wydano „Album muzyczny” z twórczością kompozytorów białoruskich i polskich. Nieco później w Paryżu ukazały się własne dzieła fortepianowe Ordy (polonezy, walce, serenady, mazurki, kołysanki), które zyskały aprobatę F. Chopina i F. Liszta. Duży wpływ na białoruskiego muzyka miała znajomość z genialnym węgierskim pianistą i kompozytorem F. Lisztem, od którego Orda otrzymał rady, aby poważnie zająć się kompozycją. Autorytet Hordy stopniowo rósł we francuskim środowisku muzycznym, aż w 1843 roku zaproponowano mu stanowisko dyrektora Opery Włoskiej w Paryżu.

W 1856 r. N. Orda postanawia wrócić do ojczyzny. Ponownie osiadł w swojej posiadłości Worotsewiczów, gdzie stworzył swoje najlepsze obrazy i dzieła muzyczne. W 1873 r. ukazała się w Warszawie „Gramatyka muzyki” N. Ordy, w której podsumował swoją wiedzę o harmonii. W latach 1875 – 1978 N. Orda publikuje w Warszawie Albumy widoków województw grodzieńskiego, mińskiego, wileńskiego, kowieńskiego, wołyńskiego, podolskiego i kijowskiego. Wiele z tych obrazów przedstawia wyjątkowe zabytki historii i kultury Białorusi, z których wiele zostało później utraconych.

Kontynuując aktywną pracę twórczą w Worotsewiczach, Orda regularnie publikuje swoje wyniki w Warszawie. W 1882 roku kompozytor opublikował tam 14 swoich najlepszych polonezów i kilka pieśni. W 1883 ponownie przyjechał do Warszawy, aby wydać kolejną serię swoich Albumów, lecz nagle poczuł gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia i zmarł 26 kwietnia 1883 roku.

Wśród dzieł muzycznych Hordy najbardziej znane są polonezy fortepianowe, wyróżniające się skalą, błyskotliwą wirtuozerią, bogactwem i różnorodnością faktury – cechami, które charakteryzują najlepsze przykłady dzieł tego gatunku w światowej literaturze muzycznej. Jednocześnie polonezy Hordy charakteryzują się pieśniowym początkiem, który wyróżnia muzykę słowiańską, a także liryczną interpretacją fanfar i intonacji dramatycznych. Ujawnili także tendencję do poezji romantycznej, do wzbogacania gamy obrazów o elementy dramatyczne i tragiczne.

Dzieła te można nazwać „encyklopedią” romantycznej harmonii, która przejawia się w sekwencjonowaniu, rodzajach modulacji, planach tonalnych i fakturze. Kompozytor szeroko wykorzystuje przeróbki akordów grupy subdominującej i dominującej, różne dźwięki nieakordowe, takie jak opóźnienia i wzloty. Do najciekawszych polonezów należą: Es-dur nr 4, E-dur nr 14, polonez koncertowy na orkiestrę nr 13 D-dur, polonez nr 5 B-moll z diabłem

ami marszu żałobnego, nr 8 F-dur o charakterze barkaroli, polonez nr 3 w A-moll i nr 6 w H-dur o charakterze nokturnu. Wpływ białoruskich melodii ludowych widoczny jest w Polonezie nr 10 G-dur oraz w części środkowej (trio) Poloneza nr 1 F-moll.

Najważniejsza postać w języku białoruskim twórczość kompozytora druga połowa XIX wieku Jest Michaił Karłowicz Elski (1831 – 1904) – wybitny skrzypek, utalentowany kompozytor, aktywna działaczka muzyczna i publiczna, pisarz muzyczny i folklorysta.

Michaił Elski urodził się 8 października 1831 roku w Dudichi – rodzinnym majątku właścicieli ziemskich elskich w obwodzie igumenskim guberni mińskiej, w muzyczna rodzina. Pierwszym nauczycielem muzyki swojego syna został ojciec Michaiła Karol Stanisławowicz, znany na Białorusi skrzypek-amator. W latach 1846 – 1847 Michaił uczył się w niemieckim gimnazjum w Łodzi ( Prusy Wschodnie), gdzie pobierał lekcje muzyki u skrzypka Endomy. Po powrocie do Mińska w 1847 r. Yelsky został uczniem nauczyciela K. Krzhizhanovsky'ego. Pierwszy występy koncertowe młody skrzypek.

Dalszą edukację ogólną i muzyczną Yelsky kontynuuje w Wilnie. Studiuje w Wileńskim Instytucie Szlacheckim. Po ukończeniu studiów w 1849 r. przez pewien czas był wolontariuszem na Uniwersytecie Kijowskim.

Od początku lat 50-tych intensywnie działalność koncertowa muzyk. M. Elsky koncertuje na Białorusi, Ukrainie, Litwie i w Polsce. W jego repertuarze znajdują się dzieła J. S. Bacha, J. Haydna, W. A. Mozarta, L. Beethovena, G. Viottiego, A. Vietuna i L. Spohra. W 1852 roku ukazały się w Kijowie pierwsze dzieła Elskiego – miniatury skrzypcowe.

W 1860 roku w celu doskonalenia swoich umiejętności wykonawczych i uzupełnienia edukacji muzycznej kompozytor podróżował do Francji i Niemiec. W Paryżu utrzymuje kontakt ze słynnym belgijskim skrzypkiem A. Vietanem, w Monachium studiuje kompozycję u niemieckiego kompozytora i dyrygenta F. Lachnera.

Po powrocie do Dudichi Yelsky często koncertuje w Mińsku i Wilnie. Wśród wykonywanych przez niego własne kompozycje Szczególną popularnością wśród słuchaczy cieszy się fantazja „Wiosna”.

W latach 1860 - 1862 Rozpoczyna się działalność muzyczno-krytyczna Yelsky'ego. W latach 70-tych - 80-tych. XIX wiek Wyczerpują się jego dzieła muzyczne, m.in. „O talent muzyczny„, „Muzyka w kraju i za granicą”, „Wspomnienia z muzycznej przeszłości Litwy”. Każda z nich zawierała cenne informacje dotyczące historii muzyki białoruskiej minionych wieków i XIX wieku. W tych samych latach Yelsky zbierał i nagrywał białoruskie melodie ludowe.

W 1880 roku kompozytor odegrał wiodącą rolę organizacyjną w Mińsku towarzystwo muzyczne. Występował na koncertach towarzystwa, z którego dochód przekazał temu stowarzyszeniu muzycznemu. W 1902 roku w Dudichi słynny białoruski skrzypek i kompozytor, w gronie przyjaciół i wielbicieli jego talentu, obchodził 50-lecie swojej działalności twórczej. Yelsky zmarł w 1904 roku w swoim majątku Rusinowicze.

Michaił Elski stworzył około stu utworów, w tym dwa koncerty skrzypcowe, „Fantazję Genialną” na tematy autorskie, „Fantazję” na tematy polskich melodii ludowych, Sonatę-Fantazję, Fantazję „Wiosna”, mazurki koncertowe „Wspomnienia Warszawy”, „Wspomnienia Kijowa”, „Wspomnienia Wilna”, „Taniec duchów”, „Taniec śmierci”, ogromna ilość polonezów, wariacji, miniatur. Cechą charakterystyczną jego twórczości jest błyskotliwa wirtuozja. W jej duchu utrzymane są także dwa koncerty na skrzypce i orkiestrę – hołd złożony tradycji romantycznej XIX wieku, kiedy to każdy koncertujący skrzypek pisał dla siebie utwory w tym gatunku.

Nie wszystkie dzieła Yelsky'ego przetrwały. Dotarliśmy do II Koncertu op. 26, wydany w 1902 r. i poświęcony polskiemu kompozytorowi, pedagogowi i dyrygentowi S. Noskowskiemu. Ta jednoczęściowa kompozycja po mistrzowsku wykorzystuje różnorodne techniki skrzypcowe. Wśród mazurków koncertowych „Taniec śmierci” op. 24, pozbawiony dramatyzmu, ale żałośnie optymistyczny.

Białoruska MUZYKA XX WIEKU (CHARAKTERYSTYKA OGÓLNA)

Profesjonalna muzyka białoruska powstała i rozwinęła się w okresie istnienia ZSRR (1917–1991) jako kultury muzycznej Białoruskiej Socjalistycznej Republiki Radzieckiej (BSRR). Od 1991 roku białoruska sztuka muzyczna rozwija się w warunkach niepodległego państwa. Kompozytorzy żyjący i tworzący na Białorusi w XVIII–XIX w. nie pozostawili po sobie znaczącego dziedzictwa twórczego, z którego mogłaby powstać narodowa szkoła kompozytorska. Dlatego powstanie białoruskiej szkoły kompozytorskiej przeprowadzono w latach dwudziestych XX wieku.

W latach dwudziestych XX wieku Aktywnie rozwijają się najbogatsze warstwy białoruskiego folkloru muzycznego. Białoruś ma najbardziej unikatowy w Europie folklor muzyczny, w którym pieśni z I tysiąclecia p.n.e. zachowały się w niemal nienaruszonym stanie. i pierwsze wieki naszej ery (w Europie, a nawet w Rosji te piosenki zaginęły bezpowrotnie). Są to pieśni kalendarzowo-rytualne (kolędy, Maslenitsa, Volochebnye, Yurievsky, Trinity, Kupała, zarost) i rodzinne pieśni rytualne (ojczyzna, wesele, pogrzeb holosheniya). Późniejszy folklor pieśniowy jest również dobrze reprezentowany (Kozak, Burłatski, Rekrut, Chumacki, pieśni protestu społecznego itp.).

Na początku lat dwudziestych XX wieku. Na Białoruś przyjeżdżają kompozytorzy z RSFSR - N. Czurkin, N. Aladov, E. Tikotsky. Gromadzą i utrwalają próbki folkloru białoruskiego (zbiory Czurkina „Białoruski pieśni ludowe„, „Białoruskie pieśni i tańce ludowe”) i na ich podstawie tworzą pierwsze profesjonalne dzieła różnych gatunków.

To oni są także u początków edukacji muzycznej. W 1924 r. otwarto Mińską Wyższą Szkołę Muzyczną, w 1932 r. – Białoruskie Państwowe Konserwatorium. Obiema instytucjami edukacyjnymi przez pewien czas kierował Aladow. Jednym z pierwszych profesorów konserwatorium był E. Tikotsky. Od chwili otwarcia konserwatorium kształci muzyków-wykonawców, kompozytorów i muzykologów.

Pierwszym gatunkiem, w jakim działają białoruscy kompozytorzy, jest wokal. Są to aranżacje pieśni ludowych (najpowszechniejszego gatunku początkowej fazy muzyki białoruskiej), masowych pieśni chóralnych i romansów. Duże dzieła wokalne – kantaty – pisali T. Sznitman (kompozytor, który zginął tragicznie podczas okupacji w mińskim getcie) i N. Aladow („10 lat” – na 10. rocznicę Rewolucji Październikowej).

Pojawiają się pierwsi opery: „Wyzwolenie pracy” Churkina (poświęcone wydarzeniom rewolucji) i „Taras na Parnasie” Aladowa (opera komiczna oparta na fabule anonimowego poematu pod tym samym tytułem z XIX w.), musical komedia „Kuchnia świętości” Tikockiego (o fabule antyreligijnej). Muzyka symfoniczna reprezentowane przez Symfonię „Obrazy białoruskie” Churkina (1925, wykorzystano cytaty z 16 białoruskich pieśni ludowych), I Symfonię Tikockiego (1927), II Symfonię o tematyce białoruskiej. przysł. Pieśni Aladowa (1930). W pobliżu kameralna muzyka instrumentalna stworzył Kwintet fortepianowy Aladov (1925), „Kalykhanka” na kwartet smyczkowy Czurkina (1927) oraz suitę na kwartet smyczkowy i fortepian „Symon Music” G. Puksta (1928).

W latach 30. – 50. XX w chęć przyłączenia się muzyki białoruskiej do Generalnej Rady proces muzyczny. W konserwatorium i szkole muzycznej kształcili się pierwsi rosyjscy kompozytorzy. Poza tym w latach 30. w muzyce białoruskiej widoczny jest brak profesjonalizmu, który będzie przezwyciężany przez cały okres. Tematyka twórczości lat trzydziestych: budownictwo socjalistyczne, kolektywizacja i industrializacja. Były one szczególnie widoczne w muzyce wokalnej. W pieśni masowej są to pieśni Puksta o pierwszym planie pięcioletnim „Do bohatera lokomotywy” i „Twórcy natarcia”, słynna, która zyskała popularność piosenka I. Lubana, „Byvaytse Zdarovy” i w tekście piosenka S. Polonsky'ego. Kupały „Wieczorny targ w Kalgas”.

W 1933 roku powstała kantata Aladowa „Nad rakiem Aresaja”, poświęcona rekultywacji Polesia i kolektywizacji białoruskiej wsi.

W 1937 roku, z okazji 100. rocznicy śmierci Puszkina, ogłoszono konkurs na skomponowanie muzyki do tekstów Puszkina. Na Białorusi powstały trzy kantaty: „Wojewoda” P. Podkowyrowa, „Utopiony człowiek” M. Kroshnera i „Opowieść o niedźwiedziu” A. Bogatyrewa - był to bardzo udany debiut kompozytora - przyszłość klasyk muzyki białoruskiej.

Opera Lata 30.: 3 eseje - „Michas Padgorny” Tikockiego (1938) na temat przed- i porewolucyjnego życia białoruskiej wsi, walki na pięści i o szczęście osobiste, „Pod Puszczachą Palesją” Bogatyrewa (1937) na podstawie opowiadania „Drygwa” J. Kolasa”, „Kwietka Szczastia” A. Turenkowa (1936) na motywach białoruskich legend Kupały.

W latach 30. pierwszy białoruski balet „Słowik” M. Kroshnera (1938) na podstawie opowiadania Zm. Byaduli. Tutaj białoruski taniec ludowy jest podstawą dramatu muzycznego i akcji scenicznej.

Muzyka symfoniczna lat 30. związane z mistrzostwem gatunku symfonia pieśni. Do najsłynniejszych dzieł należą: IV Symfonia „Białoruś” W. Zołotariewa (1934), Sinfonietta C-dur Aladowa (1936).

W lata wojny na terytorium okupowanej Białorusi wraz z ruch partyzancki aktywnie rozwijany piosenka partyzancka. Najsłynniejszy: „Partyzanci. partyzanci, synowie białoruscy” (na podstawie tekstu J. Kupały, napisanego w 1941 r. i przewiezionego samolotem za linię frontu), „Pojechaliśmy do dzela noczkaj tsemnai”, „Balada ab partyzanci Galina”, „Pieśń wielkiego Kanstancina Zasłonawa”.

Białoruscy kompozytorzy byli albo na froncie z bronią w rękach (W. Ołownikow, L. Abeliowicz), albo w ewakuacji (Bogatyrew, Czurkin, Szneiderman).

Bogatyrew w czas wojny stworzył 2 kantaty: „Do partyzantów białoruskich” na podstawie tego samego tekstu J. Kupały i „Leningraderzy” na podstawie wierszy kazachskiego akyna Jamb Na la. W 1943 roku napisał Trio fortepianowe liryczno-dramatyczne.

Aladow tworzy dzieła symfoniczne: balladę „In ciężkie dni” oraz wiersz „Z pamiętnika partyzanta” (w którym temat „Ach, mein Lieber Augustin” został wykorzystany do ukazania faszystów).

Po wojnie Twórczość kompozytorów, jej tematykę i obrazy wyznaczają potężne nakazy Związku Kompozytorów BSRR. Do muzyki białoruskiej wkracza nowe pokolenie kompozytorów: G. Wagner, Y. Semenyako, E¸Tyrmand, E. Degtyarik. E. Glebow, D. Smolski.

Białoruski Państwowy Teatr Opery i Baletu wystawił nowe dzieła autorów narodowych: opery„Dziauchyna z Palesii” Tikockiego (o wydarzeniach Wielkiego Wojna Ojczyźniana, o wyczynie partyzantki), „Nadeżda Durowa” Bogatyrewa (o wojnie patriotycznej 1812 r., o wyczynie „dziewczyny kawalerii”), „Kastus Kalinowski” D. Lucasa, „Czysta Svitanna” Turenkowa (o zjednoczeniu Zachodu i Wschodnia Białoruś w 1939), „Spalony pistolet” Semenyako (o życiu współczesnych studentów); balet„Książę Vozer” Zołotariewa i „Narzeczona z wodospadu” Wagnera. Powstają nowe symfonie, kantaty i oratoria, dzieła chóralne, koncerty instrumentalne, muzyka kameralna.

Tylko V Lata 60.–80 , kiedy w Rosji i w świat nadchodzi odnowa stylistyczna, muzyka białoruska osiąga prawdziwy profesjonalizm. Znajduje to odzwierciedlenie w gatunku symfonicznym (I symfonia Smolskiego, II symfonia Glebowa) oraz w operze, a zwłaszcza w balecie. Białoruska muzyka baletowa po raz pierwszy staje się znana w świecie.

W czasie 30-lecia powstało więcej oper niż w całym poprzednim okresie. Są wśród nich 3 opery Semenyako („Kiedy opadają liście”, „Zorka Wenus”, „Nowa Ziemia”), 2 opery S. Cortesa („Giordano Bruno”, „Matka Courage” B. Brechta), opera Wagnera „Droga życia”, 2 opery Smolskiego („Szara legenda” według Korotkiewicza i „Francysk Skaryna”), opera W. Sołtana „Dziki polowanie króla Stacha” według Korotkiewicza.

Nie mniej jest różnorodności w dziedzinie baletu. Balety tworzone są na tematy nowoczesności i historii najnowszej: „Sen” i „Ballada alpejska” Glebowa, „Światło i cienie” Wagnera, „Skrzydła pamięci” W. Kondruszewicza; na tematy i wątki literatury rosyjskiej i zagranicznej: „Po balu” Wagnera na podstawie opowiadania L. Tołstoja, „Do Eulenspiegla” Glebowa na podstawie powieści belgijskiego pisarza Charlesa de Costera, „Mały Książę” wg. Glebov na podstawie opowiadania Exupery’ego; na podstawie baśni i legendarnych opowiadań „Wybraniec” Glebowa, „Pinokio” Kondruszewicza. Pojawia się szereg miniatur choreograficznych – „Partyzant białoruski” Glebowa, „Etiuda patriotyczna” Smolskiego. Balety białoruskie lat 60.–80., według założeń muzyczno-dramatycznych, są stopieniem albo gatunku muzyczno-dramatycznego (opera „Światło i cienie”), albo symfonii („Ballada alpejska”, „Wybraniec”).

Balety Glebowa „Till Eulenspiegel” i „Mały Książę” oraz balet „Ostatni Inka” S. Corteza zyskały uznanie za granicą.

We współczesnej muzyce białoruskiej balet nadal zajmuje jedno z czołowych miejsc. Świadczą o tym takie przedstawienia, jak „Pasja” („Rogneda”) A. Mdivaniego (innowacyjny balet poruszający temat chrztu Rusi i historii starożytnej Białorusi), „Makbet” W. Kuzniecowa itp.

Kompozycja literacko-muzyczna poświęcona życiu i twórczości M.I. Cwietajewa.

MUZYKA W SYSTEMIE ARTYSTYCZNYCH I WYRAŹNYCH ŚRODKÓW EKRANU

Na początku lat dwudziestych XX wieku. Na Białoruś przyjeżdżają kompozytorzy z RSFSR - N. Czurkin, N. Aladov, E. Tikotsky. Gromadzą i nagrywają próbki białoruskiego folkloru (zbiory Czurkina „Białoruskie pieśni ludowe”, „Białoruskie pieśni i tańce ludowe”) i na ich podstawie tworzą pierwsze profesjonalne dzieła różnych gatunków.

W latach 30. – 50. XX w Szczególnie silne jest pragnienie włączenia muzyki białoruskiej w powszechny proces muzyczny ZSRR. W konserwatorium i szkole muzycznej kształcili się pierwsi rosyjscy kompozytorzy. Poza tym w latach 30. w muzyce białoruskiej widoczny jest brak profesjonalizmu, który będzie przezwyciężany przez cały okres. Tematyka twórczości lat trzydziestych: budownictwo socjalistyczne, kolektywizacja i industrializacja. Były one szczególnie widoczne w muzyce wokalnej. W pieśni masowej są to pieśni Puksta o pierwszym planie pięcioletnim „Do bohatera lokomotywy” oraz „Twórcy natarcia”, słynna, która zyskała popularność piosenka I. Lubana, „Byvaytse Zdarovy” i w tekście piosenka S. Polonsky'ego. Kupały „Wieczorny targ w Kalgas”.

W 1933 roku powstała kantata Aladowa „Nad rakiem Aresaja”, poświęcona rekultywacji Polesia i kolektywizacji białoruskiej wsi.

W latach 30. pierwszy białoruski balet„Słowik” M. Kroshnera (1938) na podstawie opowiadania Zm. Byaduli. Tutaj białoruski taniec ludowy jest podstawą dramatu muzycznego i akcji scenicznej.

W lata wojny na terenie okupowanej Białorusi aktywnie rozwijał się wraz z ruchem partyzanckim piosenka partyzancka. Najsłynniejszy: „Partyzanci. partyzanci, synowie białoruscy” (na podstawie tekstu J. Kupały, napisanego w 1941 r. i przewiezionego samolotem za linię frontu), „Pojechaliśmy do dzela noczkaj tsemnai”, „Balada ab partyzanci Galina”, „Pieśń wielkiego Kanstancina Zasłonawa”.

Białoruscy kompozytorzy byli albo na froncie z bronią w rękach (W. Ołownikow, L. Abeliowicz), albo w ewakuacji (Bogatyrew, Czurkin, Szneiderman).

W czasie wojny Bogatyrew stworzył 2 kantaty: „Do partyzantów białoruskich” na podstawie tego samego tekstu J. Kupały i „Leningraderzy” na podstawie wersetów kazachskiego akyn Dzhamb Na la. W 1943 roku napisał Trio fortepianowe liryczno-dramatyczne.

Aladow tworzy dzieła symfoniczne: balladę „W trudne dni” i wiersz „Z pamiętnika partyzanta” (w którym temat „Ach, mein Lieber Augustin” służy do ukazania faszystów).

Białoruski Państwowy Teatr Opery i Baletu wystawił nowe dzieła autorów narodowych: opery„Dziauchyna Palessji” Tikotskiego (o wydarzeniach Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, o wyczynie partyzantki), „Nadeżda Durowa” Bogatyrewa (o wojnie patriotycznej 1812 r., o wyczynie „dziewczyny kawalerii”) , „Kastus Kalinowski” D. Lucasa, „Jasna Switanna” Turenkowa (o zjednoczeniu zachodniej i wschodniej Białorusi w 1939 r.), „Opalarka” Semenyako (o życiu współczesnych studentów); balet„Książę Vozer” Zołotariewa i „Narzeczona z wodospadu” Wagnera. Powstają nowe symfonie, kantaty i oratoria, dzieła chóralne, koncerty instrumentalne i muzyka kameralna.

Tylko w latach 60. – 80 Kiedy w Rosji i na świecie następuje odnowa stylistyczna, muzyka białoruska osiąga prawdziwy profesjonalizm. Znajduje to odzwierciedlenie w gatunku symfonicznym (I symfonia Smolskiego, II symfonia Glebowa) oraz w operze, a zwłaszcza w balecie. Białoruska muzyka baletowa po raz pierwszy staje się znana w świecie.

Balety Glebowa „Till Eulenspiegel” i „Mały Książę” oraz balet „Ostatni Inka” S. Corteza zyskały uznanie za granicą.

| | 3 | | |

Aktywna twórczość białoruskich kompozytorów i muzyków rozpoczęła się na długo przed powstaniem łączącego ich związku twórczego. W 1919 r. ukazały się w Bobrujsku pieśni G. Puksa, a muzykę pisał E. Tikotski. Kilka lat później w Mścisławiu śpiewacy i muzycy-amatorzy wystawili pierwszą białoruską operę rewolucyjny temat: „Emancypacja pracy” N. Churkina. Lata 20. to początek ścieżka twórcza N. Aladow, który pisał romanse na podstawie wierszy Kupały... Osoby te stały się dumą białoruskiej sztuki muzycznej. Szczególnie owocne były lata trzydzieste XX wieku, kiedy w krótkim czasie w republice powstał chór, filharmonia i Białoruskie Państwowe Konserwatorium, które przed wojną zdołało ukończyć pięć wydziałów wykonawczych i dwa (1937 i 1941) wydziały kompozycji .

Uchwała Komitetu Centralnego Ogólnozwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików „W sprawie restrukturyzacji organizacji literackich i artystycznych” (1932) przyczyniła się do zjednoczenia rozbitych sił i powstania związków twórczych, w tym Związku Kompozytorów Białorusi.

A zaczęło się od sekcji Związku Pisarzy: Protokół nr. z 02.07.1933 "Ab svarenni autanomnay sektsyi kampazitarau pry Argkamitetse Sayuza pismennikav. Afarmlennye getai sektsyi ўsklasci on t. Dunts i Lynkov."

W 1934 roku odbyła się I Ogólnobiałoruska Konferencja Kompozytorów, zgodnie z którą decyzją sekcji kompozytorskiej w Petersburgu przemianowano na Komitet Organizacyjny Związku Kompozytorów Białorusi (od 1938 roku Związek Kompozytorów Radzieckich Białorusi). Do 1992 r. to organizacja publiczna był częścią Związku Kompozytorów ZSRR; od 1999 roku stał się Białoruskim Związkiem Kompozytorów. Jak napisano w Karcie: „to stworzenie campasitars Sayuza jest ogrodem tworzenia dzieł wysokiej jakości, twórczego rozwoju campazitars, tworzenia materialnych i codziennych umysłów dla kreatywności”. Wszystkich 8 przewodniczących BSC przywiązywało ogromną wagę do realizacji tych celów w całej swojej 70-letniej historii.

Pierwszym „przywódcą” białoruskich kompozytorów był Zasłużony Artysta BSRR Izaak Łuban, który już w 1929 roku stworzył pierwszą na Białorusi pieśń o tematyce partyzanckiej – „Pieśń partyzantów dukorskich”. W latach przedwojennych szeroko znana była jego pieśń „Byvaytse zdarovy, zhyvitse bogate”. Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Lyuban, podobnie jak inne osobistości kultury, zgłosił się na ochotnika do wojska, ukończył kursy dla instruktorów politycznych i wkrótce walczył na froncie zachodnim jako komisarz batalionu strzeleckiego. Żaden z bojowników nawet nie podejrzewał, że ich instruktor polityczny jest autorem piosenki, którą wszyscy dobrze znali i kochali. Kompozytor chciał napisać piosenkę o przyszłym zwycięstwie, choć była jeszcze wiosna 1942 roku. Nie było jeszcze Stalingradu ani Wybrzeża Kurskiego, ale już było wielka bitwa niedaleko Moskwy. Siedemnaście opcji tekstu zaproponowanych przez kolegów musiało zostać odrzuconych, a tylko osiemnasta przypadła do gustu wszystkim. Słowa chóru: „Wypijmy za Ojczyznę, wypijmy za Stalina!” – wszyscy wiedzieli, bez przesady. Współautorami tych wierszy są były górnik, szeregowiec batalionu Matwiej Kosenko i poeta zawodowy, pracownik gazety wojskowej Arsenij Tarkowski. W maju 1942 roku na koncercie mistrzów sztuki białoruskiej wykonano w Moskwie pieśń „Nasz toast”. Wielki sukces. Śpiewała ją Artystka Ludowa ZSRR Larisa Aleksandrowska.

Z muzyką białoruską narody związek Radziecki poznaliśmy się jeszcze wcześniej, podczas I Dekady Literatury i Sztuki Białorusi w Moskwie (1940). Wystawione na nim opery: „Michas Padgorny” E. Tikotskiego, „Kvetka Szczastya” A. Turenkowa, „Pod Puszczą Palesją” A. Bogatyrewa, balet „Salavey” M. Kroshnera stały się dowodem wysokiego poziomu białoruskiej radzieckiej kultury muzycznej (otrzymał A. Bogatyrew Nagroda Stalina do swojej opery). Dziś trudno sobie wyobrazić, aby w ciągu jednego roku powstało tak wiele znaczących dzieł, można by rzec, fenomenów w życiu muzycznym republiki. Już wcześniej, w 1939 roku, wystawiano je na scenie białoruskiej Opera. Mówiąc o tradycji, jak nie wspomnieć Wasilija Zołotariewa, ucznia Bałakiriewa i Rimskiego-Korsakowa, który wprowadził do muzyki białoruskiej „nuty” rosyjskiej szkoły petersburskiej. Jego balety „Książę jeziora”, „Opowieść o miłości” i symfonia „Białoruś” zostały włączone do złotego funduszu białoruskiej kultury muzycznej. Studiował u niego Podkovyrov, Olovnikov, Bogatyrev, późniejszy drugi prezes zarządu Związku Kompozytorów. Anatolij Wasiljewicz Bogatyrew jest twórcą współczesnej białoruskiej szkoły kompozytorskiej, której twórczość obejmuje niemal wszystkie gatunki muzyczne. Kontynuując tradycje muzyki klasycznej, w tym rosyjskiej, jest kompozytorem głęboko narodowym. W trudnych latach wojennych i powojennych, kierując związkiem kompozytorów, wpływał na kształtowanie się wielu twórców swoimi zespołami kameralnymi, a także afirmującymi życie chórami, kantatami „Leningraderzy”, „Partyzanci białoruscy”.

W 1943 roku Związek Kompozytorów Białorusi wznowił działalność w Moskwie i w krótkim czasie zdołał zgromadzić większość ocalałych kompozytorów. W 1944 roku, po wyzwoleniu stolicy Białorusi, do Mińska powrócili kompozytorzy i artyści operowi. Tikocki przywiózł operę „Alesia” („Dziewczyna z Polesia”), która, można powiedzieć, stała się muzycznym symbolem Białorusi. Napisał to w Gorkim, w schronie przeciwbombowym. Mińsk był w ruinie, nie zachowały się sale, instrumenty i notatki, najcenniejsze rzeczy przywrócono z pamięci. Związek Kompozytorów przystąpił do pierwszego powojennego kongresu w 1947 roku z zauważalnym sukcesem. W tym roku wystawiono pierwszą powojenną operę narodową (i pierwszą operę białoruską). fabuła historyczna) „Kastus Kalinowski” D. Lucasa.

Słynny tygodnik” środowiska muzyczne„Wraz ze słuchaniem nowych utworów wznowiono działalność koncertową. Po zastąpieniu A. Bogatyrewa na stanowisku przewodniczącego zarządu Związku Kompozytorów w 1949 r. N. Aladow, wykształcony w Petersburgu, był jednym z organizatorów i nauczycieli Konserwatorium Białoruskie Autor ponad 260 dzieł muzycznych, m.in.: opery „Andriej Kostenja”, komedii muzycznej „Taras na Parnasie”.Położył podwaliny pod artystyczne ujęcie pieśni ludowej i wielu gatunków profesjonalnej sztuki muzycznej.

E. Tikotsky stał na czele Związku Kompozytorów przez 13 lat (od 1950 do 1963). W tym czasie związek został uzupełniony młodymi absolwentami Białoruskiego Państwowego Konserwatorium. Są wśród nich G. Wagner, Y. Semenyako, E. Glebov, D. Smolsky, I. Luchenok, S. Cortes, G. Surus. Intensyfikuje się gromadzenie i badanie nagrań folkloru i pieśni ludowych. Uznawane są prace G. Shirmy, G. Tsitovicha, L. Mukharinskiej. DO główne osiągnięcia do gatunku muzyki wokalnej należy zaliczyć twórczość Hymn narodowy BSSR (wrzesień 1955) kompozytora N. Sokołowskiego (znany słynna piosenka„Nieman”) i autor tekstu M. Klimkovich.

W kolejnych latach dzieło E. Tikotskiego jako „przywódców” związku godnie kontynuowali D. Kaminsky, G. Shirma, Yu Semenyako. Unia stała się wysoce profesjonalna organizacja kreatywna(być może jedynym jej członkiem z niepełnym wyższym wykształceniem był Włodzimierz Mulawin, niezwykle utalentowany muzyk i kompozytor, którego wejście do związku jednomyślnie poparło zarówno w Mińsku, jak i w Moskwie).

Od 1980 roku w BSK rozpoczęła się era I. Łuczenki, który kieruje nim do dziś. Związek organizuje republikańskie i międzynarodowe festiwale muzyczne, organizuje liczne koncerty i spotkania ze słuchaczami, aktywnie uczestniczy w dziesięcioleciach sztuki białoruskiej i Dniach kultury białoruskiej w Rosji, Ukrainie, Litwie i Uzbekistanie. Działają liczne komisje: propagandy białoruskiej, muzyki wojskowo-patriotycznej, edukacji muzycznej i estetycznej dzieci i młodzieży, muzykologii i krytyki, etnomuzykologii i folkloru. Publikowana jest literatura muzyczna i nagrania muzyczne. Kompozytorzy aktywnie podróżują w podróże twórcze, aby zbierać materiały do nowych dzieł. Realizacja tego wszystkiego stała się trudniejsza po „pierestrojce”, kiedy państwo nie było już w stanie zapewnić związkowi twórczemu takiego wsparcia jak wcześniej.

Dziś odradzają się BSK i Białoruski Związek Młodzieży Republikańskiej najlepsze tradycje tę wieloletnią przyjaźń. Na przykład wspólnie organizują imprezę charytatywną „Czarnobylska Droga - Droga Życia”. Przy wsparciu BSK Republikańskie Centrum Młodzieży Twórczej i Naukowej wznawia swoją pracę. Na przestrzeni ostatnich lat powstała profesjonalna szkoła kompozytorska.

Rok urodzenia: 1910

Zdjęcie:

Biografia:

Petr Pietrowicz Podkowyrow (1910-1977)

Piotr Pietrowicz Podkowyrow urodził się 16 października 1910 roku w Czelabińsku. W 1928 roku ukończył dziewięcioletnią szkołę w Czelabińsku. Jako aktywny uczestnik występów amatorskich otrzymał pozwolenie od komisji okręgowej Komsomołu na studia w Wyższej Szkole Muzycznej w Swierdłowsku. Po ukończeniu studiów w 1933 w klasie kompozycji profesora W. Zołotariewa, P. Podkowyrow kontynuował naukę w Białoruskim Państwowym Konserwatorium w Mińsku, gdzie w 1937 uzyskał dyplom kompozytora. Od 1935 roku P. Podkovyrov łączył naukę w konserwatorium z pracą inspektora Komisji Repertuarowej BSRR, a później inspektora Administracji ds. Sztuki. Od 1938 roku poświęcił się całkowicie twórczości. Na początku Wielkiej Wojny Ojczyźnianej P. Podkowyrow został ewakuowany do Majkopu, a w listopadzie 1944 r. wrócił do Mińska i wznowił działalność twórczą. Od 1948 r. P. Podkowyrow jest nauczycielem w Białoruskim Państwowym Konserwatorium. Od 1969 roku jest profesorem nadzwyczajnym w Katedrze Kompozycji. Odznaczony Orderem Odznaki Honorowej (1955) i trzema medalami. W 1957 r. P. Podkovyrov otrzymał honorowy tytuł Zasłużonego Artysty BSRR. Od 1934 członek Związku Kompozytorów, wielokrotnie wybierany na członka zarządu Związku Kompozytorów Białorusi. // Żurawlew D.N. Związek Kompozytorów BSRR: Krótki podręcznik biobibliograficzny. – Mn.: „Białoruś”, 1978. – s. 184–188.

Sztuka muzyczna Białorusi powstała na bazie narodowej kultury muzycznej. A obecnie rozwija się nadal, zgodnie z zachowaniem muzyki narodowej, tradycji klasycznej oraz popularnych na świecie stylów i trendów.

Krótka wycieczka do historii muzyki białoruskiej

W Rus Kijowska, a później na Białorusi było to bardzo rozwinięte kościelna muzyka liturgiczna. W XV wieku tworzony jest typ lokalny śpiew znamenny”(główny rodzaj staroruskiego śpiewu liturgicznego. Jego nazwa pochodzi od nic nie znaczących znaków (sztandarów) używanych do jego rejestracji. Do XVII wieku partie śpiewają w muzyce cerkiewnej. Partes śpiewa- rodzaj zachodnio-rosyjskiej polifonicznej muzyki wokalnej, która rozpowszechniła się w kulcie prawosławnym w XVII wieku. i pierwszą połowę XVIII w. Liczba głosów waha się od 3 do 12, a może osiągnąć 48. Białoruskie zabytki muzyczne tamtej epoki to zbiory dzieł „Notatnik Połocki” i „Kantony”.

Wśród białoruskich instrumentów ludowych najbardziej rozpowszechnione są duda, żaleika, gudok, lira, skrzypce i talerze.

Żaleika- instrument muzyczny trzcinowy, uwielbiany przez ludy słowiańskie, przetrwał do dziś w oryginalnej formie - tuba drewniana, trzcinowa lub ożypałkowa z dzwonkiem wykonanym z rogu lub kory brzozowej . Rogoz– wysokie trawy bagienne. Zhaleika Znana również jako „zhalomeyka”, „smark”, „pishchelka”, „fletnya”, „duda” itp.

V. Tropinin „Chłopiec z litości”

Żel- strunowy instrument muzyczny perkusyjny, będący trapezoidalną płytą rezonansową z naciągniętymi strunami. Dźwięk powstaje poprzez uderzanie w dwa drewniane patyki lub młotki z rozszerzającymi się ostrzami na końcach.

Żel

Muzyka świecka epoki baroku rozbrzmiewała początkowo w dużych majątkach szlacheckich, a od XVII wieku. zaczął się rozwijać w białoruskich miastach. W XVII-XVIII wieku. Prywatne teatry i kaplice magnatów polsko-litewskich Radziwiłła, Sapiehy, Ogińskiego i innych stały się ośrodkami świeckiej białoruskiej kultury muzycznej. Wśród znani kompozytorzy tamtych czasów - Holandia, Vanjura i inni.

Rozkwit białoruskiej kultury i muzyki rozpoczął się pod koniec XIX wieku: otwarto białoruskie szkoły muzyczne, konserwatoria ludowe i teatry. W drugiej połowie XX wieku. zaczyna się Nowa fala rozkwit białoruskiej kultury i muzyki: dzieła słynnego pianisty i kompozytor XIX V. sztuczna inteligencja Abramowicza opierają się na melodiach białoruskich.

W 1927 roku powstała Państwowa Orkiestra Symfoniczna BSRR, w 1930 - Państwowa Orkiestra Ludowa BSRR, w 1933. – Białoruskie Studio Opery i Baletu, w 1932 – Białoruskie Konserwatorium, w 1937 – Białoruska Filharmonia, w 1938 – Związek Kompozytorów BSRR. W 1940 roku zorganizowano Białoruski Zespół Pieśni i Tańca pod przewodnictwem G.R. Ekrany.

Wiodącymi zespołami muzycznymi na Białorusi są obecnie Orkiestra Prezydencka Republiki Białorusi, Narodowa Orkiestra muzyka symfoniczna i rozrywkowa pod dyrekcją M. Finberga, Państwowa Akademicka Orkiestra Symfoniczna, Państwowy Chór Akademicki im. G. Shirmy, Narodowy Pracownik Akademicki chór ludowy Republika Białorusi nazwana na cześć. ŻOŁNIERZ AMERYKAŃSKI. Citowicz. Oczywiście nie sposób nie wspomnieć o takich zespołach muzycznych jak grupa wokalna„Pure Voice”, zespół wokalno-instrumentalny „Pesnyary”, zespół wokalno-instrumentalny „Syabry” i inne popularne grupy muzyczne, ale nasz artykuł jest poświęcony muzyka klasyczna, więc nie będziemy w nim rozwijać innych tematów.

Co roku na Białorusi odbywa się ponad 30 międzynarodowych, republikańskich i regionalnych festiwali muzycznych: „Białoruska Jesień Muzyczna”, „Mińska Wiosna”, Międzynarodowy Festiwal Muzyczny „Złoty Hit”, Festiwal Jazzowy, festiwale muzyki kameralnej „Muzy Nieświeża”, festiwal muzyka dawna i współczesna w Połocku i nie tylko. Najbardziej znanym białoruskim festiwalem muzycznym jest Bazar Słowiański w Witebsku.

Napoleon Orda (1807-1883)

Białoruski pisarz i kompozytor, muzyk, artysta, pedagog.

Urodzony w majątku rodzinnym Worotsewiczów, powiat piński, obwód miński (obecnie powiat iwanowski obwód brzeski).

Ukończył szkołę w Świsłoczu, następnie wstąpił na Uniwersytet Wileński, gdzie studiował matematykę. Został aresztowany za udział w działalności nielegalnego stowarzyszenia studenckiego „Zoryane”. Po stłumieniu powstania polskiego, w którym brał udział, w 1833 roku przeniósł się do Paryża. Tam zaprzyjaźnił się z Adamem Mickiewiczem i Fryderykiem Chopinem. U niego oraz u Franciszka Liszta pobierał lekcje kompozycji i gry na fortepianie. Pobierał także lekcje rysunku w pracowni F. Gerarda. Podróżując po Francji, Austrii, Szkocji, Belgii, Holandii, Hiszpanii, Portugalii i Afryce Północnej malował pejzaże, głównie widoki miast.

Napoleon Orda zmarł w Warszawie. Zgodnie z testamentem został pochowany w rodzinnej krypcie w Janowie (obecnie Iwanowo, obwód brzeski).

Stanisław Moniuszko (1819-1872)

Kompozytor białoruski i polski, autor pieśni, operetek, baletów, oper; twórca białoruskiej i polskiej opery narodowej, klasyk liryzmu wokalnego.

Urodzony w obwodzie mińskim. Jego ojciec, Czesław Moniuszko, kapitan pułku litewskich strzelców konnych, zakończył karierę wojskową jako adiutant w sztabie marszałka Murata i osiadł tu po kampanii rosyjskiej Napoleona.

Stanisław Moniuszko uczył się muzyki od swojej matki. Później doskonalił grę na organach w Warszawie, kompozycję w Mińsku i dyrygenturę chóralną w Berlinie. Pełnił funkcję organisty.

We wczesnym okresie swojej twórczości pisał wodewil, m.in. komedie muzyczne, opery komiczne. Autor dzieła orkiestrowe(fantastyczna uwertura „Opowieść” poświęcona Dargomyżskiemu (1848); uwertura „Kain” (1856), „Wojskowy” (1857) i inne).

Napisał ponad 15 oper, z których najsłynniejsza jest opera „Kamyk”. Premiera opery „Wiejska sielanka” (libretto V. Dunina-Martsinkiewicza) odbyła się w Mińskim Teatrze Miejskim w lutym 1852 roku.

Nikołaj Iljicz Aladow (1890-1972)

Białoruski radziecki kompozytor, pedagog. W 1910 ukończył Konserwatorium w Petersburgu jako eksternista. Wykładał w Państwowym Instytucie Kultury Muzycznej w Moskwie.

W Mińsku był jednym z organizatorów Konserwatorium Białoruskiego w latach 1944-1948. był jego rektorem, profesorem.

W latach wojny (1941-1944) wykładał w Konserwatorium w Saratowie.

NI Aladow jest jednym z twórców gatunków symfonicznych, kameralno-instrumentalnych i kameralnych, kantatowych i chóralnych w muzyce białoruskiej.

Jest autorem opery „Andriej Kostenja” (1947), opery komicznej „Taras na Parnasie” (1927), kantat „Nad rzeką Oressą” i innych, dziesięciu symfonii i innych dzieł. Tworzył cykle wokalne na podstawie wierszy białoruskich poetów Y. Kupały, M. A. Bogdanowicza, M. Tanka.

Jewgienij Karłowicz Tikocki (1893-1970)

radziecki Białoruski kompozytor.

E.K. Tikotsky urodził się w Petersburgu w rodzinie o polskich korzeniach.

Jego edukacja muzyczna ograniczała się do dwuletnich prywatnych lekcji gry na fortepianie i teorii muzyki, samodzielnie studiował kompozycję. Zaczął komponować w wieku 14 lat, konsultując się z przyjacielem, który studiował w Konserwatorium w Petersburgu. Pod naciskiem ojca Tikotski wstąpił w 1914 roku na Uniwersytet w Piotrogrodzie, gdzie studiował fizykę i matematykę.

W 1915 roku poszedł na front. Po zakończeniu służby przeniósł się do Bobrujska, gdzie uczył w szkole muzycznej. W tym czasie nawiązał już pierwsze kontakty z Białorusinem muzyka ludowa co wpłynęło na jego twórczość. Pierwszym większym dziełem była symfonia, napisana w tematyce białoruskiej ludowej i rewolucyjnej, która stała się jednym z pierwszych dzieł tego gatunku w historii muzyki białoruskiej. Następnie odbyło się wiele przedstawień teatralnych w Mińsku, dokąd kompozytor po pewnym czasie się przeprowadził. Tutaj Tikotsky pracował w radiu i zajmował się nauczaniem. W 1939 roku napisał jedno ze swoich najsłynniejszych dzieł – operę „Michas Podgórny” (jedna z pierwszych oper białoruskich w historii). Inną znaną operą patriotyczną Tikockiego jest „Alesia”, wystawiona w 1944 roku, po wyzwoleniu Mińska od faszystowskich najeźdźców.

Tikocki jest jednym z założycieli białoruskiej szkoły kompozytorskiej. Jego dzieła, tworzone w sposób klasyczny i romantyczny, są pełne motywy ludowe. Odegrał ważną rolę w rozwoju białoruskiej kultury muzycznej XX wieku. Oprócz dwóch wskazanych oper stworzył także operę „Anna Gromowa”, operetkę „Kuchnia Świętości”, 6 symfonii, trio fortepianowe, symfonię sonatową na fortepian i inne dzieła.

Izaak Izaakowicz Luban (1906-1975)

Urodzony w prowincji Mohylew. Ukończył studia muzyczne w Mińsku na kierunku kompozycja. W latach 1937-1941 pełnił funkcję dyrektora artystycznego Białoruskiego Radia. – dyrektor artystyczny Zespołu Pieśni i Tańca Filharmonii Białoruskiej. Uczestnik Wielkiej Wojny Ojczyźnianej. Od 1945 r mieszkał w Moskwie.

Jest autorem suity „Granica w pieśniach” (teksty: P. Brovka, P. Glebka, I. Shapovalov), utworów na talerze i akordeon guzikowy, pieśni dla chórów, solistów i zespołów wokalnych, muzyki do przedstawień dramatycznych i filmy (m.in. „Zegar zatrzymał się o północy”, 1958).

Anatolij Wasiljewicz Bogatyrew (1913-2003)

Białoruski radziecki kompozytor i pedagog, założyciel białoruskiej narodowej szkoły kompozycji, profesor.

Urodzony w Witebsku, w 1937 ukończył Białoruskie Państwowe Konserwatorium im. A.V. Łunaczarskiego. Od 1948 wykładał w Białoruskiej Akademii Muzycznej.

AV Bogatyrew jest autorem dwóch oper: „W lasach Polesia” (na podstawie opowiadania „Drygwa” J. Kolasa, wystawionego w 1939 r.) i „Nadeżdy Durowej”, wystawionej w 1946 r. przez Sowiecki Zespół Operowy im. Ogólnorosyjskie Towarzystwo Teatralne.

Piotr Pietrowicz Podkowyrow (1910-1977)

Radziecki kompozytor białoruski. Jest absolwentem Białoruskiego Państwowego Konserwatorium w zakresie kompozycji, gdzie przez wiele lat wykładał.

Autor opery „Paweł Korczagin” (na podstawie powieści N. Ostrowskiego „Jak hartowano stal”), kantaty na solistów, chór i Orkiestra symfoniczna„The Pioneer Bonfire of the World” (teksty E. Ognetsvet, 1951), kantata „Ballada o czterech zakładnikach” (teksty A. Kuleshova, 1954), 3 symfonie, liczne dzieła na fortepian, obój, flet, klarnet. Pisał muzykę do spektakli dramatycznych i aranżował białoruskie pieśni ludowe.

Lew Moiseevich Abelovich (1912-1985)

Białoruski kompozytor radziecki. Studiował u znanych kompozytorów V. A. Zolotareva i N. Ya. Myaskovsky'ego.

Stworzył 4 symfonie, koncerty na fortepian i orkiestrę, cykl fortepianowy „Freski”, wokalizę ku pamięci D. Szostakowicza. Jest autorem cykli wokalnych, chórów, pieśni, romansów i muzyki do słuchowisk radiowych. Pisał muzykę do wierszy białoruskich poetów Y. Kolasa, M. Tanka, A. Mickiewicza, M. Bogdanowicza.

Heinrich Matusowicz Wagner (1922-2000)

Urodzony w Polsce. Od 1939 mieszkał w Mińsku. Absolwent Białoruskiego Państwowego Konserwatorium im. A.V. Łunaczarski (obecnie Białoruska Państwowa Akademia Muzyczna) w klasie fortepianu i kompozycji. Pracował jako akompaniator Białoruskiego Radia oraz pedagog na Wydziale Edukacji Muzycznej Mińskiego Instytutu Pedagogicznego.

Jest autorem poematów wokalnych i symfonicznych „Żywi wiecznie” (1959) i „Bohaterom Brześcia” (1975).

Napisał 3 symfonie i koncerty z orkiestrą: na fortepian (1964, 1977, 1981), na wiolonczelę (1975), na klawesyn (1982), na skrzypce (1985) i na cymbały z orkiestrą instrumentów ludowych (1985).

Kim Dmitriewicz Tesakow (ur. 1936)

Absolwent Homelskiej Szkoły Muzycznej i Konserwatorium w Nowosybirsku (klasa kompozycji). W latach 1966-1968. wykładał w Konserwatorium Białoruskim i Szkole Muzycznej w Mińsku. W latach 1969-1971 był kierownikiem redakcji literaturę muzyczną wydawnictwo „Białoruś”. Od 1972 nauczyciel w średniej specjalistycznej szkole muzycznej przy Białoruskim Konserwatorium.

Muzykę K. Tesakowa charakteryzuje skala, uogólnienie figuratywne i dramatyczne oraz głębia filozoficzna. W swojej twórczości odwołuje się do tradycji pieśni ludowych. Jest twórcą oryginalnego gatunku opery radiowej („Karmazynowy Świt” na podstawie powieści I. Melezha „Ludzie na bagnach” i „Oddech burzy”, 1978); „Piołun to gorzkie zioło” na podstawie opowiadania A. Osipenko „Żito”, 1987).

K. Tesakov jest autorem 3 oratoriów, 2 kantat, 2 symfonii, koncertów na cymbały i orkiestrę, utworów na skrzypce, wiolonczelę i fortepian, klarnet i fortepian, obój i fortepian, trąbkę i fortepian, a także utworów na chór, cykle romansów na podstawie wierszy G. Wiatkina, muzyka do 7 przedstawień dramatycznych, muzyka do filmów.

Dmitrij Bronisławowicz Smolski (ur. 1937)

Kompozytor radziecki i białoruski, pedagog muzyki.

Urodzony w Mińsku w rodzinie białoruskiego muzyka Bronisława Smolskiego. Pisze muzykę od 12 roku życia. Ukończył Konserwatorium Białoruskie w klasie kompozycji A.V. Bogatyrewa, gdzie odbył studia podyplomowe. Uczył w Szkole Muzycznej w Mohylewie, w Konserwatorium Białoruskim.

Autor oper „The Hoary Legend” (1978), „Franciszek Skaryna” (1980), oratorium na lektora, solistów, chór i orkiestrę symfoniczną „Moja Ojczyzna” (1970), 4 symfonii, koncertów na fortepian, cymbały i kamerę orkiestra, liczne pieśni, muzyka do spektakli i filmów.

Wiktor Nikołajewicz Kopytko (ur. 1956)

Kompozytor i postać muzyczna. Muzyk multidyscyplinarny, autor oper, dzieł symfonicznych, kameralnych i chóralnych, muzyki teatralnej i filmowej. Cechą twórczości W. Kopytki jest synteza zasad językowych i technik kompozytorskich różne epoki, ich uogólnienie w indywidualnym stylu autora. Jego muzykę można usłyszeć na koncertach i festiwalach muzycznych w m.in różne kraje pokój.

Urodzony w Mińsku w rodzinie muzyków (matka jest zawodową pianistką, ojciec amatorem). Studiował w jedenastoletniej specjalistycznej szkole muzycznej przy Białoruskim Państwowym Konserwatorium, a następnie w Konserwatorium Leningradzkim. N. A. Rimski-Korsakow.

Główne dzieła V.N. Kopytko: opery „Dziewczyna, która nadepnęła na chleb” (opera-przypowieść według H. H. Andersena. Libretto Y. Borysowa i W. Kopytki z udziałem W. Kotowej (1980-81). Opera była wystawiana w Telewizji Leningradzkiej w latach 1980-1981. 1983. Poświęcony Benjamina Brittena;

„Jego żony” (opera burleskowa na motywach Antosziego Czechonta i innych. Libretto: J. Borysow i W. Kopytko (1988, wersja ostateczna - 2005; opera wystawiona przez Teatr Narodowy) teatr akademicki opera Republiki Białorusi pod tytułem „Sinobrody i jego żony”). Poświęcenie: „Do mojego syna Daniela” .

Utwory na orkiestrę: Mała Symfonia na 15 wykonawców w 5 częściach (1985), „Gra Czechowa”, suita na małą orkiestrę symfoniczną w 5 częściach (1987), „Adagio dla Adolfa”, utwór na orkiestrę kameralną (1989), Trzy intermezzo na orkiestrę kameralną lub zespół instrumentalny(1994, 2002), „Promenada”, utwór na orkiestrę smyczkową z fletem solo (2010), Lento per Leni na orkiestrę smyczkową (2010-2011).

Ponadto napisał ogromną liczbę utworów na fortepian, na głosy solowe i orkiestrę kameralną, kameralną muzykę instrumentalną, kameralną muzykę wokalną, utwory na chór, muzykę do filmów, filmów rysunkowych, dramatycznych i przedstawienia kukiełkowe i wiele więcej.

Jewgienij Aleksandrowicz Glebow (1929-2000)

Radziecki kompozytor białoruski. Z rodziny księży. Urodzony w Obwód smoleński. Od najmłodszych lat pociągała go muzyka. Samodzielnie nauczył się grać na mandolinie, gitarze, bałałajce i już w młodości zaczął komponować różne dzieła muzyczne (piosenki, romanse, sztuki teatralne). Ale z zawodu był daleki od muzyki. Podczas studiów w Roslavl Railway College kierował chórem i orkiestrą studencką. Pracując w Mohylewie, zaprzyjaźnił się ze studentami Mohylewskiej Szkoły Muzycznej i rozpoczął naukę podstaw muzyki. Próbowałem zapisać się do szkoły muzycznej, ale dyrektor, dowiedziawszy się, że Glebov nie zna nut i nigdy nie spotkał się z umiejętnościami muzycznymi, odmówił ze względu na niekompetencję zawodową. Ale będąc wytrwałym, wstąpił do konserwatorium w Mińsku. Studiował z sukcesem, choć było to dla niego trudne, także finansowe.Po ukończeniu konserwatorium w 1956 roku Evgeniy Glebov został nauczycielem dyscyplin teoretycznych w Mińskiej Szkole Muzycznej, łącząc działalność pedagogiczną i twórczą z pracą dyrektora część muzyczna i dyrygent Teatru dla Młodych Widzów. Od 1971 prowadził klasę kompozycji w Białoruskim Państwowym Konserwatorium. Evgeny Glebov przeszkolił ponad 40 uczniów. Jego znanymi uczniami są Leonid Zachlewny, Jadwiga Popławska, Wasilij Rainczik, Eduard Hanok, Wiaczesław Kuzniecow, Władimir Kondruszewicz, Dmitrij Dołgalew.

Pracował E. Glebow różne gatunki, ale najbardziej znane są jego dzieła symfoniczne i balety. Styl kompozytora ukształtował się pod wpływem D. D. Szostakowicza i częściowo wczesnego I. F. Strawińskiego. Jego utwory wyróżniają się głęboką polifonią, rozwinięciem tematycznym i oryginalną orkiestracją. Opera Glebowa „Mistrz i Małgorzata” uznawana jest za klasykę białoruskiej literatury muzycznej.

Konstantin Jewgienijewicz Jaskow (ur. 1981)

Urodzony w mieście Vetka w obwodzie homelskim. Białoruski kompozytor, nauczyciel dyscyplin muzycznych w białoruskiej szkole Uniwersytet stanowy kultury i sztuki oraz Instytut Wiedzy Nowożytnej. Wcześniej wykładał na wydziale kompozycji Białoruskiej Państwowej Akademii Muzycznej. Organizator Międzynarodowy festiwal współczesna muzyka akademicka „Dialogi”, jeden z założycieli i prezes Stowarzyszenia Młodych Kompozytorów Białoruskich.

Wykształcenie muzyczne w klasie fortepianu i kompozycji zdobył w Grodzieńskiej Szkole Muzycznej.

Autor dzieła orkiestrowe Prorok, muzyka na 19 instrumenty strunowe i altówka do wiersza Michasa Baszlakowa „Lilia na ciemnej wodzie” (2006); „Adagio” na orkiestrę symfoniczną (2007); „Lulla.by” na orkiestrę smyczkową (2010); „Zamkavay Gara Dreams” na orkiestrę i talerze. Autor utworów kameralnych, chóralnych, wokalnych i publikacji naukowych.

Nie sposób nie wspomnieć w tym artykule o tak znanych białoruskich kompozytorach, jak Igor Michajłowicz Łuczenok, Władimir Georgiewicz Mulawin, Władimir Władimirowicz Ołownikow, Eduard Siemionowicz Hanok, którzy pracowali w różnych gatunkach muzycznych, ale głównie i najbardziej owocnie w pieśni.