Co jest specjalnego w hiszpańskim renesansie? Literatura renesansowa w wybranych krajach

W przeciwieństwie do Anglii, gdzie zatriumfowała reformacja, kultura Hiszpanii rozwinęła się na tle umocnienia ideologii katolickiej, wyrażonej w bezprecedensowym rozprzestrzenianiu się Inkwizycji.

W pierwszej tercji XVI w. W malarstwie hiszpańskim zderzyły się dwa wpływy: holenderski i nowowłoski, którego reprezentował manieryzm. Mówiono już o tym w związku z włoskim renesansem. Warto jednak do niego powrócić w związku z ogromnym wpływem manieryzmu na malarstwo hiszpańskie, przede wszystkim na El Greco. Choć do XIX w. krytycy sztuki negatywnie odnosili się do manieryzmu, uznając go za całkowicie naśladowczy, w XX wieku zrewidowali swoje stanowisko i udowodnili niezależność stylistyczną manierystów;

Okazało się, że tak naprawdę manieryzm jest oryginalnym kierunkiem w malarstwie, opartym na własnych, a nie zapożyczonych zasadach. Przedstawiciele manieryzmu odeszli od renesansowego harmonijnego postrzegania świata. Zewnętrznie podążając za mistrzami wysokiego renesansu, manieryści potwierdzali tragedię istnienia. Wnikliwe postrzeganie życia łączyło się z chęcią wyrażenia „wewnętrznej idei” obrazu artystycznego. Manieryści mogli być pierwszymi, którzy poszukiwali czysta sztuka- cecha charakterystyczna niemal wszystkich kolejnych pokoleń Artyści europejscy.

Surrealizm, ekspresjonizm i abstrakcjonizm XX wieku - twórcza kontynuacja manieryzm z jego odwrotem do subiektywizmu, dramatyzacji obrazy artystyczne. Koncepcja „maniery” skupia się na poszukiwaniu ideału formalnej doskonałości i wirtuozerii, wyraża stałą tendencję ludzkiego ducha.

Dziś historycy sztuki korzeni manieryzmu upatrują w sztuce starożytnej, neogotyckiej, włoskiej, niemieckiej i holenderskiej. Termin „manieryzm” stał się modny i zaczęto go używać w odniesieniu do całego malarstwa XVI wieku od śmierci Rafaela (1520) do początków klasycyzmu i baroku, które same powstały jako reakcja na niego. Wielu badaczy woli

Miasto Razshchd Shirin „Rzhesshnsh Kumra”

Pava i Europejczyk! renesans

rozpływa się, aby zdefiniować tę sztukę jako okres pomiędzy renesansem a barokiem.

Po 1530 roku manieryzm podbił niemal całą Europę. Hiszpanie, a zwłaszcza wielki El Greco (1541-1614), podziwiali eleganckie dzieła manierystów. Jako dziecko uczył się malarstwa ikonowego u mnichów kandyjskich na Krecie, a od 1560 roku kontynuował naukę malarstwa w Wenecji w szkole Tintoretta. Od 1577 roku artysta mieszkał w Toledo w Hiszpanii. Choć odważna jasność jego barw i swobodna interpretacja tematów biblijnych spotkała się z krytyką, zwłaszcza ze strony króla Filipa II, mimo to otrzymał wiele zamówień od kościoła i osób prywatnych. W Hiszpanii unikat indywidualny styl El Greca. Idealizował przedstawianych przez siebie ludzi, wydłużając ich ciała i twarze, podporządkowując naturalne proporcje wyrazistości obrazu. Połączył bizantyjską tradycję malarstwa płaskiego z kontrastem jasnych i ciemnych tonów charakterystycznym dla szkoły weneckiej. Wpływy hiszpańskie znalazły odzwierciedlenie w mistycznym sposobie pisania. Stworzył treści religijne, mitologiczne, obrazy rodzajowe, portrety, pejzaże („Pogrzeb hrabiego Orgaza”, 1586-1588; „Widok Toledo”, 1610-1614).

Jeśli XVI wiek mija w Hiszpanii pod znakiem Włoski renesans, następnie w XVII wieku zaczęło dominować malarstwo holenderskie. Wiek XVII uważany jest w Hiszpanii, podobnie jak w Holandii, za „złoty wiek”. Termin „złoty wiek” odnosi się przede wszystkim do okresu rozkwitu literatury hiszpańskiej w epoce Cervantesa, Góngory i Lope de Vegi. Ale można to również zastosować do galaktyki tak wielkich artystów jak Zurbaran, Velazquez i Murillo.

W pierwszej połowie XVII wieku nadal odczuwalny był wpływ artystów włoskich, zwłaszcza mistrzów weneckich. W tym okresie prym wiodą szkoły artystyczne z Walencji i Toledo. Jednak w drugiej połowie stulecia twórczość Flamandów, przede wszystkim Rubensa i Van Dycka, wyparła malarstwo włoskie. Złożone, mroczne kompozycje pierwszej połowy stulecia ustąpiły miejsca dynamicznym dziełom z bardziej równomiernym oświetleniem. Duży centra sztuki stał się Madrytem i Sewillą.

Francisco de Zurbaran (1598-1664) był jednym z tych mistrzów, których sztuka wyniosła malarstwo hiszpańskie XVII wieku na jedno z pierwszych miejsc w Europie. Określone niezwykle silne poczucie rzeczywistości cecha charakterystyczna Język artystyczny Zurbarana to przywiązanie do natury o niezwykle lakonicznej, wręcz surowej monumentalności. Jego uwaga skupiała się na dwóch obszarach – portrecie i legendach związanych z żywotami świętych. Przedstawiając surowych mnichów, urzeczonych kontemplacją lub ekstatyczną modlitwą, Zurbaran chętnie malował dzieci, wykorzystując je jako modele do obrazów o tematyce dzieciństwa Chrystusa i Maryi.

Diego Velazquez (1599-1660) nazywany jest „portretowcem dworu hiszpańskiego”. Życie Velazqueza, niekwestionowanego przywódcy szkoły hiszpańskiej, nadwornego malarza Filipa IV, jest świecący przykład losy wielu artystów: potomek szlacheckiego rodu, geniusz, człowiek, który swoją bezpośredniością, wyrafinowaniem i walecznością zapracował sobie na przyjaźń króla i szacunek wielu zazdrosnych ludzi, wiódł godne i mądre życie , niemal nieobciążony wydarzeniami, których nawet intrygi dworskie nie były w stanie zachwiać.

Dzięki łasce króla w 1659 r., po długiej kontroli „czystości” krwi i braku działalność handlową, otrzymuje strój pana św. Jakuba to dla artysty niezrównane wyróżnienie. Velázquez tworzył nie tylko portrety członków rodziny królewskiej, ale także obrazy o tematyce religijnej i mitologicznej („Bachus”), płótna historyczne („Poddanie Bredy”) i stale zwracał się w stronę scen rodzajowych („Śniadanie”, „Przędzarki” ). Twórczość zmarłego Velazqueza, świat poetycki którym nadano nieco tajemniczy charakter, antycypują sztukę impresjonistów. Jeden z nich, Manet, nazwał Velazqueza „malarzem malarzy”.

W dziedzinie literatury popularne są powieści rycerskie i łotrzykowskie. Największym przedstawicielem tego gatunku był wielki Miguel de Cervantes (1547-1616), autor światowego słynna powieść"Don Kichot". W swojej książce Cervantes parodiuje zalane romanse rycerskie

Szwa I. Europejczyk! renesans

Rozdział?. Mnpoeai shshstvssh" tsshura

Hiszpański rynek książki. Na początku XVII wieku ideały rycerskie już dawno stały się przestarzałe. Niemniej jednak książka Cervantesa stała się opowieścią o dwóch zasadach natury ludzkiej - romantycznym idealizmie i trzeźwym praktyczności. Sam Cervantes pochodził z zubożałej rodziny rycerskiej, przez długi czas służył hiszpańska armia, a następnie zarabiał na życie w służbie kwatermistrzowskiej. Powieść Cervantesa opowiada o przygodach idealistycznego rycerza Don Kichota, który uparcie broni wartości rycerskich w na wskroś pragmatycznym świecie. Zamyka oczy na otaczającą go rzeczywistość, walczy z nią wiatraki. I często nie może wydostać się z niewoli swoich złudzeń, a sprzeczność między rzeczywistością a ideałem wyjaśnia jako machinacje sił zła. Choć książka w zamierzeniu autora miała służyć jako lektura rozrywkowa, stała się przykładem poważnej literatury moralnej dla literatury światowej.

Założycielem hiszpańskiego dramatu narodowego był Lope de Vega (1562-1635). Podobnie jak jego młodsi współcześni Tirso de Molina (ok. 1583-1648) i Calderon de La Barca (1600-1681), dramaturg swoją naprawdę ogromną kreatywnością (ponad 2000 dzieł, 500 znanych) przyczynił się do szybkiego rozkwitu hiszpańskiej komedii , który wówczas uznawano za dowolny trzyaktowy dramat napisany wierszem. Peru Lope de Vega pisała dramaty historyczne, społeczno-polityczne, komedie o miłości (najbardziej znane to „Nauczyciel tańca” i „Pies w żłobie”).

Nowy etap w rozwoju hiszpańskiego renesansu, tzw. wysoki renesans, datuje się na drugą połowę XVI - początek XVII wieku. Działając zgodnie z rygorystycznymi zasadami kontrreformacji (od 1545 r.), Filip II (1527-1598) prześladował myślicieli postępowych, sprzyjając jednocześnie rozwojowi kulturalnemu, zakładając bibliotekę w El Escorial i wspierając wiele uniwersytetów. Ludzie kreatywni i myślący, pozbawieni możliwości wypowiadania się w filozofii i publicystyce, zwrócili się ku sztuce, dzięki czemu przetrwała ona w drugiej połowie XVI i XVII wieku. bezprecedensowy rozkwit, a epokę tę nazwano „złotym wiekiem”. Niektórzy poeci i pisarze splatali świeckie idee humanizmu z motywami religijnymi.

W drugiej połowie XVI w. do lat 30. XVII w. dominuje poezja – liryczna i epicka. Ponadto popularne były powieści pasterskie i powieść realistyczna i dramat. W hiszpańskiej poezji lirycznej istniały dwie przeciwstawne szkoły poetyckie – Sewilla i Salamanka. Fernando de Herrera (1534-1597) i inni poeci szkoły sewilskiej preferowali teksty miłosne, ziemski i zmysłowy, w którym często brzmiały i rezonowały motywy obywatelskie.

Głową szkoły salamańskiej był mnich augustianów i profesor teologii Luis de Leon (1527-1591), twórca poezji „mistyków”. Przeciwwaga kościół katolicki mistycy opowiadali się za indywidualną ścieżką poznania Boga i zjednoczenia się z Nim. Bardzo bystrzy przedstawiciele przedstawicieli tego ruchu – Teresa de Cepeda y Ahumada (1515-1582), znana jako Święta Teresa od Jezusa, oraz Juan de la Cruz (1542-1591), należący do Zakonu Karmelitów. Do „mistyków” dołączył także dominikanin Luis de Granada (1504-1588), piszący po łacinie, portugalsku i hiszpańsku.

Zachwyt dla poezji starożytnej, którą uznawano za wysoki przykład, wzbudził chęć tworzenia dzieł w duchu poematów epickich Homera i Wergiliusza. Najbardziej udaną próbę podjął Alonso de Ercilla y Zúñiga (1533-1594), który napisał Araucana.

Druga połowa XVI wieku. naznaczony rozkwitem romansu pasterskiego. Założycielem gatunku w Hiszpanii był Portugalczyk Jorge de Montemayor (ok. 1520-1561), który napisał „Siedem ksiąg Diany” (1559), po których powstało wiele kontynuacji, np. Zakochana Diana (1564) Gaspara Gil Polo (1585), a także Galatea (1585) Cervantesa i Arcadia (1598) Lope de Vegi.

W tym samym czasie ukazały się powieści „mauretańskie” poświęcone życiu Maurów: anonimowa historia Abencerrach i piękna Kharifa oraz Wojny domowe w Granadzie (część I - 1595, część II - 1604) przez Ginesa Pereza de Ita. Dzięki twórczości Miguela de Cervantesa Saavedry (1547-1616), który wyróżnił się w różnych gatunkach literackich, literaturę hiszpańską zyskał światową sławę. Jego nieśmiertelne dzieło, powieść Przebiegły Hidalgo Don Kichot z La Manchy, pomyślana jako parodia ówczesnych romansów rycerskich, stała się jednym z najbardziej uderzających zabytków literatury światowej.

W tej epoce zakończono tworzenie hiszpańskiego dramatu narodowego. Najpełniej cechy charakteru ucieleśnione w twórczości Lope F. de Vega Carpio (1562-1635). Światopogląd Lope de Vegi, innowatora w dziedzinie dramatu, łączył idee humanistyczne i patriarchalne. Swoje poglądy na dramat przedstawił w swoim traktacie Nowa sztuka komponowania komedii w naszych czasach (1609). Lope de Vega jest twórcą dramatu honoru; w jego twórczości pojawia się antycypacja XVII-wiecznego klasycyzmu. myśl o braku wolności człowieka, ponieważ honor okazuje się dla niego ważniejszy niż namiętności. Jego komedie można podzielić na trzy grupy – „komedie dworskie”, „komedie płaszcza i miecza” oraz „komedie o złej obyczajowości”. Wywarł wpływ na takich dramaturgów jak Guillen de Castro y Belvis (1569-1631), Antonio Mira de Amezcua (1574-1644), Luis Vélez de Guevara (1579-1644).

Na początku XVII wieku. Hiszpania utrzymała pozycję światowego lidera, jednak sytuacja gospodarcza gwałtownie się pogorszyła, pomimo ogromnego napływu złota z kolonialnej Ameryki. W Ostatni etap W renesansie, często utożsamianym ze szczególnym okresem baroku, dominowała tendencja do interpretowania tego, co działo się w kraju, jako konsekwencji tkwiącej w człowieku zasady zła, co było ideą zgodną z chrześcijańską nauką o grzeszności. Rozwiązaniem było zwrócenie się ku rozumowi, który pomaga człowiekowi odnaleźć drogę do Boga, co znajduje odzwierciedlenie w literaturze przedmiotu Specjalna uwaga kontrast pomiędzy ludzka natura i jego umysłem, pomiędzy pięknem a brzydotą, przy czym piękno postrzegane było jako coś ulotnego i praktycznie niedostępnego.

W poezji dominowały dwa style – „gongoryzm”, nazwany na cześć największego poety tamtych czasów, Luisa de Gongora y Argote (1561-1627) i „konceptyzm” od słowa concepto, co oznacza „myśl”. „Gongoryzm” nazywano także „kulteranizmem” od słowa kulto („uprawiany”), gdyż styl ten był przeznaczony dla wybranej, wykształconej publiczności. Gongora był świeckim poetą i motyw ludowy w swojej twórczości odwołuje się do gatunków poezja ludowa(romanse i letryle) łączą się z wykwintnością techniki artystyczne. „Konceptyzm”, za którego założyciela uważa się A. de Ledesma, który opublikował zbiór wierszy „Myśli duchowe” (1600), przeciwstawiał się „gongoryzmowi”. Jednocześnie w „konceptualizmie”, podobnie jak w „gongoryzmie”, dużą wagę przywiązywano do formy, tworzenia złożonych koncepcji, gry słów i dowcipu.

Jeden z przedstawicieli „konceptualizmu”, w którym próbował się Quevedo różne gatunki, Ale największy rozwój styl ten został osiągnięty w jego esejach satyrycznych Sny (1606-1622). Wybitnym filozofem, moralistą i pisarzem był Baltasar Gracian y Morales (1601-1658), członek zakonu jezuitów wypowiadający się pod pseudonimami. W swoim dziele Wit, czyli sztuka subtelnego umysłu (1648), formułuje zasady konceptualizmu.

A zatem: poszczególne fazy renesansu w Hiszpanii nie pokrywały się z odpowiadającymi im etapami renesansu w innych krajach.

• - XV wiek sztuka hiszpańska reprezentuje okres kształtowania się nowego światopoglądu artystycznego.
• - W pierwszych dekadach XVI wieku zjawiska stylistyczne związane z Wysoki renesans, ale nadal dominują tradycje wczesnego renesansu.
• - Czas największych osiągnięć kultury hiszpańskiej to druga połowa XVI wieku. Wystarczy wspomnieć nazwisko wielkiego Cervantesa, aby wyobrazić sobie, jak głębokie i wieloaspektowe problemy rzeczywistości zawierały się w literaturze tamtej epoki. Architekturę i malarstwo charakteryzują znaczące osiągnięcia artystyczne.

Budowę tak majestatycznego zespołu jak Escorial datuje się na drugą ćwierć XVI wieku; W tym czasie grecki artysta Domenico Theotokopouli, znany jako El Greco, pracował w Hiszpanii. Ale w przeciwieństwie do włoskich (w szczególności weneckich) mistrzów okresu późnego renesansu, w których twórczości wyraźnie wyrażono związek i ciągłość z kręgiem idei artystycznych poprzednich etapów renesansu, cechy tragicznego kryzysu późnego renesansu Renesans był mocniej ucieleśniony w malarstwie hiszpańskim.

Zakończenie rekonkwisty i zjednoczenie Kastylii i Aragonii dało potężny impuls rozwojowi kultury hiszpańskiej. W XVI-XVII wieku przeżywało okres rozkwitu zwany „złotym wiekiem”. Chociaż pomyślny okres w rozwoju miast i części chłopstwa Hiszpanii był bardzo krótki, dziedzictwo czasów bohaterskich nadal żyło w świadomości narodu hiszpańskiego. Było to ważne źródło wysokich osiągnięć klasycznej kultury hiszpańskiej. Jednak renesans w Hiszpanii był bardziej kontrowersyjny niż w innych. kraje europejskie. W Hiszpanii nie było tak ostrego zerwania z ideologią feudalno-katolicką średniowiecza, jak miało to miejsce na przykład we włoskich miastach w epoce rozkwitu ich życia gospodarczego i kultury. Dlatego nawet te zaawansowani ludzie Hiszpania, podobnie jak Cervantes i Lope de Vega, nie zrywa całkowicie z tradycją katolicką. Poezja ludowa XV wiek był okresem rozkwitu sztuki ludowej w Hiszpanii. W tym czasie pojawiło się wiele romansów. Romans hiszpański to krótki wiersz liryczny lub liryczno-epopetyczny. Romanse gloryfikowały wyczyny bohaterów i dramatyczne epizody walki z Maurami. Romanse liryczne przedstawiały miłość i cierpienie kochanków w poetyckim świetle. Romanse odzwierciedlały patriotyzm, umiłowanie wolności i poetycki pogląd na świat charakterystyczny dla chłopa kastylijskiego. Poezja humanistyczna W Hiszpanii, podobnie jak w innych krajach, literatura renesansu powstała na bazie syntezy narodowej sztuki ludowej i zaawansowanych form literatury humanistycznej hiszpańskiej z początku XVI wieku. romanse rycerskie stały się powszechne w Hiszpanii. Nieokiełznana fantazja tych późniejszych dzieł literatury feudalnej odpowiadała pewnym aspektom psychologii ludzi renesansu, którzy wyruszali w ryzykowne podróże i wędrowali po odległych krajach. W drugiej połowie XVI w. Motyw pastoralny, wprowadzony do literatury hiszpańskiej przez Garcilaso de la Vegę, rozwinął się także w formie powieści. Należy tu wspomnieć o Dianie Jorge de Montemayora (napisanej około 1559 r.) i Galatei Cervantesa (1585). Powieści te na swój sposób odzwierciedlają temat „złotego wieku”, o którym marzymy szczęśliwe życie na łonie natury. Jednak najciekawszym i najbardziej oryginalnym typem powieści hiszpańskiej była tzw. powieść łotrzykowa. Powieści te odzwierciedlały przenikanie stosunków pieniężnych do życia Hiszpanii, rozpad więzi patriarchalnych, ruinę i zubożenie mas. Ten kierunek literatury hiszpańskiej zapoczątkował tragikomedia „Celestina” (ok. 1492 r.) autorstwa Fernando de Rojasa. 60 lat po jej ukazaniu się ukazał się pierwszy ukończony egzemplarz powieści łotrzykowskiej, który duży wpływ o rozwoju literatury europejskiej, słynny „Łazarillo z Tormes”. Oto historia chłopca, sługi wielu panów. Broniąc swojego prawa do istnienia, Lazaro zmuszony jest uciekać się do przebiegłych sztuczek i stopniowo zamienia się w kompletnego łotra. Stosunek autora powieści do swojego bohatera jest ambiwalentny. W oszustwie widzi przejaw zręczności, inteligencji i pomysłowości niedostępnych dla ludzi średniowiecza. Ale u Lazaro wyraźnie ujawniły się także negatywne cechy nowego typu ludzkiego. Siłą książki jest szczere przedstawienie stosunków społecznych w Hiszpanii, gdzie pod sutanną i szlacheckim płaszczem kryły się najpodlejsze namiętności, ożywiane gorączką zysku.

Powieść plutowska Miguela de Cervantesa reprezentuje ten kierunek rozwoju literatury hiszpańskiej, który ze szczególną siłą przygotował triumf realizmu Cervantesa. Postawił sobie on skromne zadanie zniszczenia wpływów fantastycznych i odległych od życia powieści rycerskich marzy o odrodzeniu czasów rycerskich w epoce, która już dawno minęła. On sam nie rozumie, że rycerskość przeżyła swój czas i podobnie jak ostatni rycerz jest postacią komiczną. W epoce feudalnej wszystko budowano w oparciu o pierwsze prawo. I tak Don Kichot, opierając się na sile swojej ręki, chce się zmienić istniejące zamówienia, chroń wdowy i sieroty, karz przestępców. W rzeczywistości powoduje niepokój, powoduje krzywdę i cierpienie ludzi. Ale jednocześnie motywy działań Don Kichota są ludzkie i szlachetne. Ten rycerz to prawdziwy humanista. Jego postępowe ideały zrodziły się w walce z nierównością klasową, przeciwko przestarzałym feudalnym formom życia. Ale nawet społeczeństwo, które je zastąpiło, nie mogło zrealizować tych ideałów. Bezduszny bogaty chłop, skąpi karczmarze i kupcy drwią z Don Kichota, jego zamiaru ochrony biednych i słabych, jego hojności i człowieczeństwa. Dwoistość wizerunku Don Kichota polega na tym, że jego postępowe ideały humanistyczne wydają się przestarzałe w formie rycerskiej obok Don Kichota w powieści występuje chłopski giermek Sancho Pansa. Ograniczenia warunków życia na wsi odcisnęły na nim piętno: Sancho Pansa naiwny, jedyny, który wierzył w rycerskie brednie Don Kichota. Ale Sancho nie jest pozbawiony dobrych cech. Nie tylko odkrywa swoją inteligencję, ale także okazuje się nosicielem mądrość ludowa co wyraża się w niezliczonych przysłowiach i powiedzeniach. Pod wpływem humanistycznego rycerza Don Kichota Sancho rozwija się moralnie. Jego niezwykłe cechy ujawniają się w słynnym epizodzie gubernatorskim, kiedy Sancho odkrywa swoją światową mądrość, bezinteresowność i czystość moralną aktorzy Powieści z ich fantastycznymi i naiwnymi koncepcjami ukazane są na tle prawdziwej, codziennej Hiszpanii, kraju dumnej szlachty, karczmarzy i kupców, zamożnych chłopów i poganiaczy mułów. W sztuce ukazywania tej codzienności Cervantes nie ma sobie równych. Lope de Vega Założycielem hiszpańskiego dramatu narodowego był wielki dramaturg Lope Felix de Vega Carpio (1562-1635). Lopo de Vega przez całe życie pozostał człowiekiem religijnym. Ta dwoistość Lope de Vega odzwierciedlała charakterystyczne cechy hiszpańskiego renesansu. Lope de Vega był artystą rzadkim twórcza płodność napisał 1800 komedii i 400 jednoaktowych alegorycznych sztuk kultowych. Pisał także wiersze heroiczne i komiczne, sonety, romanse, opowiadania itp. Korzystał z różnych źródeł - hiszpańskich romansów i kronik ludowych, włoskich gowelów i ksiąg historyków starożytnych. W swoich pracach Lope de Vega przedstawia wzmocnienie władzy królewskiej, walkę królów hiszpańskich ze zbuntowanymi panami feudalnymi i hordami mauretańskimi. Przedstawia postępujące znaczenie zjednoczenia Hiszpanii. W ten sposób komedie płaszcza i miecza ukazują walkę młodych hiszpańskich szlachciców – ludzi nowego typu – o wolność uczuć, o szczęście, z despotyczną władzą ojców i opiekunów. Lope de Vega buduje komedię na intrygach, zbiegach okoliczności i przypadkach. W tych komediach gloryfikujących miłość i wolną wolę człowieka najbardziej widoczne było powiązanie Lope de Vegi z humanistycznym ruchem literackim renesansu. Ale młody człowiek renesansu Lope de Vegi nie ma tej samej wewnętrznej wolności, co Szekspir. Bohaterowie Lope de Vega są wierni szlachetnemu ideałowi honoru. Ich wygląd ma cechy okrutne, nieatrakcyjne, związane z faktem, że podzielają uprzedzenia swojej klasy.

Zakończenie rekonkwisty i zjednoczenie Kastylii i Aragonii dało potężny impuls rozwojowi kultury hiszpańskiej. W XVI-XVII wieku przeżywało okres rozkwitu zwany „złotym wiekiem”.

Pod koniec XV i w pierwszej połowie XVI w. W Hiszpanii myśl postępowa poczyniła wielkie postępy, przejawiając się nie tylko w dziedzinie twórczości artystycznej, ale także w dziennikarstwie i dziełach naukowych przesiąkniętych wolnomyśleniem. Reakcyjna polityka Filipa II zadała ciężki cios kulturze hiszpańskiej. Ale reakcja nie mogła stłumić twórczych sił ludu, które objawiły się pod koniec XVI i pierwszej połowie XVII wieku. głównie w dziedzinie literatury i sztuki.

Kultura hiszpańska renesansu miała głębokie korzenie ludowe. Fakt, że chłop kastylijski nigdy nie był poddanym (por. F. Engels, List do Paula Ernsta, K. Marx i F. Engels, On Art, M.-L. 1937, s. 30.), ale hiszpańskie miasta wcześnie uzyskali niepodległość, stworzyli w kraju dość szeroką warstwę ludzi, którzy mieli świadomość własnej godności (zob. F. Engels, List do Paula Ernsta, K. Marksa i F. Engelsa, O sztuce, M.-L. 1937, s. 30.)

Chociaż pomyślny okres w rozwoju miast i części chłopstwa Hiszpanii był bardzo krótki, dziedzictwo czasów bohaterskich nadal żyło w świadomości narodu hiszpańskiego. Było to ważne źródło wysokich osiągnięć klasycznej kultury hiszpańskiej.

Jednak renesans w Hiszpanii był bardziej kontrowersyjny niż w innych krajach europejskich. W Hiszpanii nie było tak ostrego zerwania z ideologią feudalno-katolicką średniowiecza, jak miało to miejsce na przykład we włoskich miastach w epoce rozkwitu ich życia gospodarczego i kultury. Dlatego nawet tak postępowi mieszkańcy Hiszpanii jak Cervantes i Lope de Vega nie zrywają całkowicie z tradycją katolicką.

Najpierw hiszpańscy humaniści połowa XVI V.

Przedstawicieli myśli postępowej w Hiszpanii, działającej w pierwszej połowie XVI wieku, nazywano „erasmistami” (od nazwiska słynnego humanisty Erazma z Rotterdamu). Wśród nich wymienić należy przede wszystkim Alfonsa de Valdeza (zm. 1532), autora ostrych i zjadliwych dialogów w duchu greckiego satyryka Lucyna, w których atakuje tron ​​papieski i Kościół katolicki, zarzucając im chciwość i wyuzdanie. Z Erazmem związany był także wybitny hiszpański filozof Juan Luis Vives (1492-1540). Pochodzący z Walencji Vivss studiował w Paryżu, mieszkał w Anglii i Flandrii. Brał udział w ogólnoeuropejskim ruchu humanistycznym. Już w jednym ze swoich wczesnych dzieł „Triumf Chrystusa” Vives krytykuje scholastykę arystotelesowską, przeciwstawiając ją filozofii Platona w duchu włoskich filozofów renesansu.

Ważniejsze jest to, że odrzucając średniowieczną scholastykę, Vives na pierwszy plan wysuwa doświadczenie: obserwacja i eksperyment pozwalają wniknąć w głębiny natury i otworzyć drogę do poznania świata. Zatem Vives jest jednym z poprzedników Francisa Bacona. Centralnym punktem jego koncepcji jest człowiek. Vives odegrał ważną rolę w rozwoju psychologii jako nauki. W swoim dziele „O duszy i życiu” szczegółowo analizuje problem percepcji. W broszurze „Mędrzec” Vivss przedstawia humanistyczną krytykę starych scholastycznych metod nauczania i rozwija postępowy system pedagogiczny, który obejmuje naukę języków klasycznych, historii i nauk przyrodniczych. Louis Vives był także zwolennikiem edukacji kobiet.

Innym myślicielem hiszpańskim, który wypowiadał się przeciwko scholastycyzmowi i analizowanemu przez scholastyków Arystotelesowi, był Francisco Sanchez (1550-1632). Jednak w przeciwieństwie do Luisa Vivesa duch swobodnego dociekania prowadzi Sancheza do sceptycyzmu. Jego główne dzieło nosi tytuł „O tym, że nie ma wiedzy” (1581). Badając sprzeczności zawarte w procesie ludzkiego poznania, Sanchez dochodzi do tezy czysto negatywnej: wszystko, co wiemy, jest nierzetelne, względne, warunkowe. Taka pesymistyczna teza, wysunięta w dobie upadku średniowiecznych porządków i idei dogmatycznych, nie była rzadkością, zwłaszcza w Hiszpanii, z jej ostrymi sprzecznościami społecznymi i trudnymi warunkami życia.

Poezja ludowa

Wiek XV był dla Hiszpanii wiekiem rozkwitu sztuki ludowej. W tym czasie pojawiło się wiele romansów. Romans hiszpański to narodowa forma poetycka, będąca krótkim wierszem lirycznym lub liryczno-epickim. Romanse gloryfikowały wyczyny bohaterów i dramatyczne epizody walki z Maurami. Romanse liryczne przedstawiały miłość i cierpienie kochanków w poetyckim świetle. Romanse odzwierciedlały patriotyzm, umiłowanie wolności i poetycki pogląd na świat charakterystyczny dla chłopa kastylijskiego.

Romans ludowy zapłodnił rozwój hiszpańskiej literatury klasycznej i stał się glebą, na której wyrosła wielka poezja hiszpańska XVI-XVII wieku.

Poezja humanistyczna

W Hiszpanii, podobnie jak w innych krajach, literatura renesansowa rozwinęła się w oparciu o syntezę narodowej sztuki ludowej i zaawansowanych form literatury humanistycznej. Jeden z pierwszych poetów hiszpańskiego renesansu, Jorge Manrique (1440-1478), był twórcą genialnego poematu „Kuplety na śmierć mojego ojca”. W uroczystych zwrotkach swojego dzieła mówi o wszechmocy śmierci i gloryfikuje wyczyny nieśmiertelnych bohaterów.

Już w XV wieku. V poezja hiszpańska Powstał ruch arystokratyczny, który dążył do tworzenia „wyuczonej poezji lirycznej”, wzorowanej na literaturze włoskiego renesansu. Do tego ruchu należał największy poeta wczesnego hiszpańskiego renesansu, Garcilaso de la Vega (1503-1536). W swojej poezji Garcilaso nawiązał do tradycji Petrarki, Ariosto, a zwłaszcza słynnego włoskiego poety pastoralnego Sannazzaro. Najcenniejsze w poezji Garcilaso są jego eklogi, które w wyidealizowanej formie ukazują życie zakochanych pasterzy na łonie natury.

Teksty religijne były szeroko rozwinięte w poezji hiszpańskiej renesansu. Głową galaktyki tak zwanych poetów mistycznych był Luis de Leon (1527-1591). Mnich augustianów i doktor teologii na Uniwersytecie w Salamance, ortodoksyjny katolik, został jednak oskarżony o herezję i wtrącony do więzienia Inkwizycji, gdzie przetrzymywany był przez ponad cztery lata. Udało mu się dowieść swojej niewinności, jednak same losy poety mówią o obecności w jego twórczości czegoś więcej niż prostego powtórzenia idei religijnych. Wspaniałe teksty Luisa de Leona zawierają głębokie treści o znaczeniu społecznym. Dotkliwie odczuwa dysharmonię życia, w którym króluje „zazdrość” i „kłamstwa”, gdzie osądzają niesprawiedliwi sędziowie. Szuka zbawienia w samotnym życiu kontemplacyjnym na łonie natury (oda „błogosławione życie”).

Luis de Leon nie był jedynym poetą prześladowanym przez Inkwizycję. W jej lochach wielu poddano bolesnym torturom utalentowani synowie Hiszpanie. Jeden z tych poetów, David Abenator Malo, któremu udało się uwolnić i uciec do Holandii, tak o swoim uwolnieniu pisał: „Wyszedłem z więzienia, z grobu złamany”.

W drugiej połowie XVI w. w Hiszpanii podejmuje się próbę stworzenia epopei heroicznej. Alonso de Ercilla (1533-1594), który wstąpił do armii hiszpańskiej i walczył w Ameryce, napisał długi poemat „Araucana”, w którym chciał gloryfikować wyczyny Hiszpanów. Za wzór Ercilla wybrał klasyczny wiersz Wergiliusza „Eneida”. Ogromna, chaotyczna praca Ercilli jako całość kończy się niepowodzeniem. Jest pełen fałszywych próbek i konwencjonalnych odcinków. W „Araucanie” jedyne piękne fragmenty to te, które przedstawiają odwagę i determinację miłujących wolność Araukanów, plemienia indyjskiego, które broniło swojej niepodległości przed hiszpańskimi konkwistadorami.

Jeśli forma poematu epickiego w starożytnym stylu nie nadawała się do odzwierciedlenia wydarzeń naszych czasów, samo życie zaproponowało inny gatunek epicki, bardziej odpowiednie do ich przedstawienia. Tym gatunkiem była powieść.

powieść hiszpańska

Od początku XVI wieku. romanse rycerskie stały się powszechne w Hiszpanii. Nieokiełznana fantazja tych późniejszych dzieł literatury feudalnej odpowiadała pewnym aspektom psychologii ludzi renesansu, którzy wyruszali w ryzykowne podróże i wędrowali po odległych krajach.

W drugiej połowie XVI w. Motyw pastoralny, wprowadzony do literatury hiszpańskiej przez Garcilaso de la Vegę, rozwinął się także w formie powieści. Należy tu wspomnieć o Dianie Jorge de Montemayora (napisanej około 1559 r.) i Galatei Cervantesa (1585). Powieści te na swój sposób podejmują temat „złotego wieku”, marzenia o szczęśliwym życiu na łonie natury. Jednak najciekawszym i najbardziej oryginalnym rodzajem powieści hiszpańskiej była tzw. powieść łotrzykowa (novela picaressa).

Powieści te odzwierciedlały przenikanie stosunków pieniężnych do życia Hiszpanii, rozpad więzi patriarchalnych, ruinę i zubożenie mas.

Ten kierunek literatury hiszpańskiej rozpoczął się od Tragikomedii Kalisto i Melibei, lepiej znanej jako Celestina (około 1492). Nowelę tę (przynajmniej w głównej części) napisał Fernando de Rojas.

60 lat po pojawieniu się „Celestyny”, w 1554 r., jednocześnie w trzy miasta Pierwszy ukończony przykład powieści łotrzykowskiej, która wywarła ogromny wpływ na rozwój literatury europejskiej, słynny „Lazarillo z Tormes”, ukazał się w formie małej książeczki. Oto historia chłopca, sługi wielu panów. Broniąc swojego prawa do istnienia, Lazaro zmuszony jest uciekać się do przebiegłych sztuczek i stopniowo zamienia się w kompletnego łotra. Stosunek autora powieści do swojego bohatera jest ambiwalentny. W oszustwie widzi przejaw zręczności, inteligencji i pomysłowości niedostępnych dla ludzi średniowiecza. Ale u Lazaro wyraźnie ujawniły się także negatywne cechy nowego typu ludzkiego. Siłą książki jest szczere przedstawienie stosunków społecznych w Hiszpanii, gdzie pod sutanną i szlacheckim płaszczem kryły się najpodlejsze namiętności, ożywiane gorączką zysku.

Następcą nieznanego autora „Łazarillo z Tormes” został wybitny pisarz Mateo Aleman (1547-1614), autor najpopularniejszej powieści łotrzykowskiej „Przygody i życie łotra Guzmána de Alfarace, Strażnica” życie człowieka" Książka Mateo Alemána różni się od powieści jego poprzednika rozpiętością tła społecznego i mroczniejszą oceną nowych relacji społecznych. Życie jest absurdalne i cyniczne, mówi Aleman, pasjonuje niewidomych ludzi. Tylko przezwyciężając w sobie te nieczyste aspiracje, możesz żyć mądrze i cnotliwie. Aleman jest zwolennikiem filozofii stoickiej, odziedziczonej przez myślicieli renesansu od starożytnych autorów rzymskich.

Miguela de Cervantesa

Powieść łotrzykowska reprezentuje tę linię rozwoju literatury hiszpańskiej, która ze szczególną siłą przygotowała triumf realizmu Cervantesa.

Dzieło największego pisarza hiszpańskiego Miguela de Cervantesa Saavedry (1547-1616) – twórcy nowej literatury hiszpańskiej – powstało z syntezy wszystkich osiągnięć jej poprzedniego rozwoju. Wyniósł literaturę hiszpańską, a jednocześnie światową, na nowy poziom.

Młodość Cervantesa inspirowana była pełną przygód naturą jego czasów. Mieszkał we Włoszech, brał udział w Bitwa morska w Lepanto został schwytany przez algierskich piratów. Przez pięć lat Cervantes podejmował heroiczne próby uwolnienia się. Wykupiony z niewoli, wrócił do domu jako biedny człowiek. Widząc niemożność istnienia poprzez twórczość literacką, Cervantes został zmuszony do zostania urzędnikiem. To właśnie w tym okresie swojego życia zetknął się twarzą w twarz z prozaiczną, prawdziwą Hiszpanią, z całym światem, tak wspaniale przedstawionym w jego Don Kichocie.

Cervantes pozostawił bogate i różnorodne dziedzictwo literackie. Zaczynając od powieści pasterskiej Galatea, wkrótce zajął się pisaniem sztuk teatralnych. Jedna z nich, tragedia „Numancia”, ukazuje nieśmiertelny bohaterstwo mieszkańców hiszpańskiego miasta Numancia, walczących z rzymskimi legionami i wolejących śmierć niż poddanie się łasce zwycięzców. Bazując na doświadczeniach opowiadań włoskich, Cervantes stworzył oryginalny typ opowiadania hiszpańskiego, łączący szeroki obraz życia z nauczaniem („Opowiadania budujące”).

Ale wszystko, co stworzył, blednie w porównaniu z jego genialnym dziełem „Przebiegły Hidalgo Don Kichot z La Manchy” (1605-1615). Cervantes postawił sobie skromne zadanie - zniszczyć wpływ fantastycznych i odległych od życia powieści rycerskich. Ale ogromna wiedza życie ludowe, bystra obserwacja i genialna umiejętność uogólnień doprowadziły do ​​tego, że stworzył coś nieporównywalnie bardziej znaczącego.

Don Kichot i Sancho Pansa. Rycina ze strony tytułowej jednego z pierwszych wydań Don Kichota Cervantesa.

Don Kichot marzy o odrodzeniu czasów rycerskich w epoce, która już dawno minęła. On sam nie rozumie, że rycerskość przeżyła swój czas i podobnie jak ostatni rycerz jest postacią komiczną. W epoce feudalnej wszystko budowano w oparciu o pierwsze prawo. I tak Don Kichot chce siłą swojej ręki zmienić istniejący porządek, chronić wdowy i sieroty oraz ukarać przestępców. W rzeczywistości powoduje niepokój, powoduje krzywdę i cierpienie ludzi. „Don Kichot musiał słono zapłacić za swój błąd, sądząc, że błąd rycerski da się pogodzić ze wszystkimi ekonomicznymi formami społeczeństwa” – mówi Marks.

Ale jednocześnie motywy działań Don Kichota są ludzkie i szlachetne. Jest zagorzałym obrońcą wolności i sprawiedliwości, patronem zakochanych, miłośnikiem nauki i poezji. Ten rycerz to prawdziwy humanista. Jego postępowe ideały zrodziły się z wielkiego ruchu antyfeudalnego renesansu. Narodzili się w walce z nierównością klasową, przeciwko przestarzałym feudalnym formom życia. Ale nawet społeczeństwo, które je zastąpiło, nie mogło zrealizować tych ideałów. Bezduszny bogaty chłop, zatwardziali karczmarze i kupcy drwią z Don Kichota, jego zamiaru ochrony biednych i słabych, jego hojności i człowieczeństwa.

Dwoistość wizerunku Don Kichota polega na tym, że jego postępowe ideały humanistyczne pojawiają się w reakcyjnej, przestarzałej, rycerskiej formie.

Obok Don Kichota w powieści występuje chłopski giermek Sancho Pansa. Ograniczenia warunków życia na wsi odcisnęły na nim piętno: Sancho Pansa jest naiwny, a czasem nawet głupi, jako jedyny uwierzył w rycerskie bełkoty Don Kichota. Ale Sancho nie jest pozbawiony dobrych cech. Nie tylko zdradza swoją inteligencję, ale także okazuje się być nosicielem ludowej mądrości, którą wykłada w niezliczonych przysłowiach i powiedzeniach. Pod wpływem humanistycznego rycerza Don Kichota Sancho rozwija się moralnie. Jego niezwykłe przymioty ujawniają się w słynnym epizodzie gubernatorskim, kiedy Sancho odkrywa swoją światową mądrość, bezinteresowność i czystość moralną. W żadnym z dzieł zachodnioeuropejskiego renesansu nie ma takiej apoteozy chłopa.

Dwójka głównych bohaterów powieści ze swoimi fantastycznymi i naiwnymi koncepcjami ukazana jest na tle prawdziwej, codziennej Hiszpanii, kraju dumnej szlachty, karczmarzy i kupców, zamożnych chłopów i poganiaczy mułów. W sztuce ukazywania tej codzienności Cervantes nie ma sobie równych.

Don Kichot to największa księga ludowa Hiszpanii, wspaniały zabytek hiszpańskiego języka literackiego. Cervantes dokończył transformację dialektu kastylijskiego, jednego z dialektów feudalnej Hiszpanii, w język literacki rodzącego się narodu hiszpańskiego. Jest to dzieło Cervantesa najwyższy punkt w rozwoju kultury renesansowej na ziemi hiszpańskiej.

Luis de Gongora

W literaturze XVII w. ponure, beznadziejne nastroje coraz bardziej się pogłębiają, co odzwierciedla wewnętrzne załamanie świadomości społecznej epoki postępującego upadku Hiszpanii. Reakcję na ideały humanizmu najwyraźniej wyraziła twórczość poety Luisa de Gongora y Argote (1561-1627), który rozwinął szczególny styl zwany „gongoryzmem”. Z punktu widzenia Gongora piękne może być tylko to, co wyjątkowe, dziwnie złożone i dalekie od życia. Gonyura szuka piękna w świecie fantazji, a nawet zamienia rzeczywistość w fantastyczną dekoracyjną ekstrawagancję. Odrzuca prostotę, jego styl jest mroczny, trudny do zrozumienia, pełen skomplikowanych, zagmatwanych obrazów i hiperboli. Literacki gust arystokracji znalazł swój wyraz w poezji Gongory. Gongoryzm, niczym choroba, rozprzestrzenił się po całej literaturze europejskiej.

Franciszka de Quevedo

Największym hiszpańskim satyrykiem był Francisco de Quevedo y Villegas (1580-1645). Pochodzący z arystokratycznej rodziny Quevedo jako dyplomata brał udział w hiszpańskich intrygach politycznych we Włoszech. Poznawać reżim polityczny w posiadłościach hiszpańskich doprowadziło go do głębokiego rozczarowania. Korzystając z bliskości dworu, Quevedo przesłał Filipowi IV notatkę wierszowaną, w której prosił króla o obniżenie podatków i poprawę sytuacji ludu. Autor notatki został schwytany i uwięziony przez Inkwizycję, gdzie przez 4 lata przebywał w łańcuchach, skąd wyszedł jako fizycznie złamany człowiek. Zmarł wkrótce po uwolnieniu.

Słynna łotrzykowska powieść Quevedo „Historia życia łotra zwanego Pablos, przykład włóczęgów i zwierciadło oszustów” została najprawdopodobniej napisana w wczesny okres jego życie. Ta książka jest niewątpliwie najgłębsza powieści łotrzykowskie. Opowiadając historię syna złodzieja fryzjera i prostytutki – pechowego Pabla, Quevedo ukazuje cały system znęcania się nad dzieckiem. Wychowany w takich warunkach Pablo stał się łajdakiem. Wędruje po Hiszpanii i odkrywa przed nim potworną biedę i brud. Pablo widzi, jak ludzie oszukują się nawzajem, aby istnieć, widzi, że cała ich energia skierowana jest ku złu. Powieść Quevedo przesiąknięta jest goryczą.

W drugim okresie swojej działalności Quevedo zajął się tworzeniem pamfletów satyrycznych. Szczególne miejsce wśród nich zajmują jego „Wizje” – kilka esejów satyrycznych i publicystycznych przedstawiających obrazy zaświatów w duchu groteskowo-parodycznym. I tak w eseju „Policjant opętany przez diabła” przedstawione jest piekło, w którym pieczeni są królowie i nadworna kamarilla, kupcy i bogacze. W piekle nie ma miejsca dla biednych, gdyż nie mają oni pochlebców i fałszywych przyjaciół, ani możliwości grzeszenia. W XVII wieku Rozpoczął się proces degeneracji gatunku powieści łotrzykowskiej.

Teatr hiszpański

Hiszpania, podobnie jak Anglia i Francja, doświadczyła XVI – XVII wieku. wielki rozkwit dramatu i teatru. Treść społeczna hiszpańskiego dramatu od Lope de Vega po Kalderę to walka pełna intensywnego dramatu monarchia absolutna ze swobodami starej Hiszpanii uzyskanymi przez hiszpańską szlachtę, miasta i chłopów kastylijskich podczas rekonkwisty.

W przeciwieństwie do tragedii francuskiej, wzorowanej na antycznych wzorach, w Hiszpanii narodził się dramat narodowy, na wskroś oryginalny i popularny. Utwory dramatyczne powstawały dla teatrów publicznych. Patriotyczni widzowie chcieli zobaczyć na scenie bohaterskie czyny swoich przodków i aktualne wydarzenia naszych czasów.

Lope de Vegę

Założycielem hiszpańskiego dramatu narodowego był wielki dramaturg Lope Felix de Vega Carpio (1562-1635). Żołnierz armii „Niezwyciężonej Armady”, genialny społecznik, znany pisarz, Lopo de Vega przez całe życie pozostał osobą religijną, a na starość został księdzem, a nawet członkiem „świętej” Inkwizycji. Ta dwoistość Lope de Vega odzwierciedlała charakterystyczne cechy hiszpańskiego renesansu. Wyrażał w swojej twórczości humanistyczne aspiracje tej wspaniałej epoki, a jednocześnie Lope de Vega, czołowy człowiek swoich czasów, nie mógł zerwać z tradycjami feudalno-katolickiej Hiszpanii. Jej programem społecznym była chęć pogodzenia idei humanizmu z obyczajami patriarchalnymi.

Lope de Vega był artystą o rzadkiej płodności twórczej, napisał 1800 komedii i 400 jednoaktowych alegorycznych sztuk teatralnych (do naszych czasów zachowało się około 500 dzieł). Pisał także wiersze heroiczne i komiczne, sonety, romanse, opowiadania itp. Podobnie jak Szekspir, Lope de Vega nie wymyślał fabuły swoich sztuk. Korzystał z różnych źródeł – hiszpańskich romansów i kronik ludowych, włoskich gowelów i ksiąg starożytnych historyków. Duża grupa Sztuki Lope de Vegi składają się z dramatów historycznych z życia różnych narodów. Ma także sztukę z historii Rosji - „Wielki książę moskiewski” poświęconą wydarzeniom z początku XVII wieku.

W swoich głównych dziełach Lope de Vega przedstawia wzmocnienie władzy królewskiej, walkę królów hiszpańskich ze zbuntowanymi panami feudalnymi i hordami mauretańskimi. Ukazuje postępowe znaczenie zjednoczenia Hiszpanii, podzielając jednocześnie naiwną wiarę ludu w króla jako przedstawiciela sprawiedliwości nieklasowej, zdolnego przeciwstawić się tyranii panów feudalnych.

Wśród historycznych sztuk Lope de Vegi znajdują się dramaty ludowo-bohaterskie („Peribañez i dowódca Ocaña”, „Najlepszy Alcalde jest królem”, „Fu-ente Ovejuna”), przedstawiające relacje trzech sił społecznych - chłopów, panów feudalnych i członkowie rodziny królewskiej mają szczególne znaczenie. Ukazując konflikt chłopa z panem feudalnym, Lope de Vega stoi całkowicie po stronie chłopa.

Najlepszym z tych spektakli jest „Fuente Ovejuna” – jeden z najwspanialszych dramatów nie tylko hiszpańskiego, ale i światowego teatru. Tutaj Lone de Vega w pewnym stopniu pokonuje swoje monarchiczne złudzenia. Akcja spektaklu sięga drugiej połowy XV wieku. Dowódca Zakonu Calatrava szaleje w swojej wiosce Fuente Ovejuna (Owcze Źródło), naruszając honor chłopskich dziewcząt. Jedna z nich, Laurencia, gorącą przemową nawołuje chłopów do buntu, a ci zabijają sprawcę. Pomimo tego, że chłopi byli posłusznymi poddanymi króla, a dowódca brał udział w walce z tronem, król nakazał torturować chłopów, żądając wydania mordercy. Dopiero upór chłopów, którzy na wszystkie pytania odpowiadają słowami: „Fhonte Ovehuna to zrobił”, zmusił króla do mimowolnego wypuszczenia ich. Wzorem Cervantesa, autora tragedii „Numancia”, Lope de Vega stworzył dramat o popularnym bohaterstwie, jego sile moralnej i odporności.

W wielu swoich pracach Lope przedstawia despotyzm władzy królewskiej. Wśród nich wyróżnia się znakomity dramat „Gwiazda Sewilli”. Król tyran spotyka mieszkańców świętego głupca Sewilli, broniąc ich honoru i starożytnych swobód. Król musi wycofać się przed tymi ludźmi, uznać ich wielkość moralną. Ale społeczna i psychologiczna siła „Gwiazdy Sewilli” zbliża się do tragedii Szekspira.

Dwoistość Lope de Vegi najbardziej przejawiła się w dramatach poświęconych życiu rodzinnemu hiszpańskiej szlachty, tak zwanych „dramatach honoru” („Niebezpieczeństwa nieobecności”, „Zwycięstwo honoru” itp.). Według Lopo de Vegi małżeństwo powinno opierać się na wzajemnej miłości. Ale po zawarciu małżeństwa jego fundamenty są niewzruszone. Podejrzewając żonę o zdradę stanu, mąż ma prawo ją zabić.

Tak zwane komedie płaszcza i miecza przedstawiają walkę młodych hiszpańskich szlachciców – ludzi nowego typu – o wolność uczuć, o swoje szczęście, z despotyczną władzą ich ojców i opiekunów. Lope de Vega buduje komedię na zawrotnych intrygach, zbiegach okoliczności i przypadkach. W tych komediach gloryfikujących miłość i wolną wolę człowieka najbardziej widoczne było powiązanie Lope de Vegi z humanistycznym ruchem literackim renesansu. Ale w Lope de Vega młody człowiek renesansu nie ma tej wewnętrznej wolności, która zachwyca nas w komediach szekspirowskich. Bohaterki Lope de Vega są wierne szlachetnemu ideałowi honoru. Ich wygląd ma cechy okrutne, nieatrakcyjne, związane z faktem, że podzielają uprzedzenia swojej klasy.

Dramatopisarze szkoły Lope

Lope de Vega występuje nie sam, ale w towarzystwie całej plejady dramaturgów. Jednym z bezpośrednich uczniów i następców Lope'a był mnich Gabriel Telles (1571-1648), znany jako Tirso de Molina. Miejsce, jakie Tirso zajmuje w literaturze światowej, wyznacza przede wszystkim jego komedia „Zgorszenie Sewilli, czyli kamienny gość”, w której stworzył wizerunek słynnego uwodziciela kobiet Don Juana. Bohater sztuki, Tirso, nie ma jeszcze uroku, który urzeka nas w obrazie Don Juana wśród pisarzy późniejszych epok. Don Juan to zdeprawowany szlachcic, pamiętający feudalne prawo pierwszej nocy, uwodziciel, który dąży do przyjemności i nie gardzi żadnymi środkami, aby osiągnąć swój cel. To przedstawicielka dworskiej kamaryli, obrażająca kobiety wszystkich klas.

Pedra Calderoya

Hiszpański dramat ponownie osiągnął wyżyny w twórczości Pedro Calderona de la Barca (1600-1681). Postać Calderona jest głęboko sprzeczna. Pochodzący ze szlacheckiej rodziny arystokratycznej Calderoy był rycerzem Zakonu Świętego Iago. kapłan i kapelan honorowy króla Filipa IV. Pisał nie tylko dla teatru ludowego, ale także dla teatru dworskiego.

Świeckie sztuki Calderona bezpośrednio sąsiadują z dramaturgią Lope'a. Pisał „komedie płaszcza i miecza”, ale Calderoy osiągnął szczególną siłę realizmu w swoich „dramatach honoru”. I tak w dramacie „Lekarz jego honoru” Calderon namalował wyrazisty portret hiszpańskiego szlachcica z XVII wieku. Fanatyczna religijność i równie fanatyczne oddanie honorowi współistnieją u tego szlachcica z bezwzględną trzeźwością, jezuicką przebiegłością i zimną kalkulacją.

Dramat Calderona „Alcalde of Salamey” jest przeróbką sztuki Lope de Vegi pod tym samym tytułem. Sędzia wiejski Pedro Crespo, który ma rozwinięty zmysł własną godność i dumny ze swojego chłopskiego pochodzenia, skazał i stracił szlachetnego oficera, który zhańbił jego córkę. Walka prostego wiejskiego sędziego z gwałcicielem szlachcicem ukazana jest z wielką artystyczną siłą.

Duże miejsce w dziedzictwie Calderona zajmują dramaty religijne – udramatyzowane „życia świętych” itp. Główna idea tych sztuk jest czysto katolicka. Ale Calderon zwykle przedstawia błazna, który trzeźwo śmieje się z cudów religijnych.

Wspaniały dramat „Cudowny mag” jest bliski sztukom religijnym. Marks nazwał to dzieło „katolickim Faustem”. Bohater spektaklu jest osobą poszukującą i odważną. W jego duszy toczy się walka pomiędzy zmysłowym pociągiem do kobiety a ideą chrześcijańską. Sztuka Calderona kończy się triumfem zasady chrześcijańsko-ascetycznej, ale wspaniały artysta ukazuje pierwiastek ziemski, zmysłowy jako coś potężnego i pięknego. W tej sztuce występuje dwóch błaznów. Wyśmiewają cuda, wyrażając swą surową nieufność wobec fikcji religijnej.

Koncepcja filozoficzna Calderona znalazła odzwierciedlenie ze szczególną siłą w jego dramacie „Życie jest snem”. Wydarzenia rozgrywające się w spektaklu mają charakter nie tylko rzeczywisty, ale i symboliczny. Król Polski Bazyli, astrolog i magik, dowiaduje się, że jego nowonarodzony syn będzie łajdakiem i mordercą. Więzi swojego syna Segismundo w wieży znajdującej się na pustynnym terenie i trzyma go tam przykutego łańcuchami i ubranego w zwierzęcą skórę. Zatem Segismundo jest więźniem od urodzenia. Ten obraz młodzieńca zakutego w łańcuchy jest symbolicznym obrazem ludzkości, która jest w niewolniczej zależności od warunków społecznych. Chcąc zweryfikować słowa wyroczni, król nakazuje przeniesienie śpiącego Segismunda do pałacu. Obudzony i dowiedziawszy się, że jest władcą, Segismundo od razu ujawnia cechy despoty i złoczyńcy: grozi dworzanom śmiercią, podnosi rękę na własnego ojca. Człowiek jest więźniem, niewolnikiem zakutym w łańcuchy albo despotą i tyranem – tak myśli Calderon.

Wnioski, do których dochodzi Calderon, są fantastyczne i reakcyjne. Po powrocie do wieży Segismundo budzi się i stwierdza, że ​​wszystko, co przydarzyło mu się w pałacu, było snem. Teraz wierzy, że życie jest snem. Sen - bogactwo i bieda, władza i uległość, prawo i bezprawie. Jeśli tak jest, to człowiek musi wyrzec się swoich aspiracji, stłumić je i pogodzić się z biegiem życia. Dramaty filozoficzne Calderona - nowy typ dzieło dramatyczne, nieznane Lope de Vedze.

Calderoy łączy w swojej twórczości głęboki realizm z reakcyjnymi cechami. Wyjście z tragicznych sprzeczności rzeczywistości widzi w podążaniu za ideami reakcji feudalno-katolickiej, w kulcie szlacheckiego honoru.

Pomimo wszystkich sprzeczności właściwych literaturze hiszpańskiej XVI-XVII wieku, stworzone przez nią wartości artystyczne, zwłaszcza hiszpańska powieść i dramat, stanowią wybitny wkład w kulturę światową.

Architektura

Sztuki plastyczne również osiągnęły w tej epoce wielkie wyżyny. Po długim okresie dominacji stylu gotyckiego i rozkwicie architektury mauretańskiej w Hiszpanii w XVI wieku, obudziło się zainteresowanie architekturą włoskiego renesansu. Ale idąc za jego przykładem, Hiszpanie pierwotnie przekształcili formy włoskiej architektury.

Druga połowa XVI wieku datuje się na twórczość genialnego architekta Juana de Herrery (1530-1597), twórcy szczególnego stylu „Herreresque”. Styl ten przybiera formy architektury starożytnej. Ale nadal największe dzieło Herrera – słynny pałac Filipa II Escoriala w niewielkim stopniu przypomina tradycyjne formy architektury klasycznej.

Już sama idea Escorialu, będącego jednocześnie pałacem królewskim, klasztorem i grobowcem, jest bardzo charakterystyczna dla epoki kontrreformacji. Na mój własny sposób wygląd El Escorial przypomina średniowieczną fortecę. Jest to budowla na planie kwadratu z wieżami w narożach. Kwadrat podzielony na kilka kwadratów - to plan Escorialu, przypominający kratę (krata jest symbolem św. Wawrzyńca, któremu poświęcony jest ten budynek). Ponura, ale majestatyczna bryła El Escorial symbolizuje surowego ducha hiszpańskiej monarchii.

Motywy renesansowe w architekturze już w drugiej połowie XVII wieku. przeradzają się w coś pretensjonalnego i uroczego, a ryzykowna śmiałość form kryje jedynie wewnętrzną pustkę i bezsens.

Obraz

Malarstwo było drugą po literaturze dziedziną, w której Hiszpania stworzyła wartości o znaczeniu światowo-historycznym. To prawda, że ​​​​sztuka hiszpańska nie zna dzieł harmonicznych w duchu Malarstwo włoskie XV-XVI wiek Już w drugiej połowie XVI w. Kultura hiszpańska wydała artystę o zadziwiającej oryginalności. To Domeviko Theotokopouli, rodem z Krety, znany jako El Greco (1542-1614). El Greco przez długi czas mieszkał we Włoszech, gdzie wiele nauczył się od znanych mistrzów szkoła wenecka Tycjan i Tintoretto. Jego sztuka należy do gałęzi włoskiego manieryzmu, który pierwotnie rozwinął się na ziemi hiszpańskiej. Obrazy Greca nie odniosły sukcesu na dworze; mieszkał w Toledo, gdzie znalazł wielu wielbicieli jego talentu.

Sztuka Greco odzwierciedlała z wielką dramatyczną siłą bolesne sprzeczności swoich czasów. Sztuka ta ubrana jest w formę religijną. Jednak nieoficjalna interpretacja tematyki kościelnej dystansuje obrazy El Greco od oficjalnych szablonów sztuki kościelnej. Jego Chrystus i święci ukazują się nam w stanie religijnej ekstazy. Ich ascetyczne, wychudzone, wydłużone postacie wyginają się jak języki ognia i zdają się sięgać ku niebu. Ta pasja i głęboki psychologizm sztuki Greca przybliża go do heretyckich ruchów tamtej epoki.

Escorial. Architekt Juan de Herrera. 1563

Malarstwo hiszpańskie swój prawdziwy rozkwit przeżyło w XVII wieku. Wśród artystów hiszpańskich XVII wieku. powinniśmy wymienić przede wszystkim José Ribeiro (1591-1652). Czerpiąc z tradycji włoskiego Caravaggia, rozwija je w sposób całkowicie oryginalny i jest jednym z najwybitniejszych artystów narodowych Hiszpanii. Główne miejsce w jego dziedzictwie zajmują obrazy przedstawiające egzekucje chrześcijańskich ascetów i świętych. Artysta umiejętnie rzeźbi wystające z ciemności ludzkie ciała. Charakterystyczne jest, że Ribeira nadaje swoim męczennikom cechy ludzi z ludu. Mistrzem dużych kompozycji o tematyce religijnej, łączących w jedną całość modlitewną ekstazę i raczej zimny realizm, był Francisco Zurbaran (1598-1664).

Diego Velasqueza

Najwybitniejszy hiszpański artysta Diego de Silva Velazquez (1599-1960) pozostał do końca życia nadwornym malarzem Filipa IV. W odróżnieniu od innych hiszpańskich artystów Velazquez daleki był od malarstwa religijnego; malował obrazy rodzajowe i portrety. Jego wczesne prace to sceny z życia ludowego. Sceny mitologiczne z Velazqueza „Bachus” (1628) i „Kuźnia Wulkana” (1630) również są w pewnym sensie powiązane z tym gatunkiem. Na obrazie „Bachus” (znanym również jako „Pijacy”) bóg wina i winogron wygląda jak wieśniak i jest otoczony przez niegrzecznych chłopów, z których jednego wieńczy kwiatami. W Kuźni Wulkana Apollo pojawia się wśród półnagich kowali, którzy odeszli z pracy i patrzą na niego ze zdziwieniem. Velazquez osiągnął niesamowitą naturalność w przedstawianiu typów i scen ludowych.

Dowodem pełnej dojrzałości artysty był jego słynny obraz „Zdobycie Bredy” (1634-1635) - świąteczna scena wojskowa o głęboko przemyślanej kompozycji i subtelnej psychologicznej interpretacji twarzy. Velazquez to jeden z najwybitniejszych portrecistów na świecie. Jego twórczość cechuje rzetelna analiza psychologiczna, często bezlitosna. Do jego najlepszych dzieł należy portret słynnego faworyta króla hiszpańskiego, księcia Olivaresa (1638-1641), papieża Innocentego X (1650) itp. Na portretach Velazqueza członkowie rodu królewskiego przedstawieni są w dostojnych pozach, powaga i wielkość. Ale ostentacyjna wielkość nie może ukryć faktu, że ci ludzie są naznaczeni piętnem zwyrodnienia.

Specjalną grupę portretów Velazqueza stanowią wizerunki błaznów i dziwaków. Zainteresowanie takimi postaciami jest typowe dla hiszpańskich artystów tej epoki. Ale Velazquez wie, jak pokazać, że brzydota przynależy ludzkości tak samo jak piękno. Smutek i głębokie człowieczeństwo często błyszczą w oczach jego krasnoludów i błaznów.

Szczególne miejsce w twórczości Velázqueza zajmuje obraz „Przędzarki” (1657), przedstawiający królewską fabrykę gobelinów. Na pierwszym planie widoczne pracownice; nawijają wełnę, przędą i niosą kosze. Ich pozy charakteryzują się swobodą, ruchy są mocne i piękne. Grupę tę kontrastują eleganckie panie inspekcji manufaktury, bardzo podobne do tych tkanych na gobelinach. Promienie słońca wpadające do pracowni pozostawiają na wszystkim wesoły ślad, wnosząc poezję w ten obraz codzienności.

Malarstwo Velazqueza za pomocą swobodnych kolorowych pociągnięć oddaje ruch formy, światło i przezroczystość powietrza.

Najwybitniejszym uczniem Velazqueza był Bartolome Esteban Murillo (1617-1682). Jego wczesne prace przedstawiają sceny ulicznych jeżowców, które swobodnie i swobodnie osiedlały się na brudnej ulicy miasta, czując się jak prawdziwi mistrzowie w swoich łachmanach. Malarstwo religijne Murillo nosi znamiona sentymentu i wskazuje na początek upadku wielkiej szkoły hiszpańskiej.

* Ta praca nie jest Praca naukowa, nie jest ukończeniem studiów praca kwalifikacyjna i jest wynikiem przetwarzania, strukturyzowania i formatowania zebranych informacji, które mają służyć jako źródło materiału samokształcenie prace edukacyjne.

BOSCH JEROME — Holenderski artysta. 1460-1516

BRUEGEL PETER - holenderski artysta. 1525-1569

VAN DYCK - Artysta flamandzki. 1599-1641

VELASQUEZ RODRIGUEZ DE SILVA DIEGO – hiszpański artysta. 1599-1660

DURER ALBRECHT — Niemiecki artysta. 1471-1528

POUSSIN NICOLA jest francuską artystką. 1594-1665

REMBRANDT HARMENS VAN Rijn jest holenderskim artystą. 1606-1669

RUBENS PETER PAUL - artysta flamandzki. 1577-1640

EL GRECO - hiszpański artysta. 1541-1614

Kiedy mówią o malarstwie renesansowym, wszyscy od razu wyobrażają sobie Włochy i wielkich Włoscy mistrzowie— Leonardo da Vinci, Michał Anioł, Rafael. Ale genialni artyści pojawili się nie tylko we Włoszech. Znani malarze żyli i pracowali w niemal wszystkich krajach ówczesnej Europy.

Mały kraj – Holandia – dał światu bardzo ciekawych artystów. Historycy sztuki nazywają swoje dzieło „renesansem północnym”. Hieronim Bosch zajmuje szczególne miejsce wśród malarzy północnego renesansu.

Jego prawdziwe imię van Akena. Urodził się i pracował w małym miasteczku Bos. Prawie nic nie wiadomo o życiu Hieronima z Bos – Boscha. Holandia należała wówczas do Hiszpanii, a Bosch większość swojego życia spędził w stolicy Królestwa Hiszpanii – Madrycie.

Hieronima Boscha. Podobny wóz na siano fantastyczny świat. Zamieszkują je potwory i zdeformowane stworzenia powstałe z części ciała zwierząt, owadów i ludzi. Na ludzkich twarzach widać zazdrość, gorycz, głupotę, samozadowolenie i chciwość. Obraz „Wóz siana” powstał na podstawie przysłowia „Życie to wóz siana i każdy stara się ukraść dla siebie większą kępkę siana”. Obraz „Statek głupców” jest symbolem ludzkiej głupoty.

Ale twórczość Boscha nie jest próbą poniżenia człowieka, obsypania błotem stworzenia Boga i natury. Patrząc na obrazy tego artysty, człowiek widzi jego wady. Geniusz Boscha jest tak wyjątkowy, tak imponujący, że pod jego wpływem człowiek znacznie częściej myśli o sobie i swoich wadach, niż po nudnych moralizujących kazaniach.

Innym znanym holenderskim artystą jest Bruegel Starszy lub Muzhitsky. Ma na imię Piotr, a nazwisko to nazwa wsi, w której się urodził.

Bardzo silny wpływ Na twórczość Bruegla miał wpływ Bosch. Wczesne obrazy Bruegla powstały pod jego wpływem. Wskazują na to ich nazwy: „Walka o skrzynie i skarbonki”, „Walka Wielkiego Postu z Maslenicą”, „Święto chudych” i „Święto grubych”, „Triumf śmierci”, „Kraina Leniwych Ludzi”.

Obraz " Przysłowia flamandzkie„ – osobliwa ilustracja powiedzenia ludowe. Przedstawia kilkadziesiąt postaci, które, jak się zdaje, postanowiły obalić to, co głoszą przysłowia. Ktoś czołem próbuje przebić się przez mur, ktoś rzuca kwiaty pod nogi świń, ktoś zakopuje studnię.

Bruegel nie jest tylko naśladowcą Boscha. Trzymał w swoim wczesne obrazy ach, duch ukochanego artysty, patrzył na świat ze swojego punktu widzenia, ale własnymi oczami i odtworzył ten świat swoim pędzlem.

Twórczość Bruegla cieszyła się ogromną popularnością. Kupował je nawet król hiszpański, choć artysta nie malował portretów szlachty. Jego obrazy były wypełnione zwykłymi ludźmi i w żaden sposób nie nadawały się do dekoracji luksusowych sal pałaców.

W drugim okresie swojej twórczości Bruegel odszedł od satyrycznego przedstawiania życia. Namalował cykl dwunastu obrazów „Pory roku”, takie jak obrazy „ Chłopski taniec”, „Ślub na wsi”.

Sceny i epizody pod pędzlem wielkiego mistrza zwyczajne życie doszło do filozoficznych uogólnień. Szczególnie uderzające są jego obrazy przypowieściowe. Oto Upadek Ikara. Oracz spokojnie orze ziemię. Pasterz pasie owce, rybak łowi ryby, statki pływają po morzu. Każdy jest zajęty swoimi sprawami. A w rogu obrazu noga Ikara, który wpadł do morza. Nie zauważysz tego od razu. Ikar chciał wznieść się do słońca, jego upadek jest tragedią, katastrofą, symbolem porażki śmiałego bohatera. Ale nikt nie zauważył ani jego ucieczki, ani upadku.

Albo obraz „Artysta i koneser”. Przy sztalugach znajduje się malarz, który włożył w swoje dzieło wszystkie siły. A za nim roześmiany klient z portfelem w dłoni. Najbardziej znanym przypowieściowym obrazem Bruegla jest „Ślepiec”.

Przypomina nam to słowa z Biblii: „Jeśli ślepy prowadzi ślepego, obaj wpadną do dołu”. Sześciu niewidomych mężczyzn, trzymając się nawzajem, idzie Bóg wie dokąd. Ich ślepy przewodnik spadł już z urwiska, drugi też zaraz spadnie, reszta nie widząc co im grozi, idzie za nimi. Patrząc na to zdjęcie, człowiek myśli o sobie, kto nie wie jutro, i o całą ludzkość, która po tysiącleciach wciąż nie potrafi odpowiedzieć na pytanie filozofów greckich: „Kim jesteśmy, skąd przychodzimy i dokąd zmierzamy? »

Bruegel miał wiele pseudonimów. Ze względu na swój wiek nazywany był Bruegelem Starszym – w przeciwieństwie do swoich synów, którzy również stali się sławnymi artystami. Według pochodzenia wiejskiego - Bruegel Muzhitsky. W niektórych kronikach nazywany był Bruegelem Śmiesznym – na podstawie treści jego wczesnych obrazów. Można go słusznie nazwać Bruegelem Filozofem. A raczej powiedział o nim jeden z krytyków sztuki, nazywając go Bruegelem I Wielkim.

Do twórczości Petera Rubensa należy również Renesans północny. Rubens urodził się w rodzinie starszego miasta Antwerpii. Ojciec Rubensa był protestantem i przed prześladowaniami katolików musiał uciekać do Niemiec, do Kolonii. W Kolonii znalazł się pod opieką księcia Wilhelma Orańskiego, zwolennika protestantyzmu. Żona księcia patronowała uciekinierowi, a książę z zazdrości najpierw wtrącił go do więzienia, a następnie zesłał do niemieckiego miasta Nassau, gdzie urodził się Peter Paul Rubens. Po śmierci ojca Rubens wraz z matką powrócili do Flandrii – jak wówczas nazywano część współczesnej Belgii – do Antwerpii.

Przyszły artysta ukończył szkołę jezuicką, a matka przekazała go jako pazia hrabinie Laleng. Służba u szlachcianki dała mu możliwość opanowania świeckich zwyczajów i nauczenia się zachowań w wyższych sferach. Po kilku latach malowania Rubens odwiedził Włochy. Nie dążył do kreatywności, ale po prostu kopiował obrazy znanych włoskich mistrzów.

Po powrocie do ojczyzny został nadwornym malarzem władców południowej Holandii, infantki Izabeli i arcyksięcia Alberta. Wielkie malarstwo włoskie rozbudziło w nim artystę. Zaczął malować, łącząc umiejętności nabyte podczas długich ćwiczeń z pogodnym duchem ukochanej ojczyzny.

Obrazy Rubensa są hymnem radości życia. To nie przypadek, że dużo pisał na tematy mitologiczne. Są to „Sąd Paryża”, „Diana na polowaniu”, „Bachus”. Ale nawet obrazy, na których stworzył tematy biblijne, wypełnione aniołami i świętymi, którzy są bardziej podobni pogańscy bogowie- Wenus i Apollo. Krytycy sztuki stawiają Rubensa na równi z geniuszami włoskiego renesansu: Leonardem da Vinci, Michałem Aniołem i Rafaelem. Pisali, że klarowność kompozycji wziął od Leonarda, siłę i temperament od Michała Anioła, a delikatność barw od Rafaela.

Rubens pracował bardzo ciężko. Aby udekorować Pałac Luksemburski w Paryżu, stworzył serię obrazów Życie Marii Medycejskiej z wizerunkami francuskiej królowej Marii Medycejskiej, króla Henryka IV i króla Ludwika XIII. Pałace królów hiszpańskich i angielskich ozdobione są portretami jego dzieł.

W wieku pięćdziesięciu trzech lat Rubens owdowiał - zmarła jego żona. Kilka lat później artysta już w średnim wieku zakochał się namiętnie w szesnastoletniej piękności Elenie Fourman i poślubił ją.

Rubens i jego młoda żona wiedli szczęśliwe życie małżeńskie. Artysta ubóstwiał swoją ukochaną. Stworzył ponad dwadzieścia jej portretów. A takie jej obrazy jak „Portret Eleny Fourman z dziećmi” i „Futro” uważane są za szczyty malarstwa światowego.

W ciągu swojego życia Rubens namalował ogromną liczbę obrazów – około trzech tysięcy. I każdy z nich wszedł w złote tło; malarstwo świata. Sam Rubens nie byłby w stanie namalować tak wielu obrazów. W jego warsztacie pracowało wielu zdolnych uczniów. Rubens sporządził szkic przyszłego obrazu, jego uczniowie go namalowali, a Rubens następnie ukończył pracę.

Tylko jeden z tych uczniów został niezależnym malarzem.

Nazywał się Van Dyck. Osiągnął szczyty mistrzostwa i stał się słynny portrecista arystokraci i królowie różne kraje Zamawiali u niego portrety, ale najsłynniejszym był jego autoportret.

Van Dyck był bardzo przystojny. Romantyczne przygody miłosne przyniosły mu nie mniejszą sławę niż talent artystyczny.

Nazwisko Rembrandta dorównuje geniuszom północnego renesansu.

Był synem prostego młynarza z małego holenderskiego miasteczka Leiden. Jego trzej bracia otrzymali zawód zwykłego rzemieślnika. Kiedy Rembrandt dorósł, interesy jego ojca szły tak dobrze, że postanowił kształcić czwartego syna. Rembrandt wstąpił do szkoły łacińskiej, której uczniowie kontynuowali naukę na uniwersytecie. Młody człowiek nie błyszczał sukcesem w nauce. Pociągało go malarstwo, ojciec musiał się poddać i wysłać go do pracowni artysty.

Po opanowaniu umiejętności i technik malarza Rembrandt przeniósł się do największego i najbogatszego miasta Holandii - Amsterdamu. Pierwsze pomyślnie zrealizowane zamówienie - portret zbiorowy doktora Tulpa i jego współpracowników - przywieziono do młodego artysty sława i pieniądze.

Rembrandt poślubił córkę bogatego prawnika, Saskię, i żył szczęśliwie i beztrosko przez siedem lat. Malował obrazy o tematyce biblijnej - „Oślepienie Samsona”, „Adoracja Trzech Króli”, „Chrystus z uczniami”, „ Święta Rodzina» i na tematy starożytne mity greckie- „Danae”, „Ganimedes”. Rembrandt bardzo kochał swoją żonę i nieustannie ją malował.

Niespodziewana śmierć Saskii wywarła na artystę bardzo silny wpływ. Stopniowo stawał się coraz biedniejszy. Musiał wyprzedać swoją kolekcję obrazów i rarytasów. Ogłoszono go niewypłacalnym dłużnikiem i do końca swoich dni Rembrandt żył w skrajnej potrzebie.

Powodem biedy było to, że Rembrandt nie chciał zadowolić swoich klientów. Wszystko zaczęło się od obrazu „Nocna straż”. Tak nakazali funkcjonariusze straży miejskiej. Każdy z nich chciał zobaczyć siebie na pierwszym planie w jak najlepszej pozie. Rembrandt nie namalował oficjalnego, uroczystego, zbiorowego portretu, ale obraz narracyjny. Oddział straży miejskiej wyrusza na akcję. Wszystko jest w ruchu. Część funkcjonariuszy znajdowała się na pierwszym planie, część w tle, część była widoczna w pełnej wysokości, a część ginęła wśród innych postaci. Dziewczynka z kurczakiem, która jakimś cudem znalazła się na zdjęciu, przyciąga więcej uwagi niż którykolwiek z funkcjonariuszy, którego twarz również niemal zakrywa dłoń innego strażnika.

Klienci zażądali przerobienia obrazu. Rembrandt odmówił. Przecież jako artysta osiągnął to, czego chciał - przekazał nastrój, uczucia, stworzył ciekawe i żywe postacie. Funkcjonariusze odmówili wypłaty pieniędzy.

Po tym incydencie Rembrandt otrzymywał rozkazy coraz rzadziej. A on zdawał się tego nie zauważać. Artysta zapraszał do swojej pracowni miejskich żebraków, starców i staruszki i z entuzjazmem malował ich portrety. Nie był już zainteresowany zapłatą za pracę - pochłonęła go chęć namalowania portretu, aby twarz osoby odzwierciedlała jego duszę. Artysta w swoich obrazach stał się filozofem, stracił klientów, pieniądze i zyskał nieśmiertelną sławę. Minie sto, dwieście lat, portret starej żebraczki wykonany jego pędzlem będzie ceniony wyżej niż jakikolwiek inny portret króla.

Jeden z najnowsze prace Rembrandt - obraz „Powrót syn marnotrawny„na temat przypowieści biblijnej. Przypowieść opowiada o tym, jak syn opuścił ojca i braci. Z dala od domu oddawał się hulajnogom i roztrwonił swój udział w spadku. Aby się wyżywić, musiał zatrudnić się jako pasterz świń i jeść z koryta dla świń. Pokutując, wrócił do swego ojca, a on przebaczył mu i przyjął do domu swoich rodziców. Obraz ten ucieleśnia wszystko, co Rembrandt osiągnął w swoich czasach. długie lata szuka i pracuje. Jest postrzegany jako symbol ścieżki życiowej każdego człowieka i biografii samego artysty.

Słynnym mistrzem renesansu jest Albrecht Durer. Urodził się w Niemczech, w mieście Norymberga, w rodzinie jubilera. Jego umiejętności nauczył go ojciec. Zostając rytownikiem, Albrecht zainteresował się rysunkiem. Po czterech latach podróży i zapoznania się z twórczością najlepszych artystów Albrecht Dürer wrócił do rodzinne miasto, ożenił się z córką bogatego mechanika i otworzył własny warsztat.

Jego ryciny przyniosły mu sławę. Cesarz niemiecki nakazał władzom miasta płacić artyście 100 guldenów rocznie, aby mógł pracować i podróżować. Po wizycie we Włoszech Dürer spotkał się z Raphaelem i podarował mu swój autoportret. Rafał był zachwycony swoimi umiejętnościami.

Najsłynniejszą ryciną Durera jest „Czterech jeźdźców” z cyklu Apokalipsa. Apokalipsa – przetłumaczona z greckiego jako „objawienie” – to jedna z ksiąg Nowego Testamentu opowiadająca o końcu świata. Rycina przedstawia zarazę, wojnę, głód i śmierć, których przeznaczeniem jest zniszczenie większości ludzkości.

Ryciny Durera wykonane są z matematyczną precyzją. Artysta był autorem kilku traktatów: „O malarstwie”, „O pięknie”, „O proporcjach” oraz książek o fortyfikacji – nauce o budowie fortyfikacji.

Dzieła rytownika Durera uważane są za szczyt sztuki grawerskiej. Ale Dürer zasłynął także jako malarz. Wśród jego pędzli znajduje się kilka słynnych autoportretów oraz obrazy charakteryzujące się niezwykłym nasyceniem barw. Po ich sukcesie Dürer z dumą napisał do przyjaciela: „Uciszyłem wszystkich malarzy, którzy mówili, że umiem grawerować, ale nie radzę sobie z farbą w malarstwie. Teraz wszyscy mówią, że nie widzieli więcej piękne kolory ».

Ryciny i obrazy Dürera zadziwiają doskonałą dokładnością. Do historii malarstwa zapisał się jako twórca, który tęczę barw i wyrazistość linii sprawdzał kompasem i wzorem matematycznym.

Hiszpania w okresie renesansu nadała światu imiona wielkich malarzy El Greco i Velazqueza.

El Greco urodził się na greckiej wyspie Krecie. Naprawdę nazywa się Domenico Theotocopouli. Malarstwa uczył się u greckich malarzy ikon. Następnie przez pewien czas pracował w pracowni Tycjana w Wenecji i mieszkał w Rzymie. Następnie El Greco wyjechał do Hiszpanii, gdzie namalował wszystkie swoje słynne obrazy.

Już w Rzymie El Greco stał się sławnym artystą i przepowiadano mu wspaniałą przyszłość. Według legendy musiał opuścić Rzym z powodu nadmiernej dumy i arogancji. Kiedyś w rozmowie o tym, że freski Kaplica Sykstyńska, namalowane przez Michała Anioła, są nie tyle chrześcijańskie, co pogańskie w duchu, El Greco powiedział wśród artystów, że gdyby zeskrobać te freski, stworzyłby inne, które nie byłyby im gorsze pod względem malarstwa i znacznie wyższe pod względem duchowym. Takie stwierdzenie najpierw zszokowało wszystkich obecnych, a następnie wywołało śmiech i pogardę. Wszyscy artyści i eksperci zatrzymali się

nawiązał kontakt z odważnym młodzieńcem i opuścił Rzym w nadziei, że zostanie nadwornym malarzem hiszpańskiego króla.

W Madrycie czekało go rozczarowanie – królowi nie spodobały się dzieła odwiedzającego malarza. El Greco osiadł w starej stolicy Hiszpanii, Toledo, która właśnie została opuszczona przez króla.

Tutaj otrzymał zlecenie namalowania obrazu przedstawiającego Jezusa Chrystusa przed ukrzyżowaniem na ołtarz głównej świątyni Toledo – katedry w Espolio. Zdjęcie miało niesamowity sukces. Autorowi zamówiono siedemnaście egzemplarzy.

Aby zobaczyć arcydzieło, przybyli artyści z całej Hiszpanii. Niezwykłe malowanie El Greco ich zadziwił. Wydłużone postacie, jakby odbite w wodzie; powiększone, ikonograficzne oczy; kolory fioletowy, liliowy, perłowo-szary w połączeniu z czerwienią; Upiorne, jakby przed burzą, migoczące oświetlenie zahipnotyzowało publiczność.

El Greco do końca swoich dni mieszkał w Toledo. Malował obrazy o tematyce biblijnej i pozostawił po sobie wiele portretów. Wszystkie jego prace wykonane są w tym samym niezwykłym stylu. Być może nie przewyższył Michała Anioła, ale mimo to stworzył swój własny, niepowtarzalny obraz, mocny, namiętny i tajemniczy.

Przez całe swoje życie El Greco był czczony jako największy Hiszpański artysta. Po śmierci został zapomniany i przypomniany czterysta lat później, kiedy XX-wieczni malarze odkryli go na nowo i wykorzystali jego techniki jako podstawę nowych nurtów w sztuce.

Inny hiszpański geniusz, Velazquez, swoje pierwsze kroki w sztuce zaczął stawiać dopiero w chwili śmierci El Greco. Jego nauczyciel był miłośnikiem malarstwa włoskiego, a zwłaszcza Rafaela.

Velazquez osiągnął najwyższy poziom umiejętności. Mówią, że Francuski poeta Théophile Gautier, widząc po raz pierwszy jeden z obrazów Velazqueza, zapytał: „Gdzie jest obraz?” - poeta albo rzeczywiście pomylił obraz z rzeczywistością, albo tymi słowami chciał wychwalać talent Velazqueza. A Papież, widząc swój portret, wykrzyknął: „To prawda!” Velazquez nie był łatwy dobry artysta, jego pędzel ujawnił wewnętrzną esencję osoby, nawet jeśli chciał ją ukryć.

Przez prawie czterdzieści lat Velazquez był nadwornym malarzem króla hiszpańskiego i otrzymał tytuł marszałka. Malował portrety dworzan i członków rodziny królewskiej. Wśród jego obrazów znajduje się cała seria portretów krasnoludów i błaznów.

Podczas podróży po Włoszech Velazquez wziął udział w konkursie malarskim odbywającym się w Rzymie. Decyzją samych artystów Velazquez został uznany za zwycięzcę. W ten sposób hiszpański mistrz zyskał uznanie w ojczyźnie malarstwa. Znane obrazy Velazquez – „Las Meninas” (druhny), malarstwo historyczne„Kapitulacja Bredy”, „Wenera przed lustrem”, „Przędzarki”.

Po śmierci artysty na jego nagrobku wyryto napis: „Malarz Prawdy”.

Malarstwo średniowiecza i renesansu we Francji nie miało takiego rozwoju jak we Włoszech, Holandii, Niemczech i Hiszpanii. Ale Francja dała światu malarza, którego twórczość zapoczątkowała pojawienie się nowego kierunku w sztuce - klasycyzmu.

Tym malarzem jest Nicolas Poussin. Urodził się w rodzinie żołnierza, który po długie wojny Protestanci i katolicy stali się chłopami. Poussin od dzieciństwa lubił rysować i malować. Nie miał pieniędzy na edukację, uciekł z domu z podróżującym malarzem i po pewnym czasie znalazł się w Paryżu. Młody człowiek często musiał chodzić głodny.

Ale po drodze natknął się dobrzy ludzie. Zaprzyjaźnił się z kustoszem królewskich zbiorów sztuki i biblioteki i otrzymał możliwość kopiowania obrazów włoskich mistrzów. Poussin marzył o pracy we Włoszech.

Głodny, bez pieniędzy i chory wrócił do swojej wioski, pracował niestrudzenie, dwukrotnie próbował dostać się do Rzymu i dopiero za trzecim razem osiągnął swój cel – znalazł się w stolicy malarstwa. Tutaj miał szczęście - został przedstawiony kardynałowi Barberini, patronowi artystów i poetów. Rozkazy kardynała pomogły Poussinowi stanąć na nogi.

Czas mijał, a dzieła francuskiego mistrza zyskały sławę. Zaproponowano mu, że zostanie księciem Akademii Sztuk. Król Francji Ludwik XIII za radą kardynała Richelieu zaprosił Poussina do Paryża i nadał mu tytuł pierwszego malarza królewskiego. Powierzono mu malowanie pałacu królewskiego – Luwru, który później stał się muzeum, magazynem wartości artystyczne Francja. Król otoczył słynnego malarza honorami, a nawet podarował mu mały pałac. Syn biednych chłopów, który potajemnie uciekł z domu i umarł z głodu w Paryżu, osiągnął wszystko, o czym tylko mógł marzyć. Jednak życie dworskie i intrygi rywali uniemożliwiły mu pracę.

Poussin poprosił króla o wyjazd i udanie się do Rzymu. Podczas jego nieobecności zmarł Richelieu, a następnie sam Ludwik XIII. Na dworze zapomniano o Poussinie, a on do końca życia mieszkał w Rzymie. Skromne dochody i owocną pracę malarza przedłożył ponad bogactwo i zaszczyty. Poussin malował głównie pejzaże i obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej. Szczególnie znane są pejzaże „Pory roku” oraz obrazy „Królestwo Flory” i „Pasterze Arkadyjscy”.

Płótna Poussina są zrównoważone i majestatyczne. Bohaterowie są szlachetni, kolory są harmonijne. Styl, który stworzył Poussin, nazwano klasycyzmem, od słowa „klasyczny”. Klasyczne, od łacińskiego słowa „klasa” - „ranga”, nazywano dziełami pierwszej kategorii, czyli najlepszymi.

Późniejsi naśladowcy Poussina, tworzący dzieła według praw klasycyzmu, okazali się jedynie sumiennymi rzemieślnikami, którym nie udało się tchnąć życia w swoich bohaterów. Od tego czasu „klasycyzm” często oznacza zimne trzymanie się poprawnych, ale nudnych modeli, a obrazy twórcy klasycyzmu Poussina jeszcze nie wyblakły i słusznie zaliczają się do skarbnicy malarstwa światowego.