Wystawa z Watykanu w kolejce galerii Trietiakowskiej. Specjalne na wystawie watykańskiej w Galerii Trietiakowskiej

Historia i zbiory Muzeów Watykańskich

Terytorium Watykanu przypomina skrzynię ze skarbami, która może nagle się zamknąć. Dokładnie to dzieje się podczas ważnych ceremonie, kiedy granice państwa-miasta stają się nieprzeniknione nie tylko dla turystów, ale także dla policji. Ogromny kompleks muzealny stopniowo zapełniała się eksponatami. Na przestrzeni kilku stuleci kolejni papieże zakładali jedno muzeum za drugim. Gregoriański Etrusków – przez papieża Grzegorza XVI w 1837 r., Pio Cristiano – Piusa IX w 1854 r., Pinakotekę Watykańską, w której znajdują się malownicze arcydzieła Rafael, Filippo Lippi, Cranach, Tycjan, Caravaggio, – Pius VI w XVIII w. W tym samym stuleciu większość kolekcja trafiła do stolicy Francji za sprawą Napoleona. Po 18 latach obrazy wróciły do ​​ojczyzny. Muzeum rzeźba antyczna Chiaramonti zostało założone przez Piusa VII. Kaplica Sykstyńska – wyjątkowy zabytek renesansu – została wzniesiona w r koniec XVIII wiek. Jedno z najmłodszych muzeów, Muzeum Historyczne, powstało dzięki decyzji Pawła VI w 1973 roku.

Koncentracja arcydzieł na metr kwadratowy Tutejsza przyroda jest taka, że ​​nie da się obejść i dokładnie przyjrzeć się każdemu z nich w ciągu jednego dnia. Planując wycieczkę warto pamiętać o istnieniu weekendów i świąt, możliwości zakupu biletów wstępu przez Internet, a nie w długiej kolejce przy wejściu.

Kaplica Sykstyńska

Kaplica Sykstyńska otrzymała swoją nazwę na cześć papieża Sykstusa IV, który zainicjował jej budowę. To nie tylko unikalny zabytek renesansu, ale także miejsce konklawe (wyborów kolejnego papieża). Wizualnie skromna prostokątna budowla, przypominająca fortecę, wewnątrz zachwyca niezrównanym pięknem malowideł ściennych wykonanych przez Botticellego, Ghirlandaio, Pinturicchio, Rosselli, Perugino oraz siłą dzieł Michała Anioła – ogromnej lampy sufitowej i fresku ołtarzowego. Sąd Ostateczny" Otrzymane w 1508 roku zaproszenie Juliusza II do prac nad dekoracją wnętrz Kaplicy Sykstyńskiej początkowo zniechęciło genialnego rzeźbiarza, który sam nie myślał o malowaniu silny punkt twój talent. Michał Anioł wykonał niesamowitą pracę, dekorując majestatyczne sklepienie freskami, których powierzchnia wynosi około 540 metrów kwadratowych. m. Niemal bez pomocy z zewnątrz, na „latających rusztowaniach” na konsolach przymocowanych do ścian kaplicy, po 4 latach mistrz ukończył swoje arcydzieło. Miesiącami w napiętej pozycji, odchylając się do tyłu, rozwijając wole z powodu braku jodu w miejscowym woda pitna- Michał Anioł poświęcił swojej pracy wiele sił i zdrowia. Na środku sufitu znajduje się słynny fresk „Stworzenie Adama”. Palec wskazujący Bóg już wkrótce dotknie ręki Adama, dając mu energia życiowa. Zarys płaszcza otulającego Stwórcę i anioły przypomina mózg. To podkreśla zaangażowanie wyższego umysłu w pojawienie się Adama. Szczególnej wyrazistości obrazu nadają umieszczone obok każdego z fresków ignudi (nagie postacie).

Sąd Ostateczny

Po 29 latach w kaplicy pojawi się okazały fresk ołtarzowy „Sąd Ostateczny” opowiadający o drugim przyjściu Chrystusa, otwierającym drogę do nieba sprawiedliwym i karzącym tych, którzy popełnili zło w piekle. Tragiczne dzieło zmarłego Michała Anioła ukazuje jego rozczarowanie ideami reformacji i agresywnym postępem protestantyzmu. Jedną z głównych tajemnic fresku jest autoportret genialnego rzeźbiarza na obdartej ze skóry żywej skórze św. Bartłomieja. Według jednej z hipotez wzrok Chrystusa skierowany jest na twarz artysty, gdyż w tym momencie właśnie na nim dokonuje się sąd Boży.

Zwrotki Rafaela

Jeden z głównych skarbów Muzeów Watykańskich – Stanze di Raffaello Rafaela – swój wygląd zawdzięcza temu samemu Juliuszowi II. Kontrowersyjna osobowość, mądry i przebiegły polityk, dowódca, który przyczynił się do zjednoczenia Włoch i rozkwitu sztuki. Nazywano go Groźnym na długo zanim podobny przydomek pojawił się wśród wściekłego i niezwykle wykształconego cara Rosji, który miał wiele wspólnego z Juliuszem. Dzięki Papieżowi w Watykanie pracowali najlepsi artyści, architekci i rzeźbiarze: Donato Bramante, który zaprojektował Belweder, Bazylikę św. Piotra, Tempietto, Michał Anioł, który stworzył cud w Kaplica Sykstyńska, romantyczny florencki Sandro Botticelli. 25-letni Rafael za namową Bramantego został zaproszony do dekoracji rezydencji papieskiej w Pałacu Watykańskim. Tak wyglądały pokryte freskami pokoje Rafaela – cztery małe sale. Nad trzema z nich pracował sam mistrz. Po śmierci Rafaela jego uczniowie zajęli się projektowaniem czwartego. Postawione przez artystę zadanie gloryfikacji Kościoła i samego papieża zostało znakomicie zrealizowane podczas pracy nad papieskim gabinetem – Stanza della Segnatura. Jej freski zostały harmonijnie połączone różne stronyżycie duchowe: filozofia i poezja, teologia i sprawiedliwość. Obydwa są wzniosłe i świeckie. Z głębi wieków patrzą na osobę wchodzącą do sali najwięksi filozofowie i naukowcy – Platon, Pitagoras, Arystoteles, Sokrates, Ptolemeusz (at słynny fresk„Szkoła ateńska”), niesamowici poeci - Dante, Homer, Safona, Petrarka („Parnas”). Na fresku „Spór”, wywyższającym wiarę, znajdują się twarze Jana Chrzciciela, Chrystusa i Boga Ojca.

Pio-Clementino

„Pio Clementino” to zbiór cennych rzeźb antycznych. Oto 500-letni przystojny Apollo Belvedere oraz tragiczna grupa rzeźb „Laokoon i Synowie”, posąg dzielnego Perseusza z odciętą głową Meduzy w lewej ręce i klęczącą Wenus, na którą niewidzialna służąca wylewa niewidzialną wodę. W popularnej sali dla zwierząt znajduje się wiele realistycznych i wyrazistych rzeźb naszych młodszych braci. Sala Rotundowa z dużą porfirową misą, posągami bogów w niszach i luksusowymi rzymskimi mozaikami na podłodze.

Muzea Watykańskie przedstawiają starożytne i starożytne freski mapy geograficzne, ogromne gobeliny, starożytne sarkofagi, dzieła sztuki z Starożytny Egipt, skarby Bazyliki św. Piotra, bezcenne rękopisy Watykanu biblioteka apostolska. W pawilonie powozowym - różnorodne pojazdy, którymi papieże w różnych stuleciach przemieszczali się po swojej rezydencji i poza nią: palankiny, powozy, „papamobile”.

Pinakoteka jest jedną z największe zbiory malarstwo, głównie włoskie, o tematyce religijnej. Prezentuje dzieła Leonarda da Vinci, Tycjana, Caravaggia, Crivellego, Giotta, Belliniego. W pokoju Rafaela - prace zapisane różne okresy jego krótkie życie („Przemienienie”, „Koronacja Marii”, „Madonna di Foligno” itp.) oraz dziesięć wspaniałych arrasów stworzonych według jego szkiców na zlecenie papieża Leona X.

Katedra Świętego Pawła

Z zewnątrz Bazylika Świętego Piotra jest wizytówka Watykan. To gigantyczna budowla z ogromną owalną kopułą, która znajduje się u podnóża placu publicznego. Swego czasu papież Juliusz II chciał zbudować katedrę religijną, która przyćmiłaby nie tylko świątynie pogańskie, ale także przewyższyła europejskie kościoły chrześcijańskie. Tak, od spodu zręczne ręce Grupa architektów ożywiła katedrę pod wezwaniem św. Piotra. W budowie budowli i jej dekoracji uczestniczyli Bernini i Bramante, Michał Anioł i Rafael. Nazwiska te od dawna są znane światu dzięki talentowi i niezwykłej wizji, która znalazła wyraz w dziełach rzeźby i malarstwa.

Jak się tam dostać

Katedra jest diecezją papieską i uważana jest za główną z czterech wzniesionych bazylik. Budynek zlokalizowany jest w centrum Watykanu, przy Placu Św. Piotra o tej samej nazwie. Można tam dojechać taksówką, transport publiczny lub metrem. Będziesz jednak musiał przejść kawałek od stacji. Ale podczas tej pieszej wycieczki będziesz miał okazję podziwiać niezwykłą architekturę miasta, która ucieleśnia najbardziej uderzające elementy wszystkich stylów minione stulecia. Wejście od placu przez drzwi wejściowe.

Katedra przyjmuje turystów przez cały tydzień, siedem dni w tygodniu. I w wakacje Oprócz zapoznania się z eksponatami można osobiście podziwiać oryginalne procesje religijne katolickie. Zwiedzający mogą wchodzić do budynku w godzinach od 07:00 do 18:00. W okresie od 1 kwietnia do 31 września każdego roku Katedra wydłuża swoją pracę o godzinę i kończy o 19:00.Wstęp do budowli jest dla wszystkich całkowicie bezpłatny.

Oprócz indywidualnej wizyty w instytucji i spotkania z cenne eksponaty Istnieje możliwość rezerwacji wycieczki grupowej. Można to zrobić przez Internet lub bezpośrednio przychodząc do Katedry. Doświadczeni przewodnicy zwrócą Twoją uwagę na najcenniejsze przykłady kultury i opowiedzą o historii ich powstania, wartości kulturowej, a także historii nabycia. Wiele eksponatów wiąże się z cudownymi legendami i tajemnicze historie którymi przewodnicy się z Tobą podzielą.

Funkcje muzeum

Muzeum Bazyliki Św. Piotra nie jest oddzielnym budynkiem czy salą. Cały obiekt to bogata kolekcja arcydzieł malarstwa, rzeźby, starożytnych rękopisów, nagrobków i ołtarzy. Wszystkie próbki są na bieżąco umieszczane w Katedrze i udostępniane do wglądu. zwykły człowiek. Każdy z eksponatów jest przykładem starożytnej sztuki sakralnej, dlatego służą nie tylko do kontemplacji, ale także podczas obrzędów katolickich.

Biorąc pod uwagę, że w pracach nad konstrukcją brali udział znani włoscy malarze i rzeźbiarze, ich prace zajmują szczególne miejsce. W szczególności jedyna w swoim rodzaju rzeźba, urodzona pod rękami Michała Anioła, zajęła honorowe miejsce w sali katedry. Jest to postać Opłakiwania Chrystusa. Nie tylko nie ma ono kopii ani odpowiedników, ale jest też jedynym dziełem, na którym rzeźbiarz pozostawił swój podpis.

Znajduje się tu także „Pomnik św. Weroniki”, stworzony przez mistrzynię Francescę Mochi wyjątkowe dzieło rzeźby. To niezwykle trafny obraz kobiety pełna wysokość, który zdobił jedną z wewnętrznych kopuł katedry.

Oprócz arcydzieł rzeźby, należy zwrócić uwagę na freski, mozaiki i gobeliny, które powstały na potrzeby inkrustacji budowli i są jedynymi podobnymi dziełami włoskich malarzy XVI wieku.

Muzeum Katedralne na to zasługuje bliska Uwaga odwiedzających, gdyż to nie tylko bogaty magazyn próbek kultura religijna, ale także pozostaje obecną instytucją katolicką, która zadziwia trafnością przestrzegania starożytnych kanonów i tradycji.

Moskwa nigdy wcześniej nie widziała takiej wystawy. W Galeria Trietiakowska przywiózł z Watykanu 42 płótna Pinakoteka. I według zastępcy dyrektora Muzeum Watykańskie Barbary Yatta stanowiło to 10% kolekcji eksponowanej w Muzeum Watykańskim.

Pomysł zorganizowania takiej wystawy zrodził się kilka lat temu. I tak jak powiedział reżyser Galeria Trietiakowska Zelfira Tregulova, wyszła od prezydenta Rosji Władimira Putina i papieża Franciszka.

„Pomysł był taki, aby zaprezentować dwie wystawy w Rosji i Watykanie. Zbiory Muzeów Watykańskich zostaną pokazane w Moskwie, a wystawa ze zbiorów muzeów rosyjskich zostanie pokazana w Watykanie. Ponieważ Rosyjska wystawa składała się z 90% dzieł znajdujących się w zbiorze Galeria Trietiakowska logicznie rzecz biorąc, wystawa z Watykanu powinna otworzyć się w tych murach” – Tregulova wyjaśniła wybór lokalizacji wystawy. Zaznaczyła też, że ta wystawa mogła w ogóle nie powstać.

Melozzo degli Ambrosi. „Anioł grający na altówce”

Fundusze na kosztowny projekt muzeum miał początkowo zapewnić Watykan. Jednak w ostatniej chwili zdecydowano się przekazać pieniądze na pomoc dzieciom z Syrii. Wtedy na ratunek przyszedł przedsiębiorca Alisher Usmanov. W jego fundacji „Sztuka, nauka i sport” Nie podają kwoty wydanej na wystawę, ale zauważają, że nie jest to pierwszy projekt muzealny wspierany przez Usmanova. Wcześniej miliarder sponsorował wystawy Williama Turnera i prerafaelitów w Muzeum Puszkina im. A. S. Puszkina, a także ekspozycje „Whistler i Rosja” V Galeria Trietiakowska.

Dla dobra wystawy „Roma Aeterna. Arcydzieła Pinakoteki Watykańskiej. Belliniego, Rafaela, Caravaggia” niektóre obrazy zostały porzucone Pinakoteka Pierwszy. Z Muzeów Watykańskich nigdy wcześniej nie wywożono obrazów w takich ilościach. W trzech salach Galeria Trietiakowska osiedlił się obrazy, powstały od XII do XVIII wieku. „Jesteśmy przekonani, że dla świata coraz bardziej spolaryzowanego i coraz bardziej rozdzieranego konfliktami sztuka, zwłaszcza o tematyce religijnej, daje nadzieję” – powiedział przybyły do ​​Moskwy kardynał Giuseppe Bertello, prezydent gubernatorstwa Państwa Watykańskiego .

Kurator wystawy Arkady Ippolitow zauważył, że z oczywistych powodów przywiózł freski do Moskwy "Kaplica Sykstyńska" a zwrotki Rafaela były niemożliwe. Ale poza tym do Moskwy przybyły „arcydzieła, superarcydzieła, a nawet supersuperarcydzieła”. Pierwszą salę wystawy otwiera rzadka ikona „Chrystus Błogosławiciel” XII wiek, będący analogią starożytnych rosyjskich wizerunków Zbawiciela Wszechmogącego. A obok jest obraz „Święty Franciszek z Asyżu” Margaritone d'Arezzo, zawarta we wszystkich podręcznikach historii sztuki. Jest to jeden z najwcześniejszych wizerunków świętego, wykonany po jego kanonizacji w 1228 roku. I to właśnie jego imię wybrał obecny papież.

Ikona „Chrystus Błogosławiciel” i Margaritone d'Arezzo „Święty Franciszek z Asyżu”

serwis prasowy Galerii Trietiakowskiej

Wystawa w Galeria Trietiakowska ozdobiony symbolicznie – w formie koła nawiązującego do Placu Św. Piotra. „Wszystko w projekcie zostało przemyślane, aż do koloru ścian – tak typowego dla Rzymu, a jednocześnie atrakcyjnego dla sal Watykanu” – zauważył Arkady Ippolitow. A słowa zostały zawarte w tytule Roma Aeterna- „wieczny Rzym”. Uroczystość wieczne Miasto składa się z jego arcydzieł.

Zainteresowanie Moskali sztuka klasyczna osiągnęła nowy poziom – przed Galerią Trietiakowską ustawiają się wielogodzinne kolejki po bilety na wystawę „Roma Aeterna. Arcydzieła Pinakoteki Watykańskiej. Belliniego, Raphaela, Caravaggia.” Wystawę otwarto pod koniec listopada, ale dotarcie na nią okazało się jeszcze trudniejsze niż ekspozycje Sierowa i Aiwazowskiego, słynących z ogromnego popytu. Na prośbę Watykanu zwiedzający mogą zwiedzać w małych grupach po 70 osób na pół godziny, a bilety sprzedawane są z wyprzedzeniem. W rezultacie w pierwszych dniach wszystkie bilety na grudzień zostały wyprzedane, a obecne kolejki tworzą osoby chcące przyjść na wystawę w styczniu. Powód zainteresowania jest jasny: część z 42 zaprezentowanych prac nigdy wcześniej nie opuściła Watykanu, a kuratorem wystawy jest jeden z najbardziej autorytatywnych rosyjskich krytyków sztuki Arkady Ippolitow. Republic wybrała 11 prac, które dają wgląd w trudną do znalezienia wystawę i zadała pytanie krytyk sztuki Irina Chmyreva wyjaśnij, co jest specjalnego w każdym z nich.

Bez figury Historia Caravaggia malowanie wyglądałoby zupełnie inaczej. I nie chodzi o to, że jego biografia jest pełna niesamowitych zwrotów akcji, ale o to, że on sam był niezwykłą osobą w porównaniu z typami swojej epoki. Caravaggio ujrzał światło. I dzięki swojej specjalnej metodzie przedstawił go, uczynił go głównym bohaterem obrazu. Przez Sztuka Caravaggia malarstwo rozwijało się przez kilka następnych stuleci, a malarstwo światłem, jakby wydobywając tematy z ciemności tła obrazu, zaczęto nazywać „malarstwem karawaggizmu” lub „karawagizmem”. Światło Caravaggia ma znaczenie wyłącznie symboliczne, jest światłem barokowej tragedii: człowiek zdawał się utracić ochronną osłonę wiary i na granicy emocji, pogrążając się w doświadczeniu jak w otchłani, zdał sobie sprawę ze śmiertelności, skończoność jego istnienia i cierpienia, fizyczny ból Chrystusa i męczenników jako swój własny. Malarstwo samego Caravaggia to paradoks harmonii kompozycji i dokładności anatomicznego oddania każdego ruchu, światło, które przełamuje ciemność i zatrzymuje czas, powoli wydobywając z ciemności sceny biblijne.

Michelangelo Merisi, nazywany Caravaggio. Pochówek, ok. 1603–1604. Foto: Muzea Watykańskie

Veronese to wielki wenecjanin, którego kolory łączą srebrną i szkarłatną czerwień, złoto i szlachetną zieleń niebieskie odcienie. Od czasów gotyckich ikon di Nardo minęły jakieś dwa stulecia, a w kościołach ich miejsce zajęły malowidła, które niczym magiczne rydwany mogły przenieść widza w dowolny moment historii sakralnej z najwyższym stopniem wrażeń zmysłowych. Veronese to wspaniały rysownik, ale przede wszystkim malarz i miłośnik efektów teatralnych – dramatycznego światła, wyrazistych gestów. Każdy obraz jest delikatny i inscenizowany z dużą skalą. scena teatralna. Obraca historie z życia królowie biblijni i chrześcijańscy męczennicy w postaci wspaniałych bohaterów. Na obrazie z Watykanu krzyż Pański ukazuje się Świętej Helenie we śnie. Ale to nie jest sen o ciszy, to jest marzenie o festiwalu kolorów i efektów świetlnych.

Paolo Cagliari, nazywany Paolo Veronese. Wizja Świętej Heleny, ok. 1575–1580. Foto: Muzea Watykańskie

Św. Placida (Placide) Perugino to nie tyle benedyktyński mnich-spowiednik, słynący z głębokiej wiary i czczony w niektórych rejonach Włoch aż do corocznych defilad poświęconych mu. Święty Perugino jest anielskim kontemplatorem gwiaździstych głębin nieba. Słynie z obrazów Madonny, Pietro Vannucci z Perugii i na tym uroczym portrecie nadaje mnichowi podobieństwo do pięknych młodych stworzeń, podkreślając nieziemski urok syna patrycjusza, który stał się gorliwym naśladowcą samego św. Benedykta.

Pietro Vannucci, nazywany Perugino. Święty Placis, 1495–1498. Foto: Muzea Watykańskie

Widzimy bardzo konwencjonalny obraz św. Franciszka, właściwie zapisany „w specjalnym języku” starożytnej ikony. Święty ukazuje się w pełni wzrostu, nosząc swoje piętna – rany krwawiące niczym rany Chrystusa; Naturalnie jego twarz jest zamknięta w konwencjonalnym owalu kaptura, a wyraz jego twarzy nie jest pozbawiony przebiegłości i niemal barbarzyńskiej atrakcyjności. Postać artysty, który stworzył tę ikonę, jest tajemnicza, zachowała się na jego temat rozczarowująco niewiele dokumentów: żył w XIII wieku, pracował w Arezzo. To właśnie w tym czasie w tym toskańskim mieście rozwijała się nauka i sztuka, muzyka i matematyka – stamtąd pochodził Guido Aretinsky, ojciec nowoczesnego systemu notacji muzycznej. Konwencję pisania wizerunku św. Franciszka można więc skorelować także z muzyką: spójrzcie, jak melodyjne są linie, jak zadziwiająco rytmicznie ułożona jest postać i naprzemienne „uderzenia” świetlnych miejsc dłoni i stóp na ciemne tło jego sutannę. Margarito di Magnano zasłynęło poza granicami Włoch w połowie XVI wieku dzięki Żywotom Vasariego. Można przypuszczać, że pisarstwo Margarito di Magnano było postrzegane jako archaiczne, zbyt mocno kojarzone ze starą szkołą pisania ikon, ukazywało wpływy koptyjskiej i greckiej szkoły malowania ikon, jednak autorytet tego artysty był wśród jego potomków bardzo duży .

Margarito di Magnano, nazywany Margaritone d'Arezzo. Święty Franciszek z Asyżu, 1250–1270. Foto: Muzea Watykańskie

Ci, którzy nie byli w Wenecji i nie widzieli obrazów Giovanniego Belliniego w mlecznym świetle weneckich zim, mogą być zaskoczeni pewną sztywnością jego rysunku. Wydaje nam się to znajome po obrazie Albrechta Durera, który nazwał Giovanniego Belliniego najlepszym malarzem Wenecji. Bellini to duża dynastia malarzy, wśród których Giovanni wyróżnia się mistrzostwem koloru i rysunku, prawdziwie symfoniczną złożonością gestów, kombinacją postaci w jego kompozycje wielofigurowe. I oczywiście w swoich obrazach niesamowite światło– przezroczyste, zimne i lśniące złoto, nadające wszystkiemu, co się wydarza, powagę i transcendencję. To tak, jakby wszystko na obrazach Belliniego było tylko odbiciem w weneckich lustrach ze złotym amalgamatem.

Giovanniego Belliniego. Opłakiwanie Chrystusa z Józefem z Arymatei, Nikodemem i Marią Magdaleną, ok. 1471–1474. Foto: Muzea Watykańskie

Urodzony i kończący życie w Bolonii, Guido Reni jest artystą, któremu udało się współpracować z dekoratorami w Rzymie i Neapolu, wśród nowatorskich malarzy, którzy poszli za Caravaggio. W rodzinne miasto Reni stała się jednym z założycieli bolońskiej szkoły malarstwa, która usprawniła Edukacja plastyczna, które określają zasady i kryteria oceny jakości pracy artysty. Ale Guido Reni interesuje nas przede wszystkim jako malarza barokowego, u którego światło staje się obszerne. To nie kreska, a pociągnięcie pędzla, które ma swoją objętość, niczym kosztowny haft satynowy, koloryzuje fabułę obrazu, wydobywa go z mroku. Ponadto z Pinakoteki Watykańskiej przywieźli nam jedno z arcydzieł artysty – „Św. Mateusz i Anioł”.

Guido Reni. Święty Mateusz i Anioł, ok. 1620. Fot. Muzea Watykańskie

Florentine di Nardo był synem rzeźbiarza i swoje najlepsze dzieła stworzył w swoim rodzinnym mieście. Mariotto di Nardo jest zwykle uważany za przedstawiciela florenckiej szkoły sztuki gotyckiej. Jeśli jednak przyjrzeć się bliżej jego „Bożonarodzeniom”, to niegotycka struktura i graficzny charakter obrazu z nim kojarzą się tradycja architektoniczna, przyciągają nas, a żywość detali obserwowanych przez artystę - oto uważny pies i odpoczywająca owca, i ręce pasterza zaciśnięte do modlitwy, i precyzyjnie podglądane sylwetki współczesnych, przeniesione na kompozycję. Uwagę zwraca oczywiście muzyczna czystość rysunku di Nardo. W tym dziele, jakby stojąc na styku dwóch epok, ikony i obrazu – okna do innego świata – dostrzegamy świąteczny posmak i symboliczne użycie koloru: nad błękitnymi górami jest złoto Nieba, ale góry ukazane są jako cenne fałdy materiału, a artysta z radością odnajduje w różnorodności odcienie błękitu, szarości, umbry i zieleni, by na ich tle namalować postacie pasterzy i pogrążonego w smutku Józefa.

Mariotto di Nardo. Boże Narodzenie. Predela, ok. 1385. Fot. Muzea Watykańskie

Ten fragment fresku ze zniszczonego w XVIII wieku kościoła przypomina słoneczny wiosenny dzień. Melozzo da Forlì działał w Rzymie pod koniec XV wieku, kiedy sława Botticellego i Piero della Francesca grzmiała po całych Włoszech, a wpływ tych artystów można prześledzić w złożoności zadań, jakie postawił sobie rzymski artysta: na przedstawieniu twarzy i dłoni z perspektywy od dołu, w złożony rysunek draperie ubrań. Ale anioł da Forli jest tak przystojny, tak atrakcyjny, że tylko suchy encyklopedysta zacznie wyliczać wszystkie cechy wpływów i różnic autorskich samego da Forli; reszta zapomni o wszystkim, patrząc na złote loki pod aureolą złotych gwiazd na błękitnym niebie i mimowolnie zacznie się uśmiechać.

Melozzo degli Ambrosi, nazywany Melozzo da Forli. Anioł grający na skrzypcach, 1480. Fot. Muzea Watykańskie

W 1054 r. doszło do Wielkiej Schizmy, rozłamu pomiędzy gałęziami Kościoła rzymskokatolickiego i prawosławnego. Ale ten fakt historyczny nie zmieniło tradycji starożytnej sztuki chrześcijańskiej, która rozwinęła się w jedności i kompletności połączenia lokalnych tradycji. Patrzymy na tę ikonę i jej język jest dla nas jasny - jest wspólny z językiem starożytnego rosyjskiego malowania ikon. Ten wizerunek Chrystusa łączy w sobie starożytne cechy pisma (jak je znamy z malowideł Pompejusza) i symboliczną twarz – z wielkimi oczami, jak na schematycznych obrazach z epoki wczesnochrześcijańskich świątyń jaskiniowych, oraz ustalony już system kolorystyczny kultowego język. Można tu także odnaleźć echo kultury romańskiej środkowej i środkowej Zachodnia Europa, zachowane bardziej w architekturze i rzeźbie niż w malarstwie. Jedna ikona – a za nią podróż tradycji po kontynencie i przepływ z stulecia na stulecie pierwszych wieków chrześcijańskiej kultury wizualnej.

Szkoła rzymska. Chrystus Błogosławieństwo, druga połowa XII wieku. Foto: Muzea Watykańskie

Francuski artysta, któremu udało się usystematyzować dziedzictwo we Włoszech Malarstwo włoskie, doświadczenia zgromadzone przez wieki swego rozwoju od ikony do malarstwa, Poussin stworzył system obrazu zbudowany na trójcy koloru i trójcy formy kompozycyjne, doświadczenie perspektywy i ścisły, kanoniczny dla niego sposób układania fabuły niektóre części przestrzeń obrazu. Udało mu się połączyć wiedzę o sztuce renesansu i starożytności. Jego system obrazkowy stał się najważniejszym zjawiskiem epoki klasycyzmu, będącym odzwierciedleniem w malarstwie klasycystycznej metody innych rodzajów sztuki. Ale swoimi obrazami Poussin był w stanie udowodnić, że jego metoda nie jest martwym dogmatem, ale że bohaterowie, umieszczeni wewnątrz płótna niczym aktorzy na scenie, stanowią część harmonijnej, migoczącej wizji, którą może stworzyć tylko geniusz.

Nicolas Poussin. Męczeństwo św. Erazma, 1628–1629. Foto: Muzea Watykańskie

Ten sezon wystawowy w Moskwie odbywa się pod znakiem Rafaela - właśnie zakończyła się jego wystawa w Muzeum Puszkina. JAK. Puszkin. Ale po tak elegancką iluzję optyczną można przyjść konkretnie: dwudziestotrzyletni artysta, uznawany przez współczesnych za utalentowanego rysownika, tworzy iluzję majoliki – ceramiczną rzeźbę pokrytą cennym szkliwem, po mistrzowsku oddającą kąt i wzór cieni na jego objętościach przy użyciu niezwykle ograniczonej, niemal monochromatycznej palety. Wstawki z majoliki zdobiły architekturę współczesną Rafaelowi i można przypuszczać, że dzieło to przeznaczone było do wnętrza komnaty, mające na celu wprowadzenie do niego znaczenia symboliczne. Kobieca postać, przytulająca dzieci – Miłosierdzie, otoczona jest figurami puttów z koszem żywego płomienia (żarliwego pragnienia i energii duchowej niezbędnej do dzieł miłosierdzia) i koszem winogron (owoców wiary chrześcijańskiej).

Rafał Santi. Miłosierdzia, 1507. Fot. Muzea Watykańskie